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El graduado (The Graduate - 1967)

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  "Benjamin, quieres venir aqui un momento, no pienso repetirtelo."

  "Sra. Robinson, oh, oh, oh"...

  Muy buena película de género dramático-romántico y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles Webb. Un escritor y novelista nacido en San Francisco. Su primera novela fue publicada en 1963 bajo el titulo de "El graduado". A pesar de ser reconocida por la película del mismo nombre, es una novela con prosa atrapante y con un lenguaje directo, que fue adaptada al cine. La historia introduce el arquetipico personaje devla Sra. Robinson, quien fue un icono de la cultura noreteamericana.

  Además de "El graduado" también fueron llevadas al cine algunas de sus novelas tales como: "El matrimonio de un joven corredor de bolsa" ("The Marrige of a Young Stockbroker"-1971) y "La encontré en Hope Springs" ("Hope Springs"-2003).

  Del guión se hicieron cargo Calder Willingham y Buck Henry. El primero, un novelista y guionista nacido en Atlanta. Ha sido considerado como el "padre de la comedia negra moderna", su firma es un humor seco y serio, hecho más divertido por su intención oculta. Entre sus guiones llevados al cine caben de destacar "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) y "Pequeño gran hombre" ("Little Big Man"-1970) entre otras más.

  El segundo Buck Henry. Un actor y guionista de cine y televisión nacido en Nueva York. Participó en más de 40 películas. Con Warren Beatty codirigió "El cielo puede esperar" ("Heaven Can Wait"-1978), con la que consiguió un Globo de Oro. Como actor le pudimos ver en un pequeño papel de "El graduado" ("The Graduate"-1967) y en "Gloria"-1980 de John Cassavetes.

  "El graduado" está dirigida por Mike Nichols. Un director nacido en Berlin (Alemania). Hijo de una familia judia, salió con su familia de Alemania en 1939 para escapar de la persecución nazi. Formó un famoso duo de humoristas con Elaine May. También desarrolló una destacada carrera como director de teatro, con éxitos de Broadway como "Plaza Suite" (1968), "Tio Vania" (1973) y "Algo auténtico" (1984).

  Como cineasta realizó más de veinte películas, de las cuales abordaron con éxito en su tiempo el tema de las relaciones sexuales, "Cegados por el deseo" ("Closer"-2004), sobre el amor y el abandono, "Conocimiento carnal" ("Carnal Knowledge"-1971), basada en un guión de Jules Feiffer, el carnaval de temática homosexual "Una jaula de grillos" ("The Bridcage"-1996) y la legendaria "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Nichols aporta un sentido de la teatralidad, en agudo ingenio y una inteligencia profunda y europea junto con una visión critica y penetrante de la cultura contemporánea. "Trampa 22" ("Catch 22"-1970) basada en la novela pscifista de Joseph Heller, ridiculiza la organización militar, pero también ofrece un retrato impactante de la devastación causada por la guerra. "A propósito de Henry" ("Regardun Henry"-1991) trata el tema del retraso mental en una historia de amor con Harrison Ford y Annabelle Beaning; "Silkwood"-1983 aborda los efectos de la radioactividad en un alegato antinuclear y "Postales desde el filo" (" ("Posticard from the Edge"-1990) presenta un conflicto generacional muy doloroso entre una madura agente del mundo del espectáculo, interpretada por Shirley MacLaine y su hija, una mujer con talento pero muy enajenada.

  Aunque gran parte de la obra de Nichols es de una calidad innegable tal vez su mejor película sea la primera "Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who´s Afraid of Virginia Woolf?"-1966) en la que Elizabeth Taylor y Richard Burton ofrecen unas excelentes interpretaciones de una pareja que ha convertido su matrimonio en algo parecido a un infierno.

  La acción pues, tiene lugar en California (Los Angeles, Berkeley, San Francisco, Santa Bárbara...) en 1967. Y en donde el joven Benjamin "Ben" Braddock, a punto de cumplir los 21 años, y finalizados sus estudios, regresa a casa. Sus padres organizan en su honor una fiesta en la que se reúnen amigos y conocidos. Entre ellos el Sr. Robinson y su esposa, que intenta seducir al joven. Benjamin es un muchacho ingenuo, timido, apocado, desorientado, inseguro, celoso de su independencia y autonomía e idealista. La Sra. Robinson, de más de 40 años, es neurótica, alcohólica, amargada, insatisfecha, sexy y apasionada. Los padres de él son superficiales, invasivos, autoritarios, caprichosos y manipuladores...

  La película pues, suma drama, romance, sátira social y digamos también que comedia. En el recorrido de la historia, "Ben" evoluciona gradualmente, madura y se convierte en una persona despierta, segura y decidida. Encarna las características de la generación de jóvenes americanos nacidos en los años de la posguerra de la 2ª Guerra Mundial (rebeldia, búsqueda de nuevos valores, sinceridad, liberación sexual, desaliento, desidia, etc.). Hijo único de padres disfuncionales, estos quieren imponer al hijo sus pautas de conducta, sus criterios, los requerimientos de sus intereses, sus visiones materialistas, interesadas y egoistas. No entienden y no ven con buenos ojos las ansias de libertad e independencia del hijo, al que continúan tratando como a un niño.

  Haciendo uso de una concepción estrecha y egocentríca y abusando de su posición, la Sra. Robinson somete al jóven a un proceso de seducción y acoso sexual, que pone de manifiesto las debilidades y carencias de la familia americana convencional: alcoholísmo, infidelidades, deslealtades, rupturas, adulterio, individualísmo, materialísmo, desafecto y desfuncionalidad en relación con los fines que se consideran propios de la misma (realización personal, amor y afecto, educación y defensa de los hijos, apoyo a la maduración de los mismos...). El ritmo de la acción es intenso y sostenido.

  La película elogia a la juventud, apuesta por ella, defiende sus valores y emocionalmente se pone de su parte. Producida antes del "Mayo francés" (1968), se inspira en los ideales de cambio, ruptura y liberación, que lo hicieron posible.

  Los diálogos son ocurrentes, punzantes y divertidos. Se presentan salpicados de ironía y humor y son cálidos, naturales y próximos. Ponen al servicio de la sátira y del sentido del humor, roces y choques de los jóvenes con los mayores, ocurrencias basadas en las ansias de independencia juveniles, la lucha entre dos maneras de entender la vida por parte de dos generaciones, la sorpresa de los mayores ante las reacciones espontáneas de los jóvenes, la incompatibilidad entre las actitudes egoistas y las idealistas, las impositivas y las liberales, las hipócritas y las sinceras. Denuncia en ocasiones a la exageración, la desmesura y el despropósoto, aunque siempre de modo elegante y refinado. La suma de efectos derivados de los planteamientos de la película culmina con una larga secuencia que hacia el final aporta una aceleración e intensificación de los valores y lineas de fuerza del relato.

  La banda sonora fue compuesta por Paul Simon e interpretada por el duo Simon & Garfunkel. Unos artistas muy populares en la década de los 60, ambos nacidos en Nueva York. Crecieron en el barrio de Kew Gardens Hill, fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hill de Nueva York y comenzaron a escribir canciones propias en 1957. Entre sus múltiples premios cabe de destacar tres Gremmys.

  Y en esta magnifica "seducción" aportando una nueva canción "Mrs. Robnson", a la que se añaden otras de su repertorio: "Sunds of Silence", Searborough Fair"... Como música añadida, Dave Grrush ofrece tres composiciones de acompañamiento: "The Singleman Party Foxtrot", "Sunporch cha-cha-cha" y "On the Strup".

  La fotografia en color corrió a cargo de Robert Surtees. Un director de fotografía nacido en Kentucky. Ganador de tres Oscar por "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"-1950), "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) y "Ben-Hur"-1959. Era un director de fotografía muy codiciado por su versatilidad haciendo todo tipo de películas. También se ganó la reputación de ser un riguroso en el control preciso del color y la exposición adecuada del negativo. También jugó un papel especial en lo que respecta a las innovaciones tecnológicas, siendo uno de los pioneros en utilizar u teleobjetivo (500 mm) en "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Y en este deso de toda una generación, creando unas superposiciones de imágenes y zooms que transmiten sentimientos de aceleración, rápidez y de apoyo al sentido rupturista e innovador, de la acción. Acumula muchas imágenes famosas, de memoria perdurable (seducción, boda, etc.).

  Impecable y sugerente la interpretación de Anne Bancroft "Agnes de Dios" ("Agnes of God"-1985), dando vida a la Sra. Robinson, y con ella el debutante y genial Dustin Hoffman, "Totsie"-1982 metido en el cuerpo de Benjamin Bradfork. Y entre los dos Katharine Ross, "Dos hombres y un destino" ("Butch Cassidy and the Sundance Kid"-1969) como Elaine Robinson; William Daniels, "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) como el Sr. Bradfork; Murray Hamilton, "Tiburón" ("Jaws"-1975) como el Sr. Robinson; Elizabeth Wilson, "A propósito de Henry" ("Regarding Henry"-1991) como la Sra. Bradfork...

  En definitiva: Una película emblemática del cine americano de los 60 y que obtuvo un gran éxito tanto de critica como de público. Sobresaliente.

  Mike Nichols logró el Oscar al Mejor director. La película obtuvo un total de siete nominaciones.

  A modo de curiosidad: Antes de elegir definitivamente el casting de la película, la productora tenia en cartera que Doris Day diese vida a la Sr. Robinson y Robert Redford al de Benjamin.

 


 

02/04/2021 09:44 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta que llegó su hora (Once Upon a Time in the West - 1968)

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  "Harmónica" : La recompensa por este hombre son 5.000 dólares, ¿no?.

  "Cheyenne": Judas se conformó con 4.970 dólares menos.

  "Harmónica": No habia dólares en aquella época.

  "Cheyenne". Pero si hijos de puta.

  Película mitica y toda una obra maestra del género de western y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Sergio Donoti. Un guionisa nacido en Roma con una larga trayectoria y con peículas como por ejemplo: "El halcón y la presa" ("The Big Gundown"-1966). El segundo fue Dario Argento. Un director y guionista nacido en Roma, y muy famoso por sus películas de terror de las que se encuentran entre otras, "El gato de nueve colas" ("Il gatto a nove code"-1971) y "El arte de matar" ("La sindrome di Stendhal"´-1966). El tercero fue el mundialmente famoso Bernardo Bertolucci. Un cineasta nacido en Parma y con películas tan famosas como: "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) y "Novecento"-1976.

  Y el cuarto y a la vez director de la película Sergio Leone. Un director nacido en Roma. Toda una leyenda del cine italiano, cineasta completo. Sergio Leone se hizo un nombre en el séptimo arte al tomar uno de los géneros más representatvos del cine norteamericano, el western, y reelaborarlo para adaptarlo a los nuevos tiempos.

  Comenzó como guionísta cuando le permitieron completar por enfermedad del director la pelicula "Los últimos dias de Pompeya" ("Gli ultimi giorni di Pompei"-1959). La siguiente película fue "El coloso de Rodas" ("Il colosso di Rodi"-1961), pero para entonces estaba ya dispuesto a dejar su huella en el cine con una aportación muy personal.

  Sergio Leone se dió a conocer sobre todo con "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollari"-1964), donde ya contó con la participación genial del compositor Ennio Morricone, que se convertiria en parte indispensable de su equipo y del actor Clint Eastwood. Los tres también trabajaron en "La muerte tenía un precio" ("Per qualche dollaro in piú"-1965) y "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966), la segunda apoteósis del spaguetti western, donde se utiliza la tensión de la música de Morricone para ambientar un duelo a tres bandas.

  Posteriormente rodaria el gran proyecto "Hasta que llegó su hora" ("Once Upon a Time in the West"-1968), una obra maestra que mantenía su estilo característico. Desde el punto de vista dramático, este trabajo es el más rico de los realizados por él. La representación de los últimos dias del viejo Oeste contó con la participación del gran Henry Fonda.

  Con "¡Agáchate maldito!" ("Once Upon a Time in te Revolution"-1971), Sergio Leone recuperó e enfoque camp de sus westerns anteriores. Más tarde participó a veces como guionísta, en películas parecidas, la más llamativa de las cuales es la hilarante "Mi nombre es ninguno" ("Il mio nome é Nessuno"-1973), de Tonino Valerii.

  Sergio Leone no volvió a dirigir una película hasta "Erase una vez en América" ("Once Upon a Time in America"-1984), un proyecto onírico sobre la amistad y rivalidad entre dos gángsteres judios. El rodaje fue dificil y costoso y al final la productora se entrometió en el proceso de creación y eliminó de la obra muchos de sus elementos fubdamentales. La película sufrió cortes importantes en detetoriamiento de su narrativa.

  Fue la última película dirigida por Sergio Leone, que murió a los sesenta años en 1989. "Erase una vez en América" fue restaurada de forma tardía en su estreno para DVD, respetando la visión original de Leone.

  Asi pues, el maestro romano nos lleva hasta una pequeña población en Redland y concretamente en la hacienda Sweelwater en el territorio de Arizona, poco después de la Guerra de Secesión. Alli el colono irlandés Brett McBain, viudo y padre de tres hijos viaja hasta Nueva Orleans, donde conoce a la prostituta de lujo Jill "la Morena"... Por otra parte el acaudalado Morton trabaja en el desarrollo de su marcoproyecto de la linea férrea que ha de unir el Atlántico con el Pacífico... En este territorio se albergan un numero elevado de pistoleros profesionales, aventureros fracasados, forajidos, asesinos a sueldo, personajes vengativos y oportunístas sin escrúpulos, que desean aprovechar las últimas ventajas que brinda un territorio abierto con abundantes posibilidades de enriquecimiento... Entre los forajidos se cuenta la banda de Cheyenne, la del diábolico Frank y el solitario y enigmático "Harmónica"...

  La película es un western de acción. Recuerda cin nostalgia y homenajea los viejos tiempos de los pioneros, los colonos europeos llegados con la familia en busca de la "tierra prometida", la ampliación de las viejas lineas férreas de cercanias, las empresas titánicas de crear lineas de tren que, sin trasbordos, pongan en comunicación el Este con los limites del Oeste (California), la existencia de territorios como los de Arizona, sin medios suficientes para imponer el imperio de la ley y la protección de las personas y las propiedades, la proliferación de pistoleros y matones profesionales al servicio de los más ricos o de los más ambiciosos.

  Los poblados de nueva planta, las nuevas vias de comunicación, las obras de ingenieria, la puesta en cultivo de tierras áridas y otras tareas colectivas que dan ocupación a mucha mano de obra, hacen que se respiren aires de cambio y de fin a una era, en la que muchas cosas se revelan incompatibles con el progreso técnico, social e institucional que se impone inexorablemente.

  Los personajes saben que apuran el final de un mundo en extinción. Los desesperanzados, desarraigados y errantes, el ambiente general, los ocres que saturan la imágen, la precipitación con lo que se trabaja, trasladan al espectador la idea y los sufrimientos de un mundo llamado a desaparecer antes que sus protagonístas.

  La cámara adopta una posición contemplativa y mediativa, que propicia la mezcla de añoranza y esperanza, melancolía y serenidad, sentimientos épicos y sensaciones contradictorias de fracaso y desahogo. El estilo de la película se caracteriza por la meticulosidad, la atención al detalle y la importancia que se da a las matices (la leve sonrisa amenazadora de "Harmónica").

  La narración es pausada, extremadamente lenta y rica en expresiones conmovedoras, sorprendentes (reconcimiento inespersdo de un rostro conocido) y pertturbadoras (muerte de un chquillo). Numerosas secuencias se plantean como si de números musicales se tratara. Se añaden trazos inquietantes, como los cortes sonoros de fondo que simulan la respiración aguda del agotamiento y la fatiga, el jadeo agónico de un moribundo (armónica) o el paro cardiaco y la muerte de un herido. No falta el salpicado de humor de la película.

  La banda sonora corrió a cargo de Ennio Morricone. Un compositor y director de orquesta nacido en Roma. Muy famoso por haber compuesto las bandas sonoras de más de 500 películas y series de televisión. Recibió un Oscar honorífico en 2006 y ganó el Oscar a la mejor banda sonora por "Los odiosos ocho" ("The Hateful Eight"-2015). En 2020 le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias, compartido con el tambié compositor John Williams.

  Sus composiciones se incluyen en más de 20 películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas de spaghetti western, de la mano de Sergio Leone tales como: "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollari"-1964), "La muerte tenía un precio" ("Per cualche dollaro in piú"-1965), "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966) o "Hasta que llegó su hora" ("Once Upon a Time in the West"-1968). No obstante, su obra se extendió a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo asi en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX.

  Sus composiciones para "Dias de cielo" ("Days of Heaven"-1978), "La misión" ("The Mission"-1986) o "Cinema Paradiso" ("Nuovo Cinema Paradiso"-1988) son catalogadas como auténticas obras maestras.

  Y aqui y según algunos, es una de esas obras culminantes. Compuesta antes del rodaje, su ejecución se  adapta a la acción de modo admirable, cada personaje tiene su propio tema e instrumento musical: "Harmónica (armónica), Frank (cornetas), Cheyenne (banjo), etc. . El silbido solista es de Alessandro Alessandrini, la armónica es de Franco De Gemini y los coros son de "I cantori Moderni di Alessandrini".

  La fotografía en color es de Tonino Delli Colli. Un director de fotografía nacido en Roma. Comenzó su carrera cinematográfica en 1938 en los estudios Cinecittá, a los 16 años de edad. Sus primeros trabajos consistieron en ser asistente de camarógrafo y a mediados de 1940 ya trabajaba como director de fotografía. En 1952 colaboró en la primera película italiana en color "Totó a color". A lo largo de su carrera trabajó con diversos directores de cine, incluyendo Sergio Leone "Eráse una vez en América" ("Once Upon a Time in America"-1984), entre otras más, con Román Polanski en "La muerte y la doncella" ("Deatch and the Malden"-1994), con Louis Malle en "Lacombe Lucien"-1974), con Federico Fellini en "Ginger y Fred"-1985 e incluso con Berlanga en "El verdugo"-1963. Su última película fue "La vida es bella" ("La vita é bella"-1997) de Roberto Benigni, por la que obtuvo su cuarto premio David de Donatello en la categoría de mejor fotografia.

  Y aqui, ofreciendo abundantes primeros planos psicológicos, numerosos barridos descriptivos, frecuentes "zooms" y algunos planos contrapicados de gran emotovidad. Hace uso predominante de colores y tonos oscuros. Abundan las contraluces y las luces crepusculares.

  Sensacional el reparto de actores encabezados por el siempre extraordinario Henry Fonda, "Doce hombres sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como Frank; y con él Charles Bronson, "Castillos en la arena" ("The Sandpiper"-1985) como"Harmónica";   Jason Robards, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967) como Cheyenne. Y entre los tres la bellísima Claudia Cardinale, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como Jill.

  Y atención a los secundarios: Gabriele Frezetti, "Muerte en el Vaticano" ("Morte in Vaticano"-1982) como Mortovi; Paolo Stoppa, "Becket"-1964 como Sam; Woody Strode, "El sargento negro" ("Sargeant Rutledge"-1960) como Stony; Jack Elam, "Un grito en el pantano" ("Lure of the Wilderness"-1952) como Snacky; Keenan Wynn, "A quemarropa" ("Point Blanck"-1967) aqui es el sheriff...

  En definitiva: Una película que es arte en estado puro. Y con un duelo final, que es todo un ejemplo de hasta donde el  cine puede llegar.  Matricula de Honor.

  "Hasta que llegó su hora" logró el David di Donatello a la Mejor pelicula.

  Como anécdota: Henry Fonda originalmente rechazó participar en la película. Tal era el empeño de Sergio Leone  que viajó a Estados Unidos solo para conseguir que aceptara. Hasta entonces Fonda solo había tenido en su mayoria papeles de tipo familiar y de hombre bueno, y nadie esperaba el cambio de Henry Fonda a un sanguinario pistolero. Leone acertó de pleno. Su objetivo era sorprender a los espectadores, y lo consiguió.

 

 


13/04/2021 17:43 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Una estatuilla llamada (Oscar)

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  Y otro año más y al igual que el pasado año, esta 93ª ceremonia se vió empañada por la pandemia del COVID-19. Esta vez fueron dos los escenarios en donde fueron entregados los Premios de la Academia. El ya conocido Dolby Theatre de Hollywood y el Union Station de Los Angeles.

  Estos pues, fueron los ganadores de esta ya como bien  he dicho atípica 93ª edición.

  Mejor película: "Nomadland" de Chloé Zhao

  Mejor director: Chloé Zhao por: "Nomadland"

  Mejor actor: Anthony Hopkins por: "El padre" ("The Father")

  Mejor actriz: Frances McDormand por: "Nomadland"

  Mejor actor de reparto: Daniel Kaluuya por: "Judas y el mesias negro" ("Judas and the Black Messiah")

  Mejor actriz de reparto: Joun Yuh-jung por: "Minari"

  Mejor película de animación: "Soul" de Peter Docter y Kemp Powers

  Mejor fotografía: "Mank" de David Fincher

  Mejor documental:"Lo que el pulpo me enseñó" ("My Octopus Teacher") de Pippa Ehrlich y James Skillen

  Mejor montaje: "Sound of Metal" de Darius Marder

  Mejor película de habla noinglesa: "Otra Ronda" ("Druk") de Thomas Lindholm y Thomas Vinterberg (Dinamarca)

  Mejor maquillaje y peluqueria: "La madre del blues" ("Mia Rainey’s Black Botton") de George C. Wolfe

  Mejor banda sonora. "Soul" de Pete Docter y Kemp Powers

  Mejor sonido: "Sound of Metal" de Darius Marder

  Mejor canción original: Fight for you" de la pelíula "Judas y el mesias negro"

  Mejor guión adaptado: "El padre" ("The Father") de los guionistas Florian Zeller y Cristopher Hamton

  Mejor guión original: "Una joven prometedora" ("Promising Young Woman") de Emerald Fennell

  Mejor diseño de producción: "Mank" de David Fincher

  Mejores efectos especiales: "Tenet" de Christopher Nolan

  Mejor cortomretraje: "Two distant strangers" ("Dos completos desconocidos") de Travor  Free y Martin Desmond Roe

  Mejor cortometraje animado:"If Anything Happens I Love" ("Si me pasara algo, os quiero") de Will McCormack y Michael Govier.

  Y esto fue todo lo que dió de si esta ya casi centenaria edición marcada de nuevo por la pandemia. Esperemos y deseamos que el próximo año vuelva a ser lo que era esta fiesta del cine mundial. Pero no si antes decir que la nota la dió la veterana actriz Glenn Close con un expetacular perreo-perreo tras perder su octavo Oscar.

 

30/04/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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