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Enero 2021 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Enero de 2021.

El cochecito (1960)

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  "Me dejarán el cochecito en la cárcel?"

  Obra maestra del cine de comedia-satírica y de nacionalidad española llevada al cine con un guión de Rsfael Azcona. Un escritor y guionísta nacido en Logroño y muy consideradp en el cine español con películas como: "El pisito"-1959, "Plácido"-1961 y "El verdugo"-1963, entre otras muchas joyas de nuestro cine. Comenzó como novelista y desde 1951 colaboró en revistas humorísticas como "La codorniz". Gracias al director itaiano Marco Ferreri entró en el mundo del cine, del que ya nunca abandonó.

  En 1999 reescribió su primera novela, "El pisito", que a todos los efectos, según el critico Juan A. Rios Carratalá. editor de la nueva edición es "a todos los efectos, un relato escrito basado en la película que a su vez, se inspiró en la novela de 1957". Es el guionista (hasta la fecha) con mayor número de Premios Goya (6) y nominaciones (12) en las categorias a Mejor guión original y Mejor guión adaptado, además del Goya de Honor que recibió en 1998.

  Asi pues, Ferreri nos lleva a Madrid en los meses de invierno de 1960 y nos mete en la vida de Don Anselmo, un jubilado de más de 70 años que vive en la casa de su hijo Carlos, un procurador de oficio, del cual depende economicamente. Don Anselmo comparte amistad con Lucas, que adquiere un cochecito a causa de su discapacidad motriz que le afecta...

  La película es una comedia dramática, muy bien pertrechada de elementos surrealistas, esperpénticos, negros e irónicos, que son presentados bajo la apariencia de un relato neorrealísta. Se muestra como personas con discapacidad pueden integrarse socialmente y desarrollar una vida saticfactoria. Explica que personas en situación de riesgo social pueden verse empujadas a la marginación y exclusión social por causas diversas (incomprensión familiar, insuficiencia de recursos, edad avanzada, dependencia económica, etc.).

  Explica que los picaros tienden a aprovecharse injustamente de la debilidad ajena para imponer sus intereses y obtener beneficios, que los ancianos tienen dificultades específicas de relación y comunicación que deben ser atendidas, que la indiferencia ante personas en situación de riesgo social  genera marginación, que las personas con discapacidad pueden crear entre ellas relaciones de exclusión, que la ciudad es un lugar muy apto para las actividades integradoras.

  No falta en la película la escena de una comilona (reúne a Alvárez, don Vicente y don Anselmo). Pueden verse criticas al régimen autoritario del pais y a su situación politica y económica en unos momentos de incertidumbre y cambio. Con todo, el objeto de la pelicula consiste en ofrecer, sobre tdo, un discurso de humor basado en lo ridiculo, grotesco y esperpéntico que acompaña con frecuencia a la condición humana.

  De la música se encargó Miguel Asins Arbó. Un compositor nacido en Barcelona. En 1944 ingresó por opsición en el Cuerpo de Directores del Ejército de Tierra con el número uno de su promoción. Se retiró del ejército con el grado de comandante, y pasó a ocupar la cátedra de acompañamiento en el Conservatorio de Música de Madrid. Compuso una multitud de géneros: orquesta, banda de música etc., contribuyendo eficazmente al incremento del repertorio  sinfónico valenciano (aunque nacido en Barcelona su carrera la desarrolló totalmente en Valencia) de estas agrupaciones, para el cine, música de cámara, canciones, etc..

  Para el cine compuso música en muchas y variadas películas donde hay que destacar: "Plácido"-1962, "El verdugo"-1963 y "La vaquilla"-1985 entre como digo oytras muchas mas. En 1950 ganó el Premio Nacional de Múica.

  Y aqui, aportando una partitura original para banjo y percusión, que hace crear un clima extraño y popular, muy acorde con la acción.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Juan Julio Baena. Un director de fotografia nacido en Alcazar de San Juan (Ciudad Real). Comenzó su carrera en el cine en 1959 con "Los golfos" de Carlos Saura y en 1960 con "El cochecito". Obtuvo la medalla del CEC a la mejor fotografia por "Búsqueda de las estrellas". Cuenta también en su haber con "La tia Tula" y "Con el viento solano" ambas de 1965. También trabajó para la televisión en 1968 en la serie "Cuentos y leyendas".

  Y aqui, recreándose con unos planos largos y distantes, que alejan los personajes del espectador y propician la no identificación  de éste con aquellos. De ese modo se establecen espacios abiertos a la ironía, la ridiculización y el sarcasmo. Con frecuencia se muestra a los discapacitados de espaldas y a cierta distancia. Abundan las tomas en exteriores de Madrid, que tienen gran valor documental (escolares de uniforme acompañados de dos monjas de la Caridad, visitas al cementerio, obras en la via pública, tráfico, etc.).

  Sensacional (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de Don Anselmo. Y con él otro grande de nuestro cine José Luis LópezVázquez, "Mi querida señorita"-1972 como Alvarito. Seguidos por: Pedro Porcel, "El sol en el espejo"-1963, como Carlos el hijo de Don Anselmo; Maria Luisa Ponte, "Moros y cristianos"-1987 como Matilde; José Lepe, "Plácido"-1961 como Lucas; Angel Alvárez, "El anacoreta"-1976 como Alvárez; Maria Isbert, "El primer divorcio"-1982 como Andrea; Chus Lampreave, "Volver"-2006 como Yolanda...

  En definitiva: Uno de los grandes clásicos del cine español (y europeo). Una feroz critica social y un impresionante trabajo del gran José Isbert. Matricula de Honor.

  "El cochecito" logró el Premio de la critica en el Festival de Venecia en 1960.

 

 

 

08/01/2021 09:39 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Viridiana (1961)

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    Viridiana: "Yo no soy como usted, que tiene a su esposa".

    Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga".

  Otra  de las obras maestras del cine español y de género dramático llevada a la pantalla de una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelista, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialistas y estudiosos de su obra como el mayor novelista español después de Cervantes.

  Del guión se encargaron Julio Alejandro. Un poeta y escritor nacido en Huesca, Fundamentalmente conocido por su labor como guionista de Luis Buñuel y considerado como uno de los mejores guionístas de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Eeliz Año amor mio". A principios de los años 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creada en colaboración con Salvador Dali. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apólitica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica. Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera"-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 realiza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza y en la finca de don Jaime, tio de una chica llamada Viridiana allá en 1960. Esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por redección de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana, que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, idealísta y frágil. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficionado a la música de órgano. Jorge hijo biológico de don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película suma drama y análisis sociológicos. Enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en don Jaime a causa de su gran parecido que tiene con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de Viridiana se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos del tio.

  El idealismo y la ingenuidad de la joven novicia entran en conflicto con el espiritu materialistsa y utilitarista de su primo Jorge. La personalidad, las creecias y las actitudes de Viridiana se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perspectivas.

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convinciones. Como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestacciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdotes, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes, como el cuchillo que se dobla en forma de cruz, de fabricación nacional y de libre circulación en el mercado del momento. Una hoguera de objetos en desuso evoca, posiblemente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilía, abusos sexuales, intentos de violación, vouyerísmo, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...).

  Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, simbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enajenados, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan las metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, La paloma blanca muerta y desplumada es una premonición de la pérdida de la inocencia.etc.

  La banda sonora fue dirigida por Gustavo Pittaluga. Un compositor y director de orquesta nacido en Madrid. estudió derecho y al mismo tiempo música con el maestro Oscar Esplá. Tras la guerra civil se estableció en México y alli compuso bandas sonoras para varias peliculas de Luis Buñuel como "Los olvidados"-1950. En 1962 regresó del exilio y se estableció en Madrid, donde llevó una vida apartada de toda actividad pública.

  Y aqui, ofreciéndo fragmentos del "Aleluya" de Händel, de la "Misa de Requiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonia de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Sake Your Cares Away").

  La fotografía en blanco y nrgro fue obra de José Aguayo, Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última, intervino en casi más de 120 películas. Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos miticos como: "Locura de amor"-1948 y "El ùltimo cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos obras maestras que realizó en España "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, componiendo unas imágenes evocadoras y sugestivas, que traen a la memoria, la vieja España negra. En varios pasajes se inspiró en grandes maestros de la pintura (Goya, Jean-François Millet y Da Vinci).

  Magistral el mano a mano entre dos monstruos del cine español: Francisco Rabal, "Llanto por un bandido"-1964 y Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1980. Rabal dando vida a Jorge y Rey a don Jaime, y entre los dos una gran Silvia Pinal, "Maribel y la exraña familia"-1960 metida en el cuerpo de Viridiana.

  Y atención a los secundarios de lujo como por ejemplo: José Calvo, "Carta de amor de un asesino" -1973 como don Amalio; Margarita Lozano, "Los Tarantos"-1963 como Ramona; José Manuel Martin, "El último viaje"-1974 como el Cojo; Joaquin Roa, "Jenaro, el de los 14"-1974 como don Ezequiel; Lola Gaos, "Tristana"-1970 como Enedina; Maria Isbert, "El bosque animado"-1987 como Beggar. Y para terminar Teresa (Teresita) Rabal, "Los buenos dias perdidos"-1975 como Rita, la niña.

  En definitiva: Una película de Buñuel segundo por segundo. Una película tan satánica como celestial. Una película  para verla una y mil veces más.  Matricula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de curiosidad: Fue la primera película que Buñuel rodó en España tras su marcha del pais en 1938. Se rodó en escenarios naturales de una finca de las afueras de Toledo y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

 

 


 

13/01/2021 18:18 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth -1962 )

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  "La gran diferencia entre la gente no está entre ricos y pobres o entre buenos y malos, sino entre los que supieron amar intensamente y los que jamás lo lograron porque no conocieron el amor". (Chance Wayne).

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una adaptación de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la Fraternidad "Alph Tau Omege", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y en 1947 escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York donde ejerció diversos trabajos y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematohráfica de la novela de éxito "El zoo de cristal". Se confirmó  dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Richard Brooks. Un cineasta nacido en Filadelfia. Tuvo una carrera variopinta. Guionísta convertido en director ganó su único Osacar por el guión "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), si bien fue nominado por otras películas como director y guionísta.

  Aprovechó su experiencia como marine durante la 2ª Guerra Mundial para realizar, una serie de películas de acción cuya uníca fábrica es la plasmación sensible de la camaraderia masculina, buenos ejemplos de ello son las películas bélicas "Campo de batalla" ("Battle Circus"-1953) y "Hombres de infanteria" ("Take the High Groundi"-1953), asi ciomo los westerns revisionistas "La última caza" (The Last Hunt"-1956) y "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), donde se manifiesta su habilidad para delinear distintos tipos de hombres,

  No se le dió tan bien en el género dramático, incluyendo la película con la que debutó "Crisis"-1950, basada en un guión propio. El melodrama"La última vez que vi Paris" ("The Last Time I Saw Paris"-1954), con el tratamiento de una crisis matrimonial propio de Fitzgerald, carece de intensidad emocional.

  Richard Brooks consiguió sus mejores éxitos con dos adaptaciones de Tennessee Williams, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) y "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth"-1962), quizás porque en ellas aparecen el tipo de crisis en la vida de un hombre que el podia entender.

  "Lord Jim"-1965, una pelicula más ambiciosa, dió a Peter O’Toole la oportunidad de retomar, el enigmático moralismo expresado en su papel de T, E. Lawrence, Brooks confirmó a ese drama interior un entorno adecuadamente épico.  "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967), basada en la novela de Truman Capote, es un drama brutal sobre la vida real, mientras que "Buscando al señor Goodbar" ("Looking for Mr. Goodbar"-1977) hace un uso memorable de un material dificil pero muy atractivo para un público moderno.

  La acción pues, tiene lugar en Gulf Coast (Florida), ciudad natal de Chance Wayne, a lo largo de unos pocos dias de un verano. Y nos cuenta la historia de Chance, un apuesto y seductor, sin suerte en la vida, que ha trabajado en oficios infímos. Residió durante un tiempo en Hollywood para abrirse camino como actor en el mundo del cine. Tras innumerables fracasos, se dedica a trabajar ciomo gigoló de mujeres adineradas y solitarias. En Palm Beach ha conocido recientemente a Alejandra del Lago, una actriz de mediana edad, en plena decadencia profesional y personal a causa del alcohol y las drogas...

  La película muestra una sociedad dominada por el deseo, el sexo, la prostitución, la hipocresía, la codicia, los abusos de poder, la violencia doméstica y la corrupción. Como en otras novelas de T. Williams, la acción se ubica en una localidad del Sur de Estados Unidos, en el marco de una sociedad conservadora, clasísta y retrogada.

  La tensión dramática llena la película en un crescendo que culmina hacia el final en una sucesión de escenas violentas y desgarradoras, que ponen al descubierto la bajeza de las personas humanas amparadas en la venganza y la violencia inmisericorde (desfiguración del rostro de Chance).

  La narración hace uso de flashbacks para explicar hechos de los años de juventud de Chance, con referencia al inicio de la Guerra de Corea (1950-53), en la que participó, el amor juvenil de Chance y Heavenly, el embarazo de ésta y la expulsión del lugar por Tom "Boss" Finley, padre de la chica, cacique del lugar y alcalde del mismo.

  Son escenas destacadas la conversación telefónica de Alejandra con un critico de cine, la de Alejandra borracha en el bar del hotel y el mítico salto del cisne de Chance desde el trampolín de una piscina; El protagonísta se enfrenta a su pasado con deseos de redención en una ciudad donde muchos le odian y nadie le quiere, salvo Heavenly y la tia Nonnie.

  La banda sonora corrió a cargo de Robert Ambruster. Un compositor y director de orquesta nacido en Filadelfia. Después de estudiar con Constantin von Stranberg se convirtió en concertista de piano, luego se dedicó a la dirección y composición para la radio y más tarde para el cine y la televisión. Debutó como pianista con la Orquesta de Filadelfia a los ocho años. En su adolescencia comenzó a grabar rollos de piano para el Duo-Art de Aerolian Company. Durante la década de 1940 fue director de la NBC Hollywood Orchestra para muchos especiales benéficos. Entre sus grandes bandas sonoras para el cine caben de destacar: "Dos semanas en otra ciudad" ("Two Weeks In Another Twon"-1962), "Castillos en la arena" ("The Sandpiper"-1965) y "A quemarropa" ("Point Blank"-1967) entre otras.

  Y en esta tragedia de gran fuerza dramática, incluyendo solos de piano, melodias de viento y una composición orquestal romántica (escena del faro).

  La fotografía en color y formato Cinemascope fue dirigida por Milton R. Krssner. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Es muy recordado por su trabajo en la década de 1950 para la 20th Century Fox, donde fotografió muchas películas en color y Cinemascope, incluidas "Demetrius y los gladiadores" ("Demetrius and the Gladiators"-1954) y "Las lluvias de Ranchipur" ("The Rains of Ranchipur"-1955). Logró el Oscar a la Mejor fotografía en color por "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954).

  Y en esta historia de desengaños y sueños frustrados, moviendo la cámara con diligente suavidad y haciendo uso de una paleta de cremas y azules pálidos que realzan el dramatísmo de la acción.

  Sensacional Paul Newman, "El largo y cálido verano" ("The Long, Hot Summer"-1958) metido en el cuerpo de Chance Wayne, un fracasado aspirante a actor convertido en gigoló de mujeres maduras y adineradas. Y al lado de Newman la gran Geraldine Page, "Verano y humo" ("Summer and Smoke"-1961) dando vida a Alejandra del Lago, una estrella en decadencia.

  Y junto a ellos: Ed Begley, "Doce hombres sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como "Bob" Finley, el cacique del pueblo; Shirley Knight, "El color de la noche" ("Color of Night"-1994) como Heavenly, antigua novia de Chance e hija de "Bob"; Rip Torn, "Coma"-1978 comoThomas el hijo mayor de "Bob"; Mildred Dunnock, "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1975) como la tia Nonnie...

  En definitiva: Una película de grandes interpretaciones y extraordinario vigor dramático.  Matricula de Honor,

  Ed Begley logró el Oscar al Mejor actor de reparto.

  A modo de curiosidad: La película se estrenó en España el 18 de marzo de 1963.

 

 

22/01/2021 12:33 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El gatopardo (Il gattopardo - 1963)

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  "Hace falta que todo cambie, para que todo siga igual".

  Obra maestra de género dramático-histórico y de nacionalidad italiana, adaptada de la novela de el mismo título  de Giuseppe Tomasi di Langedusa, principe de Langedusa, escrito a partir de recuerdos de su bisabuelo, Giulio IV de Langedusa. El guión corrió a cargo de varios escritores y guionístas: Suso Cecfhi d’Amico. Una de las más famosas guionistas del cine italiano, nacida en Roma. Especialmente por sus guiones para Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Mario Monicelli y otros realizadores del neorrealísmo italiano. Era conocida como La Reina de Cineccittá. Otro fue Pasquale Festa Campanile. Un guionísta nacido en Melfi (Italia), también director de cine y muy conocido, sobre todo como un destacado exponente del género "comedia alli italiana".

  El tercero fue: Massimo Franciosa. Un guionista y director nacido en Roma. Esribió para 72 películas entre 1955 y 1991. También dirigió nueve películas entre 1963 y 1971. El cuarto fue: Enrico Medioli. Un guionísta nacido en Parma (Italia). Fue uno de los guionístas más conocidos de Italia. Coescribió siete películas con Visconti y trabajo con directores como Valerio Zurlini, Sergio Leone, Liliana Cavani, entre otros. Con Visconti logró una nominación al Oscar por "Los condenados" (·The Damned"-1969).

  El quinto y último al mismo tiempo director fue Luchino Visconti. Un cineasta nacido en Milán. Muy respetado como director de cine y teatro, nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculada al Partido Comunista italiano durante toda su vida. Al proceder de una familia aristocrática, sus películas a menudo manifestaban la lucha entre sus convinciones políticas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado"Obsessión" ("Ossessione"-1943), la adaptacion que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces", la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimieto cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalísta.

  Temáticamente. la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la pelicula influería en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales, muchos de los cuales eran pescadores locales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después que se enterrara el neorrealóismo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso como "El gatopardo"("Il gattopardo"-1963). "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960) significó un retorno al discurso social presagiado por sus primeras películas, aunque también subrayó su interes por la vida familiar rota y por los efectos de una decadencia social omnipotente.

  Las últimas películas de Visconti, suelen ser  oscuras, y a veces obsesivas, como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta Sicilia en la residencia familiar de Palermo y en el palacio de verano de los Salina en Donnafugatta, entre mayo de 1860 (desembarco de Garibaldi en Marsella) y septiembre de 1862 (tras la victoria en Aspromonte de las tropas del coronel Pallavicino sobre las revoluciones de Gribaldi). El principe siciliano Fabrizio Salina, consciente de los cambios que se imponen, acepta colaborar con la nueva burguesia, renunciar a algunos privilegios y hacer concesiones. apoya la participación de su sobrino preferido, Tancredi Falconeri, en la lucha armada liderada por Garibaldi, su boda con Angélica hija de un alcalde garibaldino enriquecido y sus aspiraciones politicas dentro del nuevo estado. Fabrizio de 45 años, es orgulloso, pragmático y conciliador. Tancredi, de unos 23 años, es ingenuo, apasionado y ambicioso...

  La película pues, suma drama, historia, romance y guerra. Focaliza la atención en la ocupación de Sicilia por Garibaldi en 1860, la celebración del plebisticio de incotporación al Reino de Piamonte-Cerdeña y la etapa de tensión hasta la victoria de Pallavicino sobre Garibaldi en 1862, que afianza la monarquia de Victor Manuel II.

  Fabrizio Salina encarna en su persona y en la representación que ostenta de la aristocracia, el crepúsculo de una era, el inicio de unos nuevos tiempos, la nostalgia del pasado y la incertidumbre sobre un futuro liberado y asentado sobre los principios del estado constitucional. La frase de Tancredi, repetida varias veces por Fabrizio ("Todo ha de cambiar para que todo siga igual") se revela como una expresión. Los propósitos de pacto con la burguesia sobre reparto de influencias y poder no evitarán la marginación de la aristocracia que se verá desplazada cada vez más del poder real.

  El protagonista, inmerso en un drama que comprende, pero que no puede evitar, cae en un estado de desazón e inquietud dominado por las obsesiones de la muerte, el envejecimiento, la pérdida de la juventud y el deterioro del vigor físico y la salud. Cree que los cambios inevitables se demorarán en Sicilia mucho tiempo (100 o más años).

  Su visión pesimista y desesperanzadora de Sicilia, los sicilianos, los leopardos y leones (aristócratas) y las hienas y chacales (burgueses), se da acompañada de inseguridades crecientes que ponen en tela de juicio sus opiniones iniciales. (De ahí que su estado de ánimo, sometido a tensión e incertidumbre, cada vez más se asemeje al de un gigante que se derrumba.

  La película desarrolla dos discursos paralelos: el explícito, que discurre a la vista de todos, elducurado y plagado de disimulos, y el interior, callado, oculto, silencioso y descarnado. No se expresa con palabras, sólo con gestos casi imperceptibles y referencias ambientales.

  El baile de despedida antes del regreso a Palermo tiene el valor de última gran celebración social de una era que muere y no volverá. El esplendor de la fiesta destila aires de despedida de los que se van y de bienvenida de los que llegan. La alegria aparente está trucada de  melancolía, añoranza y desgarro. Fabrizio constata que su tiempo ha pasado. El deseo que siente por Angélica topa con la barrera de 25 años de separación y con el muro, infranqueable para él, de las diferencias de clases.

  Pocas figuras de la aristocracia son tan eminentes como la del Principe de Salina en la hostoria del cine. Pocas figuras como la suya han sabido representar la nostalgia del pasado que se fue,la pena por la juventud perdida, el temor a la muerte y a la vejez inminentes y la desolación por el futuro de olvido que se impone.

  La banda sonora fue de Nino Rota. Un compositor de musica clásica y cinematográfica nacido en Milán. El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Es mayormente conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas de Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcadamente romántica, destacando especialmente sus secciones de madera y cuerda. También dominó a la perfección la composición para voz. Sus bandas sonoras de "La Strada"-1954, "La dolce vita"-1960, "Ocho y medio"-1963, "Amarcord"-1973 y "Casanova"-1976 rivalizan en fama con las que compuso para Luchino Visconti como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) entre otras. Lina Wertmüller "Amor y anarquia"-1973; René Clement, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y para "Romeo y Julieta"´-1968 de Franco Zeffirelli. Ganó un Oscar por "El padrino II" ("The Godfather II"-1974) compartido con Carmine Coppola.

  Y aqui, adaptando una vieja composición original, realizada durante la 2ª Guerra Mundial titulada "Sinfonia sopra una canzone d’amore". que gustó mucho a Visconti. De carácter sinfónico, contiene cortes adaptados a la acción ("Entrada de Angélica"), relatos personales ("Angélica") y composiciones singulares ("Finale"). También ofrece valses, polcas, mazurcas y un "galop" creados por rota. Adapta un vals inédito de Verdi ("Vals brillante") y añade dos fragmetos de "La Traviata" (Verdi) y uno de "Sonámbulo" (del siciliano Bellini).

  La fotografía en color y Cinemascope fue llevada a cargo por Giuseppe Rotunno. Un director de fotografía nacido en Roma. Colaboró con varios directores italianos célebres, entre ellos: Vittorio De Sica "Ayer hoy y mañana" ("Ieri, oggi, domeni"-1964) y Luchino Visconti en "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960). Fué nominado al Oscar por "Empieza el espectáculo" ("All that Jazz"-1979). Fue el primer miembro no estdounidense admitido en la Sociedad Estadounidense de Cineastas en 1966.

  Y aqui, mostrándo con complaciencia la suntuosidad de los decorados y del vestuario. La magnificiencia de las fiestas y el esplendor del baile. Ofrece composiciones inspiradas en pinturas de Eugéne Delacrois (1798-1863) y William Hogarth (1697-1764).

  Colosal Burt Lancaster, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962) metido en  cuerpo y  alma en el personaje del Principe Fabrizio Salina. Y junto a él dos grandes del cine mundial el gran Alain Delon, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y la bellísima Claudia Cardinale, "La pantera rosa" ("The Pink Panther"-1963), Delon dando vida a Tancredi Falconeri, el sobrino preferido de Fabrizio, Cardinale como Angélica Sedara, hija de un alcade garibaldísta.

  Y compartiendo estrellato en esta obra maestra de Visconti, unos secundarios de auténtico lujo del cine italiano, comenzando por Paolo Stopa, "Becket"-1964 como don Cologero Sedara, padre de Angélica; Rina Morelli, "El bello Antonio" ("Il bell Antonio"-1960) como Maria Stella Salina, esposa de don Fabrizio; Romolo Valli, "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971) como Perone, y atención que también nos encontramos y en una de sus primeras películas a Terence Hill, "Le llamaban Trinidad" ("Lo chiamavano Trinitá"-1970) como el conde Cavriaghi (aunque en los titulos de crédito aparece como Mario Girotti, su nombre de pila)...

  En definitiva: Una obra maestra absoluta y toda una lección suprema de cine, y con el baile más bello y mejor filmado de la Historia del Cine.   Matricula de Honor.

  "El gatopardo" estuvo nominada al Oscar al Mejor vestuario en color. Y logró la Palma de Oro en el Featival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Burt Lancaster y Claudia Cardinale volvieron a trabajar juntos trea años más tarde en "Los profesionales" ("The Professionals"-1966). Aunque en papeles muy distintos a "El gatopardo"

26/01/2021 11:12 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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