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Marzo 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Marzo de 2020.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3 )

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  Y para terminar esta noche aunque no tan mágica  como en años anteriores del cine mundial, algo más sobre esta obra maestra (para mi) del cine de ciencia-ficción.

                           "La filosofía-ficción."

  Extraña, cautivadora, dificil y abierta a múltiples interpretaciones, "2001:Una odisea del espacio" supuso la consagración de Stanley Kubrick como director de culto y le dió al género de ciencia-ficción una nueva dimensión, muy alejada de las clásicas aventuras galácticas de bajo presupuesto. La película presentó ademas importantes adelantos en el terreno de los efectos especiales, de los que pronto se aprovecharon otros cineastas para crear fantasias espectaculares.

  Como le ocurrió en la mayor parte de sus películas, Kubrick vivió obsesionado con el proyecto de esta historia durante varios años. Al director le interesaba mucho todos los asuntos relacionados con la carrera espacial, pero no encontraba ningún componente que le sirviera de disculpa para construir su película. Por eso contactó con Arthur C. Clarke-novelista, astrónomo, fisico y matemático-, para proponerle que trabajaran juntos en el guión de una posible película. Partiendo de un relato de Clarke titulado "El centinela", Kubrick y este escritor pasaron asi ocho meses trabajando en el texto hasta que apareció el guión de "2001: Una odisea del espacio". No fue tarea fácil. De hecho Clarke no quedó en absoluto convencido de la historia final que aprobó Kubrick y, mientras este realizaba su película, escribió su propia novela con el mismo título de la pelicula.

  El cineasta buscaba hacer un trabajo absolutamente experimental que no tuviera nada que ver con la narrativa clásica heredada de la novela y el teatro. "Traté de crear una experiencia visual, que llegase al espectador en el nivel interior de la conciencia, como lo hace la música", explicó más tarde Kubrick.

  "2001: Una odisea del espacio" se rodó en los estudios Shepperton de Londres, Inglaterra, Escocia y Estados Unidos a lo largo de jornadas agotadoras. En su afán de perfeccionísmo, Kubrick implicó en el proyecto a ingenieros de la NASA, a técnicos de IBM y hasta controladores de vuelo. Con un presupuesto superior a los 10 millones de dólares, el director dedicó cuatro meses a completar todas las tomas en las que aparecen actores.

  Posteriormente, durante un año y medio estuvo al frente del de 205 planos que contenian efectos especiales. El mismo estuvo al frente del equipo de efectos, aunque contó con la colaboración de grandes profesionales, como eran Douglas Trumbull y Wally Veevers. Utilizando auténticos diseños de la NASA, se construyeron dos reproduciones de la nave Discovery de 18 metros de longitud y otra de solo 4 metros. Además, se diseñó expresamente para la pelicula un decorado circular de 12 metros de diámetro, que contaba con un mecanísmo similar al de una centrifugadora y que lo hacia girar a una velocidad de 5 km. por hora.

  Las fascinantes imágenes de la película y su pretendida carga intelectual y filosófica sorprendieron de tal forma a los criticos de la época que inmediatamente la calificaron de obra maestra. El público, aunque gran parte no llegó a entender gran cosa, no cuestionó la opinión de los especialístas. La película se convirtió en la obra de ciencia-ficción más importante vista hasta entonces.

  En el año 1984, Peter Hyams, realizó una secuela de la película titulada "2010 Odisea dos" ("2010. The Year We Make Contact"), basada en otro relato de Arthur C. Clarke, que contó con Roy Scheider y John Lithgow como protagonístas y que no, obstante, pasó por la cartelera sin pena ni gloria.

01/03/2020 10:05 Pablo #. sin tema Hay 11 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                         KIRK DOUGLAS

                          "El hijo del trapero"

  El pasado 5 de febrero y a la edad de 103 años falleció el mítico Kirk Douglas.

  Hijo de padres campesinos judios procedentes de Chavusy, en la región de Maguilov, en el imperio ruso (actualmente Bielorrusia). El padre  de Kirk, Herschel Danielóvich, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles de Amsterdam, Nueva York, pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un varón, por lo que Kirk Douglas tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendia refrescos y dulces en la calle y también repartió periódicos durante una temporada. Su padre abandonó el hogar familiar cuando Kirk tenia cinco años.

  Kirk Douglas tuvo su primer contacto con el mundo de la actuación en la escuela primaria y en el instituto de educación secundaria (Wilbor Lynch High School), donde ganó una medalla por recitar el poema "Across the Border". En ese tiempo se inició en la oratoria y el debate, uniéndose al equipo del instituto.

  A los 17 años terminó la secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario de dependiente (por aquel entonces trabajaba en unos almacenes) no le alcanzaba para ingresar. Aún asi, Kirk decidió solicitar su admisión en la St. Lawrence University de Nueva York directamente al decano, que le aceptó a cambio de que Kirk trabajase alli como jardinero (posteriormente como bedel) mientras estudiase allí. Kirk estuvo en el St.Lawrence desde 1935 hasta 1939, donde se graduó en letras con el titulo de "Bachelor of Arts" (equivalente al actual grado de Filosofía y Letras).

  En esos cuatro años de universidad, Kirk además destacó en otras actividades, en especial en lucha libre, llegando a se campeón invicto del St.Lawrence y ganador del "Campeonato de lucha libre universitario". Se dedicó también al debate y al teatro, uniéndose a un grupo de teatro de la universidad, The Mummers. Durante un verano participó en un número teatral de una feria, actuando como luchador, como el propio Kirk Douglas describió: "Teniamos un número donde yo era un chico del público que se salía al escenario para enfrentarse al campeón. A efectos interpretativos fue un gran aprendizaje".

  Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. Durante su estanciia allí, Kirk impartía clases de arte dramático a los niños del centro y, durante los veranos, trabajaba en teatros veraniegos como profesional, y fue durante esta época en la que Kirk Douglas adoptó su nombre artístico. Fue también alli, en la Academia Norteamericana de Arte Dramático donde Kirk conoció a Lauren Bacall.

  Kirk Douglas centró entonces su objetivo en los escenarios teatrales de Broadway, donde debutó en 1941 en una obra llamada "Spring Again", protagonizada por sir Charles Aubrey Smith, y en 1942 participó como regidor en la obra "Las tres hermanas de Katherine Cornell". Ese mismo año fue llamado al servicio militar, y se incorporó a la Armada de los Estados Unidos, incorprándose en la escuela de guardiamarinas de la Notre Dame University, donde se graduó como alférez. Acto seguido fue destinado a la Unidad Antisubmarina 1139 en el Océano Pacífico, donde estuvo dos años (1942-1943) como oficial de telecomunicaciones.

  Cuando fue licenciado con honores, volvió a Nueva York y en casa de una amiga hojeó una revista (Life), donde aparecia una hermosa modelo y actriz llamada Diana Dill, con quien además habia coincidido en la American Academy Dramatic Arts, y con quien se casaría el 2 de noviembre de 1943. La pareja tuvo dos hijos: Michael  y Joel. Tras su regreso a Nueva York, Kirk participó en una obra llamada "Kiss and Tell", junto a Joan Claufield, donde sustituyó a Richard Widmark. Posteriormente trabajó en "Trio" de Dorothy Baker, y trabajó también en la radio como intérprete. Pero el debut de Kirk Douglas en el cine se produjo gracias a la ayuda de Lauren Bacall, que recomendó a Kirk  a Hal B. Wallis, productor y cazatalentos de la Paramount. El resultado de esto fue una prueba, junto a Montgomery Clift y Richard Widmark (para los tres sería su primera aparición en el cine), para la pelicula "El extraño amor de Martha Ivers" ("The Strage Love of Martha Ivers"-1946), prueba de la que Kirk salió victorioso, obteniendo el papel de Walter, esposo de la protagonísta Barbara Stanwyck.

  En 1947, Wallis, cedió los derechos de Kirk a la productora RKO para dos películas: "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947) y "A Electra le sienta bien el luto" ("Mouring Becomes Electra"-1947). Después Kirk Douglas pasó a trabajar para la 20th Century Fox, donde debutaría con "Murallas humanas" ("The Walls of Jericho"-1948), y trabajaría para directores como Joseph L. Mankiewicz, en "Carta a tres esposas" ("A Letter to Three Wives"-1949).

  En 1949 su carrera dió un giro cuando interpretó a un boxeador en la película "El idolo de barro" ("Champion"-1949), de Mark Robson, donde por su realísta interpretación fue nominado al Oscar al mejor actor. Kirk había rechazado un papel en "El gran pecador" ("The Gread Sinner"-1949), con Ava Gardner y Gregory Peck ( y un sueldo de 50.000 dólares), para apostar por la producción de Stanley Kramer y Robson. La película ganó un Oscar al mejor montaje, y fue la que sirvió a Kirk Douglas para mostrar, por primera vez, su carácter a la hora de actuar.

  Kirk Douglas se hizo conocido por su temperamental carácter y sus ideas de izquierdas, que le granjearon enemistades dentro de la alta cúpula de Hollywood y frenaron su carrera y reconocimientos justificados. Pero su carácter no sólo le granjeó enemigos, el director Vicente Minnelli dijo que "trabajar con Kirk Douglas en las tres películas que hicimos juntos fue, hasta donde me alcanza la memoria, la colaboración más gratificante y estimulante de mi vida". El mismo director llegó a definir a Kirk Douglas en su faceta profesional: "Kirk Douglas se caracteriza por un vigor y una energia incansable, por su disposición a probarlo todo y por el interés absoluto que le merece su aspecto fisico. Eso de ser el héroe guapo le trae sin cuidado. Su entusiasmo y su entrega al proyecto son contagiosos".

  En 1951, Diana Douglas solicitó el divorcio a Kirk Douglas,  debido a las infidelidades del actor, que tuvo conocidos romances con Pier Angeli, Ann Sothern, Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Gene Tierney, Joan Crawford, Patricia Neal, Mia Farrow y Faye Dunaway, como el propio Kirk escribió en su autobiografía. Además Kirk tuvo romances tras su divorcio con otras, Terry Moore y Debie Reynolds. El 29 de mayo de 1954, Kirk se casó por segunda vez con Anne Mars Buydens, una agente de prensa a quien conoció durante el rodaje de "Acto de amor" ("Act of Love"-1953), y con quien tuvo dos hijos, Peter y Eric.

  En 1954 Kirk participó en la superproducción de Walt Disney "20.000 leguas de viaje submarino" ("20.000 Leagues Under the sea"-1954), por la que ganó 175.000 dólares. Este fue su mayor éxito desde "El idolo de barro". En los años posteriores participó en producciones como "La pradera sin ley" ("Man Without a Star"-1955), de King Vidor y "Hombres temerarios" ("The Racers"-1955), de Henry Hathaway. En 1955 Kirk fundó su propia productora cinematográfica, Bryna, llamada asi en honor a su madre, y realizó su primera pelìcula como productor "Pacto de honor" ("The Indian Fight"-1955) dirigida por André De Toth.

  "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) significó para Kirk Douglas el reconocimiento de la critica al obtener el premio al mejor actor del año del Circulo de Criticos de Nueva York. Catherine de la Roche dijo de Kirk que: "su temperamento formidable, combinado aqui con una gravedad no preceptible en otros trabajos, le permite crear una caracterización llena de autoridad, verdad y momentos de genuina tragedia". Posteriormente  participó en "Duelo de titanes" (Gunfight at the OK Corral"-1957), de John Sturges, compartiendo protagonísmo con Burt Lancaster, dando vida a Doc Holliday.

  Stanley Kubrick se fijó entonces en Kirk para "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), y le ofreció 350.000 dólares, lo que suponía un tercio del presupuesto total del proyecto, Kirk interpretó a un coronel del ejército francés encargado de la defensa en el juicio militar de tres de sus hombres, fue crucial para la realización de la película, dado que Kubrick no encontró estudio dispuesto a financiar la película hasta que Kirk Douglas (junto con su productora Bryna) aceptó su papel en ella.

  En 1958, Bryna produjo y Kirk protagonizó "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), Hal B. Wallis volvió a pensar en él para participar en otro western de John Sturges, "El último tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), dado el previo éxito de "Duelo de titanes". Kirk volvió a la producción con "Espartaco" ("Spartacus"-1960), película que también protagonizó y cuyo presupuesto inicial alcanzó los 12 millones de dólares, obteniendo cuatro premios Oscar, si bien el rodaje atravesó varios problemas y llevó más de un año.

  Kirk Douglas contrató a Dalton Trumbo para la adaptación del libro "Spartacus", de Howard Fast, y consiguió (con la ayuda de Charles Laugton y Lawrence Olivier) que su nombre apareciese en los títulos de crédito, pese al veto al que el guionísta estaba sometido (Trumbo era uno de "Los diez de Hollywood"). Posteriormente Kirk Douglas acudió a la productora United Artists, cuya respuesta fue negativa, pues la productora tenia en proyecto la producción de "The Gladiators", de historia similar. Finalmente, Kirk encontró apoyo en Universal Pictures para la producción de la película.

  La década de los 60 continuó para Kirk con "Un extraño en mi vida" (Strangers When We Meet"-1960), y "El último atardecer" ("The Last  Sunset"-1961), y en la producción de peliculas propias, que no funcionaron muy bien: "Ciudad sin piedad" ("Town Wiyhout Pity"-1961), "Los valientes andan solos" ("Lonely are the Brave"-1962), "Dos semanas en otra ciudad" ("Two Weeks in Another Town"-1962), "Silencio de muerte" ("The Hook"-1963), "Tres herederas" ("For Love or Money"-1963), "El último de la lista" ("The List of Adrian Messenger"-1963) y "Siete dias de mayo" ("Seven Days in May"-1964). En 1963 Kirk Douglas volvió a Broadway para protagonizar "Alguién voló sobre el nido del Cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"), e incluso intentó llevar a cabo una adaptación cinematográfica, aunque no consiguió apoyo, asi que cedió los derechos de la novela a su hijo Michael, cuya posterior versión cinematográfica con Jack Nicholson resultó un éxito en 1975.

  La vuelta de Kirk Douglas a la gran pantalla compartió temática militar con "Primera victoria" ("In Harm’s Way"-1965), "Los héroes de Telemark" ("The Heroes of Telemark"-1965), "La sombra de un gigante" ("Cast a Giant Shadow"-1966) y "¿Arde Paris?" ("Paris brûte-t-il?"-1966). Posteriormente, participó en dos westerns no muy exitosos: "Camino de Oregón" ("The Way West"-1967) con Richard Widmark y Robert Mitchum, y "Ataque al carro blindado" ("The War Wagon"-1967), con John Wayne. Fue en 1969 cuando Kirk Douglas volvió a conseguir la aclamación de la critica, con su papel en "El compromiso" ("The Arrangement"-1969) de Elia Kazan.

  En la década de 1970, el actor participó en proyectos de lo más variado, desde una película financiada por los "jacarrillos" "El gran duelo" ("A Gungight"-1970) hasta una producción yugoslava en la que participó tanto como productor, como actor "Pata de palo" ("Scalawag"-1973). Participó en varios proyectos cinematográficos "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970), "La luz del fin del mundo" ("The Light at the Edge of the World"-1971) y televisivos, entre los que destacó su papel protagonista en "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" de la NBC.

  El actor tocó fondo (en lo que en la critica y recaudación se refiere) con la producción italiana "Holcausto 2000"-1977, y cerró la década con "Cactus Jack" ("The Villian"-1979). En 1980 participó como protagonísta en la última producción de Bryna, "El final de la cuenta atrás" ("The Final Countdown"-1980). Ese mismo año, tras abandonar el rodaje de "Acorralado" ("Rambo: First Blood"-1982), volvería a la escena teatral con su amigo Burt Lancaster, en la obra "The Boys in Autumm", que interpretaron en San Francisco. A partir de 1980, disminuyó su actividad en el cine, si bien ocasionalmente trabajó para directores de renombre como John Landis en "Oscar ¡quita las manos!" ("Oscar"-1991) y Fred Schepisi en "Cosas de familia" ("It Runs in the Family"-2003).

  En 1985, Kirk volvió a formar equipo con Lancaster protagonizando la gala de la entrega de los Oscar, lo que inspiró la película "Otra ciudad otra ley" ("Tough Guys"-1986), que James Orr y James Cruikshank decidieron escribir al ver al duo de actores en el escenario, entregando a ambos los papeles protagonístas. La década de los noventa unicamente reservó a Kirk Douglas cuatro papeles en películas menores, que serian "Bienvenido a Veraz" ("Veraz"-1991), la mencionada "Oscar"-1991, "Greedy"-1994 y "Diamonds"-1999. Su última trabajo para el cine fue con la película de Michael A. Goorjian, "Illusion"-2004.

  Fue candidato al Oscar en tres ocasiones, aunque nunca lo ganó, debido a sus tendencias políticas, sin embargo, fue galardonado en 1996 con un Oscar honorífico por sus más de 50 años de dedicación a la industria del cine.

  Issur Danielovitch Demsky (Kirk Douglas) - Amsterdan, Nueva York (Estados Unidos) - 9-diciembre-1916 - Los Angeles (estados Unidos) - 5 - febrero - 2020.

                                        ¡DESCANSE EN PAZ!

02/03/2020 09:31 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful - 1952)

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          En Recuerdo de: Kirk Douglas

  James Lee, tienes una mente muy traviesa... Me alegra decirlo.

  Extraordinaria y a la vez asfixiante película de género melodramático del cine dentro del cine y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de George Bradshaw. Un escritor y periodísta nacido en Virginia. Se graduó en la Universidad de Princenton en 1930. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en las Fuerzas Aéreas norteamericanas. Escribió más de 150 historias cortas para varias revistas como por ejemplo: Vogue y Cosmopolitan entre otras. Varias de ellas adaptadas para el cine.

  El guión corrió a cargo de Charles Schnee. Un escritor nacido en Connecticut. Se licenció en derecho pero lo abandonó para convertirse en guionísta a mediados de la década de 1940. Llegó a Hollywood en 1945 y su primer guión fue para la película "De hoy en adelante" ("From This Day Forward"-1946) interpretada por Joan Fontaine, a la que siguió "Cross My Heart"-1946, ambas para la Paramount. Más tarde se pasó a RKO para trabajar a las órdenes de Nicholas Ray en "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Un año más tarde la MGM solicitó de sus servicios para escribir tres películas: "Escena de un crimen" ("Scene of the Crime-1949), "Amargo desquite" ("Paid  in Full"-1950) y "Cruce de derecho" ("Right Cross"-1950) de John Sturges. Después de pasar una larga temporada con la MGM y cosechar múltiples premios se convirtió definitivamente en productor independiente.

  "Cautivos del mal" está dirigida por Vincente Minnelli. Un director (apodado el padre del musical) nacido en Chicago. Antes de convertirse en director de decorados y de vestuario, y luego en director en Broadway, Vincente Minnelli tuvo una experiencia temprana como actor infantil. El famoso productor de musicales Arthur Fred le llevó a Hollywood. Tras dirigir varios números musicales en algunas películas de Busby Berkeley, Minnelli debutó como director en la película "Una cabaña en el cielo" ("Cabin in the Sky"-1943).

  Su talento como creador de espectáculos elegantes y director de actores se hizo evidente en "Cita en San Luis" ("Meet Me in St. Louis"-1944), con Judy Garland. En 1945 se casó con Judy, la primera de sus cuatro esposas, y de este matrimonio nacería en 1946 la cantante y actriz Liza Minnelli. Siguieron algunos musicales más, entre ellos "El pirata" ("The Pirate"-1948), donde también participaba Judy Garland, y el innovador "Un americano en Paris" ("An American in Paris-1951). En este último hizo su debut cinematográfico Leslie Caron, y también trabajó Gene Kelly que estaba en el mejor momento de su carrera. Su obra destacó por su belleza visual, según sus propias palabras: "Lo que se busca en las películas, lo que se intenta crear, es un poco de magia."

  Aunque Minnelli siguió dirigiendo musicales mágicos como "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953), con Fred Astaire y "Gigi"-1958 con Leslie Caron y Maurice Chevalier, cada vez se inclinaba más por la comedia, con películas como "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), y por los melodramas como "Cautivos del mal" (The Bad and thr Beautiful"-1952), donde Kirk Douglas interpreta a un productor hollywoodiense melagómeno. Los dramas de este periodo igual de memorables, conservan su estilo personal unido a un trabajo de cámara fluido y a un elegante diseño. Entre ellos están "La tela de araña" ("Cobweb"-1955), un drama médico con un elenco estelar; "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), con Kirk Douglas, en el papel de Vincent van Gogh y "Con él llegó el escándalo" ("Home from the Hill"-1960), con Robrt Mitchum. Su último trabajo fue con la película "Nina"-1976, protagonizada por su hija Liza Minnelli e Ingrid Bergman.

  Asi pues, Minnelli nos lleva hasta Hollywood y alrededores. Y en donde el antiguo productor Jonathan Shields, inactivo durante los últimos años, se pone en contacto con cuatro de sus antiguos colaboradores: Georgia Lorrison, actriz sofisticada; Fred Amsel, director de éxito; James Lee Bartlow, guionísta prestigioso, galardonado recientemente con el Pulitzer, y el productor ejecutivo Harry Pebbel. Este cita a los tres en su despacho y  trata de convencerles para que acepten la invitación de Shields de participar en una nueva película. Jonathan es un hombre autoritario, despótico, desconsiderado, egoísta, despiadado y traicionero. Ambicioso, megalómano y manipulador, carece de escrúpulos y de ética. No tiene amigos...

  La película suma drama y romance. Presenta una visión ácida y critica de la industria cinematográfica y del mundo del cine hecha desde dentro. Se ha dicho que es la mejor película de Hollywood sobre Hollywood. En todo caso es una buenísima película, una gran película que trata de un tema de gran interés cinéfilo. El titulo original, "The Bad and the Beautiful" hace referencia al productor Shields (el malo) y la esplendorosa protagonísta femenina (la bella). Evoca el mito de la bella y la bestia. El titulo provisional ("working tittle"), que coincide con el relato breve, "Tribute to Bad Man", pone el acento en la malicia, la malignidad, la maldad y perversidad del protagonísta, que constituye el foco de atención del relato.

  La narración desarrolla una historia de intenso dramatismo, que Minnelli dota de tonos vivos y trazos profundos. Añade episodios singulares que aportan impactos dramáticos sorprendentes y de gran fuerza (súbito lanzamiento de la chica llevada en brazos a la piscina). Varios de estos episodios el director los muestra en imágenes, de acuerdo a sus preferencias por la visualidad. La experiencia teatral le permite crear un juego escénico brillante, del que extrae recursos que intensifican la fuerza dramática. Minnelli, construye un drama profundo y vigoroso, de acertadas atmósferas, que es una de las cimas de su filmografía.

  La estructura narrativa se basa en el uso de flashbacks para recordar hechos del pasado desde perspectivas diversas. El texto contiene citas, expresiones y afirmaciones puestas en boca de los personajes, llenas de pesimismo y desesperanza, como: "El amor es cosa de chiquillos", "El amor sólo existe en los sueños". Bajo la lectura directa, el relato contiene un amplio repertorio de referencias a personas del mundo de Hollywood, que dan textura y emoción al texto. La figura del productor se inspira en David O. Selznick, con rasgos de Irving Thalberg y Darryl F. Zanuck. Añade referencias a Val Lawton, Orson Welles, Raymond Chandler y a otros.

  El director Fred Amiel y su ayudante Miss March se inspiran en Alfred Hitchcock y su esposa Alma Reville. Georgia Lorrison suma ecos de Diana Barrymore y Judy Garland, ex-esposa de Minnelli. El padre de Georgia recuerda a John Barrymore. Hay más similitudes y coincidencias. La combinación de dramatismo y experiencias caricaturescas a personajes famosos del cine, confieren a la obra una frescura y una intensidad que el director aprovecha con maestria y óptimos resultados. El salpicado de humor incluye referencias hilarantes al cine de serie B, al cine de monstruos, al cine de terror, a los westerns de bajo presupuesto, a las superproducciones mejicanas ("The Faredey Mountain"), a los dramones rodados en 10 dias, etc. Denuncia el culto a las falsas experiencias y a las apariencias (ceremonia fúnebre con figurantes de pago), el presumir de poder económico, la hipocresía, el abuso de poder, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raskin. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para el cine y de 300 para la televisión. Fue conocido como "el abuelo de las bandas sonoras". Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin con la película "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936), en colaboración por supuesto con Chaplin. También será recordado por su banda sonora para la oscarizada "Laura"-1944, Johnny Mercer puso la letra. Su último trabajo fue para "El más valiente entre mil" ("Will Penny"-1967) un crepúscular western protagonizado por Charlton Heston.

  Y en esta obra maestra del cine dentro del cine ofreciéndonos una partitura de graves evocaciones trágicas, que envuelven y elevan los recurrentes estallidos de dramatismo. Son notables los cortes "Love The Very Youngs", "The Acting Lesson" y "Nocturno". Como música añadida incorpora dos gratas melodias: "Don’t Blame Me" y "Templation".

  La fotografia en blanco y negro se la debemos a Robert Surtees. Un director de fotografia nacido en Kentucky. Aunque se crió en Ohio, alli consiguió un trabajo como fotógrafo y retocador en un estudio de retratos de Cincinnati. Más tarde se mudó a Nueva York para estudiar fotografía. Con la intención de asistir a la universidad hizo de nuevo las maletas y se mudó a California en 1925 fue alli donde le ofrecieron un trabajo para la Universal estuvo dos años como asistente de Charles Stumor. La primera película como director de fotografía fue "This Precious Freedwon"-1942 una película de propaganda hecha para el ejército estadounidense que sólo se lanzó para el ejército. Poco después se cambió a MGM donde comenzó su largo mandato y produjo su trabajo más notable. Filmó más de 100 películas en su carrera de 50 años incluida la oscarizada "Ben-Hur"-1959.

 

  Y en esta historia de cine en estado puro, aportando un diligente trabajo de cámara y una narración realista, sincera y austera, aderezada con acertados toques de humor visual.

  Inmenso Kirk Douglas, "Brigada 21" ("Detective Story"-1951), metido hasta el alma en el personaje de Jonathan Shields, un tiránico y manipulador productor de cine. Y con él la bellisima Lana Turner, "El cartero siempre llama dos veces" ("The Postman Always Rings Twice"-1946), en el papel de Georgia Lorrison, una sostificada actriz. Seguidos por un estelar reparto de grandes actores (se ha dicho que Minnelli era un director de actores, aqui está la prueba), comenzando por Walter Pidgeon, "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941), como Harry Pebbel, el productor; Dick Powell, "Las tres noches de Susana"("Susan Slep Here"-1954), como James Lee Bartlow, un exitoso escritor; Barry Sullivan, "Esclavos del pecado" (An American Dream"-1966), como Fred Amiel, el director; Gloria Grahame (la gran triunfadora), "Deseos humanos" ("Human Desire"-1954), como Rosemary, la esposa infiel de Bartlow; Gilbert Roland, "La sirena de las aguas verdes" ("Underwater!"-1955), como "Gaucho" el actor principal; Leo G. Carroll, "El premio" ("The Prize"-1963), como Henry Whitfield; Paul Stewart, "La ventana" ("The Window"-1949), como Syd; Kathlen Freeman, "El rastro del asesino" ("The Midnight Story"-1957), como Miss March, la ayudante de Amiel...

  En definitiva: Extraordinario reparto, soberbia dirección, magnífico guión, sobresaliente fotografía, y una ambientación de quitar el hipo. Vamos lo que se dice un cóctel que deja al desnudo lo más intimo de Hollywood... ¿podemos pedir algo más?. Matricula de Honor.

  "Cautivos del mal" logró cinco Oscar en 1952: Actriz secundaria (Gloria Grahame), Guión (Charles Schnee), Fotografia en blanco y negro (Robert Surtess), Dirección artistica (Edward Carfagne, Edwin Willis y Keogh Gleason) y Vestuario en blanco y negro (Hellen Rose).

  Kirk Douglas estuvo nominado al mejor actor. Fue Gary Cooper con "Solo ante el peligro" ("High Noon") quien se hizo con la preciada estatuilla. Pero si Kirk Douglas logró ese año el Globo de Oro al mejor actor (aqui no tuvo rival).

 

 



 

 

06/03/2020 17:16 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.

Europa'51 - 1952

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  El hijo, está empeñado en levantar a su madre de la mesa social, de poner en evidencia ese no lugar, la atopia de la madre. ¿Será esta la verdad desconocida?...

  Obra maestra del cine italiano y considerada parte de la triologia de la sociedad de Rossellini, junto con "Stromboli"-1949 y "Viaggia in Italia"-1953. El guión corrió a cargo de cinco prestigiosos escritores como fueron: Sandro De Feo. Un escritor y guionísta nacido en Modugno (Italia). Comenzó como critico literario para diversas revistas italianas: Il Menssagero, Il Corriere della Sera, L’Expresso, La Stampa,  y L’Europeo. Para el cine escribió para numerosos directores en películas como: "Una pequeña esposa" ("Una piccola moglie"-1943) de Giorgio Bianchi o "La provinciana" ("La Provinciale"-1953) protagonizada por Gina Lollobrigida. El segundo fue Mario Panunfio. Un periodista y politico nacido en Guglielmo (Italia). Se graduó muy joven en Dereccho, para después dedicarse a la pintura. Entre 1936 y 1937 fué cuando se dedicó al cine y filmó el cortometraje "Vecchio Tabarin" que fue muy discutido. Volvió al periodismo un año después donde mantuvo una columna de critica cinematográfica. Durante la ocupación alemana de Roma formó un grupo liberal clandestino con otros amigos romanos: el Moviminto Liberal italiano, que le valió ser arrestado por los nazis y pasó unos meses en la prisión de Regina Coeli. Entre sus guiones cinematográficos hay que destacar "Una historia de amor" ("Una storia d’amore"-1942) de Mario Camerini y "El vestido de novia negro" ("L’abito nero da sposa"-1945) de Luigi Zampa.

  El tercer guionísta fue Ivo Perilli. Un escritor nacido en Roma. Sus comienzos en el cine fueron en 1933 con la película ""Te amaré siempre" ("T’ameró sempre") de Mario Camerini y su último trabajo con la pelicula de Luigi Comencini, "¡Dios mio, como he caido tan bajo!" ("Mio Dio, ven sono caduta en basso!"-1974). Escribió un total de 54 películas. El cuarto  guionísta lo escribió Brunello Rondi. Un prolífico guionísa nacido en Tireno (Italia) y muy conocido por sus frecuentes colaboraciones con Federico Fellini. Comenzó su carrera como guionista y consultor de guiones con la película "Ultimo amor" ("Last Love"-1947) que también fue asistente de dirección. Trabajó como asistente de dirección y como escritor no acreditado en "Francisco, juglar de Dios" ("Francesco, guillare di Dio"-1950) de Roberto Ressellini. Comenzó a trabajar con Fellini como director artístico en "La Strada"-1954 y "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria"-1957). Sus colaboraciones más preciadas con este director fueron los guiones de "La dolce vita"-1960, "8 1/2"-1963, "Giulietta de los espiritus" (Giulietta degli spiriti"-1965), "Ensayo de orquesta" ("Prova d’orchesta"-1978) y "La ciudad de las mujeres" ("La cittá della donne"-1980). Y el quinto y último guionísta y a la vez direcrtor de la película, Roberto Rossellini.

  Roberto Rossellini. Un cineasta nacido en Roma, y uno de los directores más influyentes y controvertidos. Aunque a menudo se le considera una de las figuras clave del movimiento neorrealísta italiano, en realida su carrera empezó bajo los auspicios del dictador Benito Mussolini. Durante la Segunda Guerra Mundial, dirigió tres películas altamente propagandísticas, "La nave blanca" ("The White Ship"-1942), "Un piloto regresa" ("A Pilot Returns"-1942) y "El hombre de la cruz" ("L’uomo della cruce"-1943).

  No obstante Rossellini alcanzó fama internacional con su aclamada triologia de guerra, una serie de películas que siguen el avance de las tropas aliadas desde Roma hasta Berlin, como crónicas del devastador impacto de la Segunda Guerra Mundial sobre la población civil y militar. La primera "Roma, ciudad abierta" ("Roma cittá aperta"-1945), considerada una obra maestra, se rodó principalmente en la ciudad de Roma con escasos recursos materiales, utilizando frecuentemente la luz natural. Estas condiciones unidas a una interpretación naturalista y el uso de expresiones coloquiales, dieron a la película un carácter profundamente documental. Las otras dos películas de la triología "Paisá"-1946 y "Alemania, hora cero" ("Germany, Year Zero"-1948), estaban más relacionadas con la estética neorrealísta de sus contemporáneos.

  Sin embargo, los marxistas y los criticos neorrealistas empezaron a distanciarse de Rossellini a partir de "Stromboli, tierra de Dios" ("Stromboli, terra di Dio"-1950). La primera colaboración artística del  director con la que luego seria su segunda esposa Ingrid Bergman. A pesar de la controversia y de las fuertes criticas que rodearon su obra Rossellini siguió siendo un director prolífico e influyente. Algunas películas como "Eurpoa’51"-1952 y "Te querré siempre" ("Voyage in Italy"-1954) ejercieron una profunda influencia en los criticos y directores de la nouvelle-vague francesa, como Jean-Luc Godard, y en otros grandes directores, desde Federico Fellini hasta Martin Scorsese.

  Durante un periodo marcado por las dificultades artisticas y personales, asi como su divorcio con Ingrid Bergman, Rossellini rodó en la India una serie de documentales para la televisión. Posteriormente, cada vez se implicó más en producciones televisivas. Cuando murió en 1977 había dirigido más de 50 películas.

  La acción nos lleva a Roma y nos mete en la vida de Irene Girard, una mujer que lleva una vida frivola. Y su hijo Michele creyéndose abandonado por su madre, se suicida. Llena de dolor, busca consuelo en su primo Andrea, un comunista militante, que le aconseja que trabaje para el bienestar material de los demás. Irene visita los barrios pobres, hace nuevas amistades e incluso trabaja en una fábrica para sustituir a una mujer que se encuentra en apuros. Decepcionada por esta experiencia activista, se vuelve hacia la espiritualidad. Después de cuidar con energia total a una prostituta enferma, Irene ayuda a escapar  a un joven delincuente, lo que la lleva a la comisaria. Su marido le hace examinar, por varios psquiatras en una clinica donde, por su empeño en declarar que sus actos son el resultado de una exigencia moral y no de una locura pasajera, será internada definitivamente...

  Obra maestra del neorrealísmo italiano. Una película que ha sido definida como un retrato implacable de una vida atormentada que se esfuerza dia a dia por encontrar un sentido a la existencia. El personaje al que da vida Irene, una señora guapa y elegante perteneciente a la alta burguesía que no dedica mucho tiempo a su hijo, demasiado sensible y vulnerable, lo que le impulsa al suicidio.

  Rossellini expone la muerte del hijo de manera cruda, sin adornos innecesarios que aminoren la terrible verdad. Y es que a partir de ese momento, la vida de Irene será un eterno peregrinar por la ciudad en busca de algo o alguien que pueda curar su mal: la conciencia. Y es que para ella todo ha cambiado de orden, de sentido; si antes miraba el mundo de  medio lado ahora la frontalidad se le hecha encima y casi le aplasta en su terrible angustia por continuar viva sin su hijo. Director y protagonista adoptan un estilo similar al que practicaron en "Stromboli, tierra de Dios" (Stromboli, terra di Dio"-1950), es decir dejando que la pelìcula fluya libre impulsada por los momentos que vive Irene, tanto fisicos como espirituales. Sin su presencia, la puesta en escena no tendria sentido, por esta razón la película "aparentemente" se construye a trompicones, de forma abrupta, relatada solo la parte esencial de cada capitulo que vive Irene.

  Estamos pues, ante una obra descarnada, puramente espiritual, pero tan sobria en su mensaje que cualquier espectador sensible da igual su tendencia religiosa puede identificarse por completo y llegar a sentir el dolor de una mujer que acaba luchando contra una sociedad que encierra a los presuntos "locos" en manicomios.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Otello Martelli. Un director de fotografia nacido en Roma. Sus comienzos fueron en 1920, colaborando con Roberto Rossellini, Alberto Lattuada, Federico Fellini, Alessandro Blasetti, Guiseppe De Santis, Vittorio De Sica y Pier Paolo Pasolini. Destacando especialmente su colaboración con Fellini desde 1950 con "Luces de Varieté" ("Luci del varieté"-1950) hasta 1961 con el episodio "La tentación del doctor Antonio" en Boaccacio’70".

  Y en esta historia donde hay que sacar fuerzas para seguir viviendo mostrándonos unas impresionantes imágenes y en donde buscó los lugares más lugrubes de la "ciudad eterna" para impresionar más al espectador. Los estupendos decorados fueron obra de Virgilio Marchi. Un veterano arquitecto futurísta.

  La banda sonora corrió a cargo de Renzo Rossellini (hermano de Roberto). Un compositor nacido en Roma. Compuso varias partituras para películas de su hermano y también para otros directores como: El signo de Venus" ("Il segno de Venere"-1955) de Dino Risi y "Gran mundo en Montecarlo" ("Montecarlo"-1956) de Samuel Taylor y protagonizada por Marlene Dietrich. También escribió ballets, oratorias y cuatro óperas, además de música de cámara y canciones.

  Y en esta obra maestra de demencia social, mostrádonos una partitura triste y melancólica, impactando aún más esta historia de bajada a los infiernos.

  Maravillosa Ingrid Bergman, "Anastasia" -1956, metida en el papel de Irene Girard, una mujer rica y de vida despreocupada. Y seguida por Alexander Knox, "El aventurero de Kenia" ("Mister Moses"-1965), como George el esposo de Irene; Ettore Gianini, "Carrusel napolitano" ("Carosello napoletano"-1954), como Andrea el primo de Irene; Teresa Pellati, "Ulises"-1954, como Inés; Sandro Franchina, "La memica"-1952), como Michele, el hijo de Irene. Y atención a la gran (aunque aqui de secundaria) Giulietta Masina, "La Strada"-1954, en el papel de Passerotto.

  En definitiva: Una joya del neorrealísmo italiano. Una película que a nadie le deja indiferente. Matricula de Honor.

  "Europa’51" logró el Premio Internacional y estuvo nominada al León de Oro como mejor película en el Festival de Venecia.

11/03/2020 17:53 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

52 vive o muere (52 Pick -Up - 1986)

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                Su esposa

                Su amante

                Su carrera...

           Una trampa mortal

  Aceptable thriller psicológico de nacionalidad estadounidense y basado en una novela de Elmore Leonard. Un escritor y guionísta nacido en Nueva Orleans. Sus primeras novelas publicadas en los años 50, fueron en su mayoría de temas del oeste, pero después se especializó en el género policiaco y desde entonces escribió numerosos libros, muchos de los cuales han sido adaptados al cine, convirtiéndose en exitosas peliculas de directores tan dispares como Martin Ritt, "Un hombre" (Hombre"-1967), Edwin Sherin, "Que viene Valdez" ("Valdez Is Coming"-1971) o Abel Ferrara, "El cazador de gatos" ("Cat Chaser"-1988), entre muchos otros. En algunos casos el proceso ha sido a la inversa escribiendo novelas a partir de guiones originales o tratamientos para guiones cinematográficos.

  Del guión se hicieron cargo el mismo Leonard y John Steppling. Un dramaturgo y novelista nacido en California. Se crió en Hollywood y más tarde se trasladó a Los Angeles donde se convirtió en miembro fundador del Taller y Festival de Dramaturgos de Padua Hills en 1978. En la década de 1980 fue elegido para presidir el Festival New American Plays, en Louisville y nominado al Pulitzer. Y a finales de esta década fue cuando comenzó a escribir guiones para el cine y la televisión, cabe de destacar películas como "Animal Factory"-2000 protagonizada por Williem Dafoe y Dogmoouth"-2014 de Stephen Morrow. Y para la televisión la serie "Cracker"-1997-98.

  "52 vive o muere" está dirigida por John Frankenheimer. Un director nacido en Nueva York. Fue uno de los pocos pioneros de la televisión que se esforzó en componer imágenes inolvidables e impactantes. Pronto aplicó esa técnica a sus películas debutando en la gran pantalla con "Un joven extraño" ("The Young Stranger"-1957). A esta obra le sucedió una serie de películas clásicas como "El hombre de Alcatraz" ("Bridman of Alcatraz"-1962), "Siete dias de mayo" ("Seven Days in May"-1964) y "El tren" ("The Train"-1964). Su capacidad para obtener imágenes no convencionales queda reflejada en películas como "El mensajero del miedo" ("The Manchurian Candidate"-1962) y "Plan diábolico" ("Seconds"-1966).

  Tras trasladarse a Europa, sus películas pasaron generalmente desapercibidas. hacia los años setenta se había convertido en un director por encargo, pero aún consiguió suscitar emoción y suspense en el público con "French Conection II"-1975 y "Domingo negro" ("Black  Sunday"-1977).

  En los años ochenta y principio de los noventa seguía dirigiendo sobre todo thrillers policiacos o pelìculas sobre temas sociológicos como en el caso de "Ronin"-1998, con su reinvención del thriller y las bien rodadas escenas de persecución de coches, recordó al público que seguía siendo un gran director. Tras sustituir las carreteras por calles estrechas y los choques con grandes explosiones por la velocidad trepidante, Frankenheimer demostró que, casi a sus setenta años no había perdido su habilidad por aportar nuevos enfoques a géneros cinematográficos conocidos.

  Es una pena que no tuviera más oportunidades para demostrar su gran talento y su capacidad de interesar al público. Hay que recordar que la acción de "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962) se limitaba a una celda, igual que la tan elogiada escena de desentoxicación de "French Conection II"-1975). Solo un gran talento como el suyo podia crear cine atractivo en escenas tan sencillas.

  La acción pues, nos mete en la vida de un poderoso empresario metalúrgico el cual es chantajeado por tres delincuentes, que le han hecho fotos comprometedoras para su estabilidad personal. Decidido a liberarse de la extorsión, le explica la situación a su esposa, que es una mujer con ambiciones políticas. Pero los chantajistas no se rinden: asesinan a su amante y hacen recaer sobre él las sospechas...

  Aceptable película como bien digo al principio (aunque creo que pasó algo desapercibida). Pero para mi, es un ejemplo digno de como hacer buen cine sin chirriantes fuegos artificiales, ni desmadradas escenas de acción, centrándose en la angustia del protagonísta (aunque se lo tenga merecido por adúltero), que tiene como principio purgar sus errores a través de un chantaje elaborado minuciosamente. No es una obra maestra, por supuesto, pero es una buena pelìcula, que cumple muy bien en todos los aspectos, aunque sin llegar a destacar en ninguno.

  La fotografía en color corrió a cargo de Jost Vacano. Un director de fotografia nacido en Osnabrück (Alemania). Muy conocido por haber estado asociado al director Paul Verhoven, trabajaron juntos en siete películas tales como: "Robocop"-1987 y "Desafio total" ("Total Recall"-1990). En 1981 logró el Premio del cine alemán a la Mejor fotografía por "El submarino" ("Das Boot").

  Y en esta historia de chantajes por medio, mostrándonos una estupenda fotografía demostrando su gran capacidad y profesionalidad, tanto en las escenas de interiores como en la de los exteriores rodadas en la ciudad de Los Angeles.

  De la música se encargó Gary Chang. Un compositor nacido en Minnesota. Sus géneros preferidos son los de acción y suspense, y en donde hay que destacar titulos como por ejeplo: "La isla del Dr. Moreau" ("The Island of Dr. Moreau"-1996) protagonizada por Marlon Brando y "Alerta máxima" ("Under Siege"-1992) con Steven Seagal en el papel estelar.

  Y en este notable thriller nos muestra una banda sonora ambiental hecha con samplers que recrea un entorno urbano, con temas de acción.

  Excelente la interpretación de Roy Scheider, "Tiburón" (Jaws"-1975), dando vida a Harry Mitchel, un exitoso hombre de negocios que será chantajeado por tres delincuentes, tras tener una aventura con una mujer mucho más joven que él. Y seguido por Ann- Margret, "Un beso para Birdie" ("Bye Bye Birdie"-1963), en el papel de Barbara Mitchel, la esposa de Harry, una mujer que ha subido meteóricamente en el mundo de la política.

  Y con ellos, John Glover, "Los fantasmas atacan al jefe" ("Scrooged"-1988); Robert Trevor, "Hablando con la muerte" ("Talk Radio"-1988) y Clarence Williams III, "La hija del general" ("The General’s Daughter"-1999), como Alan Raimy; Leo Frank y Bobby Shy, respectivamente, los tres chantajistas. Y sin olvidarnos de Kelly Preston, "Sentencia de muerte" ("Death Sentance"-2007), como Cini la joven amante de Harry. Y atención a Dough McClure, efectivamente el famoso Trampas de la exitosa serie televisiva "El virginiano" ("The Virginian"-1962-1971) y aqui como Mark Arveson.

  Resumiendo: Una película entretenida que se deja de ver y te mantiene con cierto interés. Notable.

  Como curiosidad: La mayoria de las películas de John Frankenheimer están rodadas en Detroit, su ciudad favorita. Pero aqui la productora quiso que se rodara en Los Angeles. (ya se sabe donde hay patrón no manda marinero).

21/03/2020 10:22 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                    Max von Sydow

               "El icono de Ingmar Bergman"

  El pasado 8 de marzo y a punto de cumplir 91 años falleció el actor sueco (aunque nacionalizado francés), Max von Sydow. Nació en Lund, Escania (Suecia), en el seno de una familia arostocrática sueca. Su padre Carl Wilhelm von Sydow, fue profesor de la Universidad de Lund, y su madre, la baronesa Greta Rappe, fue una maestra de escuela. El pequeño Max se mostró como un chico tranquilo y timido.

  Asistió al colegio católico de Lund y se habituó a hablar alemán e inglés desde los nueve años. En el colegio, junto a algunos de sus compañeros, fundó una compañia de teatro amateur donde empezó a subirse al escenario.

  Después de cumplir el servicio militar, asistió al Teatro de Arte Dramático de Estocolmo, donde estudió interpretación desde 1948 hasta 1951 con otros ilustres futuros actores como Lars Ekborg, Margaretha  Krook e Ingrid Thulin. Durante su época en dicho Teatro hizo su debut en la gran pantalla de la mano del director Alf Sjöberg con las peliculas "Sólo una madre" ("Bara en mor"-1949) y "La señorita Julie" ("Fröken Julie"-1951).

  Se trasladó a Malmö en 1955. Alli conoció a quien sería su mentor, Ingmar Bergam. Su primer trabajo juntos sería en una representación en el Teatro Municipal de Malmö, en el que pusieron en marcha el primer montaje en Europa de "La gata sobre el tejado de cinz", de Tennessee Williams. Posteriormente trabajaría en el cine con Bergman en numerosas películas como "El séptimo sello" ("The Seventh Seat"-1957), "Fresas salvajes" ("Smultronstället"-1957) y "El manantial de la doncella" ("The Virgen Spring"-1960). Fue en las películas que realizó con Bergman donde perfeccionaría su estilo, que lo destacaría en su carrera.

  Durante muchos años trabajó en el cine escandinavo y se resistió a los cantos de sirena que venian desde Hollywood, entre estas ofertas, la de interpretar al Dr. No, en la primera entrega de James Bond. No sería hasta 1965 cuando interpretó a Jesús en la super-producción de George Stevens "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story ever Told"-1965). Este papel le catapultó directamente a ser uno de los actores más cotizados de Hollywood, por lo que él y su familia se trasladaron a Los Angeles.

  Desde 1965 se convirtió en un actor regular en las producciones estadounidenses (de directores como John Huston y George Roy Hill), a la vez que participaba tanbién en películas suecas como "La hora del lobo" ("Hour of the Wolf"-1968) y "La vergüenza" ("Skammen"-1968) de Ingmar Bergman y "Loaigrantes" ("The Emigrants"-1971) de Jon Troell.

  En 1973 interpretó uno de sus personajes más conocidos el del padre Merrin en "El exorcista" ("The Exorcist"), papel que le valdría una nominación a los Globos de Oro. 

  Se trasladó a Roma para aparecer en numerosas películas italianas y alli entabló una gran amistad con Marcello Mastroianni, pero siguió trabajando en el cine norteamericano, en películas tan recordadas como "Los tres dias del cóndor" ("Three Days  of the Condor"-1975) de Sydney Pollack, y "El viaje de los malditos" ("Voyage of the Damnod"-1976) de Stuart Rosenberg.

  En la década de 1980, actuó bajo la dirección de Woody Allen en "Hannah y sus hermanas" ("Hannah  and Her Sisters"-1986) y con David Lynch en la película Dune"-1984, asi como en producciones más comerciales como "Evasión o victoria" ("Victory"-1987), "Conan el bárbaro" ("Conan the Barbarian"-1982) y una entrega de la saga de James Bond "Nunca digas nunca jamás" ("Never Say Never Again"-1983). Pero al actor sueco no se le olvidaban los proyectos del viejo continente, y asi, le pudimos ver en una de sus mejores pelìculas de la década dirigida por el danés Bille August."Pelle el conquistador" ("Pelle Erobreren"-1987), papel por el que consiguió su primera nominación al Oscar, aparte de diferentes premios, tales como el Premio Bodil, el Premio Felix, el Premio Robert (1988) y el Premio Guldbagge.

  Aparte de estos reconocimientos, también obtuvo el premio del Instituto de Cine Australiano en la categoria de mejor actor con "Padre" ("Father"-1990), el del Festival Internacional de Cine de Tokio por "El toque silencioso" ("The Silent Touch"-1992) y tres Premios Goldbagge por "Hamsun"-1996, "Katinka" ("Ved vejen"-1988) y la citada "Pelle el conquistador".

  En 1988, dirigió su primera película, "Katinka", basada en una novela de Herman Bang. Considerado uno de los actores más veteranos y activos del cine mundial, Max von Sydow siguió sumando papeles en titulos de renombre desde la década de 1990, que le hicieron familiar para nuevas generaciones, se pueden citar peliculas como "Despertares" ("Awakenings"-1990), de Penny Marshall; "Hasta el fin del mundo" ("Until the End of the World"-1991), de Wim Wenders; "Juez Dredd"-1995 junto a Sylvester Stallone; "Minory Report"-2002, de Steven Spielberg; "Shutter Island"-2010, de Martin Scorsese; "Robin Hood"-2010, de Ridley Scott; "Tan fuerte, tan cerca" ("Extremely Loud and Incredibly Close"-2011), de Stephen Daldry (por el que fue nominado al Oscar al Mejor actor secundario), o Star Wars: el despertar de la Fuerza"-2015. En 2016 se incorporó al elenco de la teleserie "Juego de tronos" ("Game of Thrones") en su sexta temporada.

  En 1996, se divorció de Kerstin Olin y se  casó con la cineasta francesa Catherine Brelet. A partir de entonces, von Sydow se nacionalizó francés en 2002 (para lo cual renunció a su nacionalidad sueca) y vivió en Paris hasta su fallecimiento.

  Max Carl Adolf von Sydow (Max von Sydow) - Lund (Suecia) - 10 - abril - 1929 - Paris (Francia) - 8 - marzo - 2020.

                                      ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

25/03/2020 11:22 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El séptimo sello (The Seventh Seal - 1957)

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        En recuerdo de: Max von Sydow

  Quien eres tu?

  La muerte

  Hace ya tiempo que camino a tu lado

  Ya lo sé

  ¿Estás preparado?

  El espíritu está pronto, pero la carne es débil. Espera un momento

  Es lo que todos decis, pero yo no concedo prórrogas

  Tú juegas al ajedrez ¿verdad?

  ¿Como lo sabes?

  Lo he visto en pinturas y lo he oido en canciones

  Pues si, realmente soy un excelente jugador de ajedrez

  No creo seas tan bueno como yo

  ¿Para que quieres jugar conmigo?

  Es cuenta mia

  Por supuesto

  Juguemos con una condición, si me ganas me llevarás contigo, si pierdes la partida me dejarás vivir

  Las negras para ti

  Era lógico, ¿no te parece?... (Antonius Block y la Muerte)

  Obra maestra absoluta del cine de género dramático-religioso con un guión del mismo director, es decir Ingmar Bergman. Un director nacido en Suecia. El padre de Bergman, un ministro luterano, era una persona estricta y severa, cuya forma de educar a su hijo dejó huella en la producción artística de este. Desde muy pequeño, Bergman se enamoró del teatro. Mientras estudiaba en la Universidad de Estocolmo, se introdujo en el mundo teatral como actor y director. En 1939 le concedieron un puesto como ayudante de producción en el Real Teatro Dramático de Estocolmo.

  Mientras trabajaba en la Suensk Filmndustri, donde comenzó a colaborar en 1943, se le dió la oportunidad de escribir el guión de la película "Tortura" ("Hets"-1944), dirigida por Alf  Sjöberg, esta obra se centra en un  joven atormentado por su sádico profesor de latín. El éxito de la película le dió la posibilidad de escribir guiones y dirigir.

  Debutó como director con "Pasion" ("Fängelse"-1949), una historia filosófica que explora los temas del dolor, el sufrimiento psicológico y la muerte. Su creciente interés por la psicología se evidenció en su siguiente película "Tres amores extraños" ("Törst"-1949). La vida sexual de una jóven se analiza audazmente en "Un verano con Mónica" ("Sommaren med Monika"-1953), que se centra en una mujer fatal destructiva a quien no cohiben las inhibiciones victorianas. El tema de la película, que rompia tabúes, precedió tres años a "Y Dios creó a la mujer" ("Et Dieu créa a la femme"-1956), de Roger Vadim, y recibió grandes alabanzas de Jean -Luc Godard que entonces era critico y más tarde director de cine.

  Sin embargo la película que proporcionó prestigio internacional a Bergman fue "El séptimo sello" ("The Seventh Seal"-1957), en la que Max von Sydow interpreta el papel de un caballero que regresa de las Cruzadas. Se trata de una alegoria sobre la búsqueda de sentido en un momento de la historia en el que se consideraba probable la extinción de la humanidad, debido a la amenaza nuclear.

  En esta película, Bergman que contó con la gran colaboración del gran director de fotografía Gunnar Fischer, destacó como estlísta visual con una poderosa imaginación.

  La acción pues, tiene lugar en Suecia a mediados del siglo XIV, a lo largo de unos pocos dias, anterior a Todos los Santos (1 de noviembre). Antonius Block, tras 10 años de lucha en Tierra Santa, regresa en compañía de su escudero Jons. Llega cansado y deprimido: en su largo viaje ha cruzado tierras desvastadas por la peste. En el suelo patrio se topa con la Muerte, un monje de hábito negro y rostro blanqueado, aficionado al ajedrez. El caballero le reta a jugar una partida para ganar tiempo...

  Una obra maestra. Si señor. Y en donde el maestro sueco nos hace ver que tato la desolación como la muerte hacen que el mundo se vea estremecido por estallidos de crueldad  y violencia, abandono de las normas sociales, fanatísmos, penitencias exageradas y egoísmos sin limite.

  La iconografía pues, que emplea el relato está tomada de retablos y figuras medievales que Bergman conoce a raiz de haber acompañado a su padre a predicar en lugares diferentes. Esta icongrafía incluye juglares, brujas, flajelaciones, frailes, pesebres, ángeles e imágenes de la muerte (la de la película). Glosa sus obsesiones religiosas: existencia de Dios, ausencia de Dios, más allá, pecado, confesiones, perdón.

  Bergman se refiere también, a temas terrenales que le preocupa: adulterio, crueldad, fanatísmo. Hace uso de símbolos: fresas,  (juventud y erotísmo), águila en vuelo estático (muerte), familia de José y Maria (inocencia). Da tangibilidad a elementos etéreos (viento) inacesibles (demonio), intimos (deseo) e inmateriales (maldad). Presta atención a temas qur le complacen: femenidad, sensualidad, maternidad, infancia, teatro. Enmarca el relato en imágenes de gran belleza plástica, que parecen inspiradas en Durero.

  Nos muestra también playas solitarias, rocas erosionadas, parajes desnudos y árboles sin hojas, que refuerzan el sentido de la acción. Celebra el deseo, el amor, la comida, la belleza (paisaje) y el arte. Rechaza en cambio, el sufrimiento, la crueldad, la pena de muerte. Ofrece eso si, un discurso conceptualmente denso y fascinante.

  La reflexión que propone no está cerrada a todo esfuerzo. Parece querer decir que en el mundo, enfermo y desquiciado, dominado por la codicia y la crueldad, subsisten casos aislados de inocencia y de no inocentes dispuestos a apoyarla. La película confirmó la proyección internacional de Ingmar Bergman.

  La banda sonora corrió a cargo de Erik Nordgan. Un compositor nacido en Malmoe (Suecia). En 1941 se graduó en la Facultad de Música de Estcolmo. Como músico tocaba la viola. Entre 1945 y 1973 escribió música para más de 60 películas, incluidas 18 de las más famosas de Ingmar Bergman como por ejemplo: "El séptimo sello" ("The Seventh Seal"-1957) y "Los emigrantes" ("The Emigrants"-1971). Fue director musical de la industria cinematográfica sueca, y además escribió tres cuartetos de cuerda, sinfonía de cámara (1944), concierto para clarinete (1950) y de música de orquesta.

  Y aquí aportando una partitura compleja, de instrumentos medievales. Creando melodias conmovedoras, ajustadas para no perjudicar los diálogos. Incorpora cinco canciones originales y añade un fragmento del "Dies irae" ("Dia de la ira") un famoso himno latino del siglo XIII atribuido al franciscano Tomás de Celano.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Gunnar Fischer. Un director fotográfico nacido en Ljüngby (Suecia). Su pasión por el cine lo llevó al Svensk Filmindusters, donde aprendió cinematografía del fotográfo del director Victor Sjöström, Julius Jaenzon. Actuando de camarógrafo asistente trabajó en 16 cortometrajes. Hizo su debut como director de fotografía con la película "Det är min musik"-1942 de Börge Larsson. Es mundialmente famoso por su trabajo con Ingmar Bergman. Su primera colaboración con él fue en el melodrama "Ciudad portuaria" ("Mamnstad"-1948). La gran habilidad de Fischer fue en "monocromo", según el historiador de cine británico Peter Cowie. El Diccionario Internacional  de Películas y Cineastas describe el estilo de Fischer como "en la corriente principal de la tradicción escandinava."

  Y aquí haciéndo uso de trucos efectístas (cuerno de leche) y de un trabajo de cámara pausado, variado y rico en recursos. Hacia el final juxtapone motivos planos a cámara fija.

  Sensacional  Max von Sydow, "El manantial de la doncella" ("The Virgin Spring"-1960), (por citar otro de sus grandes papeles), dando vida a Antonius Blouk, un caballero medieval sueco que regresa a su casa después de haber estado luchando en las Cruzadas. Y con él Gunnar Björnstrand, "Cara a cara" ("Ansikte mot  ansikte"-1976), metido en el cuerpo de Jons su fiel escudero. Sin olvidarnos de Beng  Ekerot, "El rostro" ("Ansiktet"-1958), como la Muerte; Nils Poppe, "El ojo del diablo" ("Djävulens Öga"-1960), como José; Bibi Anderson, "El sueño de la mariposa" ("Il sogno della farfalla"-1994), como Maria; Inga Gill, "Gritos y susurros" ("Cries and Whispers"-1972), como Lisa; Maud Hansson, "Fresas salvajes" ("Smultrostället"-1957), comoWitch...

  En definitiva: Obra cumbre del gran director sueco. Una película para los amantes del cine con mayúsculas. Matricula de Honor.

  "El séptimo sello". Logró en 1957 el Premio especial en el Festival de Cannes.

  Como curiosidad: Ingmar Bergam, se inspiró en un mural del pintor medieval Albertus Pictor para crear la escena de la partida del ajedrez. Curiosamente hay un personaje en la película que representa a este pintor de iglesias, el actor que lo dió vida fue Gunnar Olson, "Juegos de verano" ("Sommarlek"-1951).

 

 

 

 


 

 

31/03/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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