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Agosto 2020 | Bienvenido a Pablo Cine
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Hasta siempre!!!

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                 Olivia de Havilland

          "La última estrella del Hollywood dorado"

  El pasado 25 de julio y a la edad de 104 años falleció de muerte natural la mitica actriz Olivia de Havilland.

  Como actriz, fue la última superviviente del cine clásico de Hollywood y, por tanto la última también del mítico reparto de  la película "Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind"-1939), por lo que fue nominada al Oscar a la mejor actriz por su interpretación como Melanie Hamilton.

  Fue hermana de la también actriz Joan Fontaine (1917-2013), con quien no mantuvo relación desde 1975 hasta el fallecimiento de esta, 38 años  después. El 21 de junio de 2017, a los 100 años de edad, fue nombrada Dama del Imperio Británico, por la reina de Inglaterra Isabel II, siendo la persona más longeva que ha recibido esta  disticción.

  Era hija promogénita de padres británicos, él era abogado que ejercía en Japón, nacida en Tokio al igual que su hermana. Pero a causa de una salud debilitada, y tras la separación de sus padres, se trasladó con su madre y hermana a Estados Unidos concretamente a California, donde cursó sus estudios.

  En febrero de 1919, su madre persuadió a su esposo para que llevara a la familia de regreso  a Inglaterra por clima mas adecuado para sus hijas enfermas. Navegaron hasta San Francisco, donde la familia se detuvo para tratar de amigdalitis a Olivia. Después de que Joan desarrolló una neumonía. La madre decidió quedarse con sus hijas alli, donde finalmente se instalaron en Saratoga. Su padre abandonó a la familia y se casó con su ama de llaves japonesa.

  Olivia fue criada para apreciar las artes, comenzando con leciones de ballet a la edad de cuatro años y leciones de piano un año después. Aprendió a leer antes de los siete años, y su madre,que ocasionalmente enseñaba teatro, música y elocución, le recitaba pasajes de Shakespeare, para fortalecer su dicción. Durante este tiempo, su hermana Joan, comenzó a llamarle "Livvie", un apodo que duraria toda su vida. Olivia ingrsó en la Escuela Primaria de Saratoga en 1922 y le fue bien en sus estudios. Le gustaba leer, escribir poesias y dibujar, y una vez representó a su escuela primaria en un concurso de ortografía del condado, quedando en segundo lugar.

  En abril de 1925 su madre se volvó a casar esta vez con George Milas Fontaine, gerente de unos grandes almacenes en San José era un buen proveedor y un hombre de negocios respetable, pero su estricto estilo de crianza generó animosidad y más tarde rebelión en sus dos hijastras.

  Olivia continuó su educación en la escuela scundaria Los Gatos cerca de su casa en Saratoga. Alli destacó en la oratoria y el hockey sobre hierba y participó en obras de teatro escolares y en el club de teatro escolar, llegando a ser la secretaria del club. Con planes de convertirse en maestra de inglés y habla, también asistió al Convento de Notre Dame en Belmont.

  En 1933, una Olivia adolescente hizo su debut en el teatro de aficcionados con "Alicia en el pais de las maravillas", una producción de Saratoga Community Players basada en la novela de Lewis Carroll. También apareció en varias obras de teatro escolares, incluyendo "The Marchant of Venice" y "Hansel y Gretel". Su pasión por el drama eventualmente le llevó a una confrontación con su padrastro, quien le prohibió participar en otras actividades extracurriculares. Cuando se enteró de que habia ganado el papel principal de Elizabeth Bennet en la producción de la escuela de recaudación de fondos de Jane Austen "Orgullo y prejuicio", él le dijo que tenia que elegir entre quedarse en casa o aparecer en la obra teatral y que no se le ocurriese volver a casa. No queriendo decpcionar a su escuela y sus compañeros de clase, se fue de su casa y se instaló con un amigo de la familia.

  Después de graduarse en la escuela secundaria en 1934, le ofrecieron una beca para estudiar en el Mills College de Oakland para seguir su carrera elegida como profesora de inglés. También le ofrecieron el papel de Puck en la producción de Saratoga Community Theatre de "El sueño de una noche de verano" de Shakespeare. Ese mismo verano, el director austriaco Max Reinhardt vino a California para una nueva producción importante de la misma obra que se estrenaría en el Hollywood Bowl. Después de que uno de los asistentes de Reinhardt la viera actuar en Saratoga, le ofreció el segundo puesto de suplente para el papel de Hermia. Una semana antes del estreno, el suplente Jean Rouverol y la actriz principal Gloria Stuart abandonaron el proyecto, dejando a Olivia, de 18 años, para interpretar a Hermia.

  Con su mente todavia decidida a convertirse en maestra, Olivia inicialmente vaciló, pero finalmente Reinhardt y el productor ejecutivo Henry Blanke la persuadió de firmar un contrato de cinco años con Warner Bros, el 12 de noviembre de 1934, con un salario de 200 dólares por semana, lo que marcaba el comienzo de una carrera profesional de actuación que abarcaría más de 50 años.

  A partir de ese momento formó parte de un equipo consolidado en la Warner, con Errol Flynn (que luego confesó haber estado perdidamente enamorado de ella en aquel momento) como pareja y Michael Curtiz como director. Junto a Errol Flynn protagonizó siete películas, en las que, aunque siendo de temática muy distinta, ella siempre representaba el mismo personaje, de la amada del aventurero, fiel seguidora del héroe. Algunas de estas  peliculas fueron "El capitán Blood" (Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) o "Dodge ciudad sin ley" ("Dodge City"-1939).

  Los años 1940 fueron los más importantes de su carrera, ya que protagonizó "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Owen"-1946) de Michael Leisen y "La heredera" ("The Heiress"-1949) de William Wyler junto a Montgomery Clift, que supondrian los dos Oscar de su carrera. Sin embargo, en el año 1939 ya había interpretado uno de los papeles que más importancia y reconocimento le depararia a nivel mundial, el de Melanie Hamilton en "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939), por lo que consiguió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria, aunque el premio se lo llevó su compañera de reparto, Hattie McDaniel, que interpretaba el papel de Mamy y fue la primera actriz afroamericana en conseguirlo.

  En el año 1941 fue de nuevo nominada al oscar a la mejor actriz por su papel en "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941), pero esta vez fue su hermana Joan Fontaine, nominada por "Sospecha" ("Suspicion"-1941), de Alfred Hitchcock la que se lo llevó. La mala relación que mantenian las dos hermanas pudo apreciarse en la entrega de los Oscar, cuando Joan rechazó las felicitaciones de Olivia al subir a recoger su galardón.

  A pesar de que los años 1940 fueron los mejores de su carrera, fue en esta época cuando tuvo un problema judicial con la Warner, se quejaba de los papeles que le proporcionaban no tenian ningún valor artístico y pensaba que los mejores se los cedian siempre a Bette Davis (un ejemplo evidente es la película "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), entonces el estudio, en represalia no le concedió ningún papel en más de seis meses, Olivia les demandó cuando intentaron prorrogar su contrato de siete años alegando que le debian esos seis meses como castigo. Ganó la demanda pero estuvo casi tres años sin trabajar.

  A partir de los años 1950, sus papeles se fueron distanciando cada vez más. De esta última etapa de su carrera,sus papeles más importantes fueron "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955), de Stanley Kramer, "La noche es mi enemiga" ("Libel"-1959), de Anthony Asquith, y "Canción de cuna para un cadáver" ("Hush... Hush, Sweet Charlotte"-1964), de Robert Aldrich. En 1955 encarnó a una noble española, la polémica "La princesa de Ebolí" ("That Lady"-1955), de Terence Young.

  Dejó relegado el cine a partir de 1960 y se dedicó al teatro y la televisión, que emergía en aquellos tiempos, trabajando a lo largo de esta década en varias series exitosas como "Norte y Sur" ("North and South"-1985). Desde entonces, vivió practicamente retirada, y una de sus últimas apariciones fue como presentadora de uno de los premios de la 75ª edición de los Oscar en 2003.

  Olivia de Havilland narró el documental de 2009, "Recuerdo mejor cuando pinto". Se trataba sobre la importancia del arte en el tratamiento de Alzehimer. El 22 de marzo de 2011, se presentó el documental en una proyección especial en Paris.

  El 17 de noviembre de 2008, a la edad de 92 años, Olivia recibió la Medalla Nacional de las Artes. El 9 de septiembre de 2010 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, una distinción que otorga el Presidente de la República de Francia.

  En febrero de 2011 Olivia de Havilland apareció en la ceremonia de entrega de los premios César. Jodie Foster lo presentó y Olivia recibió una gran ovación con el público puesto en pie.

  Falleció por causas naturales el 25 de julio de 2020 a los 104 años de edad en su residencia de Paris mientras dormia, apagándose asi con ella la última estrella de la época dorada de los mejores años del cine de Hollywood de todos los tiempos.

  Olivia Mary de Havilland (Olivia de Havilland) - 1 - julio - 1916 - Tokio (Japón) - 25 - julio - 2020 - Paris (Francia)

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

01/08/2020 09:04 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

La vida intima de Julia Norris (To Each His Own-1946)

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         En recuerdo de: Olivia de Havilland

  "Parecia que me estaba interpretando a mi misma y no a otra."  (Olivia de Havilland)

  Intensa película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de charles Brackett. Un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en 1915 en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920. La segunda, "Week End" (1925), llamó la atención de Harold Ross que le ofreció un trabajo como critico en su prestigiosa revista The New York.

  Durante esta época publicó otras dos novelas. En los años 30 se trasladó a Hollywood y empezó a trabajar como guionista cinematográfico su primer guión fue para la película "La última avanzada" ("The Last Outpost"-1935) protagonizada por Cary Grant. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y entre 1949 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Logró tres Oscar a lo largo de su carrera por "Dias sin Huella" ("The Last Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953).

  Del guión se hicieron cargo Jacques Théry y Dodie Smith. El primero fue un guionista nacido en Paris. Su primera pelicula fue "Una noche de redada" ("Un soir de rafle"-1931) con Annabelle como proyagonísta femenina, y su último guión para el cine fue precisamente "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946). Aunque en 1954 trabajó para la televisión francesa en un episodio de la serie "Lux, Video, Ttheatre.

  El segundo (o mejor dicho la segunda). Una escritora nacida en Manchester (Inglaterra). En 1931 escribió su primera novela "Autumm Crocus" que obtuvo un gran éxito. Durante los años 40 ella y su esposo se mudaron a Estados Unidos. Su obra más conocida alli fue "101 dálmatas" ("The Hundred and one Dalmatians") que la escribió en 1956 y en 1961 Walt Disney la llevó al cine en dibujos animados.

  "La vida intima de Julia Norris" está dirigida por Mitchell Leisen. Un cineasta nacido en Michigan. Tras estudiar la carrera de Arquitectura, trabajó como diseñor de interiores, años antes de iniciar, en 1919, su trayectoria como diseñador de cine.

  Su primer trabajo en el cine fue como diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de 1920 trabajó también para Raoul Walsh, Allan Dwan y Ernst Lubitsch. Todo esto le proporcionó una gran experiencia, asi que hizo de trampolín para saltar a la dirección (el camino normal fue el suyo, y no de empezar como guionísta, como fue el caso de Preston Sturges o John Huston). Logró ser asistente de dirección de Cecil B. DeMille en "El signo de la cruz" ("The Sign of the Cross"-1932). Fue nominado al Oscar por su dirección artística gracias a su trabajo en la película "Dinamita" (Dynamite"-1929) de Cecil B. DeMille.

  Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta 1933 en la Paramoun Pictures con "Canción de cuna" ("Cradle Song"-1933), un drama protagonizado por Dorothea Wleck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con los grandes melodramas, las comedias románticas y solo a veces con las comedias llamadas de "humor delirante"

  Una de sus películas más recordadas fue la adaptación de la obra de Alberto Casella, "La muerte de vacaciones" ("Death Takes a Holiday"-1934), con Fredric March. Rodó la brillante "Campos de espera" ("Four Hours to Kill"-1937), protagonizada por Jean Arthur y con un guión de Preston Sturges que fué otro gran éxito del director.

  Pero asi mismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro. Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el cine. Ya en "Adelante, mi amor ("Arise, My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó "Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fué su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él)

  Pero asimismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro.

  Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el  cine. Ya en "Adelante, mi amor" ("Arise , My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó"Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fue su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él) fueron la pareja protagonísta, con gran éxito. Un fiscal acusa a una chica por robo de joyas, y el juicio se pospone hasta que pase la Navidad. El fiscal lleva a la protagonista a Indiana, y la lleva a casa de su madre, que está de camino a su propia casa. Como la madre la rechaza, ella pasa la Navidad con la familia de él, lo que dará lugar a su encuentro.

  Asi mismo destacó con "Ella y su secretario" ("Take a Letter Darling-1942), con Rosallind Russell y Fred MacMurray, y con "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946), escreita por Charles Brackett que le valió un oscar a Olivia de Havilland. Estas fueron las películas más destacadas en la carrera de Mitchell Leisen. En la década de 1950 Leisen abandonó el cine parcialmente para dedicarse a la televisión, pero aún haria alguna contribución con "Eligiendo novio" ("The Girl Most Likely"-1958) una comedia musical con Jane Powell y Clift Robertson que sería su última película como director.

  Tras largo tiempo trabajando en la televisión volvió a la pantalla grande pero esta vez con un documental titulado "Spree"-1967. Un documental sobre la vida de la malograda actriz Jane Mansfield.

  La acción pues, tiene lugar en Piersen Falls, Nueva York y Londres, a lo largo de unos 25 años entre 1918 y 1943 y en donde una joven llamada Josephine "Jody" Norris, hija única del propietario del drugstore de la pequeña localidad de Piersen Falls, es seducida por un apuesto militar de aviación llamado Bart Cosgrove,  que está de paso por el pueblo para la venta de bonos de guerra (1ª Guerra Mundial). Unos meses mas tarde muere en acto de servicio. Jody se convierte en madre soltera. Tras el nacimiento (febrero 1918) en Nueva York de su hijo Griggsy (diminutivo de Gregory), que es tomado en adopción por sus amigos Alex y Corinne Piers...

  El relato pues, explica una historia de los sufrimientos y sinsabores de una madre soltera, separada de su hijo a causa de los prejuicios sociales. La película la podriamos clasificar entre drama y romance. Y en donde el director nos presenta una narración rica en sugerencias, sutilezas, indicaciones disimuladas, elipsis y sobreentendidos, que completa y refuerza mediante encuadres, juegos de luz, gestos naturales, elementos del escenario y otros medios visuales. Para captar debidamente la intensa riqueza de detalles significativos que contiene la pelicula, el espectador es invitado a seguirlo con atención y picardia. Pocas cosas suceden y se ven en la historia que no aporten información relevante y sugestiva.

  Una de las propuestas que el director expone es la lucha entre las ideas viejas y nuevas, entre el presente caduco y los cambios que anuncian una época nueva, entre lo abocado a la desesperación y lo emergente para imponerse más allá de la voluntad de las personas. Tiene interés contemplar el contraste entre la luz débil del interior del drugstore y la brillante luminosidad del exterior, el contraste entre las formas modernas (en 1922) del flamante coche aparcado frente al drugstore y la fachada envejecida y deteriorada del mismo.

  Otra de las ideas que en mi pinión subraya el director es la contraposición de la pobreza y el estancamiento de la pequeña localidad y las oportunidades de prosperidad de la ciudad de Nueva York. Lo pone de manifiesto a través de diversos y variados recursos, entre lo que cabe estar a modo de ejemplo el vestido y el modo de comportarse de Mac, antiguo pretendiente de Jody, residente en Nueva York, en comparación con los de los jóvenes residentes en Prersen Falls.

  Sobre todo le interesa al director defender y exaltar la dignidad de la mujer, su capacidad para los negocios no inferior a la del hombre, la corrección y validez de la igualdad de conductos de la relación de la mujer y el hombre, etc.

  Si observamos bien y con detenimiento la aparente seducción de Jody por el piloto, se observan indicaciones que más bien hablan de la seducción de él por ella, aunque en todo caso la situación no es ni clara ni concluyente, como probablemente pretende el director. Se deleita mostrando el fracaso como personas y en los negocios de hombres y mujeres y el éxito de mujeres y hombres, desmitificando uno de los viejos prejuicios más arraigados en relacción a la igualdad de géneros.

  Presta especial atención a la evolución del personaje protagonísta a lo largo de 25 años, desde su espléndida juventud veinteañera pretendida por todos los chicos del pueblo, hasta su madurez de la media edad. Hace referencia al error común de las mujeres que concentran en la maternidad todas sus ilusiones y ambiciones. El director también nos explica con parsimonia que la femenidad puede realizarse a través de otros menesteres si la mujer sabe cambiar y enriquecer su filosofía de género. Nos lo demuestra observando la larga trayectoria desde concepciones convencionales e impuestas hasta la aceptación de su maternidad como algo legítimo, honorable y digno.

  El melodrama que constituye el hilo conductor de la historia es tratado con contención. moderación y equilibrio. Es elevado con la aportación de un conjunto de reflexiones sobre la dignidad de la mujer, que reflejan el estado de opinión sobre el papel de la misma que se manifiesta y generaliza en el pais  tras el comienzo de la 2ª Guerra Mundial. Habla de lo imprevisible de la vida, la necesidad de la adaptación al cambio, la solidaridad, etc. Como de costumbre, cede la oposición central a la mujer, a la que distingue con un trato exquisito y diferente. No falta el humor, que encomienda a la madre cargada de hijos en Persen Falls, la conversación en la oscuridad de la noche en Londres, la tarta de bodas, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago, empezó como compositor clásico y concertista de violin, pero decidió pasarse a la música popular cuando entró en la orquesta de Isham Jones. Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio de Paris. Mediada la década de 1930 se trasladó a Hollywood donde se concertó en el mundo del cine, grabando música ligera y dando apoyo musical a cantantes de fama, entre ellos Bing Crosby.

  A finales de 1934 firmó contrato con la Decca Records y siguió trabajando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Los Angeles. Ganó dos Emmy, uno en 1950 y otro en 1954. En el cine compuso más de 300 bandas sonoras en peliculas tan emblemáticas como por ejemplo: "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) de John Ford y "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) de William Wyler.

  Y en este drama inolvidable ofreciendo una partitura de tonos suaves y de apoyo, que incorpora una emotiva canción bailable ("Si me quieres tanto como yo a ti") y una canción irónica que es la versión melódica del tema principal, a cargo de Mac.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Daniel L. Fapp. Un director de fotografía nacido en Kansas City. Y mundialmente conocido por su fotografía en la oscarizada e inolvidable "West Side Story"-1961, por la que ganó un merecido Oscar. También fue nominado al oscar por "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958) de Delbert Mann.

  Y aqui aportando una visualidad ingeniosa y sugerente, colocando la cámara del rodaje de cada escena.

  Maravillosa Olivia de Havilland, "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939) metida en el cuerpo de Josephine "Jody" Norris. Y con ella Mary Anderson, "Travesia peligrosa" ("Dangerous Crossing"-1953) como Corinne Piersen; Roland Culver, "Espias en acción" ("A Man Could Get Killed"-1966) como Lord Desham; Virginia Welles, "Querida Ruth" ("Dear Ruth"-1947) como Liz Lorimer; Bill Goodwin, "Los lios de Susana" ("Brundle of Joy"-1956) como Mac Tilton; John Lend , "Alta sociedad" ("High Society"-1956) como Bart Cosgrone...

  En definitiva: Sin duda, una de los mejores y más infravalorados melodramas de la época dorada de Hollywood. Una película Sibresaliente.

  Olivia de Havilland logró el Oscar a la Mejor actriz.

  A modo de curiosidad: Llama la atención el error de traducción del creador o creadores del titulo español (usando Julia en lugar de Jody).

10/08/2020 08:07 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Mesas separadas (Separate Tables - 1958)

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  Soledad, Pasión, Celos, Mentiras... Y un suceso que lo cambia todo...

  Extraordinaria película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Terence Tattegan. Un dramaturgo nacido en Londres. Estudió en Harrow School Trinity College de Oxford, sus obras suelen describir ambientes de clase media inglesa. En 1936 logró su primer éxito como comediógrafo en Londres con "El francés sin esfuerzo" y a partir de entonces estrenó habitualmente comedias y dramas durante veinte años seguidos.

  Sus piezas se caracterizan por poseer un culto y elegante diálogo y una impecable construcción. Destacan "El chico de los Winslow"-1947, premio de la asociación de criticos de Nueva York y "La versión de Browning"-1949, ambas llevadas al cine por Anthony Asquith; "Mesas separadas"-1956, también llevada al cine y "Ross"-1961. También trabajó como guionísta cinematográfico en "Mesas separadas", "Adios, Mr. Chips"-1969; "El Rolls Royce amarillo"-1964 y otras más.

  Del guión se hicieron cargo como bien he dicho el propio Rattigan y John Gay. Un guionísta nacido en California. Comenzó su carrera escribiendo episodios para series de televisión y en 1958 lo hizo para el cine su debut fue con la película "Torpedo" ("Run Silent Run Deep"-1958). Después trabajaria en numerosas películas como por ejemplo: "Los cuatro jinetes del Apocalpsis" ("The Four Horseman of the Apocalypse"-1962) y "Soldado azul" ("Soldier Blue"-1970) entre otras.

  "Mesas separadas" está dirigida por Delbert Mann. Un director nacido en Kansas. Se trasladó con su padre a Tennesse y alli se graduó en ciencias politicas en la Universidad de Vanderbilt y en 1941 se alistó en el ejército como piloto de un bombardeo B-24, voló en un total de 35 misiones de combate en Europa. Al finalizar la guerra (2ª Guerra Mundial) se interesó por la interpretación y el estudio en el Yale Drama School y, posteriormente obtuvo un trabajo en el Town Theatre de Columbia en Carolina del Sur.

  Un amigo de la Universidad el  actor y director Fred Coe, le ofreció la oportunidad de empezar a dirigir algunos capitulos del programa "Phico Televisión Playhouse" para la NBC. Mann aceptó el trabajo y se trasladó a Nueva York en 1949. Para la NBC dirigió con posteridad varios episodios de "Goodyear Televisión Playhouse" y "Producer’s Showcase" e incluso, una lograda adaptación televisiva de la obra de William Shakespeare "Otelo". Delbert Mann fue uno de los primeros directores conocidos de la llamada "Edad de oro de la Televisión " en Estados Unidos (junto a Sidney Lumet, Robert Mulligan, John Frankenheimer o Martin Ritt), que luego pasarian a conformar en el cine un grupo homogéneo pero de diferenciadas temáticas y estilos con respecto a la generación anterior como ( Vidor, Lang, Lubitsch, Cukor Ford o Minnelli).

  En 1953 Delbert Mann concibió lo que sería uno de sus mejores trabajos "Marty"-1955, concebido como capitulo de la serie "Godyear Television Playhouse", donde el magnífico guión de Paddy Chayevsky y la gran interpretación de Rod Steiger, hicieron que "Marty" se convirtiera en un icono de la televisión de la década de los 50. Además, en 1954 Mann ganó el premio Emmy, a la mejor dirección por el episodio "Our Town" de la serie "Producer’s Showcase", donde actuaban Paul Newman y Frank Sinatra.

  Delbert Mann tuvo la suerte de cara cuando Burt Lancaster y su socio Ben Hecht de la pequeña pero exitosa productora independiente Hecht-Lancaster se interesaron por el guión de "Marty" para llevarlo a la gran pantalla, designando al propio Mann que se encargarse de la dirección. El problema radicaba en que el presupuesto para realizarla era muy limitado 350.000 dólares. De hecho "Marty" es la primera película ganadora de un Oscar en la que sus costos de publicidad excedían de los del rodaje.

  Rod Steiger no era bien visto por la productora para realizar el papel principal (por ser un actor hasta entonces eminentemente secundario "relegado" a papeles de malvado) y Lancaster pensó en su compañero de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953), Ernest Bornine como posible sustituto, a pesar de que este todavia no habia gozado de ningún papel protagonísta. Por otro lado y para evitar posibles desastres, Lancaster no quiso que su nombre estuviese en la película, cosa que dejó el honor a Hecht para que recogiese el Oscar.

  Pero "Marty" fue antes un éxito de critica antes que de público. Mostrada en el Festival de Cannes, fue la primera película norteamericana que consiguió la Palma de Oro. Además, la película devolvió a la productora diez veces más de lo que costó, convirtiéndose de largo en la película mas rentable de Hecht-Lancaster. Y después llegaron los Oscar, donde consiguió los premios de mejor película, director, actor y guión adaptado. Delbert Mann se convirtió en el primer director en conseguir la estatuilla en su primer trabajo en el cine, un caso que repetiria Sam Mendes 45 años después.

  Delbert Mann alternó los trabajos para la televisión con los del cine, donde no logró obtener un éxito de taquilla como él lo deseaba. A "Marty" le siguieron sólidos dramas donde el director mostró su buen hacer. "La noche de los maridos" ("The Barchelor Party"-1957), drama con estructura teatral escrita por Chayefsky donde brillaban Don Murray y Carolyn Jones; "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958), adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan con Burt Lancaster, David Niven, Rita Hayworth y Deborah Kerr: "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958), sobre también el drama teatral de Eugene O’Neill con Sofia Loren y Anthony Perkins o la excelente "En mitad de la noche" ("Middie of the Night"-1959), un drama con toques de cine negro nuevamente escrito por Chayefsky que contiene una de las mejores interpretaciones de Kim Novak.

  En los 60 Delbert Mann fue recordado por dirigir varias películas. Primero el drama sentimental "En la escalera oscura" ("The Dark at the Top of the Stairs"-1960), que contaba con Robert Preston y Dorothy McGuirre, con el cual logró un éxito de critica considerable y varias nominaciones al Oscar. Le siguió "Pijama para dos" ("Lover Come Back"-1961), la mejor y más taquillera comedia de la pareja Rock Hudson y Doris Day. Luego hizo "Suave como el visón" ("That Touch of Mink"-1962), compleja comedia sobre la clase alta con Cary Grant y Doris Day de joven desclasada. Después rodó "Nido de águilas" (A Coathering of Eagles"-1963), película bélica de desiguales resultados con Rock Hudson y Rod Taylor.

  Con la comedia melodramática de pequeño presupuesto "Querido corazón" ("Dear Heart"-1964), logró Geraldine Page su mejor interpretación de la década, al lado de Glenn Ford y Angela Lansbury. En 1964, dirigió "Quick Before It Melts"-1964, que fue la primera película de la que también fue productor. Bajo su producción, también llegaría "La mujer sin rostro" ("Mister Buddwing"-1966), con James Garner y Jean Simons. Por otra parte, Mann tuvo tiempo para dirigir varios proyectos entre ellos un digno telefilm "Heidi"-1968, con Maximillian Schell y Jean Simons. Además, entre 1967 y 1971, sería presidente del Director’s Guild  of America.

  A partir dev los años 70 el director de Kansas se volcó principalmente en el medio televisivo, rodando entre otros muchos titulos, una versión de "Sin novedad en el frente" ("All Quiet on the Western Front"-1979) de Erich Maria Remarque que resultó muy inferior al original literario y a la película de 1929 pero eso si, nada despreciable. En el cine solamente estrenó tres películas:  el clásico de Charlotte Brontë "Jane Eyre"-1970, rodada inicialmente para la televisión y considerada casi la mejor versión, aprovechando el talento de George C. Scott y Susannah York; "David y Catriona"-1971, con Michael Caine y "The Birch Interval"-1977.

  Las siguientes décadas depararon titulos como "Fuga de noche" ("Night Crossing"-1981), con Jane Alexander y John Hurt y "Brantë"-1983, con Julie Harris, prosiguiendo hasta mediados de los años 90 rodando películas para la televisión.

  La acción pues, tiene lugar en el Hotel Beauregard en la localidad costera de Bornemouth en el Sur de Inglaterra. El establecimiento anuncia que ofrece un ambiente familiar, cocina casera y comedor con mesas separadas. Los hechos suceden en el  otoño de 1958. Son huéspedes fijos el comandante Agnus Pollock, militar jubilado con una gloriosa hoja de servicios; la Sra. Railton-Bell, de carácter estricto, intransigente y dominante; la joven Sybill Raiton-Bell, timida, sumisa y dominada por su madre, que sufre circustanciales ataques de histeria; John Malcom, escritor norteamericano, que ahoga en el alcohol los recuerdos de un antiguo amor frustrado; Charles estudiante de medicina; Jean pareja de Charles; un profesor de cultura griega; y otros. La dirección del hotel corre a cargo de la eficiente y atenta Pat Cooper. Acaba de llegar como huésped temporal Ann Shankland, antigua modelo y antigua esposa de John Malcom...

  La película suma digamos que drama y romance. Explora cuatro historias de amor diferentes: una se basa en afinidades derivadas de represiones similares; otra trata de dar una segunda oportunidad a un amor del pasado; la tercera busca consuelo que alivie profundas frustraciones personales y la última es un amor joven, de pareja de hecho, con connotaciones obsesivas. Los personajes son seres solitarios, desilusionados, que ocultan fracasos, frustraciones y desesperación. Necesitan afecto, comprensión, apoyo y amor.

  La comunicación entre los huéspedes resulta dificil, porque topa con prejuicios, conveniencias sociales, inseguridades e incertidumbre. Actitudes intolerantes, intransigentes, inflexibles y autoritarias entran en colisión con propuestas que preconizan comprensión, confianza y afecto. Algunos personajes han de aprender no solo a aceptar a los demás, sino también a aceptarse a ellos mismos. La pequeña sociedad variopinta que forman los huéspedes deviene un microcosmos que refleja y explica el mundo complejo de las relaciones interpersonales y de la convivencia en una sociedad que avanza.

  El guión construye buenos diálogos, diferencia con eficacia los caracteres principales y se sirve de los secundarios, entre otras cosas, como vehículo de humor. En el marco de unas interpretaciones sobresalientes. El ritmo general es pausado, tranquilo y sostenido a lo largo de todo el metraje. Forma parte del grupo de películas que en la década de los 50 adaptaron obras de teatro, como "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) de Elia Kazan, "Calle Mayor"-1956 de Juan Antonio Bardem, "Testigo de cargo" ("Witness for the Prosecution"-1957) de Billy Wider, etc.

  La pelicula trata temas diversos: las represiones sexuales, la practica del ostracismo como forma de castigo, los estragos de la intolerancia y el autoritarísmo, las necesidades de afecto que tienen todos los seres humanos,  el alcoholísmo, como falso medio de superar problemas personales, la importancia de la tolerancia y la comprensión humana, la trascendenciia de las segundas oportunidades, la importancia de la comunicación basada en saber escuchar y saber explicarse sin reservas y sin barreras, la utilidad y eficacia de la convivencia basada en la aceptación de la diferencia, la virtualidad del perdón de los errores ajenos, etc.

  La película desgrana una útil e interesante lección de las virtudes civicas básicas para ordenar una convivencia pacifica, duradera y eficiciente. Son escenas memorables la confesión de los embustes de Agnus a Sybill, la elegante secuencia del perdón de los errores de Agnus, la conversación de John  y Anny y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raksin. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para películas y más de 300 para la televisión. Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Moder Times"-1936). Y también es muy recordado por su tema en la película "Laura"-1944 la letra  de Johnny Mercer fue obra suya.

  Y en esta historia de mesas y soledades ofreciéndo una sonora partitura orquestal de acompañamiento descriptivo y ambiental, que invita a la reflexión critica. Añade la canción "Separate Tables", compuesta para la ocasión, con musica de Harry Warren y letra de Harold Ademson.

  La dirección de la fotografía en blanco y negro se le fue encargada a Charles Lang. Un director de fotografía nacido en Utah. Al principio de su carrera trabajó con Carl Akeley para tomas de acción al aire libre y después como camarógrafo en películas mudas tales como: "The Night Patrol"-1926 y "Ritzy"-1927. Después de hacer "Tom Sawyer"-1930 para Paramount Pictures continuó trabajando para este estudio durante más de veinte años.

  En 1951, comenzó la segunda fase de su carrera, esta vez como director de fotografía independiente en películas como "Sabrina"-1954; "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957); "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959; "Charada" ("Charade"-1963) entre otras muchas más. Estuvo nominado al Oscar en numerosas ocasiones ganándolo una vez por "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932).

  Y aqui en donde "todos sueñan despiertos" hilvanando una narración visual sobria y austera, que cierra con un espectácular y emotivo travelling de alejamiento. La película se rodó en el Hotel Miramar de Bournemouth (Dorset, Inglaterra) con decorados de Edward Carrere.

  Extraordinario el cuarteto de actores todos ellos grandes de Hollywood: Burt Lancaster, "Trapecio" ("Trapeze-1956) como John Malcom; David Niven, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Agnus Pollock; Deborah Kerr, "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964) como Sibyl Railton-Bell; Rita Hayworth, "Gilda"-1946 como Ann Shankland.

  Y muy bien secundados por: Wendy Heller, "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seasons"-1966) como Pat Cooper; Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la Sra. Railton-Bell; Rod Taylor, Los pájaros" (The Birds"-1963) como Charles; Audrey Dalton, "Mi prima Rachel" ("My Cousin Rachel"-1952) como Jean...

  En definitiva: Una película en donde el miedo y la soledad están retratados impecablemente. Y con unas interpretaciones extraordinarias. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Mesas separadas" logró dos Oscar en 1958. Mejor actor (David Niven) y Mejor actriz secundaria (Wendy Hiller). 

 

17/08/2020 08:29 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Los 400 golpes (Les 400 Coups-1959)

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  "Miento de vez en cuando, supongo. A veces digo la verdad y no me creen, asi que prefiero mentir".

  Muy buena película, aunque para mi sin llegar a obra maestra (como muchos lo han catalogado) de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine con un guión de Marcel Moussy. Un guionísta francés nacido en Argelia. la mayoría de sus trabajos fueron para la televisión de su pais, con series alli tan famosas como por ejemplo: "Christa"-1971 protagonizada por la veterana Christine Krüger.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue François Truffaut. Un cineasta nacido en Paris. Cuando estuvo a punto de cumplir los veinte años empezó a idolatrar al critico del cine francés y teórico André Bazin, que se convirtió en una suerte de padre adoptivo, y en 1953 ya era uno de los primeros editores de Cahiers du Cinema. De este modo, Truffaut contribuyó a fundar la nouvelle francesa.

  Atacaba aún viruliencia el típico cine romántico literario de la época y ensalzaba las películas realizadas por Howard Hawks, Nicholas Ray, Samuel Fuller y Anthony Mann en Hollywood. En 1957, el deseo de hacer películas practicamente habia eclipsado su necesidad de escribir sobre cine, aunque siempre conservó una perspectiva critica aguda.

  Realizó una pequeña película sobre niños delincuentes, "Los golfillos" ("Les Mistons"-1957), cuya temática completaria en años posteriores con cuatro películas sobre la díscola y encantadora juventud francesa: la primera "Los 400 golpes" ("Los 400 Coups"-1959), "Besos robados" ("Baisers volés"-1968), "Domicilio conyugal" ("Domicile conjugal"-1970) y "El amor en fuga" ("Amour en fuite"-1979). En ellas exploraría la fragilidad y la contingencia del amor joven en la vida parisina contemporánea.

  "Jules y Jim"-1961, que se centra en un trio trágico, indaga en el lado oscuro de las relaciones humanas. "El pequeño salvaje" ("L’ Enfant sauvage"-1970) cuenta la historia de un niño salvaje de Aveyron acaecido en el siglo XIX criado desde la infancia por lobos, es descubierto más tarde por un lingüista, que trabaja practicamente para civilizarlo. "La habitación verde" ("La chambre verte"-1978) celebra la idea de conmemorar la propia muerte; en una escena clave, Truffaut conmemora la suya, "El último metro" ("The Last metro"-1980), ambientada en la ocupación nazi en Francia, mostraba a un Truffaut en su mejor forma, la película sería galardonada con diez premios César.

  Su último proyecto "Vivamente el domingo" ("Vivement dimanche"-1983), rodada en un impresionante blanco y negro, aborda un misterioso asesinato. En "Encuentros en la tercera fase" ("Close the Third Kind"-1977), dirigida por Steven Spielberg, Truffaut interpretó al lingüista Claude Lacombe que intenta comunicarse con los alienígenas. Este conmovedor cameo puede considerarse un homenaje de Spielberg: fue la última vez que Truffaut atuó en la gran pantalla.

  La acción pues, tiene lugar en Paris. Esta película es la primera entrega de cine sobre la vida de Antoine Doinel, de 14 años, hijo de una pareja disfuncional, con problemas conyugales de estabilidad y fidelidad. Antoine se encuentra en la dificil etapa de la adolescencia y necesita cariño y apoyo. Le gusta la libertad, la independencia, el cine, las marionetas y la lectura. No le gusta ir al colegio ni la gimnasia...

  La película extiende una mirada sensible y tierna sobre la adolescencia y sus problemas. Adopta las postuladas de la "nouvelle vague", como el realísmo, la sencillez y sobriedad narrativa, y el efectísmo, la objetividad del relato y un grato tono artesanal. Truffaut, Godard, Rohmer, Reisnais, Chabrol, Rivette y otros miembros del movimiento, aportan al cine francés un fuerte impulso, nuevos brios e ideas renovadoras. El personaje principal está definido con acierto. Sus relaciones con los padres, maestros, condiscípulos y amigos, complejas y diversas, son objeto de un cuidadoso análisis, más recio y profundo de lo que parece.

  Hay que prestar atención a las indicaciones que el realizador asocia a pequeños detalles, gestos en apariencia poco trascedentales y reacciones continuadas. Las imágenes de Truffaut son portadoras de una rica y densa información, que reclama la atención del espectador.

  Apasionado de la cultura, Truffaut rinde homenaje al cine: "Paris nos pertenece" ("Paris nous appartiment"-1961) de Jacques Rivette; "Cero en conducta" ("Zero de counduiti"-1933) de Jean Vigo; "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles y a la literatura (Balzac). Analiza instituciones sociales tan importantes como la familia, los servicios sociales para menores, etc.

  La banda sonora es obra del cantautor Jean Constantine. Como bien digo un cantautor nacido en Paris. Escribió varias canciones que se convirtieron en un éxito como por ejemplo: "Mon manége á moi" cantada por Edith Piaf o "Mon  fruc en plumes" cantada por Zizi Jeanmaire. Para el cine también escribió para varias películas: "El barón y su yate" ("Le baron de l’écluse"-1960) protagonizada por Jean Gabin entre otras.

  Y aqui,  pues, la musica se presenta en fragmentos breves. Basándose en un motivo central melancólico y en variaciones del mismo. Caben de destacar los temas "Prólogo", "École Guissoniére", "Trinté el Finale", "Balzac et gymnastique" y otras.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Henri Decaë. Un director de fotografía nacido en Sain-Denis (Francia). Estuvo muy fuertemente asociado con directores que influyeron o fueron parte de la "nouvelle francesa". Trabajó por primera vez como director de fotografía con Jean-Pierre Melville en "El silencio del mar" (Le silence de la mer"-1949). El gusto de Decaë por la luz natural, su habilidad para trabajar a gran velocidad y su excelente sensibilidad fotográfica le llevaron a trabajar con René Clement en varias películas dando su dó de pecho con "A pleno sol" ("Plein Soleil"-1960).

  Y en esta niñez de Antoine Doinel, rodando en los lugares de acción y ofreciéndo un eficaz y acertado trabajo de cámara, con planos picados, reflejos en cristales, giros, imágenes congeladas, travellings y filmaciones con cámara en mano.

  Muy bien Jean-Pierre Léaud, "Masculino, femenino" ("Masculin féminin"-1966), metido en el cuerpecito de Antoine Doinel, ese niño que con apenas 14 años se ve obligado no solo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor.

  Y con él Claire Maurier, "Un mal hijo" ("Un mauvais fils"-1980) y Albert Rémy, "El tren" ("The Train"-1964), como la madre y el padre de Antoine. Seguidos por Patrick Auffay, "El amor a los veinte años" ("L’ amour á vingt ans"-1962) como René, el mejor amigo de Antoine; Georges Flamant, "Una mujer en la noche" ("Une femme dans  la nuit"-1943) como el señor Bigey el profesor de Antoine.

  En definitiva:Una película de notable valor documental, puesto que trata temas todavía de actualidad y mantiene su capacidad de fascinación. Muy recomendable para cinéfilos. Sobresaliente.

  "Los 400 golpes" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión original y Truffaut logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Los padres de Truffaut montaron en cólera al ver la película.

 

24/08/2020 17:36 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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