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Senso - 1954

  Los desórdenes de la pasión amorosa interfieren en las convulsiones de la historia en una composición pictórica refinada: Asi es esta película, concebida como una ópera.

  Maravillosa película de género dramático-romántico, y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Suso d'Amico.

10/08/2022 17:11 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Pan, amor y fantasia (Pane, amore e fantasia -1953)

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  ¿Qué comemos cuando comemos?

  Pan, amor y fantasia

  Simpática película de género de comedia y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Ettore M. Margadonna. Un escritor y actor nacido en Palena (Italia). Cuenta en su haber con bastantes titulos algunos de ellos muy emblemáticos del cine italiano, como por ejemplo: "La bella de Roma" ("La bella di Roma"-1955) con Silvana Pampanini, "El moralista" ("Il moralista"-1959) con Alberto Sordi y sobre todo "Pan, amor y fantasia".

  El segundo guionista y a la vez director de la pelicula fue Luigi Comencini. Un cineasta nacido en Sólo (Italia) y muy conocido por ser uno de los padres de la comedia italiana.

  Siguió los pasos de su padre, que era ingeniero, de modo que su infancia transcurrió en Paris. Alli se entusiasmó con el cine. Al volver a Italia estudió ingenieria industrial en Milán. Se casó con Giulia  Grifeo de Partanna, una joven aristocráta, y comenzó a trabajar como ingeniero y critico de cine. Pronto se ocupó de la Cinemateca italiana. Sus hijos, dos de ellos se hicieron directores de cine, colaborando con él, la tercera se hizo escenógrafa.

  Su primera película con éxito fue "L’ imperatore di Capri" (1949) protagonizada por Totó., Una de dsus películas mas conocida fue precisamente "Pan, amor y fatasia", pues obtuvo el Oso de Plata en el Festivalde Cine de Berlin. En 1960 dirigió la sátira antibélica "Todos a casa" ("Tutti a casa", dirigió la versión cinematográfica de la novela de Carlo Cassola sobre la  la Resistencia "La chica de Bube" (" ("La ragazza  di Bube"-1963), de bastante calidad, y a mediados de los años 60 realizó el drama "El incomprendido" ("Incompreso"-1967).

  En 1972 su película "Sembrando ilusiones" ("Lo scopone scientifico"), producida por Dino de Laurentiis, contó con un singular reparto: Alberto Sordi, Bette Davis, Joseph Cotten y Silvana Mangano, con esta película obtuvo dos premios David di Donatello. Ese mismo año realizó "Las aventuras de Pinocho" ("Le avventure di Pinocchio") sobre la novela de Carlo Collodi, en principio, estaba pensada para la televisión, pero luego fue distribuida en cines por su calidad y la interpretación de Nino Manfredi.

  Dirigió a algunos de los actores más importantes del cine italiano, como Totó, Marcello Mastroianni, Vittorio Gasman, Enrico Maria Salerno o Alberto Sordi, y del europeo, entre ellos Fernando Rey, Annie Girardot y Angela Molina. Su última película fue en 1991 y se trató de un remake de la célebre pelicula española "Marcelino, pan y vino"-1954, con Nicoló Paolucci dando vida al pequeño Marcelino, también contó con los españoles Fernando Fernán Gomez como el Padre Prior y Alfredo Landa como Fray Papilla.

  La acción pues, nos lleva hasta Sagilena, una población imaginaria del interior montañoso en la región de Abruzzi (Italia), entre 1951/52, a lo largo de unos cuantos dias. A este lugar llega el nuevo comandante de la guarnición compuesta por seis carabineros. Este se llama Antonio Carotenuto, un hombre de mediana edad, soltero, nacido en el norte de Italia, y que tiene grandes deseos de contraer matrimonio, pese a sus afirmaciones en sentido contrario. Alli también nos encontramos con el apuesto carabinero el cabo Pietro Stellati y la joven Maria Pizzicarella que intentan llevar a buen puerto su romance. Mientras Antonio se enamora perdidamente de  Anna la comadrona del pueblo, pero este amor tiene sus impedimentos...

  La película pues, se desarrolla como una comedia costumbrista. La estética corresponde al neorrealísmo italiano, dentro del que se sitúa en el apartado neorrealísmo rosa, que ofrece una visión optimista, no focalizada en aspectos lacerantes. Estos aparecen reflejados ocasionalmente en la pelicula, al que confieren un cierto sabor amargo. La población del pueblo incluye ancianos ociosos, que se entretienen como mirones, que alimentan rumores y sospechas.

  La pobreza se visualiza en el vestir, las viviendas, la precariedad de las infraestructuras y la escasez de alimentos. Cuando el comandante pregunta a un vecino qué come, éste le responde "pan y fantasia" (pan solo).

  Por la pantalla desfilan personajes tipicos de la época, como el vendedor ambulante de telas, los intocables sobrinos del cura, la leñadora joven, decidida, inocente y de corazón de oro, etc.. Se ven acontecimientos colectivos, hoy tan singulares, como la peregrinación de dos dias a un monasterio próximo, la procesión de San Antonio con ángeles blancos, la fiesta en la plaza mayor, los uniformes de gala.

  La historia está salpicada de humor sútil, irónico y mordaz, que se afirma a través de gestos, situaciones y palabras. En el centro del relato se levanta la sensualidad, atractivo, deligencia y espontaneidad del personaje de Maria, envidiada, admirada y deseada. En lo que hace referencia a sus intereses y a sus amores, ella es la que manda por encima de todos (comandante, cura, alcalde, comadrona y madre.

  El comandante rendido ante ella, se convierte en una figura débil y manejable. Libre de influencias, ella elige por madre al hombre que desea. Encarna a la mujer independiente y autosuficiente, que se formó durante la 2ª Guerra Mundial y se impuso en la Posguerra.

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un prolífico compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición musical en el Conservatorio de Milán en 1924, donde fue alumno de Giulio Cesare Paribeni y Renzo Bossi. En 1933, su ópera "Donna Lombarda" inspirada en una balada popular, se estrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, con las excepciones de "Messa a 5 voices" y "Saul", centró sus actividades en la composición de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con los cineastas Vittorio de Sica y Alessandro Blasetti.

  Gran parte de su música cinematográfica hace uso de pequeños conjuntos en instrumemtación inusual, en lugar de las exuberantes partituras orquestales muy comunes en la música para el cine de mediados del siglo XX. Su estilo ha sido descrito como romántico tardio y se caracterizó por la inmediatez y el atractivo. En 1965 se retiró de la composición cinematográfica y se convirtió en profesor. Entre sus innumerables películas a lo largo de toda su carrera Hay titulos tan emblemáticos como "Cuatro pasos por las nubes" ("Quattro passi fra le nuvole"-1942) con Gino Cervi; "Ulises" ("Ulisse"-1954) protagonizada por Kirk Douglas y Silvana Mangano y "Anna de Brooklyn"-1958 con Gina Lollobrogida y Dale Robertson.

  Y aqui, haciendo uso de melodias de aires populares, atávicos y rústicos (armónica y flauta).

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Arturo Gallea. Un director de fotografía nacido en Turin. Entró en la industria del cine en 1911 como productor. Su carrera como director de fotografía empezó a mediados de la década de 1910. En 1952 ganó el Nastro d’Argento por su película "Dos centavos de esperanza" ("Due soldi di speranza") dirigida por Rensto Castellani. Entre su extensa filmografía caben citar titulos  como por ejemplo: "Capricho frivolo" ("Non ti conosco piú"-1936) con Vittorio de Sica; "Te amaré siempre" (T’ ameró siempre"-1943) con Alida Valli; "El jeque blanco" ("Lo scelcco blanco"-1952) con Alberto Sordi, y su última película "La Gioconda"-1952 protagonizada por Alba Arnova.

  Y aqui, ofreciéndo perspectivas amplias y de gran profundidad, primeros planos expresivos y una larga sucesión de diálogos a dos. La película se rodó en los exteriores de Castel San Prieto (Roma) y los interiores en los estudios Titanus de Roma.

  Bellisima y sensual Gina Lollobrigida. "La mujer más guapa del mundo" ("La donna piü bella del mondo"-1955) metida en el cuerpo de Maria. Y con ella el gran Vittorio de Sica, "El general de la Rovere" ("Il generale Della Rovere"-1959) metido en el uniforme del comandante Antonio. Y enttre los dos Marisa Merlini, "El juicio universal" ("Il giudizio universale"-1961) como Anna, la comadrona; Roberto Risso, "La ciudad cautiva" ("La cittá prigionera"-1962) como el cabo Pietro; Tina Pica, "Sabela" ("La nonna Sabela"-1957) como Carmella...

  En definitiva: Una película que obtuvo en su momento un gran éxito de público, y elevó a Gina Lollobrigida al nivel de estrella europea de primer nivel.  Sobresaliente.

  "Pan, amor y fantasia" estuvo nominada al Oscar a la Mejor historia, obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín, y Gina Lollobrigida estuvo nominada al BAFTA a la Mejor actriz extranjera.

  En 1954 Luigi Comencini realizó una secuela o continuación con el titulo de "Pan, amor y celos" ("Pane, amore e gelosia") con los mismos protagonistas. Y sigiendo la saga de "pan y amor", Dino Risi realizó en 1955 "Pan, amor y..." ("Pane, amore e"...") con Vittorio De Sica, Sofia Loren y Antonio Cifariello, y el español Javier Setó dirigió en 1958 "Pan, amor y Andalucia" con Vittorio De Sica, Carmen Sevilla y Vicente Parra.


 


10/07/2022 16:34 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Ivanhoe (1952)

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  "Mi corazón, antes un león, está ahora encadenado"...

  Muy entretenida película de género de aventuras (Edad Media) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Sir Walter Scott. Un prolífico escritor nacido en Edimburgo (Escocia) y especializado en novelas históricas. Después de estudiar Drecho siguió los pasos de su padre y se hizo abogado. A los 25 años de edad empezó a escribir como diversión. Su primera publicación fue una narración de baladas de Gottfrield August Bürger en 1756 . Años más tarde fundó una imprenta donde editó entre otras el famoso "Canto del trovador" en 1805, que le dió fama mundial. Entre sus novelas llevadas al cine además de "Ivanhoe" cabe citar "Rob Roy" que la escribió en 1815. Muchas de sus obras fueron ilustradas por su amigo William Allan.

  Del guión se hicieron cargo Noël Langley, Marguerite Roberts y AEneas Mackenzie. El primero fue un escritor y guionista nacido en Estados Unidos. La mayoria de sus trabajos estuvieron vinculados con la MGM, su primer guión le lanzó a la fama con la película "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Además de su carrera en el cine también fue muy activo en el teatro dirigiendo personalmente algunas comedias y musicales. El segundo (mejor dicho la segunda) fue una guionista nacida en California y una de las mejores pagadas de la década de 1930. Se mudó a Hollywood y se convirtió en secretaria de la 20th Century Fox, pero en 1933 se mudó a MGM para colaborar en el guión de "Soitor’s Luck" dirigida por Raoul Walsh. En 1936 trabajó para la Paramount Pictures y alli fue donde se unió al Partido Comunista y en 1953 fue incluida en la lista negra por lo que tuvo que emigrar a Canadá hasta 1962 donde comenzó a trabajar para Columbia Pictures escribiendo guiones destacando el de "Valor de ley" ("True Grit"-1969) que le valió el Oscar a John Wayne. Y el tercero. Otro guionista nacido en Escocia. En 1938 lo contrató la Warner Bros para escribir el guión de "Juarez". Y alli estuvo hasta 1943 donde fue contratado por RKO y en 1946 se mudó a Paramount Pictures para más tarde ser contratado por MGM donde acabó su carrera cinematográfica.

  "Ivanhoe" está dirigida por Richard Thorpe. Un director nacido en Kansas. Comenzó su carrera en el entretenimiento actuando en el vodevil y en obras de teatro. En 1921, ingresó al medio del cine, actuando en películas mudas y en 1923 dirigió su  primer cortometraje mudo titulado "The Fatal Photo", lo cual dió inicio a una carrera de más de 180 películas dirigidas.

  Después de dirigir docenas de comedias y westerns de bajo presupuesto, su talento fue reconocido a mediados de los años 30 cuando fue a trabajar para la MGM. El jefe de estudio Louis B. Mayer valoraba la eficacia de sus directores, y Thorpe,  se sentia orgulloso de llevar esas producciones de bajo presupuesto, y que seria la clave para su notable longevidad en Hollywood. No tenia un estilo particular, dirigia mecánicamente con la premisa de mantener la cámara rodando hasta que un actor rodaba una linea, o una escena no fluia correctamente, y luego regresaba y completaba con un primer plano o una toma aislada. Raramente repetia tomas. Mecánica o no, su técnica funcionó correctamente.

  Aunque nunca dirigió nimgún éxito de taquilla (aunque si muy buenas películas) puesto que fue  sólido y confiable, llevando a la pantalla  películas de todos los géneros durante más de cuatro décadas. A pesar de estas características de trabajo, más propicias de un cine menos comercial, Thorpe accedio siempre a la realización de películas de primera linea. En su inmensa filmografia, la más vista de la historia, llegó a concretar algunos pequeños clásicos, infinitamente repetidos luego en la TV, como "El gran Caruso" ("The Great Caruso"-1951), "El prisionero de Zenda" ("The Prisioner of Zenda"-1952), "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) o el clásico de  Elvis Presley, "El rock de la cárcel" ("Jailhouse Rock"-1957). Su última pelicula fue el western protagonizado por Glenn Ford "Duelo a muerte en Rio Rojo" ("The Last Challenge"-1967).

  La acción pues nos lleva hasta la Edad Media concretamente al siglo XII y, en donde a su vuelta de la Cruzada, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano el principe Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que asi puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate...

  La pelicula pues aborda los temas de acción, aventuras, drama y romance. Que junto con "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) y "Las aventuras de Quentin Durward" ("Quentin Durward"´-1955). forma la triologia de películas ambientadas en la Edad Media que produjo la MGM en el Reino Unido en los años 50.

  La película mantiene un adecuado y atractivo tono histórico y aventurero. Hace uso de una ambientaciòn elegante y festiva y se sirve de un realismo vibrante en las escenas de acción, especialmente en el asalto al castillo. La acción es rápida y el ritmo de la pelìcula es intenso y trepidante. A peasr de que la historia es de ficción, si bien se enmarca en una época histórica definida, con referencias a protagonistas y hechos reales (Ricardo, Juan Sin Tierra, aristocracia normanda, aristocracia sajona...).

  El relato se apoya en un romanticismo que disimula, tres formas circunpuestas, una lucha enconada entre las dos mujeres por el amor del héroe. Se adapta con bastante fidelidad a la novela original, no evita un cierto aire de representación teatral y hace uso de unos diálogos abundantes, más literarios que realistas. Incorpora atractivo suficiente para agradar y emocionar (valentia del héroe, defensa de la inocencia, movilización a favor del monarca legitimo, reconciliación paterna, preminencia del bien común sobre el interés personal, etc,).

  La película también apuesta por la colaboración y el entretenimieto entre etnias diferentes, propone la integración y la igualdad de derechos de los mismos y aboga por la tolerancia religiosa. Con espíritu documental y critico nos muestra las formas rudas y violentas de la Edad Media, los abusos de los poderosos y sus impunidades, las representaciones (duelos convertidos en "Juicios de Dios"), la supercherias (brujeria y hechiceria). Los códigos caballerescos y de honor, etc.

  Se complace en mostrar la igualdad y las equivaliencias de las enseñanzas de distintas religiones. Y por último reitera los tópicos que rodean a los personajes históricos que intervienen en la historia.

  La banda sonora corrió a cargo de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). y especilizado en pelìculas de corte histórico. Después de estudiar en su pais onbteniendo desde muy pequeño un gran éxito en sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Alli el compositor Marcel Duoré le aconsejó marcharse a Paris, cosa que hizo en 1932.

  En 1934 su amigo el compositor Arthur Hongger, lo introdujo en la música de cine. Se trasladó inmediatamente a Londres para perfeccionar su arte y allí su amigo y compatriota Alexander Korda, lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thing of Bagdad"-1940). En California ya permaneció el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas.

  Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones, ganándolo en 3 por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.

  Y en esta historia de la vuelta de las Cruzadas, ofreciéndo una partitura marcial. épica y grandilocuente, de 18 cortes, que se acopla bien al desarrollo de la acción, con pasajes fúnebres, tensos, románticos y triunfales. Sobresalen los titulados "Torquistone Castle", "Rebeca Love" y "Prelude".

  La fotografia en color fue obra de Freddie Young. Un director de fotografia nacido en Londres y muy destacado por sus innovaciones y estilo filmicos. En 1922 ya apareció su nombre en los créditos de la película muda "Rob Roy" como asistente de camarógrafo. Cuando estalló la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Hollywood colaborando en algunas peliculas comerciales. Al finlizar la contienda fue contratado por la MGM y en la década de 1950 logró su primera nominaciòn al Oscar precisamente por "Ivanhoe". Trabajó con los más destacados directores tales como John Ford en "Mogambo"-1953, George Cukor en "Cruce de detinos" ("Bhowani Junalion"-1956), Vincente Minnelli en "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), King Vidor en "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959).

  Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en dos ocasiones por "Doctor Zhivago"-1965 y "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"-1970) ambas de David Lean.

  Y en este clásico medieval, destacando por la abundancia de encuadres de doble figura, las generosas perspectivas generales, escenas de lucha de gran realismo y planos virtuosos como el travelling sobre los ojos de Rebeca. La película se rodó en escenarios naturales de Escocia (castillo de Doune) e Inglaterra, y los interiores en los platós de Eistrie Studios (Boehamwood, Inglaterra).

  Sensacional el reparto de actores con Robert Taylor, "Todos los hermanos eran valientes" ("All the Brothers"-1953) como el caballero Ivanhoe; Elizabeth Taylor, "Cleopatra"-1963 como Rebeca; Joan Fontaine, "Carta de una desconocida" ("Letter from an Unknown Women"-1948) como Rowena; George Sanders, "Eva al desnudo" ("All About   Eve"-1950) como De-Bois Guilbert; Guy Rolfe, "Detective con rubia" ("The Alphabet Muerders"-1965) como el principe Juan; Emlyn Williams, "This England"-1941 como Wamba; Robert Douglas, "El manantial" ("The Fountainhead"-1949) como Sir Hugh  De Bracy; Finlay  Currie, "Ben-Hur"-1959 como Cedric...

  En definitiva: Todo un clásico del cine de aventuras, y una excelente adaptación de la famosa novela de Walter Scott, donde tanto los personajes como la acción y el romance nunca desmerecen.   Sobresaliente.

  "Ivanhoe" obtuvo tres nominaciones al Oscar en su dia: Película, Fotografia y Banda sonora.

  A modo de curiosidad: Robert Taylor tenia 40 años cuando interpretó esta la pelìcula, a pesar que su personaje estaba entre los 20 y 30 años según la novela.

 

25/06/2022 10:04 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dragon Rapide (1986)

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             En recuerdo de: Juan Diego

       ¡ARRIBA ESPAÑA! ¡VIVA ESPAÑA!

  Interesante película, aunque algo aburrida de género histórico dramático (Guerra Civil Española) y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Román Goubern. Un escritor e historiador nacido en Barcelona. Todo un especialista en estudios sobre la cultura y comunicación audiovisual. Se doctoró en Derecho en la Universidad Autónoma de Barcelona en 1980. Es datedrático jubilado de Comunicación audiovisual de la Facultad de Ciencias en la Universidad Autónoma de Bsrcelona (UAB), de la que ha sido decano. Ha enseñado en la Soborna, asi como en la Universidad de Harvard, Yale, en el Museum of Modern Art de Nueva York y en la Bienal de Venecia en 1986 estuvo como jurado. También trabajó como investigador invitado en el Massa chusetts Institute of Tecnology y fue profesor de Historia del Cine en el California Institute of Technology (Pasadena), la University of Southeun California (Los Angeles), la Venice International University y por último en la Universidad Autónoma de Brcelona hasta su jubilación.

  Para el cine también escribió variios guiones donde hay que destacar "Dragon Rapide" (1986) y "El largo invierno" (1992) las dos dirigidas por Jaime Camino.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Jaime Camino. Un escritor, guionísta y director nacido en Barcelona. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona y cursó además estudios musiales, (piano y armonía). Tras un primer trabajo literario en forma de novela ("La coraza", finalísta del Premio Nadal y todavía inédita), inició su obra cinematográfica. Se lo asocia habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación de cine bajo la dictadura de Franco y orientada hacia la Nouvelle  vague francesa. Estuvo entre los fundadores del Instituto de Cine Catalán, creado en 1975.

  Entre sus películas destacan su primer largometraje "Los felices 60" (1963), critica de la burguesia catalana con estética de neorrealísmo italiano; "Mañana será otro dia" (1966), una ácida versión del mundo del cine y la publicidad, y "Dragon Rapide" (1986), versión de la conspiración militar durante los dias previos al comienzo de la Guerra Civil, centrada en el avión que llevó al futuro dictador Francisco Franco, desde Marruecos a España. En "El balcón abierto" (1984), con guión de Caballero Bonald, se acerca a la figura de Federico Garcia Lorca. En "El largo invierno" (1991), contó con Vittorio Gasman como actor principal.

  Tuvo tropezones con la censura franquista con "Las largas vacaciones del 36" (1976),  para la cual la escena de la entrada de la caballeria mora en Barcelona fue un problema. Como escritor compuso además de "La coraza", otra novela, "Moriré en Nueva York" (1996) y el ensayo "El oficio de director de cine" (1997). En 2008 asistió a una revisión de su trayectoria en el Festival Internacional del Cine Mediterráneo de Montpelier y recibió el Premio Gaudí de honor concedido por la Academia Catalana de Cine en 2009. Su último trabajo fue con el documental "Los niños de Rusia" (2001), que trata de los niños españoles (la mayoria vascos) exiliados a Rusia durante la Guerra Civil Española.

  La historia pues, nos mete en la España de la 2ª República y concretamente en julio de 1936. Y en donde Francisco Franco, Capitán General de las Islas Canarias, se traslada en secreto a Marruecos para ponerse al mando de las tropas sublevadas, con el fin de derribar al Gobierno del Frente Popular. El Dragon Rapide un avión británico, será la clave en el desarrollo de la operación que llevaria a la insurrección militar del 18 de julio y la posterior Guerra Civil Española...

  Una película que para mi aporta una interesante perspectiva no solo insólita, si no además decisiva en la configuración de un hipotético puzzle cinematográfico sobre la Guerra Civil. Habian pasado 10 años desde la muerte del dictador y su figura seguia siendo inédita como protagonísta en cualquier película de ficción, tanto por la dificultad de transmitir su compleja personalidad ala capacidad expresiva de un actor, como por el tabú politico que seguian rodeando el análisis en profundidad de los símbolos más elocuentes del franquismo.

  Por supuesto no se trata de una pelicula biográfica del personaje, si no que recurre a una hábil estructura donde el enfrentamiento dramático con Franco deviene poco menos que ineludible. El titulo de la película ya indica que el protagonísta es el avión que transportaria al general insurgente desde Canarias hasta Marruecos en el acto decisivo e irreversible que daria pie a la rebelión militar.

 La fotografia en color fue dirigida por Juan Amorós. Un director de fotografia nacido en Barcelona. Un hombre al que se lo incluye por el estilo de su obra dentro de la llamada Escuela de Barcelona. Su obra en el cine comenzó en 1956 manejando la cámara y desde 1961 en la fotografia. En 1989 fue candidato al Premio Goya a la mejor fotografia por "Esquilache", y en 1992 ganó el Premio Circulo de Escritores Cinematográficos a la mejor fotografia por la película "Las cartas de Alou".

  Y en esta historia sobre los preparativos del golpe militar, mostrando unas estupendas imágenes en un color claroscuro para dar a la trama una impresión digamos documemtalista. Algunas de sus escenas fueron rodadas en escenarios naturales de Marruecos y Londres.

  La banda sonora corrió a cargo de Xavier Montsalvatge. Un compositor nacido en Gerona y uno de las figuras claves de la música española de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, donde posteriormente sería profesor desde 1970 y catedrático de composición desde 1978. Es autor de una vasta obra que abarca practicamente todos los géneros desde la ópera "El Gato con Botas", hasta la música de cámara ("Cuarteto indiano"), pasando por piezas oequestales como "Desintegración morfológica de la Chanana de Basch", "Laberinto" o "Sinfonia Mediterránea" (1949), por la que obtuvo el Premio de la Escuela Superior de Música. Debe su fama internacional a la composición "Cinco canciones negras" para soprano y orquesta. También colaboró poniendo música para el cine en varias películas entre ellas: "Un vaso de whisky" (1959), "España otra vez" (1968) o "Las largas vacaciones del 36"(1976) entre otras.

  Y en esta historia donde casi todo comenzó en un vuelo militar, mostrándo unos temas dramáticos y ambientales, solemne y marcial en momentos y de tono impresionista entre otros. Tiene un brillante tema principal.

  Muy bien Juan Diego, "Fugitivas" (2000) dando vida al dictador Francisco Franco. Y con él Vicky Peña, "Me llamo Sara" (1999) como Carmen Polo; Manuel de Blas, "Goya en Burdeos" (1999) como el General Mola; Conrado San Martin, "Asesinato en el Comité Central" (1982) como el Coronel Monóculo; José Maria Escuer; "7 dias de enero" (1975) como el Coronel Sáez de Buruaga; : Ramón Durán, "El caso Almeria" (1984) como el Genral Cabanelles...

  En definitiva: Una pasable película, que se deja de ver, aunque no es de lo mejor del director. Pero que tan solo por ver la magnifica actuación   de Juan Diego, y la escena en la playa de Marruecos llevado a hombros por un recio soldado para no mojarse los pies ya vale la pena verse.   Notable.

  "Dragon Rapide" obtuvo dos Premios Goya a la Mejor dircción artística y Maquillaje.

  A modo histórico. El titulo alude al avión Dragon Rapide llamado también de Havilland D.H.89, era un avión de pasajeros de corto alcance de fabricación inglesa y usado por la Royal Air Force (RAF).

 

   

31/05/2022 08:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                 Juan Diego

               Un actor inmenso

  El pasado 28 de abril y a la edad de 79 años falleció tras una larga enfermedad el actor sevillano Juan Diego.

  Su temprana vocación interpretatva cobró forma en 1957, cuando se subió por primera vez a un escenario. Tres años más tarde en Sevilla interpretó "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, un trabajo polémico que cimentó su prestigio entre la critica. Amplió su formación en el Conseratorio de Música y Declamación de Madrid, estudios que le permitieron entrar en contacto con Televisión Española. Intervino en una gran cantidad de programas de la televisión estatal entre telenovelas, producciones dramáticas y el por aquel entonces popular Estudio 1. Esta experiencia le permitió conocer a fondo las tablas y familiarizarse con los estamentos de la profesión.

  También desde muy joven tomó conciencia política y se acercó al Frente de Estudiantes Sindicalistas, que era la rama juvenil del falangísmo disidente (que daria origen a Falange Española Independiente). Pero posteriormente, como otros militantes de ese entorno, acabaria derivando hacia una militancia en el entonces clandestino Partido Comunista de España (PCE). En 1975 fue uno de los cabecillas de la huelga de actores que reivindicaba la reducción de la jornada laboral para intérpretes teatrales.

  En 1975, apareció junto a Ana Belén en la polémica película "La criatura", de Eloy de la Iglesia, con quien ya habia colaborado en "Algo amargo en la boca" (1969), y participó en la primera película de Francisco Rodriguez "La casa grande" (1975), película que participó en el Festival Internacional de Cine de Berlin. Para entonces, Juan Diego ya era algo conocido en el extranjero, pues en 1970 habia participado en la película de Ettore Scola "El demonio de los celos" con Msrcello Mastroianni y Monica Vitti.

  En la década siguiente intervino en "Los santos inocentes" (1984) de Mario Camus. Fue entonces cuando consolidó su carrera en el cine. En efecto, en 1986 participó en "El viaje a ninguna parte", la  crónica de Fernando Fernán Gómez sobre un mundo en el que ya no tendrian lugar los antiguos cómicos, y "Dragon Rapide", en la que Juan Diego encarnó a Francisco Franco a punto de incorporarse al Bando Nacional. Por su interpretación en esta última recibió la primera de sus nueve candidaturas a los Premios Goya, seguida por la alcanzada por su papel de San Juan de la Cruz en la película de Carlos Saura "La noche oscura" (1989) y el intrigante capuchino de "El rey pasmado"(1991), por la que le valió su primera estatuilla.

  A mediados de la década disminuyó su actividad cinematográfica  se centró en su carrera teatral. Por esa época estrenó "El lector por horas", en la que compartia el escenario con Jordi Dauder y Clara Sanchez. En 1999 se produjo su regreso al cine con "Paris-Tombuctú",en la que daba vida a un anarquísta que andaba desnudo por las calles del pueblo, Asunción Balaguer y Liberto Rabal anunciaron que el intérprete habia ganado su segundo Premio Goya a la mejor interpretación masculina de reparto, Luis Garcia Berlanga recogió la estatuilla en su nombre, agradeciéndole ser el único actor que "tuvo las pelotas de salir en pelotas".

  En 2000 repitió candidatura por "You’re the One" ("Una historia de entonces"), de José Luis Garci, en la que Juan Diego interpretó a un cura que no cree en su ministerio, que se mostraba desengañado de la vida y que pese a su ideología confesaba admirar a Pablo Picasso. En ese mismo año Miguel Hermoso le encomendó un pequeño pero vital papel en "Fugitivas", protagonizada por Laira Marull. Por esas fechas nació su hijo pequeño Diego.

  En 2002, regresó a la televisión para ponerse a las órdenes de Benito Zambrano en "Padre coraje", papel por el que obtuvo el premio de la Unión de Actores en cuya gala los candidatos gritaron al unisono No a la guerra, que realizaba la decisión de George W. Bush de iniciar la guerra de Irak. El propio Juan Diego habia leido manifiestos en la Puerta del Sol de Madrid acompañado de Maria Barranco y Juan Diego Botto, llegando incluso a atender en el escenario a un manifestante herido por la policia.

  En 2003 terminó el rodaje de "Torremolimos 73", de Pablo Berger, en la que Juan Diego se puso en la piel de un productor de películas porno amateur explotador que habia padecido en sus ptopias carnes las deficiencias económicas del desarrollalísmo. Poco después el actor empezó la filmación de "El sçeptimo dia" (2003), donde se convirtió en uno de los responsables de la matanza de Puerto Hurraco, y seguida con la filmación de "La vida que le espera", dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón.

  En 2005 comenzó la exitosa y popular serie televisiva "Los hombres de Paco" (que dejó de emitirse en 2010), donde actuó, junto a los actores Paco Tous, Pepón Nieto, Hugo Silva y Adriana Ozores, entre otros. Su personaje era el del comisario Lorenzo, y fue uno de los más populares de esta comedia, siendo muy famosa su coletilla "mis santos cojones".

  En 2006 compartió protagonísmo con Angela Molina en "El triunfo", de Mirela Ros, y con Juan Diego Botto en "Vete de mi", de Victor Garcia León. En la XXI edición de los Premios Goya obtuvo por fin su primera distinción como mejor actor principal por su papel en "Vete de mi". En esta película interpretaba el papel de Santiago, un actor cincuentón venido a menos que se ve obligado a alojar en su casa a su hijo treintañero (Juan Diego Botto).

  En 2008 proyagonizó la pelicula "Casual Day", comparginando el rodaje con la grabación de la serie "Los hombres de Paco". En 2010, tras finalizar dicha serie siguió en el cine con la comedia "Que se mueran los feos", de Nacho G. Velilla, y la película sobre la vida de Lope de Vega, de Andrucha Waddington. En 2011 continuó sus trabajos en el cine, siendo lo más destacado su interpretaciòn del general Alfonso Armada en "23-F: la película", que le valió una nueva candidatura a los Goya. Al año siguiente regresó de nuevo a la televisión con la serie "Toledo, cruce de destinos", interpretando a Alfonso X el Sabio.

  En 2012 estrenó "Todo es silencio", de José Luis Cuerda, película centrada en el narcotráfico en Galicia y estrenada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid 2012, y comenzó el rodaje de "Anochecer en la India, road movie", dirigida por Chema Rodriguez, estrenada en 2014 y por la que ganó por tercera vez el premio al mejor actor en el Festival de Málaga.

  En noviembre de 2012, estrenó el monólogo "La lengua madre" escrita por Juan José Millás, con el que inició una gira por toda España, entre 2013 y 2014.

  En octubre de 2013, el diario La Vanguardia publicó una carta a favor de la Independencia de Cataluña, escrita por una persona que firmaba como Juan Diego y era de la localidad msdrileña de Valdemoro. Diversas páginas se hicieron eco de la carta abierta y atribuyeron su autoria al actor. Con motivo de la representación de la obra "La lengua msdre" en Pamplona, el 18 de enero de 2014 el Diario de Navarra entrevistó a Juan Diego y destacaba el texto con el titulo "La carta sobre Cataluña que nunca escribió".

  El actor declaraba: "Yo no he escrito ninguna carta a ningún tipo de inspendentísmo. Lo firma un tal Juan Diego, pero ese no soy yo, porque cuando yo escribo una carta soy Juan Diego Ruiz Moreno. Tenia ganas de decir que es una mentira falaz". Señaló que no iba a hacer nada por desmentirlo, porque "es meterte en una rueda de mentiras, y eso no me vá. Alguién que le gustó mucho esa carta y la cogió y puso en mi boca toda la grande y maravillosa consecuencia de lo que es la independencia para Cataluña. Creo que tiene mucha importacia que se sepa que yo no soy el autor".

  De cara a las elecciones municipales de 2015 en Torrelodones, municipio en el que residia, firmó un documento titulado "Llamamiento de candidatura de confluencia ciudadana en Torrelodones", que pedia el voto para Confluencia Ciudadana. En 2018 fue nombrado hijo adoptivo de Sevilla.

  Juan Diego Ruiz Moreno (Juan Diego) - Bormujos (Sevilla) - 14- diciembre - 1942 - Madrid - 28 - abril 2022.

                             !DESCANSE EN PAZ¡

11/05/2022 09:13 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Diario de un cura rural (Journal d'un curé de campagne - 1951)

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  "¿Por qué inquietarme?, ¿Por qué tratar de  prever lo que ocurrirá?; si tengo miedo diré: tengo miedo... sin sentir por ello ninguna vergüenza. ¡Qué la primera mirada del Señor cuando se me aparezca su Santa Faz sea una mirada tranquilizadora... ¡Qué más dá! Todo es ya Gracia!".

  Excelente película de género religioso-dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una novela de Georges Bernanos. Un novelista y dramaturgo nacido en Paris. En su primera novela "Bajo el sol de Salinés" (1926), ya estaban patentes sus preocupaciones religiosas. Ahondó la psicología del hombre donde tiene lugar el enfrentamiento entre el bien y el mal, la fe y la desesperación. Publicó, entre otros titulos "La alegria", "Los grandes cementerios bajo la luna" y por supuesto "Diario de un cura rural" en 1936.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Robert Bresson. Un cineasta nacido en Auvernia (Francia). Tras abandonar la pintura y la fotografia, realizó su primera película "Los asuntos públicos" ("Les Affaires publiques"-1934), un cortometraje cómico. Recién comenzada la 2ª Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. Una vez puesto en libertad y durante todavía bajo la ocupación alemana en Francia dirigió "Las damas del Bosque de Bolonia"("Les dames de Bois de Boulogne"-1944), con guión suyo, pero con diálogos de Jean Cocteau, la protagonísta era la actriz española (nacionalizada francesa) Maria Casares, la película se basaba en un relato de Diderot que narró hacia 1773.

  "Los ángeles del pecado" ("Les Anges du Péchén"-1943), es una perfecta tragedia psicológica, quizá una de las mejores del cine francés, que situó a Bresson en el primer rango de los directores franceses. En adelante realizaría lo mejor de su carrera desarrollando un estilo propio que renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos.

  En 1951 rodó "Diario de un cura rural" ("Journal d’un curé de campagne"), una obra bastante impresionante, por su calidad y sus convinciones morales. En su etapa ya digamos que madura, , habría que destacar además de "Diario de un cura rural"("Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un condamné á mort s’et  écchappé"-1956) y "Pickpocket"-1959. En 1974 rodó al fin un viejo proyecto "Lancelot du Lac". Su última película fue "El dinero" ("L’Argent"-1983).

  Hacia el final de su carrera como director, en 1975 publicó el libro "Notes sur le cinematographe" ("Notas sobre el cinematógrafo"), un compendio de aforísmos con los que defiende su visión del cinematógrafo que él distingue del cine. . En efectos él piensa que el cine es una especie de teatro filmado, mientras que el cinematógrafo representa una nueva escritura visual de imágenes en movimiento y de sonido, realacionadas por el montaje.

  En 1995, la totalidad de su obra, compuesta de un total de 13 películas (cantidad relativanente baja), fue distinguida por la Academia francesa del cine con el Premio René Clair. Y en 2014 Myléne Brensson dió a conocer una recopilación de entrevistas titulada "Bresson por Bresson". Un año después fue traducida al español.

  La acción pues, tiene lugar en Ambricourt (Artois), pequeña población del norte de Francia, con desplazamientos a Toray y Lille. La descripción de los caracteres principales, sobre todo del protagonista, se presenta desarrollada con profundidad y acertada complejidad. El cura de la localidad, inexperto, novato, frágil, de mala salud, aunque cargado de buenas intenciones, es rechazado por sus parroquianos a causa de la extraña enfermedad que padece y la escasa religiosidad del lugar. Es además, hostilizado por parte de algunos de ellos...

  La pelicula constituye un gran trabajo, pues explora con lucidez poco común el mundo interior del protagonista, la soledad, el aislamiento, la marginación y las consecuencias fisicas y psiquicas de una extraña enfermedad no diagnosticada.

  Añade un análisis clarividente de la amistad, el temor a la muerte, la vida rural, las relaciones entre padre e hijos, etc., Desarrolla la aproximación a los objetos de estudio con la mirada puesta, sobre todo, en las emociones que afectan al mundo interior de los personajes. Aparecen con cierta reiteración algunas de las constantes que acompañan a Bresson en su filmografia, como la presencia del mal, el silencio de Dios, la necesidad e inestabilidad del sufrimiento fisico y moral, la fragilidad de los personajes, el valor de la ingenuidad, etc.

  La trama narrativa se basa en el uso de actores no profesionales (por aquel entonces), el estatísmo de las figuras, los planos cortos del rostro humano, la creación de sedimientos y situaciones que muestran, al margen de las palabras, las emociones intimas de los personajes, etc.. El estilo se caracteriza por el realismo, la sobriedad y el ascetismo expositivo, que prescinde de todos los elementos no esenciales y por ello innecesarias en opinion del director.

  Y por último, compone elipsis brillantes que confieren en profundidad y vigor a la narración y agilidad muy cinematográfica al discurso.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Henri Burel. Un director de fotografia nacido en Francia. Después de estudiar en la Universidad de Nantes, trabajó inicialmente como fotograbador antes de convertirse en operador de cámara. En la compañia Film  d’Art en 1915, Abel Gance le observó y comenzó una colaboración con él que se extendió a más de 16 películas, incluidas "Yo acuso" ("J’accuset"-1919), "La rueda" ("La Roue"-1923), y "Napoleón"-1927. En el periodo del cine mudo también trabajó en varias películas de Jacques Feyder.

  Durante la década de 1930 trabajó regularmente con Jean Dréville y Henri Decoin. También dirigió él mismo tres películas entre 1922 y 1932.

  Y aqui combinando la sobriedad con composiciones que crean una gran belleza destilando clasicismo, equilibrio y fuerza expresiva. La película se rodó en escenarios reales de la región del Paso de Calais (Francia).

  La banda sonora fue dirigida por Jean Jacques Grünenwald. Un compsitor nacido en Cran-Coevrier (Francia). Estudió en el Conservatorio de Paris, donde recibió los primeros premios en órgano en 1935 y de composición en 1937. Dos años más tarde se convirtió en organista en St-Pierre de Mountrouge en Paris y después comenzó una grabación de la obra completa para órgano de Juan Sebastián Basch en 24 LP, que completó en 1962.

  De 1957 a 1961 fue profesor de órgano en la  Schola Cantorum de Paris y de 1961 a 1966 profesor de órgano en el Conservatorio de Música de Ginebra. Como concertista de órgano fue reconocido internacionalmente, llegando a realizar más de 1.500 recitales por todo el mundo. Para el cine también compuso bastantes bandas sonoras como por ejemplo. "El tirano de Toledo" ("Les amants de Tolede"-1953) de Henri Decoin y Fernando Palacios y "Adorable mentiroso" ("Adorable menteuse"-1962) de Michel  Deville.

  Y aqui,  mostrándo unos cortes escasos y breves, que se hacen presentes siempre con oportunidad.

  Muy bien los actores (en su mayoria no profesionales), encabezados por Claude Laydu, "Sinfonia de amor" ("Sinfonia d’amore"-1956) dando via al padre Priest, el cura de Ambricourt. Seguido por Nicole Ladmiral, "Le sang de bêtes"-1949 como Chantal; Adrien Borel (solamente participó en esta película) como el padre Toray; Jean Riveyre, "Les sorciéres de Salem"-1957) como Count; Nicole Mavrey, "Donde el circulo termina" ("The Scapegeat"-1959) como Louse...

  En definitiva: Una película de una gran clase magistral. Y para mi de lo mejor de Bresson. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Diario de un cura rural" logró el Premio OCIC en el Festival de Venecia.

  Como anécdota decir que la joven acrtiz Nicole Lamiral se suicidió a los 28 años de edad arrojándose en Paris, bajo el metro, dejándo una hija, llamada Ariane nacida de su matrimonio con el escritor y actor Roland Debillard.


 

27/04/2022 17:01 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 2)

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  Y como en años anteriores y siguiendo la tradición. Comentar una película, y por supueto y a ser posible oscarizada.Asi que, esta vez la película  comentada será:

  Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

  "Te quiero, te quise desde el primer momento en que te vi, te quise antes de verte por primera vez".

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Theodore Dreiser. Un novelista nacido en Torre Haute (Estados Unidos). Su primera novela "Nuestra hermana Carrie ("Our Sister Carrie") se publicó en 1900 y fue retirada de las librerias: la obra, sin embargo, mereció el elogio de Sinclair Lewis. En 1912 publicó "Jennie Gerhardt", que trataba de una mujer que se somete sexualmente a hombres ricos, para escapar de la pobreza. En 1925 salió a la luz "Una tragedia americana" ("An American Tragedy"), su gran novela, (la pelicula comentada está basada en esta novela), basada en un asesinato real cometido por un antihéroe, Clyde Griffiths. La novela alcanzó un gran éxito de público, pero dividió a los criticos. Nunca volvió a repetir el éxito que conoció con ella, aunque escribió otras muchas más como la publicada postumamente en 1946 "El baluarte" ("The Bastion").

  Del guión se hicieron cargo Michael Wilson y Harry Bronw. Este fue un escritor nacido en Oklahoma. Se licenció en Filosofia en 1936 y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones para el cine. Fue incluido en la lista negra de Hollywood por sus tendencias comunistas por lo que tuvo que emigrar a Francia. A su regreso a Estados Unidos siguió escribiendo guiones para peliculas tan importantes como por ejemplo: "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the Kwai"-1957) y "Lawrence de Arabia""-1962 ambas de David Lean

  En cuanto a Bronw. Otro escritor nacido en Nueva York. Su debut en el cine fue con la pelicula "El otro amor" ("The Other Love"-1944) protagonizada por Barbara Stanwyck y David Niven. Entre sus éxitos caben de destacar titulos como: "Arenas sangrientas" ("Sands of Iwo Jima"-1949) protagonizada por John Wayne y "La cuadrilla de los 11" ("Ocean’s 11"-1960) a mayor gloria de Frank Sinatra y Dean Mrtin.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un cineasta nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director, de las cuales lo ganó en dos, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoria de mejores peliculas.

  Cada una de las obras de Stevens llevan un sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953) un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños granjeros contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto, consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones. Es posible que Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio, fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir cortos de comedia a principios de los años treinta. Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Terkingston sobre las pretensiones sociales.

  Más adelante Stevens demostró lo que podia hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936) dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide de la fama. Luego realizó "Olivia"-1937, "Señorita en desgracia" ("A Damsel Distress"-1937) y "Ardid Femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la 2ª Guerra Mundial se unió al Cuerpo de Comunicaciones de Estados Unidos y filmó dramáticas escenas de guerra como la liberación del campo de concentración de Dachav. Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Cliff. Después realizó con James Dean "Gigante"-1956, que le proporcionó el Oscar al mejor director.

  Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos le impidieron hacer más pelícuas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Graatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  Asi pues, el maestro Stevens nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novedísima autopista que enlaza con las vias que llevan al Medio Oeste, una ciudad indeterminada del Medio Oeste, en Kansas City y sus alrededores, y alli haciendo auto-stop nos encontramos a George Eastman, un joven solitario de familia humilde. Este abandonó su casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres, trabajadores asalariados de la Bether Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago, donde trabajó como subalterno de un hotel, y se dirige al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le de un buen trabajo. George es ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Una vez en la ciudad y trabajando en la fábrica de su tio se relaciona con Alice, compañera de trabajo y con Angela, de familia adinerada...

  La película contiene drama, romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que localiza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentmientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos.

  Reclama a los actores y actrices que presten gran atanción a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonistas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad permanente de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase obrera, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa el de la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo al otro es practicamente imposible. Quienes lo intentan corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras la evocan y se añaden representaciones explicitas de la misma, como el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo.

  Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores. Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha pproducido el cine. Junto a "Raices profundas" ("Shane"-1953) y "Gigante"-1956 conforma lo que algunos han venido a llamar la "triologia de Stevens".

  La película nos hsbla también de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la realidad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc.

  Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a  visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad y condena la pena de muerte.

  La banda sonora fue obra de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se trasladó a la Academia de Dresde donde estudió composición y dirección. Más tarde comenzó a trabajar para el cine alemán con el productor Erich Prowmer donde cosechó bastante exito. En 1935 se trasladó a Hollywood junto con Prowmer donde se encargó de hacer la partitura de la película "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), cuyo éxito le valió un contrato de dos años como director de música de la Universal, alli compuso música para una docena de películas. Tiempo después marchó a la MGM y más tarde a la Warner Bros, en todas ellas tuvo un éxito muy destacado. A lo largo de su extensa carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, ganándolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, ofreciendo una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade además como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa", de Livingstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por  William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Missouri. Después de obtener buenos éxitos en una serie de pelícilas de clase B en la década de 1930 comenzó a hacer incursiones como director de fotografía en 1940 cuando trabajó en la película "The Gred McGinty"-1940) de Preston Sturges. Con George Stevens hizo dos de sus mejores trabajos: "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959). Falleció durante el rodaje de "La historia más grande jamás contada" ("The Greates Story Ever Told"-1965).

  Y aqui, componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros contrastados, sombras densas y encuadres desequilibrados. Contrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean en ocasiones al personaje de Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake en California, y los interiores en los platós de la Paramount Studios de Hollywood.

  Sensacional el elenco de actores elegidos aqui  por el maestro Stevens. Sobresaliendo el trio protagonísta: Montgomery Cliff, "De aqui a la eternidad" (From Here to Eternity"-1953) como George  Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Angela Vichers; Shelley Winters, "La noche del cazador" ("The Night of the Hunter"-1955) como Alice Tripp. Y con ellos Anne Revere, "La barrera invisible" (Gentleman’s Agieement"-1947) como Hannah Eastman; Keefe Brasselle, "Tres jóvenes de Texas" ("There Young Texans"-1954) como Earl Eastman; Fred Clark, "Empezó con un beso" ("It Stard with a Kiss"-1959) como Bellows; Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954") como Frank Marlowe...

  En definitiva: Una obra maestra total e indiscutible. Un clásico con mayúsculas, y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Una película recomendable a todos los que aman el CINE.  Matrícula de Honor.

  "Un lugar en el sol" logró en su dia 6 Oscars: Director; Guión (Michael Wilson y Harry  Brown), Banda sonora (Franz Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Mellor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeick).

  A modo de curiosidad: La primera versión cinematográfica de esta historia fue filmada en 1931 por Josef Von Sternberg y protagonizada por Sylvia Sidney, Phillips Holwes y Frances Dee, titulada "An American Tragedy".

 

 

11/04/2022 09:45 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Y otro año más la alfombra roja se volvió a vestir de gala en esta ya 94º edición de la gran noche del cine mundial, y en donde volvió a celebrarse de nuevo en el Dolby Theatre de Hollywood. Aunque esta vez salpicada por la digamos que triste anécdota del "bofetón" que Will Smith le propinó al cómico Chris Rock por un chiste que le hizo a su esposa Jade Pinkett.

  También se esperaba que el matrimonio español compuesto por Javier Bardem y Penélope Cruz optaran al premio como mejores actores, pero no fue asi, el que si lo logró fue Alberto Muelgo por su cortometraje "El limpiaparabrisas".

  Y esta es la lista de los ganadores y ganadoras, por supuesto en esra ya casi centenaria edición.

  Mejor película: "CODA" de Siân Heder.

  Mejor director (en este caso directora): Jane Campion por "El poder del perro" ("The Power of the Dog").

  Mejor actor: Will Smith por "El método William" ("King Richard").

  Mejor actriz: Jessica Chastain por "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of Tammy Faye") de Michael Showalter.

  Mejor actor de reparto: Troy Kotsur por "CODA".

  Mejor actriz de reparto: Ariana DeBose por "West Side Story".

  Mejor película de habla no inglesa: Drive my car" de Ryusuke Hamaguchi (Japón).

  Mejor guión original: "Belfast" de Kenneth Branagh.

  Mejor guión adaptado: "CODA".

  Mejor banda sonora: "Dune" de Denis Villeneuve.

  Mejor canción original: "No Time Die" de Cary Joji Fukunaga.

  Mejor película de animación: "Encanto" de Jarel Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith.

  Mejor documental: "Summer of Soul" de Questlove.

  Mejor montaje: "Dune"

  Mejor fotografia: "Dune"

  Mejor diseño de producción: "Dune"

  Meiores efectos visuales: "Dune".

  Mejor sonido: "Dune"

  Mejor maquillaje y peluqueria: "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of TammyFaye".

  Mejor cortometraje animado: "El limpiaparabrisas" de Alberto Mielgo.

  Mejor cortometraje documental: "The Queen of Basketball" de Ben Proufoot.

  Mejor cortometraje de ficción: "The Long Good bye" de Jay Lyons.

  Y esto pues, fueron todos los ganadores y, en donde como en años anteriores hubo de todo, risas, lágrimas y hasta un "puñetazo" (en fin lo de siempre como bien digo).

  También fue anecdótico la aparición de la gran Liza Minnelli que dado su deteriorsdo estado de salud lo hizo sentada en una silla de ruedas.

 

05/04/2022 09:07 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

La rosa negra (The Black Rose - 1950 )

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  "Yo haré hacerte cambiar la visión de tu vida".

  Entretenida película de género de aventuras y de nacionalidad británica, basada en la popular novela "The Black Rose" de Thomas B. Costain. Un periodista nacido en Ontario (Canadá). Trabajó como editor en el Guelph Dally Mercury entre 1908 y 1910 y en 1917 comenzó a trabajar en una revista en Toronto tal fue su éxito que lo contrató la famosa revista Saturday Evening Post como editor de ficción. En 1920 se nacionalizó estadounidense al ser contratado por la 20th Century Fox. Alli escribió sus principales novelas para el cine la más famosa sin duda fue "La rosa negra" de la que se vendieron dos millones de ejemplares. También otras de sus novelas fueron llevadas al cine como fue: "El cáliz de plata" ("The Silver Chatice"-1954) y en donde hizo su debut para la pantalla grande Paul Newman.

  Del guión se hicieron cargo el mismo Costain acompañado por Talbot Jennings. Un dramaturgo nacido en Idaho. asistió a la escuela secundaria de Nampa antes de la 1ª Guerra Mundial en la que estuvo en servicio activo. Después de la guerra, fue a la Universidad de Idaho y se graduó en 1924. Fue presidente de la Asociación de Escritores. Escribió y co-escribió cerca de 20 guiones y en dos de ellos fue nominado al Oscar por "La tragedia de la Bounty" ("Mutiny on the Bounty"-1935) y "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam"-1946).

  "La rosa negra" está dirigida por Henry Hathaway. Un director nacido en Sacramento (Estados Unidos). Descendiente de una familia de aristócratas belgas, Henry Hathaway se llamaba en realidad Henri Leonard de Fiennes. Hijo de los actores Jean y Rhody Hathaway, estaba acostumbrado desde pequeño a la vida de Hollywood y trabajó como actor infantil en westerns de Allan Dwan.

  La 1ª Guerra Mundial le apartó de la pantalla y le llevó a los campos de batalla, pero al regresar se convirtió en ayudante de leyendas del cine como Frank Lloyd, Paul Bern, Josef von Stenberg y Fred Nilbo.

  Debutó como director con el western "El legado de la estepa" ("Heritage of the Desert"-1932), una adaptación de la novela de Zane Grey, protagonizada por la futura estrella Randolph Scott. Poco después logró el aplauso de la critica con "Tres lanceros bengalies" ("The Lives of a Bengal Lancer"-1935), que cuenta la historia del 4º Regimiento de Lanceros Bengalies, destinado a la frontera nordoeste de la India británica. La película fue nominada  a siete Oscar, entre ellos el de mejor director.

  Tras a darse a conocer Hathaway se pasó al cine negro con películas como por ejemplo: "La casa de la calle 42" ("The House on 92nd Street"-1945) que trata de las actividades del contraespionaje del FBI con los nazis. Destaca por su estilo semidocumentalista (una técnica que el director usaría con frecuencia), llegando a emplear auténticos agentes del FBI en algunas escenas.

  Su thriller "Niágara"-1953 protagonizado por Marilyn Monroe, consagró su arquetipica imágen de rubia explosiva. Volvió a los westerns para dirigir a John Wayne en varias pelìculas entre ellas "Valor de ley" ("True Grit"-1969), por lo que este ganó el Oscar al mejor actor. También dirigió a Steve McQueen en el western "Nevada Smith"-1966. Se le recuerda sobre todo como un duro director de películas de acción, aficionado a rodar en exteriores, y como creador de algunos memorables efectos visuales.

  Su última película fue "Chantaje criminal" ("Super Dude"-1974), una historia sobre el tortuoso mundo de las drogas protagonizada por William Elliot.

  La acción pues, tiene lugar en Inglaterra, Norte de Africa, Medio Oriente y China, allá por finales del siglo XII durante el reinado de Eduardo I de Inglaterra (1272-1307). Y nos mete en la vida de un noble sajón llamado Walter de Gurnie que tras liderar una rebelión fallida contra el rey Eduardo, deja Inglaterra en compañia de su mejor amigo el arquero Tristan Griffin, con el propósito de conseguir fortuna en Oriente. En Mongolia conoce a un poderoso "señor de la guerra", y este le hará cambiar la visión de su vida...

  La película pues, trata del género de aventuras, pero también de historia y acción, e incluso elementos de guerra y romance. El relato enmarca la acción en un contexto histórico al que le permite beneficiarse del interés por la Edad Media y en una dimensión multicontinental que le permite la fascinación de Oriente.

  La historia de la mano de los viajeros ponen al espectador en contacto con tres culturas (árabe, mongol y china) que en aquellos tiempos gozaban de un desarrolo mayor que la europea.

  La banda sonora fue dirigida por Richard Addinsell. Un compositor nacido en Londres. Durante su niñez no fue a la escuela, siendo instruido en su propia casa. Más tarde, al finalizar sus estudios en el Hertford College de Oxford, intentó estudiar derecho, pero fracasó en el intento, por lo que empezó a estudiar música en el Royal College of Music de Londres, aunque tampoco logró finalizarlo. En 1941 compuso el Concierto de Varsovia para la película "Aquella noche en Varsovia" ("Dangerous Moonlight"-1941), una pieza de piano bastante popular. Fue grabada más de un centenar de veces y se vendieron más de tres millones de copias. Pero su debut en el cine fue con la película "The Amateur Gentleman"-1936) protagonizada por Douglas Fairbanks Jr. Entre otras de sus bandas sonoras para el cine también caben citar "Adios Mr. Chips" ("Goodbye Mr. Chips"1939) y "Beau Brummell"-1954 protagonizada por Elizabeth Taylor y Stewart Granger.

  Y aqui, ofreciéndo una partitura original colorista y vibrante, que constituye para mi, uno de los mejores trabajos del autor. Destaca la cautivadora melodia del tema principal.

  La fotografía en color fue obra de Jack Cardiff. Un cineasta nacido en Yamouth (Inglaterra). En 1935 se graduó como camarógrafo y director ocasional de fotografia trabajando para la London Films. Fue el primer director de fotografia en rodar en el Reino Unido una película en technicolor cuyo titulo era "Eso que llaman amor" ("Wings of the Morning"-1937). Pero su  momento clave fue cuando Powell y Presburger lo llamaron  para ser el camarógrafo de segunda unidad en la película "Coronel Bling"-1943) y su colaboración cntinuó con varias películss más.

  Como director de películas Cardiff comenzó a finales de 1950 trabajando en modestas películas, algunas de ellas obtuvieron grandes elogios tanto de critica como de público. Su primer gran éxito fue con "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) protagonizada por Trevor Howard. En 1995, la Brith Society Cinematographs le ototgó un premio en reconocimiento de toda su carrera artistica.

  Y aqui, presentando unos encuadres profundos y luminosos, realzando los lances de acción y luciendo un espléndido color.

  Buenas todas las interpretaciones encabezadas por Tyrone Power, "Cuna de héroes" ("The Long Gray Line"-1955) como Walter de Gurnie. Y seguido por Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958) como Bayan; Jack Hawkins, "Ben-Hur"-1959 como Tristan Griffin; Cécile Aubry, "La ironia del dinero"-1957 como Maryan; Michael Rennie, "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953) como el rey Eduardo y también nos encontramos a un jovencito y primerizo Laurence Harvey, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Edward...

  En definitiva: Una película donde cabe reasaltar su singularidad y el divertimento que conlleva su visionado.  Notable.

"La rosa negra" fue nominada al Oscar al Mejor vestuario en color (Michael Whittacker).

  Amodo de curiosidad: La película se estrenó en Estados Unidos el 1 de septiembre de 1950.

 

 

 

20/03/2022 10:25 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El idolo de barro (Champion - 1949 )

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      "Solo hay dos clases de personas en el mundo: las pequeñas y las grandes. Y muy pocas veces se tiene ocasión de decidir a cual de las dos perteneces".

  Extraordinaria pélicula de género dramático (boxeo), y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una historia escrita por Ring Lardner. Un periodista deportivo y escritor satírico nacido en Niles (Estados Unidos). Está considerado como uno de los padres de la novela moderna estadounidense. Pese a eso, y a que fue admirado por Hemingway, Scott Fitzgerald y Virginia Woolff, ocupa un lugar marginal en el canon novelístico.

  Del guión se hizo cargo Carl Foreman. Un cineasta nacido en Chicago. Este una vez acabado sus estudios en la Universidad de Illinois se convirtió en abogado del socialísmo revolucionario afiliándose al Partido Comunista de Estados Unidos. Más tarde se trasladó a Hollywood donde comenzó a escribir guiones. Su carrera se vió interrumpida por el servicio militar durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso se convertiria en uno de los mejores guionistas de Hollywod con éxitos como por ejemplo con la pelìcula "El idolo de barro" ("Champion"-1949), lo que recibió su primera nominación al Oscar.

  En 1951, durante la produccion de "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), Foreman se vió obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, y testificó que habia sido miembro del Partido Comunista cuando era joven y que posteriormente se desilusionó y pidió la baja, pero aún asi fue puesto en la lista negra. Además de guionista Foreman produjo diez películas, incluyendo la antibelicísta "Los vencedores" ("The Victors"-1963) que también dirigió, rodada integramente en Inglaterra (pais donde se instaló al estar incluido en la "maldita" lista negra. En 1970 recibió la Orden del Imperio Británico. Cercano a su muerte volvió a Estados Unidos.

  "El idolo de barro" está dirigida por Mark Robson. Un director nacido en Montreal (Canadá). De joven se trasladó a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de California y en el Padific Const University. Entró en el mundo del cine para trabajar en el departamento de propiedad de la 20th Century Fox. Al final de la década de 1930, trabajó en la RKO Pictures, como montador y asistió a Robert Wise en el montaje de dos películas de Orson Welles: "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942).

  En 1943 realizó sus primeras películas de terror de serie B producidas por Val Lewton: "La séptima victima" ("The Seventh  Victim"-1943), "La isla de los muertos" ("Isle of the Dead"-1945), la primera película en la que aparecia en los titulos de crédito, y la primera en la que también participó como guionista o "Bediam"-1946 sobre el célebre manicomio londinense.

  Su éxito con la RKO le llevó a proyectos de mayor envergadura y en 1949 fue candidato al premio otorgado por el Gremio de directores de Estados Unidos por su trabajo en el drama   "El idolo de barro" ("Champion"-1949) una historia pugilística con Kirk Douglas de protagonista. Ese año fue el más prolífico, ya que también dirigió el drama romántico "Mi loco corazón" ("My Foolish Heart"-1949), el drama bélico "Clamor humano" ("Home of the Brave"-1949) y el western "Sin contemplaciones" ("Roughshod"-1949).

  En la década de 1950, llegó su época dorada. En los primeros años destacaron películas como "Nube de sangre" ("Edge of Doom"-1950), una historia de cine negro protagonizada por Dana Andrews y Farley Granger y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951), con Arthur Kennedy y Julie Adams. Pero sin duda, sus realizaciones en la segunda parte de la década, serian las más brillantes. Empezó con la película "Los puentes de Toko-Ri" ("The Bridges at Toko-Ri"-1954) protagonizada por William Holden y Grace Kelly. A esta seguiria "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall"-1956), otra película que gira en torno al mundo del boxeo, y que fué el último trabajo de Humphrey Bogart, antes de su muerte.

  "Vidas borrascosas" ("Peyton Place"-1957) y "El albergue de la sexta felicidad" ("The inn of the Sixth Happiness"-1958) fueron dos películas aclamadas por el público, que durante dos años consecutivos lo llevaron a ser candidato al Oscar en la categoría de mejor director. La década de 1960 no fue tan prolífica como lo fue la anterior. Destacaron sin embargo "Desde la terraza" ("From the Terrace"-1960), adaptación de la novela de John O’Hara, protagonizada por el matrimonio Paul Newman y Joanne Woodward. Con Newman volvería a trabajar en "El premio" ("The Prize"-1963), un thriller basado en una novela de Irving Wallace, inspirado en el estilo de Alfred Hitchock.

  En los años siguientes, Robson se adaptó a rodar cualquier género. Pasaría por el cine bélico con "El coronel Von Ryan" ("Von Ryan’s Express"-1965) o con "Mando perdido" ("Lost Command"-1966); comedias como "Feliz cumpleaños, Wanda June" ("Happy Birthday, Wanda June"-1971); dramas como "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls"-1967); thrillers como "Shock"-1969; o la película de catástrofes como "Terremoto" ("Earthquake"-1974), algunas de ellas contaron con feroces criticas pero también con un gran éxito de taquilla.

  Su último trabajo fue con la película de acción "El tren de los espias" ("Avalanche Exprees"-1979) protagonizada por Lee Marvin Y Robert Shaw.

  La acción pues, nos mete en la vida de Midge Kelly y su hermano Connie, ambos se dirigen haciendo auto-stop hasta California. En la carretera, les recoge un boxeador llamado Johnny Dunne que va a pelear a Kansas, este va acompañado de su novia Grace, que les invita a presenciar el combate. Alli  Midge  llama la atención del manager Tommy Haley, que presiente que tiene talento y le hace una oferta, pero Midge la rechaza. Los dos hermanos encuentran trabajo en un café regentado por Lew Bryce y su hija Emma. Cuando Midge y Emma se hacen novios, el padre de ella los obliga a casarse. Después de la boda, Midge recurre a Haley y llega a ser un aceptable boxeador, aunque excesivamente violento. Finalmente, decide abandonar a su manager y empieza a pelear para unos gángsters...

  La pelicula, trata de la ambición sin límites, ciega y sin escrúpulos, dispuesta a destruir a  todos los que dificultan sus aspiraciones o suponen una amenaza para su culminación.

  El protagonista abandona a su esposa Emma el mismo dia de la boda, despide al entrenador que lo sacó del arroyo, prescinde de su hermano que lo ha acompañado y servido siempre, por dinero y fama se pone al servicio de los circulos mafiosos, deja de visitar a su madre, se relaciona con mujeres adineradas rubias, las maneja a su capricho, las extorsiona con crueldad y las olvida cuando le conviene.

  Al servicio del dinero, la fama, el éxito y los aplausos, sacrifica honestidad, lealtad e integridad. Su ambición insaciable y obsesiva le aboca a un proceso vertiginoso de degradacción ética, que le sumerge en un infierno de iniquidad, angustia y rabia. Metido en un camino de autodestrucción.

  La bada sonora fue dirigida por Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se trasladaron a san Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glaznov, y era considerado como uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones lo son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro (1952), "O.K. Corral" de "Duelo de titanes (1957) o "The green leaven of summer" de "El Alamo" (1960). Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954)  y "El viejo y el mar" ("The old Man and the Sea"-1958).

  Y en esta historia de ambiciones a base de puños, combinando con solemnidad unas composiciones orquestales con emotivos solos de piano y cuerdas (guitarra).

  La fotografía en blanco y negro se la debemos a Franz Ploner. Un director de fotografía nacido en Karlbad (ahora República Checa), pero cuando nació esta ciudad pertenecia al Imperio de Austria-Hungria. De principio se formó como retratista pero al darse cuenta de que la fotografía se estaba volviendo muy popular y reemplazaría el requisito de artistas talentosos, cambió su carrera profesional, y cambió la dirección hacia las películas. Y asi comenzó su carrera como director de fotografia para el cine en Alemania, y más tarde en toda Europa a princpios del siglo XX, hasta 1933.

  En 1937, dejó la fallida cinematografía austriaca para comenzar a trabajar en Hollywood. Rodó más de 130 peliculas, entre ellas: "Carta de una mujer desconocida" ("Letter from an Unknown Woman"-1948), "Vacaciones en Roma" ("Roman Holliday"-1953) y "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961).

  Y en este mundo oscuro del boxeo, describiendo con habilidad los ambientes lóbregos del submundo del boxeo y acentuando con sus combinaciones de luces y sombras intensas la percepción de su dureza humana.

  Sensacional Kirk Douglas, "El loco del pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el cuerpo de Midge. Y seguido por Arthur Kennedy, Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage"-1966) como Connie, su hermano; Ruth Roman, "Tierras lejanas" ("The For Country"-1954) como Emma; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Haley; Marilyn Maxwell, "Yo soy el padre y la madre" ("Rock- a Bye Baby"-1958) como Grace; Lola Albright, "Camino de Oregón" ("The Way West"-1967) como Palmer...

  En definiva: Una muy buena película y, en donde se refleja el alma humana de como solía hacerlo el por aquel entonces Hollywood dorado, sin aditivos, nada de "politica correcta", clara y concisa, dolorosa también.  Sobresaliente.

  "El idolo de barro" obtuvo 6 nominaciones en su año, pero solamente logró un Oscar por el Mejor montaje (Harry Gestard).

  A modo de curiosidad: Esta fue la primera nominación al Oscar de Kirk Douglas como Mejor actor. El ganador fue Broderick Crawford por "El político" ("All the King’s Men").

13/03/2022 10:21 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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