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Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace - 1944)

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  ¿Quereis decirme como murió?

  Oh, Mortimer no seas tan preguntón. Ese caballero murió porque bebió un vaso de vino que tenia veneno.

  ¿Y cómo tenia veneno en el vaso?

  Se lo pusimos en el vino porque se nota menos.

  En el té tiene un sabor muy especial...

  Obra maestra de género de comedia negra basada en la obra teatral de Joseph Kesselring. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Pasó la mayor parte de su vida en el teatro y sus alrededores. Después de dejar los estudios se incorporó a un grupo tearal amateur. Comenzó a trabajar como  dramaturgo independiente en 1933 su primer trabajo fue "Hay sabiduria en las mujeres". Pero se dió a conocer mundialmente por escribir "Arsénico por compasión", que fue un éxito en Broadway de 1939 a 1944 y también en otros paises.

  Del guión se hicieron cargo los hermanos gemelos Julius y Phillip Epstein. Nacieron en Nueva York y mundialmente conocidos por haber sido los guionístas de la mitica "Casablanca"-1942. Se graduaron en Artes y Letras y más tarde marcharon a Hollywood para trabajar en el cine en donde lograron grandes éxitos. Ambos trabajaron siempre juntos en los guiones. Pero Phillip falleció prematuramente de cáncer a los 42 años de edad. A partir de ahí Julius comenzó a trabajar en solitario.

  "Arsénico por compasión" está dirigida por Frank Capra. Un cineasta nacido en Sicilia (Italia). En una época en la que Hollywood apenas miraba fuera de sus estudios, Frank Capra creó una combinación única de reflexión social y comedia slapstick. Sus creaciones, populistas y humanistas, constructivas, rápidas y divertidas, figuran entre las películas más memorables de Hollywood, atesoradas con nostalgia y vueltas a ver de manera ritual, como auténticos clásicos de culto.

  Entre 1915 y 1926, Capra fue ascendiendo de extra a director de películas como "El hombre avión" (The Strong Man"-1926), "Sus primeros pantalones" ("Long Pants"-1927) y "Los tres papás" ("For the Love  of Mike"-1927), que le valieron un contrato con la Columbia Pictures. Hizo una transición impecable al sonoro con "Mujeres ligeras" ("Ladies of Leisure-1930) y "La mujer milagro" ("The Miracle Woman"-1931) y la productora le fue dando cada vez más libertad, que aprovechó para saltar de una escena a otra sin fundidos, mostrándose asi como un director maduro y experimentado.

  "La locura del dólar" ("American Madness"-1932) introdujo el tema favorito de Capra, la lucha de un individuo corriente contra una rigida empresa, en la que está en juego nada menos que el "sueño americano". Durante esta década realizó una serie de obras maestras. En "Sucedió una noche" ("It Happened One Night"-1934) resaltó los problemas de la Gran Depresión con un ritmo rápido que inició el género de la comedia screwall.

  Esta combinación de comedia loca y preocupación por los problemas sociales le valió su primer reconocimiento de la Academia al ganar los Oscar a la mejor película y mejor director. En "El secreto de vivir" ("Mr. Deeds Goes to Town"-1936), Capra se basó en el ¿que habría pasado si...?, para explorar temas similares, ganando su segundo Oscar. Comenzó a conocérsele por su desenfrenado optimísmo ante las dificultades.

  Donde mejor se aprecia este enfoque es en dos películas con Jean Arthur y James Stewart, la bella y cordial "Vive como quieras" ("You Can’t Toke It With You"-1938), que ganó una vez más los Oscar a la mejor película y director y "Caballero sin espada" ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939). "Juan Nadie" ("Meet John Doe"-1941), es tal vez la reflexión política más directa de Capra, que denuncia las mentiras y el cinismo de la prensa hasta que la acción popular conjunta desenmascara su maldad. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió una unidad de propaganda y realizó "The Battle of Britain"-1943), de la serie "Porqué luchamos" valioso documento histórico.

  Después  de dejar la Columbia, la siguiente película de Capra fue "Arsenico por compasión" ("Arsenic and Old Lace"-1944), fue menos característica, una comedia serewball disparatada y satírica que fue un tremendo éxito tanto de critica como de público. Y para compensar este gran éxito, Capra volvió a su característico idealísmo con "¡Qué bello es vivir!" (It’s a Wonderful Life"-1946), una conmovedora parábola de solidaridad y reconocimiento social dedicada a las piedras angulares del sueño americano, la familia, la amistad y la solidaridad. Pronto se convirtió en la película favorita de la Navidad en Estados Unidos.

  Para Capra fue también su último gran proyecto. La comedia romántica "El estado de la Unión" ("State of the Union"-1948) y "Aquí viene el novio" ("Here Comes the Groom"-1951), son divertidas pero carecen de la garra y relevancia de sus películas anteriores. Después de "Millonario de ilusiones" ("A Hole in the Head"-1959) y "Un gángster para un milagro" ("Pocketful of Miracles"-1961), Capra se retiró. Es fácil decir que su optimismo era ingenuo y sus personajes demasiado crédulos, pero en una época bastante cruel, sus películas aportaban fe, alivio y optimismo a ultranza. ¿Y por qué no?.

  Asi pues, el genial Capra nos lleva hasta una vieja casa de Brooklyn propiedad de las tias de Morty, en 1942, a lo largo de la noche de Halloween. Mortimer "Morty" Brewstor, es un famoso critico teatral y publicista, solterón empedernido que decide casarse con Elaine. Antes de salir de viaje de novios a las cataratas del Niágara, rinde una breve visita a sus tias Abby y Martha. Su presencia en la casa coincide con el estallido de un episodio de locura familiar que involucra al tio Teddy, a Jonathan, hermano de Morty, al médico Dr. Einstein, al Sr. Whiterspoon director de un centro de reposo para enfermos mentales y a otros... Morty reacciona con desconcierto y perplejidad contra los hechos que vive, mientras trata de mantener la calma y la cordura. Las tias son dos amables viejecitas, bondadosas, caritativas y compasivas, encargadas de ayudar a los ancianos solitarios. El tio Teddy sufre un trastorno de personalidad y cree que es el presidente Theodore Roosevelt...

  La película es una comedia negra con elementos de thriller, sobre la base de un sólido guión y  la acción pues se desarrolla a un ritmo vertiginoso. Se vuelca en el talento e ingenio a raudales de Capra, es una cascada de gags y un torbellino de humor alocado y disparatado. Construye una situación compleja dominada por la locura galopante de la familia. Para resolver la situación el protagonista dispone solo de unas pocas horas de la noche de Halloween, porque a la mañana siguiente ha de salir de viaje de luna de miel.

  Es interesante el contraste que se establece entre la rutinaria y complaciente vida burguesa de las tias y el terror y horror que se instala en la casa. Es efectiva la superposición a la trama principal de una segunda trama criminal, que extralimita las cosas y provoca numerosas ocasiones de crear lances de humor. Es acertada la actuación rica en gestos, posturas y expresiones faciales de "Morty", que sobreactúa lo justo para no perjudicar la consistencia del relato.

  A la acción principal se añaden elementos adicionales que potencian el humor negro. Cabe citar la situación de la casa de las tias junto al viejo cementerio de Brooklyn, inagurado en 1654, el recurso que los árboles del cementerio (sauces) sirven a la tias para elaborar el licor con el que agasajan a sus huéspedes solitarios; la semejanza del asesino Jonathan con Boris Karloff, la presencia del personaje como falso médico, etc. El licor mortal diluye arsénico, estrianica y una pizca de cianuro en extrato de bayas de saúco.

  La comicidad de la película se apoya, ademas, en elementos de farsa, servido por la locura del tio Teddy, su encarnación imitativa de la figura legendaria del presidente Theodore Roosevelt (presidente en 1901-1909), la confusión de la excavación de fosas de enterramiento con la de las exclusas del canal de Panamá, el grito "A la carga" ("Charge!") que Roosevelt hizo famoso en Saint John Hill, el interés del policia O’Hara por el teatro, la desesperación del taxista, etc.

  Se añaden otros recursos hilarantes, como la critica de los estereotipos burgueses y del matrimonio convencional, etc. Enriquecen la obra una brillante y eficaz puesta en escena, el acertado movimiento de los actores en el decorado único, la fluidez de los diálogos, la diferenciación de los personajes, la extraordinaria interpretación de Cary Grant, etc. La película está pensada y realizada para un pais que se halla inmerso en una durisima guerra (2ª Guerra Mundial) y para una población que necesita distraerse y reir. Dada la excepcionalidad de la situación, los estímulos necesarios, para ello han de ser más intensos que los habituales para obtener resultados similares.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena, pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a trasladarse a Estados Unidos. Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el motivo por lo que fue llamado a Hollywood. Era un maestro y un precursor del sello del cine estadounidense. Escribió composiciones para más de trescientas películas de la cuales una de las mas representativas fue "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939). Se estableció en Hollywood en 1925,cuando empezó el cine sonoro y consigo la música en las peliculas. Fue uno de los grandes compositores de bandas sonoras para obras maestras como "Casablanca"-1942. Estuvo nominado en 20 ocasiones al Oscar obteniéndolo en 3 por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyage"-1942) y Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui ofreciendo una partitura lúdica, mordaz y festiva, que apoya eficazmente el sentido de la acción. Incorpora variaciones de conocidas marchas fúnebres y nupciales. Añade un corte de la sonata para piano "A la turca" de Mozart, el "Coro de la boda" de Lohengrin (Wagner) y la canción popular "Home Sweet Home".

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Emigró a Estados Unidos en 1905, alli asistió a la escuela de Nueva York y comenzó a trabajar en la industria del cine como fotógrafo fijo. Después de su experiencia como asistente de laboratorio y de cámara, fue ascendido a camarógrafo de iluminación en 1917. Se mudó de Nueva York a Los Angeles en 1919 para continuar su carrera en la Warner Bros. Trabajó en más de 170 películas en varios estudios pero es mejor conocido por su trabajo en la Warner, con directores como Michael Curtiz y Howard Hawks en pelìculas como: "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) y "El sargento York" ("Sergeant York"-1941).

  Y aqui recreándose en largos y deslumbrantes planos generales y exaltando la visualidad mediante el uso del claroscuro, contraluces y potentes sombras.

  Extraordinario Cary Grant, "Charada"- ("Charade"-1963) como Mortimer. Y muy bien seguido por Priscilla Lane, "Sabotaje" ("Saboteaur"-1942) como Elaine; Raymond Massey, "El manantial" ("The Fountainhead" -1949) como Jonathan; Josephine Hull, "El invisible Harvey" ("Harvey"-1950) como Abby; Jean Adair, "El diablillo ya es mujer" ("Something in the Wind"-1947) como Martha; Peter Lorre, "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) como Einstein; John Alexander, "Winchester 73"-1950 como Teddy; James Gleason, "La noche del cazador" ("The Night Hunter"-1955) como el teniente Rooney; Corant Mitchel, "Caballero sin espada ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939) como el reverendo Harper...

  En definitiva: Maravillosa película de marcado humor nrgro, que se aleja de los cánones clásicos de la alta comedia estadounidense de los años 40 y principio de los 50. Una película imprescindible.  Matricula de Honor.

  Como curiosidad: La película se rodó en 1941 mientras todavia se representaba exitosamente la obra en los teatros. Cuando se terminaron las funciones se estrenó en el cine en 1944.

04/10/2020 08:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Roma, ciudad abierta (Roma cittá aperta - 1945)

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            No es dificil morir bien.

            Lo dificil es vivir bien.

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género bélico-dramático llevada al cine de una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio. El primero fue un productor y guionísta nacido en Roma. Comenzó su carrera como cineasta adaptando la vida de personajes históricos con películas en el periodo inmediatamente anterior a la 2ª Guerra Mundial. Tras la guerra, el advenimiento neorrealísta le acercó a personajes como Roberto Rossellini y Vittorio De Sica, con quienes colaboró en el guión de algunas de las principales películas de la época. También trabajó como productor. En 1949 fundó la productora Colonna Film en Roma. Estuvo nominado cuatro veces al Oscar.

  El segundo fue un escritor nacido en Nápoles. Comenzó en el cine en 1940 poniendo el guión a peliculas como "Lluvia de millones" ("Fortuna"-1940) donde aparecian actores españoles entre ellos Luis Prendes "La hora incógnita"-1964. Su último trabajo en el cine fue con "Il capitano nero"-1951 protagonizada por Steve Barclay y Marisa Merlini.

  Del guión se hicieron cargo el propio Amidei; Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini. Ganador de cuatro Oscar. A lo largo de su carrera dio vida a personajes y escenas que se han incorporado al imaginario colectivo cinematográfico. Más allá de los aportes estéticos de su obra en general, y esos personajes y ambientes externos a los que se han etiquetados como "fellineicos", una de sus películas "La Dolce Vita"-1960, tiene un impacto palpable y duradero en la cultura internacional al dar nombre a la figura de los paparazzi,esto basado en el nombre de uno de sus protagonístas, Paparazzo.

  El tercer guionísta y también director de la película fue Roberto Rossellini. Un cineasta nacido en Roma y uno de los más influyentes y controvertidos. Aunque a menudo se le considera una de las figuras claves del movimiento neorrealísta italiano,en realidad su carrera empezó bajo los auspicios del dictador Benito Mussolini. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió tres películas altamente propagandísticas: "La nave blanca" ("The white Ship"-1942), "Un piloto regresa" ("A Pilot Returns"-1942) y "El hombre de la cruz" ("The Man with the Cross-1943).

  No obstante, Rossellini alcanzó fama internacional con su aclamada triologia de guerra, una serie de películas que siguen el avance de las tropas aliadas desde Roma hasta Berlin, como crónicas del devastador impacto de la 2ª Guerra Mundial sobre la población civil y militar.

  La primera, "Roma,ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), considerada una obra maestra, se rodó principalmente en la ciudad de Roma con escasos recursos materiales, utilizando frecuentemente la luz natural. Estas condiciones unidas a una interpretación naturalista y al uso de expresiones coloquiales, dieron a la película un carácter profundamente documental.

  Las otras dos películas de la triología: "Paisá"-1946 y "Alemania año cero" ("Germany Year Zero"-1948), estaban más relacionadas con la estética neorrealísta de sus contemporáneos. Sin embargo los teóricos marxistas empezaron a distanciarse de Rossellini a partir de "Stromboli, tierra de Dios" ("Stromboli"-1950), la primera colaboración artística del director con la que luego seria su segunda esposa la actriz Ingrid Bergman.

  A pesar de la contraversia y de las fuertes criticas que rodearon sus películas, Rossellini seguia siendo un director prolífico e influyente. Algunas películas como "Europa 51"-1952 y "Te querré siempre" ("Voyage in Italy"-1954), ejercieron una profunda influencia en los criticos y directores de la nouvelle vague francesa como Jean-Luc Godard y en otros grande directores desde Federico Fellini hasta Martin Scorsese.

  Durante un periodo marcado por sus duficultades artisticas, asi como su divorcio con Ingrid Bergman, Rossellini rodó en la India una serie de documentales para la televisión. Posteriormente, cada vez se implicó más en las producciones televisivas. Cuando murió en 1977 había dirigido más de 50 películas.

  La acción pues, tiene lugar en Roma durante la ocupación  nazi en la ciudad entre el 8-IX-1943 y el 4-VI-1944. Y nos cuenta la historia de resistencia y la lucha de Guiseppina "Pina", una viuda temperamental, madre de un niño de 8 años. Su historia se cruza con la del partisano comunista Giorgio Manfredi, miembro de la Junta Superior de la Resistencia romana; la del cura Pietro Pellegrini rector de San Clemente, parroquia de la barriada, que asiste a partisanos y desertores alemanes; y la de Francesco, tipógrafo de una publicación clandestina, amante y novio de Pina. Aunque a decir verdad el verdadero protagonista de esta historia es el pueblo de Roma, representado por Pina, Giorgio, don Pietro, Francesco, Marcello, el sacristán, el brigada, los vecinos de Via Casitana, los niños, el niño cojo y todos los que sufren y luchan por la libertad...

  La película suma drama y guerra (2ª Guerra Mundial). Los personajes principales son imaginarios, aunque algunos están inspirados en personas reales. Pina es Teresa Gullace, que estando embarazada murió en manos de los nazis. Giorgio en la figura del jefe partisano Celeste Nergavile. Don Pietro, el cura Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis, a causa de su colaboración con la resistencia. Roma tras ser declarada ciudad abierta y desmilitarizada, fue ocupada por las fuerzas del ejército nazi y permaneció sometida durante 9 meses, hasta su liberación.

  La narración es espontánea, natural y sin artificios. Se filman personas reales en escenas conocidas. Participan actores profesionales (los principales) y no profesionales (vecinos, niños...). El relato destila sincerdad, verísmo y autenticidad. Rompe muchas de las convinciones narrativas al uso hasta entonces e impone cambios relevantes en la manera de mirar, explicar y narrar. A esta nueva manera de hacer cine la critica le llamará "neorrealísmo italiano".

  Para Rossellini, el neorrealìsmo más que una posición estética, es actitud ética: la del que quiere explicar con sinceridad y objetividad el sufrimiento del mundo. Su realísmo se apoya en la naturalidad del relato, que no incluye juicios morales de condena, en no suscitar odio, sino compasión y lástima por los torturadores, y en la reducción del dolor humano a niveles soportables para el espectador. La película logra una reconstrucción emocionante y creible de las atmósferas de opresión, abusos, impunidad, torturas, muerte y lucha, que se vivieron entonces.

  La película también exalta la solidaridad ciudadana, la fortaleza, la capacidad de resistencia y, sobre todo, la lucha por la dignidad y libertad. Formula, un homenaje a los héroes anónimos, la vida, la esperanza en las personas y en el futuro. Rechaza el racismo, la ideología nazi, las prácticas inhumanas, la violación de los derechos humanos, el consumo de drogas. Propone la tolerancia entre ideologías distintas y la colaboración entre ellas al servicio del bien común.

  La banda sonora fue obra de Renzo Rossellini. Un compositor, guionista y director nacido en Roma y hermano de Roberto. Estudió en Roma y se inició en el terreno de la ópera con cierta influencia de los posveristas Ottorino Respighi y Ricardo Zandonci. Entre sus obras destacan: "La guerra (1956), "Il vortice" (1958) y "Uno sguardo dal ponte"(1961). En 1970 estrenó en el Teatro Nacional de la Ópera de Paris "L’Annonce faite á Marie", sobre un drama de Paul Claudel. Compuso varias bandas sonoras para películas de su hermano: "Roma, ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), "Paisa"-1946, "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948) y "Francisco, juglar de Dios" ("Francesco, giullare di Dio"-1950).

  Y en esta historia plastificada en el tiempo, ofreciendo una inquietante partitura original de orquesta de metal, incluye 4 cortes de viento: el "Tema principal" (melodia de trompetas chillonas e insistentes bajos de tuba), el "Tema final" (sombrio, fúnebre y  desolador), el "Tema de la muerte" (breve descripción de la muerte por paro cardiaco) y el "Tema de la liberación" (esperanza combinada con alegria y dolor). Añade 2 fragmentos de música para piano, de Schubert, y pasajes de acompañamiento de música cubana, angloamericana y de jazz.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Ubaldo Arata. Un director de fotografía nacido en Ovada (Italia). Trabajó en más de un centenar de películas entre 1918 y su muerte en 1947. Ingresó en el cine en la época del cine mudo y trabajó prolificamente durante la década de 1920. Trabajó en la primera película sonora del cine italiano "La canción del amor" ("La canzone dell’ amore"-1930). Hasta la caida del fascismo, fue uno de los principales directores de fotografia italianos trabajando en películas de propaganda como: "Escipión el africano" ("Scipione l’ africano"-1937) y "De una misma sangre" ("Luciano Serra pilota"-1938). También trabajó en varias co-producciones con Gran Bretaña y Estados Unidos.

  Y en esta historia tremendamente dramática dandola un formato documentalísta que se ajusta a los parámetros de un cautivador, crudo y acerado realismo. Son escenas memorables la de Pina embarazada corriendo entre ráfagas de fusiles ametralladores, el asalto a la panaderia que acapara viveres, la tortura de Giorgio hasta que su rostro parece el de Cristo de la Pasión, los niños viendo la ejecución pública de un ciudadano, el despliegue de las fuerzas nazis para la detención de unos pocos sospechosos de colaborar con la Resistencia...

  Extraordinarios todos los actores encabezados por una maravillosa Anna Magnani, "El secreto de Santa Vittoria" ("The Secret of Santa Vittoria"-1969) dando vida a Pina. Y por un soberbio Aldo Fabrizi, "El ángel vestido de rojo" ("The Angel Wore Red"-1960) como Don Pietro. Y seguidos por Marcello Pagliero, "Paisá"-1946 como Giorgio; Francesco Grandjacquet, "El asesino" ("L’assassino"-1961) como Francesco; Giovanna Galletti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Ingrid; Maria Michi, "Salón Kitty"-1976 como Marina. Y sin olvidar a Vito Annichiarico, "Mañana será tarde" ("Domani é troppo tardi"-1950) como el pequeño Marcello.

  En definitiva: Pelicula de culto, considerada por algunos como esencial dentro de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Roma, ciudad abierta" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión. Y logró el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes.

  Como curiosidad: Roberto Rossellini usó prisioneros  de guerra alemanes como extras para añadirle un toque más realista a la película.

 

 

 

 


10/10/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                 Rhonda Fleming

                "Reina del Technicolor"

  El pasado dia 14 falleció a la edad de 97 años la mitica actriz estadounidense Rhonda Fleming. Ese mismo dia su secretaria particular lo confirmaba a la revista "Variety" la muerte de la actriz, acontecido en la ciudad californiana de Santa Mónica. Tenia 97 años y vivió su momento de esplendor en la década de los 50, cuando se convirtió en una de las "reinas del "Technicolor" junto a Maria Montez, Mauren O’Hara e Yvonne de Carlo.

  La melena pelirroja, una de sus películas se titulaba precisamente "La pelirroja y el vaquero" ("The Redhead and the Cowboy"-1951) junto a Glenn Ford, y sus intensos ojos verdes configuraron un ideal de exuberante belleza femenina muy acorde a aquellos tiempos glamourosos en el que el Technicolor y otros sistemas como el Color de Luxe de la Fox y el Warner Color, ganaron la batalla, provisionalmente, al cine en blanco y negro.

  Rhonda Fleming tenia sin duda menos presencia, talento y pedigrí que otros ilustres iconos de Hollywood que nos han dejado en este 2020, como Olivia de Havilland y Kirk Douglas, pero es una de esas actrices que define a la perfección toda una era del cine estadounidense combinando muy bien los titulos escapistas con algunas películas capitales del cine negro.

  Rhonda Fleming no tuvo una vida personal precisamente discreta, ya que pasó por el altar en seis ocasiones, y su filmografía ronda los 70 titulos entre largometrajes para el cine y unos cuantos episodios de series de televisión de diversa índole, de "Caravana" ("Wagon Train"-1957) a "Kung Fu"-1972 pasando por "El virginiano" ("The Virginian"-1962), "McMillan y esposa" ("McMillan & Wife"-1971) y "La mujer policia" ("Police Woman"-1974). Como otras tantas actrices y actores del viejo Hollywood,no se salvó de dedicar el otoño de su carrera a la televisión, el gran refugio profesional que acogió por igual a quien habia sido estrella como a presencias mas secundarias.

  En su cine en Technicolor destacan algunas películas como "Ligeramente escarlata" ("Slightly Scarlet"-1956), una película de serie B del prolífico Allan Dwan rodada en color y Cinemascope (en contra de la normativa del cine negro de entonces) que adapta una novela de James M. Cain. También fue buena actriz del cine del Oeste como:"El triunfo de Bufalo Bill" ("Pony Express"-1953), "El jugador" ("Tennessee’s Partner"-1955) del mismo Allan Dwan, "Alias Jesse James"-1959, un western cómico al estilo de Bob Hope y, sobre todo, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957), de John Sturges con Burt Lancaster y Kirk Douglas el primero como Wyatt Earp y el srgundo como "Doc" Holiday respectivamente.

  Hizo por supuesto varias películas de aventuras, el otro género del Technicolor de los años 50, como "Hong Kong"-1952, "Tropic Zone"-1953 en ambas formando pareja con Ronald Reagan, "Jivaro"-1954 un exotísmo amazónico junto a Fernando Lamas y el relato de piratas "El halcón dorado" ("TheGolden Hawk"-1952), y fue una cobriza Cleopatra en "La serpiente del Nilo" ("Serpent of the Nile"-1953), una película de bajo presupuesto del incombustible William Castle, rodada en los decorados que unas semanas antes Rita Hayworth habia encarnado a Salomé en la película homónima.

  Y en tiempos de coproduciones con Italia, protagonizó igualmente varios "péplums", a los que su registro y presencia se adaptaba como pez en el agua. "Semíramis esclava y reina" ("La cortigiana de Babilonia"-1954) y "La rebelion de los esclavos" ("La rivotta degli schiavi"- 1960). Tampoco faltó a la cita con el rudimentario 3-D de la época con "Infierno"-1953 con Robert Ryan, una historia de supervivencia en relieve y en pleno desierto.

  Todas las películas citadas fueron filmadas en color. Pero pese a su fotogenia cobriza, también brilló antes y después de convertirse en reina del Technicolor en películas en blanco y negro como "Recuerda" ("Spellbound"-1945), "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945), "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947), "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) y "El asesino anda suelto" ("The Killer is Loose"-1956), un repóquer en clave "noir" o de intriga sicológica dirigido por Alfred Hitchcock, Robert Siodmak, Jacques Tourner, Fritz Lang y Budd Boeticher, respectivamente, donde supo ser por igual mujer fatal y victima de las circunstancias.

  Participó en "The Buster Keaton Story"-1957 en el papel de una estrella del cine mudo de la que se enamora Keaton y que finalmente se casa con un noble europeo. Se interpretó a si misma en "Jerry Calamidad" ("The Patsy"-1964), de Jerry Lewis, y tuvo uno de sus últimos papeles en el disparatado agente 86" ("The Nude Bomb"-1980), discreta película de la popular serie televisiva "Superagente 86" ("Get Smart"-1965).

  Marilyn Louis (Rhonda Fleming) Los Angeles (Estados Unidos) - 10 - agosto-1923 - Santa Mónica (Estados Unidos) - 14 - octubre - 2020

                            ¡DESCANSE EN PAZ!

 

20/10/2020 09:48 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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