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Marzo 2018 | Bienvenido a Pablo Cine
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Uno de los nuestros (Goodfellas-1990)

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  "Que yo recuerde desde que tuve uso de razón quise ser gángster."

                                    (Henry Hill)

  Obra maestra de género dramático considerada como película de culto y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Nicholas Pileggi. Un escritor y guionísta nacido en Nueva York, más conocido por escribir el libro Wiseguy. Este libro junto con Casino y otras novelas mas fueron llevadas a la gran pantalla y dirigidas por Martin Scorsese. También escribió el guión para la película "City Hall"-1995. Comenzó su carrera como periodísta. Tuvo siempre un gran interés por la mafia, a través de lo cual desarrolló habilidad e intuición por escribir libros tales como los citados anteriormente. Es asi mismo el autor del libro Blye: Private Eye. También fue el productor ejecutivo de la película "American Gangster"-2007 dirigida por Ridley Scott.

  "Uno de los nuestros" está dirigida por Martin Scorsese (que también colaboró en el guión junto con Pileggi). Un director nacido en Nueva York. Scorsese es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga el éxito en cada proyecto y su obra no sea del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado la valoración pública del director de cine más que la de cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con las que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de genialidad pero también sintomas de exceso artístico. El recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimos. Este rasgo de reconocer formalmente al público, de convertirlo en coautor de la revolución de la historia y del argumento, en el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos espectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que deben procesar. En ese sentido Scorsese puede resultar algo pomposo.

  El hecho de que sepa reconocer la fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico sugiere que se trata de una mente cuidadosamente organizada en torno al fotograma, no sólo como medio para contar historias, si no también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explican que la obra de Scorsese, que ya abarca más de cinco décadas, haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a sus actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de la cámara en celebridades. Ha recibido el premio a toda su vida del American Film Institute (Instituto del Cine Estadounidense), tiene seis nominaciones al Oscar al mejor director, cinco a los premios Emmy y seis a los Globos de Oro (cinco como director y una como guionísta), y ha ganado este último galardón al mejor director con "Gangs of New York"-2002 e "Infiltrados" ("The Departed"-2006) por la que también obtuvo el Oscar al mejor director.

  Nacido en Nueva York concretamente en Queens, en una devota familia católica, Scorsese fue un muchacho asamático, que pronto descubrió su pasión por el cine. Inicialmente estudió para sacerdote, pero luego prefirió enrolarse en la escuela de cine, donde comenzó a realizar cortometrajes y un tiempo después trabajó con Roger Corman en "El tren de Bertha" ("Boxcar Bertha"-1972). "Malas calles" "Mean Streets"-1973), le confirmó ante el gran público, éxito que aprovechó con "Alicia ya no vive aqui" ("Alice Doent´’s live Here Anymore"-1974), "Taxi Driver"-1976, "New York, New York"-1977 y "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980). 

  Durante los años 80, la estrella de Scorsese se apagó y tuvo que concentrarse en otros canales creativos. En algunos casos con resultados extraordinarios como "El rey de la comedia" ("The King of Comedy"-1982) y "La última tentación de Cristo" ("The Last Templation of Christ"-1988), y en otros con resultados negativos como el videoclip "Bad"-1987 para Michel Jackson y el segmento "Apuntes al natural" de "Historias de Nueva York" ("New York Stories"-1989).

  Con "Uno de los nuestros ("Goodfellas"-1990 volvió el mejor Scorsese. Recuperado su gancho en taquilla, realizó el remake "El cabo del miedo" ("Cape Fear"-1991), dirigió el drama de época "La edad de la inocencia" ("The Age of innocence"-1993) y la historia de la mafia "Casino"-1995. Con el cambio del siglo, Scorsese dirigió "Gangs of New York"-2002 y finalmente logró un gran éxito de taquilla con "El aviador" ("The Aviator"-2004), además de convertir una película de Hong Kong "Infiltrados" ("The Departed"-2006) en una película de policias y ladrones y con "El lobo de Wall Street" ("The Wolf of Wall Street"-2013) volvió a dar de nuevo otra campanada logrando otro Oscar a la mejor dirección.

  La acción pues, nos lleva hasta Nueva York y otras localidades de Estados Unidos (Chicago, Florida, New Jersey...), entre 1955 y 1985, durante 30 años, y en donde Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre italiana, desde su adolescencia siempre ha sentido admiración por la vida acomodada y holgada de los gángsters. pronto deja los estudios para pasar a trabajar como chico de los recados de una familia mafiosa liderada por Paul. Colabora con sus compañeros James "Jimmy" Conway y Thomas "Tommy" De Vito. Se casa con Karen, una muchacha judia, con la que tiene dos hijas. Henry es egoísta, inmaduro y mezquino. Tiene pocos estudios, carece de sentimientos de culpa y es inmune al remordimiento. Jimmy es frio y violento. Tommy es un psicópata peligroso y presumido...

  Henry Hill, protagonísta de la historia, es el que hace las funciones de narrador. Explica los hechos en primera persona y desde su propio punto de vista, a la manera de una evocación nostálgica del pasado o como una confesión sin arrepentimiento, Karen se convierte en la narradora para explicar su propia historia. Hill y Karen añaden al relato comentarios subjetivos. El relato focaliza la atención de la vida cotidiana de un grupo mafioso de dimensiones intermedias, que somete a análisis como grupo organizado y jerarquizado. Lo presenta ligado a códigos de conducta anacrónicos y extrictos, con ambiciones económicas y de grupo (supervivencia, independencia, preeminencia, etc.) y con problemas de cohesión desde que los lazos familiares se ven sustituidos cada vez más por relaciones de utilidad e interés. Compone un relato de grupo de delincuentes a partir del estudio de la vida diaria de los mismos. Presta atención a las relaciones interpersonales entre los miembros del grupo, los de éste y los de grupos afines o paralelos y otros. Explica los temores y la angustia que acompañan a los criminales, siempre sujetos a riesgos altos de condenas de prisión, venganzas sangrientas de los grupos afines y represalias inmisericordes por parte del propio grupo.

  La película pues, avanza a un ritmo rápido e intenso, que dibuja con contención realísta e impresionante precisión. Retrata los ambientes que envuelven a los gángsters con una fuerza y dureza pocas veces conseguidas. Desgrana procesos de degradación y de autodestrución en términos que penetran en  el ánimo del espectador y le hielan el alma. El relato se desarrolla evitando las connotaciones míticas y épicas, al objeto de componer una descripción convincente y sincera, exenta de adornos ociosos o distrosionantes. Las acciones execrables, en más de una ocasión las desmitifica y relativiza mediante el uso de esteticísmos que completan los relieves del relato y evitan idealizaciones de las que Scorsese no es partidario. Critica y condena la vida mafiosa sin rodeos y sin disimulos.

  Abundan para mi, referencias cinéfilas que el director neoyorkino dedica a otros directores y películas que admira y aprecia. Se encuentran como digo guiños de simpatía dirigidos a "Asalto y robo de un tren" ("The Great Train Robbery"-1903) de Edwin S. Porter; "Raices profundas" ("Shane"-1953) de George Stevens; "Vértigo" - 1958 de Alfred Hitchcock; "Jules y Jim"-1961 de François Truffaut; "El padrino" ("The Godfather"-1972) de Francis Ford Coppola; "Erase una vez en América" ("Once Upon a Time in America"-1984) de Sergio Leone; "El honor de los Prizzi" ("Prizzi´s Honor"-1985) de John Huston, entre otros. También cita algunas películas propias como "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980).

  Imponente la banda sonora constituyendo una antología de más de 40 temas contemporáneos, elegidos con un sano y oportuno espíritu ectático que trata de abarcarlo todo. Se oyen cortes de Paul Anka, Eric Clapton, Paul Evans, George Harrison, Mick Jagger, Tony Bennet, Dean Martin, Sex Pistols, The Rolling Stones, la italiana Mina canta ("Il celo in una stanze") y dos versiones de "My Way", depositarias de una demoledora carga critica, que interpretan Said Vicious y Steve Jones, una cada uno. Incluye baladas de blues, rock, pop, punk, etc. A través de la música subraya el ritmo de la acción y su progresiva aceleración camino del delirio.

  La fotografía en color se la encargaron a Michael Ballhaus. Un director fotográfico nacido en Berlin (Alemania). Saltó a la fama con su trabajo en 16 películas para Rainer Fassbinder comenzando por "Whity"-1971 e incluyendo "Las amargas lágrimas de Petra von Kant" ("Dire Bitteren Traner de Petra von Kant"-1972), "La ruleta china" ("Chineisches Roulette"-1976) y "El matrimonio de Maria Braun" ("The Marriage of Maria Braun"-1979). Después de establecerse en Estados Unidos, trabajó en muchas películas americanas, incluyendo "Baby, eres tú" ("Baby It’s You"-1983) de Jhon Sayles, "Old Enough" -1984 de Marisa Silver, "¡Jo, qué noche!" ("After Hours"-1985), "El color del dinero" ("The Color Money"-1986), "La última tentación de Cristo ("The Last Templation of Christ"-1988), "Uno de los nuestro" ("Goodfellas"-1990), "La edad de la inocencia" ("The Age of Innocence"-1993), "Gangs of New York"-2002, "Infiltrados ("The Departed"-2006) todas de Martin Scorsese, "Drácula"-1992 de Francis Ford Coppola y "Sleepers"-1996 de Barry Levinson. Estuvo nominado tres veces a los Oscar, pero nunca lo ganó. Sin embargo ganó el Premio de la Asociación de Criticos de Cine de Los Angeles a la mejor fotografía por "Uno de los nuestros" ("Goodfellas"-1990).

  Y aquí construyendo magistrales juegos de planos, moviendo la cámara sin pausa y congelando a veces la imágen con el propósito de dificultar la identificación del espectador con los personajes. La película se rodó en escenarios naturales de Nueva York (Qeens, Staten Island, Manhattan, Long Island, Brooklyn...), Chicago, New Jersey (Marlboro) y Florida (Tampa) y en los platós de Kaufman Astoria Studios.

  Magníficos todos los actores con un Ray Liotta, "Territorio prohibido" ("Crossing Over"-2009) y posiblemente en el papel de su vida el de Henry Hill un joven que se siente fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio. Y con Liotta otro grande del cine universal el inmenso Robert De Niro, "La misión" ("The Mission"-1986), como James Convay "Jimmy", nadie como él para avalar este género, y que decir de una de sus mejores parejas de baile me refiero a otro grande  como lo es Joe Pesci, "Solo en casa" (Home Alone"-1990), como Thomas De Vito "Tommy", que también está a un nivel muy alto.

  Pero no hay que olvidarnos ni mucho menos porque también gracias a ellos se logró esta obra maestra como lo fueron Lorraine Bracco, "Diario de un rebelde" ("The Basketball Diaries"-1995), como Karen la esposa de Henry y Paul Sorvino, "Mambo italiano"-2003, como Paul Cicero el patriarca de la familia.

  En definitiva: Una poderosa película con un reparto de lujo y en donde Scorsese consiguió pasar a la historia al realizar esta historia, una de las mejores visiones jamás contada sobre la mafia y el crimen organizado en si. Una película super-recomendable. Matrícula de Honor.

  Joe Pesci, logró el Oscar al mejor actor secundario, y la película además obtuvo seis nominaciones. película, director, actriz secundaria (Lorraine Bracco), guión adaptado, montaje y guión original.

Este año (1990) fue el año de "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves") de Kevin Costner con un total de siete Oscar.

  Como curiosidad: Catherine Scorsese, la madre del director, interpreta a la madre de "Tommy" en la escena de la cena. Y el padre de Scorsese, Charles Scorsese, interpreta al prisionero que pone demasiada cebolla en la salsa de tomate.

 


01/03/2018 11:02 Pablo #. sin tema Hay 11 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Si amigos otro año más. Porque en la madrugda del pasado dia 4 se celebró la 90ª edición de los Premios Oscar. La ceremonia se desarrolló en el Dolby Theatre de Hollywood, en Los Angeles y fué dirigida un año más por Jimmy Kimmel.

  Y como en años anteriores risas para unos lágrimas para los demás. Las risas fueron para el mexicano Guillermo del Toro. Las lágrimas mejor dejarlo para otra ocasión.

  Y así quedó la lista de ganadores de esta ya nonagenaria edición de 2018.

  Mejor Película: "La forma del agua" ("The Shape of Water") de Guillermo del Toro

  Mejor Director: Guillermo del Toro por "La forma del agua" ("The Shape of Water")

  Mejor Actor: Gary Oldman por "El instante más oscuro" ("Darkest Hour")

  Mejor Actriz: Frances McDormand por "Tres anuncios en las afueras" ("The Billboards Qutside Ebbing Missouri")

  Mejor Actor de reparto: Sam Rockwell por "Tres anuncios en las afueras" ("The Billboards Qutside Ebbing Missouri")

  Mejor Actriz de reparto: Allison Janney por "Yo, Tonya" ("I, Tonya")

  Mejor Guión original: "Dejame salir" ("Get Out") (Jordan Peele)

  Mejor Guión adaptado" (""Call Me by Your Name" (James Ivory)

  Mejor Película de habla no inglesa "Una mujer fantástica" de Sebastián Lelio (Chile)

  Mejor Película de animación: "Coco" de Lee Unkrich & Adrian Molina

  Mejor Fotografía: "Blade Runner 2049" (Roger Deakins)

  Mejor Montaje: "Dunkerke" ("Dunkirk") (Lee Smith)

  Mejor Vestuario: "El hilo invisible" ("Phantom Theread") (Lee Smith)

  Mejor Maquillaje: "El instante más oscuro" ("Darkest Hour") (Kazuhiro Tsujis, David Malinowski y Lucy Sibbick)

  Mejor Banda sonora:  "La forma del agua" ("The Shape of Water") (Alexandre Desplat)

  Mejor canción "Remember" "(Coco") (Kristen Anderson-Lopez & Robert Lopez)

  Mejores Efectos visuales: "Blade Runner 2049" (Jhon Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover y Gerd Nefzer)

  Mejor Diseño de producción: "La forma del agua" (The Sape of Water") (Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvin y Shane Vieau)

  Mejor Montaje de sonido: "Dunkerke" ("Dunkirk") (Mark Weingarten, Gregg Landeker y Gary A. Rizzo

  Mejor Documental: "Icarus" de Bryan Fogel & Dan Cogan

  Mejor Cortometraje de ficción: "Dekalb  Elementery" ("Colegio Dekalb") de Reed Van Dyck

  Mejor Cortometraje animado: "Dear Basketball" de Glen Keane

  Mejor Cortometraje documental: "Heavens a Traficc on the 405" de Frank Siefel.

  Y esto fue todo lo que dió de si mis queridos amigos. Esperemos al año próximo ver de nuevo a las celebridades volver a pasar por esa nonagenaria (pero eternamente joven) alfombra roja.

 

10/03/2018 10:18 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y como en años anteriores pues me toca subir una buena película, pero esta vez no será oscarizada, pero eso si, es una película mítica. Una película que en su dia se convirtió y aún lo sigue siendo en una obra imprescindible para todos los amantes del buen cine. Su título:

                           Gilda - 1946

  "¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo."

  Mitica y todo un icono de cine negro de nacionalidad estadounidense y de género dramático, basada en una historia de E. A. Ellington y con un guión de Marion Parsonnet, "Te volveré a ver" ("I’ll Be Seeing You"-1944). Una escritora nacida en Nueva Yersey. Asistió a la Academia de Newark y luegó estudió en la Universidad de Harvard. En 1937 MGM lo contrató como guionista. Y a partir de 1941 trabajó para varios estudios cinematográficos tales como Warner  Broos, Columbia Pictures y RKO Pictures, jugó un papel importante y decisivo en la carrera de Rita Haywort para convertirse en superestrella en la década de 1940. En la década de 1950 la carrera de Parsonnet en el mundo del espectáculo estuvo en suspenso durante mucho tiempo. Pero en 1959 escribió varios guiones para series de televisión como "Maverick" (1959) y "Bonanza" (1961).

  "Gilda" está dirigida por Charles Vidor. Un director nacido en Budapest (Hungria). Hijo de una familia judia, se alistó en el bando húngaro en la Primera Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto bélico, estudió ingenieria en la Universidad de Budapest primero y en la de Berlín después. Fue precisamente en la capital alemana donde tomó contacto con el mundo del cine, trabajando como montador y director asisente para la productora alemana Universum Film AG.

  No tardó mucho en dar el salto a Estados Unidos, en 1924. En esos primeros meses, trabajó en algunos musicales de Broadway y en la compañía de Opera de Wagner británica. Concluidos esos trabajos viajó a Hollywood, donde empezó como colaborador del director británico Alexander Korda.

  Después de estos primeros años de aprendizaje en la meca del cine, en 1931 le dieron la oportunidad de dirigir su primer cortometraje, "The Bridge", donde inició su contrato con MGM. Un año después co-dirigió, junto a Charles Brabin su primer largometraje "La máscara de Fu Manchú" ("The Mask of Fu Manchu"-1932), aunque en los titulos de crédito no figuraba como tal.

  En 1933 ya como asalariado con MGM, rodó su primera película en solitario: "Dama de cabaret" ("Sensation Hunters"). El trabajo de Vidor por esta época cuenta con nueve titulos entre los que destacan "Arbol geneológico" ("His family tree"-1935), "Desconocidos" ("Strangers All"-1935) y "The Great Gambini"-1937).

  En 1939, rompió su compromiso con MGM y llegó a un acuerdo con Columbia Pictures. Aquí fue donde llegó al cénit de su popularidad como cineasta, aunque nunca llegó a tener una buena sintonía con el pripietario de la productora, Harry Cohn. De todas maneras, la prolífica filmografía de Vidor es una de las más representativas de la década de los 40 haciendo de guiones insulsos y actores sin mucha chispa películas de buen gusto. Así destacan "La dama en cuestión" ("The Lady Question"-1940), "El misterio de Fiske Manor" ("Ladies in Retirement"-1941), "Se acabó la gasolina" ("The Tuttles of Tahiti"-1942) o "Las modelos" ("Cover Girl"-1944). Esta película es importante porque es la primera dirección de Vidor sobre la que sería su musa en sus próximos proyectos: Rita Hayworth. Y es que en 1946, llegaría "Gilda", uno de los clásicos de cine y donde elevaría a Hayworth como la auténtica sex-symbol de la primera época del cine, con su insinuante extracción de guante mientras cantaba "Put the Blame on Mame".

  Después de su siguiente proyecto "Los amores de Carmen" ("The Loves of Carmen"-1948) nuevamente con Hayworth, Vidor tuvo una extraordinaria disputa que hizo que el director rompiera su contrato de 75.000 dólares con la Columbia para volver a MGM en 1949. Durante los 50, Vidor siguió dirigiendo películas entre las que destacan "El fabuloso Andersen" ("Hans Christian Andersen"-1952), "Rapsodia" ("Rapsody"-1954), "Quiéreme o déjame" (Love Me or Leave Me"-1955) y otra de las grandes perlas de su filmografía "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1957).

  En 1956 creó su propia productora la Aurora Productions, aunque no llegó a disfrutar mucho de su éxito ya que el 4 de junio de 1959 en Viena fallecería de un ataque al corazón mientras filmaba su película póstuma "Magic Flame", que acabó George Cukor con el título de "Sueño de amor" ("Song Without End"-1960).

  La acción principal tiene lugar en Buenos Aires en 1945/46. Y nos narra la tormentosa relación de amor entre Johnny Farrel y Gilda. Después de haber sido amantes, Johnny abandona a Gilda para seguir su vida de jugador tramposo, en el subsuelo de la capital bonaerense. Un extraño, turbio, acaudalado y ambiguo personaje llamado Ballin Mundson, le salva la vida y le convierte en su brazo derecho. La relación entre los dos se ve alterada cuando Ballin, después de un breve viaje regresa casado precisamente con... Gilda...

  La película pues, narra las relaciones tempestuosas que se establecen entre Gilda y Johnny, a raiz, de su imprevisto reencuentro. Estas se enmarcan en un Casino ilegal de juegos, la llegada a Buenos Aires de criminales de guerra nazis, la participación de Ballin en negocios tenebrosos, muertes y desapariciones. Sobresale la belleza del personaje femenino que asocia hermosura y perfidia, elegancia y maldad, en un duelo de poder a poder con su antiguo amante.

  Gilda encarna la figura de la mujer que no se resigna: lucha con furor, rabia y fuerza, hasta la provocación y el escándalo, contra el hombre que la ha herido y quiere someterla. La batalla de géneros se erige en clave del relato y en base de su interés y grandeza. El strip-tease que inicia quitándose sensualmente los guantes y arrancándose después el collar, no es un acto de sometimiento, si no un soberbio grito de guerra.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago. Sus comienzos fueron trabajando en la Brunswick Records en 1931, grabando en sus propios estudios musica para baile, valses y melodias semi-clásicas hasta 1934. A finales de este año firmó contrato con Decca Records y siguió grabando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Hollywood. Young tuvo un total de 22 nominaciones al Oscar pero no lo ganó en ninguna ocasión. La única estatuilla que ganó fue a titulo póstumo por la banda sonora de "La vuelta al mundo en 80 dias" ("Around the World in 80 Days"-1956). Su última banda sonora para el cine fue"Omar Khayyam"-1957 protagonizada por Cornel Wilde.

  Y aquí aportando dos versiones de una canción original "Put Blame On Mame" y una canción de la época "Amado mio". Inserta también fragmentos orquestales de factura vanguardista.

  La fotografía en blanco y negro estuvo a cargo de Rudolph Maté. Un director de fotografía nacido en Polonia. Al finalizar sus estudios en la Universidad de Budapest, combatió en la Gran Guerra y en 1921 comenzó a trabajar como ayudante de cámara en la productora Hungarian Films en películas dirigidas por Alexander Korda.

  Durante la primera mitad de los años 30 trabajó regularmente en Francia y entre sus películas sobresalen "El último millonario" ("Le dernier millardaire"-1934) de René Clair y "Lilion"-1934 de Fritz Lang. En 1935 viajó a Estados Unidos y se instaló definitivamente donde fue reconocido como un importante director fotográfico participando en múltiples películas de gran éxito por aquella época como por ejemplo: "Stella Dallas"-1937 de King Vidor, "La jungla en armas" ("The Real Glory"-1939) de Henry Hathaway y por supuesto "Gilda"-1946 de Charles Vidor.

  La gran experiencia adquirida durante el trabajo de tantas películas le proporcionó la confianza para dirigir completamente y rodar películas con regularidad a sus ya cumplidos 50 años, Entre los muchos títulos que dirigió cabe de destacar "Amarga sombra" ("No Sad Songs for Me"-1950), "Marcado a fuego" ("Branded"-1950), "Cuando los mundos chocan" ("When Worlds Collide"-1954) y "Coraza negra" ("The Black Shield of Falworth"-1954) entre otros muchos mas. Y en esta "Gilda" exaltando con su cámara la belleza de la protagonísta con primerísimos planos e iluminación.

  Sensacional la pareja protagonísta, ella: Rita Hayworth, "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) como Gilda y Gilda es Rita. Un guante, una canción y el bofetón que le propina él: Gleen Ford, "Los cuatro jinetes del apocalípsis" ("The Four Horsemem of the Apocalypse"1962) como Johnny Farrell, un aventurero que vive solo de hacer trampas.

  Y con ellos unos secundarios de auténtico lujo: George MacReady, "La carrera del siglo" ("The Great Race"-1965) como Ballin Mundson el esposo de Gilda; Joseph Calleia, "Sangre caliente" ("Hot Blood"-1956) como el detective Maurice Obregon; Steven Geray, "Recuerda" ("Spellbound"-1945) como Uncle Pio; Gerald Mohr, "El francotirador" ("The Sniper"-1952) como el capitán Delgado.

  En definitiva: "Gilda" es, más que una película, un icono, un dogma erótico para muchas generaciones cinéfilas.  Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: Cuando en la película sale Rita Hayworth cantando "Amado mio" y "Put the Blame om Mame", no es su voz la que se oye, Rita está haciendo uso del playback. En su lugar, la voz que suena es la de Anita Ellis, una cantante canadiense que también puso su voz a canciones en películas de Vera Ellen y Jane Crain.

 

                                   

11/03/2018 10:18 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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  Y como punto final poner la guinda en esta monumental tarta cinematográfica como es y lo seguirá siendo la fiesta de los Oscar y que menos que comentar algo más de esta ya mítica película como es "Gilda".

             "Nunca habrá una mujer como Gilda".

  Al igual que "Casablanca"-1942, "Gilda" fue una obra magistral que surgió de la improvisación. El estudio Columbia había comprado los derechos de una historia de E. A. Ellington que sirvió de base a la película. Pero cuando Charles Vidor comenzó a rodar, el guión no estaba ni siquiera terminado. Tanto el cineasta como el ya veterano director de fotografía Rudolph Maté tuvieron que improvisar muchas escenas, mientras que varios guionístas intentaban escribir al menos dos páginas de guión al dia. Rita Hayworth se hizo con el papel principal sin llegar a imaginarse que sería el personaje que marcaría el resto de su carrera. La acompañaron dos actores no excesivamente populares, Glenn Ford y George MacReady. Y aunque la acción de la historia se desarrollaba en Buenos Aires, ellos no salieron de los estudios de Columbia. El trabajo fue relativamente sencillo aunque existieron pequeños incidentes.

  Rita que ya estaba separada de Orson Welles comenzó un apasionado romance con Glenn Ford. El dueño del estudio Harry Cohn, comenzó a sospechar que ocurría entre ellos y ordenó instalar en sus camerinos micrófonos ocultos para averiguar si aprovechaban los descansos del rodaje para mantener relaciones sexuales.

  El coreógrafo Jack Cole, se encargó de preparar las sensuales escenas de Rita Hayworth, mientras que la cantante Anita Ellis le dobló la voz. En estas escenas, asi como a lo largo de toda la película, Charles Vidor creó unas imágenes cargadas de un erotísmo, tan elegante como turbador, que no tardaría en crear un auténtico escándalo en casi todo el mundo. "Nunca habrá una mujer como Gilda", fue la frase comercial que se empleó para lanzar la película. 

  El éxito fue espectacular. El mismo Cohn se quedó perplejo del buen resultado de la película. Con "Gilda" ocurrió algo poco común y es que se convirtió en un auténtico fenómeno social, hasta el punto que se montó una expedición a los Andes para enterrar en la cumbre una copia del largometraje con la intención de que sobreviviese en caso de una guerra atómica. Los temas musicales interpretados en "Gilda" el sugerente - "Put the Blame On Mame" y "Amado mio"-, pasaron a ser éxitos indispensables, en cualquier sala de fiestas que se preciase. No cabe duda de que el máximo gancho de la película fue Rita Hayworth, fotografiada más hermosa que nunca por Maté. La secuencia en la que se quita el guante y la posterior bofetada pasaron a convertirse en dos de los momentos clásicos de la historia del cine.

  En su época resultaron tremendamente provocativos y pusieron y pusieron los pelos de punta a los sectores más conservadores de la sociedad. En España el "fenómeno" Gilda dividió de nuevo al pais. Por un lado, ciertos espectadores disfrutaban incrédulos ante la hermosura de aquella mujer, poco acostumbrados a tener oportunidades  de ese tipo por la "cruzada moral" del régimen franquísta, por otro, los más conservadores se rasgaban las vestiduras ante la "indecencia", llegando en algunos casos a acusar de "pecadores" a los que asistian a la proyección e incluso a apedrear las salas que la exibían. El escándalo fue tal que hasta propició el nacimiento de la Oficina nacional clasificadora de espectáculos, encargada de velar por el cumplimiento de los dictados católicos y patrióticos. El impacto que la obra de Vidor tuvo sobre la sociedad española quedó reflejado en la película de Francisco Regueiro "Madregilda"-1993.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

20/03/2018 11:26 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Dos cabalgan juntos (Two Rode Together - 1961)

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  "Los indios me respetaron más que ustedes".

  Muy buena película de género de western y de nacionalidad estadounidense, sacada de una novela de Will Cook, "Las pistolas del norte de Texas" ("The Tramplers"-1965). Un escritor fallecido prematuramente pero con muchas novelas en su haber, la mayoría de ellas llevadas al cine, al igual que para varias series de televisión como por ejemplo "Zane Grey"-1958. También escribió bajo el seudónimo de James Keene junto con la escritora romántica Ida Cook.

  Del guión se hizo cargo Frank S. Nugent. un escritor nacido en Nueva York. Se graduó en Pegis High School en 1925 y estudió periodísmo en la Universidad de Columbia donde se graduó en 1929 donde trabajó en el periódico estudiantil Columbia Spectator. Comenzó su carrera periodística como reportero de The New York Times en 1929 y en 1934 pasó a revisar películas para su periódico. En 1947 estaba trabajando en un articulo sobre la película "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) y mientras se estaba rodando la película conoció a John Ford que lo contrató para trabajar en su próxima película "Fort Apache"-1948 a raiz de ahí se convirtió en el máximo colaborador de Ford llegando a escribir para él, cerca de una docena de películas. Estuvo nominado por la película "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952).

  "Dos cabalgan juntos"  está dirigida por John Ford. un director nacido en Maine. Ford fue un consumado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos han celebrado a Ford por su intenso carácter patriótico, plasmado en los bellos paisajes de sus películas (sobre todo el Monument Valley de Arizona), si no también en los propios humanos, presentados de manera estática e icónica. También se ha elogiado mucho su capacidad para comunicar mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al mínimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solía ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal seleccionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scontland"-1936) que no ponen  de manifiesto la personalidad del director, están realizadas de una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las obras mas memorables de Hollywood. "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939), demuestra su impresionante sentido de la belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre, en una memorable hagiografía. "La diligencia" ("Stagecoach"-1939), resucitó el western que había quedado relegado a la serie B. La película que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Rio Grande"-1950, antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) y "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962), donde exponía la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  Ford ya exploró los vacios ideológicos y exclusiones del western antes que los revisionístas del género posteriores a la época del auge de los grandes estudios, "El sargento negro" (""Seargent Rutledge"-1960) aborda el racísmo, mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) adopta el punto de vista de los indios americanos empujados a la desaparición por el peligro de la extinción. Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general sus westerns basan su fuerza y vigor en la explotación de estereotipos Liberty Valance deconstruyen el mito de héroe/villano respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el dolor físico que causa la violencia y que otros tienen que soportar, Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus películas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra, se caracterizan también en el patriotísmo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento. "No eran imprescindibles" ("They Were Expendeble"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanza de recibir refuerzos de rescate. Es un himno inolvidable al valor con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones. "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la guerra de Secesión, enfrenta a un aguerrido coronel de caballería, totalmente real, con el médico del regimiento, que lamenta el sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega nucho más allá de un duro choque de sensibilidades, para resolverse, al auténtico estilo fordiano, con una pelea a puñetazos.

  Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imaginación cuidadosamente diseñada. En su versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinback, se evoca la pobreza de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodajes en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió tan buen resultado con "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las peliculas de Ford más celebrads son las de temas célticos y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evocan eficazmente la familia y la tradición, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  Asi pues, el maestro del western nos lleva hasta Texas allá a principios de 1880, una vez acabada la guerra contra los indios. Y nos mete en el cuerpo de dos hombres: uno el sheriff de Tascosa y el otro un teniente de caballeria. El primero recibe una orden de su comandante de adentrarse en la reserva comanche para negociar la liberación de los prisioneros blancos que tienen retenidos desde hace diez años, a cambio de una recompensa elevada por prisionero liberado. Pero el teniente no está en desacuerdo con la codicia del sheriff, este recibe la orden de desertar y acompañarle en la misión como civil...

  Una buena película de género de western, si señor. John Ford contaba 67 años y había rodado grandes westerns épicos. En esta ocasión la historia para mi, es descorazonada y amarga: el sheriff es un hombre cínico y corrupto, los colonos que esperan la liberación de sus familiares forman un colectivo resentido, racísta e intolerante y el teniente de caballería que organiza la misión es un autoritario y mentiroso. La película en si, está punteada de detalles de humor, que culminan en la figura característica del sargento. Tiene escenas memorables como las del protagonísta que tras encontrar a los prisioneros, se resiste a llevarlos al campamento por considerar que es imposible su adaptación a los hábitos de sus familiares; el baile de gala interrumpido por las palabras angustiadas de Elena, al verse estigmatizada por haber sido durante una parte de su cautiverio, esposa de un jefe indio; la de Marty, cuando cuenta la historia del secuestro de su hermano poco antes de su trágica identificación.

  Escenas muy bien plasmadas en color por la cámara de Charles Lawton Jr.. Un veterano director de fotografía nacido en Los Angeles y muy vinculado con los trabajos de John Ford, donde llegó a trabajar con el en bastantes películas, "El último hurra" ("The Last Hurrah"-1958), por citar una de ellas. Y aquí apoyándose de modo preferente en las largas escenas rodadas a cámara fija. Es notable el desfile de la caravana de los colonos ante la cámara móvil.

  La banda sonora corrió a cargo de George Dunning. Un compositor nacido en Richmond (Indiana). A los veinte años comenzó a tocar la trompeta y el piano para la banda Kay Kyser donde hizo arreglos a la mayoría de su música. En 1946 fue contratado por la Columbia Pictures donde trabajó exclusivamente durante toda su carrera, y con películas tan memorables como "El mundo de Suzie Wong" ("The World of Suzie Wong"-1960) y "El diablo a las cuatro" ("The Devil at 4 O’Clock"-1961). Y aquí ofreciéndonos fragmentos orquestales de viento y percusión, que acompañan escenas dev transición, silencio y baile. Hace uso de melodias "country" y otras.

  Magnífico el mano a mano entre dos colosos del cine universal: James Stewart, "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954) y Richard Widmark, "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets2-1950). Stewart como el sheriff Guthrie McCabe, un cínico comisario al que convencen para rescatar unos prisioneros blancos secuestrados por los comanches. Y Widmark como el teniente de caballería Jim Gary que tendrá que acompañar en la misión a McCabe.

  Y con ellos dos estupendas actrices femeninas una rubia Shirley Jones, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) como Marty Purcell, una joven que va en busca de su hermano secuestrado, y la otra morena Linda Cristal, "Vacaciones sin novia" ("The Perfect Furlough"-1958), como Elena de Madariaga, una de las secuestradas que estuvo casada con un jefe indio.

  Pero como es de suponer no podian faltar los fordianos Andy Devine, "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) como el sargento Posey y Harry Carey Jr. "Tres padrinos" ("3 Godfathers"-1948) como Ortho Clegg. Y sin olvidar al siempre interesante Jhon McIntire "Psicosis" ("Psycho"-1960) como el mayor Frazer.

  En definitiva: una película profunda en su sencillez, bien presentada y mejor contada, que solo puede aflorar de su admirable maestro al que, como buscadores de belleza, admiramos sinceramente. Este es: John Ford.   Sobresaliente.

  Como anécdota: Al principio Richard Widmark se resistió a hacer la película porque tenía quince años mas que el personaje que tenía que interpretar el del joven teniente Jim Gary.

27/03/2018 10:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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