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Hasta siempre!!!

                 Juan Diego

               Un actor inmenso

  El pasado 28 de abril y a la edad de 79 años falleció tras una larga enfermedad el actor sevillano Juan Diego.

  Su temprana vocación interpretatva cobró forma en 1957, cuando se subió por primera vez a un escenario. Tres años más tarde en Sevilla interpretó "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, un trabajo polémico que cimentó su prestigio entre la critica. Amplió su formación en el Conseratorio de Música y Declamación de Madrid, estudios que le permitieron entrar en contacto con Televisión Española. Intervino en una gran cantidad de programas de la televisión estatal entre telenovelas, producciones dramáticas y el por aquel entonces popular Estudio 1. Esta experiencia le permitió conocer a fondo las tablas y familiarizarse con los estamentos de la profesión.

  También desde muy joven tomó conciencia política y se acercó al Frente de Estudiantes Sindicalistas, que era la rama juvenil del falangísmo disidente (que daria origen a Falange Española Independiente). Pero posteriormente, como otros militantes de ese entorno, acabaria derivando hacia una militancia en el entonces clandestino Partido Comunista de España (PCE). En 1975 fue uno de los cabecillas de la huelga de actores que reivindicaba la reducción de la jornada laboral para intérpretes teatrales.

  En 1975, apareció junto a Ana Belén en la polémica película "La criatura", de Eloy de la Iglesia, con quien ya habia colaborado en "Algo amargo en la boca" (1969), y participó en la primera película de Francisco Rodriguez "La casa grande" (1975), película que participó en el Festival Internacional de Cine de Berlin. Para entonces, Juan Diego ya era algo conocido en el extranjero, pues en 1970 habia participado en la película de Ettore Scola "El demonio de los celos" con Msrcello Mastroianni y Monica Vitti.

  En la década siguiente intervino en "Los santos inocentes" (1984) de Mario Camus. Fue entonces cuando consolidó su carrera en el cine. En efecto, en 1986 participó en "El viaje a ninguna parte", la  crónica de Fernando Fernán Gómez sobre un mundo en el que ya no tendrian lugar los antiguos cómicos, y "Dragon Rapide", en la que Juan Diego encarnó a Francisco Franco a punto de incorporarse al Bando Nacional. Por su interpretación en esta última recibió la primera de sus nueve candidaturas a los Premios Goya, seguida por la alcanzada por su papel de San Juan de la Cruz en la película de Carlos Saura "La noche oscura" (1989) y el intrigante capuchino de "El rey pasmado"(1991), por la que le valió su primera estatuilla.

  A mediados de la década disminuyó su actividad cinematográfica  se centró en su carrera teatral. Por esa época estrenó "El lector por horas", en la que compartia el escenario con Jordi Dauder y Clara Sanchez. En 1999 se produjo su regreso al cine con "Paris-Tombuctú",en la que daba vida a un anarquísta que andaba desnudo por las calles del pueblo, Asunción Balaguer y Liberto Rabal anunciaron que el intérprete habia ganado su segundo Premio Goya a la mejor interpretación masculina de reparto, Luis Garcia Berlanga recogió la estatuilla en su nombre, agradeciéndole ser el único actor que "tuvo las pelotas de salir en pelotas".

  En 2000 repitió candidatura por "You’re the One" ("Una historia de entonces"), de José Luis Garci, en la que Juan Diego interpretó a un cura que no cree en su ministerio, que se mostraba desengañado de la vida y que pese a su ideología confesaba admirar a Pablo Picasso. En ese mismo año Miguel Hermoso le encomendó un pequeño pero vital papel en "Fugitivas", protagonizada por Laira Marull. Por esas fechas nació su hijo pequeño Diego.

  En 2002, regresó a la televisión para ponerse a las órdenes de Benito Zambrano en "Padre coraje", papel por el que obtuvo el premio de la Unión de Actores en cuya gala los candidatos gritaron al unisono No a la guerra, que realizaba la decisión de George W. Bush de iniciar la guerra de Irak. El propio Juan Diego habia leido manifiestos en la Puerta del Sol de Madrid acompañado de Maria Barranco y Juan Diego Botto, llegando incluso a atender en el escenario a un manifestante herido por la policia.

  En 2003 terminó el rodaje de "Torremolimos 73", de Pablo Berger, en la que Juan Diego se puso en la piel de un productor de películas porno amateur explotador que habia padecido en sus ptopias carnes las deficiencias económicas del desarrollalísmo. Poco después el actor empezó la filmación de "El sçeptimo dia" (2003), donde se convirtió en uno de los responsables de la matanza de Puerto Hurraco, y seguida con la filmación de "La vida que le espera", dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón.

  En 2005 comenzó la exitosa y popular serie televisiva "Los hombres de Paco" (que dejó de emitirse en 2010), donde actuó, junto a los actores Paco Tous, Pepón Nieto, Hugo Silva y Adriana Ozores, entre otros. Su personaje era el del comisario Lorenzo, y fue uno de los más populares de esta comedia, siendo muy famosa su coletilla "mis santos cojones".

  En 2006 compartió protagonísmo con Angela Molina en "El triunfo", de Mirela Ros, y con Juan Diego Botto en "Vete de mi", de Victor Garcia León. En la XXI edición de los Premios Goya obtuvo por fin su primera distinción como mejor actor principal por su papel en "Vete de mi". En esta película interpretaba el papel de Santiago, un actor cincuentón venido a menos que se ve obligado a alojar en su casa a su hijo treintañero (Juan Diego Botto).

  En 2008 proyagonizó la pelicula "Casual Day", comparginando el rodaje con la grabación de la serie "Los hombres de Paco". En 2010, tras finalizar dicha serie siguió en el cine con la comedia "Que se mueran los feos", de Nacho G. Velilla, y la película sobre la vida de Lope de Vega, de Andrucha Waddington. En 2011 continuó sus trabajos en el cine, siendo lo más destacado su interpretaciòn del general Alfonso Armada en "23-F: la película", que le valió una nueva candidatura a los Goya. Al año siguiente regresó de nuevo a la televisión con la serie "Toledo, cruce de destinos", interpretando a Alfonso X el Sabio.

11/05/2022 09:13 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Diario de un cura rural (Journal d'un curé de campagne - 1951)

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  "¿Por qué inquietarme?, ¿Por qué tratar de  prever lo que ocurrirá?; si tengo miedo diré: tengo miedo... sin sentir por ello ninguna vergüenza. ¡Qué la primera mirada del Señor cuando se me aparezca su Santa Faz sea una mirada tranquilizadora... ¡Qué más dá! Todo es ya Gracia!".

  Excelente película de género religioso-dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una novela de Georges Bernanos. Un novelista y dramaturgo nacido en Paris. En su primera novela "Bajo el sol de Salinés" (1926), ya estaban patentes sus preocupaciones religiosas. Ahondó la psicología del hombre donde tiene lugar el enfrentamiento entre el bien y el mal, la fe y la desesperación. Publicó, entre otros titulos "La alegria", "Los grandes cementerios bajo la luna" y por supuesto "Diario de un cura rural" en 1936.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Robert Bresson. Un cineasta nacido en Auvernia (Francia). Tras abandonar la pintura y la fotografia, realizó su primera película "Los asuntos públicos" ("Les Affaires publiques"-1934), un cortometraje cómico. Recién comenzada la 2ª Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. Una vez puesto en libertad y durante todavía bajo la ocupación alemana en Francia dirigió "Las damas del Bosque de Bolonia"("Les dames de Bois de Boulogne"-1944), con guión suyo, pero con diálogos de Jean Cocteau, la protagonísta era la actriz española (nacionalizada francesa) Maria Casares, la película se basaba en un relato de Diderot que narró hacia 1773.

  "Los ángeles del pecado" ("Les Anges du Péchén"-1943), es una perfecta tragedia psicológica, quizá una de las mejores del cine francés, que situó a Bresson en el primer rango de los directores franceses. En adelante realizaría lo mejor de su carrera desarrollando un estilo propio que renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos.

  En 1951 rodó "Diario de un cura rural" ("Journal d’un curé de campagne"), una obra bastante impresionante, por su calidad y sus convinciones morales. En su etapa ya digamos que madura, , habría que destacar además de "Diario de un cura rural"("Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un condamné á mort s’et  écchappé"-1956) y "Pickpocket"-1959. En 1974 rodó al fin un viejo proyecto "Lancelot du Lac". Su última película fue "El dinero" ("L’Argent"-1983).

  Hacia el final de su carrera como director, en 1975 publicó el libro "Notes sur le cinematographe" ("Notas sobre el cinematógrafo"), un compendio de aforísmos con los que defiende su visión del cinematógrafo que él distingue del cine. . En efectos él piensa que el cine es una especie de teatro filmado, mientras que el cinematógrafo representa una nueva escritura visual de imágenes en movimiento y de sonido, realacionadas por el montaje.

  En 1995, la totalidad de su obra, compuesta de un total de 13 películas (cantidad relativanente baja), fue distinguida por la Academia francesa del cine con el Premio René Clair. Y en 2014 Myléne Brensson dió a conocer una recopilación de entrevistas titulada "Bresson por Bresson". Un año después fue traducida al español.

  La acción pues, tiene lugar en Ambricourt (Artois), pequeña población del norte de Francia, con desplazamientos a Toray y Lille. La descripción de los caracteres principales, sobre todo del protagonista, se presenta desarrollada con profundidad y acertada complejidad. El cura de la localidad, inexperto, novato, frágil, de mala salud, aunque cargado de buenas intenciones, es rechazado por sus parroquianos a causa de la extraña enfermedad que padece y la escasa religiosidad del lugar. Es además, hostilizado por parte de algunos de ellos...

  La pelicula constituye un gran trabajo, pues explora con lucidez poco común el mundo interior del protagonista, la soledad, el aislamiento, la marginación y las consecuencias fisicas y psiquicas de una extraña enfermedad no diagnosticada.

  Añade un análisis clarividente de la amistad, el temor a la muerte, la vida rural, las relaciones entre padre e hijos, etc., Desarrolla la aproximación a los objetos de estudio con la mirada puesta, sobre todo, en las emociones que afectan al mundo interior de los personajes. Aparecen con cierta reiteración algunas de las constantes que acompañan a Bresson en su filmografia, como la presencia del mal, el silencio de Dios, la necesidad e inestabilidad del sufrimiento fisico y moral, la fragilidad de los personajes, el valor de la ingenuidad, etc.

  La trama narrativa se basa en el uso de actores no profesionales (por aquel entonces), el estatísmo de las figuras, los planos cortos del rostro humano, la creación de sedimientos y situaciones que muestran, al margen de las palabras, las emociones intimas de los personajes, etc.. El estilo se caracteriza por el realismo, la sobriedad y el ascetismo expositivo, que prescinde de todos los elementos no esenciales y por ello innecesarias en opinion del director.

  Y por último, compone elipsis brillantes que confieren en profundidad y vigor a la narración y agilidad muy cinematográfica al discurso.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Henri Burel. Un director de fotografia nacido en Francia. Después de estudiar en la Universidad de Nantes, trabajó inicialmente como fotograbador antes de convertirse en operador de cámara. En la compañia Film  d’Art en 1915, Abel Gance le observó y comenzó una colaboración con él que se extendió a más de 16 películas, incluidas "Yo acuso" ("J’accuset"-1919), "La rueda" ("La Roue"-1923), y "Napoleón"-1927. En el periodo del cine mudo también trabajó en varias películas de Jacques Feyder.

  Durante la década de 1930 trabajó regularmente con Jean Dréville y Henri Decoin. También dirigió él mismo tres películas entre 1922 y 1932.

  Y aqui combinando la sobriedad con composiciones que crean una gran belleza destilando clasicismo, equilibrio y fuerza expresiva. La película se rodó en escenarios reales de la región del Paso de Calais (Francia).

  La banda sonora fue dirigida por Jean Jacques Grünenwald. Un compsitor nacido en Cran-Coevrier (Francia). Estudió en el Conservatorio de Paris, donde recibió los primeros premios en órgano en 1935 y de composición en 1937. Dos años más tarde se convirtió en organista en St-Pierre de Mountrouge en Paris y después comenzó una grabación de la obra completa para órgano de Juan Sebastián Basch en 24 LP, que completó en 1962.

  De 1957 a 1961 fue profesor de órgano en la  Schola Cantorum de Paris y de 1961 a 1966 profesor de órgano en el Conservatorio de Música de Ginebra. Como concertista de órgano fue reconocido internacionalmente, llegando a realizar más de 1.500 recitales por todo el mundo. Para el cine también compuso bastantes bandas sonoras como por ejemplo. "El tirano de Toledo" ("Les amants de Tolede"-1953) de Henri Decoin y Fernando Palacios y "Adorable mentiroso" ("Adorable menteuse"-1962) de Michel  Deville.

  Y aqui,  mostrándo unos cortes escasos y breves, que se hacen presentes siempre con oportunidad.

  Muy bien los actores (en su mayoria no profesionales), encabezados por Claude Laydu, "Sinfonia de amor" ("Sinfonia d’amore"-1956) dando via al padre Priest, el cura de Ambricourt. Seguido por Nicole Ladmiral, "Le sang de bêtes"-1949 como Chantal; Adrien Borel (solamente participó en esta película) como el padre Toray; Jean Riveyre, "Les sorciéres de Salem"-1957) como Count; Nicole Mavrey, "Donde el circulo termina" ("The Scapegeat"-1959) como Louse...

  En definitiva: Una película de una gran clase magistral. Y para mi de lo mejor de Bresson. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Diario de un cura rural" logró el Premio OCIC en el Festival de Venecia.

  Como anécdota decir que la joven acrtiz Nicole Lamiral se suicidió a los 28 años de edad arrojándose en Paris, bajo el metro, dejándo una hija, llamada Ariane nacida de su matrimonio con el escritor y actor Roland Debillard.


 

27/04/2022 17:01 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 2)

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  Y como en años anteriores y siguiendo la tradición. Comentar una película, y por supueto y a ser posible oscarizada.Asi que, esta vez la película  comentada será:

  Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

  "Te quiero, te quise desde el primer momento en que te vi, te quise antes de verte por primera vez".

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Theodore Dreiser. Un novelista nacido en Torre Haute (Estados Unidos). Su primera novela "Nuestra hermana Carrie ("Our Sister Carrie") se publicó en 1900 y fue retirada de las librerias: la obra, sin embargo, mereció el elogio de Sinclair Lewis. En 1912 publicó "Jennie Gerhardt", que trataba de una mujer que se somete sexualmente a hombres ricos, para escapar de la pobreza. En 1925 salió a la luz "Una tragedia americana" ("An American Tragedy"), su gran novela, (la pelicula comentada está basada en esta novela), basada en un asesinato real cometido por un antihéroe, Clyde Griffiths. La novela alcanzó un gran éxito de público, pero dividió a los criticos. Nunca volvió a repetir el éxito que conoció con ella, aunque escribió otras muchas más como la publicada postumamente en 1946 "El baluarte" ("The Bastion").

  Del guión se hicieron cargo Michael Wilson y Harry Bronw. Este fue un escritor nacido en Oklahoma. Se licenció en Filosofia en 1936 y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones para el cine. Fue incluido en la lista negra de Hollywood por sus tendencias comunistas por lo que tuvo que emigrar a Francia. A su regreso a Estados Unidos siguió escribiendo guiones para peliculas tan importantes como por ejemplo: "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the Kwai"-1957) y "Lawrence de Arabia""-1962 ambas de David Lean

  En cuanto a Bronw. Otro escritor nacido en Nueva York. Su debut en el cine fue con la pelicula "El otro amor" ("The Other Love"-1944) protagonizada por Barbara Stanwyck y David Niven. Entre sus éxitos caben de destacar titulos como: "Arenas sangrientas" ("Sands of Iwo Jima"-1949) protagonizada por John Wayne y "La cuadrilla de los 11" ("Ocean’s 11"-1960) a mayor gloria de Frank Sinatra y Dean Mrtin.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un cineasta nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director, de las cuales lo ganó en dos, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoria de mejores peliculas.

  Cada una de las obras de Stevens llevan un sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953) un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños granjeros contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto, consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones. Es posible que Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio, fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir cortos de comedia a principios de los años treinta. Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Terkingston sobre las pretensiones sociales.

  Más adelante Stevens demostró lo que podia hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936) dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide de la fama. Luego realizó "Olivia"-1937, "Señorita en desgracia" ("A Damsel Distress"-1937) y "Ardid Femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la 2ª Guerra Mundial se unió al Cuerpo de Comunicaciones de Estados Unidos y filmó dramáticas escenas de guerra como la liberación del campo de concentración de Dachav. Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Cliff. Después realizó con James Dean "Gigante"-1956, que le proporcionó el Oscar al mejor director.

  Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos le impidieron hacer más pelícuas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Graatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  Asi pues, el maestro Stevens nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novedísima autopista que enlaza con las vias que llevan al Medio Oeste, una ciudad indeterminada del Medio Oeste, en Kansas City y sus alrededores, y alli haciendo auto-stop nos encontramos a George Eastman, un joven solitario de familia humilde. Este abandonó su casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres, trabajadores asalariados de la Bether Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago, donde trabajó como subalterno de un hotel, y se dirige al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le de un buen trabajo. George es ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Una vez en la ciudad y trabajando en la fábrica de su tio se relaciona con Alice, compañera de trabajo y con Angela, de familia adinerada...

  La película contiene drama, romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que localiza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentmientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos.

  Reclama a los actores y actrices que presten gran atanción a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonistas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad permanente de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase obrera, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa el de la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo al otro es practicamente imposible. Quienes lo intentan corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras la evocan y se añaden representaciones explicitas de la misma, como el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo.

  Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores. Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha pproducido el cine. Junto a "Raices profundas" ("Shane"-1953) y "Gigante"-1956 conforma lo que algunos han venido a llamar la "triologia de Stevens".

  La película nos hsbla también de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la realidad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc.

  Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a  visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad y condena la pena de muerte.

  La banda sonora fue obra de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se trasladó a la Academia de Dresde donde estudió composición y dirección. Más tarde comenzó a trabajar para el cine alemán con el productor Erich Prowmer donde cosechó bastante exito. En 1935 se trasladó a Hollywood junto con Prowmer donde se encargó de hacer la partitura de la película "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), cuyo éxito le valió un contrato de dos años como director de música de la Universal, alli compuso música para una docena de películas. Tiempo después marchó a la MGM y más tarde a la Warner Bros, en todas ellas tuvo un éxito muy destacado. A lo largo de su extensa carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, ganándolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, ofreciendo una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade además como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa", de Livingstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por  William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Missouri. Después de obtener buenos éxitos en una serie de pelícilas de clase B en la década de 1930 comenzó a hacer incursiones como director de fotografía en 1940 cuando trabajó en la película "The Gred McGinty"-1940) de Preston Sturges. Con George Stevens hizo dos de sus mejores trabajos: "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959). Falleció durante el rodaje de "La historia más grande jamás contada" ("The Greates Story Ever Told"-1965).

  Y aqui, componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros contrastados, sombras densas y encuadres desequilibrados. Contrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean en ocasiones al personaje de Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake en California, y los interiores en los platós de la Paramount Studios de Hollywood.

  Sensacional el elenco de actores elegidos aqui  por el maestro Stevens. Sobresaliendo el trio protagonísta: Montgomery Cliff, "De aqui a la eternidad" (From Here to Eternity"-1953) como George  Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Angela Vichers; Shelley Winters, "La noche del cazador" ("The Night of the Hunter"-1955) como Alice Tripp. Y con ellos Anne Revere, "La barrera invisible" (Gentleman’s Agieement"-1947) como Hannah Eastman; Keefe Brasselle, "Tres jóvenes de Texas" ("There Young Texans"-1954) como Earl Eastman; Fred Clark, "Empezó con un beso" ("It Stard with a Kiss"-1959) como Bellows; Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954") como Frank Marlowe...

  En definitiva: Una obra maestra total e indiscutible. Un clásico con mayúsculas, y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Una película recomendable a todos los que aman el CINE.  Matrícula de Honor.

  "Un lugar en el sol" logró en su dia 6 Oscars: Director; Guión (Michael Wilson y Harry  Brown), Banda sonora (Franz Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Mellor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeick).

  A modo de curiosidad: La primera versión cinematográfica de esta historia fue filmada en 1931 por Josef Von Sternberg y protagonizada por Sylvia Sidney, Phillips Holwes y Frances Dee, titulada "An American Tragedy".

 

 

11/04/2022 09:45 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Y otro año más la alfombra roja se volvió a vestir de gala en esta ya 94º edición de la gran noche del cine mundial, y en donde volvió a celebrarse de nuevo en el Dolby Theatre de Hollywood. Aunque esta vez salpicada por la digamos que triste anécdota del "bofetón" que Will Smith le propinó al cómico Chris Rock por un chiste que le hizo a su esposa Jade Pinkett.

  También se esperaba que el matrimonio español compuesto por Javier Bardem y Penélope Cruz optaran al premio como mejores actores, pero no fue asi, el que si lo logró fue Alberto Muelgo por su cortometraje "El limpiaparabrisas".

  Y esta es la lista de los ganadores y ganadoras, por supuesto en esra ya casi centenaria edición.

  Mejor película: "CODA" de Siân Heder.

  Mejor director (en este caso directora): Jane Campion por "El poder del perro" ("The Power of the Dog").

  Mejor actor: Will Smith por "El método William" ("King Richard").

  Mejor actriz: Jessica Chastain por "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of Tammy Faye") de Michael Showalter.

  Mejor actor de reparto: Troy Kotsur por "CODA".

  Mejor actriz de reparto: Ariana DeBose por "West Side Story".

  Mejor película de habla no inglesa: Drive my car" de Ryusuke Hamaguchi (Japón).

  Mejor guión original: "Belfast" de Kenneth Branagh.

  Mejor guión adaptado: "CODA".

  Mejor banda sonora: "Dune" de Denis Villeneuve.

  Mejor canción original: "No Time Die" de Cary Joji Fukunaga.

  Mejor película de animación: "Encanto" de Jarel Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith.

  Mejor documental: "Summer of Soul" de Questlove.

  Mejor montaje: "Dune"

  Mejor fotografia: "Dune"

  Mejor diseño de producción: "Dune"

  Meiores efectos visuales: "Dune".

  Mejor sonido: "Dune"

  Mejor maquillaje y peluqueria: "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of TammyFaye".

  Mejor cortometraje animado: "El limpiaparabrisas" de Alberto Mielgo.

  Mejor cortometraje documental: "The Queen of Basketball" de Ben Proufoot.

  Mejor cortometraje de ficción: "The Long Good bye" de Jay Lyons.

  Y esto pues, fueron todos los ganadores y, en donde como en años anteriores hubo de todo, risas, lágrimas y hasta un "puñetazo" (en fin lo de siempre como bien digo).

  También fue anecdótico la aparición de la gran Liza Minnelli que dado su deteriorsdo estado de salud lo hizo sentada en una silla de ruedas.

 

05/04/2022 09:07 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

La rosa negra (The Black Rose - 1950 )

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  "Yo haré hacerte cambiar la visión de tu vida".

  Entretenida película de género de aventuras y de nacionalidad británica, basada en la popular novela "The Black Rose" de Thomas B. Costain. Un periodista nacido en Ontario (Canadá). Trabajó como editor en el Guelph Dally Mercury entre 1908 y 1910 y en 1917 comenzó a trabajar en una revista en Toronto tal fue su éxito que lo contrató la famosa revista Saturday Evening Post como editor de ficción. En 1920 se nacionalizó estadounidense al ser contratado por la 20th Century Fox. Alli escribió sus principales novelas para el cine la más famosa sin duda fue "La rosa negra" de la que se vendieron dos millones de ejemplares. También otras de sus novelas fueron llevadas al cine como fue: "El cáliz de plata" ("The Silver Chatice"-1954) y en donde hizo su debut para la pantalla grande Paul Newman.

  Del guión se hicieron cargo el mismo Costain acompañado por Talbot Jennings. Un dramaturgo nacido en Idaho. asistió a la escuela secundaria de Nampa antes de la 1ª Guerra Mundial en la que estuvo en servicio activo. Después de la guerra, fue a la Universidad de Idaho y se graduó en 1924. Fue presidente de la Asociación de Escritores. Escribió y co-escribió cerca de 20 guiones y en dos de ellos fue nominado al Oscar por "La tragedia de la Bounty" ("Mutiny on the Bounty"-1935) y "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam"-1946).

  "La rosa negra" está dirigida por Henry Hathaway. Un director nacido en Sacramento (Estados Unidos). Descendiente de una familia de aristócratas belgas, Henry Hathaway se llamaba en realidad Henri Leonard de Fiennes. Hijo de los actores Jean y Rhody Hathaway, estaba acostumbrado desde pequeño a la vida de Hollywood y trabajó como actor infantil en westerns de Allan Dwan.

  La 1ª Guerra Mundial le apartó de la pantalla y le llevó a los campos de batalla, pero al regresar se convirtió en ayudante de leyendas del cine como Frank Lloyd, Paul Bern, Josef von Stenberg y Fred Nilbo.

  Debutó como director con el western "El legado de la estepa" ("Heritage of the Desert"-1932), una adaptación de la novela de Zane Grey, protagonizada por la futura estrella Randolph Scott. Poco después logró el aplauso de la critica con "Tres lanceros bengalies" ("The Lives of a Bengal Lancer"-1935), que cuenta la historia del 4º Regimiento de Lanceros Bengalies, destinado a la frontera nordoeste de la India británica. La película fue nominada  a siete Oscar, entre ellos el de mejor director.

  Tras a darse a conocer Hathaway se pasó al cine negro con películas como por ejemplo: "La casa de la calle 42" ("The House on 92nd Street"-1945) que trata de las actividades del contraespionaje del FBI con los nazis. Destaca por su estilo semidocumentalista (una técnica que el director usaría con frecuencia), llegando a emplear auténticos agentes del FBI en algunas escenas.

  Su thriller "Niágara"-1953 protagonizado por Marilyn Monroe, consagró su arquetipica imágen de rubia explosiva. Volvió a los westerns para dirigir a John Wayne en varias pelìculas entre ellas "Valor de ley" ("True Grit"-1969), por lo que este ganó el Oscar al mejor actor. También dirigió a Steve McQueen en el western "Nevada Smith"-1966. Se le recuerda sobre todo como un duro director de películas de acción, aficionado a rodar en exteriores, y como creador de algunos memorables efectos visuales.

  Su última película fue "Chantaje criminal" ("Super Dude"-1974), una historia sobre el tortuoso mundo de las drogas protagonizada por William Elliot.

  La acción pues, tiene lugar en Inglaterra, Norte de Africa, Medio Oriente y China, allá por finales del siglo XII durante el reinado de Eduardo I de Inglaterra (1272-1307). Y nos mete en la vida de un noble sajón llamado Walter de Gurnie que tras liderar una rebelión fallida contra el rey Eduardo, deja Inglaterra en compañia de su mejor amigo el arquero Tristan Griffin, con el propósito de conseguir fortuna en Oriente. En Mongolia conoce a un poderoso "señor de la guerra", y este le hará cambiar la visión de su vida...

  La película pues, trata del género de aventuras, pero también de historia y acción, e incluso elementos de guerra y romance. El relato enmarca la acción en un contexto histórico al que le permite beneficiarse del interés por la Edad Media y en una dimensión multicontinental que le permite la fascinación de Oriente.

  La historia de la mano de los viajeros ponen al espectador en contacto con tres culturas (árabe, mongol y china) que en aquellos tiempos gozaban de un desarrolo mayor que la europea.

  La banda sonora fue dirigida por Richard Addinsell. Un compositor nacido en Londres. Durante su niñez no fue a la escuela, siendo instruido en su propia casa. Más tarde, al finalizar sus estudios en el Hertford College de Oxford, intentó estudiar derecho, pero fracasó en el intento, por lo que empezó a estudiar música en el Royal College of Music de Londres, aunque tampoco logró finalizarlo. En 1941 compuso el Concierto de Varsovia para la película "Aquella noche en Varsovia" ("Dangerous Moonlight"-1941), una pieza de piano bastante popular. Fue grabada más de un centenar de veces y se vendieron más de tres millones de copias. Pero su debut en el cine fue con la película "The Amateur Gentleman"-1936) protagonizada por Douglas Fairbanks Jr. Entre otras de sus bandas sonoras para el cine también caben citar "Adios Mr. Chips" ("Goodbye Mr. Chips"1939) y "Beau Brummell"-1954 protagonizada por Elizabeth Taylor y Stewart Granger.

  Y aqui, ofreciéndo una partitura original colorista y vibrante, que constituye para mi, uno de los mejores trabajos del autor. Destaca la cautivadora melodia del tema principal.

  La fotografía en color fue obra de Jack Cardiff. Un cineasta nacido en Yamouth (Inglaterra). En 1935 se graduó como camarógrafo y director ocasional de fotografia trabajando para la London Films. Fue el primer director de fotografia en rodar en el Reino Unido una película en technicolor cuyo titulo era "Eso que llaman amor" ("Wings of the Morning"-1937). Pero su  momento clave fue cuando Powell y Presburger lo llamaron  para ser el camarógrafo de segunda unidad en la película "Coronel Bling"-1943) y su colaboración cntinuó con varias películss más.

  Como director de películas Cardiff comenzó a finales de 1950 trabajando en modestas películas, algunas de ellas obtuvieron grandes elogios tanto de critica como de público. Su primer gran éxito fue con "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) protagonizada por Trevor Howard. En 1995, la Brith Society Cinematographs le ototgó un premio en reconocimiento de toda su carrera artistica.

  Y aqui, presentando unos encuadres profundos y luminosos, realzando los lances de acción y luciendo un espléndido color.

  Buenas todas las interpretaciones encabezadas por Tyrone Power, "Cuna de héroes" ("The Long Gray Line"-1955) como Walter de Gurnie. Y seguido por Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958) como Bayan; Jack Hawkins, "Ben-Hur"-1959 como Tristan Griffin; Cécile Aubry, "La ironia del dinero"-1957 como Maryan; Michael Rennie, "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953) como el rey Eduardo y también nos encontramos a un jovencito y primerizo Laurence Harvey, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Edward...

  En definitiva: Una película donde cabe reasaltar su singularidad y el divertimento que conlleva su visionado.  Notable.

"La rosa negra" fue nominada al Oscar al Mejor vestuario en color (Michael Whittacker).

  Amodo de curiosidad: La película se estrenó en Estados Unidos el 1 de septiembre de 1950.

 

 

 

20/03/2022 10:25 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El idolo de barro (Champion - 1949 )

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      "Solo hay dos clases de personas en el mundo: las pequeñas y las grandes. Y muy pocas veces se tiene ocasión de decidir a cual de las dos perteneces".

  Extraordinaria pélicula de género dramático (boxeo), y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una historia escrita por Ring Lardner. Un periodista deportivo y escritor satírico nacido en Niles (Estados Unidos). Está considerado como uno de los padres de la novela moderna estadounidense. Pese a eso, y a que fue admirado por Hemingway, Scott Fitzgerald y Virginia Woolff, ocupa un lugar marginal en el canon novelístico.

  Del guión se hizo cargo Carl Foreman. Un cineasta nacido en Chicago. Este una vez acabado sus estudios en la Universidad de Illinois se convirtió en abogado del socialísmo revolucionario afiliándose al Partido Comunista de Estados Unidos. Más tarde se trasladó a Hollywood donde comenzó a escribir guiones. Su carrera se vió interrumpida por el servicio militar durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso se convertiria en uno de los mejores guionistas de Hollywod con éxitos como por ejemplo con la pelìcula "El idolo de barro" ("Champion"-1949), lo que recibió su primera nominación al Oscar.

  En 1951, durante la produccion de "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), Foreman se vió obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, y testificó que habia sido miembro del Partido Comunista cuando era joven y que posteriormente se desilusionó y pidió la baja, pero aún asi fue puesto en la lista negra. Además de guionista Foreman produjo diez películas, incluyendo la antibelicísta "Los vencedores" ("The Victors"-1963) que también dirigió, rodada integramente en Inglaterra (pais donde se instaló al estar incluido en la "maldita" lista negra. En 1970 recibió la Orden del Imperio Británico. Cercano a su muerte volvió a Estados Unidos.

  "El idolo de barro" está dirigida por Mark Robson. Un director nacido en Montreal (Canadá). De joven se trasladó a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de California y en el Padific Const University. Entró en el mundo del cine para trabajar en el departamento de propiedad de la 20th Century Fox. Al final de la década de 1930, trabajó en la RKO Pictures, como montador y asistió a Robert Wise en el montaje de dos películas de Orson Welles: "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942).

  En 1943 realizó sus primeras películas de terror de serie B producidas por Val Lewton: "La séptima victima" ("The Seventh  Victim"-1943), "La isla de los muertos" ("Isle of the Dead"-1945), la primera película en la que aparecia en los titulos de crédito, y la primera en la que también participó como guionista o "Bediam"-1946 sobre el célebre manicomio londinense.

  Su éxito con la RKO le llevó a proyectos de mayor envergadura y en 1949 fue candidato al premio otorgado por el Gremio de directores de Estados Unidos por su trabajo en el drama   "El idolo de barro" ("Champion"-1949) una historia pugilística con Kirk Douglas de protagonista. Ese año fue el más prolífico, ya que también dirigió el drama romántico "Mi loco corazón" ("My Foolish Heart"-1949), el drama bélico "Clamor humano" ("Home of the Brave"-1949) y el western "Sin contemplaciones" ("Roughshod"-1949).

  En la década de 1950, llegó su época dorada. En los primeros años destacaron películas como "Nube de sangre" ("Edge of Doom"-1950), una historia de cine negro protagonizada por Dana Andrews y Farley Granger y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951), con Arthur Kennedy y Julie Adams. Pero sin duda, sus realizaciones en la segunda parte de la década, serian las más brillantes. Empezó con la película "Los puentes de Toko-Ri" ("The Bridges at Toko-Ri"-1954) protagonizada por William Holden y Grace Kelly. A esta seguiria "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall"-1956), otra película que gira en torno al mundo del boxeo, y que fué el último trabajo de Humphrey Bogart, antes de su muerte.

  "Vidas borrascosas" ("Peyton Place"-1957) y "El albergue de la sexta felicidad" ("The inn of the Sixth Happiness"-1958) fueron dos películas aclamadas por el público, que durante dos años consecutivos lo llevaron a ser candidato al Oscar en la categoría de mejor director. La década de 1960 no fue tan prolífica como lo fue la anterior. Destacaron sin embargo "Desde la terraza" ("From the Terrace"-1960), adaptación de la novela de John O’Hara, protagonizada por el matrimonio Paul Newman y Joanne Woodward. Con Newman volvería a trabajar en "El premio" ("The Prize"-1963), un thriller basado en una novela de Irving Wallace, inspirado en el estilo de Alfred Hitchock.

  En los años siguientes, Robson se adaptó a rodar cualquier género. Pasaría por el cine bélico con "El coronel Von Ryan" ("Von Ryan’s Express"-1965) o con "Mando perdido" ("Lost Command"-1966); comedias como "Feliz cumpleaños, Wanda June" ("Happy Birthday, Wanda June"-1971); dramas como "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls"-1967); thrillers como "Shock"-1969; o la película de catástrofes como "Terremoto" ("Earthquake"-1974), algunas de ellas contaron con feroces criticas pero también con un gran éxito de taquilla.

  Su último trabajo fue con la película de acción "El tren de los espias" ("Avalanche Exprees"-1979) protagonizada por Lee Marvin Y Robert Shaw.

  La acción pues, nos mete en la vida de Midge Kelly y su hermano Connie, ambos se dirigen haciendo auto-stop hasta California. En la carretera, les recoge un boxeador llamado Johnny Dunne que va a pelear a Kansas, este va acompañado de su novia Grace, que les invita a presenciar el combate. Alli  Midge  llama la atención del manager Tommy Haley, que presiente que tiene talento y le hace una oferta, pero Midge la rechaza. Los dos hermanos encuentran trabajo en un café regentado por Lew Bryce y su hija Emma. Cuando Midge y Emma se hacen novios, el padre de ella los obliga a casarse. Después de la boda, Midge recurre a Haley y llega a ser un aceptable boxeador, aunque excesivamente violento. Finalmente, decide abandonar a su manager y empieza a pelear para unos gángsters...

  La pelicula, trata de la ambición sin límites, ciega y sin escrúpulos, dispuesta a destruir a  todos los que dificultan sus aspiraciones o suponen una amenaza para su culminación.

  El protagonista abandona a su esposa Emma el mismo dia de la boda, despide al entrenador que lo sacó del arroyo, prescinde de su hermano que lo ha acompañado y servido siempre, por dinero y fama se pone al servicio de los circulos mafiosos, deja de visitar a su madre, se relaciona con mujeres adineradas rubias, las maneja a su capricho, las extorsiona con crueldad y las olvida cuando le conviene.

  Al servicio del dinero, la fama, el éxito y los aplausos, sacrifica honestidad, lealtad e integridad. Su ambición insaciable y obsesiva le aboca a un proceso vertiginoso de degradacción ética, que le sumerge en un infierno de iniquidad, angustia y rabia. Metido en un camino de autodestrucción.

  La bada sonora fue dirigida por Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se trasladaron a san Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glaznov, y era considerado como uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones lo son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro (1952), "O.K. Corral" de "Duelo de titanes (1957) o "The green leaven of summer" de "El Alamo" (1960). Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954)  y "El viejo y el mar" ("The old Man and the Sea"-1958).

  Y en esta historia de ambiciones a base de puños, combinando con solemnidad unas composiciones orquestales con emotivos solos de piano y cuerdas (guitarra).

  La fotografía en blanco y negro se la debemos a Franz Ploner. Un director de fotografía nacido en Karlbad (ahora República Checa), pero cuando nació esta ciudad pertenecia al Imperio de Austria-Hungria. De principio se formó como retratista pero al darse cuenta de que la fotografía se estaba volviendo muy popular y reemplazaría el requisito de artistas talentosos, cambió su carrera profesional, y cambió la dirección hacia las películas. Y asi comenzó su carrera como director de fotografia para el cine en Alemania, y más tarde en toda Europa a princpios del siglo XX, hasta 1933.

  En 1937, dejó la fallida cinematografía austriaca para comenzar a trabajar en Hollywood. Rodó más de 130 peliculas, entre ellas: "Carta de una mujer desconocida" ("Letter from an Unknown Woman"-1948), "Vacaciones en Roma" ("Roman Holliday"-1953) y "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961).

  Y en este mundo oscuro del boxeo, describiendo con habilidad los ambientes lóbregos del submundo del boxeo y acentuando con sus combinaciones de luces y sombras intensas la percepción de su dureza humana.

  Sensacional Kirk Douglas, "El loco del pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el cuerpo de Midge. Y seguido por Arthur Kennedy, Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage"-1966) como Connie, su hermano; Ruth Roman, "Tierras lejanas" ("The For Country"-1954) como Emma; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Haley; Marilyn Maxwell, "Yo soy el padre y la madre" ("Rock- a Bye Baby"-1958) como Grace; Lola Albright, "Camino de Oregón" ("The Way West"-1967) como Palmer...

  En definiva: Una muy buena película y, en donde se refleja el alma humana de como solía hacerlo el por aquel entonces Hollywood dorado, sin aditivos, nada de "politica correcta", clara y concisa, dolorosa también.  Sobresaliente.

  "El idolo de barro" obtuvo 6 nominaciones en su año, pero solamente logró un Oscar por el Mejor montaje (Harry Gestard).

  A modo de curiosidad: Esta fue la primera nominación al Oscar de Kirk Douglas como Mejor actor. El ganador fue Broderick Crawford por "El político" ("All the King’s Men").

13/03/2022 10:21 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Las zapatillas rojas (The Red Shoes - 1948)

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  "Baila ella y baila como debe de ser, entre sus dos amores"...

  Toda una belleza de película de género melodramático (ballet, romance), y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de los también directores Emeric Pressburger y Michael Powell. Emeric, un cineasta nacido en Hungria. Después de acabar sus estudios en las Universidades de Praga y Stuttgar, inició una carrera de periodista en Hungria y más tarde en Alemania. A partir de la década de los años 20, empezó a trabajar como guionista para la UFA en Berlin.

  El ascenso al poder de los nazis le hizo de exiliarse a Paris donde continuó con sus actividades como guionista, para luego trasladarse a Londres. Alli entró en contacto con varios cineastas exiliados entre ellos el influyente Alexander Korda que era propietario de la productora London Films y lo contrató como guionista. Más tarde conoció a Michael Powel, con quién trabajó en "El espia negro" ("The Spy in Black"-1039). Entre los dos dieron a luz algunas de las películas más logradas del cine británico. En 1946 se convirtió en ciudadano británico.

  En cuanto a Powell. Un cineasta nacido en Inglaterra, entró en la industria del cine en 1926 trabajando con el director Rex Ingram en los estudios Victorine de Niza (Francia). Tiempo después volvió a Inglaterra para trabajar en el cine en tareas diversas incluyendo como fotógrafo en la película muda "Champagne"-1928) de Alfred Hitchcock. Gracias a Alexander Korda conoció a Emeric Prenssburger y ambo trabajaron juntos en 16 peliculas, muchas de ellas fueron de gran éxito tanto de critica comode público. Entre ellas: "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947), "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) y su última pelicula "Emboscada nocturna" ("Ill Met by Moonlight"-1977).

  La acción pues, nos mete en la vida de una joven bailarina aficcionada llamada Victoria Page, y en donde en una fiesta de estreno de un ballet de la compañia Lemontov, dirigida por el implacable Boris Lermontov, es introducida por su influyente tia y obtiene una oportunidad para demostrar su valía, empezando por los teatros más modestos de Londres. Al mismo tiempo Julian Craster un joven estudiante de composición, a quien su profesor ha robado su trabajo, haciéndolo pasar como original para los ballets de Lomontov. Se presentará cuanto ante este y encontrará también la oportunidad para demostrar su valía. En un momento dado, el destino de ambos jovenes cnfluyen. A Craster se le encomienda la composición de la música de un nuevo ballet basado en el cuento "Las zapatillas rojas", de Hans Christian Andersen. A Page, la retirada de la anterior primera bailarina por matrimonio, le ofrecen la oportunidad de bailar el papel principal en el nuevo ballet. También será la ocasión para que ambos jovenes se encuentren, se conozcan y se enamoren. Y para que pongan los cimientos para el drama que evolucionará en paralelo de Andersen...

  La película pues, contiene drama, romance y musical. La idea central de la historia viene dada por la concepción de Lermontov sobre la dedicación absoluta del artista al arte,  que es la concepción de los dos directores y por supuesto de la película. Como alegoria de esta idea se hace uso del ballet inspirado en el cuento de "Las zapatillas rojas" de Andersen, cuya ejecución ocupa 13 minutos de metraje.

  Explica como las zapatillas rojas confeccionadas por el zapatero Grisha Ljuboc, un virtual de un extraño encantamiento o echizo, obligan a la muchacha que las calza a bailar sin descanso, dia y noche, sola y acompañada, hasta desfallecer. El zapatero, misteriosamente avisado, posiblemente por un personaje diábolico, acude a recoger las zapatillas encantadas, que entregará a la bailarina.

  El tono severo y ambiguo del cuento de Andersen prefigura el de las secuencias de música y ballet, de las escenas de la historia que tienen lugar fuera de los escenarios y de la pelicula. Música y drama se entrecruzan con fluidez, coherencia y sin discontnuidades. Los números del ballet se integran innovadoramente en el desarrollo del argumento. La película tiene una consistencia no habitual en los musicales anteriores. Ejerce gran influencia en "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) de Vincente Minnelli, y en otros mas musicales de los años 50.

  Las escenas no musicales son tan ricas, expresivas e insólitas como las musicales. En ambos apartados se hace uso de secuencias surrealístas y fantásticas (pensamientos del zapatero mientras compone las zapatillas). La película está salpicad de humor (los nervios antes de la primera representación de Julian en el escenario durante un ensayo a la búsqueda de Lermontov, las ocurrencias del anciano Dimitri, etc,) 

  La película presenta el mundo del ballet y del teatro visto desde dentro con propósitos documentalístas. Presta especial atención al ingente esfuerzo individual y colectivo que exige la representación de una obra sobre tablas, aunque tienda a pasar desapercibido. Sirve una atractiva aproximación del público del ballet. Destila y contagia aficción al ballet, la música, el teatro, el cine y el arte.

  La banda sonora fue obra de Brian Easdale. Un compositor y director de orquesta nacido en Manchester (Inglaterra). Sus obras incluyen las óperas "Rapunze" (1927), "The Corn King" (1935), aunque no se representó hasta noviembre de 1950 y "The Sleeping" (1951). Sus trabajos orquestales incluyen, "Six Poens" y "Tone Poem". Para coros, escribió "Missa Coventresis". También compuso bandas sonoras para obras teatrales. Trabajó para la GPO Film Unit en diferentes películas. Era el compositor favorito de Powell y Pressburger que contaron con él en la mayoria de sus películas, Entre ellas: "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947) y "La batalla del Rio de la Plata" ("The Battle of the River Plate"-1956).

  Y en estas zapatillas hechizadas ofreciéndonos una partitura orquestal dramática, de concepción moderna, que se combina bien con los insertos de música clásica como "El lago de los cisnes" ("Tchaikonsky), "Las silfidis" (Listz), "La tienda fantástica" (Rossini) y otras. 

  La fotografía en un suntuoso color (technicolor) fue dirigida por Jack Cardiff. Un cineasta nacido en Great Yamouth (Inglaterra). En 1935 se graduó como camarógrafo y director ocasional de fotografía trabajando para London Films. Fue el  primer director de fotografía en rodar en el Reino Unido una película en technicolor titulada "Eso que llaman amor" ("Wings of the Morning"-1937). Pero su momento clave fue cuando Powell y Pressburger lo llamaron para ser camarógrafo  de segunda unidad en la película "Coronel Blimp"-1943 y su colaboración con ambos directores continuó con varias películas más.

  Como director de películas Cardiff comenzó a finales de1950 trabajando en modestas películas, aunque algunas de ellas obtuvieron grandes elogios tanto de critica como de público. Su primer gran éxito fue con "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) protagonizada por Trevor Howard. En 1995, la Britch Society of Cinematographrrs le otorgó un premio en reconocimiento a toda su carrera artística.

  Y en este hechizado ballet mostrándonos en un suntuoso color y haciéndo uso de una imaginación de gran envergadura y recurriendo con frecuencia a la cámara subjetiva (vueltas sobre si misma de la bailarina en el Teatro Mercury), componiéndo además escenas fantasiosas, y sumando realismo y surrealismo en el marco de un arrebatador romanticísmo.

  Muy bien todos los actores y todos en sus respectivos puestos. Comenzando por Anton Walbrook, "Yo acuso" ("I Acusse"-1958) en el papel de Boris Lormontov. Y seguido por Moira Shearer, "El fotógrafo del pánico" ("Peeping Torn"-1960) como Victoria Page; Marius Goring, "Alemania hora zero" ("Beyond the Curtain"-1960) como Julian Craster; Leonid Massine, "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) como Grischa Ljubov; Albert Basserman, "Madame Curie"-1943 como Sergei Ratov; Robert Helpmann, "La segunda oportunidad" ("Second Time Lucky"-1984) como Ivan Boleslawsky; Ludmilla Techérina, "Luna de miel" ("Honeymoon"-1959) como Irna Borosnkaja; Esmond Knight, "El principe y la corista" ("The Prince and the Showgirl"-1957 como Livy...

  En definitiva: Para mi, una maravillosa película y todo una obra maestra del género. Una película que comprende de forma visual y emocional toda la elegancia, el ritmo y el poder del ballet.   Matricula de Honor.

  "Las zapatillas rojas" logró dos Oscar en su año: Mejor música (Brian Easdale) y Mejor diección artistica (Hein Heckroth y Arthur Lawson).

  A modo de curiosidad: El director de fotografía Jack Cardiff nunca había hecho una película de ballet, lo que le obligó a asistir a numerosas producciones de ballet para familiciarse con esta forma de arte. Al final lo consiguió.

02/03/2022 17:45 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El justiciero (Boomerang!-1947)

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  "Siempre es lo mismo: Si buscas minuciosamente, encuentras a alguien robando en las arcas públicas".

                  (Dave Woods a Sam Levene)

  Apasionante película de género dramático-policial de nacionalidad estadounidense y basada en hechos reales, llevada al cine con un guión de Richard Murphy. Un guionísta, director y productor nacido en Boston. Trabajó para el Liberty Digest en la década de 1930 antes de partir en 1937 para trabajar en el departamento de cortometrajes de la MGM. Mientras estuvo en las Fuerzas aéreas de Estados Unidos durante la 2ª Guerra Mundial alcanzando el grado de capitán hizo varios guiones para cortometrajes propagandísticos. A si regreso a Estados Unidos comenzó a trabajar para la 20th Century Fox. Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por "El justiciero" ("Boomerang!"-1947) y "Las ratas del desierto" ("The Desert Rats"-1953).

  "El justiciero" está dirigida por Elia Kazan. Un cineasta nacido en Estambul (Turkia). En la posguerra, el teatro de Broadway, en sus representaciones pioneras de la vida psicosexual, ejerció una profunda influencia en el cine de Hollywood, lo que en buena parte se le debe a Elia Kazan. Su adaptación de la obra de Tennessee Williams "Un tranvia llamado deseo" ("A Strefcar Named Desire"-1951) inaguró la tradición de dramas adultos a pequeña escala, en blanco y negro que tabién sirvieron a la industria en su era de recesión económica posterior a la guerra.

  Durante el resto de la década, explotó con gran éxito de critca este género, "Un rostro en la multitud" ("A Face in the Crowd"-1957), aborda un tema muy resptado en Estados Unidos:el popotísmo sureño, basado en el culto de la personalidad y el atractivo sexual, que podria amenazar la hegemonía del statu quo blanco, anglosajón y protestante del Este. "Baby Doll"-1956 combina una mirada cinica y cómica sobre la mojigatería sexual con las estilizaciones moralístas propias del realísmo europeo.

  "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Gress"-1961) marca eficazmente para el cine las internas meditaciones del dramaturgo William Inge, sobre los problemas sexuales del Medio Oeste, y en concreto los efectos paralizantes sobre las mujeres del denominado "doble estándar". La película antcipó casi una década el inicio de la tradición de cine artistico estsdounidense durante el renacimiento de Hollywood y la creación de un tipo diferente de películas para mujeres.

  Convocado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, Elia Kazan delató a otros comunistas de la industria cinematográfica, una indiscrección que Hollywood nunca le perdonó del todo.

  Kazan tiene otras películas que escalan en la veta del realísmo social europeo y el teatro artístco: "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets"-1950), en el que un personaje blanco hace de negro, "¡Viva Zapata!"-1952, "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) y "Rio salvaje" ("Wid River"-1960), que trata del inevitable descontento ante el progreso social y el cambio generacional. Incluso las películas  más convencionales de Kazan manifiestan una maestria y y na sofisticación intelectual por las que hace superar el mero entretenimiento.

  Asi pues, Kazan nos lleva hasta una pequeña ciudad de Connecticut y, en donde un sacerdote en plena calle es asesinado, los ciudadanos exigen una intervención contundente de la policia. Todos los testigos identifican a un tal John Waldron como el autor del crimen, pero este se declara inocente, aunque nadie le cree...

  La pelicula es para mi, un trabajo modesto, breve, sencillo y relativamemte previsible, pero eso si, consistente y convincemte. Nos explica y justifica algunos principios básicos de la justicia, cuya aplicación requieren rigor, independencia y fortaleza. La narración es conducida por un narrador omnicciente que introduce el relato, lo contextualiza y lo explica de modo objetivo, veraz y sin prejuicios. Los hechos ponen de manifiesto las dificultades que con frecuencia ha de afrontar la investigación de un crimen cuyas causas y móviles no se conocen.

  Elia Kazan aprovecha el desarrollo del drama para componer una denuncia social a su gusto. Esta alcanza a los politicos y a sus manejos egoistas y cortos de miras, a los poderosos que tratan de influir sobre el curso de los acontecimientos en beneficio de intereses particulares, a la afición de la prensa al sensacionalismo y a los resultados rápidos, a las personas ciudadanas que reclaman respuestas eficaces inmediatas, etc.

  Elabora las denuncias en paralelo al desarrollo de la historia y como factores de potenciación al drama. Prisas, intereses falsos, presiónes interesadas y acciones movidas por celos excesivos, van formando gradualmente un entramado causal de dificil control que genera tensión y conflictos. La atmósfera que envuelve la película adquiere una textura densa y agobiante, que cala en el ánimo del espectador y retiene su atención.

  Kazan también incluye propuestas de carácter positivo, como el apoyo que reclama a favor de los agentes de la policia que llevan la investigación, la capacidad de espera que se ha de tener porque los procesos de investigación criminal requieren tiempo, grandes esfuerzos y la  realización de las tareas complejas, etc.

  Defiende de modo comprensible y convincente el principio del caso de duda, a favor del reo, derivado del derecho romano y, de aceptación general tanto enel ámbito del derecho latino, como en el anglosajón.

  La banda sonora corrió a cargo de David Buttolph. Un compositor nacido en Nueva York. Mostró su talento musical a una edad muy temprana y, finalmente estudió música formalmente. Una vez terminada la cátedra de música se mudó a Europa en 1924 estudiando aún más en Austria y actuando al mismo tiempo en un club nocturno tocando el piano. A su regreso a Estados Unidos comenzó a trabajar para la cadena de radio NBC como arreglista y director de orquesta. En 1933 se mudó a Los Angeles donde comenzó a trabajar para el cine. A mediados de la década de 1950 comenzó a componer partituras para la televisión hasta 1963 que se jubiló.

  A lo largo de su extensa carrera compuso música para más de 300 películas entre ellas: "13 Rue Msdeleine"-1946, "Débil es la carne" ("The Foxes of Harrow"-1947) y "La soga" ("Roper"-1948).

  Y aqui, aunque la música  es breve, pero contiene una ambientación muy dramática. Además añade al principio y al final el tema titulado "América the Beautiful", con música de Samuel Ward.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Norberd Brodine. Un director de fotografía nacido en Misuri. Comenzó su carrera como camarógrafo trabajando en una tienda de cámaras fotográficas, para después ampliar su experiemcia en el Cuerpo de Señales del Ejército, como fotógrafo del ejército durante la 1ª Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto bélico y después de estudiar en la Universidad de Columbia se trasladó a Hollywood como fotógrafo fijo contratado por la 20th Century Fox. Entre su extensa filmografía caben dedestacar pelìculas como por ejemplo: "Niñera moderna" ("Sittong Pretty"-1948) y "Operación Cicerón"-1952).

  Y aqui, creando unas imágenes realistas, de marcada orientación documentalísta, con abundantes tomas en los lugares en los que ocurrieron los hechos. Haciendo también uso de luces intensas, fuertes contrastes, algunos escenarios oscuros propios del cine negro, numerosas escenas que reunen a muchos actores y extras.

  La pelìcula está rodada en localizaciones reales de Stamford (Connecticut), y en el distrito de White Plains en Nueva York.

  Extraordinario el reparto de actores elegidos aqui por el maestro Kazan. Encabezados por el siempre efectivo y convincente Dana Andrews, "La senda de los elefantes" ("Elephant Walk"-1954), dando vida al juez Henry Harvey, un profesional recto, riguroso, independiente y enemigo de presiones y componendas. Y con él, Lee J. Coob, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958) como el jefe de policia Harold Robinson, un hombre honesto, veterano y tozudo; Arthur Kennedy, "Como un torrente"("Some Came Running"-1958) como John Waldron, el acusado de asesinato; Karl Malden, "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959) como el teniente White; Ed Begley, "Cometieron dos errores" ("Hang Em High"-1968) como Paul Harris. Y por supuesto no podia faltar una mujer y aqui nos encontramos a la bellísima Jane Wyatt, "Puente de mando" ("Task Force"-1949) como Madge la esposa de Henry...

  En definitiva: Una muy buena película. Y muy recomendable aunque sea solamente para recordarnos el sentido noble de la "justicia".  Sobresaliente.

  "El justiciero" Estuvo nominada al Oscar al Mejor guión.

  A modo de curiosidad; La breve aparición entre los extras del célebre dramaturgo Arthur Miller.

 

25/02/2022 20:12 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Forajidos (The Killers-1946)

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  Sueco.- ¿Por qué volviste con él?

  Kitty.- Tal vez por que le odio. Soy un veneno para mi y para los que me rodean. Tengo miedo de estar con quienes quiero por el daño que les hago.

  Obra maestra total y absoluta de género cine negro y de nacionalidad essadounidense, sacada de un relato corto de Ernest Hemingway. Un escritor y periodista nacido en Illinois y uno de los escritores principales del siglo XX. Su estilo sobrio tuvo una gran influencia sobre la ficción del siglo XX, mientras que su vida de aventuras y su imágen pública dejó huellas en las generaciones posteriores. Fue Premio  Pulitzer en 1953 y Premio Nobel en 1954.

  Muchas de sus novelas fueron llevadas al cine como por ejemplo: "Por quién doblan las campanas" ("For Whom the Bell Tolls"-1943) dirigida por Sam Wood y "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows of Kilimanjaro"-1952) dirigida por Henry King.

  Del guión se hicieron cargo dos cineastas de fama mundial: Richard Brooks y John Huston. Brooks un director, productor y guionista nacido en Pensilvania. Un hombre que siempre tendió a rodar adaptaciones de gran peso literario, generalmente realizando versiones cinematigráficas satistactorias. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y lo logró como mejor guión adoptado por "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), película que también fue  fue dirigida por él.

  Huston otro director, guionísta y actor nacido en Nevada. Como director realizó 37 películas, escribiendo la mayoria de los guiones de estas. Está considerado como uno de los mejores directores del cine clásico estadounidense, pese a que se encuentra minusvalorado por ciertos sectores de la critica. Estuvo nominado en numerosas ocasiones al Oscar tanto como director como guionista. Como director y guionista a la vez ganó el Oscar por "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948).

  "Forajidos" está dirigida por Robert Siodmak. Un director nacido en Dresde (Alemania). Sus comienzos fueron como director teatral y banquero antes de dedicarse al cine. Su debut como director fue con la película muda "Los hombres del domingo" ("People  on Sunday"-1930), colaboró con otros dos futuros grandes del cine, Billy Wilder y Fred Zinnemann. Como era judio su carrera en Alemania se truncó cuando los nazis subieron al poder y, en 1940 se trasladó a Hollywood.

  Para obtener un visado para entrar en Estados Unidos, aseguró haber nacido en Memphis (Tennesse) cuando sus padres estaban alli de vacaciones. Sus primeros trabajos fueron thrillers y películas de terror de bajo presupuesto, pero se ganó un prestigio con algunas películas de cine negro impresionantemente dirigidas a finales de los años 40.

  En "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945) un drama de época sobre un asesino en serie que ataca a las mujeres vulnerables, Siodmak utilizó magistralmente su principal escenario, una siniestra casa victoriana.

  El uso de luces y sombras es ejemplar en "Forajidos" (·The Killers"-1946), donde Ava Gardner da vida a una mujer fatal que sella el destino de Burt Lancaster. En A través del espejo" ("The Dark Mirror"-1946), Olivia de Havilland interpreta a dos gemelas, una de ellas sospechosa de asesinato y "En una vida marcada" ("Cry of te City"1948) Victor Mature es un policia enfrentado  al asesino Richard Conte a quien conoce desde la infancia.

  Burt Lancaster vuelve a ser victima de una mujer fatal, esta es Yvonne de Carlo en "El abrazo de la muerte" ("Criss Cross"-1949). Todas estas películas se caracterizan por su ambientación imaginativa, su fotografia cautivadora y el agudo ojo de Siosmak para los personajes secundarios raros.

  Volvió a su Alemania natal donde realizó varias películas más, con su última incursión en el cine hablado en inglés, "La última aventura del general Custer" ("Custer of the West"-1966), western de alto presupuesto rodada con el sistema Cinerama.

  Asi pues, Siodmak nos lleva hasta Brenfwood, una pequeña localidad aislada, y en donde dos matones irrumpen en la ciudad para asesinar a un tal Ole Anderson, un antiguo boxeador, expresidiario y colaborador de una banda criminal que abandonó hace un año. Con ella participó en un  atraco, cuyo botin (250.000 dólares) desapareció. Ole apodado "el sueco", lleva escondido un año, donde trabajaba como encargado de una gasolinera...

  La secuencia inicial plantea al espectador tres interrogantes: ¿Por qué matan a Ole?. ¿Quién ordenó su muerte?. Y ¿Por qué Ole espera a sus asesinos con resignación?.

  Las respuestas a estas preguntas constituyen el nudo argumental de la película...

  La película para mi, es todo una obra de arte del cine negro americano. Es sobresaliente su estructura narrativa, basada en numerosos flasbacks (11 en total), que recuerdan la de "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941). Los flashbacks son subjetivos, salvo uno (el atraco) y se presentan distribuidos sin atender el orden cronológico de los hechos.

  El formato confiere a la historia un aire realista de tono documentalista, que eleva el dramatismo. Presenta una de las mujeres fatales, Kelly Collins, más malvadas, de extraordinaria belleza, gran sensualidad y fuerte atractivo, capaz de arrastrar a hombres de buen corazón a su perdición.

  La estética visual es marcadamente expresionista con sombras exageradas, contraluces siniestros, zonas intensamente oscuras, escenas nocturnas inquietantes y personajes desalmados. se crea una atmósfera densa, de inusitada tensión y expectación.

  La acción se encadena al hilo del proceso de investigación de Jim Roarson, empleado de una compañia de seguros, interesado en resolver el caso, pese a la indiferencia de la policia y contra las prioridades de si jefe inmediato. Hacia el final, Roarson se sienta en una butaca, de espaldas al espectador, sugeriendo su identificación con él y su agradecimiento por la atención con la que han seguido su trabajo.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rozsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por "Recuerda" ("Speibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y por la oscarizada "Ben-Hur"-1959.

  Y aqui  mostrándonos unos temas intensamente dramáticos ("Main Tittle"), desoladores ("Prision Stars"), liricos (solo de violín de "Ole espera a sus asesinos") y melancólicos con toques trágicos ("Exit Theme"). Los crescendos de tensión se subrayan con aceleraciones de las notas del piano. Incluye la canción original "The More I Know Of Love", que canta Killy.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Elwood Bredell. Un director de fotografia nacido en Indiana. Después de trabajar como actor adolescente en peliculas mudas consiguió un trabajo como técnico de laboratorio de estudio, mientras cultivaba su talento por la fotografía desde 1925 hasta 1934 trabajó como fotógrafo fijo para la RKO y Paramout. En este último estudio fue aprendiz de los cineastas Charles Lang y Arthur C. Miller. En 1936 se marchó a la Universal donde continuó su formación con Joseph Valentine y, en 1938 fue ascendido a director de fotografía.

  Entre sus más de 50 películas como guionista en su haber caben de destacar entre otras: "La venus de la selva" ("South of Tahiti".1941), "Romanza en alta mar" ("Romance on the High Seas"-1948) y su última película "Selva femenina" ("Fenele Jungle"-1951) protagonizada por Jane Mansfield.

  Y aqui, ofreciéndonos una narración visual de gran calidad plástica.

  Magnífico Burt Lancaster, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) dando vida a Ole Anderson "el sueco", y sensacional en su debut Ava Gardner, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contesse"-1954) metida en el cuerpo de esa mujer fatal llamada Kitty Collins. Y con ellos Edmond O’Brien, "Julio César" (Julius Caesar"-1953) como Jim Reardon; Albert Dekker, "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) como Big Coffax; William Conrad, "Johnny el cobarde" ("Johnny Concho"-1956) como Max; Sam Levene, "Sueño de reyes" ("A Dream of Kings"-1969) como el teniente de policia Sam Lobinsky...

  En definitiva: Obra mestra del cine negro. Una pelìcula que todo buen aficionado al cine no puede dejar de verla. Le guste o no este género.  Matricula de Honor.

  "Forajidos" Obtuvo 4 nominaciones al Oscar: Director, Guión, Banda sonora y Montaje. Este fue el año de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Como anécdota: Su estreno supuso el lanzamiento al estrellato tanto de Burt Lancaster como de Ava Gardner, hasta entonces desconocida actriz de reparto.


 

15/02/2022 10:10 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

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      En recuerdo de: Sidney Poitier

  "Por una vez en mi vida voy a aguantarme el genio. Se va usted a quedar aqui y se quedará aunque tenga que llamar a su jefe".

  Muy buena película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John Ball. Un escritor nacido en Nueva York y muy conocido por sus novelas de misyerio y, sobre todo las involucradas al detective afroamericano Virgel Tibbs (tres de ellas llevadas al cine). Tiene en su haber el Premio Edgar a la Mejor Novela de Autores Estadounidenses.

  Del guión se hizo cargo Stirling Silliphant. Un guionista y productor nacido en Michigan. Se graduó en la escuela secundaria Sam Maners y posteriormente en la Universidad de California. Produjo varias películas independientes como por ejemplo: "Maracaibo"-1958, protagonizada y dirigida por Cornel Wilde. Como guionista escribió cerca de 50 películas donde caben de destacar "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971) y "No se compra el silencio" ("The Liberation of L.B.Jones!-1970) la última película dirigida por William Wyler. Sus documentos de trabajo están archivados en el Campus de Westwood de la Universidad de California en Los Angeles.

  "En el calor de la noche" está dirigida por Norman Jewison. Un cineasta nacido en Toronto (Canadá). Se graduó en la Universidad de su ciudad natal. Después de servir en la Armada durante la 2ª Guerra Mundial, en la primera parte de la década de los años 50 se embarcó en un viaje por el sur de Estados Unidos, donde fue sensible a los casos de desigualdad y racismo en estas zonas. Esta experiencia y los sentimientos que produjeron en Jewison formaron parte del motivo en la filmografia del realizador.

  Su debut como director fue con "Soltero en apuros" ("40 Prounds of Trouble"-1962) al que siguieron titulos como "No me mandes flores" ("Send Me No Folwers"-1964), "El arte de amar" ("The Art of Love"-1965) o "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid"-1965). Pero su primer éxito llegó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967), una extraordinaria película a medio camino entre el thriller policiaco y el cine de denuncia.

  A principios de los años 70, llegó su otro gran éxito, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971) donde retrata a modo de musical y con un excelente sentido del humor la vida de un pueblo judio en Ucrania en plena época zarista.

  Durante la segunda época de los años 70, dirigió películas de muy diferentes temáticas como la futurista "Roller ball"-1975, el gran musical de influencia hippie "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"-1973) y la comprometida "Justicia para todos" ("...And Justice for All"-1979).

  En 1981 y con su filmografia completamente asentada, Jewison fue reconocido como Oficial de la Orden de Canadá. En 1988 fundó el Centro canadiense de cine, instituto de formación de directores situado en Toronto. Durante los 80 hasta la actualidad, Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos con telefilms. Ha dirigido 10 proyectos para cine, muchos de ellos menores, aunque destacan películas como "Agnes de Dios" (Agnes of God"-1985), "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987), que supuso el Oscar psara Cher, o "Huracán Carter" ("The Huracane"-1999).Respecto al Oscar, Jewison fue nominado en numerosas ocasiones en la categoria de mejor director. Pero hasta hoy no ha conseguido ese galardón. De todas  maneras, en 1998, fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera.

  Su último trabajo para el cine ha sido con la película "La sentencia" ("The Statement"-2003) protagonizada por Michael Caine.

  Asi pues, Jewison nos lleva hasta una pequeña población de Mississippi y, en donde un policia llamado Sam Wood descubre el cadáver de un industrial. Poco después, detienen en la estación de tren a un hombre de color que, tras ser interrogado por el jefe de la policia local Bill  Gillespie, resulta ser un inspector  de la policia de Filadelfia llamado Virgil Tibbs. Ambos policias deciden colaborar para investigar el asesinato...

  La película la podriamos desrrollar en tres lineas de acción. En la primera expone la relación de colaboración necesaria y, a la vez de amor/odio entre el sheriff y el experto inspector Tibbs. Planteada con acierto y credibilidad, se desarrolla con habilidad, sentido de la ironia y toques de buen humor.

  La segunda linea viene dada por el planteamiento y el avance de la investigación sobre la autoria del crimen y cargo de un perspicaz Tibbs y un atolondrado y poco cuidadoso Gillespie. Mientras el primero busca pruebas y pistas que le lleven a identificar al asesino, el segundo busca sospechosos sin analizar ni la consistencia de los indicios, ni la validez de las pruebas.

  Y la tercera linea de la historia se centra en los incidentes de violencia provocados por racistas que no toleran que un hombre de color y forastero se mueva por el pueblo haciendo preguntas, relacionando hechos y averiguando cuestiones que desean ocultar a toda costa. En este sentido, la película sigue las lineas de un thriller vigoroso y pletórico de fuerza, aunque en algunos puntos significa las cosas mediante elipsis, justificadas y oportunas en algunos casos y excesivas en otros. Está bien construido el ambiente opresivo, tenso y conflictivo de la pequeña ciudad.

  La banda sonora fue obra de Quincy Jones. Un compositor nacido en Chicago. Su ámbito de interés musical abarca el R&B y el jazz, con frecuente tendencia a su fusión. Asi mismo, es interprete ocasional de trompeta y piano e incluso cantante. Su extensa carrera incluye grabar con Frank Sinatra, la composición de bandas sonoras para películas como por ejemplo "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), (en ambas fue nominado al Oscar), y su labor como productor de álbunes de Michael Jackson. Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy,  la Medalla Nacional de las Artes y La Legión de Honor, entre otras distinciones.

  Y en esta calurosa noche de verano, acompañando las escenas de noche con temas jazzisticos que crean un ambiente nocturno adecuado. Añade cuatro canciones propias, entre ellas "In the Heat of the Night" que canta Ray Charles y que incorpora el tema principal. Añade fragmentos hipnóticos de piano a cargo también de Ray Charles, como el corte "Mame Caleba’s Blues".

  La fotografia en color fue dirigida por Haskell Wexler. Un director de fotografia, productor y director de cine nacido en Chicago. Después de estudiar en la Universidad de California estuvo en la Marina Mercante en 1941, cuando Estados Unidos se preparaba para entrar en la 2ª Guerra Mundial. Acabado el conflicto bélico regresó a Chicago donde decidió dedicarse al cine sin tener experiencia alguna.

  Comenzó filmando películas industriales y más tarde tomó trabajos independientes como camarógrafo y se unió al Sindicato Internacional de Fotografía en 1947. En 1960 debutó en la pantalla grande con "El ojo salvaje" ("The Savage Eye") protagonizada por Gary Merrill.

  Y en este alegato contra el racismo, componiendo secuencias nocturnas de ambiente caluroso y sexual. La atmósfera tensa del relato está recogida en imágenes creadas con precisión y fuerza.

  Extraordinarios los dos principales protagonistas. Uno Sidney Poitier, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Fred"-1963) como el inspector Virgil Tibbs. El otro Rod Steiger, "Doctor Zhivago"-1965 como el jefe de policia Bill Gillespie. Y muy bien acompañados  por Warren Oates, "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970) como el policia Sam Wood; Lee Grant, "El truhán y su prenda" ("Little Miss Marker"-1980) como la señora Colbert; Larry Gates, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) como Endicott, Quentin Dean, "Juventud rebelde" ("The Young Runawaye"-1968) como Delores...

  En definitiva: Una excelente película que es todo un exponente de cine clásico con mayúsculas, aparte de ser sumamente entretenida. Sobresaliente.

  "En el calor de la noche" logró 5 Oscar en su dia: Película, Actor (Rod Steiger), Guión adapatado (Stirling Silliphant), Sonido (Walter Goss) y Montaje (Hat Ashby).

  El éxito de la película tanto de critica como de público fue tal que se rodaron dos secuelas más: "Ahora me llaman Sr. Tibbs" ("They Call Me Mister Tibbs"-1970) dirigida por Gordon Douglas y "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) diriga por Don Medford. Las dos eso si fueron protagonizadas por Sidney Poitier.

  A modo de curiosidad: El lugar donde transcurre la historia, Sparta (Mississippi), es una localidad imaginaria, pero curiosamente se rodaron algunas tomas para la película en la localidad de Sparta (Illinois).

02/02/2022 17:48 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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