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Septiembre 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Septiembre de 2020.

El gran dictador (The Great Dictator - 1940 )

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  "Hannah, ¿puedes oirme?. Donde quiera que estes mira a lo alto, Hannah. Las nubes se alejan, el sol está apareciendo, vamos saliendo de las tinieblas hacia la luz. Caminamos hacia un mundo nuevo, un mundo de bondad en el que los hombres se elevarán por encima del odio, de la ambición, de la brutalidad. Mira a lo alto, Hannah. Al alma del hombre le han sido dado alas. Y al fin está empezando a volar. Está volando hacia el arco iris, hacia la luz de la esperanza, hacia el futuro, que te pertenece a ti, a mi, a todos. Mira a lo alto, Hannah, ¡mira a lo alto!".

  Obra maestra de género de comedia y de nacionalidad estadounidense. Con un guión y también dirección de ese genio del cine que fue y sigue siéndolo llamado Charles Chaplin. Un cineasta nacido en Londres (Reino Unido).

  Además de ser el más célebre director de comedias mudas, Charles Chaplin fue tambié compositor, máxima estrella del cine y co-fundador en 1919 del estudio United Artists.

  Tras emprender el oficio de cómico en espectáculos itinerantes de vodevil, Chaplin se inició en el cine con comedias de los estudios Keystone. Pronto empezó a dirigir, y durante dos años realizó 26 películas de dos rollos en la compañia Essanay. "Charlot vagabundo" ("The Tramp"-1915), "Charlot musico ambulante" , "Charlot bohemio" ("The vagabond"-1916) y "Charlot emigrante" ("The Immigrant"-1917) mostraron sus rápidos progresos en el cine: su dominio de los recursos cómicos combinado con el patetísmo hicieron que sus películas fueran a la vez divertidas y conmovedoras, rebeldes y tiernas.

  Poco a poco, Chaplin fue introduciendo en sus obras problemiticas éticas delicadas. Aunque esto no fue bien acogido por los criticos conservadores, encantó al público y él se convirtió en el héroe, simbolo de una emergente nación de inmigrantes. Consolidó asi su popularidad con obras maestras como "Vida de perro" (A Dogs Life"-1918).

  Luego redujo su ritmo de trabajo a una película cada varios años. Sus gags cuidadosamente coreografiados, su tacto emotivo y su atención a los detalles, garantizaron un resultado brillante. Creó asi "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) y "El gran dictador" ("The Great Dictator"-2940), dos clásicos de todos los tiempos. Su medida comicidad la originalidad de sus gags, la evolución de emociones mediante los movimientos más sútiles y su habilidad cinematográfica (sobretodo para jugar con los bordes de los encuadres) llevaron a la comedia hasta sus limites.

  Su interés por temas como la conciencia de clase y la tolerancia daba trascendencia a sus películas. De esta manera, cuando la popularidad de Chaplin dclinó en los años cuarenta, su prestigio siguió creciendo.

  Por desgracia, el mundo no escuchó las satíricas y enérgicas advertencias antifascistas de "El gran dictador". Una campaña de difamación obligó a Chaplin a dejar Estados Unidos, y las pocas películas que hizo después, como "Candilejas" ("Limetight"-1952) tenian un tono reflexivo y conformista. Afortunadamente, el legado de Charles Chaplin, se sigue celebrando en todas partes.

  La acción nos lleva hasta un humilde barbero judio que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial y vuelve a su casa después de haber finalizado el conflicto bélico. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda practicamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación politica del pais: Adenold Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judio, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el pais. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo...

  Una obra maestra. Si señor. Y uno de los primeros trabajos de Hollywood en el que se posiciona abiertamente contra la barbarie nazi, y la primera película sonora de Chaplin. Esta pues es una comedia dramática. Y en donde Chaplin mezcla sátira y burla, en el marco de un discurso dominado por el humor ácido y amargo.

  La expresión corporal y la visualidad tienen gran importancia. Abundan las torpezas, resbalones, tropiezos, caidas y golpes. No faltan planos de humor visual furtivo (batalla de pasteles y comida), desesperanzado (lanzamiento de tomates), de denuncia de la incompetencia nazi (eventos de Herring), patético (ideologia nazi).

  Sus posiciones antibelicistas la lleva a tratar con sarcasmo las cadenas del mando militar, las superaciones, la dudosa valentia de algunos militares nazis. Presenta la vulneración sistemática de los derechos humanoos con referencias escalofriantes (detenciones masivas, ejecuciones indiscriminadas). Denuncia con amargura el racismo nazi.

  Son escenas destacadas la de los delirios de poder del dictador, que juega con el globo terráqueo al compás de la música de Wagner, el afeitado a ritmo de la musica de Brahms, el juego de sillas en la tarima presidencial y el discurso final.

  La banda sonora corrió a cargo del propio Charles Chaplin y de Meredith Wilson. Un compositor y director de orquesta nacido en Iowa. Asistió al Instituto de Arte Musical Frank Damrosch en Nueva York, y alli se hizo miembro de la banda de John Philip Sousa y más tarde en la Nueva Orquesta Filarmónica de York. Su trabajo en el cine comenzó en 1928 con la película "The Cavalier" de Irvin Willat, pero donde se dió a conocer fue con "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940) donde fue nominado al Oscar. Otros de sus grandes éxitos fue con "La loba" ("The Little Foxes"-1941) de William Wyler y protagonizada por Bette Davis. En el campo de la televisión también cosechó bastantes éxitos en series como: "The Perry Como Show"-1959-60 y "Fama"-1983. 

  Y en esta sátira social camuflada de comedia, aportando una brillante partitura original, melódica, ritmica y variada. Añaden dos fragmentos ajenos: "Danza húngara nº5" ("Brahms) y "Obertura de Lohengrin" ("Wagner).

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Roland  Totheroh. Un director de fotografia nacido en San Francisco y muy conocido por ser el camarógrafo habitual en las películas de Chaplin desde 1915 hasta 1940 en más de 30 películas.

  Y ayudado por Karl Struss. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Se convirtió en fotógrafo profesional después de estudiar fotografía con Clarence H. White y se convirtió en parte del grupo asociado con el gran fotógrafo Alfred Streglitz. Sus fotografías se caracterizaron como "pictóricas" en lugar de "moda" y fueron publicadas en revistas como: "Harper’s Bazaar", Vanity Fair" y Vogue". En 1919 se trasladó a Los Angeles para practicar su oficio como fotógrafo fijo. Posteriormente fue contratado por Cecil B. DeMille para servir en la segunda unidad como camarógrafo junto con Charles Rosher. Ganó su primer Oscar por "Amanecer" ("Sunrise"-1927) de F. W. Murnau. Además de este y DeMille, Struss trabajó con grandes personajes como: Charles Chaplin y D. W. Griffith. También fue pionero en la cinematografía tridemensional en la década de 1940 y 1950.

  Y en esta historia absolutamente memorable presentando unos movimientos de cámara espectaculares. Destacando la ampliosidad de la arquitectura nazi, la vanidad de su estética y la desmesura de sus liturgias (concentraciones con las masas).

  Sublime (como siempre) Charles Chaplin, "Luces de la ciudad" ("City Lights"-1931, (por citar otra de sus obras maestras). Y aqui metido en el cuerpo de dos personajes muy diferentes: Adenel Hynkel, un dictador fascista y racista, y el de un humilde barbero judio. Seguido por el  aquel entonce esposa y musa la bellísima Paulette Goddard, "Los inconquistables" ("Unconquerod"-1947) en el papel de Hannaah.

  Y con ellos, Jack Oakie, "El piel roja" ("Tomahawk"-1951) como Napaloni, el dictador de Bacteria; Reginald Gardiner, "La viuda negera" ("Black Widow"-1954) como Schltz; Henry Daniell, "Pasión inmortal" ("Song  of Love"-1947) como Garbitsch; Billy Gilbert, "Las mil y una noches" ("Arabian Nights"-1942) como Henrring...

  En definitiva: Una película portentosa, visionaria y de un poderio absolutamente impresionante.  Matricula de Honor.

  "El gran dictador" estuvo nominada al Oscar en cinco apartados  incluyendo película y actor (Charles Chaplin). La pelicula premiada fue "Rebeca" "Rebecca" de Alfred Hitchock y el actor James Stewart por Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story").

  A modo de curiosidad: La película  como era de esperar fue censurada en España. Se estrenó un año antes de la muerte de Chaplin en 1976.

 

 

01/09/2020 08:09 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Ciudadano Kane (Citizen Kane -1941)

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  "Sólo hay una persona que puede decidir lo que voy a hacer, y soy yo mismo".  (Charles Foster Kane)

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense, con un guión de Herman J. Mankiewicz. Un legendario guionísta nacido en Nueva York. Su trabajo más conocido es como co-guionista de "Ciudadano Kane", por lo que ganó un Oscar. Además pareicipó en otros guiones tales como: "Los caballeros las prefieren rubias" ("Gentlemen Prefer Blondes"-1953). También fue productor en muchas películas de los Hermanos Marx. Su carrera decinó a causa del alcoholísmo. Pasó por numerosas clinicas de desintoxicación, en algunas de las cuales escribió algunos de sus guiones.

  El segundo y a la vez director de la película fue Orson Welles. Un cineasta nacido en Wiscosin.

  El ego puede ser un arma y un escudo frente al mundo. En el caso de Orson Welles, el ego es la clave para interpretar una carrera con unos resultados tan desiguales que de no ser por la fuerza de su ego, jamás habría logrado dar frutos. Pero debido a ese mismo ego molestó a muchos, perdió grandes fortunas y se pasó la vida buscando trabajo.

  La otra clave para interpretar a Welles es la actuación, no solo de los actores delante de una cámara, sino la más existencial que se relaciona con la identidad, la adopción de una máscara, la relación interpersonal y la reacción frente a las circustancias. Este tema de la actuación es central en la obra de Welles, dado que la mayoria de sus películas habla de la locura y del control, el poder y la debilidad: actividades que se veian tanto en sus películas como en sus personajes.

  Orson Welles fue un niño brillante, interesado en la música, la prestidigitación y la pintura. Su madre murió cuando solo tenia nueve años, su padre cuando contaba quince, y pasó el resto de su infancia bajo la tutela de un médico. Intentó ser actor, primero en Irlanda, luego en el Reino Unido y por último en Nueva York.

  Tras hacerse un hueco rapídamente en la radio gracias a que tenia una de las voces más características del mundo, embarcó en una fructifera colaboración con el actor John Houseman, con quien fundó el Mercury Theater en 1947.

  Al año siguiente, la pareja emitió durante la noche de Hallowen "La guerra de los mundos", la novela escrita por H. G. Wells en 1898. También destacó por visionar de manera original obras clásicas, por ejemplo, la llamada versión "vudu" de "Macbeth, donde todos los actores eran negros.

  Tras haberse labrado una reputación de erudito y de una gran personalidad dado al vino, las mujeres, la comida y las canciones, insólitamente la RKO Pictures le concedió carta blanca para hacer la película que le apeteciese. El optó por versionar la vida del magnate de los periódicos William Randolph Hearts, y realizó "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941).

  A pesar de las innovaciones artisticas incorporadas a la narrativa, la técnica de fotografia, el diseño de los platós, la interpretación y el uso del simbolísmo, "Ciudadano Kane" fue un fracaso comercial, aunque proporcionó a Welles un Oscar por mejor guión original, RKO volvió a concederle una gran libertad en "El cuarto mandaiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942), aunque la productora recortó la película y la estravió, fue un fracaso económico mayor que la anterior y suscitó la indiferencia de la critica.

  Ante esta experiencia solo le confiaron tres películas más en Hollywood: "El extraño" ("The Stranger"-1946), "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947) y "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958). A partir de los años cuarenta vivió en Europa, trabajando en películas de otros para poder financiar sus propios proyectos, empezando por "Macbeth"-1948.

  Aunque Orson Welles se habia convertido en un elemento extraño para la industria del cine, se solicitaban sus servicios como actor  y narrador. No obstante realizó obras memorables, como "Otelo"-1952, "Mr. Arkadin"-1955 y "El proceso" (The Trial"-1962), además de dos obras maestras "Campanadas a medianoche" ("Falstaff"-1965) y el documental "Verités et Mensonges"-1973, ambas sobresalientes.

  Orson Welles también aprovechó su considerable encanto para promorcionarse en espectáculos televisivos, donde los espectadores veian como su corpachón iba aumentando de volumen con el paso de los años. En estas ocasiones, junto a su imponente fisico, estaban también presentes su temperamento artistico y su capacidad para elegir los temas. A menudo exageraba su tamaño a base de maquillaje, vestuario, iluminación y ángulos de cámara. Pero esta manipulación de su cuerpo de forma tan grotesca en sus actuaciones para la pantalla era también consecuencia de su espíritu creativo.

  En 1975 el American Film Institute le concedió el Lifetime Archiverment Award (premio a toda su carrea). Su obra volvió a estudiarse y se le consideró un artista incomprendido. Hoy en dia nadie discute que el talento de Welles y "Ciudadano Kane" son una aportación fundamental para el cine.

  La historia comienza cuando un importante magnate estadounidense llamado Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos, y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo oriental. La última palabra que pronuncia antes de morir, "Roxebud", cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Asi,  un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio...

  La película combina los género de drama, misterio y periodísmo. Welles pues,  desarrolla una buena historia, interesante y sugestiva. Aporta una novedosa profundidad de campo, que permite enfocar al mismo tiempo el primer plano, los planos medios y el fondo. De este modo se amplia el campo visual, el punto de atención se desplaza del centro óptico al lugar donde se produce el movimiento, introduce efectos ópticos sorprendentes y hace posible que se vean los techos de los escenarios. Hace uso de flasbacks, a los que añade brillantes elipsis. Utiliza los elementos de estilo como medio para explicar la acción (luz que titubea en el teatro, simbolo de la inseguridad del personaje interpretado por Susan). La narración es compleja, densa y de gran brillantez.

  La investigacion sobre el significado de "Rosebud" sirve para poner de manifiesto que nada puede ser explicado, porque es imposible alcanzar la verdad. Son escenas memorables, entre otras, el desafiante aplauso a Kane en solitario, el plano general sobre los objetos embalados para ser subastados, la cámara que asciende desde Susan a dos tramoyistas con gesto de desaprobación, plano superior del mitin electoral de Kane. Welles deja costancia de su preocupación por la vejez y la muerte.

  De la banda sonora se hizo cargo Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York. A ls 13 años quedó deslumbrado por la música de Héctor Berlioz, lo que marcó su decisión de convertirse en compositor. A los 16 años se matriculó en el Instituto Dewitt Clinton, donde tuvo como profesor musical a Gustav Heine, quien le enseñó las técnicas básicas de composición. En 1933 se vinculó con la Columbia Broadcasting System, donde musicalizó documentales y programas radiofónicos. De esta forma conoció a Orson Welles.

  En 1955 se produjo el comienzo de su afortunada relación con Alfred Hitchcock, completándose ambos a la perfección. Su colaboración con el mago del suspense se inició con ""Pero...¿quién mató a Harry?" ("The Trouble With Harry?"-1955), que dió como resultado algunas de las más celebradas partituras cinematigráficas y en donde alcanzó su punto culminante fue con  "Vértigo"-1958.

  Durante ocho años viajó errante por Europa, colaborando en películas de Feançoise Truffaut como: "Fahrenheit 451"-1966 y "La novia vestida de negro" ("La Mariee était en Noir"-1968). En 1973 regresó a su pais reclamado por Brian De Palma para poner música a "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "Fascinación" ("Obsession"-1976)., uno de sus últimos trabajos fue para quizá  la mejor película de Martin Scorsese "Taxi Driver"-1976. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones pero solamente lo logró una vez con "El hombre que vendió su alma" ("All That Money Can Buy"-1941) de William Dieterle.

  Y en esta historia donde la felicidad completa no existe, ofreciendo 40 cortes descriptivos ("Prelude"), temor ("Rain"), lugubres y tétricos ("Letany"), alegres e intimos ("Theme and  Variatons"), etc. Añade las marchas fúnebres de Chopin y Mendelsohnn, un fragmento de "El barbero de Sevilla" (Rossini) y canciones populares como "A Hot Time in the Old Town" y otras.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois y muy conocido por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de foco, ejemplos de los cuales se pueden encontrar en sus películas como por ejemplo: ("Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles, "Hombres intrépidos" ("The Long Voyage Home"-1940) de John Ford y "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Demostró por primera vez su estilo claroscuro con luz lateral en el cortometraje "The Life and Deatch of 9413: a Hollywood Extra"-1928. En 1930, se convirtió en el camarógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los directores más buscados. Fue nominado en cinco ocasiones al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y en esta historia de un hombre que quiso ser todopoderoso, presentado unas imágenes muy concentradas, reflejos en espejos, movimietos de cámara espectaculares (desde el cartel de Susan la cámara asciende, sobrevuela el tejado, baja y funde), planos picados, contrapicados y de detalle (boca de Kane), encuadres generales grandiosos (hall de Xanadu) y sugerencias explicativas.

  Muy bien todos los actores comenzando por el genio es decir por Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958) metido en el orondo cuerpo de Charles Foster Kane. Y seguido por Joseph Cotten, "Niágara"-1953 como Leland; Dorothy Comingore, "Pasión salvaje" ("The Hairy Ape"-1944) como Susan; Agnes Moorehead, "La mano izquierda de Dios" ("The Left Hand of God"-1955) como Mary; Ruth Warrick, "Arco de triunfo" ("Arch of Teiumph"-1948) como Emily; Ray Collins, "La heredera" ("The Heiress"-1949) como James; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Raymnond...

  En definitiva: Para mi una obra maestra, para otros según he leido un aburrimiento total. Pero si decir una cosa "Ciudadano Kane" es una película que no se adelantó a su tiempo, lo que hizo sencillamente fue señalar el futuro de otras muchas. Matricula de Honor.

  "Ciudadano Kane" logró el Oscar al Mejor guión original en un total de nueve nominaciones entre ellas Mejor película, Actor (Orson Welles) y Director.. Fue un año de grandes películas por ejemplo: "¡Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") de John Ford (la gran triunfadora) y "El sargento York" ("Sergeant York") de Howard Hawks, con Gary Cooper (mejor actor).

  A modo de curiosidad: El personaje del protagonísa Kane fue inspirado en el magnate de prensa William Randolph Hearst, el cual prohibió mencionar la película en sus periódicos. 

 

 

 

10/09/2020 10:01 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy - 1942)

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  "Soy un yanqui engreido. Yanqui hasta morir."

  Muy buena película de género biográfico-musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Robert Buckner y Edmund Joseph. El primero fue un guionista y escritor de cuentos nacido en Virginia. Estudió en la Universidad de Virginia y en la de Edimburgo y comenzó su carrera como profesional a los 20 años como corresponsal en Londres para el Nueva York  World. Se unió a la Warner Bros como escritor. Su primer trabajo fue con la película "En busca del oro" ("Golds Is Were You Find It"-1938). Tuvo un gran éxito con "Dodge City"-1939 protagonizada por Errol Flynn.

  En 1947 dejó la Warner y se mudó a la Universal Pictures alli escribió y produjo varias películas entre ellas "La legión de los condenados" ("Rouges Regiment"-1948), "Fren for All"-1949 y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951). Su último trabajo para el cine fue para la 20th Century Fox con el western "Del infierno a Texas" ("From Hell to Texas"-1958) de Henry Hathaway.

  Y en cuanto a Edmund Joseph. Otro guionísta nacido en Texas, que a pesar de haber comenzado en 1928 con la película "Forget Me Not", trabajó muy poco para el cine. Su último trabajo fue con "El código del amor" ("Sing Your Way Home"-1945) de Anthony Mann. En 1951 trabajó en un episodio de la serie televisiva "Front Page Detective"-1951-1952 protagonizada por Edmund Lowe.

  "Yanqui Dandy" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza, profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico, y el más destacado de todos ellos era Michael Curtiz.

  Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias de humor, cine negro... pero su punto fuerte eran las películas de acción, a las que infundia un contagioso brio, "Robin de los bosques" ("The Adventure of Robin Hood"-1938) sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolifico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó espectáculos biblicos al estilo de Cecil B. DeMille, en 1926 llegó a Estados Unidos ya con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihaly Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes, filmó más de 80 peliculas de la productora, entre ellas "20.00 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigada"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels With Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("Private Lives of Elixabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Michael Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte a los 75 años. Su última película fue el western "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961) protaginizado por John Wayne.

  La historia pues, que nos cuenta el maestro Curtiz tiene lugar en Washington, Nueva York y otras localidades de Estados Unidos entre 1878 y 1942. Alli George M. "Geo" Cohan hijo de Jerry y Nelie Cohan, actores de variedades, y hermano de Jessie. Los cuatro forman el grupo "The Four Cohan". George se asocia con el productor Sam Harris y se relaciona con Mary, aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de varieades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de "Yankee Doodlie Dandy". Su padre es de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Su madre es la espina dorsal de la familia, apoya a su marido y a sus hijos y garantiza la unidad del grupo artistico que forman los cuatro. Mary deja que "Geo" ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde el maestro curtiz desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, creando una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

  La película destila alegria, jovialidad y oprtunísmo. De ese modo crea el marco adecuado para transmitir sentimientos de cohesión social y exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se habia visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del pais en la 2ª Guerra Mundial. La película forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto bélico y del esfuerzo colectivo que este exigia. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador de Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó a la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del pais.

  La banda sonora fue obra de Heinz Roemheld. Un compositor nacido en Wisconsin. Fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad. Se graduó en el Wilwaukee College of Music a los 19 años y actuó en teatros para ganar dinero y pagarse sus estudios de piano en Europa. En 1920 se fue a Berlin, donde estudió con Hugo Kaun, Ferruccio Busoni y Egon Petri. Mientras estuvo alli, formó parte de la Filarmónica de Berlin.

  De regreso a Estados Unidos, se mudó a Los Angeles y se convirtió en un destacado compositor de cine. Anotó algunas escenas de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), aunque no fue acreditado en los titulos de crédito. Entre las más de 400 películas para las que compuso música se encuentran "El hombre invisible" ("The invisible Man"-1933), "Gentleman Jim"-1942 y "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947). Ganó un Oscar por "Yanqui Dandy" /("Yankee Doodle Dandy"-1942).

  Y en esta brillante historia reuniendo cortes de George Cohan, que acompaña con números de bailes espectaculares y de grata factura. Como musica añadida aporta canciones del momento y composiciones tradicionales como "Battle Hymm of the Republic" y "When Johnny Comes Marching Home". También se ofrecen en total fragmentos de unas 35 canciones diferentes, que se integran en el desarrollo de la historia y aportan elementos de progresión al relato.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigidanpor James Wong  Howe. Un director de fotografía nacido en Taishan (China). Trabajó en más de 130 películas. Se especializó en el uso de sombras y en el enfoque profundo, lo cual permite que tanto el primer plano como el lejano permanezcan enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo.

  Entre 1930 y 1940, fue uno de los grandes directores de fotografía más renombrados de Hollywood. Fue nominado en 10 ocasiones al Oscar y lo ganó en dos de ellas con "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto"-1955) y "Hud-1963. Nació en China pero su familia se trasladó en 1904 a Estados Unidos donde su padre habia conseguido un trabajo en el Ferrocarril Pacifico Norte.

  Y en esa sobresaliente biografía, construyendo una visualidad que prima la espectacularidad de los números de baile y la sinceridad de los pasajes referidos a la vida del protagonísta.

  Sensacional James Cagney, "Al rojo vivo" ("White Heat"-1949) dando vida a George M. Cohan, y en donde demostró sus grandes dotes para el baile.

  Y con el gran Cagney, Walter Huston, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treause of the Sierra Madre"-1948) y Roseamary De Camp, "A la luz de la luna" ("On Moonlight Bay"-1951) como Jerry  y Nellie Cohan, los padres de George; Joan Leslie, "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue"-1945) como Mary; Richard Whorf, "Luz en el alma" ("Christmas Holiday"-1944) como Sam Harris; Irene Manning, "Un gángster sin destino" ("The Big Shot"-1942) como Fay Templeton. Y sin olvidar  al pequeño Douglas Croft, "Abismos de pasión" ("Kings Row"-1942) como George M.Cohan a los 13 años.

  En definitiva: Una magnífica película que vale mucho la pena de ver y que goza de muy buena música, excelente coreografía, y la presencia "enorme" de un "gigante" de baja estatura que se llamó James Cagney. Sobresaliente.

  "Yanqui Dandy" logró tres Oscar en 1942: Actor (James Cagmey), Banda sonora nusical (Ray Heindorf y Heinz Roemheld) y Sonido (Nathan Levinson).

  Como anécdota: James Cagney se rompió una costilla durante una de las escenas de baile, pero siguió bailando hasta que terminaon de rodar la escena. (genio y figura).

20/09/2020 09:53 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

El diablo dijo no (Heaven Can Wait - 1943)

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  "Puedo asegurar que toda mi vida ha sido un contínuo delito"

   Muy entretenida película de género de comedia y de nacionalidad estadounidense, basada en la obra teatral de Leslie Bush- Fekete. Un dramaturgo y escritor nacido en Kecskemét (Austria-Hungria). Sus principio fueron como critico para la revista de teatro húngara Szinházi Elet. Más tarde también trabajó como periodista en Viena e informó, entre otras cosas, sobre los Juegos Olimpicos de 1936. Pero donde celebró su éxito como escritor de comedias teatrales fue en Budapest, Viena y Berlin en la década de 1930. En 1937 se trasladó a Estados Unidos donde escribió innumerables historias y guiones para pelìculas de Hollywood.

  Del guión se encargó Samson Raphaelson. Un guionista nacido en Nueva York. Fue el autor de la obra  "Day of Atonement", la cual fue adaptada al cine con el titulo de "El cantor de Jazz" ("The Jazz Songer"-1927), la primera pelicula hablada. Trabajó en nueve películas con Ernst Lubitsch, incluyendo "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise"-1932), "El bazar de las sospresas" ("The Shop around the Corner"-1940) y "El diablo dijo no" ("Heaven Can Wait"-1943). También colaboró con Alfred Hitchcock en "Sospecha" ("Suspicion"-1941). En 1977 el Gremio de Guionistas de Cine le concedió el Laurel Award  por una vida dedicada al cine.

  "El diablo dijo no" está dirigida por Ernst Lubitsch. Un cineasta nacido en Berlin (Alemania). Un alemán emigrado que alcanzó prestigio en el cine mudo, aportó un toque de romanticismo de la vieja Europa a sus comedias de Hollywood, sazonadas con una sofisticacción decididamente europea. Asi,cuando Nicole de Loiselle (Claudette Colbert) es alzada por Michael Brandon (Gary Cooper) en "La octava mujer de Barba Azul" ("Bluebeard’s Eighth Wife"-1938), los pies levantados llevan una serie de dobles sentidos, que se suman a la risa traviesa de una mujer de mundo que sabe exactamente lo que quiere.

  Los personajes de Lubitsch siempre inician sus amores perfectamente conscientes de los riesgos de una relación y de su carácter fugaz. El epitome de estas personas urbanas es "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise-1932), la historia de una relación entre dos ladrones estadounidenses y una heredera francesa. Es significativa la escena de seducción entre Lily (Miriam Hopkins) y Gaston Monescu (Herbert Marshall), donde ella se hace pasar por condesa y él por barón. Al final de la velada se dan cuenta que han pasado la mayor parte de la noche vaciando los bolsillos del otro, lo que demuestra que están hechos el uno para el otro: los dos son timadores de acción.

  Las películas de Lubitsch se caracterizan por su estilo visual elegante y sin fisuras. A pesar de ello, se las arregla para equilibrar lo serio con lo absurdo. Véase por ejemplo, la dilerante cena romántica con champán en "Ninotchka"-1939, donde Greta Garbo, interpreta a una luminosa heroina (en realida es una emisaria comunista enviada desde Rusia para vender joyas confiscadas en provecho del Gobierno) cuyos favores trata de conseguir un play boy utilizando la suntuosidad parisina, Lubitsch se arriesga a parecer sentimental, pero el público suplica más.

  ¿Quién puede negar el conmovedor impacto que provoca el sombrerito por el que Ninotchka suspira que se refleja en su rostro y en las palpitaciones de su corazón cuando se lo pone?. Y el ejemplar de "Ana Karenina"-1935 con el clavel rojo dentro quedará para siempre como simbolo del individuo tenaz y animoso que trata de expresar su romanticismo.

  La historia pues, tiene lugar en Nueva York a lo largo de 70 años (1872-1942) y brevemente en una mansión rústica de Kansas. Y en donde un tal Henry Van Cleve, de 70 años, muere con mala conciencia por la vida desordenada que ha llevado. Le pesan sus desvaneos de mujeriego, juerguista y calavera, y sus frecuentes infidelidades matrimoniales. Por ello se presenta espontaneamente en el vestíbulo del infierno, donde es recibido por un diablo vestido con corrección y elegancia, al que llaman Su Excelencia.

  Le ruega que cuente su vida para juzgar si merece o no la pena eterna. En el relato tienen papeles importantes su mujer Martha, su padre Randolph, su madre Bertha, su primo Albert y su abuelo Hugo.

  Henry es caballeroso, elegante, educado, cinico y vividor, Martha es atractiva, hermosa y cautivadora. Los padres son severos y estrictos. El abuelo es comprrensivo, liberal y el mejor amigo de Henry, Albert es soso y presumido...

  La pelicula suma comedia, drama, fantasia y romance. Es un trabajo rico en sutilezas ingeniosas y ocurrentes. El humor visual predomina sobre el verbal, a diferencia de películas anteriores del director. El discurso es menos sofisticado que el habitual de Lubitsch y mas natural y espontáneo. El humor es más americano (referencia al humor neoyorquino) y el tono que emplea es más sosegado y natural.

  La comicidad no se presenta de modo torrencial, sino que se adapta a las caracteristicas de un relato destinado a la contemplación sosegada y tranquila de las cosas. Los lances de humor son menos evidentes, más silenciosos y más sútiles. Los cambios no responden a decisiones caprichosas del director, sino a la necesidad objetiva de adaptar tonos, estilos y contenidos a una situación diferente, marcada por  la incorporación del pais a la 2ª Guerra Mundial. Pese al enorme esfuerzo de guerra que asume la población, el clima general que se vivia en la calle era de honda preocupación.

  En 1942 y 1943 el conflicto se veia incierto y dificil. Es por ello por lo que Lubitsch administró su humor de modo más amable, menos corrosivo y menos hiriente. Trató de hacerlo compatible con una historia de buenos sentimientos e ideas abiertas y tolerantes, que ensancharon y transmitieron sensación de fuerza y capacidad de resistencia.

  Las principales burlas se formulan con parodias del autoritarísmo, la intransigecia, las restricciones a la libertad y personajes que encarnan la imágen del enemigo, como Herman Goering. Con frecuencia, la ironia se basa en observaciones entrañablemente dmésticas (la cocina, el ama de casa, la conversación en la mesa, la disputa matrimonial). Los golpes de humor se presentan en ocasiones como una cálida critica familiar, en especial de las familias muy unidas con poco amor y escasa emoción.

  Mira con humor la arquitectura y la decoración del hogar (la casa que no cambia al ritmo de la ciudad, la gélida arquitectura a la manera de Le Corbusier y la decoración ultramoderna del vestíbulo del infierno). Extrae humor de la indulgencia que propone con la vida silenciosa y desordenada y de la censura condesciente de la infidelidad conyugal. No falta el humor basado en el absurdo disparate, como la comparación que un personaje hace de si mismo con un vestido.

  Lubitsch vuelca en el relato, tal vez con mayor intensidad que en otras ocasiones, sus obsesiones de siempre sobre los mitos que le preocupan, como el de don Juan, Fausto, Casanova, Romeo y Julieta, Tristán e Isolda, la mujer como madre, la muerte con rostro de mujer (mito griego de Perséfone o romano de Proserpine), el de Caronte, barquero de los muertos, etc. Pese a ser una película de lances más bien aislados y breves, presenta algunas escenas magníficas, como la de la libreria, la clase de la tutora, la conversación durante el desayuno del domingo, la disputa matrimonial por una tira cómica, la puerta cerrada, etc.

  La banda sonora fue obra de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Fue uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante su carrera la friolera de 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo el premio en 9 ocasiones, en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Fue el mayor de diez hijos. Comenzó a estudiar piano a la edad de 5 años. Ayudó a complementar los ingresos de su familia tocando en teatros y restaurantes. Entre sus películas premiadas se pueden citar: "La colina del adios" ("Love is a Many- Splendored Thing"-1955) y "Camelot"-1967.

  Y en esta historia irónica y tierna a la vez, recogiendo una partitura de acompañamiento festiva e irónica, con toques dramáticos, surrealístas y de canto a la vida. Añade cortes tradicionales del momento y tomados de la opereta de Franz Lehár "La viuda alegre". El tema principal está tomado de la versión instrumental para orquesta que Newman ofrece de la bellísima melodia "El vals  de la viuda alegre".

  De la fotografia en color se encargó Edward Cronjager. Un director de fotografía nacido en Nueva York, Cuya carrera abarcó desde la era del cine mudo hasta la década de 1950. Su primera película sonora fue "Nothing But the Truth"-1929 protagonizada por Richard Dix. Su trabajo abarcó más de 100 películas e incluso algún trabajo para la televisión hacia el final de su carrera. Filmó películas en blanco y negro en color e incluso llegó a utilizar el sistema Cinemascope por ejemplo en "Duelo en el fondo del mar" ("Beneath the 12-Mile Reef"-1953) protagonizada por Robert Wagner. Su última película fue ·Devil’s Partner"-1961 protagonizada por Edgar Buchanan.

  Y en esta historia de un Casanova arrepentido, mostrando las imágenes en un halo de irrealidad que se corresponde con la naturaleza de un relato que se narra desde el más allá. El predominio de los tonos grises y celestes y de los brillos refuerza las sensaciones de magia y sobrenaturalidad. Añade una breve y simpática secuencia de cabaret a cargo de las Ziegfeld Follies.

  Muy bien todo el reparto de actores elegidos aqui por el gran Lubitsch encabezado aqui por la bellisima Gene Tierney "Laura"-1944 y por el galán (de por aquel entonces) Don Ameche "Serenata argentina" (Down Argentine Way"-1940), ella como Martha y él como Henry.

  Y con ellos Charles Coburn "Los caballeros las prefieren rubias" ("Getlemen Prefer Blondes"-1953) como Hugo; Louis Colhen "Encadenados" (Notorious"-1946) como Randolph; Spring Byigton "Vive como quieras" ("You Can’t Take It with You"-1938) como Bertha; Allyn Joslyn "Sólo los ángeles tienen alas" (Only Angels Have Wings"-1939) como Albert...

  En definitiva: Una magnífica película intrascendente y muy divertida.  Sobresaliente.

  "El diablo dijo no" Obtuvo tres nominaciones al Oscar: Película, Director y Fotografia en color.

 

29/09/2020 06:39 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.


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