Hasta siempre!!!

                Maximilian Schell

                           Intelectual y filántropo

  El pasado dia 1 y debido a "una enfermedad repentina y grave", según informó su agente Patricia Baumbuver falleció en Insbruck el actor suizo-austriaco Maximilian Schell. Un actor al que ningún papel se le resistía, un tipo duro con rasgos de galán cuyos padres huyeron de Austria (para instalarse en Suiza) cuando los nazis se anexionaron el territorio en 1938, en los albores de la Segunda Guerra Mundial. A medio camino entre el joven de aspecto impoluto y el hombre que nunca le pierde la cara al mundo, el actor conquistó Hollywood a base de tesón y talento, y sobre todo por esa imágen de tipo impasible al que no podias echarle un pulso.

  Paradojicamente, el Oscar le sobrevino por una excelente interpretación donde explotaba una coartada emocional extremadamente compleja la de Hans Rolfe,  el abogado de un criminal nazi en la magnífica "Vencedores o vencidos" ("Judgment at Nuremberg"-1961), de Stanley Kramer, donde se le recuerda por su duelo interpretativo con el legendario Spencer Tracy. Maximilian Schell ya había interpretado ese mismo papel en 1959, en el programa televisivo "Playhouse 90".

  La estatuilla llevó su nombre en 1961, pero el actor, al que sus amigos tenían por un hpmbre tozudo y altamente disciplinado, llevaba ya años entregado al universo de la actuación. shakesperiano de pro, disfrutó del éxito en el teatro con "Ricardo III" y "Hamlet" y debutó en el cine hollywoodiense en 1958 al lado de Marlon Brando en "El baile de los malditos" ("The Young Lions"). Según cuentan los cronistas cinematógráficos, los productores trataban de contratar a su hermana Maria Schell, pero un error hizo que fuera él el que acabara con un papel en la película. Sea como fuere, el actor se ganó la confianza de los mandamases que tres años después le escogieron para uno de los papeles clave de la producción más ambiciosa que jamás se ha hecho sobre un tema tan peliagudo como el del masivo juicio a los criminales de guerra nazi. Aquel en el que toda la cúpula del III Reich se sentó en el banquillo de los acusados durante el invierno de 1945, en la ciudad alemana de Nuremberg.

  Después de esta película (y del Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA e infinidad de pequeños premios a lo largo y ancho de la geografía estadounidense), Maximilan Schell se instalaría ya en la meca del cine e iniciaría una carrera que seguría brillando con "Topkapi"-1964, "Llamada para un muerto" ("The Deadly Affair"-1966), "Una tumba al amanecer" ("Counterpoint"-1967), "Odessa" ("Odessa File"-1974) o "La cruz de hierro" ("Cross of Iron"-1977). En 1978 recibió su segunda nominación a los Oscar por su delicioso trabajo en "Julia"-1977, un drama disfrazado de thriller, que le llevó a trabajar con Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

  Curiosamente, en 1979, el actor se embarcó en una producción Disney, que se convertiría en una de las películas de culto más recordadas de su carrera: "El abismo negro" ("The Black Hole"). En la misma, Schell interpretaba a un científico, Hans Reinhartd (en la excelsa tradición del "mad doctor" que tantas alegrias ha dado al cine fantástico) perdido en su megalomaniaco deseo de descubrir lo que había al otro lado del inmenso agujero negro. Rodeado de glorias como: Ernest Borgnine, Anthony Perkins o Robert Fooster, Schell se sacaba de la manga a un Frankenstein moderno que haría las delicias de los fans de este género.

  Después de esta película, largamente ignorada y gozosamente reivindicada años después, Maximilian Schell volvió a sus papeles de carácter, personajes de una fuerza a los que imponia una energía explosiva, llaménse Stalin o Federico el Grande, que combinaba con escapatorias a películas tan rotundas como "Vampiros"-1998 de John Carpenter, o superproducciones como "Deep Impact" también de 1998.

  Maximilian Schell - Viena - 8 - diciembre - 1930 - Insbruck (Austria) - 1 -febrero - 2014

                           ¡DESCANSE EN PAZ!

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette-1948)

             ¡Un ladrón! ¡Un ladrón! ¡Deténganlo!...

  Una obra maestra inclasificable del neorrealísmo italiano y séptima película dirigida por Vittorio De Sica.

  "Ladrón de bicicletas" está basada en una novela del poeta, grabador, pintor y escritor italiano nacido en Cupramontana, Luigi Bartolini un hombre considerado entre los grandes grabadores italianos del siglo XX y, formado en la Academia de Roma. También fue muy notable su trabajo como escritor y poeta con más de setenta libros publicados para grandes editoriales. Además fue colaborador de las principales revistas y periódicos italianos.

  El guión corrió a cargo de Cesare Zavattini, "Estación Termini" ("Stazione Termini"-1953) un guionísta nacido en Luzzara (Italia) y considerado uno de los principales teóricos y defensores del movimiento neorrealísta. Sus comienzos fueron como periodísta y pintor, y en 1934 comenzó su incursión en el cine. Fue muy importante su colaboración unos años después con el director Vittorio De Sica. Juntos realizarían películas sumamente inportantes y grandes obras maestras. Con Zavattini también colaboró el propio De Sica junto a Oreste Biancoli "Maciste el coloso" ("Maciste nella terra dei ciclopi"-1961), Suso Chechi D’Amico "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951), Gerardo Gherardi y Gherardo Guerreri.

  La película la dirige el gran Vittorio De Sica "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960), un oscarizado cineasta nacido en Italia concretamente en Sora y, una figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como norrealísmo italiano, al que contribuyó con muchas de sus películas. Cuenta en su haber con numerosos premios de cine sobresaliendo un gran premio en el festival de Cannes y sobre todo con cuatro Oscar de la Academia.

  Asi pues, De Sica nos lleva hasta una empobrecida Roma en tiempos de posguerra. Y en un hombre cabeza de familia que un buen dia y con muchoa apuros obtiene un empleo como pegador de carteles de cine. Pero para poder aceptarlo necesita una bicicleta, el hombre no la tiene porque un dia la empeñó. Su mujer empeñando el ajuar de su boda hace que su marido recupere la ansiada bicicleta. Asi comienza el primer dia de su trabajo, pero mientras pega uno de los carteles, un joven le roba el vehículo. Comienza entonces una odisea en compañía de su hijo para recuperarlo puesto que es indispensanle para la supervivencia de su familia. El hombre desesperado después de todo un dia de busqueda lo lleva finalmente a convertirse él también en un ladrón de bicicletas...

  Una pequeña gran joya del cine italiano, si señor. Una película sencilla pero de gran intensidad. Una obra clave del neorrealísmo italiano envuelta en un duro tono realísta, pero en este caso lo duro no es la crudeza de las imágenes o las situaciones si no la simpleza con la que acerca De Sica la pobreza de los habitantes de esa ciudad sumida en el caos del desempleo y con sus edificios en ruinas, y en este caso la de el protagonísta masculino y su familia. Es para mi pues, todo un documento perdurable de la maldita miseria de un hombre joven honrado y humilde que por los avatares de la vida le convierte de la noche a la mañana en un ladrón.

  Cuenta con escenas verdaderamente soberbias llevadas de la mano por Carlo Montuori "Un americano de Roma" ("Un americano a Roma"-1954), un director de fotografía y camarógrafo nacido en Cascalenda (Italia) que, a los doce años se trasladó a Milán donde vivia un tio suyo que era fotógrafo y fue allí donde aprendió el oficio para luego estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera. Y en esta gran historia con gran mensaje de por medio mostrándonos en un blanco y negro unas imágenes como digo sensacionales, pero también duras muy duras y conmovedoras y tan reales como era la época de su realización aquella época de posguerra. Hay escenas que ya forman parte de la historia del cine universal. La escena final antológica y desgarradora.

  Memorable la banda sonora del maestro Alessandro Cicognini "Escándalo en la corte" ("A Breath of Scanda"-1960), un compositor nacido en Pescara y, en donde recibió formación de música clásica en el Conservatirio de Música de Milán. Se le caracteriza porque en gran parte de su música para el cine solamente hace uso de pequeños conjuntos y de instrumentación inusual, en lugar de las partituras orquestales exuberantes muy comunes en el cine de la mitad del siglo XX. Y aqui dando un sutil acompañamiento musical, al que no se recurre frecuentemente, pero cuando se utiliza complementa perfectamente determinados momentos que requieren mayor intensidad y por supuesto colabora en la espectacularidad de sus dramáticas escenas.

  Sensacionales los actores todos no profesionales por aquel entonces pero dando la talla en todo momento. Comenzando por Lamberto Maggiorani "Ostia"-1970 metido en el cuerpo de Antonio, que es como el símbolo del hombre europeo de la posguerra. Un hombre que está angustiado por no poder sacar adelante a su familia. Un hombre que representa honradez hasta los límites de la necesidad, y mostrando la desesperación ante la insolaridad de una maldita sociedad. Seguido de Lionella Carrell "El oro de Nápoles" ("L’ors di Napoli"-1954) metida también en el cuerpo de Maria, la esposa de Antonio. Representando a la mujer de la sociedad machista, que no trabaja fuera de casa pero se ocupa de la familia. Es una mujer sacrificada y está centrada en solucionar los problemas familiares, hata tal punto que va a visitar a una vidente y pone su fe en ella para encontrar esperanza. Y con ellos Enzo Stariola "Corazones sin fronteras" ("Cuori senza frotiere"-1950) como el pequeño Bruno, el hijo de ambos. Un niño de apenas 8 años, pero que ya trabaja y así poder llevar un salario a casa. Es muy autónomo y tiene actitudes de adulto con respecto al trabajo y la responsabilidad que supone sus conocimientos sobre la mecánica de la bicicleta...pero es un niño que necesita admirar a su padre y se siente dolido cuando le tratan como a un niño o cuando ve a su padre acusado en público por robar una bicicleta.

  En definitiva: Una obra maestra de principio a fin. Un drama crudo, lacerante y terriblemente conmovedor. Una película que no ha perdido vigencia alguna, si no todo lo contrario, porque nuestra sociedad sigue siendo el estercolero injusto, banal e inhumano que nos retrata Vittorio De Sica en su "Ladrón de bicicletas".    Matricula de Honor.

  "Ladrón de bicicletas" logró en el año 1949 el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa. Además ese mismo año logró el Globo de Oro y el BAFTA en el mismo apartado.

  Como curiosidad el director Sergio Leone interviene en la película haciendo un pequeño cameo: el de un joven seminarísta que se resguarda de la lluvia.

  "La cámara quedará absolutamente abierta a todo lo que pase delante de ella" (Cesare Zavattini).

Rebeca (Rebecca-1940)

            En recuerdo de : Joan Fontaine

     Anoche soñé que volvía a Manderley...

  Si amigos, así comienza uno de los mayores clásicos del cine y, por supuesto una obra maestra en todos los sentidos.

  "Rebeca" está basada en una novela gótica de Daphne DuMaurier "Mi prima Raquel" ("My Cousin Rachel"-1952), una célebre escritora nacida en Londres que gozó siempre de un ambiente muy refinado puesto que venía de una familia adinerada, su padre fue el productor y actor Gerard DuMaurier y su madre la actriz Muriel Beaumont y, entre ambos le dieron una educación exquisita.

  El guión lo escribieron el norteamericano Robert E. Shrewood "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Yerars of Our Live"-1946), un dramaturgo nacido en Nueva Rochelle co-fundador de la Playweight’s Company, una compañía productora muy significativa durante la Segunda Guerra Mundial y, llego a escribir varios discursos para el por aquel entonces presidente de Estados Unidos Franklin D. Roossevelt. Y por la inglesa Joan Harrison "Enviado especial" ("Foreing Correspondent"-1940), una productora y guionísta nacida en Guildford cuyos comienzos fueron en la Universidad de Oxford y en la Sorbona de Paris, tiempo después se convirtió en la secretaria de Alfred Hitchcock, llegando a convertirse en un de los mayores colaboradores del maestro del suspense.

  Y precisamente es el mago del suspense el realizador de esta historia y haciendo aqui su primera incursión en el cine norteamericano. Hablo por supuesto de Alfred Hitchcock "La ventana indiscreta" ("Rear Window-1954), un cineasta nacido en Londres, pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense de el thriller psicológico. Y a lo largo de su exitosa y extensa carrera configuró un estilo cinematográfico muy distito y muy memorable.

  Y aquí en esta su primera película, como digo para los estudios de Hollywood contándonos una historia que da fé de el porqué su nombre está con los más grandes cineastas de la historia.del cine.

  Asi pues, la historia nos mete en la vida de un aristócrata inglés llamado Maxim De Winter que un dia conoce en Montecarlo a una joven de origen humilde, dama de compañía de una millonaria americana. El aristócrata se enamora de la joven y acaban casándose y se van a vivir a la mansión inglesa de Wanderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la nueva señora de la mansión se da cuenta de que su marido no puede borrar el recuerdo de su difunta primera esposa...

  Una obra maestra. Una película que es todo un thriller psicológico con componente de drama, romance, misterio y cómo no de intriga policiaca y, por supuesto magnificamente narrada, ya que para mi, constituye todo un prodigio de misterio, de tensión y de intensidad. Y es que de verdad el debut de Hitchcock en el cine estadounidense no pudo ser mejor y no podía tener mejor reconocimiento a la hora de ser nominado a los premios Oscar.

  La película la podiamos dividir en tres partes. La primera, más distendida, en Mónaco. La segunda, casi de terror, en Manderley. Y la tercera más policiaca, en el barco encontrado donde "supuestamente" murió Rebeca. El propio Hitchcock dijo en cierta ocasión que la historia englobaba tres estilos literarios "el cuento de hadas", "el cuento de misterio" y el tradicional "cuento policiaco".

  Cuenta con escenas verdaderamente antológicas, pero en la que me metí más de lleno es donde el protagonísta masculino revela la verdadera naturaleza de Rebeca, y es que de verdad ese es el momento cuando la historia despega y el personaje de la difunta esposa cobra una dimensión mucho más atractiva. Y atención a la escena final el incendio de Manderley.

  Escenas maravillosamente filmadas en blanco y negro por George Barnes "El muchacho de los cabellos verdes" ("The Boy with Green Hair"-1948), un pionero director de fotografía con más de 140 películas en su historial, nacido en Pasadena (California), sus comienzos fueron para el cine mudo, y nominado en cinco ocasiones, sin embargo, solamente lo ganó una sola vez (precisamente en "Rebeca"). Y en esta historia llena de suspense haciendo gala de su profesionalidad y, en donde nos muestra unos fotogramas de muchisimos quilates, recreando de forma magistral el ambiente de aquella época. Y usando unos primeros planos casi mágicos.

  Como mágica y a la vez turbadora es la banda sonora creada por el maestro Franz Waxman "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), un compositor de origen judio nacido en Alemania (pero nacionalizado norteamericano) cuyos principios fueron en la Academia de música de Dresde, para un tiempo después y antes de emigrar a Estados Unidos trabajar como pianísta en una banda de jazz. Un compositor con doce nominaciones y además en su haber cuenta con varias condecoraciones entre ellas: la cruz del mérito de la República Federal Alemana, miembro honorario de la Sociedad Mahler y de la Asociación Internacional de las Artes y las Letras y un doctorado honorífico de las letras y humanidades. Y en esta obra maestra de la cinematografía universal aportando unos temas magistrales y dando un gran vigor orquestal para que la historia adquiera más aún ese clima de terror. Atención al tema "Love’s Old Sweet Song".

  Espléndida Joan Fontaine "Sospecha" ("Suspicion"-1941) como la señora DeWinter (nunca dicen su nombre), esa joven llena de delicadeza que sabe expresar con gran brillantez la fragilidad y el miedo que vive su personaje. Una mujer enamorada ciegamente que vive en un mundo extraño, ajeno a ello donde se siente incómoda e insignificante. Excelente Laurence Olivier "El principe y la corista" ("The Prince and the Showgirl-1957) como Maxim DeWinter un guapo y acaudalado aristócrata inglés, que se ha quedado recientemente viudo al fallecer su esposa Rebeca en un accidente marítimo. Pero que esconde dentro de él un terrórífico misterio. Y magistral Judith Anderson "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"-1956) como la Señora Danvers esa terrorífica ama de llaves cuyo nombre inunda toda la mansión. Un personaje casi inhumano que aparece en las estancias como un fantasma. Extraordinarios los tres, si señor.

  Pero en Manderley hay muchos y sólidos personajes más tales como: George Sanders "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) como Jack Favell un "tipo" que se autodescribe como "el primo favorito de Rebeca", Gladys Cooper "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) como Beatrice la hermana de Maxim, Nigel Bruce "El trigo está verde" ("The Corn Is Green"-1945) como el Mayor Lacy, el marido de Beatrice, Reginald Denny "Huida a Birmania" ("Escape to Burma"-1955) como Frank Crwley amigo y colaborador de Maxim y no podía faltar Leo G. Carroll "Con la muerte en los talones" ("Nort by Northwest"-1959) en el papel del Dr. Baker.

  En definitiva: Una película para revisitar una y otra vez porque es una de las obras maestras del gran Hitchcock. Una película que es una mezcla de historia, cuento gótico de fantasmas y un gran melodrama romántico. Una película que aumenta su capacidad de formación con el paso del tiempo. Matricula de Honor.

  "Rebeca" logró dos Oscar en 1940: Mejor película y Mejor fotografía en blanco y negro. Y obtuvo un total de once nominaciones.

  "Rebeca se estrenó el 13 de febrero de 1940 en una sala de la ciudad de Santa Bárbara (California).

  Como curiosidad, destacar que la aparición del director se produce casi al final. En las primeras películas el cameo de Hitchcock se produce al final, pero con el tiempo los colocaría al principio, ya que el público estaba más atento a localizar su aparición que a la propia película.

Hasta siempre!!!

                  Joan Fontaine

             Un icono del cine de los 40

  Joan Fontaine considerada una de las leyendas del "Hollywood dorado" falleció el pasado dia 15 de diciembre a la edad de 96 años en su residencia de Carmel (California).

  Joan Fontaine era la hija menor de Walter de Havilland, abogado y de Lilian Augusta Rose, actriz británica conocida como Lilian Fontaine (por su segundo marido). Joan nació en Tokio (Japón) debido a que su padre Walter ejercía allí. Era la hermana menor de la mítica actriz Olivia de Hallivand, con la que estuvo enemistada durante los últimos 38 años de sus vidas. Ambas hermanas asistieron a la escuela Los Gatos High School en Belmont (California).

  Cuando Joan Fontaine contaba apenas dos años de edad, sus padres se divorciaron, Joan entonces era una niña enfermiza que había desarrollao una anemia. Por prescripción de los médicos, la madre se trasladó con sus hijas a los Estados Unidos donde se asentaron en la ciudad de Saratoga (California). La salud de Joan mejoró rápidamente y pronto empezó a tomar leciones de dicción junto a su hermana. También fue una niña muy brillante que obtuvo un valor de 160 en un test de inteligencia a los tres años. A los 15 años, joan volvió a Japón donde vivió con su padre durante varios años.

  Cuando volvió a Estados Unidos, siguió los pasos de su hermana Olivia y empezó a aparecer sobre los escenarios y en películas, pero no obtuvo el permiso de su madre, quien prefería que fuera su hermana quien usara el apellido de la familia. Fue entonces cuando Joan se vió forzada a inventarse un nombre (primero fue Joan Burfield y finalmente Joan Fontaine, utilizando el apellido de su padrastro y también antiguo nombre de su madre sobre los escenarios).

  Joan hizo su debut sobre los escenarios en la producción "Call It A Day"-1935 y pronto recibió una oferta para firmar un contrato con la RKO. Su debut en el cine fue un pequeño papel en la película "No más mujeres" ("No More Ladies"-1935). También fue seleccionada para aparecer en la primera película de Fred Astaire sin Ginger Rogers para la RKO "Señorita en desgracia" ("A Damsel in Distress"-1937) peo la película fue un fracaso. Continuó apareciendo en pequeños papeles durante una docena de películas, pero su contrato expiró en 1939 y no fue renovado. Ese mismo año se casó con su primer marido, el actor inglés Brian Atherne.

  Su suerte cambió una noche en la que asistió a una cena donde tuvo la fortuna de sentarse cerca del poderoso productor David O. Selznick, quien había producido "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wing"-1939). Durante la cena, ella y el productor hablaron sobre la novela "Rebeca" de Daphe Du Maurier. A raiz de la charla, Selznick le pidió que hiciera una audición para el papel de la heroína. A partir de ese momento aguantó seis meses de pruebas y audiciones junto a cientos de actrices, hasta que se aseguró interpretar el papel.

  La película "Rebeca" ("Rebecca"-1940) supuso el debut en el cine norteamericano del director británico Alfred Hitchcock. Joan Fontasine tuvo por compañeros de reparto a Laurence Oliver y Judith Anderson. La película fue estrenada en 1940 y Joan fue candidata al Oscar a la Mejor actriz, pero el premio se lo llevó Ginger Rogers por su papel en "Espejísmo de amor" ("Kitty Foyle"-1940). Tampoco resultó premiada Judith Anderson, nominada como mejor actriz secundaria.

  Joan Fontaine volvió a rodar con Alfred Hitchcock "Sospecha" ("Suspicion"-1941), junto a Cary Grant, y esta vez ganó el Oscar. Fue la primera y la única ocasión en que un actor del mago del suspense (hombre o mujer) ganaba la estatuilla.

  Precisamente ese año se hizo pública la enemistad entre Joan y su hermana Olivia, ambas fueron invitadas al Oscar, y (según el biógrafo Charles Highman) cuando Joan subió al escenario a recoger el premio, rechazó la felicitación de su hermana, en una ofensa entre ellas que no era la primera ni la última.

  Algunos años después, Olivia le devolvería el desplante a Joan cuando esta, que le esperaba con la mano extendida, vió rechazado el saludo. Esto se debió a unas declaraciones que había hecho Joan sobre el marido de Olivia, que era escritor, al parecer, Joan  se había mofado de él diciendo que tenía un largo historial de mujeres, y un solo libro escrito.

  Pero la mala relación entre las hermanas venía de la niñez, en una de sus peleas, Joan terminó herida con una fractura de clavícula. La rivalidad entre ellas fue conocida en el mundillo de Hollywood desde fecha temprana. Hacia 1938, durante el proceso de casting para "Lo que el viento se llevó", pusieron a Joan el papel de Melania en lugar del principal de Scarlata, a lo que ella respondió: "Para hacer el papel de tonta y pavisosa, llamar a mi hermana". Sea como fuere, el caso es que Olivia de Havilland terminó interpretando este papel, con el cual sería nominada al Oscar como mejor actriz secundaria.

  Las hermanas dejaron de hablarse por completo en 1975, porque, según declaraciones de Joan Fontaine, Olivia no la había invitado a un servicio religioso en memoria de su madre, Lilian de Havilland que había fallecido recientemente a causa de un cáncer. Por el contrario Olivia aseguró que había avisado a su hermana, pero Joan rechazó acudir alegando que tenía mucho trabajo.

  Ya a edad madura, Joan Fontaine afirmó que había tenido desavenencias con su hermana ya desde la niñez: "El odio, lo agotamos siendo jovencitas. Ahora nos ignoramos". Y explicó: "Olivia es un león, y yo un tigre, y la ley de la selva dice que no podemos llevarnos bien". Buena prueba de ello fue un acto organizado en Hollywood en 1978: acudieron ambas, y para evitar encontronazos las acomodaron en los extremos opuestos del recinto. Y en otra ocasión, fueron hospedadas en un  mismo hotel, y Joan exigió una habitación a diez plantas de distancia de su hermana.

  Convertida en ciudadana estadounidense en abril de 1943, Joan prosiguió su carrera artistica. Su éxito continuó durante los años 40, cuando destacó en algunos melodramas románticos. Entre sus películas más memorables están "La ninfa constante" ("The Constant Nymph"-1943) junto a Charles Boyer, "Alma rebelde" ("Jane Eyre"-1943) junto a Orson Welles, "Abismos" ("Ivy"-1947) dirigida por Sam Wood o "Carta de una desconocida" ("Letter frow an Unknown Woman"-1948) dirigida por Max Ophüls.

  Durante los años 50 su éxito decreció un poco, si bien participó en "Otelo"-1952 y en la película de aventuras mediavales "Ivanhoe" - 1952 al lado de Robert Taylor y Elizabeth Taylor. En 1953 viajó a España para rodar "Tres historias de amor" ("Decameron Nights") de Hugo Fregonese. Empezó a aparecer en la televisión y en el teatro. Así, en 1954 protagonizó en Broadway junto a Anthony Perkins la obra "Te y simpatía" ("Tea and Sympathy"), por la que obtuvo buenas criticas.

  Aún tuvo papeles significativos en el cine: en 1956 participó en el melodrama "Dos pasiones y un amor" ("Serenade"), junto a Mario Lanza, Vicent Price y nuestra Sara Montiel, y al año siguiente "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt") de Fritz Lang. También en 1957 rodó una película atípica para el género romántico entonces en boga: "Una isla al sol" ("Island in the Sun"), dirigida por Robert Rossen y donde Joan Fontaine tuvo por partenaire a un galán negro, Harry Belafonte. Las parejas interracionales eran entonces poco comunes en el cine, lo cual pudo explicar el fracaso comercial de esta película. Durante los años 60, Joan Fontaine continuó trabajando en el teatro, donde apareció en obras como: "Vidas privadas" y "Flor de cactus" ("Cactus Flower") y la producción austriaca "El león en invierno" ("The Lion in Winters").

  Su última película fue "Las brujas" ("The Witches"-1966) la cual también co-produjo. A partir de entonces realizó apariciones esporádicas en la televisión durante los años 70 y 80 y fue candidata a un Emmy por la telenovela "Ryan’s Hope" en 1980. Joan Fontaine fue también piloto con licencia, piloto de globo aerostático, una experta amazona, ganadora de concursos de pesca de atún, golfísta, experta cocinera y decoradora de interiores.

  Vivió sus últimos años en Carmel-by-the Sea en una relativa reclusión. Publicó su autobiografía, "No Bed of Roses" en 1979.

  Joan Fontaine se casó en cuatro ocasiones:

  Brian Aherne (1939-1945)

  William Dozier (1946-1951)

  Collier Young (1952-1961)

Alfred Wright Jr. (1964-1969)

Tuvo una hija Deborah Leslie Dozier en 1948 de su unión con Dozier, y otra hija, Martita, una niña adoptada de origen peruano, que huyó de su casa. Se sabe que Joan Fontaine también estuvo enemistada con sus hijas, posiblemente desde que descubrió que seguían manteniendo relación con su tia Olivia.

  Joan de Beauvoir de Havilland (Joan Fontaine) - Tokio (Japón) - 22 - octubre - 1917 - Carmel-by-the Sea (California) - 15- diciembre - 2013

                           ¡DESCANSE EN PAZ!

 

Las nieves del Kilimanjaro (The Snows of Kilimanjaro-1952)

  Me voy para evitar una nariz rota, Emile. La mia o la de Compton.

  Porque una risa como la tuya podría provocar una pelea. Bon soir.

  Entretenida película y todo un clásico del cine del género de aventuras.

  "Las nieves del Kilimanjaro" está basada en un relato homónimo de Ernest Hemingway "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958) un escritor y periodísta nacido en Illinois, y uno de los principales escritores del siglo XX, puesto que con su estilo sobrio y minimalístico tuvo una gran influencia sobre la ficción del siglo pasado, mientras que su vida aventurera y su imágen pública influenció en generaciones posteriores. Ganó un Premio Pulitzer y un Nobel de Literatura y muchas de sus novelas fueron llevadas al cine.

  El guión corrió a cargo de Casey Robinson "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935) un productor, director y guionísta nacido en Utah, graduado en la Universidad de Cornell, hasta que unos años después comenzó su carrera en Hollywood escribiendo titulos para películas mudas. Después abandonó este campo con el fin de centrarse en la escritura, donde se hizo famoso al escribir cinco guiones para películas protagonizadas por Bette Davis.

  La película está realizada por todo un artesano en este género como era Henry King "Esta tierra es mia" ("This Earth is Mine"-1959) un afamado director nacido en Virginia cuyos comienzos fueron en el cine mudo, pero logró adaptarse muy bien al sonoro al igual que al color, convirtiéndose en un director de referencia. Estuvo nominado en dos ocasiones a los Oscar pero no logró ganarlos, a pesar de que fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, lo que si ganó un Globo de Oro por "La canción de Bernadette" ("The Song of Bernadette"-1943).

  La trama nos lleva hasta Kenia y nos mete en el maltrecho cuerpo de Harry Street un escritor que se encuentra postrado en una tienda de campaña, con una pierna infectada a consecuencia de un accidente de caza. Allí mientras su esposa lo cuida y espera la llegada de ayuda rememora algunos momentos de su vida...

  Más que una película de aventuras, para mi, es una película sobre el espíritu aventurero, y cómo el dilema de ser fiel a él o no serlo transforma la vida del protagonísta masculino. Su vocación de escritor está asociada a la experiencia vital y sólo quien vive a fondo esa vida: viajando y engañándose de sensaciones fuertes está capacitado para ser un escritor total como lo es Harry Street. En "Las nieves del Kilimanjaro" se encuentran muchos de los elementos característicos de Hemingway: el gusto por la caza y el safari, el Paris nocturno, las mujeres que amar con un cierto punto machísta, la guerra civil española, los toros, las ansias de entregarse como escritor... Todo esto aparece por medio de unos estupendos flash- backs en la figura de Harry. Y de ahí la famosa frase de Hemingway al productor Darryl F. Zanuck al término del estreno de la película: "Yo te he vendido los derechos de la novela, no los de mis obras completas".

  Cuenta con una buena fotografía en technicolor a cargo de Leon Shamroy "El cardenal" ("The Cardinal"-1963) un director de fotografía nacido en Nueva York y uno de los profesionales que más nominaciones al Oscar ha conseguido en toda la historia. En cinco décadas de trabajo, consiguió dieciocho nominaciones consiguiendo la estatuilla en cuatro. Y en esta historia mostrándonos en un impecable technicolor (aquel color de los años 50) unos excelentes fotogramas, algunos de ellos en plan documental y con escenas rodadas en parajes naturales de Kenia concretamente en la Reserva Nacional de Samburu.

  Turbadora a la vez que muy apreciable la banda sonora y, dándole un tono nostálgico para manejar más el relato de la historia compuesta por Bernard Herman "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) otro oscarizado compositor  nacido también en la ciudad de los rascacielos y, uno de los compsitores favoritos de Alfred Hitchcock con el que cosechó grandes éxitos. Y en esta trama ambientada en Africa allá por los años treinta haciendonos participes con unos temas como digo nostálgicos y en donde hay que destacar el bellísimo "interludio", al igual que "Memory Waltz" ("Vals del recuerdo".

  Estupendo el trio estelar elegido aquí por el maestro King y, encabezado por su actor fetiche. Gregory Peck "El hombre del traje gris" ("The Man in the Gray Flannel Suit"-1956) en el papel de Harry Street un novelísta que durante un safari en Africa se hace una herida en la pierna la cual amenaza gangrena, allí junto a su esposa y con muy pocas esperanzas de sobrevivir, recuerda los episodios más impactantes de su vida. Y junto a él dos estrellas tan bellas como rutilantes del Hollywood dorado, una: Ava Gardner "Mogambo"-1953 metida en el cuerpo de Cynthia Green, una bellísima mujer que Harry conoce en Paris, los dos se enamoran pero el destino les separa y, cuando de nuevo se encuentran en España con la guerra civil de por medio... la otra: Susan Hayward "¡Quiero vivir"! ("I Want to Live!"-1958) como Helen la también bellísima esposa del escritor, una nujer valiente que lo cuida con toda su alma en aquel paraje perdido africano, con los buitres acechando a su alrededor, y aún sabiendo que la muerte la tienen cerca, ella sabe también que la esperanza es lo último que se pierde.

  En definitiva: Una película que para mi resulta muy eficaz, aunque en conjunto se esperaba algo más, pero no por ello deja de ser una historia interesante, y con una moraleja muy buena, que yo creo no se olvidará facilmente.    Notable

  "Las nieves del Kilimanjaro" estuvo nominada en dos apartados: Mejor dirección artística (Lyle Wheeler, John DeCuir, Thomas Little y Paul Fox) y Mejor fotografía.

  El Kilimanjaro es una montaña cubierta de nieve con una altura de 5.895 metros. Dicen que es la montaña más alta de Africa en el lado oeste de su cima se encuentra el cadáver reseco y helado de un leopardo. Nadie sabe explicar que buscaba el leopardo allí arriba.

 

 

 

 

 

Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia- (1962)

                   En recuerdo de: Peter O’Toole

  "Para ciertos hombres, nada está escrito si ellos no lo escriben."

  Una de las grandes superproducciones de todos los tiempos de género de aventuras que simboliza lo que el cine puede llegar a ser.

"Lawrence de Arabia" está basada libremente en los escritos de Thomas Edward Lawrence (1888-1935) y en sus memorias autobiógraficas.

  El guión lo escribieron Robert Bolt "Un hombre para la eternidad"  ("A Man for All Seasons"-1966), un genial escritor y guionísta nacido en Inglaterra ganador de un Oscar y un Globo de Oro. Graduado en Historia en la Universidad de Manchester y, durante esa época escribió varias radio-novelas, cuyo éxito le animó a escribir su primera obra para el teatro. Tras esta obra se dedicó exclusivamente al teatro y al cine. Y, por, el norteamericano nacido en Oklahoma, Michael Wilson "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the iver Kwai"-1957) otro gran afamado escritor, graduado en la Universidad de Berkeley, y sus primeros pasos  fueron como escritor de cuentos para revistas. Y, a partir de 1941 comenzó a escribir guiones para el cine, muchos de los cuales son ya legendarios y algunos considerados como los mejores de la historia del cine. Wilson estuvo en la lista negra de Hollywood en la época del marcartysmo por sus ideas comunístas.

  La película la dirige David Lean "Doctor Zhivago"-1965, un cineasta nacido en Londres, especializado en dirigir grandes superproducciones. Sus inicios fueron como ayudante de cámara para ir luego ascendiendo a mejores posiciones, sus primeros trabajos como director estuvieron basados en obras de Noel Coward y su primera película fue: "Sangre, sudor y lágrimas" ("In Which We Serve"-1942). David Lean logró a lo largo de su fantástica carrera dos Oscar, tres Globos de Oro y una Palma de Oro.

  La historia nos mete en la vida del teniente Thomas Edward Lawrence, que trabaja en una oficina de cartografía durante la Primera Guerra Mundial. Y es enviado a Arabia para estudiar las intenciones de los árabes con respecto a los turcos, que son aliados de los alemanes. Allí Lawrence reúne a un grupo de hombres y atraviesa el desierto para tratar de sorprender a los turcos, que tienen sus cañones apuntando al mar, y atacarlos...

  Ambiciosa, ambiciosa y espectacular película en todos los sentidos de la palabra, una obra maestra del séptimo arte, porque es practicamente imposible describir las sensaciones que causa verla. Es para mi una de esas historias que te atrapa de principio a final, que te hipnotiza, que te lleva por donde quiere sin que uno pueda resistirse a ello. Y es que de verdad un rodaje de dos años da para mucho, y le permitió al oscarizado director inglés componer una descripción minuciosa, perfecta y detallada. Haciendo que el desierto sea uno de los protsgonístas principales, puesto que lo presenta inmenso, inabarcable, soberbio, pero también peligroso muy peligroso.

  Cuenta con escenas espectaculares (esta película es para verla en salas cinematográficas, puesto que está rodada en formato 70 mm. que en aquel momento duplicaba las brillantes y espectaculares imágenes. Escenas soberbias, magistrales, inmensas todas: los camellos en el desierto, la batalla camino a Damasco, la marcha hacia la conquista de Aqaba, la voladura del tren...todo es inigualable.

  Y todo ello gracias a la cámara de Freddie Young "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daugther"-1970) un camarógrafo y director de fotografía también nacido en Londres y uno de los máximos colaboradores del director. Young tuvo sus comienzos en el cine mudo con la MGM hasta que en 1949 se hizo independiente para fundar la Sociedad Británica de Camarografía (BSC). En 1970 fué condecorado con la Orden del Imperio Británico con el grado de oficial (Officer of the Order of the Britsh Empere). Y en esta maravilla del séptimo arte utilizando la pantalla como un lienzo en el que cada línea y cada tonalidad están pensadas para crear un estado de ánimo y un equilibrio estético. Grande Freddie Young sin duda uno de los iconos de la cinematografía británica.

  Sublime la banda sonora del maestro Maurice Jarre "El dia más largo" ("The Longest Day"-1962), un compositor francés nacido en Lyon con varias obras maestras en su palmarés además de dos Oscar y cuatro Globos de Oro. Su carrera como compositor se inició en 1948 poniendo música al espectáculo "Le Gardien du Tombe", de Frank Kafka. Y poco más tarde pasó a desempeñar la dirección musical del Teatro Nacional Popular de Paris. En 1952 se convirtió rápidamente en un compositor muy respetado en Francia y en el continente europeo gracias a su primera banda sonora para la película "Hotel des invalides" ("El hotel de los inválidos"-1952). Y, en esta grandiosa película épica mostrándonos unos temas soberbios, con una música evocadora dando al desierto un aire de grandeza y majestuosidad nunca visto en ninguna pélicula de este género. El tema principal "That is the Desert", Jarre se sirve de instrumentos exóticos y electrónicos, predominando casi siempre los temas de aire árabe y las marchas militares. Como curiosidad este tema "del desierto" se dijo en su dia que estaba inspirado en "La llamada de Dalila" de la película "Sansón y Dalila" ("Samson and Delilah"-1949) creada por el compositor Victor Young.

  Maginífico, insuperable e inigualable el elenco de actores elegidos aquí por el gran David Lean. ¡ATENCIÓN!: Peter O’Toole "Becket"-1964, metido ni el mismísimo Dios sabe en el cuerpo y hasta en el alma de Thomas Edward Lawrence, un oficial del ejército británico, un aventurero, escritor, lider político, caballero solitario y hombre de acción, solidario e individualísta, egocéntrico, extravagante, misterioso. Este era T.E.Lawrence. Este es Lawrence de Arabia .   Inmenso O’Toole en el papel de su vida, el mismo papel que tanto Marlon Branco como Albert Finney no quisieron interpretar. Y, Omar Sharif "El señor Ibrahim y las flores del Coran" ("Monsieur Ibrahim et les fleurs du Cioran"-2003) como Sherif Ali Ibu El Kharish, el inseparable amigo de Lawrence y en donde ambos pondrán en la misión de ver una Arabia independiente, toda su alma. Y, Alec Guinnes "La caida del Imperio Romano" ("The Fal of the Roman Empire"-1964) dando vida al Principe Faisal. Y, Jack Hawkins "Ben-Hur"-1959, como el General lord Edward Allenby. Y, Anthony Quinn "Zorba el griego" ("Zorba the Greek"-1964) dando vida al bandido (pero generoso) Auda Abu Tayi. Y, Anthony Quayle "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) metido en el uniforme del Coronel Brighton. Y, Claude Rains "Casablanca"-1942) como Mr. Dryden. Y, Arthur Kennedy "Como un torrente" ("Some Came Running-1958) dando vida al corresponsal de guerra Jackson Bentley. Y. José Ferrer "El viaje de los malditos ("Voyage of the Damned"-1976) como el General turco. Y más. Y muchos más. Y miles de extras cabalgando por el desierto. Y así entre todos lograron e hicieron posible hacer una de las películas más bellas de la cinematografía universal.

  En definitiva: Una película grande entre las grandes, inmortal y maravillosa. Una película que merece estar en el Olimpo del cine. Una obra maestra. Cine con mayúsculas.  Matrícula de Honor.

 "Sólo hay dos clases de personas que se divierten en el desierto, los beduinos y los dioses y usted no es ninguno de ellos".

 

  "Lawrence de rabia" logró siete Oscar en 1962: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Fotografía, Mejor Música, Mejor Dirección Artística (Paul Groesse y George James Hopkins), Mejor Montaje (Anne Coates) y Mejor Sonido (Shepperton Studio Sound Department).

 

 

 

Hasta siempre!!!

                  Peter O’Toole

      Un gigante del cine y del teatro

  El dia 14 del pasado mes de diciembre y a la edad de 81 años falleció en el hospital Wellington de Londres el actor Peter O’Toole tras una larga enfermedad que le aquejaba.

  El lugar y la fecha de nacimiento del actor ha sido objeto de controversia, e incluso en su autobiografía. Según algunas fuentes, O’Toole nació en Connemara (Condado de Galmay, Estado Libre irlandés) y, según otras, en Leeds (Inglaterra), lugar donde también creció. Existen incluso certificados de nacimiento expedidos en ambos lugares. O’Toole aceptaba como su fecha de nacimiento el 2 de agosto de 1932.

  Peter O’Toole fue hijo de Constance Ferguson, enfermera escocesa, y de Patrick Joseph O’Toole, un irlandés que fue orfebre de metales, jugador de fútbol y gestor de apuestas de carreras. Cuando O’Toole tenía cinco años de edad, sus padres iniciaron un tour de cinco años por las ciudades del norte de Inglaterra en las que se efectuaban las mayores apuestas. A poco de iniciarse la Segunda Guerra Mundial, Peter O’Toole fue evacuado a Leeds e ingresó en un colegio católico de monjas, donde permaneció durante ocho años. Él recordaba estos años como muy duros, y era frecuente que luciese hematomas y demás lastimaduras por los catigos disciplinarios que las monjas le propinaban. Era zurdo e intentaron corregirle este "defecto" a punta de reglazos.

  A los 15 años abandonó la educación formal y consiguió un pequeño trabajo como periodísta y fotógrafo en un periódico provincial, hasta que fue convocado por el Servicio Nacional para desempeñarse como señalero (así se denominaban los encargados de operar y mantener los aparatos y antenas de radio) en la Armada Real. No obstante, en cierta ocasión fue interrogado por un oficial de la Armada sobre su verdadera vocación, y O’Toole contestó que le encantaría ser poeta o actor.

  Peter O’Toole hizo sus primeros intentos por concretar su verdadera vocación en Dublín, solicitó su incorporación en la Escuela Primitiva del Abbey Theatre, pero Ernest Blytke, por entonces el director lo rechazó debido a su deficiente conocimiento de la lengua irlandesa. No obstante, pudo acceder a la Academia Real de Arte Dramático (1952-1954) donde tuvo como compañeros a Alan Bates, Albert Finney y Brian Bedford.

  Peter O’Toole recuerda a este grupo como "la clase más sobresaliente que la Academia haya tenido, aún cuando no fueramos reconocidos sino mucho tiempo después". Luego de estos años memorables, comenzó a desempeñarse como actor en la compañía Bristol Old Vic Theatre, donde se destacó como un talentoso intérprete de obras shakesperianas y  en la English Stage Company. En 1954 debutó en televisión, y en 1959 como actor de reparto en una película menor "Kidnapped". Luego llegarían "El robo al Banco de Inglaterra" ("The Day They Robbed the Bank of Englad"-1960) y "Los dientes del diablo" ("The Savage Innocents"- 1960), dirigida por Nicholas Ray y protagonizada por Anthony Quinn. Peter O’Toole siempre demostró gran capacidad para internarse en la psicología de los más complicados personajes, aportando un elemento histriónico que constituye a la vez su principal virtud y su mayor defecto. Pero es indiscutible su gran registro emotivo y su talento para expresar los vaivenes emocionales de personajes sumamente complejos (e incluso interiormente torturados) tanto en drama como en comedia.

  A pesar de su origen medio irlandés y medio escocés, también interpretó frecuentemente a personajes ingleses refinados e intelectuales. A raiz de esta versatilidad y profundidad en 1962, y mucho más pronto de lo que esperaba, llegaría su consagración a través de la interpretación de una de las figuras más fascinantes y controvertidas del siglo XX: el teniente coronel inglés Thomas Edward Lawrence, más conocido como Lawrence de Arabia.

  Las actuaciones más recordadas del actor han sido en las películas: "Lawrence de Arabia" (Lawrence of Arabia"-1962), "Becket"- 1964, "Lord Jim"-1965, "La noche de los generales" ("Tne Night of the Generals"-1966), "El león en invierno" ("The Lion in Winter"-1968), "Adios, Mr. Chips" ("Goodbye, Mr.Chips"-1969), "El hombre de la Mancha" ("Man of La Mancha"-1972) y "El último emperador" ("The Last Emperor"-1987). Sus interpretaciones en "Lord Jim", dirigida por Richard Brooks y basada en la novela de Joseph Conrad, y "La noche de los generales", dirigida por Anatole Litvak constituyen obras maestras de sondeo psicológico. Pero sin duda su interpretación de "Lawrence de Arabia", el célebre y controvertido héroe inglés que luchó en el frente turco durante la Primera Guerra Mundial, la que le marcó un hito no solo en su novel carrera cinematográfica sino en la historia del cine.

  La elección de Peter O’Toole surgió como última opción luego de que el papel protagonísta fuera rechazado por Marlon Brando y Albert Finney. El personaje del militar inglés T.E.Lawrence ofrecía facetas complejísimas, y el actor solo había interpretado papeles secundarios en tres películas, por lo que el director David Lean no contaba con una actuación filmica adecuada donde pudiera medir los verdaderos alcances de su talento. Otro problema era que el actor media 22 centímetros más que el verdadero Lawrence. La personalidad de O’Toole, considerado alegre y extrovertido pero también díscolo, fue otro factor de discusión (en el ambiente filmico era conocido como "el loco irlandés".

  Superando la expectativa, Peter O’Toole no solo realizó una de las mejores interpretaciones de la historia del séptimo arte, sino que se involucró a tal punto con el personaje que no dudó en permanecer como un beduino más, bajo el sol de los desiertos de Jordania y Marruecos durante largas horas, donde se filmaron gran parte de las secuencias (Almeria y Sevilla) fueron otras de las localidades escogidas). Era un actor afecto a bromear y cantar continuamente, a partir de su propia experiencia en el desierto consideró que T.E.Lawrence debió ser una persona exenta de un agudo humor que le permitiera sobrellevar a las difíciles visicitudes que se le presentaron en tierras tan extrañas y solitarias. En consecuencia O’Toole acostimbraba a dar rienda suelta a su propio humor durante los descansos ente filmaciones. Varios beduinos que habían conocido siendo unos niños al verdadero Lawrence incluso uno de los asistentes del rodaje que era descendiente del jefe tribal Auda Abu Tayi (papel que interpretó Anthony Quinn) gran compañero del oficial inglés, y que con lágrimas en los ojos manifestaron que éste había regresado al desierto de la mano de Peter O’Toole.

  De la mano de David Lean, "Lawrence de Arabia" constituyó una obra maestra tanto en el terreno interpretativo, argumental (es un fuerte alegato contra el colonialísmo), narrativo y fotográfico, e incluso la banda sonora de Maurice Jarre se convirtió en un clásico hasta el dia de hoy, inexplicablemente o no tanto (para Hollywood, O’Toole aún no tenía antecedentes fílmicos de revelancia), esta película recibió 7 Oscar, incluso el de Mejor Película, pero el correspondiente a Mejor Actor protagonísta recayó en Gregory Peck por su actuación en "Matar un ruiseñor" ("The Kill a Mockingbierd").

  Durante los años sesenta y setenta Peter o’Toole realizó importantes interpretaciones: "¿Qué tal Pussycat?" ("Wat’s tal, Pussycat?-1965), de Cliver Donner y con guión de Woody Allen, "La Biblia" ("The Bible"-1066) de John Huston, "Cómo robar un millón y..." ("How to Steal a Million"-1966) con Audrey Hepburn, "La guerra de Murphy" ("Murpy’s War"-1971), pero ninguna llegó a superar el cenit alcanzado en "Lawrence de Arabia". También se mostró como activo oponente a la Guerra de Vietnam. A finales de los años 70 estuvo a punto de perder la vida debido a problemas con el alcohol, y tuvo quer someterse a una operación quirúrgica para extirparle parte del estómago e instentinos. Dado que su páncreas resultó gravemente afectado, pasó a convertirse en dependiente de la insulina. También contrajo una enfermedad aparentemente mortal de la sangre, pero posteriormente se recuperó y poco a poco retornó su carrera de actuación, aunque sin el éxito de años anteriores.

  En 1979 participó en la polémica "Calígula" junto a Malcom McDowell y Hellen Mirren, película a la que su productor añadió escenas "pornográficas" en contra de los deseos de su director. Incluso estuvo nominado para el Premio Razzie (antitésis del Oscar), por la peor actuación en 1984, por su papel en "Supergirl".

  Tras varios papeles alimenticios en películas comerciales, O’Toole recuperó auge con "El último emperador" ("The Last Emperor"), de Bernardo Bertolucci, y particpó en la superproducción "Troya" ("Troy"-2004), protagonizada por Brad Pitt. Fue nominado al mejor actor dramático en los Globos de Oro 2006 y al Oscar (2007) por su participación en "Venus", en la que supuso el regreso del ya veterano actor a la primera linea de los premios internacionales.

  Estuvo casado con la actriz irlandesa Sian Phillips de 1958 a 1979, y con ella tuvo dos hijas: Kate y Patricia. Si bien luego formó pareja con la modelo Karen Brown y tuvo otro hijo, Lorcan Patrick, O’Toole nunca se volvió a casar, probablemente debido a sus creencias católicas relacionadas con el divorcio.

  Entabló amistad con la actriz norteamericana Rose McGowon tras trabajar juntos en la película "Phantoms"-1998. Además de mantener una buena relación durante el rodaje, la actriz afirmó que solían quedar para hablar y tomar el té, lo que consideraba un verdadero honor.

  Peter O’Toole fue nominado ocho veces al Oscar, y sin embargo terminó por ganar la estatuilla por su trayectoria cinematogáfica en la edición del año 2003. Al principio se mostró reacio a recibir el premio de la Academia de esta forma, e incluso solicitó más tiempo para ganar el Oscar por un papel importante, pero ante la insistencia de sus hijos cambió de opinión y se hizo presente en la ceremonia para aceptar el premio.

  El 11 de julio de 2012 Peter O’Toole comunicó a través de un comunicado por su publicista en Nueva York, Bill Wellington, su retiro del cine y del teatro. Dijo que seguiría trabajando en la redacción del tercer volumen de sus memorias.

  Peter Seamos Lorcan O’Toole (Peter O’Toole) - Connemara (Irlanda) - 2-agosto - 1932 - Londres - 14 - diciembre - 2013

                                   ¡DESCANSE EN PAZ!

        

Love Story (1970)

    ¿Cómo puedes hacer eso?

    ¿Qué?

    Conocerme a fondo y seguir queriéndome.

    El amor es ciego, niño bien. 

  Muy bonita película de género romántico y con un éxito desmedido en su época que llegó a derramar tantas lágrimas como dólares recaudados en todo el mundo.

  "Love Story" está basada en el best-seller de Erich Segal (que también se hizo cargo del guión), "La prueba del valor" ("The Games" - 1970) un escritor y guionísta nacido en Londres. Aunque sus primeros estudios fueron en la Escuela Secundaria Midwood en Brooklyn, para más tarde trasladarse a Suiza para iniciar unos cursos de verano. Después asistió a la Universidad de Harvard donde se graduó en Literatura griega y latina allí fué donde escribió su primer libro "La comedia de Plauto" que fué toda una revolución, pero fue con "Love Story" donde realmente saltó a la fama mundial.

  La historia nos la cuenta Arthur Hiller "Anatomía de un hospital" ("The Hospital" - 1971), un cineasta nacido en Canadá (aunque afincado en Hollywood). De principio se graduó en la Universidad de Toronto y allí se licenció en 1947 en Bellas Artes, para un tiempo después comenzar su carrera como director en la televisión y, a partir de los años 60 se pasó al cine norteamericano que, aunque sin ser nunca un director brillante si cuenta en su haber con varios títulos de éxito.

  La película pues, nos mete en las vidas de dos jóvenes estudiantes: Oliver un acomodado estudiante de derecho que, poco después de llegar a la Universidad, se enamora de Jenny una encantadora chica, hija de una modesta familia de inmigrantes italianos. Aunque el primer encuentro de ambos no resulta demasiado afortunado, ambos vuelven luego a coincidir varias veces hasta que se enamoran profundamente...

  Todo un clásico del melodrama romántico de los años setenta. Una película que a decir verdad no es una obra maestra, pero si es una historia de amor muy bien contada y, que con el paso de los años se ha convertido en la película de amor por excelencia, puesto que el director canadiense nos plantea una bonita historia entre dos jóvenes que son capaces de renunciar a sus mundos opuestos con tal de vivir un amor verdadero en un mismo mundo.

  Muy amena e intimísta la banda sonora compuesta por Francis Lai, un compositor francés nacido en Niza, ganador de un Oscar y un Globo de Oro, cuyos comienzos fueron en Paris como acordeonísta en salas de fiestas de Montmartre y allí se encontró con el cineasta Claude Lelouch donde lo contrató para escribir la banda sonora de "Un hombre y una mujer" ("Un homme et une femme"- 1966) película que lo catapultó automaticamente a la fama. Y en este icono del cine romántico volviéndose a superar con unos temas bellísimos y magistrales. Atención a la melodía "Los árboles de Navidad" y a dos temas maravillosos: uno de Mozart y el otro de Bach. Extraordinario Lai, si señor.

  Estupenda la fotografía en color de Richard C. Kratina (Dick Kratina) "Cowboy de medianoche" ("Midnight Cowboy"-1975), un director de fotografía nacido en Nueva York cuyos comienzos fueron como operador de cámara. Un hombre que abarcó todos los temas cinematográficos pero las comedias siempre fueron sus preferidas. Y en este clásico del cine romántico mostrándonos como era de esperar unos estupendos planos de interiores sobre todo cuando la pareja de enamorados están en pantalla y, como no la de los exteriores rodadas en su mayoria en la ciudad de los rascacielos.

  Magnífica la pareja protagonísta y en donde Hiller jugó su mejor baza. El Ryan O’Neal "Dos hombres contra el oeste" ("Wild Rovers"-1971) dando vida a Oliver un joven y brillante universitario de Harvard, de familia muy adinerada y prestigiosa. Ella Ali McGraw "La huida" ("The Getaway"-1972) metida en el bellísimo cuerpo de Jenny, una chica también universitaria, pero que es hija de un inmigrante italiano y no tiene privilegios, ni un apellido sonado, todo lo contrario de Oliver que reune todos los requisitos y privilegios de la flor y nata de la ciudad.

  Y con estos dos jovenes actores destilando química por todos sus poros nos encontramos al gran Ray Milland "Crimen perfecto" ("Dial M for a Murder"-1954) en el papel de Oliver Barrett III, el padre del chico, un hombre millonario y poderoso que se opone  a las relaciones de su hijo e incluso le amenaza con retirarle la herencia. Pero por esta historia de amor tambien están metidos y haciéndolo muy bien por supuesto: John Marley "Duelo en las profundidades" ("Mother Lode"-1982), Russell Nype ""¡Que no pare la música!" ("Can’t Stop the Music"-1980), Katherine Balfour ""América. América"-1963) en el papel de la madre de Oliver. Y atención y, haciendo aqui su debut cinematográfico podemos ver a Tommy Lee Jones "No es pais para viejos" ("No Country for Old Men"-2007).

  En definitiva: Una película muy digna de ver que catapultó al estrellato tanto a Ryan O’Neal como a Ali MacGreaw y que de seguro habrá emocionado a todo aquel que lo haya visto.  Sobresaliente.

  "¡Amar significa no tener que decir nunca lo siento"!

  "Love Story" logró el Oscar a la Mejor Fotografía y obtuvo seis nominaciones incluyendo Mejor Película. La ganadora fue "Patton".

  Como anécdota el compositor italiano Stelvio Cipriani llevó a los tribunales a la productora de la película acusándoles de plagio por el tema musical principal de la película puesto que según alegó lo sacaron de su película "Anómimo veneciano"(1970) escrita anteriormente, pero la cosa se quedó en nada y significó más publicidad para las dos películas.