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Mayo 2021 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Mayo de 2021.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y siguiendo la "fiesta" (este año entre comillas) del cine mundial. Y como en años anteriores comentar una película y a ser posible oscarizada. Este año la película elegida posiblemente esté entre las mejores de la cinematografia mundial. Su titulo:

  Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives -1946)

  Tuve un sueño. Soñé que estaba en casa. He tenido este mismo sueño ciento de veces. ¿Estoy realmente en casa?.

  Enorme pelicula de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Mackinlay Kantor. Un escritor y ganador del Premio Pulitzer nacido en Iowa. De 1928 a 1934 escribió numerosas novelas para varias revistas y asi se ganaba la vida. Alcanzó gran éxito en 1934 y un año más tarde publicó "Collier" que se convirtió en un éxito rotundo. Escribió más de30 novelas la mayoria ambientada en la Guerra Civil  estadounidense. Entre sus guiones para el cine caben de destacar "Los mejores años de nuestra vida"("The Best Years of Our Lives"-1946) y "El demonio de las armas" ("Gun Crazy"-1950) entre otras.

  Del guión se hizo cargo Robert E. Sherwood. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Su primea obra se estrenó en Broadway en 1927 titulada "The Road to Rome"", que era una comedia sobre la fallida invasión de Roma por parte de Anibal. Este éxito pronto llamó la atención de Hollywood y ese mismo año comenzó a escribir para la pantalla grande. Aunque parte de su trabajo no fue acreditado, sus películas incluyeron muchas adaptaciones de sus obras. También colaboró con Hitchcock en el guión de "Rebeca" Rebecca"-1940). Entre sus obras llevadas al cine se pueden citar entre otras: "El puente de Warterloo" ("Waterloo Bridge"-1940) y "El bosque petrificado" ("The Petrified Forest"-1936). Ganó un Oscar por "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  "Los mejores años de nuestra vida" está dirigida por William Wyler. Un cineasta nacido en Mulhouse (Alemania), pero en la actualidad pertenece a Francia. En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilización de la profundidad de campo y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido se trata de un cineasta destronado por la critica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del Oeste para la Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Sam Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adapraban obras clásicas de la literatura, la visión de "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939) de Wyler sige siendo estupenda; dos obras teatrales de Lillian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Litle Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfeccionísmo, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podria ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942), una película propagandídstica que defendia la participación del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental, pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realista de la guerra en el documental "Memphis Belle: a Story of a Flying Fortress"-1944, seguido de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Over Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solian adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, sino al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una historia sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más una de las obras intimistas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn; y "La gran prueeba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de Jessamyn West sobre una inquietante obsesión.

  Asi pues, el maestro Wyler nos lleva hasta Boone City, pequeña ciudad del Medio Oeste, a lo largo de unos meses en 1945/46. Y nos cuenta la historia de tres veteranos que regresan a sus hogares tras finalizar la 2ª Guerra Mundial. Al Stepheson, sargento de Infanteria, de mediana edad, trabajaba en un banco. Homer Parrish, marino, ha perdido en la guerra los dos brazos. Fred  Derry, piloto de bombarderos de brillante historial de 25 años, trabajaba como dependiente en el bar de unos almacenes... Los tres tienen problemas de adaptación familiar y laboral... Al en el banco choca con los criterios de la dirección. Homer no se atreve a pedir a su novia y vecina que se case con él. Fred tiene dificultades en el trabajo y en casa con su esposa...

  La película muestra la alegria, la preocupación y los temores de los tres veteranos en su regreso tras una prolongada ausencia. El esfuerzo de guerra no les ayuda a tener una acogida adecuada, les dificulta la reiserción laboral, les impulsa a buscar falsos refugios y les obliga a asumir en solitario la tarea de readaptación, en un ambiente ambivalente y ambiguo, de homenajes, celebraciones, reproches, desprecios y angustias.

  Se describe con emoción la vida diaria y doméstica en una ciudad media americana, con el bar para la conversación, conflictos familiares, desamenencias conyugales, reproches tendenciosos sobre la guerra, etc. Las diferencias de clase por razones económicas hacen emerger prejuicios, que afectan a las relaciones entre los tres amigos.

  Son escenas memorables la vista aérea del cementerio de aviones, la demostración desgarradora de Homer a Wilma su novia, de sus limitaciones, el paseo de Fred por el aparcamiento de aviones a desguazar y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Hugo Friedhufer. Un compositor nacido en San Francisco. Sus comienzos fueron tocando el violonchelo a los 13 años de edad para trabajar en la Orquesta del Pueblo. En 1939 se trasladó a Hollywood, donde actuó como músico para la Fox y más tarde como orquestador de la Warner Bros. Sus colegas llegaron a admirarle mucho porque destacaba con su ingenio caústico y autocritico. Trabajó para más de 250 películas, cortometrajes de televisión, música adicional y música de fondo entre otras especialidades. Entre sus bandas sonoras para el cine se pueden citar: "Robin de los bosques" ("The Adventuras of Robin Hood"-1938), "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951) y "La colina del adios" ("Love Is a Mamy Splemdored Thing"-1955), entre otras muchas más por supuesto.

  Y aqui, aportando una gran partitura original en el que el "Main Title" incluye la melodia central que se repite en temas posteriores, como "Home coming" y "Fred and Peggy" (con un vibrante solo de saxo alto).

  La fotografía en blanco y begro fue dirigida por Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois. Muy famoso por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de campo, ejemplo de las cuales se pueden encontrar en sus trabajo por ejemplo en  "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane" -1941). Durante la década de 1930, se convirtió en el camartógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los más solicitados. Fue nominado cinco veces al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y aqui, consiguiendo una aguda profundidad de campo y adoptando una estética realísta, no olvida adornos (Al se ve reflejado a la vez en dos espejos) y lances cómicos (ducha en pijama).

  Magnífico el reparto de actores: Fredric March, "El hombre del traje gris" ("The Man in the Gray  Flannel Suit"-1956) como Al; Dana Andrews, "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) como Fred; Harold Russell, "Dogtown"-1997 como Homer; Myrna Loy, "La hija del embajador" ("The Ambadssador’s Daugther"-1956) como Milly, la esposa de Al; Virginia Mayo, "El talismán" ("King Richard and the Crusaders"-1954) como Marie, la esposa de Fred; Teresa Wright, "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943) como Peggy, la hija de Al y Milly; Cathy O’Donnell, "Ben-Hur"-1959 como Wilma la novia de Homer...

  En definitiva: Una película que con su desgarradora veracidad y la enorme carga emotiva que desprende, la convierten en una obra maestra absoluta del cine mundial.  Matricula de Honor.

  "Los mejores años de nuestra vida" logró 7 Oscars: Pelicula, Director, Actor (Fredric March), Actor secundario (Harold Russell), Guión (Robert E. Sherwood), Banda sonora (Hugo  Friedfoffer), y Montaje (Daniel Mandell).

  A modo de anécdota: El guionísta Robert E. Sherwood, fue investigado por el Comité de Actividades Antiamericanas, que estimó que la película podia ser considerada sospechosa de deficiente patriotísmo. No fue procesado gracias a las gestiones de Samuel Goldwyn. La secunecia final demuestra que los próximos años serán para los protagonístas los mejores de sus vidas.

01/05/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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  Y para acabar la "fiesta" de los Oscar en esta ya casi centenaria edicción. Un poco más de esta gran pelicula. Que como bien dijo Billy Wilder sobre ella es la "mejor dirigida que he visto nunca".

  No sale un disparo.

  No sale ni una trinchera.

  Ni una amputación.

  Ningún combate.

  Ni cobardes.

  Ninguna granada.

  No salen paracaidas.

  Ni tan siquiera salen carros de combate.

  No se ve ningún portaviones.

  No hay ni vencedores ni vencidos.

  No se escuchan ni sirenas ni trompetas.

  Pero a pesar de todo ello, es posiblemente la película más antibélica de la historia del séptimo arte.  (Pablo cine).

 

  El proyecto de rodaje fue encargado al dramaturgo y guionísta Robert Sherwood y al director William Wyler cuando estos estaban en momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos del presidente Roosevelt y Wyler habia estado haciendo documentales sobre la primera linea de fuego, motivo por el que se habia quedado practicamente sordo.

  A pesar de ser un éxito de critica y público, fue una de las películas vigiladas en la llamada caza de brujas del senador Joseph McCarthy por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Sherwood, el guionísta por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no lo hizo gracias a la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los fundadores de la MGM, y amigo intimo del guionísta.

  Harold Russell verdadero mutilado de guerra, se interpretó a si mismo y se convirtió en el primer y único actor en obtener dos Premios Oscar en la misma película (al mejor actor secundario y un Oscar honorífico).

  El director William Wyler habia volado en misiones de combate en Europa al filmar "Memphis Belle"-1944 y trabajó duro para obtener representaciones precisas de los veteranos de combate que habia encontrado. Wyler cambió el casting original que habia presentado a un veterano que sufria de un trastorno de estrés postraumático, y buscó a Harold Russell, para asumir el papel de Homer Parrish.

  Para la película, les pidió a los actores principales que compraran sus propias ropas, para conectarse con la vida cotidiana y producir un sentimiento auténtico. Otros toques de Wyler incluyeron la construcción de conjuntos de tamaño real, que iban en contra de los conjuntos estándar más grandes y que eran más adecuados para las posiciones de la cámara.

  El impacto para el público fue inmediato, ya que cada escena se desarrolla de manera realísta y natural.


11/05/2021 09:19 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Hello, Dolly! - 1969

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  Hello muñequita

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial, Dolly

  Puedo decir, Dolly

  Todavía estás brillando, todavía estás cantando

  Sigues siendo fuerte

  Sentimos que la habitación se balancea

  Mientras la banda toca

  Una de las mejores canciones favoritas de cuando

  Entonces, tomen su abrigo, muchachos

  Encuéntrenle un regazo vacio, muchachos

  Dolly nunca más se irá Hola, Dolly

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial Dolly

  Puedo decir Dolly...

  Muy buena y a la vez simpática película de género musical y de nacionalidad estadounidense con un guión de Ernest Lehman. Un guionísta nacido en Nueva York. Inició su carrera como escritor independiente escribiendo radionovelas y anuncios para musicales de Broadway. Esta experiencia quedó plasmada más tarde en su novela "El dulce sabor del éxito" que él mismo adaptó para el cine en 1957 dando lugar a la película "Chantaje en Broadway" ("Sweet  of Success"). Entre su escasa pero gran obra (a penas una docena de pelìculas) se encuentran titulos tan relevantes como"West Syde Story"-1961, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) o "¿Quién teme a Virginia Woolf" ("Who’s Afreid of Virginia Woolf?"-1966). Ganó un Globo de Oro y fue nominado en cuatro ocasiones a los Oscar, fue el primer guionísta galardonado con un Oscar Honorífico.

  "Hello, Dolly!" está dirigida por Gene Kelly. Un cineasta nacido en Pensilvania. Toda una leyenda del baile, cantante, innnovador y maestro de musicales, voz  melódica, apuesto, director, compositor y coreógrafo.

  Gene Kelly fué el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y su estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz, ronca y melòdica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Brodway con "Pal Joey" de Rogers y Harts, y seguidamente marchó a Hollywood para aprecer junto a Hudy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Girl"-1942), "Las modelos" ("Cover Girl"-1944), le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominsdo para el Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Awelgh"-1945).

  Gene Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas tan innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles.

  Su trabajo con Vincent Minnelli en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) no desmereció a las películas anteriores, aunque presentaba con mayor estilismo, "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956), dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un halo conductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello, Dolly!"-1969 con Barbra Streisand, fueron más convencionales. En 1951 fue galardonado con un Oscar Especial de la Academia por su carrera coreográfica. Fue el presentador ideal para la recopilación de grandes musicales realizada por la MGM, "Eráse una vez en Hollywood" ("That’s Entertaiment!"-1974 y sus secuelas.

  La historia pues, tiene lugar en Nueva York, en la última década del siglo XX, a lo largo de un fin de semana, con un epílogo posterior. Narra la historia de Dolly Leví, de mediana edad, casamentera, oficio en el que goza de acreditada fama. Apoyado en ella, busca para si el mejor partido disponible en Nueva York, un próspero comerciante, bastante rico, un tal Horacio Vandergelder, que contrata sus servicios para que presente a su sobrina Ermengarda a los jovenes de la ciudad, para que olvide a su novio, un artista pintor sin fortuna y sin futuro... 

  La película es un musical de gran presupuesto, complementado con números de baile de excelente factura y magnífica coreogeafía. Se apoya en una historia muy liviana, pretexto para dar cábida a canciones y baile, que se sitúan en escenarios singulares: un restaurante, un parque, alrededores de una capilla. Está libre de elementos contradictorios con el tono general del relato, como la intervención nazi en "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), y de servidumbres limitadoras, como, como la  elegia del campo de "Oklahoma!"-1955.

  La historia es sobre todo, un musical al servicio de la música y el baile. Abunda el humor visual y el verbal, rico en espontaneidad y naturalidad, basado en la sorpresa, la exageración, la incongruencia y la severidad trasnochadora. La pareja protagonísta durante la cena componen un cuadro cómico, de intensidad y duración pocas veces igualada en el cine. La lucha de sexos es también, fuente de comicidad. Dolly halaga y, a la vez, irrita el orgullo de Horacio y no duda en amenazar la prosperidad de su negocio para consguir sus objetivos. La recreación de Nueva York en 1890, el vestuario, la animación de las calles, los coches tirados por caballos, los tranvias de mulas, etc., crean un ambiente uníco y de ensueño, que enriquece y eleva la película. Nueva York es simbolo de modernidad, de prosperidad, de alegria y de amor.

  La musica corrió a cargo de Jerry Herman. Un compositor y letrista nacido en Nueva York, y muy conocido por su trabajo de teatro musical en Broadway. En 2009 recibió el premio Tony por su trayectoria en el teatro. También ganó un premio Kennedy en el 2010.

  Y en este gran musical aportando una música ritmíca, alegre y pegadiza, con canciones tan gratas como "So Lang Dearh", Before The Parade Passes By", "Darcing" y otras.

  Muy bien la pareja protagonista: Barbra Streinsand, "El amor tiene dos caras" ("The Mirror Has Two Face"-1996) dando vida a Dolly Leví y Walter Mathau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) metido en el cuerpo de Horacio Vandergelder. Y con ellos Michael Crawford, "Condorman"-1981 como Cornelius; Marianne McAndrew, "Chandler"-1971 como Irene. Y atención que también nos encontramos al gran trompetísta (aunque ya un poco mayor) Louis Armstrong.

  La fotografia en color y pantalla 70 m/m fue dirigida por Harry Strandling Sr. . Un director de fotografía nacido en Nueva Jersey (aunque algunas fuentes lo citan en Inglaterra y Alemania). Fue uno de los grandes talentos de la historia de Hollywood. Trabajó en todos los grandes géneros cinematográficos y para muchos buenos y malos directores. En Francia y Alemania contribuyó en varias películas de Jacques Feyder, y a comienzos de la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos contratado por Alfred Hitchcock para trabajar en "Matrimonio original" ("Mrs. and Mr. Smith"-1941). Las últimas películas de Strandling fueron protagonizadas por Barbra Strainsand, incluida su debut en la oscarizada"Funny Girl"-1968.

  Y en este desfile del amor, beneficiándose de la calidad de la filmación en 70 m/m para deleitarnos con unos encuadres amplios y precisos, de un movimiento diligente y correcto y de una excelente visualidad.

  Muy bien los dos protagonístas: Barbra Streisand "El amor tiene dos caras" ("The Mirror Has Two Faces"-1966) dando vida a Dolly Leví y Walter Mathau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) metido en el cuerpo de Horacio Vandergelder. Y con ellos Michael Crawford, "Condorman"-1981 como Cornelius; Marianne McAndrew, "Chandler"-1971 como Irene. Y atención que también nos encontramos al genial trompetísta (aunque ya un poco mayor) Louis Armstrong.

  En definitiva: Una excelente película de género musical, pletórica de acción y humor, muy entretenida y gratificante. Sobresaliente.

  "Hello, Dolly!" logró tres Oscar: Dirección artistica (John De Cuir, Jack Martin Smith, Herman Blumenthal, Walter Scott, George Hopkins y Raphael Bretton), Sonido (Jack Solomon y Murray Haytton) y Banda sonora musical (Lennie Hayton y Lionel Newman).

 

 

 

 

 

 


17/05/2021 16:24 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Tristana (1970)

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  "No te cases nunca Tristanita.

  Una puede ser libre y honrada.

  Exactamente, la pasión tiene que ser libre es la ley natural.

  Nada de cadenas, de firmas, de bendiciones"...

  Excelente película de género dramático y de nacionalidad española, basada en una novela de Benito Pérez Galdós. Un dramaturgo y politico nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mayores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialístas y estudiosos de su obra como el mayor novelísta español después de Cervantes. Además de escritor también fue diputado a Cortes por Madrid (1907-1914) y por Las Palmas de Gran Canaria (1914-1916). Entre sus muchas novelas podemos citar: "Doña Perfecta", "Marianela", "Tormento", "Fortunata y Jacinta", etc. etc.

  Del guión se hicieron cargo Julio Alejandro. Un escritor y guionísta nacido en Huesca. Fundamentalmente conocido por su labor como colaborador de Luis Buñuel en la mayoría de sus películas, y considerado como uno de los mejores guionístas de México. su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquista. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz año amor mio". A principios de los 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionista y a la vez director de la pelicula fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creado en colaboración con Salvador Dalí. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apolítica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, qu se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesía por mantener la dignidad.

  A la oscura y aústera "Diario de una camarera!-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealistas por el fetichismo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  Asi pues, el maestro de Calanda nos mete en la vida de una joven llamada Tristana que, al quedar huérfana, es encomendada a don Lope Garrido, que la toma a su cargo, la instala en su casa, donde vive con su sirvienta Saturna, y la asedia emocionalmente y sexualmente hasta convertirla en su amante. Entre ambos se establece una doble relación paterno filial y de amantes, que da lugar a una situación compleja, de la que se aprovecha y abusa don Lope...

  Este es un personaje singular, de más de 50 años, soltero, de ideas liberales y anticlericales, de aficiones donjuanescas, conquiatadoras y manipuladoras, de posición económica ajustada, y de inclinación natural a la ociosidad y la indolencia. Tristana, de unos 16/17 años, en el comienzo del relato, abriga ansias de independencia y libertad, deseos de adquirir conocimientos y habilidades, de rebeldia indoblegable contra la oposición, los abusos, la dependencia y el papel pasivo asignado tradicionalmente a la mujer.

  La película suma drama y critica social. a Galdos le interesa denunciar a través de su novela la injusta condición reservada a la mujer a finales del siglo XIX, heredera de una larga tradición de marginación, sometimiento, explotación y carencia de derechos. Los movimientos sufragistas y reivindicativos emergen en la segunda mitad del siglo XIX. La Convención y la Declaración de Séneca Falls (Nueva York) son de 1848.

  La reacción contra las reivindicaciones de los grupos activistas que en España de una violencia desproporcionada y de un encono que hoy resulta casi inverosímil. En el marco de estas circustancias, Galdos escribe la novela como instrumento de denuncia y de movilización. La adaptación de Buñuel conserva el espiritu reivindicativo de Galdos, que traslada a una época posterior en 40 años a la novela.

  También interesa a Buñuel denunciar una historia doméstica de asedio sexual, seducción, abusos, explotación y corrupción de una menor, en tanto que hecho emblemático no anecdótco. El enfrentamiento del espíritu independiente de Tristana y la falta de escrúpulos de don Lope proporcionan la base del desarrollo de un drama en lo que la muchacha es victima inocente. El guión dosifica y gradualiza con habilidad el desarrollo del mismo.

  La película explora las diferencias de intereses y de carácter de los dos protagonístas. Además del conflicto de géneros y de la historia inmoral de explotación sexual de la chica, a Buñuel le interesa glosar y denunciar la perversión de la burguesia, que se sirve de la hipocresia, el engaño, los abusos de poder, el culto a las apariencias, el egoísmo y la egolatría, para mantener sus privilegios.

  La ausencia de escrúpulos, el desprecio de los derechos de los demás y la infracción de las normas y éticas establecidas, inspiran conductas inmorales, amparadas en la intimidad del hogar o en la convivencia con poderes públicos. Las diferencias de carácter de los protagonístas verifican la película y aportan elementos significativos que permiten entender la dinámica y el alcance del drama. La definición de caracteres de la película es una de las más precisas y matizadas de Buñuel.

  Es interesante ver la evolución que a lo largo de la historia experimentan los dos protagonístas. Mientras Tristana se mantiene firme en sus convinciones y propósitos, don Lope cada vez más débil por el paso del tiempo, la edad, los achaques y la pérdida de apoyos, renuncia progresivamente a los suyos hasta convertirse en una caricatura de lo que más ha detestado: amigo de los clérigos, defensor de la religión, comparsa de dogmáticos y fanáticos, etc..Compone una imágen patética y triste de la derrota.

  Son escenas memorables la del partido de fútbol de los muchachos sordomudos, la de la boda envuelta en aires fúnebres y eróticos, las mordaces visiones surrealístas del badajo de una campana de la iglesia vista como mofa de la falsa hombría, la tertulia banal de clérigos dados a la gula, etc.. A destacar el valor simbólico del sordomudo como persona con más capacidades de percupción (visión, audición e inteligencia) que la burguesía.

  La música de Frederic Chopin, Zelazowa (Polonia) - 1 -marzo-1810 - Paris (Francia) - 17 - octubre- 1849. Aporta "Estudio revolucuinario" (Op-10, nº 12), una composición temperamental e iracunda, a cargo de Tristana, que sugiere su fuerza, su capacidad de lucha, su voluntad indomable, su fuerza y sus deseos de triunfo sobre la opresión. A través de la composición, Tristana proclama que, pese a los golpes de la vida y la sociedad, conserva la entereza, la capacidad de lucha y los propósitos de victoria.

  La fotografía en color, fue obra de José F. Aguayo. Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director fotográfico con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última película, trabajó en más de 120 peliculas, Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos como: "Locura de amor" -1948 y "El último cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos de sus titulos más emblemáticos realizados en España como fueron "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, aportando una narración aústera, estilizada y sobria, de gran fuerza expresiva. Transmite a las imágenes sentimientos de opresión, explotación y lucha tenaz. Se rodó en escenarios naturales de Madrid y en su mayoria en Toledo.

  Gran interpretacion (posiblemente la mejor de su carrera) de Fernando Rey, "Locura de amor"-1948 dando vida a don Lope. Y espléndida Catherine Deneuve, "Indochina"-1992, metida en el cuerpo de Tristana. Y con ellos Franco Nero, Camelot"-1967 como Horacio; Lola Gaos, "Furtivos" - 1975 como Saturna; Antonio Casas, "Cerca del cielo"-1951 como don Cosme; Fernando Cebrián, "El último guateque"-1978 como el Dr. Miquis; Juanjo Menéndez, "El lazarillo de Tormes"-1959 como don Cándido...

  En definitiva: Una película que es todo un drama humano sin concensiones, bella e inolvidable. Sobresaliente.

  "Tristana" estuvo nominada al Oscar como mejor película de habla no inglesa. La ganadora fué: "Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha" de Elio Petri (Italia).

  Como curiosidad: La película era un proyecto acariciado por Buñuel concebido en 1963, lo realizó 17 años después, tras tres intentos fallidos.

 

 

 

25/05/2021 16:21 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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