Bienvenido a Pablo Cine

  Y otro año más la alfombra roja se volvió a vestir de gala en esta ya 94º edición de la gran noche del cine mundial, y en donde volvió a celebrarse de nuevo en el Dolby Theatre de Hollywood. Aunque esta vez salpicada por la digamos que triste anécdota del "bofetón" que Will Smith le propinó al cómico Chris Rock por un chiste que le hizo a su esposa Jade Pinkett.

  También se esperaba que el matrimonio español compuesto por Javier Bardem y Penélope Cruz optaran al premio como mejores actores, pero no fue asi, el que si lo logró fue Alberto Muelgo por su cortometraje "El limpiaparabrisas".

  Y esta es la lista de los ganadores y ganadoras, por supuesto en esra ya casi centenaria edición.

  Mejor película: "CODA" de Siân Heder.

  Mejor director (en este caso directora): Jane Campion por "El poder del perro" ("The Power of the Dog").

  Mejor actor: Will Smith por "El método William" ("King Richard").

  Mejor actriz: Jessica Chastain por "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of Tammy Faye") de Michael Showalter.

  Mejor actor de reparto: Troy Kotsur por "CODA".

  Mejor actriz de reparto: Ariana DeBose por "West Side Story".

  Mejor película de habla no inglesa: Drive my car" de Ryusuke Hamaguchi (Japón).

  Mejor guión original: "Belfast" de Kenneth Branagh.

  Mejor guión adaptado: "CODA".

  Mejor banda sonora: "Dune" de Denis Villeneuve.

  Mejor canción original: "No Time Die" de Cary Joji Fukunaga.

  Mejor película de animación: "Encanto" de Jarel Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith.

  Mejor documental: "Summer of Soul" de Questlove.

  Mejor montaje: "Dune"

  Mejor fotografia: "Dune"

  Mejor diseño de producción: "Dune"

  Meiores efectos visuales: "Dune".

  Mejor sonido: "Dune"

  Mejor maquillaje y peluqueria: "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of TammyFaye".

  Mejor cortometraje animado: "El limpiaparabrisas" de Alberto Mielgo.

  Mejor cortometraje documental: "The Queen of Basketball" de Ben Proufoot.

  Mejor cortometraje de ficción: "The Long Good bye" de Jay Lyons.

  Y esto pues, fueron todos los ganadores y, en donde como en años anteriores hubo de todo, risas, lágrimas y hasta un "puñetazo" (en fin lo de siempre como bien digo).

  También fue anecdótico la aparición de la gran Liza Minnelli que dado su deteriorsdo estado de salud lo hizo sentada en una silla de ruedas.

  Y como en años anteriores y siguiendo la tradición. Comentar una película, y por supueto y a ser posible oscarizada.Asi que, esta vez la película  comentada será:

  Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

  "Te quiero, te quise desde el primer momento en que te vi, te quise antes de verte por primera vez".

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Theodore Dreiser. Un novelista nacido en Torre Haute (Estados Unidos). Su primera novela "Nuestra hermana Carrie ("Our Sister Carrie") se publicó en 1900 y fue retirada de las librerias: la obra, sin embargo, mereció el elogio de Sinclair Lewis. En 1912 publicó "Jennie Gerhardt", que trataba de una mujer que se somete sexualmente a hombres ricos, para escapar de la pobreza. En 1925 salió a la luz "Una tragedia americana" ("An American Tragedy"), su gran novela, (la pelicula comentada está basada en esta novela), basada en un asesinato real cometido por un antihéroe, Clyde Griffiths. La novela alcanzó un gran éxito de público, pero dividió a los criticos. Nunca volvió a repetir el éxito que conoció con ella, aunque escribió otras muchas más como la publicada postumamente en 1946 "El baluarte" ("The Bastion").

  Del guión se hicieron cargo Michael Wilson y Harry Bronw. Este fue un escritor nacido en Oklahoma. Se licenció en Filosofia en 1936 y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones para el cine. Fue incluido en la lista negra de Hollywood por sus tendencias comunistas por lo que tuvo que emigrar a Francia. A su regreso a Estados Unidos siguió escribiendo guiones para peliculas tan importantes como por ejemplo: "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the Kwai"-1957) y "Lawrence de Arabia""-1962 ambas de David Lean. 

  En cuanto a Bronw. Otro escritor nacido en Nueva York. Su debut en el cine fue con la pelicula "El otro amor" ("The Other Love"-1944) protagonizada por Barbara Stanwyck y David Niven. Entre sus éxitos caben de destacar titulos como: "Arenas sangrientas" ("Sands of Iwo Jima"-1949) protagonizada por John Wayne y "La cuadrilla de los 11" ("Ocean’s 11"-1960) a mayor gloria de Frank Sinatra y Dean Mrtin.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un cineasta nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director, de las cuales lo ganó en dos, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoria de mejores peliculas.

  Cada una de las obras de Stevens llevan un sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953) un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños granjeros contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto, consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones. Es posible que Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio, fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir cortos de comedia a principios de los años treinta. Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Terkingston sobre las pretensiones sociales.

  Más adelante Stevens demostró lo que podia hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936) dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide de la fama. Luego realizó "Olivia"-1937, "Señorita en desgracia" ("A Damsel Distress"-1937) y "Ardid Femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la 2ª Guerra Mundial se unió al Cuerpo de Comunicaciones de Estados Unidos y filmó dramáticas escenas de guerra como la liberación del campo de concentración de Dachav. Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Cliff. Después realizó con James Dean "Gigante"-1956, que le proporcionó el Oscar al mejor director.

  Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos le impidieron hacer más pelícuas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Graatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  Asi pues, el maestro Stevens nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novedísima autopista que enlaza con las vias que llevan al Medio Oeste, una ciudad indeterminada del Medio Oeste, en Kansas City y sus alrededores, y alli haciendo auto-stop nos encontramos a George Eastman, un joven solitario de familia humilde. Este abandonó su casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres, trabajadores asalariados de la Bether Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago, donde trabajó como subalterno de un hotel, y se dirige al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le de un buen trabajo. George es ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Una vez en la ciudad y trabajando en la fábrica de su tio se relaciona con Alice, compañera de trabajo y con Angela, de familia adinerada...

  La película contiene drama, romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que localiza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentmientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos.

  Reclama a los actores y actrices que presten gran atanción a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonistas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad permanente de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase obrera, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa el de la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo al otro es practicamente imposible. Quienes lo intentan corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras la evocan y se añaden representaciones explicitas de la misma, como el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo.

  Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores. Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha pproducido el cine. Junto a "Raices profundas" ("Shane"-1953) y "Gigante"-1956 conforma lo que algunos han venido a llamar la "triologia de Stevens".

  La película nos hsbla también de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la realidad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc.

  Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a  visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad y condena la pena de muerte.

  La banda sonora fue obra de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se trasladó a la Academia de Dresde donde estudió composición y dirección. Más tarde comenzó a trabajar para el cine alemán con el productor Erich Prowmer donde cosechó bastante exito. En 1935 se trasladó a Hollywood junto con Prowmer donde se encargó de hacer la partitura de la película "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), cuyo éxito le valió un contrato de dos años como director de música de la Universal, alli compuso música para una docena de películas. Tiempo después marchó a la MGM y más tarde a la Warner Bros, en todas ellas tuvo un éxito muy destacado. A lo largo de su extensa carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, ganándolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, ofreciendo una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade además como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa", de Livingstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por  William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Missouri. Después de obtener buenos éxitos en una serie de pelícilas de clase B en la década de 1930 comenzó a hacer incursiones como director de fotografía en 1940 cuando trabajó en la película "The Gred McGinty"-1940) de Preston Sturges. Con George Stevens hizo dos de sus mejores trabajos: "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959). Falleció durante el rodaje de "La historia más grande jamás contada" ("The Greates Story Ever Told"-1965).

  Y aqui, componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros contrastados, sombras densas y encuadres desequilibrados. Contrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean en ocasiones al personaje de Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake en California, y los interiores en los platós de la Paramount Studios de Hollywood.

  Sensacional el elenco de actores elegidos aqui  por el maestro Stevens. Sobresaliendo el trio protagonísta: Montgomery Cliff, "De aqui a la eternidad" (From Here to Eternity"-1953) como George  Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Angela Vichers; Shelley Winters, "La noche del cazador" ("The Night of the Hunter"-1955) como Alice Tripp. Y con ellos Anne Revere, "La barrera invisible" (Gentleman’s Agieement"-1947) como Hannah Eastman; Keefe Brasselle, "Tres jóvenes de Texas" ("There Young Texans"-1954) como Earl Eastman; Fred Clark, "Empezó con un beso" ("It Stard with a Kiss"-1959) como Bellows; Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954") como Frank Marlowe...

  En definitiva: Una obra maestra total e indiscutible. Un clásico con mayúsculas, y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Una película recomendable a todos los que aman el CINE.  Matrícula de Honor.

  "Un lugar en el sol" logró en su dia 6 Oscars: Director; Guión (Michael Wilson y Harry  Brown), Banda sonora (Franz Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Mellor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeick).

  A modo de curiosidad: La primera versión cinematográfica de esta historia fue filmada en 1931 por Josef Von Sternberg y protagonizada por Sylvia Sidney, Phillips Holwes y Frances Dee, titulada "An American Tragedy".

  "¿Por qué inquietarme?, ¿Por qué tratar de  prever lo que ocurrirá?; si tengo miedo diré: tengo miedo... sin sentir por ello ninguna vergüenza. ¡Qué la primera mirada del Señor cuando se me aparezca su Santa Faz sea una mirada tranquilizadora... ¡Qué más dá! Todo es ya Gracia!".

  Excelente película de género religioso-dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una novela de Georges Bernanos. Un novelista y dramaturgo nacido en Paris. En su primera novela "Bajo el sol de Salinés" (1926), ya estaban patentes sus preocupaciones religiosas. Ahondó la psicología del hombre donde tiene lugar el enfrentamiento entre el bien y el mal, la fe y la desesperación. Publicó, entre otros titulos "La alegria", "Los grandes cementerios bajo la luna" y por supuesto "Diario de un cura rural" en 1936.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Robert Bresson. Un cineasta nacido en Auvernia (Francia). Tras abandonar la pintura y la fotografia, realizó su primera película "Los asuntos públicos" ("Les Affaires publiques"-1934), un cortometraje cómico. Recién comenzada la 2ª Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. Una vez puesto en libertad y durante todavía bajo la ocupación alemana en Francia dirigió "Las damas del Bosque de Bolonia"("Les dames de Bois de Boulogne"-1944), con guión suyo, pero con diálogos de Jean Cocteau, la protagonísta era la actriz española (nacionalizada francesa) Maria Casares, la película se basaba en un relato de Diderot que narró hacia 1773.

  "Los ángeles del pecado" ("Les Anges du Péchén"-1943), es una perfecta tragedia psicológica, quizá una de las mejores del cine francés, que situó a Bresson en el primer rango de los directores franceses. En adelante realizaría lo mejor de su carrera desarrollando un estilo propio que renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos.

  En 1951 rodó "Diario de un cura rural" ("Journal d’un curé de campagne"), una obra bastante impresionante, por su calidad y sus convinciones morales. En su etapa ya digamos que madura, , habría que destacar además de "Diario de un cura rural"("Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un condamné á mort s’et  écchappé"-1956) y "Pickpocket"-1959. En 1974 rodó al fin un viejo proyecto "Lancelot du Lac". Su última película fue "El dinero" ("L’Argent"-1983).

  Hacia el final de su carrera como director, en 1975 publicó el libro "Notes sur le cinematographe" ("Notas sobre el cinematógrafo"), un compendio de aforísmos con los que defiende su visión del cinematógrafo que él distingue del cine. . En efectos él piensa que el cine es una especie de teatro filmado, mientras que el cinematógrafo representa una nueva escritura visual de imágenes en movimiento y de sonido, realacionadas por el montaje.

  En 1995, la totalidad de su obra, compuesta de un total de 13 películas (cantidad relativanente baja), fue distinguida por la Academia francesa del cine con el Premio René Clair. Y en 2014 Myléne Brensson dió a conocer una recopilación de entrevistas titulada "Bresson por Bresson". Un año después fue traducida al español.

  La acción pues, tiene lugar en Ambricourt (Artois), pequeña población del norte de Francia, con desplazamientos a Toray y Lille. La descripción de los caracteres principales, sobre todo del protagonista, se presenta desarrollada con profundidad y acertada complejidad. El cura de la localidad, inexperto, novato, frágil, de mala salud, aunque cargado de buenas intenciones, es rechazado por sus parroquianos a causa de la extraña enfermedad que padece y la escasa religiosidad del lugar. Es además, hostilizado por parte de algunos de ellos...

  La pelicula constituye un gran trabajo, pues explora con lucidez poco común el mundo interior del protagonista, la soledad, el aislamiento, la marginación y las consecuencias fisicas y psiquicas de una extraña enfermedad no diagnosticada.

  Añade un análisis clarividente de la amistad, el temor a la muerte, la vida rural, las relaciones entre padre e hijos, etc., Desarrolla la aproximación a los objetos de estudio con la mirada puesta, sobre todo, en las emociones que afectan al mundo interior de los personajes. Aparecen con cierta reiteración algunas de las constantes que acompañan a Bresson en su filmografia, como la presencia del mal, el silencio de Dios, la necesidad e inestabilidad del sufrimiento fisico y moral, la fragilidad de los personajes, el valor de la ingenuidad, etc.

  La trama narrativa se basa en el uso de actores no profesionales (por aquel entonces), el estatísmo de las figuras, los planos cortos del rostro humano, la creación de sedimientos y situaciones que muestran, al margen de las palabras, las emociones intimas de los personajes, etc.. El estilo se caracteriza por el realismo, la sobriedad y el ascetismo expositivo, que prescinde de todos los elementos no esenciales y por ello innecesarias en opinion del director.

  Y por último, compone elipsis brillantes que confieren en profundidad y vigor a la narración y agilidad muy cinematográfica al discurso.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Henri Burel. Un director de fotografia nacido en Francia. Después de estudiar en la Universidad de Nantes, trabajó inicialmente como fotograbador antes de convertirse en operador de cámara. En la compañia Film  d’Art en 1915, Abel Gance le observó y comenzó una colaboración con él que se extendió a más de 16 películas, incluidas "Yo acuso" ("J’accuset"-1919), "La rueda" ("La Roue"-1923), y "Napoleón"-1927. En el periodo del cine mudo también trabajó en varias películas de Jacques Feyder.

  Durante la década de 1930 trabajó regularmente con Jean Dréville y Henri Decoin. También dirigió él mismo tres películas entre 1922 y 1932.

  Y aqui combinando la sobriedad con composiciones que crean una gran belleza destilando clasicismo, equilibrio y fuerza expresiva. La película se rodó en escenarios reales de la región del Paso de Calais (Francia).

  La banda sonora fue dirigida por Jean Jacques Grünenwald. Un compsitor nacido en Cran-Coevrier (Francia). Estudió en el Conservatorio de Paris, donde recibió los primeros premios en órgano en 1935 y de composición en 1937. Dos años más tarde se convirtió en organista en St-Pierre de Mountrouge en Paris y después comenzó una grabación de la obra completa para órgano de Juan Sebastián Basch en 24 LP, que completó en 1962.

  De 1957 a 1961 fue profesor de órgano en la  Schola Cantorum de Paris y de 1961 a 1966 profesor de órgano en el Conservatorio de Música de Ginebra. Como concertista de órgano fue reconocido internacionalmente, llegando a realizar más de 1.500 recitales por todo el mundo. Para el cine también compuso bastantes bandas sonoras como por ejemplo. "El tirano de Toledo" ("Les amants de Tolede"-1953) de Henri Decoin y Fernando Palacios y "Adorable mentiroso" ("Adorable menteuse"-1962) de Michel  Deville.

  Y aqui,  mostrándo unos cortes escasos y breves, que se hacen presentes siempre con oportunidad.

  Muy bien los actores (en su mayoria no profesionales), encabezados por Claude Laydu, "Sinfonia de amor" ("Sinfonia d’amore"-1956) dando via al padre Priest, el cura de Ambricourt. Seguido por Nicole Ladmiral, "Le sang de bêtes"-1949 como Chantal; Adrien Borel (solamente participó en esta película) como el padre Toray; Jean Riveyre, "Les sorciéres de Salem"-1957) como Count; Nicole Mavrey, "Donde el circulo termina" ("The Scapegeat"-1959) como Louse...

  En definitiva: Una película de una gran clase magistral. Y para mi de lo mejor de Bresson. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Diario de un cura rural" logró el Premio OCIC en el Festival de Venecia.

  Como anécdota decir que la joven acrtiz Nicole Lamiral se suicidió a los 28 años de edad arrojándose en Paris, bajo el metro, dejándo una hija, llamada Ariane nacida de su matrimonio con el escritor y actor Roland Debillard.