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Febrero 2014 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Febrero de 2014.

Hasta siempre!!!

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                  Joan Fontaine

             Un icono del cine de los 40

  Joan Fontaine considerada una de las leyendas del "Hollywood dorado" falleció el pasado dia 15 de diciembre a la edad de 96 años en su residencia de Carmel (California).

  Joan Fontaine era la hija menor de Walter de Havilland, abogado y de Lilian Augusta Rose, actriz británica conocida como Lilian Fontaine (por su segundo marido). Joan nació en Tokio (Japón) debido a que su padre Walter ejercía allí. Era la hermana menor de la mítica actriz Olivia de Hallivand, con la que estuvo enemistada durante los últimos 38 años de sus vidas. Ambas hermanas asistieron a la escuela Los Gatos High School en Belmont (California).

  Cuando Joan Fontaine contaba apenas dos años de edad, sus padres se divorciaron, Joan entonces era una niña enfermiza que había desarrollao una anemia. Por prescripción de los médicos, la madre se trasladó con sus hijas a los Estados Unidos donde se asentaron en la ciudad de Saratoga (California). La salud de Joan mejoró rápidamente y pronto empezó a tomar leciones de dicción junto a su hermana. También fue una niña muy brillante que obtuvo un valor de 160 en un test de inteligencia a los tres años. A los 15 años, joan volvió a Japón donde vivió con su padre durante varios años.

  Cuando volvió a Estados Unidos, siguió los pasos de su hermana Olivia y empezó a aparecer sobre los escenarios y en películas, pero no obtuvo el permiso de su madre, quien prefería que fuera su hermana quien usara el apellido de la familia. Fue entonces cuando Joan se vió forzada a inventarse un nombre (primero fue Joan Burfield y finalmente Joan Fontaine, utilizando el apellido de su padrastro y también antiguo nombre de su madre sobre los escenarios).

  Joan hizo su debut sobre los escenarios en la producción "Call It A Day"-1935 y pronto recibió una oferta para firmar un contrato con la RKO. Su debut en el cine fue un pequeño papel en la película "No más mujeres" ("No More Ladies"-1935). También fue seleccionada para aparecer en la primera película de Fred Astaire sin Ginger Rogers para la RKO "Señorita en desgracia" ("A Damsel in Distress"-1937) peo la película fue un fracaso. Continuó apareciendo en pequeños papeles durante una docena de películas, pero su contrato expiró en 1939 y no fue renovado. Ese mismo año se casó con su primer marido, el actor inglés Brian Atherne.

  Su suerte cambió una noche en la que asistió a una cena donde tuvo la fortuna de sentarse cerca del poderoso productor David O. Selznick, quien había producido "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wing"-1939). Durante la cena, ella y el productor hablaron sobre la novela "Rebeca" de Daphe Du Maurier. A raiz de la charla, Selznick le pidió que hiciera una audición para el papel de la heroína. A partir de ese momento aguantó seis meses de pruebas y audiciones junto a cientos de actrices, hasta que se aseguró interpretar el papel.

  La película "Rebeca" ("Rebecca"-1940) supuso el debut en el cine norteamericano del director británico Alfred Hitchcock. Joan Fontasine tuvo por compañeros de reparto a Laurence Oliver y Judith Anderson. La película fue estrenada en 1940 y Joan fue candidata al Oscar a la Mejor actriz, pero el premio se lo llevó Ginger Rogers por su papel en "Espejísmo de amor" ("Kitty Foyle"-1940). Tampoco resultó premiada Judith Anderson, nominada como mejor actriz secundaria.

  Joan Fontaine volvió a rodar con Alfred Hitchcock "Sospecha" ("Suspicion"-1941), junto a Cary Grant, y esta vez ganó el Oscar. Fue la primera y la única ocasión en que un actor del mago del suspense (hombre o mujer) ganaba la estatuilla.

  Precisamente ese año se hizo pública la enemistad entre Joan y su hermana Olivia, ambas fueron invitadas al Oscar, y (según el biógrafo Charles Highman) cuando Joan subió al escenario a recoger el premio, rechazó la felicitación de su hermana, en una ofensa entre ellas que no era la primera ni la última.

  Algunos años después, Olivia le devolvería el desplante a Joan cuando esta, que le esperaba con la mano extendida, vió rechazado el saludo. Esto se debió a unas declaraciones que había hecho Joan sobre el marido de Olivia, que era escritor, al parecer, Joan  se había mofado de él diciendo que tenía un largo historial de mujeres, y un solo libro escrito.

  Pero la mala relación entre las hermanas venía de la niñez, en una de sus peleas, Joan terminó herida con una fractura de clavícula. La rivalidad entre ellas fue conocida en el mundillo de Hollywood desde fecha temprana. Hacia 1938, durante el proceso de casting para "Lo que el viento se llevó", pusieron a Joan el papel de Melania en lugar del principal de Scarlata, a lo que ella respondió: "Para hacer el papel de tonta y pavisosa, llamar a mi hermana". Sea como fuere, el caso es que Olivia de Havilland terminó interpretando este papel, con el cual sería nominada al Oscar como mejor actriz secundaria.

  Las hermanas dejaron de hablarse por completo en 1975, porque, según declaraciones de Joan Fontaine, Olivia no la había invitado a un servicio religioso en memoria de su madre, Lilian de Havilland que había fallecido recientemente a causa de un cáncer. Por el contrario Olivia aseguró que había avisado a su hermana, pero Joan rechazó acudir alegando que tenía mucho trabajo.

  Ya a edad madura, Joan Fontaine afirmó que había tenido desavenencias con su hermana ya desde la niñez: "El odio, lo agotamos siendo jovencitas. Ahora nos ignoramos". Y explicó: "Olivia es un león, y yo un tigre, y la ley de la selva dice que no podemos llevarnos bien". Buena prueba de ello fue un acto organizado en Hollywood en 1978: acudieron ambas, y para evitar encontronazos las acomodaron en los extremos opuestos del recinto. Y en otra ocasión, fueron hospedadas en un  mismo hotel, y Joan exigió una habitación a diez plantas de distancia de su hermana.

  Convertida en ciudadana estadounidense en abril de 1943, Joan prosiguió su carrera artistica. Su éxito continuó durante los años 40, cuando destacó en algunos melodramas románticos. Entre sus películas más memorables están "La ninfa constante" ("The Constant Nymph"-1943) junto a Charles Boyer, "Alma rebelde" ("Jane Eyre"-1943) junto a Orson Welles, "Abismos" ("Ivy"-1947) dirigida por Sam Wood o "Carta de una desconocida" ("Letter frow an Unknown Woman"-1948) dirigida por Max Ophüls.

  Durante los años 50 su éxito decreció un poco, si bien participó en "Otelo"-1952 y en la película de aventuras mediavales "Ivanhoe" - 1952 al lado de Robert Taylor y Elizabeth Taylor. En 1953 viajó a España para rodar "Tres historias de amor" ("Decameron Nights") de Hugo Fregonese. Empezó a aparecer en la televisión y en el teatro. Así, en 1954 protagonizó en Broadway junto a Anthony Perkins la obra "Te y simpatía" ("Tea and Sympathy"), por la que obtuvo buenas criticas.

  Aún tuvo papeles significativos en el cine: en 1956 participó en el melodrama "Dos pasiones y un amor" ("Serenade"), junto a Mario Lanza, Vicent Price y nuestra Sara Montiel, y al año siguiente "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt") de Fritz Lang. También en 1957 rodó una película atípica para el género romántico entonces en boga: "Una isla al sol" ("Island in the Sun"), dirigida por Robert Rossen y donde Joan Fontaine tuvo por partenaire a un galán negro, Harry Belafonte. Las parejas interracionales eran entonces poco comunes en el cine, lo cual pudo explicar el fracaso comercial de esta película. Durante los años 60, Joan Fontaine continuó trabajando en el teatro, donde apareció en obras como: "Vidas privadas" y "Flor de cactus" ("Cactus Flower") y la producción austriaca "El león en invierno" ("The Lion in Winters").

  Su última película fue "Las brujas" ("The Witches"-1966) la cual también co-produjo. A partir de entonces realizó apariciones esporádicas en la televisión durante los años 70 y 80 y fue candidata a un Emmy por la telenovela "Ryan’s Hope" en 1980. Joan Fontaine fue también piloto con licencia, piloto de globo aerostático, una experta amazona, ganadora de concursos de pesca de atún, golfísta, experta cocinera y decoradora de interiores.

  Vivió sus últimos años en Carmel-by-the Sea en una relativa reclusión. Publicó su autobiografía, "No Bed of Roses" en 1979.

  Joan Fontaine se casó en cuatro ocasiones:

  Brian Aherne (1939-1945)

  William Dozier (1946-1951)

  Collier Young (1952-1961)

Alfred Wright Jr. (1964-1969)

Tuvo una hija Deborah Leslie Dozier en 1948 de su unión con Dozier, y otra hija, Martita, una niña adoptada de origen peruano, que huyó de su casa. Se sabe que Joan Fontaine también estuvo enemistada con sus hijas, posiblemente desde que descubrió que seguían manteniendo relación con su tia Olivia.

  Joan de Beauvoir de Havilland (Joan Fontaine) - Tokio (Japón) - 22 - octubre - 1917 - Carmel-by-the Sea (California) - 15- diciembre - 2013

                           ¡DESCANSE EN PAZ!

 

01/02/2014 20:17 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Rebeca (Rebecca-1940)

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            En recuerdo de : Joan Fontaine

     Anoche soñé que volvía a Manderley...

  Si amigos, así comienza uno de los mayores clásicos del cine y, por supuesto una obra maestra en todos los sentidos.

  "Rebeca" está basada en una novela gótica de Daphne DuMaurier "Mi prima Raquel" ("My Cousin Rachel"-1952), una célebre escritora nacida en Londres que gozó siempre de un ambiente muy refinado puesto que venía de una familia adinerada, su padre fue el productor y actor Gerard DuMaurier y su madre la actriz Muriel Beaumont y, entre ambos le dieron una educación exquisita.

  El guión lo escribieron el norteamericano Robert E. Shrewood "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Yerars of Our Live"-1946), un dramaturgo nacido en Nueva Rochelle co-fundador de la Playweight’s Company, una compañía productora muy significativa durante la Segunda Guerra Mundial y, llego a escribir varios discursos para el por aquel entonces presidente de Estados Unidos Franklin D. Roossevelt. Y por la inglesa Joan Harrison "Enviado especial" ("Foreing Correspondent"-1940), una productora y guionísta nacida en Guildford cuyos comienzos fueron en la Universidad de Oxford y en la Sorbona de Paris, tiempo después se convirtió en la secretaria de Alfred Hitchcock, llegando a convertirse en un de los mayores colaboradores del maestro del suspense.

  Y precisamente es el mago del suspense el realizador de esta historia y haciendo aqui su primera incursión en el cine norteamericano. Hablo por supuesto de Alfred Hitchcock "La ventana indiscreta" ("Rear Window-1954), un cineasta nacido en Londres, pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense de el thriller psicológico. Y a lo largo de su exitosa y extensa carrera configuró un estilo cinematográfico muy distito y muy memorable.

  Y aquí en esta su primera película, como digo para los estudios de Hollywood contándonos una historia que da fé de el porqué su nombre está con los más grandes cineastas de la historia.del cine.

  Asi pues, la historia nos mete en la vida de un aristócrata inglés llamado Maxim De Winter que un dia conoce en Montecarlo a una joven de origen humilde, dama de compañía de una millonaria americana. El aristócrata se enamora de la joven y acaban casándose y se van a vivir a la mansión inglesa de Wanderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la nueva señora de la mansión se da cuenta de que su marido no puede borrar el recuerdo de su difunta primera esposa...

  Una obra maestra. Una película que es todo un thriller psicológico con componente de drama, romance, misterio y cómo no de intriga policiaca y, por supuesto magnificamente narrada, ya que para mi, constituye todo un prodigio de misterio, de tensión y de intensidad. Y es que de verdad el debut de Hitchcock en el cine estadounidense no pudo ser mejor y no podía tener mejor reconocimiento a la hora de ser nominado a los premios Oscar.

  La película la podiamos dividir en tres partes. La primera, más distendida, en Mónaco. La segunda, casi de terror, en Manderley. Y la tercera más policiaca, en el barco encontrado donde "supuestamente" murió Rebeca. El propio Hitchcock dijo en cierta ocasión que la historia englobaba tres estilos literarios "el cuento de hadas", "el cuento de misterio" y el tradicional "cuento policiaco".

  Cuenta con escenas verdaderamente antológicas, pero en la que me metí más de lleno es donde el protagonísta masculino revela la verdadera naturaleza de Rebeca, y es que de verdad ese es el momento cuando la historia despega y el personaje de la difunta esposa cobra una dimensión mucho más atractiva. Y atención a la escena final el incendio de Manderley.

  Escenas maravillosamente filmadas en blanco y negro por George Barnes "El muchacho de los cabellos verdes" ("The Boy with Green Hair"-1948), un pionero director de fotografía con más de 140 películas en su historial, nacido en Pasadena (California), sus comienzos fueron para el cine mudo, y nominado en cinco ocasiones, sin embargo, solamente lo ganó una sola vez (precisamente en "Rebeca"). Y en esta historia llena de suspense haciendo gala de su profesionalidad y, en donde nos muestra unos fotogramas de muchisimos quilates, recreando de forma magistral el ambiente de aquella época. Y usando unos primeros planos casi mágicos.

  Como mágica y a la vez turbadora es la banda sonora creada por el maestro Franz Waxman "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), un compositor de origen judio nacido en Alemania (pero nacionalizado norteamericano) cuyos principios fueron en la Academia de música de Dresde, para un tiempo después y antes de emigrar a Estados Unidos trabajar como pianísta en una banda de jazz. Un compositor con doce nominaciones y además en su haber cuenta con varias condecoraciones entre ellas: la cruz del mérito de la República Federal Alemana, miembro honorario de la Sociedad Mahler y de la Asociación Internacional de las Artes y las Letras y un doctorado honorífico de las letras y humanidades. Y en esta obra maestra de la cinematografía universal aportando unos temas magistrales y dando un gran vigor orquestal para que la historia adquiera más aún ese clima de terror. Atención al tema "Love’s Old Sweet Song".

  Espléndida Joan Fontaine "Sospecha" ("Suspicion"-1941) como la señora DeWinter (nunca dicen su nombre), esa joven llena de delicadeza que sabe expresar con gran brillantez la fragilidad y el miedo que vive su personaje. Una mujer enamorada ciegamente que vive en un mundo extraño, ajeno a ello donde se siente incómoda e insignificante. Excelente Laurence Olivier "El principe y la corista" ("The Prince and the Showgirl-1957) como Maxim DeWinter un guapo y acaudalado aristócrata inglés, que se ha quedado recientemente viudo al fallecer su esposa Rebeca en un accidente marítimo. Pero que esconde dentro de él un terrórífico misterio. Y magistral Judith Anderson "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"-1956) como la Señora Danvers esa terrorífica ama de llaves cuyo nombre inunda toda la mansión. Un personaje casi inhumano que aparece en las estancias como un fantasma. Extraordinarios los tres, si señor.

  Pero en Manderley hay muchos y sólidos personajes más tales como: George Sanders "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) como Jack Favell un "tipo" que se autodescribe como "el primo favorito de Rebeca", Gladys Cooper "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) como Beatrice la hermana de Maxim, Nigel Bruce "El trigo está verde" ("The Corn Is Green"-1945) como el Mayor Lacy, el marido de Beatrice, Reginald Denny "Huida a Birmania" ("Escape to Burma"-1955) como Frank Crwley amigo y colaborador de Maxim y no podía faltar Leo G. Carroll "Con la muerte en los talones" ("Nort by Northwest"-1959) en el papel del Dr. Baker.

  En definitiva: Una película para revisitar una y otra vez porque es una de las obras maestras del gran Hitchcock. Una película que es una mezcla de historia, cuento gótico de fantasmas y un gran melodrama romántico. Una película que aumenta su capacidad de formación con el paso del tiempo. Matricula de Honor.

  "Rebeca" logró dos Oscar en 1940: Mejor película y Mejor fotografía en blanco y negro. Y obtuvo un total de once nominaciones.

  "Rebeca se estrenó el 13 de febrero de 1940 en una sala de la ciudad de Santa Bárbara (California).

  Como curiosidad, destacar que la aparición del director se produce casi al final. En las primeras películas el cameo de Hitchcock se produce al final, pero con el tiempo los colocaría al principio, ya que el público estaba más atento a localizar su aparición que a la propia película.

07/02/2014 10:29 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette-1948)

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             ¡Un ladrón! ¡Un ladrón! ¡Deténganlo!...

  Una obra maestra inclasificable del neorrealísmo italiano y séptima película dirigida por Vittorio De Sica.

  "Ladrón de bicicletas" está basada en una novela del poeta, grabador, pintor y escritor italiano nacido en Cupramontana, Luigi Bartolini un hombre considerado entre los grandes grabadores italianos del siglo XX y, formado en la Academia de Roma. También fue muy notable su trabajo como escritor y poeta con más de setenta libros publicados para grandes editoriales. Además fue colaborador de las principales revistas y periódicos italianos.

  El guión corrió a cargo de Cesare Zavattini, "Estación Termini" ("Stazione Termini"-1953) un guionísta nacido en Luzzara (Italia) y considerado uno de los principales teóricos y defensores del movimiento neorrealísta. Sus comienzos fueron como periodísta y pintor, y en 1934 comenzó su incursión en el cine. Fue muy importante su colaboración unos años después con el director Vittorio De Sica. Juntos realizarían películas sumamente inportantes y grandes obras maestras. Con Zavattini también colaboró el propio De Sica junto a Oreste Biancoli "Maciste el coloso" ("Maciste nella terra dei ciclopi"-1961), Suso Chechi D’Amico "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951), Gerardo Gherardi y Gherardo Guerreri.

  La película la dirige el gran Vittorio De Sica "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960), un oscarizado cineasta nacido en Italia concretamente en Sora y, una figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como norrealísmo italiano, al que contribuyó con muchas de sus películas. Cuenta en su haber con numerosos premios de cine sobresaliendo un gran premio en el festival de Cannes y sobre todo con cuatro Oscar de la Academia.

  Asi pues, De Sica nos lleva hasta una empobrecida Roma en tiempos de posguerra. Y en un hombre cabeza de familia que un buen dia y con muchoa apuros obtiene un empleo como pegador de carteles de cine. Pero para poder aceptarlo necesita una bicicleta, el hombre no la tiene porque un dia la empeñó. Su mujer empeñando el ajuar de su boda hace que su marido recupere la ansiada bicicleta. Asi comienza el primer dia de su trabajo, pero mientras pega uno de los carteles, un joven le roba el vehículo. Comienza entonces una odisea en compañía de su hijo para recuperarlo puesto que es indispensanle para la supervivencia de su familia. El hombre desesperado después de todo un dia de busqueda lo lleva finalmente a convertirse él también en un ladrón de bicicletas...

  Una pequeña gran joya del cine italiano, si señor. Una película sencilla pero de gran intensidad. Una obra clave del neorrealísmo italiano envuelta en un duro tono realísta, pero en este caso lo duro no es la crudeza de las imágenes o las situaciones si no la simpleza con la que acerca De Sica la pobreza de los habitantes de esa ciudad sumida en el caos del desempleo y con sus edificios en ruinas, y en este caso la de el protagonísta masculino y su familia. Es para mi pues, todo un documento perdurable de la maldita miseria de un hombre joven honrado y humilde que por los avatares de la vida le convierte de la noche a la mañana en un ladrón.

  Cuenta con escenas verdaderamente soberbias llevadas de la mano por Carlo Montuori "Un americano de Roma" ("Un americano a Roma"-1954), un director de fotografía y camarógrafo nacido en Cascalenda (Italia) que, a los doce años se trasladó a Milán donde vivia un tio suyo que era fotógrafo y fue allí donde aprendió el oficio para luego estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera. Y en esta gran historia con gran mensaje de por medio mostrándonos en un blanco y negro unas imágenes como digo sensacionales, pero también duras muy duras y conmovedoras y tan reales como era la época de su realización aquella época de posguerra. Hay escenas que ya forman parte de la historia del cine universal. La escena final antológica y desgarradora.

  Memorable la banda sonora del maestro Alessandro Cicognini "Escándalo en la corte" ("A Breath of Scanda"-1960), un compositor nacido en Pescara y, en donde recibió formación de música clásica en el Conservatirio de Música de Milán. Se le caracteriza porque en gran parte de su música para el cine solamente hace uso de pequeños conjuntos y de instrumentación inusual, en lugar de las partituras orquestales exuberantes muy comunes en el cine de la mitad del siglo XX. Y aqui dando un sutil acompañamiento musical, al que no se recurre frecuentemente, pero cuando se utiliza complementa perfectamente determinados momentos que requieren mayor intensidad y por supuesto colabora en la espectacularidad de sus dramáticas escenas.

  Sensacionales los actores todos no profesionales por aquel entonces pero dando la talla en todo momento. Comenzando por Lamberto Maggiorani "Ostia"-1970 metido en el cuerpo de Antonio, que es como el símbolo del hombre europeo de la posguerra. Un hombre que está angustiado por no poder sacar adelante a su familia. Un hombre que representa honradez hasta los límites de la necesidad, y mostrando la desesperación ante la insolaridad de una maldita sociedad. Seguido de Lionella Carrell "El oro de Nápoles" ("L’ors di Napoli"-1954) metida también en el cuerpo de Maria, la esposa de Antonio. Representando a la mujer de la sociedad machista, que no trabaja fuera de casa pero se ocupa de la familia. Es una mujer sacrificada y está centrada en solucionar los problemas familiares, hata tal punto que va a visitar a una vidente y pone su fe en ella para encontrar esperanza. Y con ellos Enzo Stariola "Corazones sin fronteras" ("Cuori senza frotiere"-1950) como el pequeño Bruno, el hijo de ambos. Un niño de apenas 8 años, pero que ya trabaja y así poder llevar un salario a casa. Es muy autónomo y tiene actitudes de adulto con respecto al trabajo y la responsabilidad que supone sus conocimientos sobre la mecánica de la bicicleta...pero es un niño que necesita admirar a su padre y se siente dolido cuando le tratan como a un niño o cuando ve a su padre acusado en público por robar una bicicleta.

  En definitiva: Una obra maestra de principio a fin. Un drama crudo, lacerante y terriblemente conmovedor. Una película que no ha perdido vigencia alguna, si no todo lo contrario, porque nuestra sociedad sigue siendo el estercolero injusto, banal e inhumano que nos retrata Vittorio De Sica en su "Ladrón de bicicletas".    Matricula de Honor.

  "Ladrón de bicicletas" logró en el año 1949 el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa. Además ese mismo año logró el Globo de Oro y el BAFTA en el mismo apartado.

  Como curiosidad el director Sergio Leone interviene en la película haciendo un pequeño cameo: el de un joven seminarísta que se resguarda de la lluvia.

  "La cámara quedará absolutamente abierta a todo lo que pase delante de ella" (Cesare Zavattini).

15/02/2014 10:36 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                Maximilian Schell

                           Intelectual y filántropo

  El pasado dia 1 y debido a "una enfermedad repentina y grave", según informó su agente Patricia Baumbuver falleció en Insbruck el actor suizo-austriaco Maximilian Schell. Un actor al que ningún papel se le resistía, un tipo duro con rasgos de galán cuyos padres huyeron de Austria (para instalarse en Suiza) cuando los nazis se anexionaron el territorio en 1938, en los albores de la Segunda Guerra Mundial. A medio camino entre el joven de aspecto impoluto y el hombre que nunca le pierde la cara al mundo, el actor conquistó Hollywood a base de tesón y talento, y sobre todo por esa imágen de tipo impasible al que no podias echarle un pulso.

  Paradojicamente, el Oscar le sobrevino por una excelente interpretación donde explotaba una coartada emocional extremadamente compleja la de Hans Rolfe,  el abogado de un criminal nazi en la magnífica "Vencedores o vencidos" ("Judgment at Nuremberg"-1961), de Stanley Kramer, donde se le recuerda por su duelo interpretativo con el legendario Spencer Tracy. Maximilian Schell ya había interpretado ese mismo papel en 1959, en el programa televisivo "Playhouse 90".

  La estatuilla llevó su nombre en 1961, pero el actor, al que sus amigos tenían por un hpmbre tozudo y altamente disciplinado, llevaba ya años entregado al universo de la actuación. shakesperiano de pro, disfrutó del éxito en el teatro con "Ricardo III" y "Hamlet" y debutó en el cine hollywoodiense en 1958 al lado de Marlon Brando en "El baile de los malditos" ("The Young Lions"). Según cuentan los cronistas cinematógráficos, los productores trataban de contratar a su hermana Maria Schell, pero un error hizo que fuera él el que acabara con un papel en la película. Sea como fuere, el actor se ganó la confianza de los mandamases que tres años después le escogieron para uno de los papeles clave de la producción más ambiciosa que jamás se ha hecho sobre un tema tan peliagudo como el del masivo juicio a los criminales de guerra nazi. Aquel en el que toda la cúpula del III Reich se sentó en el banquillo de los acusados durante el invierno de 1945, en la ciudad alemana de Nuremberg.

  Después de esta película (y del Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA e infinidad de pequeños premios a lo largo y ancho de la geografía estadounidense), Maximilan Schell se instalaría ya en la meca del cine e iniciaría una carrera que seguría brillando con "Topkapi"-1964, "Llamada para un muerto" ("The Deadly Affair"-1966), "Una tumba al amanecer" ("Counterpoint"-1967), "Odessa" ("Odessa File"-1974) o "La cruz de hierro" ("Cross of Iron"-1977). En 1978 recibió su segunda nominación a los Oscar por su delicioso trabajo en "Julia"-1977, un drama disfrazado de thriller, que le llevó a trabajar con Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

  Curiosamente, en 1979, el actor se embarcó en una producción Disney, que se convertiría en una de las películas de culto más recordadas de su carrera: "El abismo negro" ("The Black Hole"). En la misma, Schell interpretaba a un científico, Hans Reinhartd (en la excelsa tradición del "mad doctor" que tantas alegrias ha dado al cine fantástico) perdido en su megalomaniaco deseo de descubrir lo que había al otro lado del inmenso agujero negro. Rodeado de glorias como: Ernest Borgnine, Anthony Perkins o Robert Fooster, Schell se sacaba de la manga a un Frankenstein moderno que haría las delicias de los fans de este género.

  Después de esta película, largamente ignorada y gozosamente reivindicada años después, Maximilian Schell volvió a sus papeles de carácter, personajes de una fuerza a los que imponia una energía explosiva, llaménse Stalin o Federico el Grande, que combinaba con escapatorias a películas tan rotundas como "Vampiros"-1998 de John Carpenter, o superproducciones como "Deep Impact" también de 1998.

  Maximilian Schell - Viena - 8 - diciembre - 1930 - Insbruck (Austria) - 1 -febrero - 2014

                           ¡DESCANSE EN PAZ!

23/02/2014 16:50 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

La cruz de hierro (Cross of Iron - 1977)

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        En recuerdo de: Maximilian Schell

      ¿Qué haremos cuando termine la guerra?

       Prepararnos para la siguiente...

  Más que sobresaliente película de género bélico. Y según Orson Welles la mejor película anti-belicísta de la historia.

  "La cruz de hierro" está basada en una novela de Willi Heinrich, un excelente novelísta alemán nacido en Heidelberg que luchó contra los rusos durante la Segunda Guerra Mundial y, después de la guerra se convirtió en escritor, contando en su haber con cerca de treinta novelas.

  Del guión se hicieron cargo el neoyorkino Julius J. Epstein al que le debemos ni más ni menos que "Casablanca"-1942. Un escritor con un curriculum impresionante, graduado en la Universidad de Pennsylvania para un tiempo después trasladarse a Hollywood contratado por Jack Warner presidente de la Warner Brothers. Y por el alemán nacido en Heilbronn, Herbert Asmodi "El joven Törles" (""Der Junger Törles"-1966). Un célebre también guionísta además de autor teatral, de pequeño asistió a la escuela secundaria de su ciudad natal, para después licenciarse en historia del arte y filosofía alemana. Desde mediados de los años setenta se volcó en la poesia. Y en los ochenta publicó algunos cuentos. En 1984 se le concedió la Cruz Federal del Mérito.

  La película está dirigida por Sam Peckinpah "La balada de Cable Hogue" ("The Ballad of Cable Hogue"-1970). Un cineasta nacido en California y conocido especialmente por la controversia que se generó a raiz de la violencia en sus películas. Sus primeros estudios fueron de teatro concretamente en el Fresno State College de California, hasta que en 1961 se metió de lleno en el mundo del cine, su primera película como realizador fue "Compañeros mortales" ("The Deadly Companions") con Mauren O’Hara y Brian Keith en los papeles principales.

  La historia nos lleva a la Segunda Guerra Mundial que tras el desastre de Stanlingrado, el ejército alemán está en pleno despligue. Y en donde un noble y orgulloso oficial prusiano pide traslado al frente del este para conseguir a toda costa una cruz de hierro, la más alta condecoración germana. Pero allí chocará con un sargento que solamente lucha por la supervivencia y, que desprecia a todo aquel que lucha por los honores y la goria (a pesar de que este hombre ya tiene colgada en su haraposo uniforme esa cruz de hierro...

  Una película impactante, si señor, y es que el director californiano sabe como nadie filmar la violencia a pesar de que no estaba acostumbrado a este género. Pero supo narrar la dureza de la guerra, mostrándonos a unos soldados harapientos y desmotivados, cuyo único consuelo era sobrevivir.

  Magnífica la fotografia en color supervisada por la cámara de John Coquillon, "Perros de paja" ("Staw Dogs"-1971). Un director de fotografía nacido en La Haya (Holanda), cuyos comienzos fueron para el cine británico como asistente de cámara, para después convertirse en documentalísta, hasta que años después se dedicó al cine precisamente de la mano de Peckinpah. En 1980 ganó el Premio Genie a la mejor fotografía por su película: "Al final de la escalera" ("The Changeling"). Y en esta historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial mostrándonos unos efectos especiales sumamente acertados y con unos fotogramas llenos de gran realísmo y, en donde las secuencias de acción logran alcanzar en algunos momentos el hiperrealísmo.

  Muy buena, como cabe de esperar la banda sonora, creada por Ernest Gold, "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965), un compositor nacido en Viena (Austria), aunque nacionalizado estadounidense, ganador de un Oscar y un Premio Grammy. Un músico que creó casi cien pìezas originales tanto para el cine como para la televisión. También compuso un musical en Broadway en 1968 "Soy Salomon" ("I’m Solomon"). Y en esta historia impactante y desgarradora de cine bélico, deleitándonos con unos temas adaptados a la acción de la película, y donde tengo que destacar la descripción estridente y gozosa del estallido de la primavera que acompaña a las primeras secuencias. Sensacional Gold demostrándo que su Oscar por su película "Exodo" ("Exodus"-1960) no fue de pura casualidad.

  Magnífico el elenco interpretativo, con un James Coburn , "Los siete magníficos" (""The Magnificent Seven"-1960), metido en el uniforme del sargento Steiner, un hombre que detesta la ideología nazi, a los oficiales y a sus líderes, pero que se halla inevitablemente apegado a esa maldita guerra (posiblemente en el mejor papel de su carrera). Y Maximilian Schell, que ya venía con un Oscar debajo del brazo por su interpretación en "Vencedores y vencidos" ("Judgment at Nuremberg"-1961) en el papel del capitán Stranski, un oficial que busca la gloria a cualquier precio. Un hombre que solamente toma decisiones suicidas con tal de obtener la codiciada condecoración: "su cruz de hierro".

  Pero también nos encontramos a un soberbio James Mason, "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest"-1959), dando vida al general Brandt. Un hombre que mira la guerra como lo que es... la guerra. Y también David Warner, "En compañía de lobos" ("The Company of Wolves"-1984), también metido en el uniforme del capitán Kiesel. Atención a sus diálogos. Pero Peckinpah quiso dar también un toque femenino en esta película solamente hecha para hombres. Y asi podemos ver a la bellísima Senta Berger "La letra escarlata" ("The Scarlet Letter"-1973) como Eva una guerrillera rusa de la que se enamora el sargento Steiner.

  Resumiendo: Una película a la que se le puede catalogar como obra maestra del género. Una película emotiva, violenta, dura y perturbadora, pero también sumamente poética. Una película adelantada a su tiempo, y con un final imposible de olvidar. Y como no, altamente recomendable.   Matrícula de Honor.

  Como anécdota: Sam Peckinpah dirigió casi toda la película postrado en una camilla. Una camilla en la que iba y venía llevado, entre otros, por nada menos que Cliff Coleman: el ayudante de dirección de la película. Dada la categoría de su puesto, a Coleman le preguntaron por qué aceptaba una tarea de es bajo nivel. La respuesta fue contudente:

"Lo hago solo por el hecho de saber que puedo tirar a es cabrón al suelo en cualquier momento".

27/02/2014 19:12 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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