Sin perdón (Unforgiven-1992)

       En recuerdo de: Gene Hackman

  "Es usted un miserable y cobarde hijo de perra. Ha matado a un hombre desarmado."

  "Pues debió haberse armado cuando decidió decorar su salón con mi amigo."

  "Es usted William Munay de Missouri, el asesino de niños y mujeres".

  Asi es. He matado a mujeres y niños. He disparado sobre cualquier cosa que tuviera vida y se moviera. Y hoy he venido a matarle a usted por lo que ha hecho a Ned".

  Obra maestra de género de western y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de David Webb Peoples. Un guionista, editor y director nacido en Middletown (Estados Unidos). A parte de escribir esta pelicula. También hs escrito para el cine peliculas como: Blade Runner" (1982) y "12 monos" ("12 Monkeys"-1995). Por "Blade Runner" logró elHugo a la mejor presentación dramática, y por su guión en "Sin perdón" estuvo nominado al Oscar. al Globo de Oro y al BAFTA y ganó el Premio al Mejor Guión de la Asociación de Criticos de Cine de Los Angeles y el de la National Society of Films Critics, entre otros.

  "Sin perdón" está dirigida por Clint Eastwood. Un cineasta nacido en San Francisco. Prima en Hollywood hoy dia los movimientos continuos de cámara y los montajes frenéticos, pero Clint fija el plano para que se luzcan los actores. No cabe duda. Porque es hasta ahora el último heredero de John Ford. El último clásico. Representa una forma de hacer cine que casi se ha perdido, y es que se trata de un cineasta contracorriente que parece hacer suya una frase de John Wilson, su personaje en "Cazador blanco, corazón negro" ("White Hunter, Black Heart"-1990). : "No dejaré que ocho millones de comedores de palomitas me digan lo que tengo que hacer".

  La videncia, la soledad y la fatalidad son los grandes temas de sus películas. Pero sobre todo la redención, en un cineasta que precisamente parece querer redimirse de la imágen que tenia hace poco más de una década. Por aquel entonces era conocido por el Magnum 44, el pistolón de "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971) y sus frases del estilo"Alégrame el dia". Protagonizaba subproductos como "Duro de pelar" ("Every Which Way But Loose"-1978), y todos sus personajes eran tipos impasibles y toscos que apenas movian un musculo de la cara.

  Pero entonces decidió entristecernos el dia, con historias tan duras como el propio Harry, pero llenas de verdad. Para la critica, ha dado un giro en su carrera, pero el estilo y los temas recurrentes de Eastwood han estado presentes en su filmografia desde hace muchos años. Aunque en su momento estaban considerados como subproductos propicios para programas dobles de cines de barrio, los tres spaguetti western que rodó en Almeria a las órdenes de Sergio Leone son apreciados hoy dia por selectos cinéfilos y homenajeados por Tarantino y otros cineastas de prestigio.

  Por aquel entonces, el joven Clinton Eastwood jr., nacido en San Francisco, el 31 de mayo de 1930 llevaba unos años ejerciendo de actor. Tras licenciarse en el ejército se apuntó a un cursillo de interpretación organizado por la Universal, y entre otros trabajos menores fue reclutado para coprotagonizar la serie "Rawhide". Como esta serie le dió cierta fama en Estados Unidos, y el joven Eastwood cobraba todavia poco era el candidato ideal para que el italiano Leone, interesado en un actor estadounidense para poner su nombre encabezando los carteles le reclutaria para protagonizar "Por un puñado de dólares" (Per un pugno di dollari"-1964), una película de poco presupuesto, versión en clave de western de "Yojimbo" (1961), de Akira Kurosawa.

  El éxito de la película propició dos secuelas, con más medios y otros actores internacionales, pues Lee Van Cleef se incorporó a la saga en "La muerte tenia un precio" ("Per qualche dollaro in piú"-1965) y Eli Wallach, en "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966). Sin lavarlo siquiera, Eastwood usó el mismo poncho en las tres películas, que daban un aire nuevo al género, incorporando humor, personajes heróicos propios del comic, y tiroteos propio de los recuerdos infantiles de las grandes películas del género.

  Si su encuentro con Sergio Leone fue crucial para su carrera igualmente importante fue su trabajo con Don Siegel. Es bien sabido que "Sin perdón" está dedicada a Leone y Siegel. Su primer encuentro con este fue en "La jungla humana" ("Coogan's Bluff"-1968), revisión de su personaje de heróico cowboy y sin nombre a los tiempos modernos. Después de salir airoso de un musical, "La leyenda de la ciudad sin nombre" ("Paint Your Wagon"-1969), donde cantaba, como otro de los más duros de Hollywood, Lee Marvin, repitiria con Siegel en "Dos mulas y una mujer" ("Two Mules for Sister Sara"-1970:, un westen clásico y "El seductor" ("The Beguiled"-1971), también del mismo género pero más realista.

  Tan prometedora carrera estuvo a punto de truncarse cuando Eastwood cogió una infección en el cuello, durante el rodaje en Italia de "Los violentos de Kelly" ("Kelly's Heroes"-1970). El actor estuvo muy cerca de la muerte, pero fue sometido a una operación quirúrgica con éxito.

 

  

 

Hasta siempre!!!

                    Gene Hackman

                             Un actor de leyenda

  El pasado 18 de febrero y a la edad de 95 años encntraron sin vida en su residencia de Santa Fe, al actor estadounidense Gene Hackman.

  ¿Fué Gene Hackman joven alguna vez?. Siempre apareció maduro incluso en películas tan antiguas como "Lilith" (1964) o en "Bonnie y Clyde" (1967). No se trata meramente de que nunca tuvo el aspecto de un idolo infantil, en su sentido de las dudas, la ansiedad y su conciencia de las complicaciones de la vida nacida de la experiencia lo que subyace debajo incluso de sus personajes más descaradamente seguros, incluso en su papel como el detective Jimmy "Popeye" Doyle en "French Connection" (1971), con el que ganó un Oscar al Mejor Actor, el personaje muestra un cierto resentimiento que procede quizá de la inseguridad.

  Dejó la casa de sus padres a la edad de 16 años para enrolarse a los marines. Después de tres años volvió a la vida civil y estudió producción de televisión y periodismo en la Universidad de Illinois. Comenzó su carrera como actor, después de cumplir los 30 año. Se unió a la Pasadena Productions de California, donde se hizo amigo de otra promesa de la interpretación, Dustin Hoffman.

  Sus compañeros de clase les eligieron como "los dos que menos probalidades tenian de triunfar", por lo que ambos lo dejaron durante un tiempo. Pero cuando Hackman dió realmente la campanada fue a mediados de los años 70, donde su mejor terreno era el de a exploración de la crisis de madurez en "La conversación" ("The Conversation"-1974) y "La noche se mueve" ("Night Moves"-1975).

  A pesar de aceptar de forma regular papeles rutinarios en películas como: "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"-1977) o "Supermán" (1978) siempre resultó más convincente y eficiente en papees más complejos y oscuros como en "Rojos" ("Reds"-1981), "Arde Mississippi" ("Mississippi Berning"-1988), "Sin perdón" ("Unforgiven"-1992) y "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1997)..

  No obstante también tuvo facilidad por la comedia, como en "Como conquistar Hollywwod" ("Get Story"-1995), "Al caer el sol" ("Twilight"-1998) y "Los Tenenbaums" ("The Royal Tenenbaums"-2001). Su última película fue tambén una comedia titulada "Bienvenido a Mooseport" ("Welcome to Mooseport"-2004) de Donald Petric.

  Eugene Allen Hackman (Gene Hackman)-San Bernardino, California (Estados Unidos)-30-enero-1930-Santa Fe, Nuevo México (Estados Unidos)-18-febrero-2025.

                                   ¡DESCANSE EN PAZ!

  "Yo queria actuar, pero siempre habia estado convencido de que los actores tenian que ser atractivos."

                                         (Gene Hackman)

Bienvenido , Mister Marshall (1953)

  Americanos, vienen a España gordos y sanos

  viva el tronio y viva un pueblo con poderio

  olé Virginia y Michigan

  y viva Texas que no está mal, (...) no está mal.

  Os recibimos americanos con alegria

  olé mi madre, olé mi suegra y olé mi tia...

    Obra maestra y una contundente y tierna sátira sobre la España del subdesarrollo y la pandereta y, por supuesto de nacionalidad española (no faltaria más). Y con un guión de Juan Antonio Bardem, Miguel Mihura y su director Luis Garcia Berlanga.

  Bardem, un director y guionisra nacido en Madrid, que alcanzó fama internacional con sus primeras películas a mediados de a década de 1950. Entre sus obras maestras caben de destacar: "Muerte de un ciclista" (1955) y "Calle Mayor" (1956). Fue militante del PCE, primero en la clandestinidad, durante el franquismo y luego durante la democracia.

  Mihura fue un dramaturgo y guionista nacido en Madrid, todo un personaje que renovó el teatro cómico español con su facilidad para los juegos semánticos y el enredo con algo de lo absurdo. Entre sus obras cómicas-costunbristas, de corte policiaco y de enredo hay titulos como: "Maribel y la extraña familia" (1959) o "Ninette y un señor de Murcia" (1964).

  "Bienvenido, Mister Marshall" está dirigida como bien he dicho por Luis Garcia Berlanga. Un difrector y guionista nacido en Valencia. Está unanimamente considerado como uno de los maestros del cine español. Nacido en 1921, atrajo la atención internacional con el estreno de su primera película como director en solitario, "Bienvenido, Mister Marshall" (1953)

  Esta película, una aproximación satirica a las costumbres  de la España de Franco y también a los intentos del régimen por salir del aislamiento internacional, ganó una mención especial en el Festival de Cannes y fue nominada para el gran premio del mismo. Poco antes de rodar esta película, Berlanga habia trabajado con otro director español importante, Juan Antonio Bardem, codirigiendo la comedia ligera, "Esa pareja feliz" (1953).

  Aunque es posible que fuera de España se le sigue conociendo sobre todo por "Bienvenido, Mister Marshall", Berlanga hizo sus mejores peliculas a principio de los años sesenta, cuando forjó la sociedad creativa más importante de toda su carrera con el guionista Rafael Azcona. Juntos colaboraron en "Plácido" (1961) y "El verdugo"(1963), un par de películas de humor negro, que atacaban la moral corrupta del Estado español. La segunda de ellas resultó demasiado problemática para las autoridads españolas.

  Durante los cuatro años siguientes a Berlanga le costó hacer despegar alguno de sus proyectos, pero una vez acabada la dictadura de Franco en 1975, Berlanga pudo volver a trabajar com libertad. Realizó una serie de farsas satirizando a viejos personajes que le habian mantenido en el poder durante (e incluso después) la transición a la democracia.

  Tras el estreno de "Paris-Tombuctú" (1999), Berlanga anunció su retirada del mundo del cine, bajando asi el telón de una de las filmografias más únicas e internacionales del cine europeo contemporáneo.

  Asi pues, el maestro Berlanga nos lleva hastaVillar del Rio, una localidad castellana de ficción allá por el año 1952. Y en donde un buen dia el delegado del Gobierno visita al alcalde, don Pablo, para informarle de la próxima visita al lugar de una delegación americana del  Plan Marshall que estudia la concesión de una ayuda económica al pais. Con la colaboración de Manolo, manager de la cantaora Carmen Vargas, decide vestir a todos los lugareños de andaluces y cubrir las fachadas con decorados tipicos...

  La película es una comedia satirica que bajo la apariencia de una tierna comedia costumbrista disimula una ácida critica de la sociedad del pais, de las instituciones de gobierno españolas, de la ayuda americana y de los Estados Unidos. La historia es sencilla y cálida. Los hechos ocurren en un pueblo pequeño, pobre, aislado y olvidado, en el que la vida discurre con pausada monotonia.

  Los diálogos, ocurrentes y chispeantes, destilan naturalidad, sinceridad y verismo. Las caracteristicas principales están desarrolladas con gracia y eficacia. La narración se apoya en la voz en off de un narrador (Fernando Rey) que contribuye a dar el relato la forma de un cuento sencillo y entrañable. Elabora una historia de pobrezas, miserias, ilusiones rotas, primeras necesidades no cubiertas y no las expectativas de progreso y cambio.

  Focaliza la critica en la politica aislacionista del gobierno (1939-50), el culto a las falsas apariencias (no quieren mostrar la realidad, si no lo que piensan que los americanos desean ver), la vacuidad del patriotismo, la identificación de España con lo andaluz y los toros, la mitificación del flamenco, el atraso cultural del pais (el mapa de Europa en la escuela es anterior a la 2ª Guerra Mundial), el retraso económico de un pais en el que predomina la economia de truque y la agricultura es la actividad principal, la influencia del párroco y sus sermones exageradamente sesgados.

  En relación a los Estados Unidos la película parodia al Ku-Klux-Klan, los gángsters, la Comisión de Actividades Antiamericanas (caza de brujas), la violencia de los antiguos pistoleros del Oeste, la administración apresurada del tiempo, la exclusión de España del Plan Marshall, etc.. Presenta varias escenas oniricas y surrealistas, referidas a los sueños que suscita en las personas del lugar. La vana esperanza en la ayuda económica...

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Manuel Berenguer. Un director de fotografia nacido en Alicante. Su primera actividad profesional fue en Barcelona, donde entró en contacto con el cine amateur catalán. Pero a principios de los años treinta decidió irse a Alemania, alli estuvo tres años trabajando en los laboratrios Lindau de Berlin, donde consiguió su formación. Tiempo después marchó de nuevo a Barcelona. Pero al estallar la Guerra Civil estaba precisamente haciendo el servicio militar y tuvo que parar su actividad profesionak.

  Una vez terminada la contienda se incorporó a los Estudios LayaFilms. Su primera película fue "El 3.000" (1941) dirigida por Ramón Quadreny. Berenguer fue uno de los primeros en trabajar en color en España. Tuvo cierta  proyeción internacional trabajando a las ordenes de grandes directores tales como: Stanley Kramer, Anthony Mann, Nicholas Ray y David Lean entre otros en peliculas como: "Orgullo y pasión"(The Pride and the Passion"-1957), "El Cid" (1961), "55 dias en Pekin"(55 Days as Peking"-1963) y "Doctor Zhivago"(1965), todas rodadas en España.

  Y aqui, expresándose con planos largos y planos secuencia, movimientos precisosde cámara, encuadres elevados e inferiores con escenas llenas de actores y situaciones colectivas de confusión y caos. La película se rodó integramente en los escenarios reales del pueblo de Guadalix de la Sierra (Madrid) y los interiores en los Estudios CEA también de Madrid.

  La música fue obra de Jesús Garcia Leoz. Un compositor nacido en Olite (Navarra). De pequeño y en su juventud recibió clases de música de su padre y estudió piano con Eleuterio Munárriz Urquia en Pamplona. En 1921 se marchó a Argentina regresando a España en 1925 donde completó su formación en el Real Conservatorio Superior de Madrid. Fue un prolífico compositor de música para el cine. Entre sus composiciones se encuentran la de las películas "La sirena negra" (1947) de Carlos Serrano de Osma, "Balarrasa" (1950) de José Antonio Nieves Conde, "Surcos" (1951) también de Nieves Conde, "Niebla y sol" (1951) de José Maria Forqué, también trabajó con frecuencia con Antonio del Amo y Ladislao Vajda.

  Y aqui, aportando una apoteósica canción coral de bienvenida (con letra de Mihura) y la canción "Ni cariño, ni dinero", a cargo de Lolita Sevilla.

  Dos pesos pesados del cine español encabezan este reparto coral: José Isbert "El cochecito"(1960) y Manolo Morán "Recluta con niño" (1955). Don José dando vida a Don Pablo el alcalde del pueblo, un hombre astuto, bonachón y duro de oido, Don Manuel metido en el cuerpo serrano de Manolo, el manager de una cantaora, un hombre picarón, fantasioso y charlatán.

  Y agarrada del brazo de los dos y cantando con ellos Lolita Sevilla "El fotogénico"(1957) dando vida a la cantaora Carmen Vargas, una joven y atractiva, que cautiva al público con sus canciones folklóricas. Pero en este pequeño pueblo también caben unos grandes secundrios esperando que lleguen de una vez los "americanos". Me refiero a Alberto Romea "Los jueves milagro" 1957) como Don Luis, el caballero; Elvira Quintillá "Esa pareja feliz"(1951) como la Señorita Eloisa, la maestra; Luis Pérez de León "El bandido generoso" (1957) como Don Cosme, el cura; Félix Fernández "Plaza de Oriente"(1963) como Don Emiliano, el médico; Fernando Aguirre "Novio a la vista" (1954) como Gerónimo, el secretario; Joaquin Roa "La quiniela" (1960) como Julián, el pregonero; Nicolás Perchicot, "Un millón en la basura" (1967) como el boticario... Y por supuesto todo el vecindario de ese carismático pueblo de Villar del Rio.

  En definitiva: Una obra maestra de nuestri cine, y una posiblemente de las mejores que se han realizado hasta la actualidad. Una pelicula para verla una y mil veces. Matricula de Honor.

  "Bienvenido, Mister Marshall" logró el Premio Internacional (Comedia) en el Festival de Cannes. Y una mención especial al guión en el mismo Festival.

  Como anécdota: El presidente del jurado era el actor Edward G. Robinson, quien puso el grito en el cielo al ver la escena en la que a la bandera de las barras y estrellas se la llevaba el agua y se colaba por una alcantarilla.  Según relató en su dia el periodista Gómez Rufo , el actor norteamericano exigió la censura de esa secuencia en el festival. Luego pues ya  sabemos Premio especial para la película con la secuecia incluida.

 

 

El hombre elefante (The Elephant Man-1980)

"¡No soy un elefante! ¡No soy un animal! ¡Soy un hombre!"

  Maravillosa película de género dramático-biográfico y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una biografia de Joseph Merrick. Un ciudadano nacido en Leicester (Inglaterra) que se hizo tragicamente famoso debido a las terribles malforaciones que padeció desde el año y medio de su edad. Padeció el síndrome de Proteus, del cual podria representar el caso más grave conocido hasta el momento. Falleció a los 27 años de edad.

  Del guión se hicieron cargo Eric Bergren, Christopher De Vore y el director David Lynch. Bergren fue un guionista nacido en Pasadena (Estados Unidos). Estudió en la Universidad del Sur de California y muy apegado a las obras de Fredeick Treves y Anthony Montagu. Para el cine solamente escribió tres guiones y solamente uno para la televisión. En cuanto a De Vore, otro guionista estadounidense, Su aparición por primera vez fue en 1980 precisamente con "El hombre elefante" ("The Elephant Man"). Posteriormente participó junto a Eric Bergren y Nicholas Kazan en el bio-pic "Frances" (1982). Ultimamente participó en un episodio de la serie " Podcast" titulado "Podcast 42" (2020).

  "El hombre elefante" está dirigida y escrita por David Lynch. Un cineasta nacido en Montana, de familia de clase media, David se centró en estudiar en diferentes escuelas de arte hasta que aterrizó en la American Film Institute Conservatory. Alli empezó a rodar su primer largometraje, "Cabeza borradora" ("Eraserhead"-1971). El productor Mel Brooks quedó sorprendido con esta película y lo contrató para dirigir en 1980, "El hombre elefante" ("The Elephant Man"), protagonizada por Anthony Hopkins, la película se tradujo en un gran éxito comercial y en cuanto a premios, recibiendo ocho nominaciones a los Oscars.

  Durante los años 80 acabó de consagrar su carrera, dirigiendo titulos como "Dune" (1984) o "Terciopelo azul" ("Blue Velvert"-1985). Esta última fue adorada y aclamada por critica y público, estando considerada una de las obras maestras del cine contemporáneo. Los 90 empezaron con el estreno de la serie "Twin Peaks", en colaboración con el productor Marc Frost. La prducción rápidamente se destapó como un auténtico fenómeno cultural en todo el mundo. La serie debido a su éxito, tuvo una película en forma de precuela llamada "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" ("Twin Peaks: Fire Walk with Me"-1992). que gozó de una aceptación irregular y fue un fiasco a nivel comercial.

  Dos años antes, el director dió con la tecla con "Corazón salvaje" ("Wild af Heart"-1990), que pese a llevarse la Palma de Oro en Cannes no acabó de convencer al público. Durante los años 90, permaneció cinco años inactivo en la gran pantalla, centrándose en el mundo de las series como "On theair" (1992) o "Hotel Room" (1993).

  En 1997 volvió a la carga con "Carretera perdida" ("Lost Higway") y dos años después con "Una historia verdadera" ("The Straight Story"-1999). Dichas películas, pese a ser muy diferentes entre si, pusieron de manifiesto su buen estado de forma, que se acentuó todavia más con el estreno de "Mulholland Drive"(2001), protagonizada por Naomí Watts y Laura Elena Harring. La película aborda el oscuro mundo que se esconde tras esa "fábrica de sueños" como se le apoda en Hollywood. La reaparición fue muy buena y Lynch se llevó el premio al mejor director en Cannes.

  Su último trabajo para el cine fue con "Inland Empire" (2006), una historia que desarrolla diferentes niveles argumenrales entremezclados entre si, pero sin aclarar el nexo de la unión. Su rico universo está caracterizado por una estética surrealisra con una profunda obsesión por explorar el lado oscuro de la experiencia humana.

  Asi pues, Lynch nos lleva hasta Londres a finales de 1880 y nos mete en la vida de un médico cirujano llamado Frederick Treves, que un buen dia acude a una barraca de feria donde John Merrick, "el hombre elefante", es exibido al público por dinero. Un tal Bytes lo tiene a su cargo y lo explota como medio de substinencia. Treves conviene con él la liberación para ingresarlo en el Hospital de Londres. Al doctor le mueven razones humanitarias y profesionales y descubre por sospresa que Merrick tiene un cociente intelectual normal y una sensibilidad también normal...

  La película suma drama, historia, biopic, critica social y enfermedad, y en donde Lynch construye en torno al protagonista una atmósfera densa, tensa, incierta y misteriosa, que constituye uno de los principales atractivos de la historia. Pone en relación la delicadeza de formas de la época victoriana con la rudeza del industrialismo (polución, contaminación, emisiones tóxicas, residuos...). Sobre el contraste de ambos formula una crtica doble, dirigida a la hipocresia de las apariencias sociales y a la agresividad del progreso industrial.

  La película también formula un objeto a favor de las personas desiguales, en especial de las que lo son de modo más aparente. Exponiendo una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, si no en las capacidades de las personas afectadas.

  Establece una definición de belleza basada en cualidades del espiritu (respeto, tolerancia, simpatia, solidaridad, afecto...). Muestra como las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactiva cuando se constata su humanidad de indefensión. No asusta la fealdad, si no la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración social posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar del ejercicio de sus capacidades. Nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris. Un compositor nacido en Nueva Jersey. Se interesó por la música a los tres años de edad cuando comenzó a aprender a tocar el piano con sus padres. En 1940 se trasladó a Nueva York donde estudió tanto en la Escuela Jullinad como en la The New Schol for Socid Rosearch. A partir de 1950 y hasta 1970 ayudó a componer música para varias producciones de Broadway.

  En el cine comenzó con Mel Brooks con la película "Los productores" ("The Producers"-1967). Estuvo nominado al Oscar en dos ocasiones por"Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974) y por "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980).

  Y aqui, ofreciéndo una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, con el que glosa la satisfación de Merrick ante el avance de su integración con la sociedad.

  La fotografia en blanco y negro y formato Cinemascope fue dirigida por Freddie Francis, Un director de fotografia  nacido en Londres. De principio se encaminó en la carrera de ingenieria, pero lo abandonó a los 16 años para trabajar como aprendiz de fotógrafo con Louis Prothero, donde comenzó a trabajar en películas mudas de Stanley Lupino. En 1939 se alistó al ejército, donde pasó siete años trabajando en muchas películas de propaganda bélica.

  Asu regreso a la vida civil comenzó trabajando como operador de cámara en películas como "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) y "La burla del diablo" ("Beat the Devil"-1953). Su primera película como director de fotografia fue "Un lugar en la cumbre" ("Doom at the Top"-1959)  que precisamente le valíó el Oscar a Simone Signoret como mejor actriz. Fue ganador de dos Oscar a la mejor fotografia por "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) y por "Tiempos de gloria" ("Glory"-1989).

  Y aqui, creando composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebristas. Haciendo uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes con proyecciones de sombras, rincones sombrios, contraluces inquietantes y juegos de claroscuros, evocando el cine de terror de la mitica factoria Hammer (que por cierto trabajó alli durante un tiempo). La pelicula se rodó en escenarios naturales de Londres y los interiores en los platós de Lee Internacional Studios de Wembley (Londres).

  Sensacional la pareja protagonista, comenzando por John Hurt, "Rafi, un rey de paso" ("King Ralph"-1991) metido en el maltrecho cuerpo de John Merrick y seguido de Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) dando vida al doctor Frederick Treves. Y con ellos la bellisima Anne Bancroff, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Mrs. Kendall; John Gielgud, Julio Cesar" ("Julius Caesar"-1953) como el doctor Carr Gomn; Freddie Jones, "Erik el vikingo"("Erik the Viking"-1989) como Bytes...

  En definitiva: Para mi, tida una obra maestra del género. Una película vital y necesaria en la videoteca de todo buen aficionado al cine.  Matricula de Honor.

  "El hombre elefante" tuvo 8 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director y actor (John Hurt). Fue el año de Robert Redford y Robert De Niro por "Gente corriente" ("Ordinary People" y "Toro salvaje" ("Raging  Bull").

  A modo de curiosidad: El proceso de maquillaje del actor John Hurt tomaba entre siete y ocho horas cada dia.

 

Más poderoso que la vida (Bigger than Life-1956)

      En recuerdo de: Barbara Rush

  "Hola, me llamo Ed y soy adicto a un medicamento"...

  Obra maestra sin duda alguna de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Cyril Hume y Richard Maibaum. El primero fue un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en la Universidad de Yale, donde editó la revista de humor del campus "The Yale Record". Al acabar sus estudios universtarios trabajó como reportero novato en el New York World y fue alli donde escribió su primera novela "La esposa del centauro". Para el cine escribió 29 guiones entre 1924 y 1966 entre ellos: "Tarzán de los monos" ("Tarzan, the Ape Man"-1932) con Johnny Weissmuller y Mauren O’Sullivan, "Volando hacia Rio de Janeiro" ("Flyin Down to Rio"-1933) con Fred Astaire y Ginger Rogers, "El gran Gatsby" ("The Great Gatsby"-1946) con Alan Ladd y Betty Field, "Secuestro" ("Tokyo Joe"-1949) con Humprhey Bogart y "Planeta prohibido" ("Forbidden Planet"-1956) con Walter Pidgeon y Anne Francis, entre otros.

  En cuanto al segundo fue un productor y guionista también nacido en Nueva York y muy conocido sobre todo por sus adaptaciones de las novelas de Ian Fleming de "James Bond". Asistió a la Universidad de Nueva York y en 1930 ingresó en el Departamento de Oratorio y Arte Dramático de la Univesidad de Iowa. Y una vez acabado estos estudios universitarios se trasladó a Los Angeles donde fue contratado para el cine por la MGM, su primer guión fue para la película "We Went to College" (1936), tres años después escribió para la Columbia "The Lady and the Mob" (1939) con una jovencisima Ida Lupino. También escribió para la 20th Century Fox "Diez héroes de West Point" ("Ten Gentlemen from West Point"-1942) de Henry Hathaway. Pero su verdadera fama le llegó al ser contratado para escribir el primer guión de la saga James Bond "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No"-1962) que también lanzó a la fama a Sean Connery.

  "Más poderoso que la vida" está dirigida por Nicholas Ray. . Un cineasta nacido en Wisconsin. Estudió arquitectura con Frank Lloyd Wright, de quien aprendió el valor de la linea horizontal que luego se cnvertiria en una marca definitiva en la mayoria de sus películas.

  Empezó su carrera como director con "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Luego dirigió más adelante más de veinte películas, entre ellas "Llamad a cualquier puerta" ("Knock on Any Door"-1949), "Nacida para el mal" ("Born to Be Bad"-1950), "Hombres errantes" ("The Lusty Men"-1952), "Muerte en los pantanos" ("Wind Across the Everglades"-1958) y "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking"-1963). Durante el rodaje de esta última sufrió un ataque cardiaco, lo cual provocó una pausa en su carrera, que no se renaudó hasta mediados de los años setenta.

  Enseñó arte dramático en la Universidad Estatal de Nueva York en Binghamton, influyó en los directres Wim Widers y Jim Jarmusch, y fue todo un héroe para los criticos de la nouvelle vague francesa.

  Cinco de sus películas se consideran obras maestras: "En un lugar solitario" (In a Lonely Place"-1950), una de las películas de cine negro más poéticas y evocadoras que se han rodado, está protagonizada por Humphrey Bogart, en el papel de un guionista y por Gloria Grahame (esposa de Ray), como la mujer que primero le ama y luego le confunde, "Más poderoso que la vida" /"Bigger than Life"-1956) se centra en los problemas con las drogas enla clase media, "Amarga victoria" ("Bitter Victory"-1957) es una historia bélica sobre conflictos y esperanzas en el desierto africano, "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"-1955) con James Dean, habla de la delincuencia juvenil.

  A la hora de dirigir a sus actores, creia que la linea de sentimiento y de la expresión de un personaje debia ser la guia para la estructura de la toma. Su muerte en 1979 se retrata en el docudrama "Relámpago sobre el agua" ("Lighning Over Water"-1980), que Wim Winders codirigió y completó.

  Asi pues, el maestro Ray nos cuenta la historia de un profesor llamado Ed Avery que, a causa de una rara enfermedad, decide tomar una droga poco experimentada, un compuesto de cortisona, que le provoca como efectos secundarios evasiones de la realidad, megalomanía y una búsqueda de la perfección que le lleva al maltrato moral y fisico de su hijo. Los médicos que le atienden diagnostican que la droga le ha provocado una psicosis patológica, de evolución incierta, que debe ser tratada con sedación prolongada...

  Los efectos de la psicosis en las relaciones del protagonista con su mujer, su hijo y sus compañeros, le brindaron a Nicholas Ray la oportunidad de adentrarse en la obscuridad y los misterios del alma humana, uno de sus temas preferidos.

  La banda sonora fue dirigida por David Raksin. Un composior nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para el cine y más de 300 para la televisión, fue conocido como el abuelo de las bandas sonoras. Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos"("Modern Times"-1936). También será reconocido por su tema sobre la película "Laura" (1941). Johnny Mercer puso la letra a este tema.

  Y aqui, se adapta al discurso narrativo y le confiere fuerza expresiva y emoción.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue obra de Joseph MacDonald. Un director de fotografia nacido en México. Comenzó como asistente de cámara a principios de la década de 1920, y se convirtió en direcor de fotografia en la década de 1940, y muy pronto comenzó su trabajo en Hollywood, principalmente para la 20th Century Fox. En algunas de sus películas usaba el nombre de Joe MacDonald. Fue el primer director de fotografia nacido en México, y solo el segundo en general, después de Leon Shainroy, en rodar una película en Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marrt a Millonaire"-1953), asi como el primer director de fotografia nacido en México en rodar una película en Color Deluxe.

  Y aqui, demostrándo su buen oficio y una notable habilidad.

  Sensacional James Mason, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) metido en el cuerpo del enfermizo Ed Avery. Y seguido por Barbara Rush, "Un extraño en mi vida" ("Strangers When We Meet"-1960) como Lou Avery (la esposa de Ed);Walter Matthau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) como Wally Gibbs; Robert F. Simon, "El hombre que mató a Liverty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) como el Dr. Norton; Chistopher Olsen, "Angeles sin brillo" ("The Tarnisehd Angels"-1957) como Richie Avery (el hijo de Ed y Lou); Roland Winters, "Amor a reacción" ("Jet Pilot"-1957) como el Dr. Ruric; Rusty Lane, "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt"-1956) como Bob LaPorte.. 

  En definitiva: Una película emocionante, hermosa y ejemplarizante sobre la familia, el dolor, la enfermedad, las drogas y el amor. Eses amor que todo lo puede.  Matricula de Honor.

  "Más poderoso que la vida" estuvo nominada al León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia.

  A modo de curiosidad; Marilyn Monroe tuvo un cameo en la película que se cayó en el montaje final.

 

Hasta siempre!!!

                  Barbara Rush

                 Una actriz exquisita

  El pasado 31 de marzo y a la edad de 97 años falleció la actriz estadounidense Barbara Rush.

  Su padre, era el abogado de una empresa minera en Santa Barbara (California). Alli creció y asistió a la Universidad de la misma ciudad donde se graduó en 1948. Comenzó su carrera en el programa de teatro de dicha Universidad. Actuó en el escenario del Lobero Theatre y del Padadena Playhouse antes de firmar con la Paramount. Su debut en el cine fue con la pelicula "Molly" (1950) de Walter Hart, y en 1951 coprotagonizó la clásica película de ciencia-ficción dirigida por George Pal "Cuando los mundos chocan"("When Worlds Collide"). En 1952 protagonizó "Pluma de fuego" ("Flaming Feather") con Sterling Hayden y en 1954 ganó el Globo de Oro por "Vinieron del espacio" ("It Came from Outer Space") de Jack Arnold.

  Interpretó a la esposa de James Mason en "Más poderoso que la vida" ("Bigger Than Life"-1956) de Nicholas Ray y fue el interés amoroso de Dean Martin en "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958) y del abogado ambicioso Paul Newman en "La ciudad frente a mi" ("The Young Philadelphians"-1959).

  Comenzó su carrera en el escenario y siempre fue parte de su vida profesional. En 1970 obtuvo el premio Sarah Siddone por sus logros dramáticos en el teatro de Chicago por su papel principal en "Forty Caracts" y llevó su obra unipersonal "A Woman of Independent Mean" a Broadway en 1984. Comenzó a trabajar en televisión en la década de 1950. Más tarde se convirtió en una actriz habitual en películas para la televisión, miniseries y una variedad de otros programas, incluidos "Peyton Place" y la telenovela"All My Children".

  A menudo interpretaba a una mujer obstinada y acomodada o a una mujer refinada de la alta sociedad. También interpretó un papel ocasional de villana, como el musical de gángsters "4 Gángsters de Chicago" ("Robin and the 7 Hoods"-1964) con Frank Sinatra y Dean Martin. En el drama -western "Hombre" (1967), interprtó a la esposa de un ladrón, rica más joven y contundente tomada como rehén y atada a una estaca. Interpretó a la tutora Nora Clavicle en la serie de televisión "Batman". En 1976, interpretó el papel de Ann Sommers/Chris Stewart, la madre de Jaime Sommers en la serie "La mujer bionica" ("The Bionic Woman".

  Después de aparecer en "¡Que no pare la música!" ("Can’t Stop Music"-1980), volvió a trabajar en televisión. Fue miembro del elenco de la telenovela "Flamingo Road" de principios de la década de 1980. En 1998, apareció en un episodio titulado "Balance of Nature" de la serie televisiva "The Outer Limits". En 1989, realizó una gira sobre el escenario de la compañia nacional Steel Magnolias. En 2007, interprtó el papel de la abuela de Ruth Cawden en la serie "7 h Heaven". Desde entonces hizo apariciones ocasionales para el Theatre Guild en Orange (Califotnia).

  Barbara Rush -Denver (Estados Unidos)-4 - enero - 1927 - Westlake Village (Estados Unidos) -31-marzo - 2024.

                                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

    

  

 

Patton (1970)

  "Quiero que recordeis que ningún bastardo ganó jamás ninguna guerra muriendo por su patria: la ganó haciendo que otros pobres estúpidos bastardos más tontos murieran por ella (...) Muchachos, todas estas historias de que América no quiere luchar, que pretende estar al margen de la guerra, son un montón de caca de vaca (...) No quiero recibir ningún mensaje que diga. "Estamos aguantando nuestra posición". ¡No aguantamos nada!, ¡que aguante el enemigo!".

                         (General George S. Patton)

  Oscarizada película de género bélico-biográfico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Francis Ford Coppola y Edmund H. North.. Coppola es un cineasta nacido en Michigan y una de las figuras más destacadas del Nuevo Hollywood que tuvo lugar en la década de 1970, junto a cineastas como Martin Scorsese, Steven Spielberg, Briad De Palma y George Lucas, entre otros.

  Ganador de cinco Oscar, tres de ellos como productor, siendo el segundo cineasta que ha recibido tres estatuillas por una misna película, tras de Billy Wilder. Estudió en la Universidad Hofstra y en la de California en Los Angeles y tras finalizar su formación, comenzó su andadura con algunas películas eróticas de bajo presupuesto. Fue en la década de los 70 cuando comenzó su época dorada gracias a "Patton" (1970). En los últmos años de su vida ha tenido el empeño personal de rodar una última gran película "Megalópolis" (2024). Una fábula épica romana ambientada en una América moderna imaginaria.

  Y en cuanto a H. North, fue un guionista nacido en Nueva York. Era hijo de Bobby North y Stella Maury, que actuaban en vodevil y en las Ziegfeld Follies. Comenzó a escribir obras de teatro mientras asistia a la Academia Militar de Culver en Indiana y en la Universidad de Stanford. Durante la 2ª Guerra Mundial con el grado de Mayor, realizó películas de entretenimiento y educativas para el ejército americano. Fue presidente del Gremio de Guionistas de Estados Unidos. Entre sus guiones para el cine podemos encotrar titulos como por ejemplo: "Horizontes azules" ("The Far Horizons"-1955) con Fred McMurray y Charlton Heston; "Hundid el Bismark" ("Sink the Bismark!"-1960) con Kenneth More y Dana Winter y "Meteoro" ("Meteor"-1979) con Sean Connery y Natalie Wood.

  "Patton" está dirigida por Franklin J. Schaffner. Un director nacido en Tokio (Japón). Era hijo de misioneros que ejercian en la capital nipona, y fue alli donde creció. Posteriormente retornó a Estados Unidos donde se graduó en el Colegio Franklin and Marshall en Lancaster (Pensilvania), donde participó en dramas. Más tarde estudió Derecho en la Universidad de Columbia, pero su educación quedó interrupida para reclutarse en la Armada de Estados Unidos durante la 2ª Guerra Mundial tanto en Europa como en el Norte de Africa. Casi al final de la guerra fue destinado al lejano Oriente con la Oficina de Estados Unidos para Servicios Estratégicos.

  A su regreso a Estados Unidos después de la guerra consiguió un empleo en la televisón y algunos trabajos en la CBS. Alli ganó un Emmy, por una grabación sobre la misma cadena en 1954, llamada "Twelve Angry Men". Ganó otros dos premios por una grabación en 1955 llamada "The Caine Motiny ", y ganó su cuarto Emmy por una serie televisiva titulada "The Defenders".

  Su primer largometraje fue "Rosas perdidas" ("The Stripper"-1963) con Joanne Woodward y Richard Beymer que recibió buenas criticas, pero fueron "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968) con Charlton Heston y Roddy McDowall, y "Patton" (1970) con Gerge C. Scott y Karl Malden las que le hicieron un célebre cineasta. Debido a "Patton" ganó un Oscar al mejor director y un premio Directores Guild of América, a la mejor dirección de película.

  Su último trabajo para el cine fue con la película "Bienvenido a casa" ("Welcome Home"-1989) con Kris Kristofferson y JoBeth Williams. Que por cierto falleció antes de acabar el montaje.

  La acción pues, tiene lugar en Marruecos, Túnez, Sicilia, Inglaterra, Córcega, Creta y Francia. Y nos mete en la vida bélica de George S. Patton, general de 3 estrellas recién ascendido, desembarca amigablemente en el puerto de Casablanca, asume el mando de las fuerzas americanas en el Norte de Africa desmoralizadas tras la derrota de El Paso de Kasserine (Túnez) (16-II-1943) y los lleva a la victoria en la batalla de El Guettar (23-III-1943). Dirige las fuerzas americanas que desembarcan en Sicilia (10-VIII-1943) tras la toma de Palermo y Messina. A finales de 1944 se hace cargo del mando del tercer ejército, participa en la batalla de las Ardenas y rompe (26-XII-1944) el cerco alemán de la ciudad de Bsstogne (Bélgica), tras una dura batalla...

  La película constituye una minuciosa y detallada semblanza del personaje. De compleja personalidad, excentrico e incconformista, es culto, tiene buenos conocimientos de historia militar y se refiere con admiración y conocimiento de causa a los grandes guerreros de la historia (Julio César, Napoleón Bonaparte, Guillermo el Conquistador...). Personalmente tozudo, vanidoso y malhablado, es autoritario y perfeccionista. Hace uso de la pompa y el histrionismo para atraer la simpatia de los suyos y confundir al enemigo.

  La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith. Un compositor nacido en California, y uno de los más importantes y reconocidos de la cinematografia. Aprendió a tocar el piano a la edad de 6 años y a los 14 estudió composición, teoria y contrapunto. Tocó todos los géneros a lo largo de su extensa carrera, aunque fue con el cine fantástico donde logró sus éxitos mas populares: "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968), "La profecia" ("The Owen"-1976) o "Alien, el octavo pasajero" ("Alien"-1979) entre otros.

  Sus comienzos fueron en series televisivas como "Perry Mason" o "El agente de CIPOL". Fuera del mundo cinematográfico, compuso obras como "Music for orchestra" o el oratorio "Christus Apollo". Estuvo nominado  al Oscar en numerosas ocasiones, pero solamente lo logró en una ocasión y fue por "La profecia" ("The Owen"-1976).

  Y aqui, dando a la historia aires marciales y bélicos, ofreciéndo un tema principal de trompetas solitarias, de gran lirismo, que evoca desolación y muerte.

  La fotografia en color y sistema Cinemascope fue dirigida por Fred J. Koenekamp. Un director de fotografia nacido en Los Angeles. Era hijo del cineasta Hans F. Koenekamp, que habia comenzado su carrera como director de fotografia en titulos como "Mickey" (1918), una tragicomedia muda. Tiempo después se hizo técnico de efectos especiales en titulos tan emblemáticos como: "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948) de John Huston y Extraños en un tren" ("Strangers on a Train"-1951) de Alfred Hitchcock.

  Fred empezó su carrera a los 25 años, como encargado de transportar material en la RKO, y después como cámara en diversas series de televisión, hasta que debutó como director de fotografia televisivo en "El agente de CIPOL". En el cine triunfó como colaborador habitual de Frankin J. Scheffner. Tras "Patoon" (1970), y en "La isla del adios" ("Islands in the Stream"-1977), también de Scheffner, que le valdria una nominación, consiguió la ansiada estatuilla con "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"1974) de John Guillermin e Irwin Allen. También trabajó en peliculas como: "El valle de los placeres" ("Beyond the Valley of the Dolls"-1970) de Russ Meyer, "Campeón" ("The Champ"-1979) de Franco Zeffirelli y "Terror en Amityville" ("The Amityville Horror"-1979) de Stuart Rosenberg. Se retiró tras hacer "El vuelo del Intrude" ("Flight of the Intrude"-1991) de John Millus.

  Y aqui, aportando composición de factura muy cuidada, con imágenes realistas y planos generales abiertos, que no singularizan a los personajes. Las escenas de acción se rodaron en España, en colaboración con el Ejército, que facilitó el material de fabricación americana (tanques, aviones, rifles y artilleria) de la 2ª Guerra Mundial.

  Sensacional George C. Scott (en el papel de su vida), "La fórmula" ("The Formule"-1980) metido en el uniforme del general George S. Patton y con él, el gran Karl Malden, "Yo confieso" ("I Confess"-1953) y aqui como el general Omar N. Bradley. Y los dos muy bien secundados por Stephen Young, "El payaso asesino" ("The Clown Murders"-1976) como el capitán Chester B. Hansen; Michael Bates."Frenesi" ("Frenzy"-1972) como Sir Bernard Law; Muchael Strong, "El viaje del ahorcado" ("Jourmey to a Hangin"-1967) como el general de brigada Horbert Carver; Frank Latimore, "Rosa de Lima" (1963) como el teniente coronel Henry Devenport...

  En definitiva:Una película muy recomendable para todos aquellos que quieran deleitarse con un gran grado de implicación por parte de las interpretaciones de los principales actores o simplemente para aquellos que disfruten visionando una historia con un claro mensaje antibelicista y que pese a su larga duración no empaña en absoluto su calidad global.   Sobresaliente.

  "Patoon" logró 7 Oscar en su dia: Mejor película, director, actor (George C.Scott), guión (Feancis Ford Coppola y Edmund H. North), montaje (Hugh Flower), sonido Douglas Williams y Don Bassman y dirección artistica (Gil Parrondo, Antonio Mates y Pierce Louis Thevenet).

  A modo de curiosidad: William Wyler tenia que dirigir la película, pero su edad avanzada, una incipiente sordera y sobre todo sus discrepancias con George C.Scott, le apartaron del proyecto.

Una mujer marcada (Butterfield 8-1960)

      "Gracias por no llamarme nena, monada y carita de muñeca"

  Interesante película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John O’Hara Un escritor nacido en Pensilvania. Asistió a la Universidad de Niágara en Nueva York y posteriormente trabajó como reportero para varios periódicos. En 1934 publicó su primera novela, "Appoinment in Samarra" que fue muy aclamada. Después de este éxito, escribió varias novelas, incluyendo "Butterfield 8". Otra de su novela llevadas al cine fue "Pal Joey" (1957) protagonizada por Fran Sinatra, Rita Hatworth y Kim Novak.

  Del guión se hicieron cargo Charles Schnee y John Michael Hayes. El primero fue un guionisra y productor nacido en Connecticut. Se graduó en Yale en 1936 y estudió derecho durante tres años ejerciendo de abogado en Massachusetts. También escribió obras de teatro y en 1943 se representó una obra suya titulada "Apology". En 1945 llegó a Hollywod y escribió varios guiones para la RKO, su primera aparición en los créditos fue en la película "Cross My Heart"(1946) protagonizada por Betty Hutton aunque fue para la Paramount. A su regreso a RKO fue cuando su fama creció al trabajar con directores como Nicholas Ray y Howard Hawks, con el primero escribió "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948) y con Hawks Rio Rojo" ("Red River"-1948. En 1961 fue elegido presidente del Writers Guild of America West.

  En cuanto  a Michael Hayes, fue otro guionista nacido en Massachusetts. Durante su periodo de educación en la infancia, tuv muchas faltas de asistencia debido a sus infecciones de oidos. Fue durante ese periodo cuando descubrió su pasión por la lectura. A los 16 años empezó a interesarse también por la radio, llegando a ganar unos años más tarde un concurso escribiendo  historias para la Crosley Corporation una emisora local. Tras un periodo en el ejército durante la 2ª Guerra Mundial, se trasladó a California y renaud´su carrera en la radio. Su éxito trajo consigo una invitaciòn de la Universal para escribir guiones para el cine.

  Su primer guión fue con la película "Hermanos ante el peligro" ("Red Ball Express"-1952) con Jeff Chandler de protagonista. La mayoria de sus guiones fueron melodramas como por ejemplo: "La canción de la antorcha" ("Torch Song"-1953) con Joan Crawford y "¿Adonde fue el amor?" ("Where Love Has Gone?"-1964) con Susan Hayward y Bette Davis. Con Alfred Hitchcock trabajó en cuatro películas: "La ventana indiscreta"("Rear Window"-1954), "Atrapa a un ladrón" ("To Catch a Thief"-1955), "Pero...¿quién mató a Harry?" ("The Trouble With Harry"-1955) y "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Know Too Much"-1956). En sus últimos años estuvo dando clases de guionista en el Dartmouth College hasta que se retiró en el año 2000.

  "Una mujer marcada" está dirigida por Daniel Mann. Un director de cine y televisión nacido en Nueva York. Era hijo de un famoso abogado neoyorkino llamado Samuel Chugerman (que era el auténtico primer apellido de Daniel). De principio fue actor amateur de teatro durante su infancia y más tarde ingresó al Erasmus Children’s School de Nueva York. Entró en el mundo del cine en 1952 y estuvo hasta 1987 dirigiendo más de 30 largometrajes y producciones para la televisión.

  Considerado un auténtico "director de actores"; dirigió siete películas nominadas al Oscar y dos ganadoras del premio Tony, colaborando con actores como Burt Lancaster, Shirley Booth; Susan Hayward; Marlon Brando, Elizabeth Taylor, Dean Martin y Anthony Quinn. Fue nominado a varios premios, entre ellos dos Palma de Oro, tres premios del Sindicato de Directores de Estados Unidos y un Oso de Oro.

  Desde 1952 cuando entró como director era conocido por su excelente oido para el diálogo. La mayoria de sus películas fueron adaptaciones teatrales como por ejemplo: "Vuelve, mi pequeña Sheba" ("Come Back Little Sheba"-1952) de William Inge, con Burt Lancaster y Shirley Booth; "La rosa tatuada" ("The Rose Tattoo"-1955) de Tennessee Williams, tambien con Lancaster y Anna Magnani; "La casa de té de la luna de agosto" ("The Teahouse of the August Moon"-1956) de John Patrick con Marlon Brando y Glenn Ford; Hut Spell"(1958) de Lonnie Coleman con Anthony Quinn y Shirley MacLaine y literarias: "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) de John O’Hara con Elizabeth Taylor y Laurence Harvey y "The Last Angoy  Man" (1959) de Gerald Green con Paul Muni y Betsy Palmer. Su último trabajo fue una película para la televisión "El hombre que rompió mil cadenas" ("The Man Who Broke 1000 Chains"-1987) con Val Kilmer y Sonia Braga.

  Asi pues, Mann nos mete en la vida de Gloria Wandrous, una modelo que vive en Nueva York. De moral poco dudosa, la joven no duda en prostituirse para pagar sus caprichos. Pero todo cambia cuando conoce a Weston Liggett, un millonario por el que se siente inmediatamente atraida. Tras una cita, acaban pasando la noche juntos,  pero cuando amanece, Gloria descubre que está sola y que a su lado hay un sobre que contiene 250 dólares. Sintiéndose humillada, ya que pensaba que era una cita normal y que el millonario estaba realmente interesado en ella, Gloria decide no volver a verle nunca más.

  Cuando pasan los dias, Gloria se da cuenta de que está enamorada de Weston, asi que decide aparcar su orgullo y a cceder a darle una nueva cita. A partir de este momento inician una relación que amenaza con terminar en tragedia...

  El objetivo principal de la película es ofrecer al público un relato de entretenimiento basado en emociones fuertes, superficiales y espectaculares. La temática elegida no se aprovecha para reflexionar sobre las causas que dan lugar a la practica de la prostitución femenina y sobre las caracteristicas de explotación y degradación que le rodean y condicionan. Un breve apunte sobre algunos antecedentes de violencia no está a la altura de un trabajo cnsistente, como podria haber sido el presente. Lo que interesa a la película no es provocar reflexión, análisis criticos y emociones profundas, si no emociones primarias sobre amores turbuentos, deslealtades censurables, pasiones salvajes, citas abusivas, obsesiones personales, crisis matrimoniales y familiares, etc.  La visión que se proyecta de la prostitución es simple e ingenua.

  La banda sonora corrió a cargo de Bronistan Kaper. Un compositor nacido en Varsovia (Polonia), pero nacionalizado estadounidense. Sus inicios fueron por Europa concretamente en Alemania y Francia. Años más tarde emigró a Estados Unidos. Compuso musica para decenas de películas desde la década de los años 30 hasta comienzos de los años 70. Es también recordado por haber compuesto conocidos standars de jazz como "Invitation", con letra de Paul Francis Webster. Ganó un Oscar a la mejor banda sonora por "Lili" (1954) con Leslie Caron y Mel Ferrer. Entre su filmografia caben de destacar titulos tan emblemáticos como "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944) y "Rebelión a bordo" ("Mutiny on the Bounty"-19629 entre otros.

  Y aqui, ofreciéndo una hermosa partitura jazzistca, extensa, variada y muy ajustada a las incidencias de la acción. Corre a cargo de una orquesta de viento, cuerdas, percusión y piano, que encomienda la melodia a los clarinetes y al violin alternativamente. El acompañamiento se apoya en pianos y bajos profundos de gran efectismo. El ritmo es pausado, envolviente y sensual. Destacan los temas dedicados a "Gloria", "Steve" y el tema de amor, de gran sencillez.

  La fotografia en color y Cinemascope fue dirigida por Charles Harten y Joseph Ruttenberg. El primero fue un director de fotografia nacido en Florida. Sus comienzos fueron como ayudante de camarógrafo y en 1936 ascendiño a director de fotografia hastasu retirada en 1974. Aunque silamente trabajó en cinco películas. Su debut fue co "Soak the Rich" (1936) protagonizasa por Walter Connolly y su quinta y última pelicula se titulaba "The Three Stooges Follies"(1974) con Barbara Jo Allen en el papel principal.

  En cuanto a Ruttenberg fue otro director de fotografia nacido en Rusia (nacionalizado estadounidense). De joven emigró a Estados Unidos concretamente a Boston donde trabajó como fotoperiodista en el Boston Globe. Un tiempo después lo dejó para trabajar en la Fox Corporation en Nueva York y fue alli donde se formó como director de fotografia. A finales de 1920 empezó a trabajar para la Paramount Picture en la última película de David W. Griffith y  en 1934 firmó por MGM y se trasladó a Hollywood donde estuvo hasta su retirada en 1968. Realizó muchas películas para el cine mudo, y ya en el sonoro caben de citar "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942) de William Wyler; "Gigi" (1958) de Vincente Minnelli, y su última película "Pista de carreras" ("Speedway"-1968) con Elvys Presley y Nancy Sinatra.

  Y aqui, presentando una notable secuencia inicial saturada de blancos y luces dispersas, que evoca con acierto y brillantez el sueño, el olvido y la desmemoria de la protagonista. Esta luce unos cabellos intensamente negros que contrastan y dan vigor al cromatismo general. La película se rodó en exteriores de Nueva York (Manhattan, Bronx...) y los interiores en los platós de Filmways Studios de Nueva York.

  Extraordinaria Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) metida en el cuerpo de Gloria Wandrous, una modelo de alta costura y prostituta de lujo, tiene 25 años y es muy atractiva de ojos seductores y sensuales, y acompañada por Laurence Harvey, "Verano y humo" ("Summer and Smoke"-1961) dando vida a Weston Amsbury, licenciado en derecho, y un alto ejecutivo de una prospera empresa quimica propiedad del padre de su mujer.

  Y con ellos Eddie Fisher, "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956) como Steve Carpenter, un musico y compositor, amigo de la infancia de Gloria pero, está enamorado de Norma; Dina Merrill, "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages"-1961) como Emily Liggett, la esposa de Weston; Betty Field, "La jungla humana" ("Coogan’s Bluff"-1968) como Francis Thurber; Mildred Dunnock, "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth"-1962) como la Sra. Wandrous, la madre de Gloria; Susan Oliver, "Nido de viudas" (1977) como Norma...

  En definitiva: Una película con un tema escabroso y dificil en su dia. Y con una interpretación excelente de una actriz única. Notable.

  Elizabeth Taylor logró el Oscar a la Mejor actriz.

  A modo de curiosidad: la novela de John O’Hara está inspirada en hechos reales ocurridos en 1931 a la modelo Starr Faithfull de 25 años de edad.