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Octubre 2016 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Octubre de 2016.

Toro salvaje (Raging Bull - 1980)

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  Jake: Bésame las mejillas

  Vickie: Por qué?

  Jake: Por que si tu les das un beso mejorarán...

  Obra maestra del género de boxeo basada en la historia de Jake la Motta, con un guión de Paul Schrader, "La costa de los mosquitos" ("The Mosquito Coast"-1986). Un director y guionísta nacido en Michigan. Fue educado en una escuela calvinista que le marcaría profundamente en su manera de sentir en toda su obra. No vió una película hasta los 18 años. En 1975 escribió junto a su hermano el primer guión y un año después Martin Scorsese le mandó escribir su primera película "Taxi Driver". A partir de entonces su relación profesional y su amistad se hizo patente hasta que en 1999 rompieron toda esa larga y fructífera relación.

  El segundo guionísta fue Mardik Martin, "Malas calles" ("Mean Streets"-1973). Un guionísta nacido en Irán. unque su familia era adinerada Mardik huyó del pais para evitar el servicio militar y llegó a Nueva York. Allí sin dinero tuvo que ponerse a lavar platos en un restaurante para pagarse los estudios en la Universidad de la NYU, donde conoció a su compañero de estudios Martin Scorsese en 1961. Los dos formaron una estrecha amistad y trabajaron en los primeros proyectos de Scorsese.

  "Toro salvaje" está dirigida por el ya mencionado Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito en cada proyecto y sus películas no sean del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado la valoración pública del director que la de cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de genialidad pero también sintomas de exceso artístico. El  recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo. Este rasgo de reconocer fundamentalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos espectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar. En este sentido, Scorsese puede resultar algo pomposo.

  El hecho de que sepa reconocer la fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico sugiere que se trata de una mente cuidadosamente organizada en torno al fotograma, no solo como medio para contar historias, si no también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explican que la obra del director neoyorkino, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a sus actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de la cámara en celebridades. Ha recibido el premio a toda una vida del American Film Institute (Instituto del Cine Estadounidense), tiene seis nominaciones a los Oscar al mejor director de las cuales ganó una por su película "Infiltrados" ("The Departed"-2006), cinco premios Emmy y seis Globos de Oro (cinco como director y uno como guionista).

  La historia se desarrolla durante 23 años  entre 1941 y 1964, y Scorsese nos explica la historia del boxeador Jake la Motta, un personaje solitario, violento y maltratador de instintos primarios, inseguro y ególatra, vulgar e infantil. Forma pareja con Irma y luego con Vickie de 16 años. Cuenta durante muchos años con el apoyo de su hermano casado con Leonore.

  La historia pues, nos narra en un largo flashback, el comienzo de Jake cuando se prepara para intervenir en un "show" en el Barbizan Plaza Teatro de Nueva York en 1964. Entonces arranca el flashback que nos situa en 1941. La narración es minuciosa y rica en detalles, algunos de los cuales Scorsese los destaca mediante la inserción de breves planos de proximimidad. "Toro salvaje" más que una película de boxeo, es una película que desarrolla una exploración fundamentada y lúcida sobre los celos patológicos de un personaje frágil e inseguro, que tiene mal resueltas sus relaciones con las mujeres y el entorno. Se ha dicho que la narración define tres ámbitos de relación diferente: la vida en el ring, la vida real en familia y la vida familiar soñada o idealizada. Esta última se presenta a través de las películas domésticas que recogen en color los eventos familiares más gratos (celebraciones, aniversarios, bodas...). En contraste con este nivel, la vida familiar real está llena de problemas, fricciones, disputas, malos tratos, ira, violencia y sentimientos de culpabilidad. La vida en el ring hace funciones de compensación de infelicidad e insatisfacción familiar, y de medio a través del cual se accede a la explación y la redención de culpas...

  La banda sonora aporta una excelente seleción de temas que confieren la historia: fuerza, vibración y emoción. Destacan los cortes de "Cavalleria rusticana", de Pietro Mescagni, y los extractos de temas populares, como "Mona Lisa" (Nat "King" Cole), "Frenesi" (Artie Shaw), y "By By Baby" (Marilyn Monroe), y otros de Ella Fitzgerald, Renato Carosone y Ray Charles.

  La fotografía corrió a cargo de Michael Chapman, "Taxi Driver"-1976. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como operador de cámara y como director de fotografía se hizo famoso por colaborar en un par de ocasiones con Martin Scorsese. El estilo de Chapman tiende hacia altos contrastes y el uso agresivo de colores fuertes. También es muy hábil en la creación de movimientos de cámara de forma rápida y la improvisación en el set.

  Y en este Toro del Bronx rodada en blanco y negro con algunas secuencias en color, componiendo una descripción impresionante y perturbadora de los combates de boxeo, con oportunos subrayados a cámara lenta. Ante los estallidos de violencia doméstica, la cámara queda inmóvil al objeto de captar la intensidad del momento sin añadidos ni refuerzos. El ritmo de las imágenes se torna vertiginoso en los momentos culminantes.

  Las escenas de exteriores fueron rodadas en Los Angeles (San Pedro, Olympic Auditorium) y Nueva York (Qeens, Bronx...). Y las interiores en los platós de Colver Studios de Hollywood.

 

Soberbio Robert De Niro, "Condenado"- 2002,  metido en el personaje (y nunca mejor dicho) de Jake la Motta un joven boxeador que su único sueño es convertirse en campeón de los pesos medios. Y con el gran De Niro, un formidable Joe Pesci, "Mi primo Vinny" ("My Cousin Vinny"-1992), como Joey el hermano y entrenador de Jake; Cathy Mariarty, "Locos de Alabama" ("Crazy in Alabama"-1999), como Vickie la joven esposa de Jake; Theresa Saldana, "La noche antes" ("The Night Before"-1988) como Leonore, la esposa de Joey; Frank Vincent, "Una banda de cuidado"-2000), como Salvy; Nicholas Colosanto, "La trama" ("Family Polot"-1976), como Tommy Como; Mario Gallo, "King-Kong"-1976, como Mario.

  En definitiva: Una obra maestra del género, una de las mejores películas de los años 80. Una película sencillamente prodigiosa. Matrícula de Honor.

  "Toro salvaje" logró dos Oscar en 1980: Mejor actor (Robert De Niro) y Mejor montaje (Thelma Schoonmaker) y obtuvo ocho nominaciones.

  Como curiosidad: El rodaje se inició en abril de 1979 y terminó en diciembre del mismo año, tras cuatro meses de interrupción para que De Niro engordara 30 Kg.

02/10/2016 10:52 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Tristana - 1970

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  "Soy tu padre y tu marido, y hago de uno u otro según me convenga".

  Obra maestra de género dramático e inspirada en una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelísta, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria.

  Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realísta del siglo XX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por diversos especialístas y estudiosos de su obra como el mayor novelísta español después de Cervantes.

  Pérez Galdós fue desde 1897 académico de la Real Academia Española y llegó a ser propuesto al Premio Nobel de Literatura en 1912. Aunque, salvo en su juventud, no mostró especial aficción por la política, aceptó su designación como diputado en varias ocasiones y por distintas circunscripciones.

  Del guión se hicieron cargo, el propio director es decir Luis Buñuel, y Julio Alejandro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor y poeta nacido en Huesca, y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Buñuel y considerado uno de los mejores guionístas de México, y su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz Año, amor mio".

  "Tristana" está dirigida como bienn he dicho antes por Luis Buñuel. Un director nacido en Calanda (Teruel) y padre del surrealísmo cinematográfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado en colaboración con Salvador Dalí. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealista por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subuclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesía pot mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera" (Le journal d’une femme de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual con el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesia" ("Le charme discret de la bourgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte"-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinacuón de los surrealistas por el fetichismo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba inmponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La historia nos lleva hasta la ciudad española de Toledo. Allí al morir los padres de una joven llamada Tristana es confiada a un tal don Lope, un don Juan en declive cuya época ya ha pasado, incapaz de aceptar su caducidad como seductor, don Lope la seduce y Tristana se convierte en su amante desde los 19 años hasta los 21 pero ella, considerada por él como su hija y su mujer, le pide que la deje estudiar música y arte para poder independizarse. Tristana se enamora de Horacio, un pintor que también siente lo mismo por ella, y acaba yéndose con él a Madrid. Tristana sufre un cáncer de rodilla y como consecuencia tienen que amputarle una pierna. Horacio se desinteresa por ella y Tristana vueve a Toledo y se casa con don Lope. Este enferma. Victima de una crisis nocturna, llama a Tristana para que le ayude. Tristana finge llamar por teléfono al doctor antes de abrir la ventana, cuando está nevando, para así acelerar la muerte de don Lope...

  Nueve años después de la escandalosa "Viridiana"-1961, Buñuel volvió a adaptar otra obra de su admirado Galdós. Una película que a priori parece una de sus obras menores, pero para mi es toda una obra maestra. La película explora las diferencias de intereses y de carácter de los protagonistas principales. Cuenta con escenas memorables: la del partido de fútbol de los muchachos sordomudos, la de la boda envuelta en aires fúnebres y eróticos y a destacar el valor simbólico del sordomudo como persona con más capacidades de percepción (visión, audición e inteligencia) que la burguesia.

  La música de Frederic Chopin, aporta "Estudio revolucionario", una composición temperamental e iracunda, a cargo de Tristana, que sugiere su fuerza, su capacidad de lucha, su voluntad indomable, su furia y sus deseos de triunfo sobre la opresión. A través de la composición Tristana proclama que, pese a los golpes de la vida y la sociedad, conserva la entereza, la capacidad de la lucha y los propósitos de victoria.

  La fotografía en color corrió a cargo de José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con la película "Castañuela"-1945, de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, la última, intervino en casi 120 películas. Destacando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en titulos míticos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor"-1948, "El último cuplé"-1957. Asi como con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregular carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel.

  Y en esta magnifica adaptación de un clásico de la literatura española aportando una narración aústera, estilizada y sobria de gran fuerza expresiva. Transmitiendo a las imágenes sentimientos de opresión, oscuridad, explotación y lucha tenaz. La película  se rodó en su totalidad en la maravillosa ciudad de Toledo. (mi ciudad natal).

  Formidables todos los actores con una gran interpretación de Fernando Rey, "Diario de invierno"-1988, interpretando a don Lope, posiblemente en uno de sus mejores papeles de su exitosa carrera. Espléndida Catherine Deneuve, "La chica del tren" ("Le fille du Rer"-2009) en el papel de Tristana esa joven mujer indomable y víctima a la vez, maravillosa la actriz francesa, y completando el trio el italiano Franco Nero, "Cartas a Julieta" ("Latters to Juliet"-2010) dando vida a Horacio, un pintor enamorado de Tristana.

  Pero no hay que olvidarnos de la gran Lola Gaos, "Viridiana-1961 como Saturna y de otro estupendo secundario Antonio Casas, "Los ángeles del volante"-1957, como don Cosme.

  En definitiva: Una obra maestra del cine español, con un final redentor y libertario, puesto que los flasbacks que aparecen significan la muerte de dos personas, por una parte la fisica de don Lope y la espiritual de Tristana. Una película Matrícula de Honor.

  "Tristana" estuvo nominada en 1970 como mejor película de habla no inglesa. La ganadora fue "Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha" ("Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto") de Elio Petri (cosas de la Academia digo yo).

  Como curiosidad: "Tristana" supuso la vuelta a España de Buñuel, por segunda y última vez, tras el escándalo de "Viridiana".

 

 

14/10/2016 23:14 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Toma el dinero y corre (Take the Money and Run-1969)

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  "¡Mamá! 1Mamá! ¡El universo se expande!"

  "¡Calla niño! Esto es Brooklyn y Brooklyn no se expande!"

  Estupenda película de género de comedia y "ópera prima" de ese genio del cine llamado Woody Allen.

  El guión como es de esperar corrió a cargo del mismo Allen aunque ayudado por su amigo de la infancia y compañero de escuela Mickey Rose, "Bananas"-1971. Un escritor y guionísta nacido en Brooklyn (Nueva York). Fue criado por su madre soltera. En la escuela conoció a Allen y se convirtió en su mejor amigo. Se matriculó en la Universidad de Nueva York y allí obtuvo la licenciatura de cine.

  "Toma el dinero y corre" está dirigida como no por Woody Allen. Un cineasta nacido en Brooklyn (Nueva York) y un prolífico rey de la comedia.

  Woody Allen se ha convertido en un icono del cine, tanto por su estilo como por su habilidad interpretativa única. Pese a que Manhattan ha sido el escenario donde han desarrollado su actividad generaciones de músicos, diseñadores, urbanìstas, novelístas y políticos, en la actualidad la isla es famosa por constituir el  marco de casi todas las películas de este director. Al dejar su impronta en este singular paisaje, Woody Allen ha aportado su propia mitología a los barrios, monumentos, equipos deportivos y tejido social de la metrópolis, especialmente a los enrarecidos entornos del Upper East Side.

  Sus películas muestran el estereotipo del judio neoyokino culto, irreligioso y en ascenso en la escala social que Allen encarna y a la vez trasciende. El humor de Woody Allen parte de la comunidad judia estadounidense, y sus afinidades y hábitos.

  Nacido en Brooklyn (Nueva York) con el nombre de Allen Konigsberg, escogió el apodo de "Woody" de adolescente y lo adoptó como su nombre legal en 1952. Comenzó contando chistes a los 15 años de edad y al cabo de un par de años las emisoras comerciales ya se los compraban para que los utilizaran otras estrellas como Boob Hope y Danny Kaye. Allen también actuó como humorísta en varios clubes, donde perfiló el oficio y su manejo de los tiempos antes de trabajar en televisión.

  Su primer guión cinematográfico en solitario fue llevado a la pantalla por Cliver Donner bajo el título "¿Qué tal, Pussycat?" ("¿Qué tal, gatita?"-1965). El siguiente paso fue co-dirigir junto a Senkinchi Taniguchi "El número uno" ("Wat’s Up, Tager Lily?-1966) y finalmente pudo dirigir en solitario: "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Run"-1969). Desde entonces Woody Allen ha realizado practicamente una película anual durante casi cuarenta años, de las que gran parte se han convertido en iconos de culto. Sus titulos resultan tan conocidos como su propio nombre y tanto sus ingeniosos chistes como sus temáticas argumentales han entrado en la leyenda del cine. A parte de su fecundo trabajo como realizador, ha hecho apariciones estelares (o ha presentado su voz) en películas de otros directores.

  La historia pues, tiene lugar en el verano de 1968 en donde Virgil Starkwell, nacido en un barrio marginal de Baltimore, en el seno de una familia muy modesta, este es un joven inadaptado, que tiene obsesión por el dinero y las mujeres y es aficionado a tocar el violonchelo. Louise es una muchacha dulce, guapa, generosa y pura, que tuvo unos padres adoptivos autoritarios. De soltera trabajó como empleada doméstica de la limpieza...

  Muy buena película, si señor. La historia cuenta con la ayuda de la voz en "of" del narrador, a la manera de un falso documental sobre la vida de un delincuente torpe y con mala suerte. Allen intercambia entrevistas a los padres, profesor de música, psquiatra, etc. El relato está concebido como una yuxtaposición de viñetas saturadas de "gags", sobre todo de humor visual.

  Cuenta con unos diálogos sumamente ingeniosos, ácidos e irónicos. Y el narrador nos explica los hechos en un tono de rigor y seriedad, que constrasta con el tono desmedido y burlesco de las imágenes. Este hecho da lugar a una situación de pugna entre la verdad oficial (narrador) y la auténtica verdad (imágenes), que potencia la ironía y la comicidad.

  Allen combina parodias y guiños de simpatia dirigidos a realizadores, actores, actrices y películas: Chaplin, Keaton, Hermanos Marx, Fritz Lang, etc. incluye referencias a "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) de Charles Chaplin, "Pistoleros de agua dulce" ("Monkey Business"-1931) de Norman Z. McLeood, "El hotel de los lios" ("Room Service"-1938) de William A. Seiter, y otros incorpora parodias de "Soy un fugitivo" ("Am Fugitive From a Chain Gang"-1932) de Mervyn Le Roy, "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"-1967) de Stuart Rosenberg, "Un hombre y una mujer" (""Un homme et une femme"-1966) de Claued Lelouch, etc. .Caricaturiza el cine de gángsters de la Warner de los años 30. La película pues, contiene constantes de su filmografía posterior, como las obsesiones del protagonísta, los paseos por el Central Park, la familia autoritaria y  la atención preferente que se presta a las desventuras, improvistos y contratiempos.

  La banda sonora, rítmica, moderna y colrísta corrió a cargo de Marvin Hamilisch, "El golpe" ("The Sting"-1973). Un compositor, pianísta y director de orquesta nacido en Nueva York y uno de los once artistas en ganar los cuatro premios fundamentales del espectáculo estadounidense: Gremmy, Emmy, Tony y Oscar. Se inició como pianísta de Barbra Streisand y arreglando composiciones de cantantes de la época y posteriormente colaboró con Quincy Jones y Liza Minelli.

  Y aquí nos ofrece como tema principal la composición "Soul Bossa Nova", que interpreta Hamilisch con su orquesta.

  De la fotografia en color y blanco y negro Allen contó con Lester Shorr. Un camarógrafo nacido en Nueva York concretamente en Brooklyn (como veis todo el equipo nació en la ciudad de los rascacielos), y cuyos trabajos fueron unicamente para la televisión destacando la archifamosa "Bonanza"-1959-1960 que trabajó en la friolera de 31 episodios. Y en esta "opera prima" del director, cuidando sobre todo el humor visual y el complemento visual del humor verbal. Fue un trabajo entretenido, ágil y muy grato de ver, porque cuenta con algunos "gags" excelentes. Los exteriores fueron rodados en San Francisco y en la prisión de San Quintín.

  Y en cuanto a los actores pues todos excelentes y en sus puestos respectivos encabezado por Woody Allen, metido en el personaje de Virgil Starkwell un incompetente atracador. Seguido por Janet Margolin, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979) como Louise; Marcel Hillaire, "Zafarrancho en el casino" ("The Honeywonn Machine"-1961) como Fritz el director; Jacqueline Hyde, "Danzad, danzad, malditos" ("They Shoot Horses Don’t They?"-1969) como Miss Blair.

  En definitiva: Una estupenda película que vale mucho la pena verla, sobretodo para observar como fue el comienzo de un genio.  Sobresaliente.

  Como curiosidad, la película tuvo un presupuesto de 1,5 millones de dólares, y se estrenó el 18 de agosto de 1969 en Manhattan (Nueva York).

 

23/10/2016 10:17 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                         Andrzej Wajda

        Máximo exponente de la Escuela de Cine polaca

  El pasado dia 9 falleció en su casa de Varsovia a los 90 años de edad y a causa de una insuficiencia respiratoria el cineasta polaco Andrzej Wajda.

  Wajda ha sido una de las figuras de la escuela polaca de cine, autor de obras de contenido político y sobre la historia de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial, participó en política como senador.

  Hijo de un funcionario polaco que murió en la Segunda Guerra Mundial, Wajda se incorporó con su padre al movimiento de resistencia cuando aún era un adolescente. Tras la guerra estudió pintura y luego cine en la Escuela Nacional Superior de Cine, Televisión y Teatro León Schiler de Lódz. Trabajando con uno de los mejores directores polacos de la época, Aleksander Ford, Wajda fue evolucionando hasta dirigir su primera película, "Generación" ("Pokoleine"-1955), una película antibélica que contó  con el actor Zbrgniew Cybuski, y un joven Román Polanski. Con Cybuski volvió a rodar "Kanal"-1957, de tema parecido a "Cenizas y diamantes" ("Popiól I Diament"-1958). Tras la muerte de su viejo amigo Cybulski, dirigió "Todo está a la venta"-1969.

  En la década de los setenta, con trabajos como "La tierra de la gran promesa" ("Ziemia obiecana"-1975), Wajda adoptó, cada vez un tonp más político y realizó dos películas apoyando al sindicato Solidaridad, "El hombre de mármol" ("Cziowiek marmuru"-1977) y "El hombre de hierro" ("I’ Homme de fer"-1981). Esta última, en la que aparecía Lech Walesa, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Los constantes conflictos de Wajda con el Gobierno le llevaron a exiliarse a francia, pero siguió trabajando con regularidad.

  Tras la caida del comunísmo en Polonia en 1989, Wajda volvió a casa y renaudó su carrera cinematográfica al tiempo que participaba de forma más directa en la política como senador. A diferencia de trotamundos como Kzyszfof Kieslowski, Wajda rara vez salía de Plolonia para realizar sus películas, aunque los temas cada vez eran más diversos. En 1999 le concedieron un Oscar honorífico. Luego dirigió "Zemsta" ("La venganza"-2002), que le volvió a reunir con Polanski por primera vez  desde que trabajaran juntos a principio de los años cincuenta. Su último trabajo y ya con 90 años de edad fue "Powidoki"-2016.

  Andrezj Wajda -Suwalki (Polonia)-6-marzo-1926-Varsovia (Polonia)-9-octubre-2016

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

                                    

  "Nunca pensamos que viviriamos para la caida de la Unión Soviética y ver Polonia como un pais libre."

                                              (Andrezj Wajda)

 

 

25/10/2016 18:16 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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