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Junio 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Junio de 2020.

Eva al desnudo (All About Eve- 1950)

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                  Eva / Addison

  Addison: Que yo te quiera se me antoja ahora como algo inverosímil, pero quizá sea esa precisamente la razón. Eres una persona inverosímil, Eva. Y yo también, eso tenemos en común; junto con el desprecio por la humanidad, incapacidad para amar y ser amados e insaciable ambición y talento. Nos merecemos el uno al otro. ¿Estás escuchándome? Pues contesta.

  Eva: si, Addison.

  Addison: ¿Y te das cuenta y estás conforme en lo que eres solamente mia?

  Si, Addison.

  Addison: Entonces a dormir, y buena suerte esta noche.

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense basada en el relato "The Wisdom Of Eve" (1946), de Mary Orr. Una escritora nacida en Nueva York. Estudió en la Universidad de Syraccuse y en la Academia Estadounidense de Arte Dramático de Manhattan. Su novela más exitosa fue precisamente "All About Eve" que se publicó ese mismo año en la revista "Cosmopolitan". Y en 1951 esa misma revista publicó una secuela titulada "Más sobre Eva".

  El guión fue escrito por el mismo directpr de la película es decir por Joseph L. Mankiewicz. Un cineasta nacido en Pensilvania. Antes de dirigir pasó mas de quince años trabajando como guionísta y productor en Hollywood, donde escribió muchas de las películas más destacadas de los años 30 y,  produjo para diversos directores, como George Cukor en "Historias de Filadelfia" (The Philadelphia Story"-1940). Su primer intento como director fue con "El castillo de Dragonwyck" ("Dragonwyck"-1946), una película demasiado efectísta, lastrada también por un mal reparto y unas interpretaciones mediocres.

  la primera gran película de Mankiewicz fue "Cartas a tres esposas" ("A Lefter the Three Wives"-1949) que desarrolló a partir de un relato que encontró en una revista femenina sobre una mujer fatal soltera que roba el marido a una de sus tres mejores amigas. La película trasciende con creces el tema y deslumbra con observaciones perspicaces sobre las clases sociales.

  Sus personajes, elaborados con gran detalle, cobran vida con un diálogo cortante bajo la experta dirección de Mankiewicz. La pelicula también proporciona algunas interesantes reflexiones sobre el desarrollo de la cultura de masas, los trastornos que provoca la guerra, la cultura constante y el feminísmo. El resto de su producción es notablemente variada, con una serie de películas instruidas y atractivas, aunque destaquen desde el punto de vista visual. Mankiewicz alcanzó fama por supervisar las últimas etapas de uno de los desastres más notables de Hollywood "Cleopatra"-1963, donde demostró que no era un maestro del espectáculo a gran escala.

  El medio en que mejor se desenvolvía era la comedia de costumbres ingeniosa, un género que dominó como nadie "Carta a tres esposas" es sin duda una obra de arte pero, "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) no tiene rival. Este drama entre bastidores ofrece una reflexión oscura y pesimísta sobre la farsa y la celebridad y sobre las maneras de conseguirlas.

  Aunque había más de Broadway que de Hollywood, la película parece un comentario algo perverso sobre la industria a la que estaba unido Mankiewicz, un intelectual educado por la Ivy League. Posiblemente se muestra resentido con el cine comercial y su obsesión con las estrellas, guionístas y directores.

  La acción pues, tiene lugar en Nueva York y su presente narrativo se situa en 1949-50. Entre presente y pasado recoge observaciones de unos tres años. La joven Eva Harrington, admiradora de la veterana actriz de teatro Margo  Channing, es presentada por su amiga Karen, esposa del dramaturgo Lloyd Richards. Eva pronto se gana la confianza de Margo, lo que le permite relacionarse con el critico teatral Addison DeWitte, el director de escena Bill Simpson y la asistenta Birdie. Margo, de 40 años, actriz veterana, enamorada de su trabajo, gran profesional, es caprichosa, envidiosa y dominante. Eva, que es joven, ambiciosa, falsa y manipuladora, oculta un pasado oscuro. Addison es vanidoso, cinico y carece de escrúpulos. Bill, casado con Margo, es el "alter ego" del realizador. Se insinúa la homosexualidad de Eva y Addison.

  La película combina drama y sátira social. La trama se focaliza en investigar y descubrir toda la verdad sobre Eva. La narración se pone en boca de Karen, Margo y, sobre todo, Addison. Los recuerdos y punto de vista cada uno de ellos se presentan a través de un hábil juego de siete flashbacks, característico del método de trabajo de Mankiewicz.

  El guión es incisivo, sútil y brillante. Incorpora muchos diálogos, como le gusta al director, que los presenta bien construidos, condensados y desarrollados con fluidez y sentido del humor. Los caracteres están bien definidos y hábilmente matizados. La puesta en escena es elegante, atractiva y eficaz.

  Explora temas esencialmente humanos como la ambición, el amor, la amistad, los celos, la hipocresia, el cinísmo, la deslealtad, la infidelidad, la traición. Estudia los efectos que ejercen sobre las personas el paso del tiempo y la edad. Analiza con seriedad y rigor, los mecanismos del éxito en el teatro, en el cine de Hollywood (abundan las referencias veladas a la meca del cine), en el mundo y en la historia.

  Potencia la tensión mostrando la acción (lo que se dice, se hace...) y la correspondiente reacción (lo que se piensa, se cree, se acepta...). Este recurso se hace particularmente patente en la secuencia de la entrega del premio Sarah Siddons: mientras el presentador habla de las virtudes y méritos de Eva Harrington, se intercalan planos con los rostros incrédulos y renuentes de sus amigos (Margo, Karen, Addison). La secuencia central de la película es, posiblemente, la de la fiesta de cumpleaños de Bill, donde Margo estalla emocionalmente, presa de ira y celos.

  La película constituye un homenaje al teatro y al cine, por su argumento y por los numerosos detalles que al mismo dedica Mankiewicz: referencias, indicaciones, alusiones, etc. . La decoración y el vestuario evocan el teatro.

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Y uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante toda su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvon el premio en cuatro ocasiones:en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros directores fue muy fructífea. Estas fueron sus cuatro pelìculas ganadoras del Oscar: "La banda de Alexander" ("Alexander’s Ragtime Band"-1938), "Tin Pan Alley"-1940, "La canción de Bernardette" ("The Song of Bernardette"-1943) y "Llámame Señora" ("Call Me Madam"-1953).

  Y aqui aportando una partitura de 23 cortes originales, de melodias intimístas y una fanfarria dedicada al teatro. La fiesta de cumpleaños incorpora piezas melancólicas, reflejo del estado de ánimo de Margo. Añade dos composiciones ajenas: "Sueño de amor" 1 y 2 de Listz y "Beau Soir", de Debussy.

  De la fotografía en blanco y negro se hizo cargo Milton Krasher. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en 1930 y en 1950 fue contratado por la 20th Century Fox donde estuvo practicamente hasta su retirada en 1976. Entre sus casi 100 trabajos para el cine solamente ganó un Oscar y fue con "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954), una de las primeras películas rodadas en Cinemascope.

  Y aquí ofreciéndonos una narración realista, equilibrada y clasicísta, de magnífica composición y excelente dibujo, ajena a los modos expresionístas. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan, San Francisco y Connectuicut, y en los platós de la 20th Century Fox en Los Angeles.

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por una soberbia Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes"-1941) metida en el cuerpo de Margo Channing. Y seguida muy de cerca por la bellísima Anne Baxter, "Yo confieso" ("I Confess"-1953), como Eva Harrington; George Sanders, "Rebeca" ("Rebecca"-1940), como Addison DeWitt; Celeste Holm, "Alta sociedad" ("High Society"-1956), como Karen Richards; Gary Merrill, "Al borde del peligro" ("Where the Sidewalk Ends"-1950), como Bill Simpson; Thelma Ritter, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962), como Birdie Coonan. Y atención aunque en un breve papel a una jovencísima Marilyn Monroe, "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y aqui como Miss Casswell...

  En definitiva: Una obra maestra sobre el mundo del teatro de Broadway. Y una de las mejores películas de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Eva al desnudo"  logró 6 Oscar en 1950: Película, Director, Actor secundario (George Sanders), Guión (Joseph L. Mankiewicz), Sonido (Thomas T. Moulton) y vestuario en blanco y negro (Edith Head y Charles Le Maire).

02/06/2020 08:22 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

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                          Angela / George

  George: Te amo, Te he amado desde el primer momento en que te vi. Incluso creo que te amaba antes de verte.

  Angela: Y me  preguntabas porque te había invitado esta noche. Te diré porqué. Yo también te amo y me asusta, pero es maravilloso.

  George: Maravilloso estando juntos, poder abrazarte, mirarte, estrecharte contra mi. Pero que sucederá la próxima semana, durante el verano. Te amaré muchísimo más y te irás.

  Magnífica película (aunque le falta un pelín para obra maestra) de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en la novela "Una tragedia humana" de Theodore Dreiser. Un novelísta nacido en Indiana. A los 15 años se trasladó a Chicago y asistió durante un año a la Universidad de Indiana, y más tarde comenzó a trabajar como reportero del Chicago Daily Globe. Su primera novela fue "Sister Carrie" ("Nuestra hermana Carrie"). Sus últimas novelas "El baluarte"-1946 y "El estoico"-1947, aparecieron postumamente ya que falleció en 1945.

  El guión fue escrito por Michael Wilson. Un guionista nacido en Oklahoma. Se graduó en la Universidad de Berkeley y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones. Fue incluido en la lista negra del cine de Hollywood por ser comunísta, por lo que tuvo que emigrar a Europa hasta 1950 que volvió de nuevo a Estados Unidos. Fue nominado en varias ocasiones al Oscar, ganándolo en 1957 por "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"). Con Wilson colaboró en el guión Harry Brown. Un novelista nacido en Portland. Su primer trabajo fue con el documental "The True Glory"-1945, dirigido por Carol Reed y ese mismo año escribió "Un paseo bajo el sol" ("A Walk in the Sun"-1945) protagonizada por Dana Anrews. Su última novela llevada al cine (con un guión de Leigh Brackett) fue "El Dorado"-1966, interpretada por John Wayne y Robert Mitchum bajo la direción de Howard Hawks.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un director nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director de las cuales lo ganó en dos ocasiones, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoría de mejor película.

  Cada una de las películas de Stevens llevan su sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953), un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños ganaderos contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de los actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones.

  Es posible que George Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio: fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir  cortos de comedia a principio de los años treinta.

  Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Tarkington sobre las pretensiones sociales. Más adelante, Stevens demostró lo que podría hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936), dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide  de su fama. Luego realizó "Olivia" ("Quality Street"-1937), "Señorita en desgracia" ("A Damsel in Distress"-1937) y "Ardid femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la Segunda Guerra Mundial, George Stevens se unió al Cuerpo de Comunicaciones del Ejército de Estados Unidos, y firmó dramáticas escenas de guerra, como la liberación del campo de concentración de  Dachau. 

  Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift. Después realizó con James Dean "Gigante" "Giant"-1956) que le proporcionó el Oscar al mejor director. Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos, le impidieron hacer más películas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  La acción nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novísima autopista que enlaza la ciudad con las vias que llevan al Medio Oeste, una localidad indeterminada del Medio Oeste, Kansas City y Warsaw City y alrededores, entre marzo y septiembre de 1950 o 1951. Alli nos encontramos a un joven solitario, de familia humilde llamado George Eastman. Este abandonó la casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres trabajadores asalariados de la Bethel Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago y comenzó a trabajar como subalterno en un hotel, para después dirigirse al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le dé un buen trabajo. George es  ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Conoce a Alice Tripp y comienza una relación con ella, Alice es compañera de trabajo, y también conoce a Angela Wickers de 18 años esta es de familia adinerada...

  La película pues, suma romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que focaliza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentimientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos. Reclama a los actores y actrices que presten gran atención a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonístas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase trabajadora, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo a otro es practicamente imposible. Quienes lo intenten corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras evocan y se añaden representaciones explícitas de la misma, con el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo. Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores.

  Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha producido el cine. Junto a "Raices profundas" (Shane"-1953) y "Gigante" ("Giant"-1956) conforman los que algunos han venido a llamar la "triología de la familia" de George Stevens.

  La película habla de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la soledad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc. Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad. Condena la pena de muerte.

  La banda sonora estuvo dirigida por Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (pero nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es mundialmente conocido principalmente por sus trabajos para el género musical. Fue el compositor de peliculas muy emblemáticas tales como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959 y "La canción de Theresienstadt" durante la Segunda Guerra Mundial. Waxman también fundó el Festival de Música de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos, como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui ofreciéndonos una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa" de Livigstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Misouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con Geroge Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place inthe Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of nne Frank"-1959) donde lograría sendo Oscar y con William Wellman en "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, incluido "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y varios musicales de la MGM.

  Y aqui componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros constrastados, sombras densas y encuadres desquilibrados. Constrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean a Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake (California). Y los interiores en los platós de los estudios Paramout Picture (Hollywood).

  Sobresaliente el trio protagonista: Montgomery Clift, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity""-1953), como George Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" "Butterfield 8"-1960), como Angela Vickers; y Shelley Winters, "La noche del cazador" (The Night of the Hunter"-1955), como Alice Tripp.

  Y con ellos: Anne Revere, "La barrera invisible" ("Gentleman’s Agreement"-1947), como Hannah Eastman; Keefe Braselle, "Venga tu sonrisa" ("Bring  Your Smile Along"-1955), como Earl Eastman. Y atención a Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954), aunque la mayoría le conocerán por ser el protagonísta de la famosa serie de televisión, "Ironside"-1967, y aqui en el papel del fiscal Frank Marlowe.

  En definitiva: Todo un clásico con mayúsculas. Y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Sobresaliente.

  "Un lugar en el sol" logró 6 Oscar en 1951: Director, Guión (Michael Wilson y Harry Brown), Banda sonora (Frank Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Melllor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeck).

  Como curiosidad: la película fue estrenada en plena histeria de la "caza de brujas" y los nombres de la actriz Anne Revere y del guionista Michael Wilson fueron añadidos a la lista negra.

10/06/2020 17:23 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.

¡Viva Zapata! - 1952

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  Porfirio Diaz: "Mis niños... tengan paciencia."

  Emiliano Zapata: "Nosotros no comemos tortilla de paciencia, si no de maiz".

  Muy buena película de género dramático-biográfico (revolución mexicana) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Edgcumb Pichon. Con un sólido guión de John Steinbeck. Un escritor nacido en California. Se graduó en la Escuela Secundaria de Salinas en 1919 y estudió literatura en la Universidad de Stanford. En 1929 escribió su primera novela "La copa de Oro", una historia de ficción histórica basada en la vida del pirata Henry Morgan. En 1939 escribió "Las uvas de la ira", considerada su obra maestra. La novela la adaptó John Ford para una película protagonizada por Henry Fonda "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) ganadora de dos Oscar. En 1952 publicó "Al este del Edén" que lo llevó al cine Elia Kazan, "Al este del Eden" ("Esat of Eden"-1955), con James Dean y con un Oscar a la mejor actriz secundaria. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1962 por su "escritura realísta e imaginativa, combinando el humor simpático y la aguda percepción social".

  "¡Viva Zapata!" está dirigida por Elia Kazan. Un cineasta nacido en Estambul (Turquia), nacionalizado estadounidense.

  En la posguerra, el teatro de Broadway, con sus representaciones pioneras de la vida psicosexual, ejerció una profunda influencia en el cine de Hollywood, de lo que buena pparte se debe a Elia Kazan. Su adaptación de la obra teatral de Tennessee Williams "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) inaguró la tradición de dramas adultos a pequeña escala, en blanco y negro, que también sirvieron a la industria en su era de recesión económica posterior a la guerra.

  Durante el resto de la década, explotó con gran éxito de critica este género. "Un rostro en la multitud" ("A Face in the Crowd"-1957) aborda un tema muy respetado en Estados Unidos: el populísmo sureño, basado en el culto de la personalidad del statu quo blanco, anglosajón y protestante del Este. "Baby Doll"-1956 combina una mirada cínica y cómica sobre la mojigatería sexual con las estilizaciones neorrealístas propias del realísmo europeo.

  "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass"-1961) recrea eficazmente para el cine las intensas meditaciones del dramaturgo William Inge sobre los problemas sexuales del Medio Oeste, y en concreto los efectos paralizantes sobere las mujeres del denominado "doble estandar". La película anticipó casi una década el inicio de la tradición del cine artístico estadounidense durante el renacimiento de Hollywood y la creación de un tipo diferente de películas para mujeres.

  Convocado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, Elia Kazan delató a otros comunistas de la industria cinematográfica, una indicación que Hollywood nunca le perdonó del todo.

  Elia Kazan tiene otras películas que excavan en la vista del realísmo social europeo y el teatro artístico: "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets"-1950), en el que un personaje blanco hace de negro, "¡Viva Zapata!"-1952, "Al este del Eden" ("East of Eden"-1955) y "Rio salvaje" ("Wild River"-1960), que trata el inevitable descontento ante el progreso social y el cambio generacional. Incluso los proyectos más convencionales de Kazan manifiestan una maestria y una sofisticación intelectual que los hace superar el mero entretenimiento.

  Asi pues, Kazan nos lleva hasta el Sur de Méjico, entre 1909 y 1919. Y nos relata la historia de Emiliano Zapata, lider del movimiento campesino que reclama las tierras propias ocupadas por los terratenientes. Ante el fracaso de las gestiones pacíficas, se erige en uno de los cabecillas de la insugerencia ante el presidente Porfirio Diaz, despótico y tiránico. En marzo de 1911 se incorpora con los suyos a las fuerzas maderístas, que junto con las de Pancho Villa provocan la caida de Diaz. El nuevo presidente Francisco Madero, es asesinado (1913) por el general Victoriano Huertas que se proclama presidente. El desarrollo de la guerra lleva a Huertas al exilio (1914) y Venustiano Carranza, jefe de una facción revolucionaria, ocupa la presidencia, desde la derrota a Villa (1915) y busca la muerte de Zapata...

  La película exalta la figura de Emiliano Zapata, honesto, leal y sincero, que lucha por los suyos, sin querer nada a cambio. El propósito de Zapata de obtener la devolución a los campesinos de las tierras que les fueron arrebatadas fracasa ante Porfirio Diaz, Madero y Huertas, por lo que se ve obligado a mantener la lucha.

  La película muestra la revolución de Zapata como una lucha por la libertad de trabajar las propias tierras y la paz de vivir sin riesgos de perder la vida a manos de sicarios de los poderosos. La figura del héroe sobresale por su valentia y su amor por Josefa, su esposa con la que comparte momentos de gloria y de penuria.

  La banda sonora corrió a cargo de Alex North. Un compositor nacido en Chester (Estados Unidos). Estudió en la Julliard School of Music de Nueva York siguiendo sus estudios en Rusia. A su vuelta a Estados Unidos compuso música teatral para varios autores, entre los que se encontraban Elia Kazan, que le daría la oportunidad de hacer su estreno en el cine.

  Compuso una gran partitura para la película "2001: Una odisea del espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968), pero la descartó para luego incluir música clásica de Richard y Johan Straus, y otros. Coincidiendo con el 25 aniversario de la película, salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith, dirigiendo a la National Philarmonic Orchestra de Londres.

  Fue candidato al Oscar en 14 ocasiones, pero no se le concedió ninguno. sin embargo, en la entrega de los Oscar de 1985, se le concedió un Oscar honorífico en reconocimiento a sus desatacadas bandas sonoras.

  También fue creador de la música de una de las series más famosas de la televisión: "Hombre rico, hombre pobre" ("Rich Man, Poor Man"-1976) y de la canción "Unchained melody", bastante recordada y utilizada como fue en la película "Ghost"-1990.

  Yen este relato de un lider revolucionario, noble y generoso aportando una partitura de profundo dramatísmo que incluye canciones populares, como "Valentina", "Las mañanitas" y otras.

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Joseph MacDonald. Un director de fotografía nacido en Méjico. Sus comienzos fueron como asistente de camarográfo a principio de 1920 y en 1940 se convirtió en director fotográfico comenzando en la 20th Century Fox. Por lo general fue el primer director nacido en Méjico y el segundo en filmar una película en Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marry a Millonaire"-1953), el primero fue Leon Shamroy con "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953).

  Yen esta gran aventura reflexiva desarrollando una narración de singular belleza, con primeros planos psicológicos, sombras expresionístas, preferencia por los claroscuros y movimientos de gran precisión.

  Magistral la interpretación de Marlon Brando, "La ley del silencio" ("On the Waterfront"-1954) metido en el cuerpo de Emiliano Zapata. Y  extraordinario como siempre Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), como Eufemio Zapata, hermano de Emiliano. Y entre los dos la excelente y bellísima Jean Peters, "Niágara"-1953,como Josefa la esposa de Emiliano.

  Y muy destacables también Joseph Wiseman, "En nombre de la ley" ("Lawman"-1971), como Fernando Aguirre, un personaje al que siempre acompaña la muerte; Arnold Moss, "El reinado del terror" ("Reign of Terror"-1949), como don Nacio; Alan Reed, "Desayuno con diamantes" (Breakfas at Tiffany’s"-1961, como Pancho Villa; Frank Silveira, "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955), como Victoriano Huerta...

  Resumiendo: Una película con interpretaciones soberbias, sobresaliente fotografía, un guión que es de acero puro, magistral banda sonora y una inmejorable dirección.  Matrícula de Honor.

  "¡Viva Zapata!" obtuvo cinco nominaciones y Anthony Quinn logró el Oscar al mejor actor de reparto.

  A modo histórico Emiliano Zapata Salazar (Emiliano Zapata) nació en Annecuilco, Morelos (México) el 8 de agosto de 1875 y murió asesinado en Chinameca, Morelos (México) el 10 de abril de 1919.

18/06/2020 08:43 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Traidor en el infierno (Stalagat 17 - 1953)

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  "Si os vuelvo a ver, finjamos que nunca nos hemos conocido."

  Entretenida película de género bélico-carcelario y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Donald Bevan y Edmund Trzcinski. El primero un dramaturgo nacido en Massachusetts. También fue caricatulísta en el famoso restaurante neoyorquino Sardi durante más de 20 años, y redactor en el New York Times de Nueva York. El segundo otro damaturgo nacido en Nueva York. Fue miembro de la 8ª Fuerza Aérea, su avión fue derribado cuando sobrevolaba territorio alemán y fue enviado al campo de prisioneros Luft Stalag 17 B. Fue cuando al acabar la guerra escribió junto a Bevan sus peripecias ocurridas en este campo de prisuoneros. (Los dos tuvieron un pequeño papel en esta película).

  Del guión se hicieron cargo Edwin Blum. Un guionísta nacido en Atlantic City (Estados Unidos), aunque se crió en San Francisco. En 1933 se mudó a Los Angeles con la esperanza de hacer su carrera de guionísta en Hollywood. Inicialmente fue empleado como escritor anónimo y asistente de Ernest Pascal. En 1938 fue contratado por la 20th Century Fox y más tarde por Columbia, MGM y Paramount Pictures. Su primer trabajo como guionísta fue en la película "Las nuevas aventuras de Tarzán" ("The New Aventures of Tarzan"-1935) y su último trabajo en el cine fue con "Pisa a fondo" ("Gung Ho"-1986) dirigida por Ron Howard.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Uno de los mejores directores y guionístas que jamás haya tenido Hollywood, resumió en cierta ocasión en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hibiera gustado ver". Wilder se encuentra en algunas de las imágenes y las frases mas memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos transvestidos en "Con faldas y a lo loco ("Some Like It Hot"-1959) o el convincente retrato de Fred McMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939).

  Billy Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eléctricos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus películas se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda pparecer extraño en un director tan asociado con las comedias, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias si huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria- Hungria que más tarde se anexionaría Polonia, Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wilder descubrió su interes por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris donde debutó como director en "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934).

  Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine alli, convirtiéndose en un notable guionísta de películas. Quiza debido a que el inglés no era su lengua materna a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clásicas entre ellas, "Ninotcka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941).

  Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett. La colaboración con el escritor de novela negra Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar su primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Idemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración de voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intimos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir titulos de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera J. A. L. Diamond "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Diamond y Wilder colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. Asi como en las comedias sublimes "Con faldas y a lo loco" (Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte del reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impidió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti!"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  La acción pues, tiene lugar en el campo de concentración Stalag 17, situado en Alemania, cerca del Danubio, durante los dias 24-26 de diciembre de 1944. El narrador es Clarence Harvey Cook, ayudante de Sefton. El lider del barracón es Hoftman, el jefe de información es Price, el bufón es Harry Shapiro, el ganso es Stanilas "Chimpancé" Kasava, el mudo es Joey. El sargento nazi se llama Schulz y el coronel es von Scherbach...

  La película suma los géneros de comedia, drama, suspense y guerra. Deriva hacia la comedia negra y transforma en farsa la situación de los prisioneros retenidos por los nazis. El campo está destinado a sargentos, reúne a unos 600 prisioneros de guerra, que distribuye en 8 barracones de 75 personas cada uno. Explica las condiciones de vida de los prisioneros: comida horrible, duchas en letrinas, trato cruel y caprichoso. El suspense se apoya en la identificaxión del espia nazi infiltrado. La acción corresponde a la Segunda Guerra Mundial. Wilder establece un correcto equilibrio entre el drama y comedia, tensión y humor, desgracia e hilaridad. Desvela que la guerra es una fuente rica de humor negro, que será utilizada en películas posteriores como por ejemplo: "M.A.S.H."-1970 de Robert Altman.

  La obra es para mi, una de las grandes películas sobre prisioneros de guerra de la Segunda Guerra Mundial "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957), "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). El humor de Wilder no anula ni rebaja el vigor del drama, realiza su fuerza lacerante. No se mofa del dolor, enseña a sobrellevarlo (en Auschwitz perdió parte de su familia). No renuncia a la memoria, desea potenciarla.

  La película lleva la huella del realizador: cita melómanas (Wagner), actores de cine (Clark Gable), cinéfilas "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940), "Lo que el viemto se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), "Infierno en las nubes" ("Flying Leathernecks"-1951), coches singulares (vehículo del CICR), trenes y estaciones (Frankfort).

  Basa la comicidad en personajes arquetipicos (el cinico, el bufón, el cartero...), artilugios curiosos (destiladora), el ingenio personal que burla controles (antena de radio), extrañas maneras de encender una cerilla (barba, gabán). Añade planos de humor visual (gestualidad de "chimpancé). Se burla del autoritarísmo, la crueldad, las órdrnes caprichosas, la vanidad, la mentira y las simulaciones).

  La banda sonora corrió a cargo de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es internacionalmente conocido por sus trabajos para el género musical, y con películas tan emblemáticas como por ejemplo: "La novia de Frankestein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" (Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959. Waxman  también fundó el Festival de Musica de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aquí ofrecéndo una brillante partitura original que complementa con variaciones sobre el tema "Wen Johnny Cames Marching Home Again".

  La fotograia en blanco y negro la dirigió Ernest Laszló. Un director de fotografía nacido en Hungria (pero como todos nacionalizado estadounidense). Durante toda su carrera dirigió más de 60 películas, y muy conocido por sus frecuentes colaboraciones con los directores Robert Aldrich y Stanley Kramer. Fue miembro de la Sociedad Estadounidense de Cinematigráfos, y presidente de 1972 a 1974. También fue miembro activo de la Alianza Internacional de Empleados de Teatro. Emigró a Estados Unidos y comenzó como camarógrafo en películas mudas como "Alas" ("Wings"-1927) y en 1947 lo hizo como director de fotografía. Logró un Oscar por su pelìcula "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965) de Stanley Kramer.

  Y aqui, haciendo uso de un sugestivo blanco y negro, sirviéndose de un trabajo de cámara sobrio y eficaz, presentando encuadres inquietantes (rostro de Joey, fango) y ofreciéndo con deleite imágenes de humor visual (botas del coronel).

  Muy bien William  Holden, "Grupo salvaje" ("The Wild Bounch"-1969), bordando el papel de Sefton. Y seguido por Don Taylor, "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), como Dunbar; Gil Strafton, "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956), como Cooky; Richard Erdman, "Objetivo: Birmania" ("Objetive: Burma!"-1945), como Hoffman; Peter Graves, "Aterriza como puedas" ("Airplane!"-1980), como Price; Harvey Lembeck, "Escándalo en la playa" ("Beach Party"-1963), como Harry Shapiro; Robert Strauss, "La tentación vive arriba" (The Seven Year Itch"-1955), como Kasava. Y atención a Otto Preminger, exactamente el director de grandes obras maestras como por ejemplo "Laura"-1994, y aqui metido en las botas del coronel von Scherbach.

  En definitiva: No es de lo mejor del gran Wilder pero de seguro pasareis un buen rato viéndola. Notable.

  William Holden logró el Oscar al Mejor actor, y la película obtuvo dos nominaciones más: Director y Actor secundario (Robert Strauss). Fue el año de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953)


 

 


24/06/2020 16:21 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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