Luces de la ciudad (City Lights - 1931)

  Nunca te olvides de sonreir porque el dia que no sonrias será un dia perdido". (Charles Chaplin)

  Excepcional película de género cómico-romántico y, para muchos la mejor de las grandes obras del genial Charles Chaplin.

  "Luces de la ciudad" como digo está dirigida por Chaplin "La quimera del oro" ("The Gold Rush"-1925) por citar otra obra maestra del genio del humor. Un cineasta nacido supuestamente en Londres, un hombre que no necesita presentación alguna. Sus comienzos en el cine fueron en 1907 en un papel cómico en la obra "El partido de fútbol". Está considerado como uno de los más grandes cineastas del siglo XX y es el único actor que ha logrado superar validamente los vínculos técnicos y experimentales que aún condicionan el lenguaje fílmico y cuya obra se ha discutido con legitimidad plena dentro del ámbito del arte.

  El guión pues y como suele ser habitual en toda su filmografía fué escrito por el mismo. Y la historia que nos cuenta nos lleva hasta la vida de un vagabundo que hace amistad con una bellísima vendedora de flores ciega, desplegando con ella toda la amabilidad que el pobre hombre la puede dar. Tras salvar la vida a un millonario borracho, intentará usar esta nueva relación para ayudar a la joven todavía más, con el último fin de que se pueda operar y recuperar la vista...

  Cuenta como es de esperar con escenas buenísimas y todas llenas de extraordinarios y descacharrantes gang (aunque también abundan muchas de una gran ternura). Pero la que tengo que destacar es la pelea de boxeo realmente como digo descacharrante. Y que decir de la escena final, bellísima y llena de un gran sentimiento. Si señor.

  La película pudo ser hablada, pero Chaplin no lo quiso asi, y solamemte puso la banda sonora. Asi que podiamos decir que es la primera película sonora del gran Charlot, banda sonora que por supuesto él mismo creó. Pero hay una pieza que podriamos decir es la pieza clave musical de la historia, esa pieza está compuesta por un musico español, concretamente por el maestro José Padilla. Un famoso compositor y pianísta nacido en Almeria y autor de obras tan célebres como "Valencia", "El Relicario" o "La Violetera" que es precisamente la partitura que utilizó Chaplin para esta película. La musica del maestro Padilla ha sido declarada de Interés Universal por la UNESCO.

  La fotografía en blanco y negro (todas las películas de Charles Chaplin fueron por este sistema excepto "La condesa de Hong Kong" ("A Countess from Hong Kong"-1967), corrió a cargo del norteamericano nacido en San Francisco Roland Totheroh, "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940). Un notable camerógrafo habitual en las películas de Charles Chaplin, trabajó con él desde 1915 hasta la década de 1940 y en más de treinta películas. Y ayudado por el también norteamericano Gordon Pollock "La reina Kelly" ("Queen Kelly"-1929).

  Sublime el gran Charles Chaplin como ese vagabundo que pasa mil y un avatares para conseguir dinero y ayudar a una pobre chica ciega de la que se ha enamorado. Y junto al soberbio Charlot, Virginia Cherrill "Perdone, señorita" ("Fast Workers"-1933) dando vida precisamente a la joven florísta ciega.

  Pero Chaplin también contó para esta obra maestra con Harry Myers "Los peligros de Flirfú" ("The Marriage Circle"-1924) como el excéntrico millonario, Florence Lee "The Diving Girl"-1911, metida en el papel de la abuela, Al Ernest García "Vacaciones" ("The Idle Class"-1921) como el millonario Butler y Hank Mann "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) en el personaje del boxeador.

  En definitiva: Una obra maestra. Y una de las mejores historias de amor puestas en la pantalla, que ha sido dirigida por un auténtico maestro y que tan solo con ver ese preciosísimo final, ya merece la pena hacerla una nueva revisión.   Matrícula de Honor.

  "Luces de la ciudad" está entre las 10 mejores películas de la historia del cine según National Board Review (NRB).

  A modo de anécdota: Charles Chaplin escribió en sus memorias que la canción de "La Violetera" fue la inspiración de la película. La conoció en una gira triunfal de Raquel Meller. Intentó contratarla para su proyecto. No lo consiguió, pero si incluyó la pieza musical. Lo malo es que olvidó (o no quiso) reflejar la autoría del maestro Padilla en los títulos de crédito. Fue el actor Tony Leblanc que viendo la película identificó la melodía. Rápidamente avisó al musico. José Padilla inició los trámites legales (que ganó) por el reconocimiento de su composición.

  En 1958 Luis César Amadori dirigió "La Violetera". Para el papel masculino contrató a Raf Vallone. La protagonísta era Sara Montiel. Ana Mariscal también formaba parte del reparto. Y por supuesto la canción principal era "La Violetera". Para la trama mantuvieron el ambiente de Madrid de 1900, respetando el espíritu original del tema.

 

Una estatuilla llamada Oscar (y 3 )

                   El amigo americano

  Y como punto final la guinda de esta mágica noche del cine universal, que menos que comentar como se fraguó esta pequeña gran joya del cine español.

  Quizá sea una de las películas más emblemátucas de la historia del cine español. Y lo que es seguro es que se trata de una de las más divertidas. El origen del proyecto se remonta a un encargo que recibieron Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, después de codirigir "Esa pareja feliz"-1951, para hacer una película con cinco canciones que sirviera de plataforma de lanzamiento a la joven cantante Lolita Sevilla. En realidad, la idea inicial era hacer un drama rural, intentando seguir las huellas de las películas que estaba haciendo Emilio Fernández en México. Sin embargo el guión tuvo nuchas reestructuras, en alguna de las cuales llegó a participar el dramaturgo Miguel Mihura, y, poco a poco, la historia se fue desviando hacia el humor. El punto culminante llegó cuando los autores decidieron que la columna vertebral de la historia fuese una sátira del Plan Marshall, un sistema de ayudas que Estados Unidos destinó a Europa después de la segunda guerra mundial. Esto, unido al hecho de que finalmente fuese Luis García Berlanga quien tuviera que dirigir en solitario, por ajustes en el presupuesto, determinó la orientación definitiva del argumento a la comedia y la sátira.

  Rodeado por un maravilloso grupo de actores, la mayoría de ellos acostumbrados a los papeles secundarios, como José Isbert - formidable como el alcalde duro de oido - , Manolo Morán o Alberto Romea, Berlanga comenzó el rodaje de "¡Bienvenido Mister Marshall!". Ya durante la filmación se reveló el gusto del director valenciano por los trabajos corales y cierto nivel de improvisación, aspectos que luego desarrollaría con asiduedad a lo largo de su carrera. La mayor parte de la película se realizó con un estilo posiblemente inspirado por el movimiento neorrealísta, aunque los sueños de los protagonístas le permitieron abordar otras concepciones visuales, incluso las propias del western.

  "¡Bienvenido Mister Marshall!" llegó a proyectarse con mucho éxito en el Festival de Cannes, pero no consiguió ningún premio (aunque si nominaciones de honor). En España fue muy bien recibida tanto por el público como por la critica. A más de uno le asombró que la película no tuviera problemas de censura, ya que mostraba una imágen bastante miserable y critica de la "España profunda". Pero los censores franquístas sólo pusieron pegas al rodaje de algunas secuencias que se hallaban presentes en el guión original y que calificaron expresivamente de "nocivas". "¡Bienvenido Mister Marshall!" inaguró un nuevo tipo de comedia costumbrísta que Berlanga practicó con gran maestría a pesar del paso de los años, aún hoy es considerada una de las películas más importantes de la historia del cine español.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

  Como en años anteriores y después de la fiesta de la noche de los Oscar. Pues suelo meter una película y como siempre oscarizada por supuesto. Pero este año no lo voy a hacer así, este año la película no será de Oscar ni tampoco salida de los estudios de Hollywood (aunque de haber salido de allí vaya Ud. a saber que hubiera ocurrido). Este año será una película española y todo un icono del cine español. Y además sirviendo de homenaje a dos de sus actrices recientemente desaparecidas. La película es ni más ni menos que:

 ¡Bienvenido, Mister Marshall! - 1953

  En recuerdo de: Lolita Sevilla y Elvira Quintillá

  "Vecinos de Villar del Rio: como alcalde vuestro que soy os debo una explicación, y esa explicación que os debo os la voy a pagar porque os la debo."

  Obra maestra de nuestro cine y posiblemente uno de los grandes hitos de género de comedia de la cinematografía española.

  "¡Bienvenido Mister  Marshall!" está escrita por Juan Antonio Bardem, "La venganza"-1958. Un cineasta nacido en Madrid que, aunque era hijo de actores no se vinculó a ese mundo desde un principio, sino que se tituló como ingeniero agrónomo. Fue más tarde cuando comenzó a estudiar cine en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid y, a raiz de ahí se planteó dedicarse al mundo del celuloide. La mayoría de sus películas han recibido casi siempre el respaldo del público y de la critica. Le ayudaron en el guión Miguel Mihura, "Maribel y la extraña familia"-1959. Un escritor y periodísta también nacido en la capital de España, que llegó a renovar el teatro cómico español con su facilidad para los juegos semánticos y el enredo con algo de lo absurdo. Y por el propio director es decir Luis García Berlanga "El verdugo"-1963. Berlanga nacido en Valencia era hijo de terratenientes, de joven cursó estudios de Derecho y Filosofía y Letras pero en 1947 cambió su vocación e ingresó en el mismo Instituto que Bardem. Su primera película como director fue "Esa pareja feliz"-1951. Su cine siempre se caracterizó por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas.

  La historia pues que nos cuenta el director valenciano en este su primer largometraje en solitario y segundo de su filmografía, nos lleva a un pueblecito castellano llamado Villar del Rio. Y en donde su alcalde un hombre bonachón y un poco duro de oido, se entera de una noticia: el paso por el pueblo de unas autoridades americanas que están facilitando ayuda económica al pais y, decide junto al representante de una cantante folklórica que se encuentra por esas fechas en el pueblo, disfrazar a toda la población al más puro estilo andaluz, para sorprender a sus visitantes y de esta forma recibir mayor cantidad de dólares...

  Magnifica película, si señor, llena de notas de humor y en donde el gran Berlanga nos refleja no sin cierta tristeza, la realidad de esa España empobrecida y hundida tras la guerra civil y, en donde mira con esperanza la inyección económica con la que los Estados Unidos sacó adelante la economía europea con ese plan Marshall. Pero que al final ve con desesperación como se convierte en la gran olvidada del mundo occidental.

  Cuenta con escenas llenas de humor y con giros muy brillantes, con unos diálogos muy ocurrentes y chispeantes, destilando naturalidad, sinceridad y verísmo. La escena del sueño del alcalde en que se imagina ser un sheriff del oeste, o la del viejo hidalgo imaginándose un colonizador de América. Y que decir el de la maestra... Escenas y secuencias para quitarse el sombrero.

  Escenas que nunca pierden el ritmo y magnificamente fotografiadas en blanco y negro (como debía de ser) por Manuel Berenguer, "La estrella de Sierra Morena"-1952. Un veterano director fotográfico con un pamlarés impresionante y nacido en Alicante. Sus comienzos fueron filmando documentales allá en el año 1936 y en 1941 se pasó definitivamente al cine con la película "Pimentilla". Y en esta joya del cine español usando con su magistral cámara unos planos preciosos y llenos de viva luminosidad, la mayoría rodados en exteriores concretamente en Guadalix de la Sierra (Madrid).

  Y que decir de la música dirigida por Jesús García Leoz, "Eugenia de Montijo"-1944. Un estupendo compositor nacido en Olite (Navarra), cuyos primeros pasos los dió recibiendo clases de piano en Pamplona para recibir más tarde su completa formación en el Real Conservatorio Superior de Musica de Madrid. Y a partir de 1940 se convirtió en un prolífico compositor de musica para el cine. Y en esta fiel radiografía de la España de la posguerra con mensaje cómico, depresivo, lúcido, nítido y directo, haciendo gala de su talento folclórico típico español, para mostrarnos una musica muy apropiada y aportando una apoteósica canción coral de bienvenida (con letra precisamente del co-guionísta Miguel Mihura).

  Dos pesos pesados del cine español. Uno: José Isbert, "El cochecito"-1960, en el papel de Don Pablo, el alcalde de Villar del Rio, un hombre bonachón que al enterarse de que los americanos van a pasar por el pueblo y para darles la bienvenida no se le ocurre otra cosa que vestir a la población del más puro estilo andaluz y de esta manera causarles buena impresión porque sabe que van a repartir mucho dinero. El otro: Manolo Morán, "Los ángeles del volante"-1957, en el papel de Manolo, un pícaro representante de una cantante de flamenco que gracias a su labia y fantasía decide ayudar al alcalde para convertir ese pueblo castellano en el que nunca ocurre nada en todo un típico pueblo andaluz.

  Fabulosos los dos.

  Y agarradas al brazo de Don Pablo y de Manolo, y cantando con todo el pueblo detrás:

  Americanos, vinieron a España gordos y sanos.

  Viva el tronío y viva un pueblo con poderío.

  Olé Virginia y Michigan.

  Y viva Texas que no está mal.

  Os recibimos americanos con alegría.

  Olé mi madre, olé mi suegra y olé mi tia...

  Una: Lolita Sevilla, "El fotogénico"-1957 metida en el traje de volantes de Carmen Vargas una famosa cantante de flamenco. La otra: Elvira Quintillá, "Esa pareja feliz"-1951 en el papel de la Señorita Eloisa, la maestra (atención a su sueño erótico). Sensacionales las dos. Pero en Villar del Rio caben muchos más, porque aunque es un pueblo pequeño está lleno de grandes personajes, tales como: Alberto Romea, "Los jueves milagro"-1957, como Don Luis, el caballero, Luis Pérez de León, "El pescador de coplas"-1954, como Don Cosme, el cura, Félix Fernández, "La becerrada"-1963, como Don Emiliano, el médico. Y también el secretario y el pregonero y el boticario. Y hasta la voz en off de otro coloso de nuestro cine: Fernando Rey "Locura de amor"-1948.

  En definitiva: Una película que emociona y divierte. Un entretenimiento didáctico que nos deja el reconfortante hecho de saber que nuestro pais legó al mundo cinematográfico una película como esta. Y quedando para el recuerdo personajes y escenas memorables.  Matricula de Honor.

  Como curiosidad: La película superó los estragos de la censura ante lo que era una sátira de la sociedad española y el aislacionísmo del régimen franquísta, incluso en este caso la de algún norteamericano. El mítico Edward G. Robinson, como presidente del jurado del Festival de Cannes, amenazó con marcharse si no se suprimia una escena de la bandera de Estados Unidos flotando en aguas residuales. A pesar de todo la escena no se eliminó y la película terminó por llevarse tres nominaciones y dos premios: (Mención Especial y Premio Internacional a película cómica) en el festival de cine francés.

 

Una estatuilla llamada Oscar (1)

  Y llegó la noche deseada de esta 86ª edición de los Premios Oscar (aunque esta vez la alfombra roja estaba algo escurridiza por culpa de la lluvia caida en la ciudad de Los Angeles). Pero no por ello el glamour volvió a brillar de nuevo en el ya célebre Dolby Teatre.

  Hábía muchos favoritos, como todos los años suele ocurrir (después vendrían las alegrias y como no las decepciones). Entre las películas se encontraban "12 años de esclavitud" ("Twelve Years a Slave") y "Gravity", que a priori parecían las favoritas. Entre los mejores actores los candidatos mas fuertes eran: Christian Bale y Amy Adams al igual que Jennifer Lawrence para mejor actriz de reparto.

  Los cineastas Steve McQueen y Alfonso Cuarón también eran favoritos para conseguir el Oscar al mejor director. En cuanto al mejor actor de reparto, todo estaba muy igualado: Barkhad Abdi, Bradley Cooper, Michael Fassbender, Jonah Hill y Jarel Leto luchaban por conseguirlo.

  Y por fin estos fueron los elegidos para la gloria del cine:

  Mejor Película: "12 años de esclavitud" ("Twelve Years a Slave") de Steve McQueen

  Mejor Director: Alfonso Cuarón por "Gravity"

  Mejor Actor Principal: Mathew McConaughey por "Dallas Buyers Club"

  Mejor Actriz Principal: Cate Blanchett por "Blue Jasmine"

  Mejor Actor de reparto: Jared Leto por: "Dallas Buyers Club"

  Mejor Actriz de reparto: Lupita Nyong’o por "12 años de esclavitud" ("Twelve Years a Slave")

  Mejor Guión Original: "Her" de Spike Jonze

  Mejor Guión Adaptado: John Ridley pot "12 años de esclavitud" ("Twelve Years a Slave

  Mejor Película de habla no inglesa: "The Great Beauty" ("La gran belleza") de Paolo Sorrentino (Italia)

  Mejor Película de Animación: "Forzen: El reino del hielo" (Forzen") de Chris Buck y Jennifer Lee

  Mejor Película Documental: "20 Feet from Stardom" ("A 20 pasos de la fama") de Morgan Niville

  Mejor Canción: "Le it go" de "El reino del hielo" ("Forzen")

  Mejor Banda Sonora: Steven Price por "Gravity")

  Mejor Fotografía: Emmanuel Lubezki por "Gravity"

  Mejor Montaje: Alfonso Cuarón y Mark Sanger por "Gravity"

  Mejor Diseño de producción: Catherine Martin y Beverly Dunn por "El gran Gatsby" ("The Great Gatsby") de Baz Luhrmann

  Mejor Maquillaje: "Dallas Buyers Club"

  Mejor Diseño de vestuario: Catherine Martin por"El gran Gatsby" ("The Great Gatsby") de Baz Luhrmann

  Mejores Efectos Especiales: "Gravity"

  Mejor Cortiometraje de ficción: "Helium" de Anders Walter

  Mejor Cortometraje de Animación: "Mr. Hublot" de Laurent Witz y Alexandre Espigares

  Mejor Cortometraje documental: "The Lady In Number 6" de Malcom Clarke

  Oscar honorífico por sus labores humanitarias: Angelina Jolie

  Y así mis queridos amigos y amigas fue todo lo que dió de si en esta edicción de 2014. Asi pues, hasta el año que viene si Dios y el "Tio Oscar" lo quieren. Saludos.

 

 

 

 

La cruz de hierro (Cross of Iron - 1977)

        En recuerdo de: Maximilian Schell

      ¿Qué haremos cuando termine la guerra?

       Prepararnos para la siguiente...

  Más que sobresaliente película de género bélico. Y según Orson Welles la mejor película anti-belicísta de la historia.

  "La cruz de hierro" está basada en una novela de Willi Heinrich, un excelente novelísta alemán nacido en Heidelberg que luchó contra los rusos durante la Segunda Guerra Mundial y, después de la guerra se convirtió en escritor, contando en su haber con cerca de treinta novelas.

  Del guión se hicieron cargo el neoyorkino Julius J. Epstein al que le debemos ni más ni menos que "Casablanca"-1942. Un escritor con un curriculum impresionante, graduado en la Universidad de Pennsylvania para un tiempo después trasladarse a Hollywood contratado por Jack Warner presidente de la Warner Brothers. Y por el alemán nacido en Heilbronn, Herbert Asmodi "El joven Törles" (""Der Junger Törles"-1966). Un célebre también guionísta además de autor teatral, de pequeño asistió a la escuela secundaria de su ciudad natal, para después licenciarse en historia del arte y filosofía alemana. Desde mediados de los años setenta se volcó en la poesia. Y en los ochenta publicó algunos cuentos. En 1984 se le concedió la Cruz Federal del Mérito.

  La película está dirigida por Sam Peckinpah "La balada de Cable Hogue" ("The Ballad of Cable Hogue"-1970). Un cineasta nacido en California y conocido especialmente por la controversia que se generó a raiz de la violencia en sus películas. Sus primeros estudios fueron de teatro concretamente en el Fresno State College de California, hasta que en 1961 se metió de lleno en el mundo del cine, su primera película como realizador fue "Compañeros mortales" ("The Deadly Companions") con Mauren O’Hara y Brian Keith en los papeles principales.

  La historia nos lleva a la Segunda Guerra Mundial que tras el desastre de Stanlingrado, el ejército alemán está en pleno despligue. Y en donde un noble y orgulloso oficial prusiano pide traslado al frente del este para conseguir a toda costa una cruz de hierro, la más alta condecoración germana. Pero allí chocará con un sargento que solamente lucha por la supervivencia y, que desprecia a todo aquel que lucha por los honores y la goria (a pesar de que este hombre ya tiene colgada en su haraposo uniforme esa cruz de hierro...

  Una película impactante, si señor, y es que el director californiano sabe como nadie filmar la violencia a pesar de que no estaba acostumbrado a este género. Pero supo narrar la dureza de la guerra, mostrándonos a unos soldados harapientos y desmotivados, cuyo único consuelo era sobrevivir.

  Magnífica la fotografia en color supervisada por la cámara de John Coquillon, "Perros de paja" ("Staw Dogs"-1971). Un director de fotografía nacido en La Haya (Holanda), cuyos comienzos fueron para el cine británico como asistente de cámara, para después convertirse en documentalísta, hasta que años después se dedicó al cine precisamente de la mano de Peckinpah. En 1980 ganó el Premio Genie a la mejor fotografía por su película: "Al final de la escalera" ("The Changeling"). Y en esta historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial mostrándonos unos efectos especiales sumamente acertados y con unos fotogramas llenos de gran realísmo y, en donde las secuencias de acción logran alcanzar en algunos momentos el hiperrealísmo.

  Muy buena, como cabe de esperar la banda sonora, creada por Ernest Gold, "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965), un compositor nacido en Viena (Austria), aunque nacionalizado estadounidense, ganador de un Oscar y un Premio Grammy. Un músico que creó casi cien pìezas originales tanto para el cine como para la televisión. También compuso un musical en Broadway en 1968 "Soy Salomon" ("I’m Solomon"). Y en esta historia impactante y desgarradora de cine bélico, deleitándonos con unos temas adaptados a la acción de la película, y donde tengo que destacar la descripción estridente y gozosa del estallido de la primavera que acompaña a las primeras secuencias. Sensacional Gold demostrándo que su Oscar por su película "Exodo" ("Exodus"-1960) no fue de pura casualidad.

  Magnífico el elenco interpretativo, con un James Coburn , "Los siete magníficos" (""The Magnificent Seven"-1960), metido en el uniforme del sargento Steiner, un hombre que detesta la ideología nazi, a los oficiales y a sus líderes, pero que se halla inevitablemente apegado a esa maldita guerra (posiblemente en el mejor papel de su carrera). Y Maximilian Schell, que ya venía con un Oscar debajo del brazo por su interpretación en "Vencedores y vencidos" ("Judgment at Nuremberg"-1961) en el papel del capitán Stranski, un oficial que busca la gloria a cualquier precio. Un hombre que solamente toma decisiones suicidas con tal de obtener la codiciada condecoración: "su cruz de hierro".

  Pero también nos encontramos a un soberbio James Mason, "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest"-1959), dando vida al general Brandt. Un hombre que mira la guerra como lo que es... la guerra. Y también David Warner, "En compañía de lobos" ("The Company of Wolves"-1984), también metido en el uniforme del capitán Kiesel. Atención a sus diálogos. Pero Peckinpah quiso dar también un toque femenino en esta película solamente hecha para hombres. Y asi podemos ver a la bellísima Senta Berger "La letra escarlata" ("The Scarlet Letter"-1973) como Eva una guerrillera rusa de la que se enamora el sargento Steiner.

  Resumiendo: Una película a la que se le puede catalogar como obra maestra del género. Una película emotiva, violenta, dura y perturbadora, pero también sumamente poética. Una película adelantada a su tiempo, y con un final imposible de olvidar. Y como no, altamente recomendable.   Matrícula de Honor.

  Como anécdota: Sam Peckinpah dirigió casi toda la película postrado en una camilla. Una camilla en la que iba y venía llevado, entre otros, por nada menos que Cliff Coleman: el ayudante de dirección de la película. Dada la categoría de su puesto, a Coleman le preguntaron por qué aceptaba una tarea de es bajo nivel. La respuesta fue contudente:

"Lo hago solo por el hecho de saber que puedo tirar a es cabrón al suelo en cualquier momento".

Hasta siempre!!!

                Maximilian Schell

                           Intelectual y filántropo

  El pasado dia 1 y debido a "una enfermedad repentina y grave", según informó su agente Patricia Baumbuver falleció en Insbruck el actor suizo-austriaco Maximilian Schell. Un actor al que ningún papel se le resistía, un tipo duro con rasgos de galán cuyos padres huyeron de Austria (para instalarse en Suiza) cuando los nazis se anexionaron el territorio en 1938, en los albores de la Segunda Guerra Mundial. A medio camino entre el joven de aspecto impoluto y el hombre que nunca le pierde la cara al mundo, el actor conquistó Hollywood a base de tesón y talento, y sobre todo por esa imágen de tipo impasible al que no podias echarle un pulso.

  Paradojicamente, el Oscar le sobrevino por una excelente interpretación donde explotaba una coartada emocional extremadamente compleja la de Hans Rolfe,  el abogado de un criminal nazi en la magnífica "Vencedores o vencidos" ("Judgment at Nuremberg"-1961), de Stanley Kramer, donde se le recuerda por su duelo interpretativo con el legendario Spencer Tracy. Maximilian Schell ya había interpretado ese mismo papel en 1959, en el programa televisivo "Playhouse 90".

  La estatuilla llevó su nombre en 1961, pero el actor, al que sus amigos tenían por un hpmbre tozudo y altamente disciplinado, llevaba ya años entregado al universo de la actuación. shakesperiano de pro, disfrutó del éxito en el teatro con "Ricardo III" y "Hamlet" y debutó en el cine hollywoodiense en 1958 al lado de Marlon Brando en "El baile de los malditos" ("The Young Lions"). Según cuentan los cronistas cinematógráficos, los productores trataban de contratar a su hermana Maria Schell, pero un error hizo que fuera él el que acabara con un papel en la película. Sea como fuere, el actor se ganó la confianza de los mandamases que tres años después le escogieron para uno de los papeles clave de la producción más ambiciosa que jamás se ha hecho sobre un tema tan peliagudo como el del masivo juicio a los criminales de guerra nazi. Aquel en el que toda la cúpula del III Reich se sentó en el banquillo de los acusados durante el invierno de 1945, en la ciudad alemana de Nuremberg.

  Después de esta película (y del Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA e infinidad de pequeños premios a lo largo y ancho de la geografía estadounidense), Maximilan Schell se instalaría ya en la meca del cine e iniciaría una carrera que seguría brillando con "Topkapi"-1964, "Llamada para un muerto" ("The Deadly Affair"-1966), "Una tumba al amanecer" ("Counterpoint"-1967), "Odessa" ("Odessa File"-1974) o "La cruz de hierro" ("Cross of Iron"-1977). En 1978 recibió su segunda nominación a los Oscar por su delicioso trabajo en "Julia"-1977, un drama disfrazado de thriller, que le llevó a trabajar con Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

  Curiosamente, en 1979, el actor se embarcó en una producción Disney, que se convertiría en una de las películas de culto más recordadas de su carrera: "El abismo negro" ("The Black Hole"). En la misma, Schell interpretaba a un científico, Hans Reinhartd (en la excelsa tradición del "mad doctor" que tantas alegrias ha dado al cine fantástico) perdido en su megalomaniaco deseo de descubrir lo que había al otro lado del inmenso agujero negro. Rodeado de glorias como: Ernest Borgnine, Anthony Perkins o Robert Fooster, Schell se sacaba de la manga a un Frankenstein moderno que haría las delicias de los fans de este género.

  Después de esta película, largamente ignorada y gozosamente reivindicada años después, Maximilian Schell volvió a sus papeles de carácter, personajes de una fuerza a los que imponia una energía explosiva, llaménse Stalin o Federico el Grande, que combinaba con escapatorias a películas tan rotundas como "Vampiros"-1998 de John Carpenter, o superproducciones como "Deep Impact" también de 1998.

  Maximilian Schell - Viena - 8 - diciembre - 1930 - Insbruck (Austria) - 1 -febrero - 2014

                           ¡DESCANSE EN PAZ!

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette-1948)

             ¡Un ladrón! ¡Un ladrón! ¡Deténganlo!...

  Una obra maestra inclasificable del neorrealísmo italiano y séptima película dirigida por Vittorio De Sica.

  "Ladrón de bicicletas" está basada en una novela del poeta, grabador, pintor y escritor italiano nacido en Cupramontana, Luigi Bartolini un hombre considerado entre los grandes grabadores italianos del siglo XX y, formado en la Academia de Roma. También fue muy notable su trabajo como escritor y poeta con más de setenta libros publicados para grandes editoriales. Además fue colaborador de las principales revistas y periódicos italianos.

  El guión corrió a cargo de Cesare Zavattini, "Estación Termini" ("Stazione Termini"-1953) un guionísta nacido en Luzzara (Italia) y considerado uno de los principales teóricos y defensores del movimiento neorrealísta. Sus comienzos fueron como periodísta y pintor, y en 1934 comenzó su incursión en el cine. Fue muy importante su colaboración unos años después con el director Vittorio De Sica. Juntos realizarían películas sumamente inportantes y grandes obras maestras. Con Zavattini también colaboró el propio De Sica junto a Oreste Biancoli "Maciste el coloso" ("Maciste nella terra dei ciclopi"-1961), Suso Chechi D’Amico "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951), Gerardo Gherardi y Gherardo Guerreri.

  La película la dirige el gran Vittorio De Sica "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960), un oscarizado cineasta nacido en Italia concretamente en Sora y, una figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como norrealísmo italiano, al que contribuyó con muchas de sus películas. Cuenta en su haber con numerosos premios de cine sobresaliendo un gran premio en el festival de Cannes y sobre todo con cuatro Oscar de la Academia.

  Asi pues, De Sica nos lleva hasta una empobrecida Roma en tiempos de posguerra. Y en un hombre cabeza de familia que un buen dia y con muchoa apuros obtiene un empleo como pegador de carteles de cine. Pero para poder aceptarlo necesita una bicicleta, el hombre no la tiene porque un dia la empeñó. Su mujer empeñando el ajuar de su boda hace que su marido recupere la ansiada bicicleta. Asi comienza el primer dia de su trabajo, pero mientras pega uno de los carteles, un joven le roba el vehículo. Comienza entonces una odisea en compañía de su hijo para recuperarlo puesto que es indispensanle para la supervivencia de su familia. El hombre desesperado después de todo un dia de busqueda lo lleva finalmente a convertirse él también en un ladrón de bicicletas...

  Una pequeña gran joya del cine italiano, si señor. Una película sencilla pero de gran intensidad. Una obra clave del neorrealísmo italiano envuelta en un duro tono realísta, pero en este caso lo duro no es la crudeza de las imágenes o las situaciones si no la simpleza con la que acerca De Sica la pobreza de los habitantes de esa ciudad sumida en el caos del desempleo y con sus edificios en ruinas, y en este caso la de el protagonísta masculino y su familia. Es para mi pues, todo un documento perdurable de la maldita miseria de un hombre joven honrado y humilde que por los avatares de la vida le convierte de la noche a la mañana en un ladrón.

  Cuenta con escenas verdaderamente soberbias llevadas de la mano por Carlo Montuori "Un americano de Roma" ("Un americano a Roma"-1954), un director de fotografía y camarógrafo nacido en Cascalenda (Italia) que, a los doce años se trasladó a Milán donde vivia un tio suyo que era fotógrafo y fue allí donde aprendió el oficio para luego estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera. Y en esta gran historia con gran mensaje de por medio mostrándonos en un blanco y negro unas imágenes como digo sensacionales, pero también duras muy duras y conmovedoras y tan reales como era la época de su realización aquella época de posguerra. Hay escenas que ya forman parte de la historia del cine universal. La escena final antológica y desgarradora.

  Memorable la banda sonora del maestro Alessandro Cicognini "Escándalo en la corte" ("A Breath of Scanda"-1960), un compositor nacido en Pescara y, en donde recibió formación de música clásica en el Conservatirio de Música de Milán. Se le caracteriza porque en gran parte de su música para el cine solamente hace uso de pequeños conjuntos y de instrumentación inusual, en lugar de las partituras orquestales exuberantes muy comunes en el cine de la mitad del siglo XX. Y aqui dando un sutil acompañamiento musical, al que no se recurre frecuentemente, pero cuando se utiliza complementa perfectamente determinados momentos que requieren mayor intensidad y por supuesto colabora en la espectacularidad de sus dramáticas escenas.

  Sensacionales los actores todos no profesionales por aquel entonces pero dando la talla en todo momento. Comenzando por Lamberto Maggiorani "Ostia"-1970 metido en el cuerpo de Antonio, que es como el símbolo del hombre europeo de la posguerra. Un hombre que está angustiado por no poder sacar adelante a su familia. Un hombre que representa honradez hasta los límites de la necesidad, y mostrando la desesperación ante la insolaridad de una maldita sociedad. Seguido de Lionella Carrell "El oro de Nápoles" ("L’ors di Napoli"-1954) metida también en el cuerpo de Maria, la esposa de Antonio. Representando a la mujer de la sociedad machista, que no trabaja fuera de casa pero se ocupa de la familia. Es una mujer sacrificada y está centrada en solucionar los problemas familiares, hata tal punto que va a visitar a una vidente y pone su fe en ella para encontrar esperanza. Y con ellos Enzo Stariola "Corazones sin fronteras" ("Cuori senza frotiere"-1950) como el pequeño Bruno, el hijo de ambos. Un niño de apenas 8 años, pero que ya trabaja y así poder llevar un salario a casa. Es muy autónomo y tiene actitudes de adulto con respecto al trabajo y la responsabilidad que supone sus conocimientos sobre la mecánica de la bicicleta...pero es un niño que necesita admirar a su padre y se siente dolido cuando le tratan como a un niño o cuando ve a su padre acusado en público por robar una bicicleta.

  En definitiva: Una obra maestra de principio a fin. Un drama crudo, lacerante y terriblemente conmovedor. Una película que no ha perdido vigencia alguna, si no todo lo contrario, porque nuestra sociedad sigue siendo el estercolero injusto, banal e inhumano que nos retrata Vittorio De Sica en su "Ladrón de bicicletas".    Matricula de Honor.

  "Ladrón de bicicletas" logró en el año 1949 el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa. Además ese mismo año logró el Globo de Oro y el BAFTA en el mismo apartado.

  Como curiosidad el director Sergio Leone interviene en la película haciendo un pequeño cameo: el de un joven seminarísta que se resguarda de la lluvia.

  "La cámara quedará absolutamente abierta a todo lo que pase delante de ella" (Cesare Zavattini).

Rebeca (Rebecca-1940)

            En recuerdo de : Joan Fontaine

     Anoche soñé que volvía a Manderley...

  Si amigos, así comienza uno de los mayores clásicos del cine y, por supuesto una obra maestra en todos los sentidos.

  "Rebeca" está basada en una novela gótica de Daphne DuMaurier "Mi prima Raquel" ("My Cousin Rachel"-1952), una célebre escritora nacida en Londres que gozó siempre de un ambiente muy refinado puesto que venía de una familia adinerada, su padre fue el productor y actor Gerard DuMaurier y su madre la actriz Muriel Beaumont y, entre ambos le dieron una educación exquisita.

  El guión lo escribieron el norteamericano Robert E. Shrewood "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Yerars of Our Live"-1946), un dramaturgo nacido en Nueva Rochelle co-fundador de la Playweight’s Company, una compañía productora muy significativa durante la Segunda Guerra Mundial y, llego a escribir varios discursos para el por aquel entonces presidente de Estados Unidos Franklin D. Roossevelt. Y por la inglesa Joan Harrison "Enviado especial" ("Foreing Correspondent"-1940), una productora y guionísta nacida en Guildford cuyos comienzos fueron en la Universidad de Oxford y en la Sorbona de Paris, tiempo después se convirtió en la secretaria de Alfred Hitchcock, llegando a convertirse en un de los mayores colaboradores del maestro del suspense.

  Y precisamente es el mago del suspense el realizador de esta historia y haciendo aqui su primera incursión en el cine norteamericano. Hablo por supuesto de Alfred Hitchcock "La ventana indiscreta" ("Rear Window-1954), un cineasta nacido en Londres, pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense de el thriller psicológico. Y a lo largo de su exitosa y extensa carrera configuró un estilo cinematográfico muy distito y muy memorable.

  Y aquí en esta su primera película, como digo para los estudios de Hollywood contándonos una historia que da fé de el porqué su nombre está con los más grandes cineastas de la historia.del cine.

  Asi pues, la historia nos mete en la vida de un aristócrata inglés llamado Maxim De Winter que un dia conoce en Montecarlo a una joven de origen humilde, dama de compañía de una millonaria americana. El aristócrata se enamora de la joven y acaban casándose y se van a vivir a la mansión inglesa de Wanderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la nueva señora de la mansión se da cuenta de que su marido no puede borrar el recuerdo de su difunta primera esposa...

  Una obra maestra. Una película que es todo un thriller psicológico con componente de drama, romance, misterio y cómo no de intriga policiaca y, por supuesto magnificamente narrada, ya que para mi, constituye todo un prodigio de misterio, de tensión y de intensidad. Y es que de verdad el debut de Hitchcock en el cine estadounidense no pudo ser mejor y no podía tener mejor reconocimiento a la hora de ser nominado a los premios Oscar.

  La película la podiamos dividir en tres partes. La primera, más distendida, en Mónaco. La segunda, casi de terror, en Manderley. Y la tercera más policiaca, en el barco encontrado donde "supuestamente" murió Rebeca. El propio Hitchcock dijo en cierta ocasión que la historia englobaba tres estilos literarios "el cuento de hadas", "el cuento de misterio" y el tradicional "cuento policiaco".

  Cuenta con escenas verdaderamente antológicas, pero en la que me metí más de lleno es donde el protagonísta masculino revela la verdadera naturaleza de Rebeca, y es que de verdad ese es el momento cuando la historia despega y el personaje de la difunta esposa cobra una dimensión mucho más atractiva. Y atención a la escena final el incendio de Manderley.

  Escenas maravillosamente filmadas en blanco y negro por George Barnes "El muchacho de los cabellos verdes" ("The Boy with Green Hair"-1948), un pionero director de fotografía con más de 140 películas en su historial, nacido en Pasadena (California), sus comienzos fueron para el cine mudo, y nominado en cinco ocasiones, sin embargo, solamente lo ganó una sola vez (precisamente en "Rebeca"). Y en esta historia llena de suspense haciendo gala de su profesionalidad y, en donde nos muestra unos fotogramas de muchisimos quilates, recreando de forma magistral el ambiente de aquella época. Y usando unos primeros planos casi mágicos.

  Como mágica y a la vez turbadora es la banda sonora creada por el maestro Franz Waxman "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), un compositor de origen judio nacido en Alemania (pero nacionalizado norteamericano) cuyos principios fueron en la Academia de música de Dresde, para un tiempo después y antes de emigrar a Estados Unidos trabajar como pianísta en una banda de jazz. Un compositor con doce nominaciones y además en su haber cuenta con varias condecoraciones entre ellas: la cruz del mérito de la República Federal Alemana, miembro honorario de la Sociedad Mahler y de la Asociación Internacional de las Artes y las Letras y un doctorado honorífico de las letras y humanidades. Y en esta obra maestra de la cinematografía universal aportando unos temas magistrales y dando un gran vigor orquestal para que la historia adquiera más aún ese clima de terror. Atención al tema "Love’s Old Sweet Song".

  Espléndida Joan Fontaine "Sospecha" ("Suspicion"-1941) como la señora DeWinter (nunca dicen su nombre), esa joven llena de delicadeza que sabe expresar con gran brillantez la fragilidad y el miedo que vive su personaje. Una mujer enamorada ciegamente que vive en un mundo extraño, ajeno a ello donde se siente incómoda e insignificante. Excelente Laurence Olivier "El principe y la corista" ("The Prince and the Showgirl-1957) como Maxim DeWinter un guapo y acaudalado aristócrata inglés, que se ha quedado recientemente viudo al fallecer su esposa Rebeca en un accidente marítimo. Pero que esconde dentro de él un terrórífico misterio. Y magistral Judith Anderson "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"-1956) como la Señora Danvers esa terrorífica ama de llaves cuyo nombre inunda toda la mansión. Un personaje casi inhumano que aparece en las estancias como un fantasma. Extraordinarios los tres, si señor.

  Pero en Manderley hay muchos y sólidos personajes más tales como: George Sanders "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) como Jack Favell un "tipo" que se autodescribe como "el primo favorito de Rebeca", Gladys Cooper "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) como Beatrice la hermana de Maxim, Nigel Bruce "El trigo está verde" ("The Corn Is Green"-1945) como el Mayor Lacy, el marido de Beatrice, Reginald Denny "Huida a Birmania" ("Escape to Burma"-1955) como Frank Crwley amigo y colaborador de Maxim y no podía faltar Leo G. Carroll "Con la muerte en los talones" ("Nort by Northwest"-1959) en el papel del Dr. Baker.

  En definitiva: Una película para revisitar una y otra vez porque es una de las obras maestras del gran Hitchcock. Una película que es una mezcla de historia, cuento gótico de fantasmas y un gran melodrama romántico. Una película que aumenta su capacidad de formación con el paso del tiempo. Matricula de Honor.

  "Rebeca" logró dos Oscar en 1940: Mejor película y Mejor fotografía en blanco y negro. Y obtuvo un total de once nominaciones.

  "Rebeca se estrenó el 13 de febrero de 1940 en una sala de la ciudad de Santa Bárbara (California).

  Como curiosidad, destacar que la aparición del director se produce casi al final. En las primeras películas el cameo de Hitchcock se produce al final, pero con el tiempo los colocaría al principio, ya que el público estaba más atento a localizar su aparición que a la propia película.