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Febrero 2017 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Febrero de 2017.

Cantando bajo la lluvia (Singin'in the Rain - 1952 )

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          En recuerdo de: Debbie Reynolds

    Cosmo, recuérdeme que le suba el sueldo.

    Jefe, súbame el sueldo."

  Mítica película de género musical y toda una obra maestra se mire por donde se mire.

  El guión corrió a cargo de Betty Canden, "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949). Una actriz y guionísta nacida en Nueva York. Especializada en musicales, fue dos veces nominada al Oscar y ganó siete premios Tony, (tres al mejor musical, dos a la mejor banda sonora, uno al mejor compositor, y uno al mejor libro musical). Toda su carrera estuvo vinculada con Adolph Green (el segundo guionísta del film). Un letrista y dramaturgo nacido en el Bronx. escribió los guiones y canciones de algunos de los más famosos musicales cinematográficos en particular con la MGM en los años de mayor éxito del género. Mucha gente pensaba que Adolph y Betty estaban casados, pero unicamente eran colaboradores compartiendo un genio cómico y sofisticado que los permitió, a lo largo de seis décadas, producir algunos de los mayores éxitos de Hollywood y del circuito de Broadway.

  "Cantando bajo la lluvia" está dirigida por dos especialistas del género. Uno: Stanley Donen. Un cineasta nacido en Columbia (Carolina del Sur) y conocido como "el rey de los musicales de Hollywood". De principio se asoció con algunos de los musicales más innovadores de Hollywood de finales de los años cuarenta y cincuenta. Bailarín, en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en espectáculos teatrales de este y luego en películas.  Se le confió a Donen la puesta en escena de los números musicales de "Take Me Out the Ball Game" (Llévame a ver el partido-1949), donde Kelly actuaba con Frank Sinatra.

  La primera película de Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly que compartía la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, pero más viril y realísta. "Un dia en Nueva York" también reutilizaba los exteriores de la ciudad de los rascacielos. Tras realizar "Bodas reales" ("Royal Wedding"-1951), con Fred Astaire, Donen dirigió de nuevo con Kelly "Cantando bajo la lluvia" ("Sing¡in’in the Rain"-1952). Considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actuación de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954) fue un magnífico musical rural, con coreografía de Michael Kidd. Donen volvió a trabajar con Kelly y Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955). "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más convencional permitió a Stanley Donen trabajar de nuevo con Astaire. En "The Pajama Game" ("Juego de pijamas"-1957) compartió la dirección con George Abbott, que escribió y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscreet"-1958). Donen volvió a compartir la dirección con George Abbot en "Malditos yanquis" ("Damm Yankees"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las películas románticas, trabajó dos veces más con Cary Grant, en "Página en blanco" ("The Grass is Grener-1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una "road movie" con el romanticísmo. Las últimas películas de Donen son manidas, carentes de la energía y frescura de sus primeros trabajos.

  El otro fue Gene Kelly (como era de esperar). Un cineasta nacido en Pensilvania y, toda una leyenda del baile. Kelly fué el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y su estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac, y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz ronca y melódica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Broadway en "Pal Joey" de Rogers y Hart, y seguidamente marchó a Hollywood para aparecer junto a Judy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Gal"-1942). "Las modelos" ("Cover Girl"-1944) le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominado al Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945).

  Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas tan innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles. Su trabajo con Vicente Minnelli, en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951), no desmereció a las películas anteriores, aunque presenteba un mayor estilísmo. "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956) dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un hilomconductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello Dolly!"-1969 con Barbra Streinsand, fueron más convencionales. En 1985 fue galardonado con un Oscar Especial de la Acaemia por su carrera cinematográfica. Fue el presentador ideal para la recopilación de grandes musicales por la MGM, "Erase una vez en Hollywood" ("Thast’s Entertainment"-1974) y sus secuelas.

  La acción tiene lugar en Hollywood, a partir de 1927, durante el rodaje de la película muda "El caballero duelísta", al mismo tiempo en las salas de cine se estrena con gran éxito la película semisonora "El cantor de jazz" (la primera película hablada de la historia del cine). Es cuando el productor decide suspender el rodaje y reconvertirlo en sonoro. El preestreno de la película es un auténtico fracaso a causa de los fallos del sonido, la voz rídicula de la protagonísta y unos diálogos muy malos. El productor, el realizador, el protagonísta y un amigo de este deciden convertir la película en un musical. Con esta historia se cruza la del protagonísta desde sus inicios como cantante...

  Una joya del cine musical y toda una obra maestra, si señor. Una película que suma musical, comedia, romance y cine dentro del cine. Añade una descripción sucinta pero eficaz del nacimiento del cine sonoro y el impacto que esto produce en Hollywood.

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Nacio Herb Brown, "La melodia de Broadway" ("The Broadway Melody"-1929). Un compositor nacido en Nuevo México y muy famoso por sus canciones para el cine y teatro musical entre 1920 y 1950. En 1928 fue contratado por la MGM para escribir canciones para el nuevo cine sonoro componiendo musica para las películas más exitosas de dicho estudios.

  Brown fue ayudado por otro mitico compositor: Arthur Freed, "Yolanda y el ladrón"-1945. Un letrista y productor nacido en Carolina del Sur. En 1939 después de trabajar (sin acreditar) como productor asociado en "El mago de Oz", se convirtió en jefe de producción de MGM ayudándo asi a elevar el estudio. también ayudó a formar las carreras de numerosas estrellas incluyendo Gene Kelly, Frank Sinatra, Esther Williams, Cyd Charisse etc.etc.. Y fué el encargado de llevar a Fred Astaire a sus estudios puesto que este era exclusiva de la RKO.

  En 1970 dejó la MGM después de fracasar durante casi una década para llevar al cine su proyecto de ensueño. una película biográfica de Irving Berlin, "Say it With Music".

  Y en esta lluvia toda llena de ritmo y alegria ofreciéndonos una partitura fascinante, de ritmos y melodias románticas y pegadizas. Son memorables "Broadway Melody" y "Make’ Em Lough". Las canciones son de los últimos años 20 o de los primeros 30, como "Singin ’in the Rain" (1929), "The Wedding of the Painted Doll" (1929), "You Were Meant for Me" (1929, "Beautifui Girl" (1933), etc.. Son de 1952 los narreglos, el falso plagio "Make’ Em Lough" ("¡Hazlos reir!") y "Moses". El tema principal de la banda sonora es la melodía "Make’ Em Lough" un divertido plagio de Cole Porter titulado "Be a Clown".

  Sensacional (como tenia que ser) la fotografía a todo color dirigida por Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios de Vilagrahg allá por el año 1908. En 1914 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una esxitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

  Y si en esta obra maestra hay dos directores y dos compositores no es de dudar de que también trabajen dos fotógrafos. asi pues, el segundo fue John Alton, Agente especial" ("The Big Combo"-1955). Un director de fotografía nacido en Hungría. Comenzó en la década de 1920 en Los Angeles, primero como ayudante de cámara. Posteriormente se trasladó a Francia con Ernst Lubitsch para rodar una película y finalmente se quedó en los estudios Paramount Pictures a cargo de la sección de cámaras. Alton era un especialísta en la velocidad con la cámara lo cual determinaba la iluminación en el set de filmación. A principio de 1960 se retiró casi definitivamente de su actividad, sin embargo regresó para realizar su única contribución a la televisión: el episodio piloto de la exitosa serie "Misión : Imposible", lanzada en 1966

  Y en esta historia donde todo es cine creando una narración visual de cromatísmo intenso y vibrantes (propio de los años 50) composiciones imaginativas y ambientes fantásticos y fascinantes, que definen la estética visual de la película, rodada en Grauman’s Chinese Theater (Hollywood) y en MGM Studios (Culver City) Los Angeles.

  Sensacional el trio protagonísta de este gran banquete musical, encabezado por Gene Kelly, en el papel de Don Lockwood, un idolo del cine mudo un tipo extrovertido y fanfarrón, seguido de Donald O’Connor, "Luces de candilejas" ("There’s No Business Like Show Business"-1954), en el papel de Cosmo Brown, un buen tipo amigo íntimo de Don, un personaje sencillo, ocurrente y lúcido. Y del brazo de estos dos galanes, una jovencísima Debbie Reynolds (19 años), "Adios Charlie" ("Goodbye Charlie"-1964) en el papel de Katty Selden, una corísta muy joven, guapa, ambiciosa, pero también muy ingenua.

  Y muy cerquita de ellos Jean Hagen, "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) como Lina Lamont, la reina del cine mudo pero con una voz de falsete que causa risa; Millard Mitchell, "Almas en la hoguera" ("Twelve O’Clock High"-1949), como R.F. Simpson el productor, un gran hombre, inteligente, sabe escuchar pero también cambiar de criterio. Y atención porque también nos encontramos con Cyd Charisse, "Brigadoon"1954 apareciendo en en el doble papel de ángel y demonio en el número "Broadway Melodia", que le valió después el papel de protagonísta junto a Fred Astaire en "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953). Y hasta también tiene un huequecito una leyenda viva del cine me refiero a Rita Moreno, efectivamente la Anita de la oscarizada "West Side Story"-1961.

  En definitiva: Una obra maestra del cine musical. Y que al hacer este comentario me viene a la memoria que alguién dijo una vez que el mundo del cine, y el resto del mundo, era mucho mejor gracias a "Cantando bajo la lluvia".  Matrícula de Honor.

  "Cantando bajo la lluvia" estuvo nominada en dos apartados: Actriz secundaria (Jean Hagen) y banda sonora. La película ganadora ese año fue "El mayor espectáculo del mundo" ("The Greatest Show on Eath").

  Como curiosidad: El guión fue escrito después de las canciones, y los guionístas tuvieron que adaptarse a ellas para crear el guión.


02/02/2017 19:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una mujer marcada (Butterfield 8-1960)

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  "Las demostraciones de riqueza me dejan fria..."

  Sobresaliente película de género dramático basada en una obra de John O’Hara. un escritor nacido en Pensilvania. Sus comienzos fueron como reportero para unos periódicos, tiempo después se trasladó a Nueva York y allí empezó a escribir cuentos para varias revistas. En 1934 publicó su primera novela la cual fue aclamada por la crítica. después de la guerra (Segunda Guerra Mundial) escribió varios guiones y novelas incluyendo "Ten North Frederick" ("10 calle Frederick") que en 1958 fue llevada al cine interpretada por Gary Cooper que por cierto fue su última película. Y en donde O’Hara ganó el National Book Arward en 1956.

  El guión se le fué encargado a Charles Schnee, "Cautivos del mal" ("The Bad an the Beautiful"-1952). Un oscarizado escritor nacido en Bridgeport (Connecticut). Comenzó estudiando leyes pero lo abandonó para convertirse en guionísta a mediados de 1940, elaborando guiones para varias películas tanto de cine negro como melodramas sociales. A mediados de los años 50 también lo hizo como productor pero finalmente volvió a lo suyo es decir a la escritura de guiones.

  Schenee también fue ayudado por John Michael Hayes, "Atrapa a un ladrón" ("To Catch a Thief"-1955). Otro oscarizado guionísta nacido en Worcester (Massachusetts). De corta edad ya se interesó por el mundo de la radio y hasta llegó a ganar un concurso escribiendo historias radiofónicas para la Crosley Corporation de su ciudad natal. Más tarde y después de acabar la guerra marchó a California para volver a escribir series radiofónicas. Su éxito trajo consigo una invitación de la Universal Studios para escribir guiones cinematográficos, donde llegó a ser el máximo colaborador de Alfred Hitchcock.

  "Una mujer marcada" está dirigida por Daniel Mann. Un director de cine y televisión nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como actor de teatro, desde niño asistió a la Escuela de Niños Profesionales de Nueva York y a la Casa de Juegos de la Vecindad. Entró en el cine en 1952 (cuando tenía 40 años de edad), como director, mostrándo un instinto muy pequeño para la dinámica visual pero un oido excelente para los diálogos. La mayoría de sus películas fueron adaptaciones teatrales como por ejemplo: "Vuelve, pequeña Sheba" ("Come Back, Little Sheba"-1952) y "La casa de té de la luna de agosto" ("The Teahouse of the August Moon"-1956).

  Así pues, Mann nos cuenta una historia basada en hechos reales: la vida de Gloria Wandrous, una modelo y prostituta de lujo de la agencia Butterfield 8 (título original de la película). Tiene 25 años y es muy atractiva, de ojos seductores y sensuales. Oculta algunos traumas del pasado y que la llevan a asistir a la consulta de un psiconalísta y disimular un espíritu atormentado del que intenta huir con ayuda del alcohol, lleva una vida disipada y de lujo y su aficción es la velocidad. Dispone de un coche deportivo un Sunbean Alpine, de color rojo y capota negra, que paga a plazos. Desde la infancia tiene amistad con un antiguo compañero de clase, un musico, arreglísta y compositor, que está enamorado de ella, pero esta tiene un buen cliente (un amante mejor dicho)), un joven licenciado en derecho, es además un alto ejecutivo de un próspero negocio financiero, propiedad del padre de su mujer... esta es la vida de Gloria... la de la "mujer marcada" es otra historia...

  Una historia, bastante convencional y un tanto previsible. La película se hizo como un trabajo de encargo, que el director resolvió con gran empeño, muy buena imaginación y agudeza enriqueciendo así el texto con referencias a marcas históricas de alta costura (Reis & Fabrizio), la denuncia del culto a las apariencias de la presumida sociedad neoyorkina, referencias cultas y de arte (Van Gogh y Rubens), la exploración visual del mundo para ricos de las noches de Nueva York, escenas singulares (tiro al plato) y por qué no algún toque de humor. Para mi, el objetivo principal de la película, es que ofrece al público un relato de entretenimiento basado en emociones fuertes, superficiales y espectaculares.

  La banda sonora fué dirigida por Bronislaw Kaper, "Marcado por el odio" ("Composer"-1956). Un compositor nacido en Varsovia (Polonia) (aunque nacionaizado estadounidense). Un hombre que compuso música en Alemania, Francia y por supuesto en Estados Unidos. Compuso música para decenas de películas desde los años 30 hasta los 70. También es recordado por haber compuesto conocidos standards de jazz y también trabajó en Broadway. Ganador de un Oscar y nominado en dos ocasiones a la mejor banda sonora y una a la mejor canción.

  Y aquí ofreciéndonos una hermosa partitura jazzitistíca, extensa, variada y muy ajustada a las incidencias de la historia. Corre a cargo de una orquesta de viento, cuerdas, percusión y piano, que encomienda la melodía a los clarinetes y el violín alternativamente. El acompañamiento se apoya en pianos y bajos profundos de gran efectivísmo. El ritmo es pausado, envolvente y sensual. Destacan los temas dedicados a "Gloria", "Steve" y el tema de amor, de gran sencillez.

  La fotografía en metrocolor y formato Cinemascope se la debe a Joseph Ruttenberg, "Luz que agoniza" ("Gastight"-1944). Un director de fotografía nacido en Rusia. A la edad de diez años su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Boston. Su primer trabajo fue en el periódico Boston Globe como fotoperiodísta, pero en 1915 lo dejó para trabajar con la Fox Corporation en Nueva York y así entró en el mundo del cine. Dos años más tarde realizó su primera película muda, y en lo que sería una carrera notablemente extensa. En 1934 se trasladó a Hollywood donde fue invitado a unirse a la Sociedad Americana  de Cinematografía.

  Ruttenberg fue ayudado por Charles Harten. Un camarógrafo nacido en California y con tan solo cinco películas en su historial, puesto que la mayoría de su trabajo fue para la televisión, aunque a decir verdad tampoco hizo mucho para la pequeña pantalla.

  Y aquí presentando los dos una notable secuencia inicial saturada de blancos y luces dispersas, que evocan con acierto y brillantez el sueño, el olvido y la desmemoria de la protagonísta. Esta luce unos cabellos intensamente negros que contrastan y dan vigor al cromatísmo general.

  Los exteriores fueron rodados totalmente en Nueva York, y los interiores en los platós de Filmways (Nueva York).

  Bellísima y extraordinaria Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) dando vida a Gloria Wandrous, una modelo de Nueva York, de moral un tanto dudosa. Y con la gran Liz, Laurence Harvey, "El Alamo" ("The Alamo"-1960) como Weston Liggett un millonario y cliente asiduo de Gloria que finalmente acaban enamorándose, y Eddie Fisher (por aquel entonces esposo de Elizabeth Taylor), "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956) y aqui como Steve Carpenter, un músico y antiguo compañero de Gloria y enamorado de ella en secreto.

  Pero también nos encontramos en este gran melodrama a Dina Merrill, "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages"-1961) como Emily Liggett, la esposa de Weston y Mildred Dunnock, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959) como la Sra. Wandrous, la madre de Gloria.

  En definitiva: Una buena película de género dramático. Una película que al igual que muchos trabajos de Mann se le nota un aire teatral pero no cansa nunca, si no todo lo contrario porque la historia está muy bien llevada con unos grandes diálogos y el buen hacer de los protagonístas.  Sobresaliente.

  Elizabeth Taylor logró el Oscar a la Mejor actriz. La película además estuvo nominada a la mejor fotografía en color.

  A modo biográfico. La película está basada en los últimos dias de la modelo Starr Faithfull nacida el 27 de enero de 1906 y fallecida el 6 de junio de 1931 de muerte misteriosa por ahogamiento cuando contaba 25 años de edad.

 

09/02/2017 19:32 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                     John Hurt

                Versátil y talentoso

  El pasado 25 de enero falleció a los 77 años de edad y a causa de un cáncer de páncreas el actor inglés John Hurt.

  John Hurt estudió en Kent y en Londres. trabajó como tramoyísta en el Lincoln Repertory y estudió en la Saint Martin School antes de obtener una beca para el Royal Academy of Dramatic (RADA). En ese momento, Hurt debutó en distintas compañías de teatro , realizando obras de distintos autores como William Shakespeare o Cristopher Marlowe. Sus obras más importantes se produjeron en la compañía del Teatro Royal Shakespeare Company y debutó profesionalmente en el Wert End en 1962 y obtuvo el Premio de la Crítica por "The Dwarfs", de Harold Pinter. Trabajó en montajes teatrales como "The Caretaker", gtambién de Pinter, "Travesties", de Tom Stoppard, y "Un mes en el campo", de Iván Turgéner.

  En televisión empezó a trabajar en 1961 y actuó en papeles notables como el de Calígula en "Yo, Claudio"-1976 y como Raskoinikov en "Crimen y castigo", aunque fue su interpretación de Quentin Crisp en la miniserie de la BBC "The Naked Civil Servant" que lo llevó a hacerse merecedor del BAFTA al mejor actor de televisión, papel que repitió en 2010 en "An Englshman in New York".

  En 1966 dió vida a un joven Richard Rich en la galardonada película "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seansons"), la historia de Tomas Moro que ganó seis Oscar y siete BAFTA en 1967. Se dió a conocer internacionalmente por las películas "Midnight Express" ("El expreso de medianoche"-1978) y "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980), interpretando a Joseph Merrick en esta última bajo la dirección de David Lynch. Por sendas películas ganó dos BAFTA y recibió dos nominaciones a los Oscar al mejor actor de reparto y mejor actor respectivamente.

  En 1978 protagonizó la película animada "Wetership Down" basada en la novela homónima de Richard Adams, dió voz a Hazel, y fue este uno de sus papeles en películas animadas más recordados. En 1979, en "Allien: el octavo pasajero" ("Allien"), de Ridley Scott, tuvo una actuación como miembro del reparto, en el papel de Kane. La impactante escena de su muerte, cuando una criatura extraterrestre incubada en su cuerpo sale al exterior, es aún hoy dia recordada como una escena de las más memorables del cine de ciencia - ficción.

  En 1980 participó en la fallida superproducción "La puerta del cielo" ("Heaven’s Gate"), de Michael Cimino, pero cuatro años después recuperó pujanza en el cine al protagonizar "1984", junto a Richard Burton, basada en la novela homónima de George Onwell. Esta película cosechó muy buenas criticas y un buen resultado en taquilla. Después, bajo la producción de Jim Henzon, realizó la famosa serie de televisión "The Storyteller", conocida en España como "El cuentacuentos", que se estrenó en 1988. La trama se basaba en un viejo narrador de cuentos, interpretado por el propio Hurt, que se sentaba a la luz de una chimenea junto a su perro parlante (una marioneta) a contar historias fantásticas basadas en distintos mitos y leyendas.

  Al inicio  de la década de 1990 protagonizó la película de Roger Corman "Frankenstein Unbound" ("La resurrección de Frankenstein" -1990), y luego de secundario en películas muy reconocidas en taquilla como "Rob Roy, la pasión de un rebelde" ("Rob Roy"-1995), de Michael Caton-Jones, "Contact"-1997 de Robert Zemeckis y "La mandolina del capitán Corelli" ("Captain Corelli’s Mandolin"-2001) de John Madden, junto a Nicolas Cage y Penélope Cruz. Estos exítos comerciales recompensaron al actor tras el fracaso de otra película anterior, "Ellas también se deprimen" ("Even Cowgirls Get the Blues"-1993), de Gus van Sant. En 2000 fue muy aclamado por su actuación en el West End de Londres en la obra teatral "La última cinta de Krapp", de Samuel Beckett.

  En 2001 participó en "Harry Potter y la piedra filosofal" (""Harry Potter and the Sorcere’s Stone"), dando vida a Garrick Ollivander, propietario de la tienda especializada en creación de varitas mágicas "de mayor calidad en el mundo mágico", quien posee la habilidad de encontrar la varita ideal para cada cliente que acude a su tienda, recordando cada una de las varitas que ha vendido en su vida. Es quien revela a Potter la relación entre Lord Voldemort y su cicatriz en forma de rayo.

  En 2009 confirmó su regreso para la saga, donde una vez más interpretaría al mismo personaje en la última entrega: "Las reliquias de la muerte", 2010 y 2011, nueve años después de su primera participación en la serie cinematográfica.

  En 2007, durante el rodaje de la pelicula "Los crímenes de Oxford", del director español Alex de la Iglesia, el actor anunció que participaría a las órdenes de Steven Spielberg en "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"-2008), donde interpretó al profesor Harold Oxley.

  En 2011 participó en dos películas destacadas "Melancolia" ("Melancholia") de Lars von Tier y la película de espionaje "Tinker Soldier Spy" ("El topo") de Tomas Alfredson. Uno de sus últimos trabajos fue en "Jackie"-2016, película sobre Jackie Kennedy protagonizada por Natalie Portman.

  En 2015 se le diagnosticó un cáncer de páncreas. Al morir, Hurt tenía tres películas sin estrenar, en etapa de post-producción y estaba en plena filmación de otra obra sobre la figura de Winston Churchill.

  John Vicent Hurt (John Hurt) - Derbyshire (Inglaterra) - 22 - enero- 1940 - Norfolk (Inglaterra) - 25 - enero 2017

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

17/02/2017 10:23 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El hombre elefante (The Elephant Man - 1980)

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                 En recuerdo de: John Hurt

  "¡No soy un animal! ¡Soy un ser humano! ¡Soy... un... un hombre!"

   

  Magnífica película de género dramático-biográfico, basada aunque libremente en la información que sobre J . Merrick aportan dos obras: "The Elephant Man and Other Reminiscences" (1923), de Frederick Treves, y "The Elephant Man, a Study in Human Dignity" (1971), de Ashley Montagu. El guión pues no tiene relación con la obra de teatro "The Elephant Man" (1979), ni con otras creacciones de ficción.

  El guión fue escrito por Christopher De Vore, "Frances"-1982. Un escritor con solamente tres películas en su historial, aunque todas lograron un gran éxito cinematográfico a nivel de critica y de público. Le ayudó Eric Bergren, "Tempestad en la llanura" ("The Dark Wind"-1991). Un guionísta nacido en Pasadena. Estudió artes  teatrales en la Universidad del Sur de California y ayudó a De Vore a escribir los guiones de sus tres películas. En 1981 se puso detrás de la cámara para dirigir el cortometraje "They Have not Seen This", basado en su propio guión. El tercer guionísta fue el mismo director es decir David Lynch.

  "El hombre elefante" pues está dirigida por David Lynch. Un director nacido en Montana. Un innovador creador de dramas enigmáticos que provocan la impresión de adentrarse en una pesadilla circular y surrealísta. Con sus narraciones sus películas no se explican, se experimentan: a este director nunca se le han dado bien las palabras, es más un filósofo preverbal que un evangelísta, pregunta en lugar de dar respuestas.

  Personaje obsesivo, tardó más de seis años en completar su primer proyecto "Cabeza borradora" ("Eraserhead"-1977), surrealísta, romántica y dura, es una película profundamente perturbadora. Realizada en blanco y negro sobre una banda sonora industrial, no es de extrañar que se convirtiera en un clásico de culto. Los elogios cosechados por la biopic "El hombre elefante" (" The Elephant Man"-1980), igual de deprimente que la anterior pero basada en hechos reales, y de nuevo rodada en blanco y negro, parecieron allanarle el camino hacia proyectos a gran escala al estilo de Hollywood, pero la superproducción de ciencia-ficción "Dune"-1987 no satisfizo las expectativas.

  "Terciopelo azul" ("Blue Velvet"-1986) constituye un antidoto despiadado contra los dramas juveniles de la década de 1950: explora la extorsión, la decadencia sexual y la violencia espoleada por las drogas que se esconden bajo un pueblo paradisiaco. "Corazón salvaje" ("Wild at Heart"-1990), la road-movie en tributo a Elvis Presley que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, completaría su fijación por los personajes provincianos de Estados Unidos.

  "Carretera perdida" ("Lost Highway"-1997), con su creciente despreocupación por la lógica narrativa y sus saltos del realísmo a la violencia gore o a la alucinación surrealísta en el espacio de unas pocas escenas, refleja a David Lynch más fébril. Paranoica y noir, esta película es la versión lynchiana del free jazz. Con la ayuda de una impresionante banda sonora a cargo de David Bowie y Trent Reznor, "Carretera perdida" sumerge al espectador en el universo del director.

  De modo muy similar, "Mulholland Drive"-2001, supo atraer al público, pero el momento de gloria habia pasado y Lynch decidió tocar otras teclas como internet, la animación o el video digital. No obstante, "Inland Empire"-2006 - en la que las vidas de los actores empiezan a reflejar la de los personajes que interpretan - es todavia una película extremadamente autorreflexiva, más espeluznante que nunca.

  La acción tiene lugar en Londres a lo largo de seis años (1884-1890). Y en donde el médico cirujano Frederick Treves acude a una barraca de la feria donde J. Merrick "el hombre elefante" es exibido al público por dinero. Un tal Bytes lo tiene a su cargo y lo explota como medio de subsistencia. Treves conviene con él la liberación de Merrick para ingresarlo en el Hospital de Londres. A Frederick le mueven razones humanitarias pero también profesionales. Descubre con sospresa que Merrick tiene un conciente intelectual normal y una sensibilidad también normal...

  La película pues, suma drama, historia, biopic, critica social y enfermedad. Y en donde Lynch formula un alegato a favor de las personas desiguales, en especial de los que son de modo más aparente. La historia expone una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, sino en las capacidades de las personas afectadas. Estableciendo una definición de belleza basada en cualidades del espíritu (respeto, tolerancia, simpatía, solidaridad, afecto...). Y muestra como las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactivan cuando se constata su humanidad e indefensión. No asusta la fealdad, sino la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar el ejercicio de sus capacidades. Porque nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris, "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974). Un compositor nacido en Nueva Jersey. Sus comienzos fueron en 1968 con la película "Los productores" ("The Producers") que también fue la primera película de Mel Brooks, después seguiría componiendo musica para muchas de sus películas. Tiene también en su haber el haber sido el único compositor que consiguió filmar a los Ramones en 1974.

  Y aquí ofreciéndonos una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, con el que glosa la satisfación de Merrick ante el avance de su integración social.

  La fotografia en blanco y negro y en formato Cinemascope se la debemos a Freddie Francis, "Un lugar en la cumbre" ("Room at the Top"-1959). Un cineasta nacido en Londres. Comenzó como operador de cámara donde trabajó en muchas películas de practica. Después de servir en el ejército y a su regreso a la vida civil pasó diez años también como operador pero trabajando con grandes directores como John Huston. Debutó como director de fotografia con la película "La salamandra de oro" (Gold in Salamander"-1950) en colaboración con Oswald Morris.

  Y en este drama profundo creando composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebrístas. Haciendo uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes. Con proyecciones de sombras, rincones sombrios, contraluces inquietantes y juegos de claroscuro que evoca el cine de terror de la Hammer (en el que Francis trabajó de joven). Los exteriores de la película se rodaron en escenarios reales de Londres y los interiores en los platós de Lee Internacional Studios (Wembley y Londres) y de Shapperton Studios (Surrey, Inglaterra).

  Sensacionales tanto Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991), en el papel del doctor Frederick Treves, como John Hurt, "Infierno en Alabama" ("Jayne Mansfield’s Car-2012) en el papel de John Merrick, "el hombre elefante". Y muy bien acompañados de la siempre extraordinaria Anne Bancroft, "El graduado" ("The Graduate"-1967), en el papel de Madge Kendal, una famosa actriz, y por el estupendo John Gielgud, "Carros de fuego" ("Chariots of Fire"-1981) en el papel de Carr Gomm el administrador del hospital. Sin olvidarnos de Hannah Gordon, "La familia Cropton" ("Spring and Port Wine"-1970), como Ann, la esposa de Frederick y de Fredie Jones, "El secreto de la pirámide" ("Young Sherlock Holmes-1985), como Bytes..

  En dedinitiva: Una obra maestra del cine de su género. Una pelicula impresionante, conmovedora, triste y melancólica. Pero también esperanzadora y rica en sugerencias humanitarias. Una película... Matrícula de Honor.

  "El hombre elefante" estuvo nominada en ocho apartados, incluyendo, película, director y actor (John Hurt). Este fue el año de "Gente corriente" ("Ordinary People") de Robert Redford.

  Como curiosidad científica, la enfermedad que padecia Merrick según los diagnósticos actualizados hablan del síndrome de Proteo, una enfermedad congénita, poco común, progresiva e incurable, identificada y descrita por el Dr. Michael Cohen en 1979.

 

27/02/2017 18:20 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.


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