Flecha rota (Broken Arrow - 1950)
"Ellos son cada vez más fuertes...
...y nosotros más débiles.
Si sopla el huracán
el árbol debe doblarse...
...o será arrancado de raiz."
(Cochise)
Muerte de un ciclista (1955)
"Tengo miedo"
"Tranquila"... "Nadie nos ha visto"
Muy buena película, aunque sin llegar a obra maestra de género dramático y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión y dirección de Juan Antonio Bardem. Un cineasta nacido en Madrid.
Empezó su carrera como coguionista de la emblemática "Bienvenido, Mister Marshall" (1952). Más adelante ejercio de codirector junto a Luis Garcia Berlanga, en la comedia ligera "Esa pareja feliz" (1953). Pese a sus comienzos cómicos, las películas que le dieron prestigio cinematográfico se caracterizaron por su traslado de la estética neorrealista al cine español. "Muerte de un ciclista" (1955) y "Calle Mayor" (1956) consolidaron a Bardem como uno de los directores españoles más destacados de los años cincuenta. Sin embargo fue arrestado varias veces por su pertenencia al Partido Comunista de España, prohibido durante esa época.
A medida que avanzaba la década de los sesenta y emergia el "nuevo cine español" de Carlos Saura y otros directores más jóvenes, su posición dentro de la cultura cinematográfica española fue cada vez más marginal. A mediados de los años sesenta, Bardem trabajó en proyectos más comerciales e internacionales como "Los pianos mecánicos" ("1965) interpretada por Melina Mercouri, James Mason y Hardy Krüger.
A principios de la década de los setenta, Bardem se dedicó más a películas de género, como la bélica "El último dia de la guerra"(1970) o la fantástica "La isla misteriosa" (1973). Aunque todas incluian alegorias de la represión politica en España, ninguna era propiamente obra politica.
Después de la muerte de Franco, en 1975, Bardem pudo abordar de nuevo historias con mayor carga politica. La recuperación de las libertades le permitió acabar películas como "7 dias de enero" ("1979), sobre la masacre de los abogados laboralistas de Atocha en 1977, y "La advertencia" (1982), sobre el revolucionario búlgaro Georgi Dimitrov.
La acción pues, tiene lugar en Madrid y alredeores, durante unas semanas de invierno de 1955, y nos mete en la vida de Maria José de Castro y Juan Fernández Soler, estos fueron novios en su juventud, pero tras la Guerra Civil y la boda de ella con un rico industrial, Miguel de Castro, ahora mantienen una relación amorosa continuada y clandestina. Pero una mdrugada invernal de regreso en el coche de ella, de una posada donde han pasado la noche, en un cambio de rasante atropellan a un ciclista, un obrero metalúrgico, al que abandonan aún con vida, sin informar a la policia para evitar ser interrogados...
La película pues, desarrolla un potente drama que sume a Maria José, preocupada por su seguridad y por las amenazas de chantaje de un villano, un tal Rafael Sandoval, y el de Juan, poseido por los remordimientos y una gran gradual toma de conciencia de la realidad social del pais.
Con elementos sencillos y escuetos, Bardem mantiene la historia con un suspense sin fin, que va enrareciendo el ambiente y creando una atmósfera de opresión y malos augurios.
El objetivo de la película no es narrar con solvencia y eficacia, un caso policial o de intriga criminal, como hace y muy bien, si no anunciar la proximidad de un cambio. La clara dominante, sostenida y amparada por el franquismo, mimada por el egoismo, la hipocresia, el culto a las apariencias y la doble moral, se va a ver en un futuro lejano desbordada por la emergencia de una juventud nueva, generosa, solidaria y libre de prejuicios.
La toma de conciencia de Juan se manifiesta en el sentido de constatar la inviabilidad de la mediocridad de los poderosos y la fuerza de los jóvenes, como su alumna Matilde Luque y sus compañeros de Facultad. Pasados los años se comprende mejor que Bardem, en los años oscuros de opesión totalitaria, los presos politicos, el aislamiento internacional, la pobreza, el subdesarrollo, la atarquia y la vida ciudadana bajo permanente vigilancia policisl y politica, concibe un sueño, que era el de muchos.
El sueño tardaria 22 años y se impondria de acuerdo con la lógica de la realidad, no las aspiraciones del cineasta.
La banda sonora fue obra de Isidro B. Maiztegui. Un músico y compositor nacido en Gualeguay (Argentina). Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Bethoven de su ciudad natal en 1911. En 1930 ingresó en el Conservatorio de Música y Declamación de Buenos Aires, donde recibió instrucción de maestros como Athos Palma y José Gil. Durante sus estudios ejerció además como maestro sustituto en el Teatro Colón de la capital argentina. En 1933 arrancó su actividad como compositpr de música para el cine, que mantuvo hasta 1950. Durante ese periodo puso música paea más de 50 películas de producción argentina.
De 1952 a 1969 estuvo viviendo en España, concretamente en Madrid trabajando en numerosas películas algunas con Bardem, como "Calle Mayor" (1956) y "La venganza" (1958). Otras de sus peliculas fueron "El Expreso de Andalucia" (1956) de Francisco Rovira Beleta y "A hierro muere" (1962) de Manuel Mur Oti.
Y aqui, aportando una partitura con cortes atonales e inarmónicos, que se combinan eficazmente con el desarrollo de la acción. Añade el canto religioso de un responso de difuntos en una iglesia que presagia acontecimientos dramáticos y trágicos.
La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Alfredo Fraile. Un director de fotografia nacido en Madrid. Aunque a decir verdad Fraile fue más conocido en el mundo del cine por su faceta como productor, aunque sus comiezos fueron como operador de cámara. En 1942, de la mano de su amigo el director Rafael Gil le hizo debutar en la película "Huella de luz". Entre sus películas como durector de fotografia caben de destacar "El clavo" (1944), "La guerra de Dios" (1953) y "La vida alrededor" (1961).
Y aqui, componiendo una narración visual variada, rica en recursos y excelente montaje, que deja al cine español a la altura del internacional del momento. La película se rodó en escenarios naturales de Madrid y los interiores en los Estudios Chamartin (Madrid).
Excelente las interpretaciónes de la pareja protagonista, ella: Lucia Bosé, "Los viajes escolares" (1974) metida en el cuerpo de Maria José, una mujer casada con un rico industrial, una mujer interesante, fria, egoista, codiciosa, elegante y atractiva. El: Alberto Closas, "La fierecilla domada"(1956) dando vida a Juan, un hombre soltero, amante de Maria José, vive con su madre, participó en la Guerra CIvil como alférez provisional, un hombre que consume su tiempo libre en fiestas, reuniones sociales, cenas de postin, un hombre superficial, sin aspiraciones, sin rumbo y sin ideales.
Y muy bien secundados por el gran Carlos Casaravilla "Molokai, la isla maldita" (1959) como Rafael, un critico de arte de actitud inquietatnte y turbadora, seguido por Otello Toso, "Alina, hija de la noche" ("Alina"-1960) como Miguel, el marido de Maria José; Alicia Romay, "La vida en un hilo" (1945) como Carmina; Julia Delgado Caro, "La reina mora" (1955) como Doña Maria, la madre de Juan; José Prada, "Teatro Apolo" (1950) como el Decano de la Universidad donde trabaja Juan...
En definitiva; Una magnifica pelicula de las que te hacen pensar y sufrir al mismo tiempo. Una película que ya ocupa un lugar privilegiado en la historia del cine español. Sobresaliente,
"Muerte de un ciclista" logró el Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cannes.
A modo de curiosidad: la película fue considerada como "gravemente peligrosa" pot la censura franquista.
Sin perdón (Unforgiven-1992)
En recuerdo de: Gene Hackman
"Es usted un miserable y cobarde hijo de perra. Ha matado a un hombre desarmado."
"Pues debió haberse armado cuando decidió decorar su salón con mi amigo."
"Es usted William Munay de Missouri, el asesino de niños y mujeres".
Asi es. He matado a mujeres y niños. He disparado sobre cualquier cosa que tuviera vida y se moviera. Y hoy he venido a matarle a usted por lo que ha hecho a Ned".
Obra maestra de género de western y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de David Webb Peoples. Un guionista, editor y director nacido en Middletown (Estados Unidos). A parte de escribir esta pelicula. También hs escrito para el cine peliculas como: Blade Runner" (1982) y "12 monos" ("12 Monkeys"-1995). Por "Blade Runner" logró elHugo a la mejor presentación dramática, y por su guión en "Sin perdón" estuvo nominado al Oscar. al Globo de Oro y al BAFTA y ganó el Premio al Mejor Guión de la Asociación de Criticos de Cine de Los Angeles y el de la National Society of Films Critics, entre otros.
"Sin perdón" está dirigida por Clint Eastwood. Un cineasta nacido en San Francisco. Prima en Hollywood hoy dia los movimientos continuos de cámara y los montajes frenéticos, pero Clint fija el plano para que se luzcan los actores. No cabe duda. Porque es hasta ahora el último heredero de John Ford. El último clásico. Representa una forma de hacer cine que casi se ha perdido, y es que se trata de un cineasta contracorriente que parece hacer suya una frase de John Wilson, su personaje en "Cazador blanco, corazón negro" ("White Hunter, Black Heart"-1990). : "No dejaré que ocho millones de comedores de palomitas me digan lo que tengo que hacer".
La videncia, la soledad y la fatalidad son los grandes temas de sus películas. Pero sobre todo la redención, en un cineasta que precisamente parece querer redimirse de la imágen que tenia hace poco más de una década. Por aquel entonces era conocido por el Magnum 44, el pistolón de "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971) y sus frases del estilo"Alégrame el dia". Protagonizaba subproductos como "Duro de pelar" ("Every Which Way But Loose"-1978), y todos sus personajes eran tipos impasibles y toscos que apenas movian un musculo de la cara.
Pero entonces decidió entristecernos el dia, con historias tan duras como el propio Harry, pero llenas de verdad. Para la critica, ha dado un giro en su carrera, pero el estilo y los temas recurrentes de Eastwood han estado presentes en su filmografia desde hace muchos años. Aunque en su momento estaban considerados como subproductos propicios para programas dobles de cines de barrio, los tres spaguetti western que rodó en Almeria a las órdenes de Sergio Leone son apreciados hoy dia por selectos cinéfilos y homenajeados por Tarantino y otros cineastas de prestigio.
Por aquel entonces, el joven Clinton Eastwood jr., nacido en San Francisco, el 31 de mayo de 1930 llevaba unos años ejerciendo de actor. Tras licenciarse en el ejército se apuntó a un cursillo de interpretación organizado por la Universal, y entre otros trabajos menores fue reclutado para coprotagonizar la serie "Rawhide". Como esta serie le dió cierta fama en Estados Unidos, y el joven Eastwood cobraba todavia poco era el candidato ideal para que el italiano Leone, interesado en un actor estadounidense para poner su nombre encabezando los carteles le reclutaria para protagonizar "Por un puñado de dólares" (Per un pugno di dollari"-1964), una película de poco presupuesto, versión en clave de western de "Yojimbo" (1961), de Akira Kurosawa.
El éxito de la película propició dos secuelas, con más medios y otros actores internacionales, pues Lee Van Cleef se incorporó a la saga en "La muerte tenia un precio" ("Per qualche dollaro in piú"-1965) y Eli Wallach, en "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966). Sin lavarlo siquiera, Eastwood usó el mismo poncho en las tres películas, que daban un aire nuevo al género, incorporando humor, personajes heróicos propios del comic, y tiroteos propio de los recuerdos infantiles de las grandes películas del género.
Si su encuentro con Sergio Leone fue crucial para su carrera igualmente importante fue su trabajo con Don Siegel. Es bien sabido que "Sin perdón" está dedicada a Leone y Siegel. Su primer encuentro con este fue en "La jungla humana" ("Coogan’s Bluff"-1968), revisión de su personaje de heróico cowboy y sin nombre a los tiempos modernos. Después de salir airoso de un musical, "La leyenda de la ciudad sin nombre" ("Paint Your Wagon"-1969), donde cantaba, como otro de los más duros de Hollywood, Lee Marvin, repitiria con Siegel en "Dos mulas y una mujer" ("Two Mules for Sister Sara"-1970:, un westen clásico y "El seductor" ("The Beguiled"-1971), también del mismo género pero más realista.
Tan prometedora carrera estuvo a punto de truncarse cuando Eastwood cogió una infección en el cuello, durante el rodaje en Italia de "Los violentos de Kelly" ("Kelly’s Heroes"-1970). El actor estuvo muy cerca de la muerte, pero fue sometido a una operación quirúrgica con éxito. Para no depender del todo de los grandes estudios, y poner en marcha "Cometieron dos errores" ("Hang’ Em High"-1968), el actor fundó su propia productora, que se llamó Malpaso, al igual que su rancho de California, Malpaso Creek, donde una laguna situada en medio del terreno dificulta el paso. Desde ese momento coprodujo a través de Malpaso todas sus películas, hasta que en 1971, decidió dar un buen paso, hacia la dirección.
Su debut tras las cámaras fue con "Escalofrio en la noche" ("Play Misty for Me"-1971), un thriller convencional sobre un locutor de radio acosado por una oyente psicópata. Ese año arrasaba en los carteles con "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971), de nuevo dirgido por Siegel. A partir de ese momento, protagonizó titulos que sin ser memorables, tenian calidad como: "Joe Kidd" (1972), "Ruta suicida" ("The Gauntlet"-1977), "Fuga de Alcatraz" ("Escape from Alcatraz"-1979), "En la cuerda floja" ("Tightrope"-1984), "El sargento de hierro" ("Heartbreak Ridge"1986) y las diferentes continuaciones de "Harry", "Harry el fuerte" ("Magnum Force"-1973) y "Harry el ejecutor" (The Enforcer"-1976), "Impacto súbito" ("Sudden Impact"-1983), "La lista negra" ("The Dead Pool"-1988) y dirige titulos que van creciendo de interés como:"Infierno de cobardes" ("High Plains Drigter"-1973) y "Primavera en otoño" ("Breezy"-1973), que fue la primera que no protagonizó.
Siguiendo con "Licencia para matar" ("The Erger Sanction"-1975), "El fuera de la ley" ("The Qullaw Josey Wales"-1976), "Firefox" (1982), hasta llegar a la magnifica "El aventurero de la medianoche" ("Honkytonk Man"-1982), su primera película ya en su msdurez, en la que interpretaba a un cantante de country enfermo de tuberculosis, durante los años de la Gran Depresión.
Igualmente redonda es "El jinete pálido" ("Pale Rideo"-1985), deudora de titulos clásicos como "Raices profundas" ("Shane"-1953). En 1988 rindió tributo a su gran aficción al jazz con "Bird", uno de sus mejores titulos, recreación de la vida del saxofonista Charlie Parker, por el que la critica empezó aconsiderarle "el último cineasta clásico". Su siguiente obra maestra, tras la mediocre "El principiante" ("The Rookie"-1990) y la correcta "Cazador blanco, corazón negro" ("White Hunter, Black Heart"-1990), fue "Sin perdón" ("Unforgiven"-1992), una visión desmificadora y crepuscular del western reconocida por la Academia con cuatro Oscar, incluyendo mejor director y película.
Tenia por aquel entonces 62 años, pero Eastwood seguia tan en forma que se mantuvo toda la década de los 90 y el inicio del nuevo milenio en el candelero, con películas muy diferentes. "Mi trabajo es contar historias, no importa de que trate ni a que género ni época pertenezca. Me atrae hacer cosas nuevas", comentó en su dia.
Como actor, director o ambas ocupaciones a la vez, ha seguido cambiando productos pocos pertenciosos, "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1997), "Ejecución inminente" ("True Crime"-1999), "Space Cowboys" (2000), "Deuda de sangre" ("Bolld Work"-2002), con grandes titulos como "En la linea de fuego" ("In the of Fire"-1993), "Un mundo perfecto" ("A perfect World"-1993), "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995), y por supuesto "Million Dollar Baby" (2004), ganadora de cuatro Oscar y una de las mejores películas del año...
Asi pues, el gran Eastwood nos lleva hasta un lugar llamado Bigwhiskay en el Estado de Wyoming y alrededores a lo largo de unos dias allá por elaño 1880. Y nos mete en la vida de un tal Bill Munny, un pistolero retirado, viudo y padre de familia, que tiene difcultades económicas para sacar adelante a sus hijos. Su única salida es hacer un último trabajo. En compañia de Ned Logan un viejo colega y de Schofield Kid un joven inexperto, Munny tendrá que matar a dos hombres que cortaron la cara a una prostituta...
La película combina elementos de western y drama. Desmitifica la iconografia tradicional del western. El protagonista es un héroe valiente y generoso, que ayuda a los débiles y lucha contra los malvados, se ve desplazado por otros que aparentan valentia gracias al alcohol, actuando por codicia e interese personales, persiguen la fama con la ayuda de comunicadores que novelan sus andanzas en crónicas destinadas a la prensa sensacionalista... Bill y Ned, antiguos ladrones y asesinos, han envejecido, han perdido facultades y se han integrado socialmente. Conservan recuerdos que el paso del tiempo ha despojado de falsos adornos épicos y elegiacos... Cabalgan bajo la lluvia que es extenuante, dormir al raso es agotador, y asesinar sin piedad es imperdonable... La historia en si traspira tristeza y amargura, no exentas de un toque de esperanza por lo que respecta a la tensión permanente entre el bien y el mal que domina el teatro del mundo.
La banda sonora fue dirgida por Lennie Niehaus. Un compositor y saxofonista nacido en San Luis (Estados Unidos). Estudió violin, oboe y fagot, antes de descubrir el saxofón. En 1954 se incorporó a la orquesta de Stan Kenton, para quien también realizó arreglos musicales y con quien estuvo hasta 1959. En los siguientes años trabajó con Lalo Schifrin y comenzó a dedicar su tiempo a la composición de música para el cine y la televisión. En la década de los 80 se convirtió en uno de los compositores más preciados de Hollywood con una larga lista de bandas sonoras en películas de primera linea, destacando su colaboración con Clint Eastwood, su último trabajo con él fue en "Gran Torino"(2008).
Y aqui, aportando u a partitura instrumental de temas breves muy variados y de gran lirismo. El corte meláncolico "Tema de Claudia" es del propio Eastwood.
La fotografia en color corrió a cargo de Jack N. Green. Un director de fotografia nacido en San Fracisco, y muy reconocido por su larga colaboración con Eastwood trabajando juntos desde 1986 hasta el año 2000. A los 17 años se graduó en la escuela de barberia, con la esperanza de ser un barbero famoso profesional. Uno de sus clientes habituales era el camarógrafo Joseph Davis, que fue el que le animó a trabajar con él en series televisvas. Y en 1966 ya era asistente de cámara en un documental sobre la película "TheWay West". En 1968 se trasladó a Hollywood, donde comenzó su carrera como asistente de direccion de fotogragfia. Alli tuvo la suerte de conocer a Clint Eastwood donde entablaron una gran amistad y donde fotografió una gran cantidad de películas con él. Fue miembro de la Sociedad Americana de Cinematografia (ASC).
Y aqui, ofreciendo ambientes oscuros, opresivos e inquietantes, inspirándose en la película de Carol Reed "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949). La película se rodó en exteriores de Alberta (Canadá) y Red Hill (California) y los interiores en la Warner Studios.
Magnificos todos los actores encabezados por Clint Eastwood, "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995) como Bill Munny, seguido por Gene Hackman, "Arde Mississippi" ("Mississippi Burning"-1988) como Bill Dagett; Morgan Freman, "Cadena perpetua" ("The Shawsnk Redemtion"-1994) como Ned Logan; Richard Harris, "Camelot" (1967) como Bob "el inglés"; Jainz Woolvett, "La última puerta" "The Lazaens Child"-2004) como el "pequeño" Schofield; Frances Fisher, "En el valle de Elah" ("In the Valley of Elah"-2007) como Alice; Anna Thomson, "El cuervo" ("The Crow"-1994) como Delilah...
En definitiva: Un western magistral para cerrar en la cumbre la historia de es magnifico género de la historia del cine del siglo pasado (y creo que también lo será de este). Matricula de Honor.
"Sin perdón" logró cuatro Oscar en su dia: Mejor película, director, actor secundario (Gene Hackman) y montaje (Joel Cox).
A modo de curiosidad: Gene Hackman de principio no aceptó el papel, porque no queria hacer más peliculas violentas. Clint Eastwood le convenció diciéndole que si la película salia bien seria una gran denuncia contra la violencia. Y asi acabó siendo.
Hasta siempre!!!
Gene Hackman
Un actor de leyenda
El pasado 18 de febrero y a la edad de 95 años encntraron sin vida en su residencia de Santa Fe, al actor estadounidense Gene Hackman.
¿Fué Gene Hackman joven alguna vez?. Siempre apareció maduro incluso en películas tan antiguas como "Lilith" (1964) o en "Bonnie y Clyde" (1967). No se trata meramente de que nunca tuvo el aspecto de un idolo infantil, en su sentido de las dudas, la ansiedad y su conciencia de las complicaciones de la vida nacida de la experiencia lo que subyace debajo incluso de sus personajes más descaradamente seguros, incluso en su papel como el detective Jimmy "Popeye" Doyle en "French Connection" (1971), con el que ganó un Oscar al Mejor Actor, el personaje muestra un cierto resentimiento que procede quizá de la inseguridad.
Dejó la casa de sus padres a la edad de 16 años para enrolarse a los marines. Después de tres años volvió a la vida civil y estudió producción de televisión y periodismo en la Universidad de Illinois. Comenzó su carrera como actor, después de cumplir los 30 año. Se unió a la Pasadena Productions de California, donde se hizo amigo de otra promesa de la interpretación, Dustin Hoffman.
Sus compañeros de clase les eligieron como "los dos que menos probalidades tenian de triunfar", por lo que ambos lo dejaron durante un tiempo. Pero cuando Hackman dió realmente la campanada fue a mediados de los años 70, donde su mejor terreno era el de a exploración de la crisis de madurez en "La conversación" ("The Conversation"-1974) y "La noche se mueve" ("Night Moves"-1975).
A pesar de aceptar de forma regular papeles rutinarios en películas como: "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"-1977) o "Supermán" (1978) siempre resultó más convincente y eficiente en papees más complejos y oscuros como en "Rojos" ("Reds"-1981), "Arde Mississippi" ("Mississippi Berning"-1988), "Sin perdón" ("Unforgiven"-1992) y "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1997)..
No obstante también tuvo facilidad por la comedia, como en "Como conquistar Hollywwod" ("Get Story"-1995), "Al caer el sol" ("Twilight"-1998) y "Los Tenenbaums" ("The Royal Tenenbaums"-2001). Su última película fue tambén una comedia titulada "Bienvenido a Mooseport" ("Welcome to Mooseport"-2004) de Donald Petric.
Eugene Allen Hackman (Gene Hackman)-San Bernardino, California (Estados Unidos)-30-enero-1930-Santa Fe, Nuevo México (Estados Unidos)-18-febrero-2025.
¡DESCANSE EN PAZ!
"Yo queria actuar, pero siempre habia estado convencido de que los actores tenian que ser atractivos."
(Gene Hackman)
Bienvenido , Mister Marshall (1953)
Americanos, vienen a España gordos y sanos
viva el tronio y viva un pueblo con poderio
olé Virginia y Michigan
y viva Texas que no está mal, (...) no está mal.
Os recibimos americanos con alegria
olé mi madre, olé mi suegra y olé mi tia...
Obra maestra y una contundente y tierna sátira sobre la España del subdesarrollo y la pandereta y, por supuesto de nacionalidad española (no faltaria más). Y con un guión de Juan Antonio Bardem, Miguel Mihura y su director Luis Garcia Berlanga.
Bardem, un director y guionisra nacido en Madrid, que alcanzó fama internacional con sus primeras películas a mediados de a década de 1950. Entre sus obras maestras caben de destacar: "Muerte de un ciclista" (1955) y "Calle Mayor" (1956). Fue militante del PCE, primero en la clandestinidad, durante el franquismo y luego durante la democracia.
Mihura fue un dramaturgo y guionista nacido en Madrid, todo un personaje que renovó el teatro cómico español con su facilidad para los juegos semánticos y el enredo con algo de lo absurdo. Entre sus obras cómicas-costunbristas, de corte policiaco y de enredo hay titulos como: "Maribel y la extraña familia" (1959) o "Ninette y un señor de Murcia" (1964).
"Bienvenido, Mister Marshall" está dirigida como bien he dicho por Luis Garcia Berlanga. Un difrector y guionista nacido en Valencia. Está unanimamente considerado como uno de los maestros del cine español. Nacido en 1921, atrajo la atención internacional con el estreno de su primera película como director en solitario, "Bienvenido, Mister Marshall" (1953)
Esta película, una aproximación satirica a las costumbres de la España de Franco y también a los intentos del régimen por salir del aislamiento internacional, ganó una mención especial en el Festival de Cannes y fue nominada para el gran premio del mismo. Poco antes de rodar esta película, Berlanga habia trabajado con otro director español importante, Juan Antonio Bardem, codirigiendo la comedia ligera, "Esa pareja feliz" (1953).
Aunque es posible que fuera de España se le sigue conociendo sobre todo por "Bienvenido, Mister Marshall", Berlanga hizo sus mejores peliculas a principio de los años sesenta, cuando forjó la sociedad creativa más importante de toda su carrera con el guionista Rafael Azcona. Juntos colaboraron en "Plácido" (1961) y "El verdugo"(1963), un par de películas de humor negro, que atacaban la moral corrupta del Estado español. La segunda de ellas resultó demasiado problemática para las autoridads españolas.
Durante los cuatro años siguientes a Berlanga le costó hacer despegar alguno de sus proyectos, pero una vez acabada la dictadura de Franco en 1975, Berlanga pudo volver a trabajar com libertad. Realizó una serie de farsas satirizando a viejos personajes que le habian mantenido en el poder durante (e incluso después) la transición a la democracia.
Tras el estreno de "Paris-Tombuctú" (1999), Berlanga anunció su retirada del mundo del cine, bajando asi el telón de una de las filmografias más únicas e internacionales del cine europeo contemporáneo.
Asi pues, el maestro Berlanga nos lleva hastaVillar del Rio, una localidad castellana de ficción allá por el año 1952. Y en donde un buen dia el delegado del Gobierno visita al alcalde, don Pablo, para informarle de la próxima visita al lugar de una delegación americana del Plan Marshall que estudia la concesión de una ayuda económica al pais. Con la colaboración de Manolo, manager de la cantaora Carmen Vargas, decide vestir a todos los lugareños de andaluces y cubrir las fachadas con decorados tipicos...
La película es una comedia satirica que bajo la apariencia de una tierna comedia costumbrista disimula una ácida critica de la sociedad del pais, de las instituciones de gobierno españolas, de la ayuda americana y de los Estados Unidos. La historia es sencilla y cálida. Los hechos ocurren en un pueblo pequeño, pobre, aislado y olvidado, en el que la vida discurre con pausada monotonia.
Los diálogos, ocurrentes y chispeantes, destilan naturalidad, sinceridad y verismo. Las caracteristicas principales están desarrolladas con gracia y eficacia. La narración se apoya en la voz en off de un narrador (Fernando Rey) que contribuye a dar el relato la forma de un cuento sencillo y entrañable. Elabora una historia de pobrezas, miserias, ilusiones rotas, primeras necesidades no cubiertas y no las expectativas de progreso y cambio.
Focaliza la critica en la politica aislacionista del gobierno (1939-50), el culto a las falsas apariencias (no quieren mostrar la realidad, si no lo que piensan que los americanos desean ver), la vacuidad del patriotismo, la identificación de España con lo andaluz y los toros, la mitificación del flamenco, el atraso cultural del pais (el mapa de Europa en la escuela es anterior a la 2ª Guerra Mundial), el retraso económico de un pais en el que predomina la economia de truque y la agricultura es la actividad principal, la influencia del párroco y sus sermones exageradamente sesgados.
En relación a los Estados Unidos la película parodia al Ku-Klux-Klan, los gángsters, la Comisión de Actividades Antiamericanas (caza de brujas), la violencia de los antiguos pistoleros del Oeste, la administración apresurada del tiempo, la exclusión de España del Plan Marshall, etc.. Presenta varias escenas oniricas y surrealistas, referidas a los sueños que suscita en las personas del lugar. La vana esperanza en la ayuda económica...
La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Manuel Berenguer. Un director de fotografia nacido en Alicante. Su primera actividad profesional fue en Barcelona, donde entró en contacto con el cine amateur catalán. Pero a principios de los años treinta decidió irse a Alemania, alli estuvo tres años trabajando en los laboratrios Lindau de Berlin, donde consiguió su formación. Tiempo después marchó de nuevo a Barcelona. Pero al estallar la Guerra Civil estaba precisamente haciendo el servicio militar y tuvo que parar su actividad profesionak.
Una vez terminada la contienda se incorporó a los Estudios LayaFilms. Su primera película fue "El 3.000" (1941) dirigida por Ramón Quadreny. Berenguer fue uno de los primeros en trabajar en color en España. Tuvo cierta proyeción internacional trabajando a las ordenes de grandes directores tales como: Stanley Kramer, Anthony Mann, Nicholas Ray y David Lean entre otros en peliculas como: "Orgullo y pasión"(The Pride and the Passion"-1957), "El Cid" (1961), "55 dias en Pekin"(55 Days as Peking"-1963) y "Doctor Zhivago"(1965), todas rodadas en España.
Y aqui, expresándose con planos largos y planos secuencia, movimientos precisosde cámara, encuadres elevados e inferiores con escenas llenas de actores y situaciones colectivas de confusión y caos. La película se rodó integramente en los escenarios reales del pueblo de Guadalix de la Sierra (Madrid) y los interiores en los Estudios CEA también de Madrid.
La música fue obra de Jesús Garcia Leoz. Un compositor nacido en Olite (Navarra). De pequeño y en su juventud recibió clases de música de su padre y estudió piano con Eleuterio Munárriz Urquia en Pamplona. En 1921 se marchó a Argentina regresando a España en 1925 donde completó su formación en el Real Conservatorio Superior de Madrid. Fue un prolífico compositor de música para el cine. Entre sus composiciones se encuentran la de las películas "La sirena negra" (1947) de Carlos Serrano de Osma, "Balarrasa" (1950) de José Antonio Nieves Conde, "Surcos" (1951) también de Nieves Conde, "Niebla y sol" (1951) de José Maria Forqué, también trabajó con frecuencia con Antonio del Amo y Ladislao Vajda.
Y aqui, aportando una apoteósica canción coral de bienvenida (con letra de Mihura) y la canción "Ni cariño, ni dinero", a cargo de Lolita Sevilla.
Dos pesos pesados del cine español encabezan este reparto coral: José Isbert "El cochecito"(1960) y Manolo Morán "Recluta con niño" (1955). Don José dando vida a Don Pablo el alcalde del pueblo, un hombre astuto, bonachón y duro de oido, Don Manuel metido en el cuerpo serrano de Manolo, el manager de una cantaora, un hombre picarón, fantasioso y charlatán.
Y agarrada del brazo de los dos y cantando con ellos Lolita Sevilla "El fotogénico"(1957) dando vida a la cantaora Carmen Vargas, una joven y atractiva, que cautiva al público con sus canciones folklóricas. Pero en este pequeño pueblo también caben unos grandes secundrios esperando que lleguen de una vez los "americanos". Me refiero a Alberto Romea "Los jueves milagro" 1957) como Don Luis, el caballero; Elvira Quintillá "Esa pareja feliz"(1951) como la Señorita Eloisa, la maestra; Luis Pérez de León "El bandido generoso" (1957) como Don Cosme, el cura; Félix Fernández "Plaza de Oriente"(1963) como Don Emiliano, el médico; Fernando Aguirre "Novio a la vista" (1954) como Gerónimo, el secretario; Joaquin Roa "La quiniela" (1960) como Julián, el pregonero; Nicolás Perchicot, "Un millón en la basura" (1967) como el boticario... Y por supuesto todo el vecindario de ese carismático pueblo de Villar del Rio.
En definitiva: Una obra maestra de nuestri cine, y una posiblemente de las mejores que se han realizado hasta la actualidad. Una pelicula para verla una y mil veces. Matricula de Honor.
"Bienvenido, Mister Marshall" logró el Premio Internacional (Comedia) en el Festival de Cannes. Y una mención especial al guión en el mismo Festival.
Como anécdota: El presidente del jurado era el actor Edward G. Robinson, quien puso el grito en el cielo al ver la escena en la que a la bandera de las barras y estrellas se la llevaba el agua y se colaba por una alcantarilla. Según relató en su dia el periodista Gómez Rufo , el actor norteamericano exigió la censura de esa secuencia en el festival. Luego pues ya sabemos Premio especial para la película con la secuecia incluida.
El hombre elefante (The Elephant Man-1980)
"¡No soy un elefante! ¡No soy un animal! ¡Soy un hombre!"
Maravillosa película de género dramático-biográfico y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una biografia de Joseph Merrick. Un ciudadano nacido en Leicester (Inglaterra) que se hizo tragicamente famoso debido a las terribles malforaciones que padeció desde el año y medio de su edad. Padeció el síndrome de Proteus, del cual podria representar el caso más grave conocido hasta el momento. Falleció a los 27 años de edad.
Del guión se hicieron cargo Eric Bergren, Christopher De Vore y el director David Lynch. Bergren fue un guionista nacido en Pasadena (Estados Unidos). Estudió en la Universidad del Sur de California y muy apegado a las obras de Fredeick Treves y Anthony Montagu. Para el cine solamente escribió tres guiones y solamente uno para la televisión. En cuanto a De Vore, otro guionista estadounidense, Su aparición por primera vez fue en 1980 precisamente con "El hombre elefante" ("The Elephant Man"). Posteriormente participó junto a Eric Bergren y Nicholas Kazan en el bio-pic "Frances" (1982). Ultimamente participó en un episodio de la serie " Podcast" titulado "Podcast 42" (2020).
"El hombre elefante" está dirigida y escrita por David Lynch. Un cineasta nacido en Montana, de familia de clase media, David se centró en estudiar en diferentes escuelas de arte hasta que aterrizó en la American Film Institute Conservatory. Alli empezó a rodar su primer largometraje, "Cabeza borradora" ("Eraserhead"-1971). El productor Mel Brooks quedó sorprendido con esta película y lo contrató para dirigir en 1980, "El hombre elefante" ("The Elephant Man"), protagonizada por Anthony Hopkins, la película se tradujo en un gran éxito comercial y en cuanto a premios, recibiendo ocho nominaciones a los Oscars.
Durante los años 80 acabó de consagrar su carrera, dirigiendo titulos como "Dune" (1984) o "Terciopelo azul" ("Blue Velvert"-1985). Esta última fue adorada y aclamada por critica y público, estando considerada una de las obras maestras del cine contemporáneo. Los 90 empezaron con el estreno de la serie "Twin Peaks", en colaboración con el productor Marc Frost. La prducción rápidamente se destapó como un auténtico fenómeno cultural en todo el mundo. La serie debido a su éxito, tuvo una película en forma de precuela llamada "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" ("Twin Peaks: Fire Walk with Me"-1992). que gozó de una aceptación irregular y fue un fiasco a nivel comercial.
Dos años antes, el director dió con la tecla con "Corazón salvaje" ("Wild af Heart"-1990), que pese a llevarse la Palma de Oro en Cannes no acabó de convencer al público. Durante los años 90, permaneció cinco años inactivo en la gran pantalla, centrándose en el mundo de las series como "On theair" (1992) o "Hotel Room" (1993).
En 1997 volvió a la carga con "Carretera perdida" ("Lost Higway") y dos años después con "Una historia verdadera" ("The Straight Story"-1999). Dichas películas, pese a ser muy diferentes entre si, pusieron de manifiesto su buen estado de forma, que se acentuó todavia más con el estreno de "Mulholland Drive"(2001), protagonizada por Naomí Watts y Laura Elena Harring. La película aborda el oscuro mundo que se esconde tras esa "fábrica de sueños" como se le apoda en Hollywood. La reaparición fue muy buena y Lynch se llevó el premio al mejor director en Cannes.
Su último trabajo para el cine fue con "Inland Empire" (2006), una historia que desarrolla diferentes niveles argumenrales entremezclados entre si, pero sin aclarar el nexo de la unión. Su rico universo está caracterizado por una estética surrealisra con una profunda obsesión por explorar el lado oscuro de la experiencia humana.
Asi pues, Lynch nos lleva hasta Londres a finales de 1880 y nos mete en la vida de un médico cirujano llamado Frederick Treves, que un buen dia acude a una barraca de feria donde John Merrick, "el hombre elefante", es exibido al público por dinero. Un tal Bytes lo tiene a su cargo y lo explota como medio de substinencia. Treves conviene con él la liberación para ingresarlo en el Hospital de Londres. Al doctor le mueven razones humanitarias y profesionales y descubre por sospresa que Merrick tiene un cociente intelectual normal y una sensibilidad también normal...
La película suma drama, historia, biopic, critica social y enfermedad, y en donde Lynch construye en torno al protagonista una atmósfera densa, tensa, incierta y misteriosa, que constituye uno de los principales atractivos de la historia. Pone en relación la delicadeza de formas de la época victoriana con la rudeza del industrialismo (polución, contaminación, emisiones tóxicas, residuos...). Sobre el contraste de ambos formula una crtica doble, dirigida a la hipocresia de las apariencias sociales y a la agresividad del progreso industrial.
La película también formula un objeto a favor de las personas desiguales, en especial de las que lo son de modo más aparente. Exponiendo una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, si no en las capacidades de las personas afectadas.
Establece una definición de belleza basada en cualidades del espiritu (respeto, tolerancia, simpatia, solidaridad, afecto...). Muestra como las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactiva cuando se constata su humanidad de indefensión. No asusta la fealdad, si no la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración social posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar del ejercicio de sus capacidades. Nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.
La banda sonora corrió a cargo de John Morris. Un compositor nacido en Nueva Jersey. Se interesó por la música a los tres años de edad cuando comenzó a aprender a tocar el piano con sus padres. En 1940 se trasladó a Nueva York donde estudió tanto en la Escuela Jullinad como en la The New Schol for Socid Rosearch. A partir de 1950 y hasta 1970 ayudó a componer música para varias producciones de Broadway.
En el cine comenzó con Mel Brooks con la película "Los productores" ("The Producers"-1967). Estuvo nominado al Oscar en dos ocasiones por"Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974) y por "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980).
Y aqui, ofreciéndo una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, con el que glosa la satisfación de Merrick ante el avance de su integración con la sociedad.
La fotografia en blanco y negro y formato Cinemascope fue dirigida por Freddie Francis, Un director de fotografia nacido en Londres. De principio se encaminó en la carrera de ingenieria, pero lo abandonó a los 16 años para trabajar como aprendiz de fotógrafo con Louis Prothero, donde comenzó a trabajar en películas mudas de Stanley Lupino. En 1939 se alistó al ejército, donde pasó siete años trabajando en muchas películas de propaganda bélica.
Asu regreso a la vida civil comenzó trabajando como operador de cámara en películas como "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) y "La burla del diablo" ("Beat the Devil"-1953). Su primera película como director de fotografia fue "Un lugar en la cumbre" ("Doom at the Top"-1959) que precisamente le valíó el Oscar a Simone Signoret como mejor actriz. Fue ganador de dos Oscar a la mejor fotografia por "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) y por "Tiempos de gloria" ("Glory"-1989).
Y aqui, creando composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebristas. Haciendo uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes con proyecciones de sombras, rincones sombrios, contraluces inquietantes y juegos de claroscuros, evocando el cine de terror de la mitica factoria Hammer (que por cierto trabajó alli durante un tiempo). La pelicula se rodó en escenarios naturales de Londres y los interiores en los platós de Lee Internacional Studios de Wembley (Londres).
Sensacional la pareja protagonista, comenzando por John Hurt, "Rafi, un rey de paso" ("King Ralph"-1991) metido en el maltrecho cuerpo de John Merrick y seguido de Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) dando vida al doctor Frederick Treves. Y con ellos la bellisima Anne Bancroff, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Mrs. Kendall; John Gielgud, Julio Cesar" ("Julius Caesar"-1953) como el doctor Carr Gomn; Freddie Jones, "Erik el vikingo"("Erik the Viking"-1989) como Bytes...
En definitiva: Para mi, tida una obra maestra del género. Una película vital y necesaria en la videoteca de todo buen aficionado al cine. Matricula de Honor.
"El hombre elefante" tuvo 8 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director y actor (John Hurt). Fue el año de Robert Redford y Robert De Niro por "Gente corriente" ("Ordinary People" y "Toro salvaje" ("Raging Bull").
A modo de curiosidad: El proceso de maquillaje del actor John Hurt tomaba entre siete y ocho horas cada dia.
Más poderoso que la vida (Bigger than Life-1956)
En recuerdo de: Barbara Rush
"Hola, me llamo Ed y soy adicto a un medicamento"...
Obra maestra sin duda alguna de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Cyril Hume y Richard Maibaum. El primero fue un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en la Universidad de Yale, donde editó la revista de humor del campus "The Yale Record". Al acabar sus estudios universtarios trabajó como reportero novato en el New York World y fue alli donde escribió su primera novela "La esposa del centauro". Para el cine escribió 29 guiones entre 1924 y 1966 entre ellos: "Tarzán de los monos" ("Tarzan, the Ape Man"-1932) con Johnny Weissmuller y Mauren O’Sullivan, "Volando hacia Rio de Janeiro" ("Flyin Down to Rio"-1933) con Fred Astaire y Ginger Rogers, "El gran Gatsby" ("The Great Gatsby"-1946) con Alan Ladd y Betty Field, "Secuestro" ("Tokyo Joe"-1949) con Humprhey Bogart y "Planeta prohibido" ("Forbidden Planet"-1956) con Walter Pidgeon y Anne Francis, entre otros.
En cuanto al segundo fue un productor y guionista también nacido en Nueva York y muy conocido sobre todo por sus adaptaciones de las novelas de Ian Fleming de "James Bond". Asistió a la Universidad de Nueva York y en 1930 ingresó en el Departamento de Oratorio y Arte Dramático de la Univesidad de Iowa. Y una vez acabado estos estudios universitarios se trasladó a Los Angeles donde fue contratado para el cine por la MGM, su primer guión fue para la película "We Went to College" (1936), tres años después escribió para la Columbia "The Lady and the Mob" (1939) con una jovencisima Ida Lupino. También escribió para la 20th Century Fox "Diez héroes de West Point" ("Ten Gentlemen from West Point"-1942) de Henry Hathaway. Pero su verdadera fama le llegó al ser contratado para escribir el primer guión de la saga James Bond "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No"-1962) que también lanzó a la fama a Sean Connery.
"Más poderoso que la vida" está dirigida por Nicholas Ray. . Un cineasta nacido en Wisconsin. Estudió arquitectura con Frank Lloyd Wright, de quien aprendió el valor de la linea horizontal que luego se cnvertiria en una marca definitiva en la mayoria de sus películas.
Empezó su carrera como director con "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Luego dirigió más adelante más de veinte películas, entre ellas "Llamad a cualquier puerta" ("Knock on Any Door"-1949), "Nacida para el mal" ("Born to Be Bad"-1950), "Hombres errantes" ("The Lusty Men"-1952), "Muerte en los pantanos" ("Wind Across the Everglades"-1958) y "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking"-1963). Durante el rodaje de esta última sufrió un ataque cardiaco, lo cual provocó una pausa en su carrera, que no se renaudó hasta mediados de los años setenta.
Enseñó arte dramático en la Universidad Estatal de Nueva York en Binghamton, influyó en los directres Wim Widers y Jim Jarmusch, y fue todo un héroe para los criticos de la nouvelle vague francesa.
Cinco de sus películas se consideran obras maestras: "En un lugar solitario" (In a Lonely Place"-1950), una de las películas de cine negro más poéticas y evocadoras que se han rodado, está protagonizada por Humphrey Bogart, en el papel de un guionista y por Gloria Grahame (esposa de Ray), como la mujer que primero le ama y luego le confunde, "Más poderoso que la vida" /"Bigger than Life"-1956) se centra en los problemas con las drogas enla clase media, "Amarga victoria" ("Bitter Victory"-1957) es una historia bélica sobre conflictos y esperanzas en el desierto africano, "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"-1955) con James Dean, habla de la delincuencia juvenil.
A la hora de dirigir a sus actores, creia que la linea de sentimiento y de la expresión de un personaje debia ser la guia para la estructura de la toma. Su muerte en 1979 se retrata en el docudrama "Relámpago sobre el agua" ("Lighning Over Water"-1980), que Wim Winders codirigió y completó.
Asi pues, el maestro Ray nos cuenta la historia de un profesor llamado Ed Avery que, a causa de una rara enfermedad, decide tomar una droga poco experimentada, un compuesto de cortisona, que le provoca como efectos secundarios evasiones de la realidad, megalomanía y una búsqueda de la perfección que le lleva al maltrato moral y fisico de su hijo. Los médicos que le atienden diagnostican que la droga le ha provocado una psicosis patológica, de evolución incierta, que debe ser tratada con sedación prolongada...
Los efectos de la psicosis en las relaciones del protagonista con su mujer, su hijo y sus compañeros, le brindaron a Nicholas Ray la oportunidad de adentrarse en la obscuridad y los misterios del alma humana, uno de sus temas preferidos.
La banda sonora fue dirigida por David Raksin. Un composior nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para el cine y más de 300 para la televisión, fue conocido como el abuelo de las bandas sonoras. Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos"("Modern Times"-1936). También será reconocido por su tema sobre la película "Laura" (1941). Johnny Mercer puso la letra a este tema.
Y aqui, se adapta al discurso narrativo y le confiere fuerza expresiva y emoción.
La fotografia en color y formato Cinemascope fue obra de Joseph MacDonald. Un director de fotografia nacido en México. Comenzó como asistente de cámara a principios de la década de 1920, y se convirtió en direcor de fotografia en la década de 1940, y muy pronto comenzó su trabajo en Hollywood, principalmente para la 20th Century Fox. En algunas de sus películas usaba el nombre de Joe MacDonald. Fue el primer director de fotografia nacido en México, y solo el segundo en general, después de Leon Shainroy, en rodar una película en Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marrt a Millonaire"-1953), asi como el primer director de fotografia nacido en México en rodar una película en Color Deluxe.
Y aqui, demostrándo su buen oficio y una notable habilidad.
Sensacional James Mason, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) metido en el cuerpo del enfermizo Ed Avery. Y seguido por Barbara Rush, "Un extraño en mi vida" ("Strangers When We Meet"-1960) como Lou Avery (la esposa de Ed);Walter Matthau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) como Wally Gibbs; Robert F. Simon, "El hombre que mató a Liverty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) como el Dr. Norton; Chistopher Olsen, "Angeles sin brillo" ("The Tarnisehd Angels"-1957) como Richie Avery (el hijo de Ed y Lou); Roland Winters, "Amor a reacción" ("Jet Pilot"-1957) como el Dr. Ruric; Rusty Lane, "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt"-1956) como Bob LaPorte..
En definitiva: Una película emocionante, hermosa y ejemplarizante sobre la familia, el dolor, la enfermedad, las drogas y el amor. Eses amor que todo lo puede. Matricula de Honor.
"Más poderoso que la vida" estuvo nominada al León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia.
A modo de curiosidad; Marilyn Monroe tuvo un cameo en la película que se cayó en el montaje final.
Hasta siempre!!!
Barbara Rush
Una actriz exquisita
El pasado 31 de marzo y a la edad de 97 años falleció la actriz estadounidense Barbara Rush.
Su padre, era el abogado de una empresa minera en Santa Barbara (California). Alli creció y asistió a la Universidad de la misma ciudad donde se graduó en 1948. Comenzó su carrera en el programa de teatro de dicha Universidad. Actuó en el escenario del Lobero Theatre y del Padadena Playhouse antes de firmar con la Paramount. Su debut en el cine fue con la pelicula "Molly" (1950) de Walter Hart, y en 1951 coprotagonizó la clásica película de ciencia-ficción dirigida por George Pal "Cuando los mundos chocan"("When Worlds Collide"). En 1952 protagonizó "Pluma de fuego" ("Flaming Feather") con Sterling Hayden y en 1954 ganó el Globo de Oro por "Vinieron del espacio" ("It Came from Outer Space") de Jack Arnold.
Interpretó a la esposa de James Mason en "Más poderoso que la vida" ("Bigger Than Life"-1956) de Nicholas Ray y fue el interés amoroso de Dean Martin en "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958) y del abogado ambicioso Paul Newman en "La ciudad frente a mi" ("The Young Philadelphians"-1959).
Comenzó su carrera en el escenario y siempre fue parte de su vida profesional. En 1970 obtuvo el premio Sarah Siddone por sus logros dramáticos en el teatro de Chicago por su papel principal en "Forty Caracts" y llevó su obra unipersonal "A Woman of Independent Mean" a Broadway en 1984. Comenzó a trabajar en televisión en la década de 1950. Más tarde se convirtió en una actriz habitual en películas para la televisión, miniseries y una variedad de otros programas, incluidos "Peyton Place" y la telenovela"All My Children".
A menudo interpretaba a una mujer obstinada y acomodada o a una mujer refinada de la alta sociedad. También interpretó un papel ocasional de villana, como el musical de gángsters "4 Gángsters de Chicago" ("Robin and the 7 Hoods"-1964) con Frank Sinatra y Dean Martin. En el drama -western "Hombre" (1967), interprtó a la esposa de un ladrón, rica más joven y contundente tomada como rehén y atada a una estaca. Interpretó a la tutora Nora Clavicle en la serie de televisión "Batman". En 1976, interpretó el papel de Ann Sommers/Chris Stewart, la madre de Jaime Sommers en la serie "La mujer bionica" ("The Bionic Woman".
Después de aparecer en "¡Que no pare la música!" ("Can’t Stop Music"-1980), volvió a trabajar en televisión. Fue miembro del elenco de la telenovela "Flamingo Road" de principios de la década de 1980. En 1998, apareció en un episodio titulado "Balance of Nature" de la serie televisiva "The Outer Limits". En 1989, realizó una gira sobre el escenario de la compañia nacional Steel Magnolias. En 2007, interprtó el papel de la abuela de Ruth Cawden en la serie "7 h Heaven". Desde entonces hizo apariciones ocasionales para el Theatre Guild en Orange (Califotnia).
Barbara Rush -Denver (Estados Unidos)-4 - enero - 1927 - Westlake Village (Estados Unidos) -31-marzo - 2024.
¡DESCANSE EN PAZ!