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Abril 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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53 dias de invierno - 2006

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          "Esa amante nocturna que se llama...Soledad."

  Correcta película al mismo tiempo que directa, pero eso si interesante de nacionalidad española y de género dramático, escrita por Gemma Ventura. Una escritora y directora nacida en Barcelona. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra, donde ha trabajado como profesora de Guión Cinematográfico en los últimos años. Como guionísta fue nominada a los Premios Gaudi al Mejor guión original precisamente por "53 dias de invierno". Como directora ha dirigido dos documentales menores y tres cortometrajes, el último de ellos, "Los archivos de Jong"-2009 ganó varios premios y fue seleccionado en el New York Film Festival, y en el Festival de Moscú, además de los premios obtenidos por el documental "Espara un milagro"-2010.

  "53 dias de invierno" está dirigida por Judith Colell. Una cineasta  nacida en Sant Cugat del Vallés (Barcelona). Es co-fundadora de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medio Audiovisual (CIMA)-2006. Desde julio de 2016 es vicepresidenta interina de la Academia de Cine Española asumiendo el cargo que ya asumió de 2011 a 2015 en el equipo del productor Enrique González Macho.

  Se licenció en Historia del Arte y posteriormente la Universidad de Nueva York le otorgó el Certificat in Film. En 1992 debutó con el cortometraje "Clara Foc". En 1996 su cortometraje "Escrito en la piel" fue nominado al Premio Goya.

  La vista como percepción sensorial fue el sentido de la película que, junto a otros cuatro realizadoras (Teresa de Pelegrí, Maria Ripoll, Nuria Olivé-Belles e Isabel Gardela), inspiró en 1997 la obra "El dominio de los sentidos". En 2001 dirigió "Nosotras", a partir de un libro de relatos de Isabel Clara-Simó ganadora del Premio Butaca a la mejor película catalana a la que siguió "53 dias de invierno".

  En 2004 hizo una incursión en el mundo del teatro con la dirección de la obra "Amor matern", un texto de August Strindberg. En el 2006 fue co-fundadora de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), con otras cineastas como Iciar Bollain, Chus Gutierrez, Inés Paris o Isabel Coixet. En 2010 co-dirigió con su pareja Jordi Cadena la película "Elisa K" basada en la novela Elisa Kiseljak de Lolita Bosch que obtuvo el premio del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián.

  En 2014 dirigió el telefilm "El último baile de Carmen Amaya" protagonizado por Nora Navas. Es profesora de guión en la Universidad  Pompeu Fabra en el departamento de comunicación, en la Ramón Llull, la Universidad de Gerona y en la Escuela Taller de Guionístas. De 2011 a 2015 fue vicepreseidenta de la Academia de Cine Española, en el equipo que preside el presidente Enrique González Macho. En julio de 2016 asumió de nuevo el cargo de manera interenina tras la dimisión de Antonio Resines como presidente y Edmon Roch como vicepresidente.

  La acción pues, tiene lugar en Barcelona a lo largo de enero y febrero de 2006. Y en donde tres personajes diferentes, no relacionados entre si, coinciden en una parada de autobús una noche húmeda de invierno. Mientras esperan en silencio, presencian como el conductor de un lujoso coche deja a un perro de compañía sujeto por la correa a una papelera pública y lo abandona...

  Con esta parábola premonitoria da comienzo un relato referido a tres personajes: Mila, profesora de lengua y literatura de un Instituto, que tras un año de baja laboral por la agresión de un alumno brabucón, se reincorpora con temor a su puesto de trabajo. Celso es un humilde y modesto guardia jurado de un centro comercial, al que se le viene el mundo abajo cuando su esposa le dice que está embarazada de gemelos y Valeria que es una estudiante de violonchelo que, después de ser admitida como parte de un cuarteto (violín, violonchelo, flauta y clave), descubre con enojo que su pareja le oculta verdades importantes...

  Como bien he dicho anteriormente es una historia discreta pero interesante. Y en donde Judith Colell desarrolla un drama intenso e intimísta. Exponiendo hechos relacionados con la cotidianidad y la realidad que la película atesora y proyecta. La mirada  de la directora catalana en este su segundo largometraje es realísta, sobria, equilibrada y clasicísta. Le interesan las personas, sus angustias, preocupaciones, inquietudes y desesperanzas. Busca sus referencias en el mundo que palpita a su alrededor y del que ella forma parte.

  Como consecuencia de su apuesta, la película es dura, ruda y compleja, como lo es el mundo al que se refiere. Su dureza no se da atenuada por complaciencias. Por ello el relato, en mayor o menor medida, sacude el alma, apalea los sentidos y conmueve los sentimientos.

  Relaciona problemas que expone con calculada ambigüedad e indefinición. No los define y perfila, los indica y esboza. Se refiere a causas, que relaciona sin entrar en el análisis de las relaciones de casualidad concretas. Se limita a ofrecer un apunte provisional sobre las mismas. Habla de soluciones, pero siempre lo hace desde la sugerencia y la insinuación. La definición de los problemas, las causas y las soluciones, depende en cada caso de circunstancias variables, de aptitudes personales singulares y de experiencias humanas tras recuerdos como la vida misma. No valen las recetas, las consignas, los diagnósticos generales. Plantea preguntas que quedan sin respuestas. Con ellas invita al espectador a pensar y a buscar sus propios posicionamientos.

  La música está dirigida por Bingen Mendizábal. Un compositor nacido en Vitoria. En 1969 comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio Jesús Gurudi. Ha realizado estudios de violín con Albina Mendinabeitia, piano, contrapunto, fuga y composición con Carmelo Bernaole. También ha ampliado sus estudios en diversos cursos, composición contemporánea con Gabriel Brencia, música electracústica con Luis de Pablo y música cinematográfica con Antón Garcia Abril.

  Ha colaborado como músico con diferentes grupos y cantantes como: Mikel Urdangarin, Hertzainak, La Polla Records, Gorka Knörr, etc., grupos de teatro con Geroa, Teatro Paraiso. Asi como realizando composiciones para conciertos, videoinstalaciones, inaguraciones y exposiciones de diferentes tipos.

  Desde 1989 se dedica a la música de cine trabajando con directores nacionales, Juanma Bajo Ulloa, Enrique Urbizu, Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Manuel Gutierrez Aragón, Mariano Barroso o Manuel Gómez Pereira; como internacionales Marcelo Piñeyro, Julián Temple, Betty Koplan o Francisco Lombardi.  En 2008 fue nominado al Goya de mejor banda sonora por "El juego del ahorcado", de Manuel Gómez Pereira. También ha recibido el premio a la mejor banda sonora por "La madre muerta"-1993 (Circulo de Escritores Cinematográficos); "Cosas que hacen que la vida valga la pena"-2004 (Festival de Montecarlo) y "Arriya" ("La piedra"-2011) (Festival de Cine de Málaga).

  Y aqui apoyándose en fragmentos de las suites para violonchelo de Juan Sebastián Bach.

  La fotografía en un color claroscuro, corrió a cargo de Sergi Gallardo. Un director de fotografía nacido en Barcelona. Su debut fue precisamente con Judith Colell con el cortometraje "Escrito en la piel"-1994 e interpretado por Silvia Munt. Su último trabajo (hasta la fecha) ha sido con la película "Operción Camarón"-2020 de Carlos Therón.

  Y aqui filmando con un móvil y poco estable cámara al hombro, rodando a los personajes y abreviándolos con mirada rigurosa y áspera. Abundan las escenas de interior, de luces escasas, que crean ambientes deprimentes y melancólicos, coherentes con la sensibilidad de la película. Algunos pasajes transpiran un cierto sabor a telefilm. Sobre posiblemente la compenetración explícita de las escenas por dias y meses.

  Notable la interpretación de Mercedes Sampietro, "Reinas"-2005, en el papel de Mila. Y con ella Alex Brendemühl, "El cónsul de Sodoma"-2009,como Celso, y Ana Clotet, "Durante la tormenta"-2018, como Valeria (estos son los tres personajes principales de las historias). Y muy bien secundados por Montserrat Salvador, "La Moños"-1996, como Dolores; Silvia Munt, "Extásis"-1996, como la madre de Valeria; Joaquin de Almeida, "La conjura de El Escorial"-2008, como Hugo...

  Resumiendo: Una pelìcula correcta, discreta pero interesante.  Notable

  Alex Brendemühl, logró el Premio al Mejor actor en la 52ª edición de los Premios Sant Jordi.

 

 

 

 


02/04/2020 16:26 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

1:54 - 2016

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  Un reflejo de la juventud y su comportamiento con la sociedad...  

  Intensa película de género dramático y de nacionalidad canadiense. Cuenta con un guión y dirección de Yan England (aqui en su ópera prima). Un joven cineasta nacido en Quebec (Canadá). Desde los ocho años vive en Inglaterra y ha participado en varias series de televisión y programas orientados a los jóvenes. A los 18 años, se mudó a Beverly Hills y alli esuvo cinco años, donde estudió teatro para deshacerse de su acento francés.

  Trabajó simultáneamente en varias series de televisión y en agosto de 2012, se convirtió en "el nuevo hombre de la mañana" en un programa radiofónico de la CKOI-FM. El 10 de enero de 2011, uno de sus cortometrajes "Henry" fue nominado al Oscar. Era su cortometraje número 21, y se basaba en la vida de Henry un pianista de éxito, que su vida da un vuelco el dia que el amor de su vida desaparece misteriosamente, estaba interpretado por Gérard Poirie.

  Asi pues, El director canadiense nos cuenta la historia de Tim, un estudiante timido pero brillante de 16 años, que está sufriendo acosos escolares y una intimidación y amenaza aparentemente sin parar, durante los últimos 5 años por algunos de sus compañeros de escuela y particularmente a manos del matón de dicha escuela un tal Jeff Roy. Tim  vive con su padre y después de la prematura muerte de su madre, no puede confiar ya ni de él, a pesar de los esfuerzos de este último por llegar al fondo de lo que está enfermando su hijo...

  Una notable película. Si señor. Y en donde llegó a provocar una discusión muy amplia en las escuelas canadienses con demandas de mostrar la película en varias escuelas para alentar discusiones abiertas y una mayor conciencia pública de los temas importantes que aborda esta historia, como la competitividad en los deportes juveniles y la rivalidad entre atletas, intimidación, violencia fisica, abuso verbal e intimidación en escuelas, orientación sexual entre jóvenes y homosexualidad adolescente, salidas públicas, vergüenza en linea, suicidio juvenil, ostraccismo, chantaje, rechazo, humillación, desesperación, venganza y manejo de dolor.

  La fotografía en un color claroscuro fue obra de Claudine Sauvé. Una directora de fotografía nacida en Canadá. Ganadora de varios Premios en Quebec (Canadá) por su trabajo personal. También ha publicado un libro de imágenes aclamado por la critica titulado "Barbershops". Ha exibido sus fotografías en Montreal, Toronto, Nueva York y Paris. Como fotógrafa cinematográfica sus comienzos fueron con el cortometraje "Chimére"-2001, su primer largometraje fue también en 2001 con "Créme glacée, chocolat et autres consolations", y su último trabajo hasta la fecha ha sido "Aimé"-2019.

  Y aqui, mostrándonos unas bonitas imágenes algunas de ellas de gran impacto y llenas de gran realísmo. La película se rodó integramente en la ciudad canadiense de Quebec.

  La banda sonora está grabada en los Estudios CULT NATION de Vancover (Canadá) y en donde la directora ha escogido algunos de los mejores conjuntos y solistas (en discos ya grabados), y asi adaptarlos para amenizar esta historia sobre el amor entre  adolescentes. Entre ellos son: Neil Young, Bryan Adams, Leonard Cohen. etc.

  Muy bien todos los jóvenes actores comenzando por Antoine Olivier Pilon, "Mommy"-2014, como Tim, un jóven de 16 años tímido pero con un talento deportivo extraordinario. Y muy cerca de él Lou-Pascal Tremblay, "La pasión de Agustine" ("La passion d’ Agustine"-2015), como Jeft, el matón del instituto; Sophie Boutin, "La ladrona de libros" ("The Book Thief"-2013), como Jennifer; David Boutin, "Léo"-2011, como Pierre; Robert Naylor, "10 1/2", como Francis...

  Resumiendo: Una película recomendable que todo aquel que haya sido victima de algún acoso escolar, debería de visionar. Notable.

  A modo de curiosidad: El titulo 1:54 es el tiempo en que Tim necesita para correr los 800 metros para poder competir en la final.

      

07/04/2020 16:40 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                    LUCIA BOSÉ

                    La italiana española

  El pasado 28 de marzo falleció a la edad de 89 años la actriz italiana (afincada en España) Lucia Bosé.

  Nacida en Milán el 28 de marzo de 1931, era hija de Domenico Borlani y Francesca Bosé, empezó su carrera artistica empleando el apellido paterno, pero acabó decatándose por el materno. Tuvo dos hermanos: Ado y Giovanni.

  Dependienta de una pastelería milanesa, en 1947 participó en la edicción del concurso Miss Italia, donde resultó ganadora, lo que le abrió las puertas del mundo del cine. Interpretó el cortometraje de Dino Risi sobre las "Cinco jornadas de Milán"-1948-1949, con el asesoramiento de Alberto Lattuada y Giorgio Stehler. Lucia debutó como protagonísta en  una película titulada "Non C’e pace tra gliutivi"-1950 de Giussepe De Santis, último capitulo de la triología campesina del maestro neorrealísta, en el cual tuvo el papel de una pastora de la Ciociaria, al lado de actores tan prestigiosos como Raf Vallone y Folco Lulli. En el mismo año, la actriz consiguió una significativa muestra de su talento en "Crónica de un amor" ("Cronaca de un amore"-1950), espléndida ópera prima de Michelangelo Antonioni en la cual Lucia interpretaba con convinción a la protagonísta Paola Molon, en una historia en la que se analiza con minuciosidad los sentimientos de la alta burguesía milanesa en un transfondo policial.

  Al cabo de  poco tiempo, Lucia Bosé colaboró con de Santis otra vez: la actriz interpretó en 1952, el papel de Simona en "Roma ore 11", historia que trata el tema del desempleo femenino y que ofrece una característica galeria de retratos de mujeres magistralmente trazados (entre las intérpretes, cabe citar también a Carla del Poggio, Lea Padovani y Delia Scala), Antonioni, en 1953 ofreció a Lucia el papel de Clara Manni, en una película que narra la historia de una empleada que se convierte en actriz, se hace inmediatamente famosa y, luego, sufre un doble fracaso, sentimental y profesional: se trata de la amarga "La señora sin amantes" ("La Signora Senza Camelie"-1953), película sobre la dimensión poco auténtica del mundo del cine, fiel espejo de la aridez que caracteriza las relaciones entre los seres humanos.

  En el mismo periodo, Lucia Bosé también fue la protagonísta de numerosas películas que afianciaron su facilidad de adaptarse con excelentes resultados a cualquier experiencia expresiva. La actriz se dedicó a la comedia rosa tardo-neorrealísta, interpretando dos de los titulos más famosos de la filmografia de Luciano Emmer: el divertido "Paris, siempre Paris" ("Paris Is lways Paris"-1951), con Aldo Fabrizi y, sobre todo, "La muchachas de la Plaza de España" ("Le regazze di Piazza  di Spagne"-1952), en la cual personificó a una modista que tras convertirse en maniquí, no olvida sus origenes modestos ni el amor por su novio, simple pero simpático.

  Junto a Walter Chiari, Lucia también participó en numerosas películas de carácter cómico y burlesco, entre las cuales cabe destacar "Él l’amor che mi rovina"-1951, donde interpreta a una joven profesora de esquí en la localidad de Sestriée, con la dirección de Mario Soldati.

  El año 1955 fue fundamental para la actriz; en efecto, fue la protagonísta de tres importantes películas que representaron todo un éxito profesional para una carrera que todavia estaba en los inicios. En "Los extraviados" (Gli sbandati"-1955), de Francesco Maselli, trazó con extrema sensibilidad a la graciosa y alocada Lucia, de la cual se enamora el joven conde Andrea (Jean-Pierre Mocky). En "Muerte de un ciclista"-1955, dirigida por Juan Antonio Bardem, ofreció una gran interpretación en una de las obras más interesantes. En "Asi es la aurora" ("That Is the Dawn"-1956), dirigida por Luis Buñuel al volver a Francia tras su estancia en México, interpretó a Clara, una joven viuda italiana que reside en Córcega y vive una purísima historia de amor con el médico Valerio (Georges Marchal), cabe recordar que esta película es la única del genial cineasta aragonés con un final feliz.

  El 1 de marzo de 1955, Lucia Bosé se casó por lo civil con el célebre torero español Luis Miguel Dominguín (Luis Miguel González Lucas), en Las Vegas (Estados Unidos), y el 16 de octubre de 1955 lo hicieron por la Iglesia, en España. El torero y la actriz tuvieron tres hijos: Miguel (que adoptaría el nombre artistico de Miguel Bosé, 3 de abril de 1956), Lucia (que adoptaria el nombre artistico de Lucia Dominguín, 19 de agosto de 1957) y Paola (que adoptaría el nombre artistico de Paola Dominguín, 5 de noviembre de 1960), y diez nietos: Bimba Bosé (1975-2017), Olfo, Jara y Lucia (los cuatro hijos de Lucia Dominguín), Nicolás y Alma (ambos hijos de Paola Dominguin) y Diego, Tadeo, Ivo y Telmo (los cuatro nacidos por gestación subrogada, hijos de Miguel Bosé), y dos bisnietos, hijos de su nieta Bimba: Dora y June.

  Entre 1968 y 1976, Lucia Bosé volvió a trabajar, solicitada en Italia y en el extranjero, tanto para maestros famosos como Federico Fellini, los hermanos Taviani, Mauro Bolgnini, como también por directores más jóvenes. También fue protagonísta de "Nathalie Granger"-1971, película dirigida por la también escritora Marguarite Duras y acompañada en el reparto por Jeanne Moreau.

 Sin embargo, cabe recordar que el retorno al cine lo hizo bajo la dirección de Pere Portabella, exponente destacado de la Escuela de Barcelona, con "Nocturno 29"-1968 película interpretada junto al actor-torero Mario Cabré. En España, Lucia Bosé también participó en otras películas, entre las cuales cabe destacar "Un invierno en Mallorca"-1969, de Jaime Camino, y "Ceremonia sangrienta"-1972, una película de horror-erótico dirigida por Jorge Grau.

  En el "Satiricón"-1969, de Fellini, Lucia aparecia en una sola y memorable escena, pero en "Bajo el signo del escorpión" ("Sotto il segno de lol scorpione"-1969), el lúcido apólogo abierto a muchas claves de lectura de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani dirigen en el mismo año, Lucia Bosé fue la protagonísta, al lado de Gian Maria Volonté.

  La colaboración de la actriz milanesa con Mauro Bolognini fue más articulada, y empezó con "Metello"-1970, siguió con "Por las antiguas escaleras" ("Perle antiche scale"-1975), con Marcello Mastroianni, y con la serie televisiva "La cartuja de Parma" ("La cerose di Parma"-1982), en la que interpretó a la marquesa del Dongo.

  En el mismo periodo, siempre en Italia, Lucia Bosé participó en titulos interesantes que le estimularon a dar lo mejor de si: en 1971, como una enferma mental en "L’ospite", de Lilliana Cavani, al lado de Glauco Mauri, en 1972, participó en la extraña "Arcana", de Giulio Questi, en el papel de una viuda que se dedica a la magia, y en "La colonna infami", de Nelo Rosi, basada en la obra de Alessandro Manzoni, la actriz mostró una madurez artística y su capacidad de interpretación psicológica en "Nathalie Granger"-1971, película dirigida por Maguereti Duras en la cual es Isabel, la madre de la niña que da nombre a la película.

  En 1976, tras su participación en "Violanta", de Donald Schmid, y en la serie televisiva española "La señora Garcia se confiesa", junto a Adolfo Marsillach, la carrera de Lucia sufrió una segunda interrupción; volvió al cine solo a finales de los años ochenta, interpretando a dos figuras maternas, en "Crónica de una muerte anunciada" ("Cronaca di una morte anunciata"-1987), de Francesco Rosi (basada en la famosa novela de Gabriel Garcia Márquez), en "Queria los pantalones" ("Volevo i pantaloni"-1990), de Maurizio Ponzi, una adaptación del best-seller homónimo de Lara Cardella, y en "El avaro" ("L’avaro"-1990), versión cinematográfica de la obra maestra de Moliére, dirigida por Tonino Cervi, con Alberto Sordi.

  En los 90, poco a poco fue espaciendo cada vez más sus participaciones en el cine, sin dejar de lado su profesión. Vivia en Brieva , un pueblecito de la provincia de Segovia (España), pais el que se habia ligado sentimentalmente desde muchos años atras. En el año 2000, decidió hacer realidad un sueño de su juventud: abrir el primer Museo de Angeles del mundo. Creó, en el también pueblo segoviano de Turégano, un museo dedicado a las representaciones de los ángeles. En la actualidad, cuenta con más de ochenta obras de artistas contemporáneos procedentes de diversos paises, asi como diversas esculturas angelicales.

  En 2018 participó en el documental titulado "La última toma", dirigido por Jesús Ponce y dedicado a la figura de Claudio Guerin-Hill, donde ofreció su testimonio como actriz a las órdenes de este director.

  Falleció el 23 de marzo de 2020 a los 89 años de edad en el Hospital General de Segovia a causa de una neumonía.

  Lucia Borloni Bosé (Lucia Bosé) - Milán (Italia) - 28 - enero - 1931 - Segovia (España) - 23 - marzo - 2020

                                 ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

 

 



10/04/2020 17:46 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Muerte de un ciclista - 1955

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             En recuerdo de: Lucia Bosé

                  "Tengo miedo"

             "Nadie nos ha visto"

  Obra maestra de genero dramático, y aún hoy en dia una de las obras capitales del cine español, llevada de la mano con un guión y ditrcción de Juan Antonio Bardem. Un cineasta nacido en Madrid.  En su juventud colaboró como critico de cine en revistas como Alerta, Ateneo, La Hora, Objetivo o Film Ideal.

  Aunque era hijo de actores no se vinculó a ese mundo desde un principio, sino que se tituló como ingeniero agrónomo. Fue posteriormente, cuando estudió cine en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, cuando se planteó dedicarse al mundo del celuloide. De esa época nació la amistad y la colaboración con Luis Garcia Berlanga.

  Esa relación fructificó en la película "Esa pareja feliz"-1951, que ambos codirigieron, y continuó con "Bienvenido Mister Marshall"-1953, en la cual ambos fueron coguionístas y contaron además con una contribución adicional de Miguel Mihura en los diálogos, "Bienvenido Mister Marshall", dirigida por Berlanga, obtuvo el premio al mejor guión y a la mejor comedia en el Festival de Cannes.

  En 1953 comenzó a dirigir sus propias películas, de las que destacan "Muerte de un ciclista"-1955, Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cannes y "Calle Mayor"-1956, Premio de la Critica en el Festival de Venecia. También fue encarcelado mientras rodaba la película, pasando dos noches en la Dirección General de Seguridad (en el edificio de la Puerta del Sol, que en la actualidad ocupa la Presidencia de la Comunidad de Madrid).

  Pese a estos éxitos internacionales, Bardem tuvo problemas en España con la censura, debido a su militancia en el PCE, y en los años 1960 y 1970 apenas pudo desarrollar su trabajo cinematográfico en España. Es el más politizado de las Tres B del cine español (Bardem, Berlanga y Buñuel).

  Sus películas posteriores no recibieron el respaldo de la critica, con la excepción de "El puente"-1977, en la que intentaba deshacer el discurso cinematográfico del landísmo. También se cuenta entre sus obras "Siete dias de enero"-1979, (galardón Golde Price en el Festival de Moscú), película que narra el asesinato de cuatro abogados laboralístas pertenecientes al Partido Comunista de España por parte de un comando terrorísta de la ultraderecha española, todo ello en plena transición española. Murió en Madrid el 30 de octubre de 2002 a los 80 años debido a una enfermedad hepática. Poco antes de haber escrto un libro de memorias titulado "Y todavía sigue".

  Tiene tres calles  con su nombre, una en el barrio de ensanche de Vallecas en el Suroeste de Madrid, otra en la ciudad de Rivas-Vaciamadrid y otra en Palencia, donde fue detenido durante la filmación de "Calle Mayor".

  Asi pues, el maestro Bardem nos lleva hasta Madrid y sus alrededores durante unas pocas semanas del invierno de 1955. Alli Maria José y Juan son dos antiguos novios de juventud, que tras la Guerra Civil y la boda de ella con un rico industrial, mantienen una relación amorosa continuada. Cuando una madrugada invernal regresan en el coche de ella, de la posada donde han pasado la noche, en un cambio de rasante atropellan a un ciclista, un obrero metalúrgico, al que abandonan aún con vida, sin informar a la policia para evitar ser interrogados...

  La película pues, desarrolla un potente drama, que suma el de Maria José, preocupada por su seguridad y por sus amenazas de chantaje de un villano llamado Rafael Sandoval (Rafa), y el de Juan, poseido por los remordimientos y una gradual toma de conciencia de la realidad social del pais. Con elementos sencillos y escuetos, la historia mantiene un suspense sin fin, que va enrareciendo el ambiente y creando una atmósfera asfixiante, de opresión, amenaza y malos augurios.

  El objetivo de la película no es narrar, con solvencia y eficacia, un caso policial o de intriga criminal, como hace y hace muy bien, sino anunciar la proximidad de un cambio. La clase dominante, sostenida por el franquísmo, mimada por el egoísmo, la hipocresía, el culto a las apariencias y la doble moral, se va a ver en un futuro no muy lejano desbordada por la emergencia de una juventud nueva, generosa, solidaria y libre de prejuicios.

  La toma de conciencia de Juan se manifiesta en el sentido de constatar la inviabilidad de la mediocridad de los poderosos y la fuerza de los jovenes, como su alumna Matilde Luque y sus compañeros de Facultad. Pasados los años se comprende mejor que Bardem, en los años oscuros de la opresión totalitaria, los presos politicos, el aislamiento internacional, la pobreza, el subdesarrollo, la autarquia y la vida ciudadana bajo permanente vigilancia policial y política, conciba un sueño, que era el de muchos. (El sueño tardaría 22 años y se impondría con la lógica realidad, no las aspiraciones de Bardem).

  La contraposición de riqueza y miseria se expone mediante la sucesión de planos y contraplanos que ombinan imágenes de fiestas y oropeles con barriadas humildes, fangosas, ruinosas y saturadas. La narración se apoya en unos diálogos medidos, ajustados y precisos, acompañados de imágenes montadas con gran habilidad en secuencias de planos, planos/contraplanos, primeros y primerísimos planos, encuadres inferiores, encuadres a ras de suelo, etc., en una demostración inédita en España de dominio de lenguaje visual.

  Su estética delata la búsqueda de la belleza visual de Hitchcock e influencias de Orson Welles, del cine negro clásico americano, de Antonioni y otros. Presenta numerosos simbolos visuales, cristales rotos, verja metálica que separa a Juan de Matilde, etc. . Por estensión, Bardem hace uso de los paisajes desolados de los alrededores de Madrid, para simbolizar el estado de ánimo de los protagonístas. A ellos añadelos decorados desnudos y desconcertantes, iluminados con luces que confunden los perfiles y las lineas reales con las que marcan las sombras. Esto se da de modo especialmente evidente en la escena de la conversación final entre Maria José y Miguel. Los primeros planos de los rostros de Juan y Maria José revelan la angustia y la desazón que domina a los personajes.

  Muestra también, un acto de protesta estudiantil frente al Decanato de la Facultad y una huida masiva ante un perseguidor que no se ve, pero que está ahí. Estas imágenes y la denuncia sugerida del autoritarísmo del régimen sus practicas de tráfico de influencias, corrupción, arbitrariedad, etc., no causan problemas con la censura española. Están prhibidos besos, abrazos, contactos intimos y escenas de cama de los amantes.

  Por lo demás, impone un final que Bardem aprovecha para poner de relieve, aún más, la insolaridad de las personas adineradas frente a la solidaridad de los estudiantes y los trabajadores. La película recibió en su dia la calificación moral de 4 puntos equivalente al calificativo  de "gravemente peligrosa" (por el adulterio y el homicidio del ciclista sin presentación del auxilio recibido).

  La banda sonora corrió a cargo de Isidro B. Maiztegui. Un compositor nacido en Gualeguay (Argentina). Inició sus estudios musicales en el Coservatrio Beethhoven de su ciudad natal en 1911. En 1930 ingesó en el Conservatorio Nacional de Musica y Declamación, donde recibió instrucción de maestros tales como: Athor Palma o José Gil. Durante sus estudios ejerció además como maestro sustituto del Teatro Colón.

  En 1933 arrancó su actualidad como compositor de musica para cine, que mantuvo hasta 1950. En este periodo puso musica a más de 50 películas de producción argentina. Su aportación al Cine Nacional le valió el Premio San Gabriel a la trayectoria, que lo otorgaba en 1955 la Comisión de Comunicación Social de la Conferencia Episcopal Argentina. Su actividad compositiva incluyó también ballets, piezas para orquesta y ajuste de cámara, y obras solistas para piano, clave, guitarra, violonchelo y arpa.

  También fue miembro de la Asociación Argentina de Compositores (1926-1939), profesor en el Colegio Nacional Bernardino Rivadavia de Buenos Aires y vicedirector del Conservatorio de la Universidad Nacional de Cuyo (1940-1944). Fue un activo director de coros. De 1952 a 1969 vivió en Madrid, y a su regreso ejerció como compositor en el Instituto de Arte Lirico de la Secretaria de Cultura de la Municipalidad de Buenos Aires y director del Archivo Musical del Teatro Colón. Sus últimos años los pasó en Mar del Plata, ciudad donde lo nombrarían Ciudadano Ilustre en 1995.

  Durante su estancia en España fue un máximo colaborador de Bardem. En 1958 la película "La venganza" protagonizada por Carmen Sevilla, fue nominada al Oscar a la Mejor película de habla no inglesa.

  Y aqui aportando una partitura con cortes atonales e inarmónicos, que se combinan eficazmente con el desarrollo de la acción. Añade el canto religioso de un responso de difuntos en una iglesia que presagia acontecimientos dramáticos y trágicos.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Alfredo Fraile. Un director de fotografía nacido en Madrid. Alfredo fue más conocido en el mundo del cine por su faceta de productor, aunque comenzó su trabajo como operador de cámara, nombre con el que entonces se llamaba a los directores de fotografía. Alfredo pronto comprendió que su camino, en el cine, era la fotografía. En 1942, de la mano de su amigo Rafael Gil, hizo su debut con la película "Huella de luz", protagonizada por Isabel de Pomés y Antonio Casal. Su último trabajo fue "Alejandra, mon amour"-1979, protagonizada por Manolo Escobar. Atrás había dejado en sus 42 años de cine más de 100 películas tanto como productor como de director de fotografía. 

  Y aqui, componiendo una narración visual variada, rica en recursos, de buena composición y excelente montaje, que dejó al cine español a la altura del internacional del momento.

  Sensacional la pareja protagonísta, tanto Alberto Closas, La gran familia"-1962, dando vida a Juan Fernández, como Lucia Bosé, "Ceremonia sangrienta" -1973, metida en el cuerpo de Maria José de Castro. Una pareja de amantes de la alta burguesía que una mala madrugada atropellan accidentalmente a un ciclista.

  Y con ellos, otro sensacional Carlos Casaravilla, "Molokay"-1959, como Rafael Sandoval (Rafa), seguido de Otello Toso, "El puente de los suspiros"-1940, como Miguel Castro, el esposo de Maria José; Bruna Corrá, "Los hijos no se venden"-1952, como Matilde Luque, una alumna de Juan; Alicia Romay, "La vida en un hilo"-1945, comoCarmina; Julia Delgado Caro, "La violetera"-1958, comoDoña Maria, la madre de Juan; Matilde Muñoz Sanpedro, "La picara molinera"-1955, como la vecina del ciclista atropellado...

  En definitiva: Una obra maestra de nuestro cine, que aunque sufriera la censura e incluso llegase a prohibirse su proyección, esta película conserva toda su frescura y se convirtió no sólo en un éxito comercial con su reconocimiento en Cannes, sino en uno de los clásicos imprescindibles del cine español. Matricula de Honor.

  "Muerte de un ciclista" logró en 1955 el Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cannes.

 

 

 

15/04/2020 10:18 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

55 dias en Pekin (55 Days at Peking-1963)

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  "Los barcos navegan sobre las aguas y sobre el agua naufragan. El fin de mi dinastía la llegado"...

  Magnífica película de género de aventuras coloniales y de nacionalidad estadounidense, escrita por Philip Yordan. Un productor y guionísta nacido en Chicago. Desarrolló su actividad como guionísta en la década de 1940 hasta principio de la de 1990. Colaboró en varias ocasiones con directores importantes de Hollywood, entre los cuales se encotraban: Anthony Mann, Nicholas Ray o André de Toth. Su contribución al cine negro incluye titulos como: "Dillinger"-1945, "Odio entre hermanos" ("House of Strangers"-1949), "Brigada 21" ("Detective Story"-1951), "Agente especial" ("The Big Combo"-1955) y "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall-1956), entre otras.

  También fue conocido como "doctor de guiones", escribiendo libretos de otros gionístas, especialmente durante la caza de brujas, pues algunos escritores no podian firmar con su verdadero nombre por su uinclusión en la lista negra de Hollywood. El mismo Yordan también sería victima del maccarthismo , por lo que hubo de establecerse en Europa.

  Se estableció en España durante la década de 1960 y 1970. En este periodo colaboró con el productor independiente Samuel Bronston, contribuyendo en los guiones de "Rey de reyes" ("King of Kings"-1961), "El Cid"-1961, "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking"-1963), "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman Empire"-1964) y "El fabuloso mundo del circo" ("Circus World"-1964). Al comenzar la producción de "El Cid", Bronston adquirió los derechos de  una historia de Rafael Gil, sobre la que existía un primer guión de Vicente Escrivá. Bronston rechazó el guión de Escrivá y contrató a Yordan para que escribiese un nuevo texto. En este periodo escribió y produjo los "spaguetti westerns", "Capitán Apache" ("Captain Apache"-1971) y "El hombre de Rio Malo" ("Bad Man’s River"-1971). Los dos protagonizadas por Lee Van Cleef.

  A Yordan le ayudó esta vez en el guión Bernard Gordon. Un guionísta nacido en Connecticut (Estados Unidos). Su primer guión fue para la pelìcula"Flesh and Fury"-1952, una imágen del boxeo arenosa protagonizada por un primerizo Toni Curtis. A esta le siguió "Historia de un condenado" ("The Lawless Breed"-1953) un western con Rock Hudson. En 1954 dejó la Universal por motivos politicos y fue contrarado por la Columbia Pictures donde estuvo trabajando por un tiempo con el seudónimo de Raymond T. Marcus, asi trabajó en algunas películas en su mayoría de serie B como por ejemplo: Zombies of Mora Tau"-1957.

  A través de su amistad  con Philip Yordan, encontró trabajo regular en Madrid para Samuel Bronston. A su regreso a Estados Unidos tuvo problemas para encontrar trabajo por lo que tuvo que regresar de nuevo a España donde acabó su carrera con dos películas más: "La última aventura del general Custer ("Custer of the West"-1967) y "Al este de Java" ("East of Java"-1968).

  "55 dias en Pekin" está dirigida por Nicholas Ray. Un director nacido en Wisconsin. Estudió arquitectura con Frank Lloyd Wright, de quien aprendió el valor de la linea horizontal, que luego se convertiría en una marca distintiva en sus películas. Empezó su carrera como director con "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Luego dirigió más de veinte películas, entre ellas: "Llamad a cualquier puerta" ("Knock on Any Door"-1949), "Nacida para el mal" ("Born to Be Bad"-1950), "Hombres errantes" ("The Lusty Men"-1952), "Muerte en los pántanos" ("Wind Across Everglades"-1958) y "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking-1963).

  Durante el rodaje de esta última sufrió un ataque cardiaco, lo cual provocó una pausa en su carrera, que no se renaudó hasta mediados de los años setenta. Enseñó arte dramático en la Universidad de Nueva York, influyó en los directores Wim Wenders y Jim Jarmusch, y fue todo un héroe para los criticos de la "nouvelle francesa". Cinco de sus películas se consideran como obras maestras, "En un lugar solitario" ("In a Lonely Place"-1950), una de las películas de cine negro más poéticas y conmovedoras que se han rodado, está protagonizada por Humphrey Bogart, en el papel de un guionísta, y por Gloria Grahame (esposa de Ray), como la mujer que primero le ama y luego le confunde.

  En "Jonny Guitar"-1954, trabajan Sterling Hayden como el vaquero más pacifico del cine, Joan Crawford y Mercedes McCambridge, "Más poderoso que la vida" ("Bigger than Life"-1956) se centra en los problemas con las drogas en la clase media, "Amarga victoria" ("Bitter Victory"-1957), es una historia bélica sobre conflictos y esperanzas en el desierto africano, "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"-1955), con James Dean, habla de la delincuencia juvenil.

  A la hora de dirigir a sus actores, creia que la linea de sentimiento y de expresión de un personaje debia ser la guia para la estructura de la toma. Su muerte en 1979 se retrata en el "docudrama" "Relámpago sobre el agua" ("Lighting Over Water"-1980), que Wim Weders co-dirigió y completó.

  La acción pues, nos lleva hasta el año 1900, durante la Rebelión Bóxer, que se opone a la influencia extranjera en China, las delegaciones internacionales en Pekin son asediadas por la revuelta. El mayor Matt Lewis, un infante de marina del ejército estadounidense, lidera una fuerza internacional que defiende las embajadas. En el recinto en el que se encuentran las sedes diplomáticas, sitiado por los rebeldes, el embajador británico reúne a los dignatarios para organizar la defensa.

  Entre los diplomáticos, destaca por su belleza la baronesa rusa Natalia Ivanoff, que inicia una relación sentimental con el mayor Lewis. Los sitiados racionan comida y agua a la espera de refuerzos, mientras la emperatriz Tzu Hsi, lider del movimiento intenta vencer la resistencia de los asediados con la ayuda del ejército chino, pero una alianza integrada por ocho paises consigue sofocar la rebelión...

  Una buena película de aventuras. Si señor, basda en el colonialísmo de principio del siglo XX, y en donde varias potencias mundiales que se encontraban en China son acosadas para que abandonen el pais. Muy bien dirigida y con un ritmo acelerado en la acción, aunque a veces se hace algo pesada debido a su largo metraje. Pero como digo es una buena película con momentos apasionantes, puesto que Ray nos lanza un mensaje de integridad y principios ante la presión exterior, cautivando con esa premisa a los cinéfilos  clasicos y seguidores del género.

  La fotografía en color y pantalla gigante formato de 70m/m, fue obra de Jack Hildyard. Un director de fotografía nacido en Londres. Hizo varias películas con David Lean, incluyendo "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) por la que consiguió el Oscar a la mejor fotografia en color. Su primer trabajo como director fue con la película"Enrique V"-1944 de Laurence Olivier. También fue nominado a los Premios BAFTA por su trabajo en "Hotel Internacional" ("The VIPs"-1963), "El Rolls-Royce amarillo" ("The Yellow Rolls-Royce"-1964) y "Modesty Blaise"-1966. En 1990 fue galardonado con el Premio a la Trayectoria de la Sociedad Británica de Cinematógrafos.

  Y en estos interminables dias de asedio, mostrándo unas escenas lumínicas y alusivas, y creando una gran labor repleta de detalles estimulantes y esteticamente decorativos que hacen de transportar al espectador, puesto que logra una labor grandiosa y altamente vistosa con sus portentosas imágenes.

  La banda sonora fue obra de Dimitri Tiokin. Un director de musica nacido en Ucrania (pero nacionalizado estadounidense). Nació en el seno de una familia judia, bajo el dominio de la antigua Rusia zarísta, pero siendo niño sus padres se trasladaron a San Petersburgo, donde estudió armonia y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre no resulta conocido, su musica y canciones son mundialmente conocidas principalmente "Hig Noon", la canción que dió titulo a la película "Solo ante el peligro"-1952, "O.K. Corral" de "Duelo de titanes"-1957 o "The green leaves of summer" de El Alamo"-1960. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales sobre el conflicto.

  En uno de los Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach... Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo en tres ocasiones por: "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954)  y "El viejo y el mar" (The Old Man and the Sea"-1958). Curiosamente, durante la década de 1950, sus potentes orquestaciones y dinámicas melodias, muy caracterísicas de la Escuela Rusa, se convirtieron en la más distinguible seña de identidad del género del western.

  Y en esta heróica defensa apuntalando una banda sonora melódica y tranquilizadora por un lado  e inquietante por otro, según la acción, en un bello y dramático acompañamiento musical que arrolla y enardea las escenas de batalla, añadiendo también emotividad en las escenas románticas.

  Sensacional el trio protagonísta elegido aqui por el maestro Ray, comenzando por Charlton Heston "Ben-Hur"-1959 metido en el uniforme del mayor Lewis; David Niven (para mi el mejor), "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) y aqui como Sir Arthur Robertson, y entre los dos Ava Gardner, "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964) en el papel de la condesa Natalia Ivanoff.

  Y con ellos un buen puñado de buenos y grandes secundarios, tales como: Flora Robson, "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947), como la emperatriz Tzu Hsi; John Ireland, "Espartaco" (Spartacus"-1960), como el sargento Harry; Leo Genn, "Moby Dick"-1956, como el general Jung-Lu. La película al ser rodada totalmente en España, Ray pues eligió también a otros grandes actores españoles, asi pues nos encontramos a José Nieto, "Marcelino pan y vino"-1955,como el ministro italiano; Alfredo Mayo, "¡A mi la legión"-1942, como el ministro español; Fernando Sancho, "Torrepartida"-1956, como el ministro belga...

  En definitiva: Una buena película de aventuras, en la que Nicholas Ray dicen que iba cambiando el guión dia a dia, lo que, paradojicamente, no alteró ni un ápice el resultado final de la historia, quedando en todo un clásico del cine de su género.  Sobresaliente.

  "55 dias en Pekin" obtuvo dos nominaciones a los Oscar: Mejor banda sonora y canción.

  A modo de curiosidad: Charlton Heston afirmó que su relación laboral con Ava Gardner era nefasta debido al comportamiento poco profesional de la actriz durante el rodaje. No obstante, Heston también comentó que disfrutó en gran medida al poder trabajar con David Niven.

  Y curiosamente también: Charlton Heston que tanto disfrutó durante el rodaje con David Niven, nunca volvieron a trabajar juntos. En cambio con Ava Gardner si que lo hizo y fue en "Terremoto" ("Earltquake"-1974), (cosas del cine digo yo).

 

20/04/2020 09:57 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.


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