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Enero 2018 | Bienvenido a Pablo Cine
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Se muestran los artículos pertenecientes a Enero de 2018.

Z. La ciudad perdida (The Lost City of Z-2016)

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  Henry Costin: ¿Qués estás leyendo?

  Percy Fawcett: Un poema. De mi esposa. Es Kipling. Se llama "El explorador"

  Henry Costin: Aprobado

  Percy Fawcett: ¿Quieres oirlo?. Es un largo camino hasta llegar al Amazonas

  Henry Costin: Adelante

  Percy Fawcett: "Es absurdo, más lejos, es el limite de la conservación. Eso dijeron y lo creí. Abrí mi tierra y sembré mi cosecha. Construí mis graneros y até mis cercas... en la estación fronteriza. Me oculté en los predemontes donde los senderos terminan y se detienen. Hasta que una voz, tan mala como la conciencia, arrancó cambios interminables, con un susurro eterno y que repitió durante dias y noches: Algo oculto. Ve y encuentralo detrás de las cordilleras. Algo perdido detrás de ellas. Perdido y aguardántote. Ve."

  Entretenida película de nacionalidad estadounidense y de genero de aventuras, basada en el libro de David Grann. Un escritor y periodísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Connecticut College en 1989 y su carrera de periodísmo comenzó en 1994 como editor de copias en el The Hill, un periódico de Wanshigton. En 2009 recibió el Premio George Polk por su obra "Trial By Fire". En marzo de 2010 se publicó una antología de doce ensayos de Grann previamente publicados.

  "Z. La ciudad perdida" está dirigida por James Gray (también guionísta del film). Un cineasta nacido en Nueva York. Estudió en la School of Cinematic Arts de la Universidad del Sur de California. Con 25 años, Gray rodó su primera película como profesional "Cuestión de sangre" ("Little Odessa"-1994), una película de cine negro que cuenta la historia de un asesino a sueldo y su relación con su hermano tras regresar a su ciudad natal. La película ganó el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 1994. En 2000, Miramar Picturec distribuyó su segunda película "La otra cara del crimen" The Yards", escrita y rodada en 1998. Su tercera película "La noche es nuestra" ("Own The Night"-2007), compitió en el Festival de Cannes y obtuvo criticas desiguales de la prensa acreditada. En 2008 se estrenó la película "Two Lovers" inspirada en "Noches blancas" de Dostoyevsky.

  James Gray ha dirigido siete películas en 23 años (entre1994 y 2017), considerándose como un director de prestigio mundial y con fama de perfecionísta y de involucuarse ven todas las fases de un proyecto, desde la escritura del guión hasta el montaje final, dirección de actores, localizaciones, fotografía, seleción y supervisión musical, etc., lo que le convierten en un autor cinematigráfico.

  La acción pues, nos hace de participar en una expedición topográfica de la Royal Society a Bolivia, allí el soldado Percy Fawcett queda fascinado por la jungla y accede a participar en una expedición más remota, a pesar de alejarle de su mujer y sus hijos durante varios años. en la selva amazónica, Percy descubre vestigios de antiguas civilizaciones perdidas, y vuelve a Inglaterra convencido de la existencia de una metrópolis hundida, la misteriosa ciudad de Z. Aunque sus comportamientos son ridiculizados por la comunidad científica, Fawcett se embarca en un último viaje a la selva brasileña junto a su hijo para demostrar sus teorias...

  Una solamente entretenida película, pero que dada su larga duración (140 minutos), se hace sumamente pesada. Una pelicula de verdad donde prima el desquilibrio y en donde la mayoria de la historia se hace muy plana y es que para mi, cuando se hace un biopic, la ambientaión debe ser primordial y aqui lo consigue el director, pero cuando se quiere retratar la vida de un aventurero de los de antes, cuando el mundo aún estaba sin explorar, como en esta ciudad perdida, hay que planificar un guión que ofrezca algo más que un resumen sencillo de la trayectoria de este explorador, porque el guión (para mi) es un guión sin tensión, muy blando y muy previsible y lo que es peor sin intriga alguna. Y aqui está el fallo de Gray porque la película pudo haber dado mucho más de si (aunque suene a tópico), Gray deberia haber potenciado más los peligros en la selva y dado un ritmo más espectacular, y de seguro ahora mismo estariamos hablando de una gran película.

  Bonita la fotografía en color llevada a cargo por Darius Khondji. Un director de fotografia nacido en Theran. Tras pasar los años de formación cinematigráfica en Estados Unidos regresó a Francia en 1981 donde trabajó como asistente de fotografía e iluminación para anuncios publicitarios y más tarde para el cine. En 1990 con la película "Delicatessen" de Jean-Pierre Jeunet yMarc Caro comenzó a obtener la atención por su particular estética, lo que le valió trabajar posteriormente en el famoso thriller "Seven"-1995.

  Y en este viaje sin destino y por supuesto con poco interés mostrándonos unos buenos fotogramas aunque sin fuerza ritmíca y con escasa emoción. La película se rodó en su totalidad en Colombia y en Belfast (Irlanda del Norte) donde comenzó el rodaje.

  De la banda sonora se encargó Christopher Spelman, "La noche es nuestra" ("We Own The Night"-2007). Un compositor con muy poco cine en su haber y conocido por ser uno de los colaboradores de James Gray. Y aquí poco aporta al desarrollo de la historia, puesto que es como diria aquel querer y no poder (o viceversa). Yo creo que Spelman se inspiró más en los lugares que en los personajes, pero no llegó a lograr su mejor baza.

  En cuanto a los actores pues haciendo lo que pueden que ya es mucho, quizá lo mejor de la película, aunque mal aprovechados encabezado por Charlie Hunnam, "Pacific Rim"-2013, dando vida al explorador Percy Fawcett y seguido por Robert Pattinson, "La reina del desierto" ("Queen of the Desert"-2015), como Henry Costin; Sienna Miller, "El Francotirador" ("American Sniper"-2014), como Nina Fawcett, la esposa de Pierce; Tom Holland, "Al filo del invierno" ("Edge of Winter"-2016), como Jack Fawcett, el hijo de ambos.

  En definitiva: Una película que lo tuvo todo para haber sido una de las mejores del año en su género, pero por culpa de un guión muy mal planificado y una dirección que no supo dar su talla, se convirtió en un bonito envoltorio pero con un mal producto. Una película de ver y olvidar. Una lástima de verdad. Aprobado.

  Como anécdota. En un principio, la película iba a ser protagonizada por Brad Pitt, que es productor ejecutivo de la película.

 

 

 

 

 

02/01/2018 18:25 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Zandalee - 1991

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           Nueva Orleans...

            El  calor...

           El jazz...

           El pecado...

  Floja película de nacionalidad estadounidense y de género dramático-erótico con un guión de Mari Kornhauser, "Housebound"-2000. Una escritora nacida en Maryland. Desde el 2005 está enseñando el Programa de Escritura Creativa del Departamento de Inglés en la Universidad Estatal de Louisiana. Ese mismo año el huracán Katrina transformó su vida quedándose en Nueva Orleans y trabajando como periodísta informando sobre las inundaciones. En la actualidad es miembro de The Writers Guild  of América de Louisiana.

  "Zandalee" está dirigida por Sam Pillsbury. Un director nacido en Massachussets. Con 14 años emigró a Nueva Zelanda y con 23 comenzó a trabajar en la National Film Unit, propiedad del gobierno, uniéndose a un grupo de cineastas emergentes que estaban investigando temas y estilos nuevos. Su debut en el cine fue en 1981 con la película "El espantapájaros" ("The Scarecrow"), basada en la novela gótica de Ronald Hugh Morrieson. Presentada a través de los ojos de dos adolescentes, la película narra la llegada a un pueblo de los años 50 de un misterioso y extraño personaje (interpretado por el fordiano John Carradine). La película se convirtió en la primera película producida en Nueva Zelanda en ser presentada en el Festival de Cine de Cannes. Su última película hasta la fecha ha sido "Surf Party"-2013.

  La historia nos lleva hasta Nueva Orleans, alli una mujer llamada Zandalee vive con Thierry, su amado poeta y mardido. Pero su perfecta armonía se ve truncada por la muerte del padre de Thierry. Ahora el poeta centrará su vida en el negocio familiar, olvidando toda su inspiración artística. Desolada al ver como pierde a su marido, Zandalee busca consuelo en Johnny, un viejo amigo de Thierry, este la seduce, y ambos se ven inmersos en una apasionada y ardiente relación que acabará siendo obsesiva...

  Una película a decir verdad que a penas tiene sentido. Pillsbury utiliza mucho más erotísmo del necesario. Obtuvo mediocres criticas (yo creo que bien merecidas). Su desarrollo es francamente aburrido, y además de situaciones muy poco creibles. Solo destaca, su parte como thriller pero como digo nos ofrece escenas de sexo demasiado gratuitas.

  La música corrió a cargo de Pray Forrain. Un compositor nacido en Nueva Orleans (y a decir verdad muy poco se de él). Aquí nos ofrece un total de diez temas todos ellos repartidos entre jazz y blues compuestos por Jump  Whith Joey.

  La fotografia en un color claroscuro está dirigida por Walt Lloyd, "Tango para tres" ("Three to Tango". La película se rodó integramente en escenarios naturales donde se desarrolla la historia es decir en Nueva Orleans.

  Y en cuanto a los actores pues todos regulares, puesto que el director o no quiso o no pudo sacar todo lo que llevaban dentro, aunque ellos tampoco pusieron nada de su parte, comenzando por Nicolas Cage, "La roca" ("The Rock"-1996), como Johnny Collins, un siniestro personaje; Judge Reinhold, "Mentes turbulentas" ("Mindstorm"-2001), como Thierry Martin, amigo intimo de Johnny; Erika Anderson, "Pesadilla en Elm Street 5" ("A Nightmare a Elm Street 5"-1989), como Zandalee, la esposa insatisfecha de Thierry.

  Y seguidos por Joe Pantoliano, "Mentes en blanco" ("Unknown"-2006), como Gerri; Viveca Lindfors, "La mano" ("The Hand"-1981), como Tatta; Marisa Tomei, "El luchador" ("The Wrestler"-2008), como Remy.

  Resumiendo: Una película mediocre donde no se salva ni el erotísmo barato, puesto que tanto director como actores no pudieron enderezar el pésimo guión. No acostumbre a poner suspensos en mis comentarios, pero esta sería la primera vez que lo hiciera, aún asi seguiré con mi manera de dar nota a mis películas, lo dejo en un Aprobado y sea lo que Dios quiera.

  Como curiosidad: Sam Pillsbury tomó prestado algunos elementos de la novela "Thérése Raquin" de Emile Zola.

 

 

 

11/01/2018 10:20 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Zelig - 1983

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   "No puedo, yo... yo tengo que volver a la ciudad... yo... tengo el seminario sobre la masturbación y, si no llego a la hora, empezarán sin mi."

  Excelente y a la vez brillante película de nacionalidad estadounidense y de género de comedia, escrita y dirigida por Woody Allen. Un cineasta nacido en Nueva York. Allenn se ha convertido en un icono del cine, tanto por su estilo como por su habilidad interpretativa única. pese a que Manhattan ha sido escenario donde han desarrollado su actividad generaciones de músicos, diseñadores, urbanístas, jardineros, novelístas y políticos, en la actualidad la isla es famosa por constituir el marco de casi todas las películas de este director. Al dejar su impronta en este singular paisaje, Allen ha aportado su propia mitología a los barrios, monumentos, equipos deportivos y tejido social de la metrópolis, especialmente a los enrarecidos entornos del Upper East Side.

  Sus películas muestran el estereotipo del judio neoyorkino irreligioso y en ascenso en la escala social que Allen encarna y a la vez trasciende. El humor de Woody Allen parte de ls comunidad judia estadounidense, y sus afinidades y hábitos.

  Nacido en Nieva York para ser más exacto en Brooklyn con el nombre de Allen Konigsberg, escogió el apodo "Woody" de adolescente y lo adoptó como nombre legal en 1952. Comenzó contando chistes a los 15 años de edad y al cabo de un par de años las emisoras comerciales ya se los compraban para que los utilizaran otras estrellas como Bob Hoope y Danny Kaye. Woody Allen también actuó como humorista en varios clubes, donde perfiló el oficio y su manejo de los tiempos antes de trabajar para el actor Sid Caesar en televisión. Su primer guión cinematográfico fue llevado a la pantalla por Cliver Donner bajo el título "¿Qué tal, Pussycat?" ("Wat´s New, Pussycat?"-1965). El siguiente paso fue co-dirigir junto a Senkichi Taniguchi "El número uno" ("Wat´s Up, Tiger Lily?"-1966) y finalmente pudo dirigir en solitario su primer largometraje: "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Pun"-1969).

  Desde entonces Woody Allen ha realizado practicamente una película anual durante casi 50 años, de los que gran parte se han convertido en iconos de culto. Sus titulos resultan tan conocidos como su propio nombre, y tanto sus ingeniosos chistes como sus temáticas argumentales han entrado en la leyenda del cine. Aparte de su fecundo trabajo como realizador, ha hecho apariciones estelares (o ha prestado su voz) en ppelículas de otros directores.

  Escritor a la par que cineasta durante muchos años Woody Allen ha colaborado regularmente con The New Yorker. Además su prolífica obra cinematográfica se han paseado diversos actores y actrices de renombre, como Sean Penn o Goldie Hawn, y sus películas han servido de plataforma de lanzamiento para estrellas todavia emergentes en su momento como Mia Farrow, Dianne Wiest o Mira Sorvino.

  Allen, con una personalidad confusa, ha tratado de mantenerse al margen del circulo de celebridades de Hollywood. Aparte de tocar el clarinete en el hotel Carlyle de Manhattan los lunes por la noche, apenas realiza apariciones públicas. Se ha casado tres veces y se ha divorciado en dos ocasiones y como consecuencia de ello su vida personal ha aparecido frecuentemente en la prensa, pese a su a veces obsesivo deseo de privacidad.

  Woody Allen también tiene un prestigio notable entre los criticos cinematográficos y la industria del cine. Su palmares incluye los siguientes galardones: tres nominaciones de Directors Guild of America (Asociación de Directores de Estados Unidos), de los que ganó una y el premio a toda su vida, cuatro nominaciones a los Globos de Oro como guionísta, de los que consiguió una, además de una nominación como actor y cuatro como director y doce nominaciones a los Oscar como guionísta, de los que ganó dos, además de una nominación como actor y cinco más como director, estatuilla, que obtuvo en una de las ocasiones.

  Woody Allen se ha convertido en la referencia del guión cómico y el humor de situación. La forma de comportarse y de hablar de sus personajes, y la manera en la que se meten en problemas - y salen de ellos - se han convertido en un sello inconfundible de su obrs. La magia de su cine en la forma irónica de presentar unas relaciones humanas trágicas que tienden al horror pero que lo evitan gracias a una oportuna serendipia o descubrimiento inesperado.

  La acción pues, se desarrolla en los años 20 y 30 del siglo XX y en donde un tal Leonard Zelig un oficinísta de poca monta, que vive obsesionado por sentirse aceptado y acogido por parte de las personas y grupos sociales que tiene alrededor, con los que se relaciona o convive. Es atendido por la doctora Eudora Nesbitt. Detesta la exclusión social, que le produce pánico. Está dispuesto a pagar cualquier precio para ser respetado y querido. Su actitud interior le afecta de un modo tan fuerte que va más allá de su voluntad, produce en él mutaciones que le llevan a parecerse a las personas que tiene cerca. Con Eugene O’Neill es dramaturgo, con Jack Dempsey es boxeador, junto a rabinos es un rabino, junto a Charles Lindberg es un aviador...

  La película a decir verdad exigió a Allen un enorme esfuerzo creativo por lo que le llevó mucho más tiempo que en sus películas habituales. El resultado pues,  le llevó a hacer una obra singular, sorprendente, enigmática y sumamente curiosa. La película bajo mi punto de vista puede ser entendida de diversas maneras, constituyendo para algunos una metáfora de los Estados Unidos entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda. Otros en cambio lo verán como una alegoria de los alegres y despreocupados años 20. Y por supuesto no faltarán aquellos que creen que compone una parábola del pueblo judio, sin suelo patrio hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Pero para la mayoría constituye un análisis serio y riguroso sobre la identidad en general, de las personas y de los pueblos. Por lo demás incorpora una critica apasionada del autoritarísmo, los fanatísmos y el antisemitísmo. La película trata temas habituales en la filmografía de Allen, como el sexo, la religión, el amor, el psicoanálisis, las obsesiones, las neurosis, la culpabilidad, la redención, etc.. Y rinde un homenaje al cine mudo, a los cineastas que admira y a las películas que idolatra.

  La banda sonora corrió a cargo de Dick Hyman, "La rosa púrpura de El Cairo" ("The Purple Rose of Cairo"-1985). Un compositor de jazz y pianísta nacido en Nueva York. Ha tenido una amplia carrera en Nueva York como músico de estudio ganando siete premios como compositor y ha sido uno de los máximos colaboradores de Woody Allen además de ser miembro de National Endowment for the Arts Jazz Masters.

  Y aquí presentándonos una bonita selección de temas de los años 20 y 30, que acompañan con la canción original "The Changing Man Concerto", del propio Hyman, que hace de veces del tema principal.

  La fotografía en blanco y negro es obra de otro de los habituales colaboradores de Alllen, Gordon Willis, "Manhattan"-1979. Un director de fotografía nacido también en Nueva York y perteneciente a la ASC (American Society of Cinematographes). En su haber también tiene el haber dirigido una película, "Ventanas" ("Windows"-1980) protagonizada por Talia Shire. En 2009 obtuvo el Oscar honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica.

  Y aquí componiendo una visualidad que imita la propia de los noticieros filmados de la época, mediante el tratamiento de imágenes, muestra al protagonísta junto a personalidades como Herbert Hoover, Caluin Coolidge, Hitler, etc.. Es sumamente curiosa la falsa secuencia de la Plaza de San Pedro de El Vaticano (Roma). La película se rodó en escenarios naturales de Nueva Jersey (Estados Unidos), y se añaden imágenes de archivo, entrevistas, escenas de ficción y secuencias trucadas.

  Genial Woody Allen metido en el cuerpo de Leonard Zelig, un hombre camaleón que asombró a la sociedad norteamricana de la "era del jazz". Y con el camaleónico Allen, Mia Farrow, "La semilla del diablo" ("Rosemary’s Baby"-1968), como la doctora Eudora Nesbitt. Y los dos muy bien acompañados por unos buenos secundarios, tales como: Gale Hansen, "Halcones de mar" ("The Finest Hour"-1991), como uno de los estudiantes novatos; Stephanie Farrow, "La rosa púrpura de El Cairo" (" The Purple Rose of Cairo"-1985), como Mery Fletcher; Garrett M. Braun, "La vida en juego" ("Gridiron Gang"-2006), haciéndo de si mismo; Mary Louise Wilson, "La sombra del actor" ("The Humbling"-2014), como Ruth Sister. Y un largo etc.

  En definitiva: Una de las mejores películas de Woody Allen. Una película que es puro asombro que deja al espectador con la sensación de haber asistido a un despliegue de talento fuera de lo normal.  Matrícula de Honor.

  "Zelig" obtuvo dos nominaciones en 1983: Mejor Fotografía y Vestuario.

  Como curiosidad: Uno de los personajes históricos que se prestaron a colaborar en la película fue el psicólogo Bruno Bettleheim. Heredero del legado humanísta de C. G. Jung, destacó por su labor en la interpretación psicoanálitica de los mitos. Es el autor de "Psicoanálisis de los cuentos de hadas", uno de los libros más influyentes en guionístas y escritores que el mismo Stanley Kubrick tomaría como referencia para su película "El resplandor" ("The Shining"-1980).

19/01/2018 10:53 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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