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Julio 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Julio de 2020.

La strada - 1954

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  "Creo que he realizado esta película porque me he enamorado de esa niña-viejita un poco loca y un poco santa, de ese payaso despreñado, ridiculo y tierno que he llamado Gelsomina y que aún hoy, consigue llenarme de melancolía cuando oigo el sonido de su trompeta". (Federico Fellini).

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género dramático con un guión de Tullio Pinelli. Un guionísta nacido en Turin (Italia). Trabajó inicialmente como abogado mientras escribia teatro, su obra "Los padres etruscos" le valió un contrato para el cine que cambió su vida. Trabajó con Fellini y Rossellini en "El amor de 1948", adaptación de "La voz humana" de Jean Cocteau, película donde añadió "El milagro", donde inicialmente el mismo Fellini actuaba cono San José. En 1949 adaptó "El molino del Po" de Alberto Lattuada y "La Estepa" basada en una obra de Antón Chejov.

  Pinelli supo captar y trasladar al guión las ideas de Fellini. Trabajó en ocho películas con Pietro Germi entre 1951 y 1972, con Mario Monicelli y con Vittorio de Sica en "El jardin de los Finzi Contini"-1971.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini (Italia). La valoración de Fellini ha fluctuado con el paso del tiempo reconocido mundialmente en los años sesenta como uno de los grandes maestros, su obra ha sido acusada recientemente de ser demasiado sentimental e inusual, poco eficaz, carente de orientación politica y excesivamente preciosísta desde el punto de vista visual.

  Aquellas cualidades de sus películas que en determinado momento parecieron audaces y novedosas (la celebración de los inadaptados y los parias, el paso del realísmo a la fantasia y viceversa y la presentación de la decadencia y de la criminalidad sin condenarlas) tienden a verse hoy ensombrecidas por aquellas que, en otro tiempo parecian más tranquilizadoras y tradicionales: el compromiso con la  narrativa y la caracterización, la transmisión de las emociones, el optimísmo subyacente y el amor por el mundo del espectáculo y el artificio.

  Fellini accedió a la industria del cine a principio de los cuarenta como guionísta y actor ocasional. Sus primeras películas como director mostraban ya sus preocupaciones, pero lo que hoy se denomina estilo Fellini se fue perfeccionando a lo largo de tres obras maestras consecutivas, "La strada"-1954, "Almas sin conciencia" (Il bidone"-1955 y "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria"-1957), quizá su mejor película. En las tres participó su esposa la actriz Giulietta Masina.

  Estas películas, extrañas pero totalmente accesibles son visualmente imaginativas y poseen una rica textura, combinando la excentridad inquebrantable con una atractiva simplicidad y una generosidad de espiritu. Los argumentos de las tres películas son deptimentes. La primera presenta el personaje interpretado por Masina como una muchacha ingenua a la que su madre vende a un forzudo protagonizado por Anthony Quinn, él la maltrata y la rechaza, y sólo descubre su verdadero valor cuando ella muere. La segunda es la historia picaresca de una banda de estafadores itinerantes, disfrazados de sacerdotes, que roban a los pobres. En ella Masina hizo un papel secundario poco lucido de ama de casa, pero en la tercera protaginizó a una ingenua prostituta, cuyos sueños de amor y de felicidad se enfrentan sin cesar a la tristeza y a la mala suerte.

  El estilo propio de Fellini eleva estas películas por encima del realísmo, casi hasta el rango de cuento de hadas, con brillos exteriores, una composición estilizada, un reparto de actores secundarios rico y a veces grotesco, partituras fascinantes y distintivas compuestas por Nino Rota y las increibles interpretaciones de Masina. Su climax dramáticos transcienden su pesimismo inmediato para convertirse en experiencias profundamente conmovedoras para el espectador, catárticas más epifanias que tragedias.

  "La dolce vita"-1960, que confirmó y consolidó el prestigio internacional de Fellini, es brillante, elegante y sigue siendo relevante por sus excepticos valores frente a una sociedad que se aleja de sus valores más esenciales. Su rasgo más característico sigue siendo su postura de objetividad total, como el enorme Cristo que vuela por encima de Roma. Pero se detecta una fuerte confianza en si mismo, nueva en este director, una especie de taquigrafía metodológica que parece sugerir que Fellini sabia ya que se había consolidado y que podría permitirse asumir el papel de maestro, ostentoso y menos riguroso. Con "8 1/2"-1963 volvió la vista hacia dentro; a pesar de su habitual maestria de estilo, parece mostrar su atisbo de autoindulgencia, un intento de convertir el bloqueo de un director en una crisis existencial.

  Se podria decir que el fuerte sentimiento que tenia Fellini de si mismo como autor acabó apoderándose de él después de 1963: "Satiricón"-1969 y "Casanova de Fellini"-1976 parecen un momumento a su orgullo desmedido. Sus películas posteriores son todas dignas de verse, pero solo "Amarcord"-1973 es realmente imprescindible. Fellini no temia que le tacharan de iluso, pero nunca consiguió superar el nivel de las tres películas realizadas antes que "La dolce vita".

  Asi pues, el maestro italiano nos lleva a un lugar de Italia en los primeros años de la posguerra, y nos cuenta la historia de una muchacha, llamada Gelsomina, que es vendida por su madre a un forzudo actor de circo, llamado Zampanó, el cual la trata con rudeza, agresiones verbales y abusos. Ella lo soporta todo con resignación, mientras huye de la realidad a través de sus sueños. En un circo coinciden con un funambulísta, alegre, jovial, excentrico, amable y respetuoso, que entabla amistad con Gelsomina y provoca los celos de Zampanó...

  La película se centra en la descripción de dos personajes contrapuestos, unidos por el azar, que viven en un carromato montado sobre una vieja motocicleta.

  El se gana la vida haciendo un número ciecense de fuerza: es presuntuoso, agresivo, irascible y brabucón. Ella, mucho mas joven, es sencilla, inocente, ingenua, generosa y pacífica, pese a que su vida está marcada por la violencia. Cuando nace en ellos un atisbo de amor, este no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad de marginación, desarriego y miseria, que se enmarca en la insolización de la pobreza de Italia tras la Segunda Guerra Mundial.

  La tragedia de los protagonístas y de quienes le rodean, es marcada con un lirismo sorprendente y con toques de humor. La asociación de poesia y tragedia constituye el rasgo más sobresaliente de la pelìcula. La playa es el lugar de encuentro, recreo, refugio y despedida, en el que los personajes buscan ayuda, reposo, trabajo y amor.

  La banda sonora fue creada por Nino Rota. Un compositor nacido en Milán. Estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari, del que llegaría a ser director. Ganó una beca para estudiar en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Ricardo Muti. El estilo de Nino Rota, neorromántico, queda inscrito dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos. Entre sus bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El Padrino II"-1974 por la que logró el codiciado Oscar, puesto que fué nominado en numerosas ocasiones.

  Y aqui, creando una melodia central presentando una progresión sorprendente: Gelsomina la balbucea fragmentariamente al principio la completa gracias al funambulísta (que la interpreta con un violín de miniatura), la repite con la trompeta de Zampanó y al final suena en formato orquestal, de recuerdo y homenaje.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Otello Martelli. Un director de fotografía nacido en Roma. Asiduo colaborador de Roberto Rossellini, Federico Fellini y Vittorio De Sica entre otros. Aunque especialmente fue colaborador habitual de Fellini desde 1950 con películas como: "La strada"-1954 y "La dolce vita"-1960.

  Y aqui, extrayendo el rostro de Giulietta Masina con expresiones antológicas, en tomas tan expresivas como fugaces. Presenta además travellings que subrayan el sentimiento de estar siempre en camino hacia un destino incierto y sin fin.

  Soberbias las interpretaciones de la pareja protagonísta comenzando por Giulietta Masina, "Las noches de Cabiria" (Le notti di Cabiria"-1957), metida en el cuerpo de Gelsomina. Y Anthony Quinn, "Lawrence de Arabia"-1962, en el papel de Zampanó. Y con ellos otro grande del cine internacional Richard Basehart, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958), como el funambulísta.

  En definitiva: Una obra maestra del neorrealísmo italiano. Una película para revisar una y otra vez por todo lo que contiene. Una película Imprescindible.

  "La strada" logró el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa.

 

 

   


01/07/2020 09:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Conspiración de silencio (Bad Day at Black Rock - 1955)

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  "Un mal dia lo tiene cualquiera"...

  Obra maestra de género de intriga - racismo y de nacionalidad estadounidense, baada en un  relato corto "Bad Day  at Hondo" de Howard Brestim. Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Regis Hign School en 1932 y comenzó a trabajar como escritor para programas de radio. En 1946 escribió esta novela que más tarde fué llevada al cine con todos los honores. Otra de sus novelas también llevada a la pantalla grande fue "Plactinum High School"-1960 protagonizada por Mickey Rooney.

  Del guión se hizo cargo Millard Kaufman. Un guionísta y también novelísta nacido en Baltilmore. Se graduó en la Batilmore City College y finalmente en la Universidad Johns Hopkins. Se alistó en la Infanteria de Marina en 1942 sirviendo en Guadalcanal. En 1949 escribió el guión para el cortometraje "Regtime Bear", que fue la primera aparición del famoso pesonaje Mr. Magoo. Fue nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en 1955 con "Hombres de Infanteria" ("Take the High Ground!".

  "Conspiración de silencio" está dirigida por John Sturges. Un cineasta nacido en Illinois. Comenzó su carrera en el taller de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. Estando de servicio en el Cuerpo del Ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documantales, y tras volver a Hollywood realizó una película, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946). Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción y dramas como se dió el caso de su obra maestra "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955) donde demostró lo que podia hacer con un buen guión y una buena estrella Spencer Tracy.

  Siguieron y con enorme éxito "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, donde reveló su talento para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialistas en este género de Hollywood.

  Su carrera siguió con dos exclentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El últino tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el wester épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores. Basándose en "Los siete samurais ("Seven Samurai"-1954), de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México.

  Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) drama que transcurre en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas.

  En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Watt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood fueron decepcionantes.

  La acción pues, tiene lugar en un dia de 1945, acabada la Segunda Guerra Mundial y nos narra la historia de un veterano militar llamado John J. Maccreedy, un ciudadano de Los Angeles que se desplaza al pueblo de Black Rock para hablar con un granjero japonés-estadounidense, llamado Kamoko, a quien quiere comunicar que su propio hijo falleció tratando de salvarle la vida en Italia durante la contienda. Pero lo que Maccredy desconoce, aunque tendrá la oportunidad de ir descubriendo todo sobre la marcha, es que dicho hombre fue asesinado a causa de los prejuicios que el bombardeo de Pearl Harbor despertó entre los lugareños, practicamente en uno de ellos: Reno Smith que además fue rechazado en la oficina de reclutamiento del ejército de Estados Unidos, cuando quiso alistarse para combatir contra los japoneses...

  Extraordinaria película. Si señor. Y en donde Sturges nos muestra como las actitudes racistas y xenófabas pueden desencadenar tragedias personales y colectivas, injustas y rigurosamente punibles. Los prejuicios y la intolerancia que los informan no tieen sentido, carecen de justificación, se alimentan de odio y engendran odio, inseguridad y angustia.

  Se muestra una comunidad en la que el imperio de la ley ha sido desplazado por grupos de granujas a las órdenes del tal Reno, un desalmado que mantiene a los convencinos sometidos a su capricho y aislados del exterior. Pero la presencia de ese forastero desestabiliza el precario equilibrio de dominación y sometimiento que rige al amparo del miedo. Su lucidez, astucia, valentia y su rechazo del miedo, ponen en evidencia la debilidad del impostor.

  La banda sonora fue dirigida por Andre Previn. Un  compositor nacido en Berlin (Alemania). En 1938 su familia emigró a Estados Unidos huyendo del régimen nazi y en 1943 consiguió la nacionalidad estadounidense. En 1948 comenzó su carrera estableciéndose en Los Angeles y durante bastante tiempo trabajó en el departamento musical de la MGM, dirigido por Arthur Freed. A finales de 1950 grabó discos como pianista de jazz colaborando con Shelly Mcnne y Benny Carter.

  En 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres. Su carrera en Hollywood se concentró en la composición de numerosas películas musicales. Fue nominado al Oscar en numerosas ocasiones, lográndolo en cuatro de ellas por "Gigi"-1958, "Porgy & Bess"-1959, "Irma la dulce"-1963 y "My Fair Lady"-1964.

  Y en este maldito dia en un pueblo americano, mostrándo una música que suena con fuerza y solemnidad, interpretada por una orquesta de viento y percursión.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por William C. Mellor. un director de fotografía nacido en Missouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con George Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959), donde logró sendos Oscar y con William Wellman en  "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, como por ejemplo "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y en varios musicales de la MGM.

  Y en esta historia llena de prejuicios e intolerancias, haciendo uso de encuadres excelentes, escenas nocturnas iluminadas con sabiduria, un discreto recurso a la "noche americana", planos medios bien centrados en la pantalla Cinemascope y los travellings excepcionales de la  presentación del tren.

  Sensacional Spencer Tracy, "Lanza rota" ("Broken Lance"-1954) en el papel de John Macreedy. Y seguido por otro sensacional Robert Ryan, "La colina de los diablos de acero" ("Men in War"-1957), como Reno Smith.

  Y acompañandoles un elenco de grandes y magníficos actores tales como: Lee Marvin, "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), como Hector David; Ernest Borgnine, "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), como Coley Trimble; Dean Jagger, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), como Tim Horn; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959, como Doc Velie; John Erickson, Fuego verde" ("Green Fire"-1954), como Peter Wirth. Y por supuesto que no podría faltar una mujer y en este caso se trata de la bellísima Anne Francis, "Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle"-1955), y aqui dando vida a Liz Wirtz, la hermana de Peter. 

  Resumiendo: Una obra maestra de su género. Ua película dotada de grandes virtudes que convence y emociona. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

 "Conspiración de silencio" estuvo nominada al Oscar en tres apartados: Director, Actor (Spencer Tracy) y Guión.

  A modo de curiosidad: Ernest Borgnine que en  esta película tiene un papel secundario, ese mismo año logró el Oscar al mejor actor por su interpretación en "Marty".

06/07/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Atraco perfecto (The Killing - 1956 )

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  "Hay que asegurarse que la recompensa es digna de riesgo."

  Exreaordinaria película de género de acción y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Lionel White. Un novelista y periodísta nacido en Nueva York. Fue reportero de crimenes y comenzó a escribir novelas de suspense en 1950. Escribió más de 35 libros la mayoria traducidos a varios idiomas. Entre sus muchas novelas llevadas al cine caben de destacar además de "Atraco perfecto", "La trampa del dinero" ("The Money Trap"-1965) protagonizada por Glenn Ford y "La noche del dia siguiente" ("The Night of the Following Day""-1969) con Marlon Brando en el papel principal.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Stanley Kubrick. un cineasta nacido en Nueva York. De niño aprendió a jugar al ajedrez, un juego de estrategia, y cuando cumplió trece años recibió una cámara de regalo. Más adelante, su visión del mundo se fué enriqueciendo con la capacidad de reconocer las relaciones dinámicas entre la gente y de representar esas luchas a través de un objetivo.

  Produjo el documental "Flying Padre"-1951 y dirigió otros dos documentales, "Day of the Fight"-1951 y "The Seafarers"-1953, una película que costó a Kubrick su primer matrimonio. Luego realizó "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), después de las cuales el actor Kirk Douglas le invitó a dirigir "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), sobre la Pimera Guerra Mundial.

  La sociedad entre Douglas y Kubrick dió origen a "Espartaco" ("Spartacus"-1960), que se convirtió en un escaparate para el actor y el director, aunque el segundo no se mostró dispuesto a someterse a las presiones de las estrellas. En esta historia del mitico héroe romano, dirigió emocionantes escenas de lucha. Sin embargo las interferencias del estudio en la producción de la obra le enfurecieron tanto que abandonó Hollywood, tras su segundo matrimonio fallido. Después de trasladarse al Reino Unido, Kubrick pasó el resto de su vida en un relativo aislamiento y se volvió cada vez más misterioso y excéntrico.

  Su siguiente película "Lolita"-1962, era una adaptación de la novela de Vladimir Nabakob sobre la pedofilía, luego Kubrick respondió a las tensiones de la Guerra Fria con la comedia negra "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" ("Dr. Strangelove, of How I Leonard to Stop Worrying and Love the Bomb"-1964), que marcaba a la perfección el espíritu de la época y se convirtió en una referencia para el movimiento pacifísta. Su éxito le reportó tres nominaciones al Oscar al mejor guión, dirección y producción y le consolidó como uno de los grandes directores de su generación, un estatus confirmado con el viaje al futuro de "2001. Una odisea en el espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968).

  "La naranja mecánica" ("A Clokwork Orange"-1971), una adaptación de Anthony Borgess, sobre un rufián incorregible que empeora con la terapia que sigue, que y continúa siendo una película muy controvertida. Esta película sufrió la censura tanto por lo que representa de forma explicita (violaciones, violencia de grupo y crueldad abyecta) como lo que sugiere sobre la condición humana.

  La reputación de Kubrick como director riguroso, exigente y perfeccionista se confirmó con su comportamiento durante el rodaje de "Barry Lyndon"-1975, pelicula encargada como una superproducción de época. Esta obra, donde mostró su tendencia a ejercer un control total de todo el proceso artistico, le proporcionó otras tres nominaciones al Oscar y alimentó el mito de su fuerza creativa. Decir que "El resplandor" ("The Shining"-1980) es una película de terror es correcto pero incompleto. Esta adaptación de una novela de Stephen King es en realidad una reflexión sobre el estrellato de Jack Nicholson. Es una descripción de los efectos de aislamiento en la psique de un hombre con problemas  resulta inevitable ver una alegoria del propio director durante los últimos años.

  Kubrick se adentró en la guerra de Vietnam en "La chaqueta metálica" ("Full Metal Jacket"-1987), una expresión de la locura del Primer Mundo ejercida en el Tercer Mundo, y de unos hombres convertidos en autómatas a través del pensamiento grupal y del castigo fisico. La pelìcula consiguió otra nominación de la Academia al mejor guión, gustó tanto a la critica como al público. El último trabajo de Kubrick "Eyes Wide Shut"-1999), realizado poco antes de su muerte, es un viaje de descubrimiento: desvela un mundo de tensión sexual y moral a través de la aventura de un médico. El público la recibió con frialdad y la critica con dureza por el erotismo explicito.

  En conjunto, la obra de Kubrick suele ser reflexiva y dificil para el público, pero resulta al mismo tiempo brillante, ya que plantea con fuerza una serie de preguntas sobre la naturaleza humana y su deseo de conseguir un estatus.

  La acción pues, nos mete en la vida de un tal Johnny Clay que, tras pasar cinco años en prisión ha planeado el atraco perfecto y decide ejecutar su plan. Se trata de robar la recaudación de un hipódromo. Para ello recluta a un grupo que le ayude a llevar acabo el asaalto: Randy Kennan, un policia corrupto; Mike O’Reilly, que necesita el dinero para proporcionar un tratamiento a su mujer enferma; George Petty, un pusilánime que quiere darle a su ambiciosa e infiel esposa una vida mejor y Nikki Areane, un tirador que debe disparar a un caballo durante una de las carreras. Johnny  lidera la banda en el atraco, cuando la muerte del animal, abatido por Areane, genera una gran confusión en gradas y oficinas del hipódromo, Nikki también es alcanzado por los disparos del vigilante del aparcamiento, donde se había apostado para disparar al caballo... 

  La película suma crimen, drama, thriller y cine negro, y concibe como un homenaje a "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) de John Huston, película que impresionó fuertemente a Kubrick cuando la vió de joven. Hace pues, un estilo narrativo no lineal, que resulta innovador, consistente en explicar los hechos desde diversos puntos de vista de varios personajes. Para ello algunas escenas se repiten, como la salida de la carrera de caballos. El uso de este recurso hace que la trama parezca más compleja y dificil de lo que realmente es. Se incluye la voz de un narrador anónimo, que podría ser la conciencia de Johnny, y se recurre a flasbacks para explicar antecedentes.   

  El relato se podria decir que se divide en tres partes clássicas (planteamiento, nudo y desenlace). El guión está escrito con fluidez y contundencia, la historia es atractiva y la intriga resulta absorbente. Los diálogos se glosan en intervenciones breves, secas y cortantes. Incorpora los elementos propios del cine negro clásico: personajes cinicos, ambientes nocturnos, atmósfera opresiva, comportamientos perversos, mujer fatal, flashbacks, etc. El suspense se basa en un hábil manejo de la incertidumbre, conductas disruptivas, sorpresas, errores (confusión de caseta), manias (obsesión de Johnny por la puntualidad) y casualidades.

  La película propone una interesante reflexión sobre la importancia de la planificación y la fuerza superior del azar y la fatalidad en un mundo limitado, en el que la perfección y la ausencia de riesgos no existe.

  La banda sonora corrió a cargo de Gerald Fried. Un compositor nacido en Nueva York. Compuso musica para conocidas series de televisión de los años 60 y 70 como por ejemplo: "Mission imposible" y "Raices". Colaboró con Kubrick en varias de sus películas "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1953) y "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) entre otras. Fue nominado para cinco Premios Emmy, ganándolo en 1977 por el documental "Roots: One Year Later".

  Y en este atraco aportando una partitura original de música pegadiza e insistente, que crea sentimientos de temor, tensión y angustia.

  La fotografía en blanco y negro corresponde a Lucien Ballard. Un director de fotografía nacido en Oklahoma. Comenzó trabajando en películas para la Paramount en 1929 cargando camiones y se entrenaba para asistente de cámara, después comenzó a trabajar con Henry Hathaway en "Correo dipolmático" ("Dipolmatic Courier"-1952) y "El principe valiente" ("Prince Valiant"-1954). Su primera película como director de fotografia fue ese mismo año con "Fugitivos rebeldes" ("The Raid"-1954) protagonizada por Van Heflin y dirigida por Hugo Fregonese, su última película fue "Un tio muy especial" ("Rabbit Test"-1978) con Billy Crystal como protagonísta y Joan Rivers de director.

  Y en este interesante atraco "casi perfecto" ofreciéndo un atractivo recital de sombras, luces, contraluces y claroscuros, de inspiración expresionísta, propia del cine negro clásico. Ofrece encuadres inferiores, torcidos y oblicuos, que crean sensaciones de peligro y riesgo. Evita tanto como puede el juego de plano/contraplano, que substituye por travellings laterales y largos planos fijos, que aportan realismo. La narración, de ritmo intenso y enfebrecido, culmina en una escena final antológica, muy imitada en cine "Código del hampa" ("The Killers"-1964) de Don Siegel.

  Muy bien Sterling Hayden, "Johnny Guitar"-1954, metido en el personaje de Johnny Clay, un expresidiario que decide dar el último golpe de su vida y asi poder retirarse  junto con su amada Fay.

  Y seguido por Gleen  Gray, "Rio Rojo"-1948 como Fay; Ted de Corsia, "La dama de Shanghai" ("The Lady from Shanghi"-1948), como Randy Kennan; Joe Sawyer, "Gilda"-1946, como Mike O’Reilly; Elisha Cook Jr. "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), como George Peatty; Marie Windsor, "La soga de la horca" ("Cahill U. S. Marshall"-1973) como Sherry la esposa de George; Timothy Carey, "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) como Nikki Areane; Vince Edwards, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"-1968) como Val Cannon...

  En definitiva: Una muy buena película con un gran trabajo de un joven Kubrick (28 años), en fase de aprendizaje y progresión hacia una espléndida madurez.  Sobresaliente.

  "Atraco perfecto" estuvo nominada al BAFTA a la mejor película.

 

13/07/2020 16:16 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Los jueves milagro - 1957

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  "Luisito, no toques eso, transmite el tétanos, ya lo sabes..."

  "Luisito, alejate de ahí..."

  "Luisito,..."

  Espléndida e ingeniosa película de género de comedia y de nacionalidad española.

  El guión fue escrito por José Luis Colina. Un ptolífico guionísta y colaborador en varias películas de Luis Garcia Berlanga. Y de otros muchos éxitos del cine español de los años 50. Un hombre de gran talento y notable sentido del humor. Fue director de Televisión Española. Entre sus películas como guionísta tiene titulos muy emblemáticos tales como: "El piyayo"-1956 y "Plácido"-1961, entre otras muchas mas.

  El segundo y a vez director de la película fue Luis Garcia Berlanga. Un cineasta nacido en Valencia. Berlanga está unanimamente considerado como uno de los maestros del cine español. Nacido en 1921, atrajo la atención internacional con el estreno de su primer proyecto como director en solitario "Bienvenido, Mister Marshall"-1953. Esta película, una aproximación satírica a las costumbres de la España de Franco y también a los intentos del régimen por salir del aislamiento internacional, ganó el premio internacional y una mención especial en el Festival de Cannes, y fue nominada para el gran premio del mismo.

  Poco antes de rodar esta película, Berlanga había trabajado con otro director español importante, Juan Antonio Bardem, codirigiendo la comedia ligera "Esa pareja feliz"-1953. Aunque es posible que fuera de España se le siga conociendo sobre todo por "Bienvenido, Mister Marshall", Berlanga siempre hizo sus mejores películas a principio de los años sesenta, cuando forjó la sociedad creativa más importante de toda su carrera con el guionísta Rafael Azcona. Juntos colaboraron en "Plácido"-1961 y en "El verdugo"-1963, un par de películas de humor negro que atacaban la moral corrupta del Estado español.

  La segunda de ellos resultó demasiado problemática para las autoridades españolas, y durante los cuatro años siguientes a Berlanga le costó hacer despegar ninguno de sus proyectos. Una vez acabada la dictadura de Franco en 1975, el director pudo volver a trabajar con libertad. Realizó una serie de farsas satirizando a viejos personajes que se habían mantenido en el poder durante (e incluso después) la transsición a la democracia. Tras el estreno de "Paris Tombuctú"-1999, Berlanga anunció que se retiraba del mundo del cine, bajando asi el telón de una de las filmografías más únicas e infrovaloradas del cine europeo de posguerra.

  Asi pues, el gran Berlanga nos lleva hasta Fuentecilla, un pequeño pueblo aislado (el tren nunca para en la estación), con un antiguo balneario de aguas termales con propiedades curativas, reconocido en el pasado, pero caido actualmente en el olvido. Seis amigos, que componen las fuerzas vivas de la localidad, deciden representar un milagro para promocionar el turismo, la actividad económica en el lugar y sus propios intereses...

  Forman el grupo el alcalde (don Antonio), el maestro (don Salvador), el médico (don Manuel), el farmaceútico (don Evaristo), el propietario del balneario (don Ramón) y un propietario agrícola (don José).

  Muy buena película. Si señor. Y en donde suma comedia y cine fantástico. Berlanga nos presenta una jocosa sátira social de la España de mediados de los años 50. Se burla del papanatísmo y el borreguísmo que informan el fervor religioso de la gente sencilla, crédula y manipulada. Se burla de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y de su enorme capacidad de influencia.

  Se burla de la utilización de la religión como instrumento de poder. Se burla de la cultura tramposa, picara y oportunísta de las fuerzas vivas. Se burla del egoísmo y del drástico individualísmo de las mismas. Se burla de la estrechez de miras que las guia. no buscan la promoción de los intereses del pueblo, sino la satisfación de su codicia, su beneficio particular inmediato.

  Como parte de la sátira expone la pobreza intelectual de la lecciones que se imparten en la escuela, los contenidos absurdos de las mismas y la presencia reiterada del recurso a los castigos fisicos como incentivo docente. Pone de manifiesto la dificultad de comunicación entre personas y grupos sociales, de acuerdo con una de las costumbres del realizador. Su conocida misontropia explicaria la exclusión de la mujer en todo papel revelante y protagonísta.

  La primera etapa de la filmografía de Berlanga, a la que pertenece la película, se caracteriza por la influencia que causa de René Clair, Frank Capra y del nerrealísmo italiano. Es esta una de las comedias más logradas del director, pese a los problemas que tuvo con la censura y las interferencias que sufrió de organizaciones religiosas. La película está impregnada de ironía, ternura, critica aguda y humor negro. Aunque su estreno constituyó un fracaso de taquilla.

  La narración se desarrolla a un ritmo rápido y ágil. El relato, la historia de un fracaso, retiene la atención del espectador, le mantiene con la sonrisa en los labios y les lleva en varias ocasiones a la carcajada. Son escenas destacadas la representación de la primera aparición de San Dimas, la conversión de don José en un filántropo, las discusiones de los seis amigos por cuestiones de interés personal, el intento de conversión del agua en vino y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Franco Ferrara. Un compositor y director de orquesta nacido en Florencia. Después de obtener varios diplomas en piano, violín, órgano y composición musical en el Conservatorio de Bolonia, comenzó su carrera como violinísta en Bolonia, Roma y Florencia (1933-1940). Animado a asumir la dirección debutó en 1938 en Florencia comenzando una brillante carrera. En 1948, se retiró de la dirección en conciertos públicos debido a problemas de salud, pero siguió conduciendo para los registros y fue contratado como maestro en la Academia Nazionale de Santa Cecilia de Roma.

  También es muy conocido como director de música cinematográfica con películas como: "Hombre o demonio" ("Attila"-1954) protagonizada por Anthony Quinn y Sofia Loren, y "Anibal"-1959 con Victor Mature en el papel principal.

  Y aqui ofreciendo unas composiciones de aires populares, ecos de feria y tono sacártico y burlesco. El tema principal, de 10 notas, es pegadizo y sugestivo. Añade además fragmentos del "Gloria, del aria "Figaro" ("El barbero de Sevilla") de Rossini, y temas de pasacalles.

  La fotografía en blanco y negro es obra de Francisco Sempere. Un director de fotografía nacido en Madrid. Comenzó como ayudante de cámara de Fred Mandel en "Nuestra Natacha" -1936 de Benito Perojo y operador de cámara de José Aguayo durante buena parte de los años cuarenta. Su estreno como operador fue con "Hermano menor"-1952 de Domingo Vilademot y trabajaría habitualmente en esta década de los cincuenta con Nieve Conde (en todas sus películas, cinco, entre "Rebeldia"-1954 hasta "El inquilino"-1958. Con él volvió en "Más allá del deseo"-1976. Con Berlanga lo hizo en varias de sus películas (desde "Calabuch"-1956, hasta el episodio de "Las cuatro verdades"-1962). Con Marco Ferrari trabajó en dos de las tres películas que el italiano rodó en España, "El pisito"-1958 y "Los chicos"-1959. Francisco Regueiro, uno de los valores del Nuevo Cine Español requirió sus servicios para "Amador"-1965, y luego pondría su oficio en películas con José Maria Forqué, Pedro Lazaga y Rovira Beleta, con Luis Maria Delgado trabajó en su última película "Hierba salvaje"-1979.

  Y aqui, presentando notables planos secuencias, escenas corales que reúnen a muchos personajes y abundantes lances de humor visual. Los exteriores fueron rodados en el pueblo aragonés de Alhama de Aragón y los interiores en los platós de los Estudios Chamartin de Madrid.

  Extraordinario el elenco interpretativo a nivel internacional elegido aqui por el maestro Berlanga. Capitaneados por un inmenso (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de don José, seguido por un actor de fama universal me refiero a a Richard Basehart, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Martino; el italiano Paolo Stoppa, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como don Salvador; Juan Calvo, "Marcelino pan y vino"-1955 como don Antonio; Alberto Romea, "Historias de la radio"-1955 como don Ramón; Félix Fernández, "La verbena de la Paloma"-1963 como don Evaristo; Manuel de Juan, "La hija de Juan Simón"-1957 como don Manuel. Y en este "milagro del cine español" también andaban por allí a dos grandes de nuestro cine, aunque en breves papeles: Manuel Alexandre "Atraco a las tres"-1962 como Mauro y José Luis López Vázquez, "Mi querida señorita"-1972 como don Fidel. Y como anécdota en los titulos de crédito aparece un tal Luisito Varela, que no es ptro que Luis Varela de niño, y muy conocido haciendo de jefe en la exitosa serie de televisión "Camera café", y aqui como Luisito.

  En definitiva: Una pequeña joya del cine español. Una película muy recomendable de ver, con la que uno se divertirá y le hará de reflexionar.  Sobresaliente.

 

 

18/07/2020 08:02 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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