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Agosto 2021 | Bienvenido a Pablo Cine
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Tiburón (Jaws - 1975)

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  "Bueno esto no es un accidente de bote. No fue ninguna hélice. No fue ningún arrecife de coral... Y no fue Jack el Destripador. Fue un tiburón".

  Una de las grandes películas de género terror-aventuras y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Peter Benchley. Un escritor nacido en Nueva York. Tras cursar sus estudios en Harvard, trabajó sucesivamente en el Washington Post en la que llegó a ser editor de la revista Newsweek. Su primer libro fue precisaente "Jaws" que fue publicado en 1974, convirtiéndose inmediatamente en un éxito de ventas. Fue catapultado definitivamente al estrellato tras llevar a la pantalla grande esta novela.

  Del guión se hicieron cargo el propio Benchley ayudado por Carl Gottlieb. Un guionísta y actor nacido también en Nueva York. Empezó a escribir guiones para la televisión. Asimismo apareció en varias películas como actor como por ejemplo en "MASH"-1970 de Robert Altman. En 1968 se unió al Gremio de Guionístas de Estados Unidos, en el que ha desempeñado diversos cargos y del que actualmente a sus 83 años es secretario-tesorero.

  "Tiburón" está dirigida por  Steven Spielger. Un cineasta nacido en Cincinnati (Ohio). Cuando era un niño siempre se imaginaba películas, empezó a filmarlas en 8 mm cuando tenia unos doce años de edad. Formado en televisión, donde dirigió programas como "Marcus Welby, M.D."(1970), su primer trabajo cinematográfico serio llegó con "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971), película en la que un afable hombre de negocios interpretado por Dennis Weaver es perseguido por un diábolico camión. Posteriormente rodó otra historia de carretera, "Loca evasión" ("The Sugarland Express"-1974), sobre un convicto escapado que atraviesa el pais junto a su mujer y su hijo mientras los policias le persiguen formando una larga caravana cada vez más agresiva.

  En 1975 de dió a conocer en todo el mundo adaptando al cine "Tiburón", el libro de Peter Benchley sobre tres hombres no demasiado compatibles que zarpan juntos para matar un malvado tiburón. La película cautivó al público con su ingenioso montaje y su narrativa reforzada por una banda sonora escalofriante, Spielberg fue aclamado como un nuevo niño prodigio del cine. Durante los diez años siguientes triunfó con "Encuentro en la tercera fase" ("Close Encounters of the Third Kind"-1977), "1941"-1979, "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark"-1981), "E.T.El Extraterrestre" ("E.T.:The Extra-Terrestrial"-1982), "Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones and the Temple of Doom"-1984) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), una adaptación del best-seller de Alice Walker sobre la esclavitud, la enmancipación y la condición femenina.

  Todas las películas enfatizan una visión sentimental del mundo en perfecta sinfonia con la sensibilidad burguesa del público e incorporan elegantes movimientos de cámara, una meticulosa puesta en escena, con decorados verosimiles y evocativas interpretaciones de actores seleccionados con rigor que, en muchos casos, son jóvenes o transmiten inocencia juvenil ante la cámara.

  Con el tiempo, "E.T. El Extraterrestre" se ha convertido en un icono. Narra la historia de un niño que entabla amistad con un extraterrestre abandonado en la Tierra por accidente y explora la capacidad de asombro de la infancia en el contexto de un malévolo mundo adulto. La criatura alienígena un robot creado por Carlo Rambaldi, enterneció al público con su gusto por la cerveza, su capacidad para curar heridas por imposición de manos y la morriña que siente por su planeta: "¡E.T., teléfono, mi casa!".

  "El imperio del sol" ("Epire of the Sun"-1987), narra con una sorprendente cualidad sinfónica el encarcelamiento de un joven británico, James  "Jamie" Graham (interpretado extraordinariamente por Christian Bale) cerca de Shanghai durante los dias previos de la explosión de la primera bomba atómica. Spielberg crea una película evocativa y armoniosa centrada en lo visual y con una gran fuerza y un gran atractivo, combinando con aplomo escenas de plató y exteriores, concibiendo y ejecutando complicadas secuencias de acción y aprovechando el dolor que produce en el niño verse separado de sus padres,  sus asombrosas habilidades de supervivencia en diversos campos de prisioneros, su casi muerte por inanición y la reconciliación final en brazos de su madre.

  En dos películas de los años noventa basadas en la novela  de Michael Crichton, "Parque Jurásico" ("Jurassic Park"-1993),  Spielberg crea una aventura en un parque de atracciones habitados por clones de bestias prehistóricas, "A.l:Inteligencia artificial"-2001 también aborda el tema de la clonación, al igual que "Minority Report"-2002, en el que el castigo antecede al crimen. Este éxito de taquilla protagonizado por Tom Cruise es una alrgórica bofetada a las maniobras políticas realizadas por la derecha a la estela del fatídico 11 de septiembre. Sus películas posteriores fueron  algunas de ellas recibidas con menor entusiasmo, pero su mejor momento todavía  estaba por llegar.

  Steven Spielberg es un apasionado de la 2ª Guerra Mundial y asi se refleja en películas como "Salvar al soldado Ryan"("Saving Private Ryan"-1998). Se trata de una de sus mejores películas, que sedujo a critica y público por igual pero sorprendentemente no ganó el Oscar a la mejor película. "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993) es la historia de un hombre que salvó a numerosos judios de los campos de exterminio.

  Su última película estrenada hasta la fecha se titula "Ready Player One"-2018. Una aventura de ciencia-ficción centrada en el año 2045.

  La acción pues, tiene lugar en la costa concretamente en el litoral de la isla Amity (Nueva Inglaterra), crntro turístico de verano situado en la costa atlántica de Estados Unidos. La aparición de varios turistas muertos hace que el jefe de policia Martin Brody, el oceanógrafo Matt Hopper y el cazador Quint  unan sus fuerzas para identificar al responsable de las muertes, perseguirlo y reducirlo. Brody es un experto policia de Nueva York, de servicio en Amity, que tiene miedo al mar, Hopper es estudiante de buena familia, Quint es un veterano del Vietnam, con problemas emocionales y psicológicos, que se dedica profesionalmente a la caza de tiburones...

  La película suma terror, suspense, thriller, cine de catástrofes y por supuesto aventuras. Spielberg aqui con 28 años de edad, construye una esmerada película de suspense clásico, que sigue las postuladss básicas de Hitchcock. Los hechos que muestra se presentan rodeados de interrogantes e incertidubre y el progreso de la narración descubre gradualmente referencias cada vez más inquietantes, que enfrentan al espectador con el miedo a lo desconocido. Solo cuando la película está planteada y la acción avanzada desvela quien es el responsable de los ataques mortales a personas. Hace uso intensivo de la sugerencia: durante mucho tiempo no se ve al causante del mal, sino sólo los efectos de sus acciones.

  Se ajusta a la estructura de las antiguas películas de monstruos, que juegan con lo desconocido, lo misterioso y la presencia del mal. Algunos comentaristas ven paralelísmo entre "Tiburón" y "Moby Dick"-1956 de John Huston, aunque la ballena representa a Dios y el tiburón encarna al diablo. En conjunto, la película aporta más angustia y terror que suspense. Contiene elementos de aventura que enfrentan a personajes ordinarios con situaciones que requieren cooperación, trabajo en equipo, la ayuda de la amistad y el apoyo del compañerísmo.

  Algunos criticos consideran que la película constituye una variación de "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971) también de Spielberg. En todo caso, es una variación con diferencias notables, mayor intensidad y momentos culminantes de terror. Obtuvo un gran éxito de taquilla.

  La película enmarca en el contexto de una etapa en la que se pone de moda el cine de catástrofes y proliferan las películas de este género. Entre ellas cabe citar "La aventura del Poseidón"("The Poseidon Adventure"-1972) de Ronald Neame, "Terremoto" ("Earthquake"-1974) de Mark Robson, "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974) de John Guillermin y Irwin Allen, "Hindenburg"-1975 de Robert Wise, etc..Identifica el mal con la voracidad, la insaciabilidad, la fuerza bruta, la agresividad, la ocultación, los ataques por sospresa, las acciones a traición y la estupidez.

  La película habla en términos de parábola de los conflictos, miedos y frustraciones de los Estados Unidos, como el Vietnam, la amenaza nuclear, los héroes de guerra psicológicamente rotos, la presencia del mal organizado (Rusia, Mafia, tráfico de estupefacientes, los sentimientos de culpa colectivos, etc.). Veladamente se refiere a las incertidumbres que, para algunos, se dan asociadas a las innovaciones y cambios culturales y sociales de los paises avanzados, como la liberación sexual, la igualdad de las mujeres, el retroceso de los valores tradicionales (disciplina, obediencia, sumisión...) y el auge de los valores de la nueva sociedad (innovación, creatividad, iniciativa, flexibilidad...), etc.

  Habla de problemas antiguos tan arraigados como el individualísmo, el egoísmo, la defensa del interés particular frente al general, las perspectivas ilimitadas e inmediatistas a la hora de juzgar los problemas colectivos, las situaciones de riesgo que crea la propia sociedad (crisis del petróleo de 1973-78), la escasa capacidad de decisión de los políticos ante problemas nuevos y comprometidos. Ve a la naturaleza como fuente de catástrofes (terremotos, incendios...). Trata temas constantes del realizador: la relacción padre/hijo, hombres ordinarios enfrentados a hechos extraordinarios, etc.. La película es más compleja y densa de lo que parece contiene varios niveles de lectura e interpretación, que dan profundidad a la historia y a la película.

  La película (y como punto final) compone una historia terrorífica, perturbadora, vibrante y angustiosa. Hace uso de imágenes espectaculares (primer plano del tiburón), escenas memorables (los hombres se muestran las cicatrices bajo la cubierta del barco), secuencias inolvidables (historia del Indianápolis y de su hundimiento el 29-VI-1945) y reacciones tan gráficas como la desesperación de Quint (cuando quiere olvidar cantando a grandes voces).

  La banda sonora fue obra de John Williams. Un compositor y director de orquesta nacido en Nueva York. Ganador de cinco Oscar y, con la friolera de haber sido nominado en 52 ocasiones. Está considerado como uno de los compositores más prolíficos de la historia del cine, componiendo musica para muchas de las películas más famosas y reconocibles de todos los tiempos. Su estilo más común sule ser descrito como una forma de un neorromantocísmo principalmente con influencias de compositores del romantocísmo alemán como Richard Wagner y Max Steiner entre otros. También compuso la música para cuatro Juegos Olímpicos. Entre sus múltiples bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El violinista  en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971), "Tuburón" (Jaws"-1975) y "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993). En 2020, fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes, junto con Ennio Morricone.

  Y aqui, recogiendo ecos de Stravinsky ("La consagración de la primavera"), Bernhard Herrmann (Psicosis"-1960) de Hitchcock, y Bela Bartok. Compone una partitura de 12 cortes, con un tema central de terror (contrabajo), que se asocia al tiburón y anuncia su proximidad.

  La fotografia en color fue dirigida por Bill Butler. Un director de fotografía nacido en Colorado (Estados Unidos). se graduó con el titulo de ingeniero en la Universidad de Iowa. Sus comienzos como ingeniero fueron en la estación de radio en Gary (Indiana). Más tarde se traslsdó a Chicago donde ayudó a diseñar y construir las primeras estaciones de televisión en la ABC. Alli realizó varios programas, pero Wulliam Friedkin lo animó para la gran pantalla. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y ganó un BAFTA por "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"-1975) de Milos Forman. En abril de 2013, el Festival de Cine de Charleston le otorgó el premio inagural a su trayectoria cinematográfica. 

  Y aqui, mostrando unas imágenes impactantes y creando un climax verdaderamente escalofriante. La escena en la que el escualo bajo el agua, a pocos centímetros de la superficie es verdaderamente aterradora. La película se rodó en escenarios naturales del Pacífico Sur (Australia), Isla Santa Mónica (California), Isla Martha’s Vineyard y en la ciudad de Falwouth (Masachusets).

  Sensacional el trio protagonísta: Roy Scheider, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979) como Brody; Richard Dreyfuss, "Poseidón"-2006 como Hooper y Robert Shaw, "Domingo negro" ("Black Sunday"-1977) como Quint. Y con ellos Lorrane Gary, "1941"-1979 como Ellen la esposa de Brody; Murray Hamilton, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Vaughn; Carl  Gottlieb, "Doctor Detroit"-1983 como Meadows; Susan Backlimie, "El dia de los animales" ("Day of the Animals"-1977) como Chrissie...

  En definitiva: Una película llena de acción con personajes realmente creibles y con escenas espectaculares, que hacen de mantener el miedo dentro del cuerpo del espectador.  Matricula de Honor.

  "Tiburón" logró 3 Oscar en su año: Montaje (Verna Fields), Banda sonora (John Williams) y Sonido (Robert Hoyt, Roger  Heman, Earl Madery y John Carter).

  "Tiburón" posiblemente sea la película con más secuelas de la historia del cine. Las más significativas aunque ninguna llegó a alcanzar el éxito que logró esta fueron: "Tiburón 2"-1978 de Jeannot Szware e interpretada también por Roy Scheider, "Tiburón 3"-1983 de Joe Alves e interpretada por Dennis Quaid y "Tiburón 4"-1987 de Joseph Sargent e interpretada por Michael Caine, etc.etc.

 

02/08/2021 08:09 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Taxi Driver - 1976

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  "Escuchad imbéciles de mierda, aqui hay un hombre que va a cortar por lo sano, un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la podredumbre, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso".

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine por un guión de Paul  Schrader. Un director de cine y guionísta nacido en Michigan. Educado en una estricta fe calvinista que le marcaria profundamente, no vió una película hssta cumplir 18 años de edad. Se graduó  en el UCLA Film Studios y se convirtió en critico de cine para el periódico Weekly Press de Los Angeles. En 1975 escribió junto con su hermano el guión de "Yakuza" que posteriormente dirigiría Sydney Pollack. En 1976 escribió "Obsession" dirigida por Brian de Palma y ese mismo año Martin Scorsese se encargó de dirigir su guión "Taxi Driver". Como director también tiene un extenso historial con películas  como por ejemplo: "American Gigolo"-1980 con Richard Gere y "Blue Collar"-1978 con Richard Pryor.

  "Taxi Driver" está dirigida por Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Scorsese es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito cada proyecto y su obra no sea del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado su valoración pública como director de cine, más de la que cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con la que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de generalidad pero también sintomas de un exceso artístico. El recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo.

  Este riesgo de reconocer formalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos rspectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar.

  En ese sentido, Scorsese puede resultar, algo pomposo. El hecho de que sepa reconocer ka fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico entorno a la fotogenia, no solo como medio para contar historias, sino también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explica que la obra de Scorsese, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de las cámaras en celebridades. Ha recibido el premio a toda su vida del American Film Institute (Institución de Cine Estadounidense). Tieme 11 nominaciones al Oscar, ganándolo una vez por "Infiltrados" ("The Departed"-2007) y dos nominaciones al mejor guión adaptado. Aparte de los BAFTA y Globos de Oro. Su última película estrenada en los cines hasta la fecha (como director) ha sido "El irlandés" ("The Irishman"-2019).

  La acción pues, tiene lugar en 1975 en Nueva York. Y está narrada en primera persona por el protagonísta, un tal Travis Bickle, antiguo "marine", veterano de la guerra de Vietnam, de 26 años de edad y mentalmente inestable, trabaja de noche como taxista a causa del insomnio que padece. Es un personaje solitario e inadaptado, presa de depresiones acompañadas de ansiedad. Sus intentos de relaciones con otras personas como por ejemplo con Betsy, Pauline, Iris, etc., fracasan a causa de su torpeza y errores. Sumido en la soledad, su desvarío mental se agudiza y sus acciones se apartan cada vez más de la lógica. Sustituye los intentos de integración personal por intentos quijotescos de solución de las personas que admira y aprecia, a las que propone "liberar" de las garras de quienes los engañan, utilizan y explotan...

  A través de los ojos del protagonísta, la película muestra el submundo decadente, enfermizo y corrupto de la gran ciudad, poblada de desaprensivos, chulos, prostitutas, rateros, ladrones, fracasados, criminales, asesinos y similares. La ciudad sucia, húmeda, maloliente, agobiante y sin esperanza, es el escenario psicológico en el que se mueve el protagonísta. El mundo que ve en él topa frontalmente con sus prejuicios convencionales sobre el bien, la virtud y la moral.

  La fotografia en color corrió a cargo de Michael Chapman. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine como asistente y operador de cámara, y debutó como director de fotografía con "El último deber" ("The Last Detall"-1973) de Hal Asbhy. Debido a su gran labor en "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980) por el que recibió una nominación al Oscar, Carl Reiner lo contrató para hacer "Cliente muerto no paga" ("Dead Men Don’t Wear Plaid"-1982) protagonizada por Steven Martin. Además de su gran trayectoria como director de fotografía, también dirigió algunas películas como por ejemplo: "La clave del éxito" ("All the Right Mones"-1983) protagonizada por Tom Cruise.

  Y aqui, aportando un intenso y excelente trabajo de cámara, muchos "zooms", ralentización de imágenes. distorsiones de los personajes, iluminación expresionísta (que recuerda la del cine negro clásico), primeros planos, sugerencias visuales, encuadres picados y otros, que aportan vigor, fuerza y pulso a la narración. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan (Nueva York).

  La banda sonora se la debemos a Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York y especializado en el género cinematográfico. Ganador de un Oscar por "El hombre que vendió su alma" ("The Devill and Daniel Webster"-1941). Es mundialmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles, "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y sobre todo con Alfred Hitchcock en películas como por ejemplo: "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956), "Vértigo"-1958 y "Psicosis" ("Psycho"-1960). Con ello ya mostraba un claro interés por conceptos de la vanguardia musical de la segunda mitad del siglo XX.

  Y aqui, mostrándo una música potente, gratamente ritmíca y envolvente. La película consta de 16 temas, entre los que sobresalen el "Main Tittle" (con un magnífico solo de saxo alto), "God’s Lonely Man (End Tittle"), The Days Do Not End" y "Betsy vestid de blanco". Fué el último trabajo de Hermann ya que falleció semanas antes del estreno.

  Extraordinario Robert De Niro, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) metido en el cuerpo de Travis Bickle un taxita nocturno de Nueva York que apenas tiene contacto con los demás. Y seguido muy bien por Cybill Shepherd, "El cielo se equivocó" ("Chances Are"-1989) como Betsy; Jodie Foster, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) como Iris; Peter Boyle, "Atmósfera cero" ("Outland"-1981), como Wizard; Albert Brooks, "Al filo de la noticia" ("Brocdcast News"-1987) como Tom; Harvey Keitel, "La búsqueda" ("National Treasure"-2004) como Sport...

  En dedfinitiva: "¿Me estás hablando a mi?"   Matricula de Honor

  "Taxi Driver"Estuvo nominada al Oscar en los siguientes apartados: Pelicula, Actor (Robert De Niro), Actriz secundaria (Jodie Foster) y Música (Bernard Hermann).

  Como curiosidad: Para prepararse el papel Robert De Niro trabajó como taxista durante un mes dedicándole doce horas diarias. También estudió la enfermedad mental del personaje. En cuanto a la forma de hablar, De Niro estudió los dialectos del Medio Oeste para darle un acento pleno y una voz desinchada a Travis Bickle.

16/08/2021 08:03 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Annie Hall (1977)

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  "El sexo es lo más divertido que he hecho sin sonreir".

   Maravillosa pelicula de género comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Marshall Brickman. Un  guionísta y director de cine nacido por casualidad en Rio de Janeiro (Brasil). Mundialmente conocido por sus colaboraciones con Woody Allen,. Después de asistir a la Universidad de Wiscosin-Madison, se convirtió en miembro del grupo folclórico "The Tarrios" en 1962 y tras su disolución en 1965 se dedicó exclusivamente a escribir guiones para el cine, dirigiendo varios de ellos. Pero su éxito lo logró a nivel mundial colaborando con Allen en películas como por ejemplo: "Annie Hall"-1977 y "Misterioso asesinato en Manhattan" ("Manhattan Murder Mystery"·-1993) entre otras muchas más.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue como no Woody Allen. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que produce una película al año, protagonizada por él mismo casi interrumpidamente desde los años 60. Clave para el estereotipo de su fisico menudo, sus gafas y sus entradas, y una tendencia a la pantomina y la queja perpetua, hasta el punto de que esa queja está en la base de su humor. Verbalmente hábil, no da el tipo de galán protagonísta pero es el centro de la escena en películas donde su neurosis es irritante y a la vez entrañable.

  Empezó escribiendo chistes y guiones para la televisión, antes de debutar con la película "Lily la tigresa" ("Wath’s Up, Tiger Lily?"-1966), canaliza su capacidad de observación con un discreto personaje, sus inteligentes diálogos que convierten sus películas en notorias, esté delante o detrás de la cámara. De su trabajo como actor destacan "Bananas"-1971, "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar" ("Every thing You Always wanted to know About Sex"-1972) y "El dormilón"("Sleeper"-1973), antes de entrar en su fase madura con "Annie Hall"-1977. Con la que ganó un Oscar al Mejor Guión y a la Mejor Dirección, y obtuvo su única nominación como actor además de llevarse el premio a la Mejor Película.

  Exibia los eternos problemas de Allen con inteligencia y agudeza, el enfrentamiento entre las sensibilidades de la costa este y oeste de Estados Unidos, los problemas del verdadero amor y las complicaciones del éxito profesional y la realización personal. Afortunadamemte, su tendencia hacia la oscuridad "Manhattan"-1979 es solo un reflejo en sus peliculas que son importates por su humor y fuerza interpretativa, como "Hannah y sus hermanas" ("Hannah and Her Sisters"-1986), y "Maridos y mujeres" ("Husbands and Wives"-1992). Esta tendencia es también la que le permite trabajar como actor y director en todos sus demás proyectos. Su última película (hasta la fecha) estrenada en el cine como actor y director ha sido "Rifkin’s Festival"-2020, una comedia en coproducción con Italia y España.

  Asi pues, Allen nos lleva hasta su ciudad favorita Nueva York, y un poquito a Los Angeles, a lo largo de algo más de un año en 1976. Y nos cuenta la hisoria  de Alvy Singer y su pareja actual Annie Hall. Alvy es un actor cómico de unos 40 años, neurótico, chistoso. enamoradizo, con temores y miedos al matrimonio, divorciado dos veces, enfermizo, que lleva 20 años sometiéndose sin éxito, a terapia psicológica... Annie, de Wisconsin, de unos 30 años, pareja de Alvy, es guapa, inteligente e insegura... Alvy, en funciones de Pigmalión, le aconseja visitar al psicoanalísta y leer obras de creación literaria... La pareja vive en una etapa de enamoramiento, a la que sigue otra de divergencias y distanciamiento...

  La película pues, se asienta sobre una estructura narrativa fragmentada por flasbacks (amores anteriores), intervenciones de Alvy dirigidos a la cámara (explica un chiste de Groucho Marx), sueños, escenas de animación (Annie compara en sueños a Alvy con la bruja de "Blancanieves"), imágenes con subtitulos (que revelan el verdadero pensamiento de los interlocutores), división de la pantalla en dos partes desde las que los actores se interpretan.

  También la historia glosa la dificultad de las relaciones amorosas prolongadas, las obsesiones morales sobre el sexo, el amor y la fidelidad, , las dudas e indecisiones ante una realidad que cambia, la inmadurez emocional. Refleja con acierto como se entendia el amor en la década de los 70. Y supone un giro en los trabajos del autor, que se orienta hacia un amor sútil y reflexivo. Contiene referencias cinéfilas a "La Strada"-1954, "Vidas rebeldes" ("The Misfits"-1961), "Satiricón"-1969, "Cara cara al desnudo"-1976 de Ingmar Bergman, "El padrino" (The Godfather2-1972) y al documental "La pena y la piedad"-1969.

  Se critican jocosamente los expresidentes Heisenhover y Johnson y se habla de la conspiración que mató a Kennedy. Las citas ocultas incluyen a Balzac, James Joyce, Henry James, Samuel Beckett y otros. Abundan las escenas surrealistas, como la de la cola del cine ante la que Alvy presenta a Marshall McLuhan y la de la cúpula de la pareja durante la que el alma de Annie se separa del cuerpo y, aburrida, se sienta y dialoga con los dos. Es destacable la escena cómica de las langostas y la comparación de Los Angeles con Nueva York.

  La musica es muy escasa, incluye solamente dos canciones melódicas pero eso si magníficas, "Seems  Like Old Times" de Guy Lombardo y "It Had To Be You" de Frank Sinatra.

  La fotografía en color fue dirigida por Gordon Willis. Un director de fotografía nacido en Massachusetts. Muy conocido por sus colaboraciones con Woody Allen, "Manhattan"-1979, Francis Ford Coppola, "El padrino" ("The Godfather"-1972) y Alan J. Pakula, "Todos los hombres del presidente" ("All the President’s Men"-1976). También dirigió una película "Ventanas" ("Windows"-1980) con Talia Shire, pero obtuvo criticas muy negativas. En 2009 obtuvo un Oscar honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica.

  Y en esta espléndida historia de amor, realizando tomas largas y construyendo escenas de una sola toma de gran fuerza.

  Excelente la pareja  protagonísta: Woody Allen, "Granujas de medio pelo" ("Small Time Crooks"-2000) y Diane Keaton, "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money"-2008), él dando vida a Alvy Singer y ella metida en el personaje de Annie Hall.

  Y con la pareja: Tony Roberts, "Plantón al cielo" ("18 Again!"-1988) como Rob; Shelley Duval. "El resplandor" ("The Shining"-1980) como Pam; Christopher Walken, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) como Duane; Janet Margolin, "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Dun"-1969) como Robin. Y también podemos ver al cantante Paul Simon del dúo Simon y Garfunkel...

  En definitiva: Una película apabullante, genial y enormemente recomendable. Matricula de Honor.

  "Annie Hall" logró 4 Oscar en 1977: Película, Director, Actriz (Diane Keaton) y Guión original (Woody Allen y Msarshall Brickman).

  A modo de curiosidad: El titulo original de la película no iba a ser "Annie Hall". "Anhedonia" era el elegido, que en griego significa "imposibilidad de sentir placer". Un titulo que hubiese encajado bastante bien con el personaje de Allen.

26/08/2021 09:17 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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