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Chinatown (1974)

  ¿Qué le pasa en la nariz, amigo, para tener que llevarlo escayolado?.

  Nada.

  Pues debe de dolerle mucho.

  Solo cuando respiro.

  Muy buena película de género de intriga (cine negro) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con guión de Robert Towne. Un cineasta nacido en Los Angeles, se crió en San Pedro donde trabajo como pescador de atunes, más tarde estudió filosofia en el Pomona College de Claremont. Ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, pero es especialmente conocido por su guión en "Chinatown", aunque también tiene titulos  muy famosos como por ejemplo; "Bonny y Clyde" (1967) y "Frenético" ("Frentic"-1988). Está también muy vinculado con el director Roman Polanski.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Roman Polanski. Un director nacido en Paris, pero educado en Polonia. Estudió en la Escuela de Cine  de Lódz´. Tras su primera película "El cuchillo en el agua" ("Nóz w wodzle"-1962) se trasladó a Francia donde colaboró con el escritor Gérard Brach en "Repulsión" (1965).

  El extravagante  pastiche de terror "El baile de los vampiros" ("Dance of the Vampires"-1967) le llamó la atención del productor Robert Evans, que lo escogió para dirigir el thriller sobrenatural "La semilla del diablo" ("Rosemary’s Baby"-1968), un gran éxito tanto de critica como de público. Tras la estela de este éxito, la mujer de Polansky, Sharon Tate, fue brutalmente asesinada en uno de los crimenes más terribles de la historia estadounidense.

  Posteriormente, adaptó a William Shakespeare en "Macbeth" (1971) y se reencontró con Gérard Brach para realizar "¿Qué?" ("What?"-1972) antes de filmar la que se considera su mejor película "Chinatown" (1974), un clásico del cine negro galardonado con varios premios que contó con la participación de Jack Nicholson. "El quimerico inquilino" ("The Tenant"-1976) se vió eclipsada por las acusaciones de haber drogado y violado a una niña  de trece años, cargo de que Polanski intetó atenuar reconociéndose culpable de haber mantenido relaciones sexuales ilegales  con una menor, huyó a Estados Unidos y Europa, y su delito y posterior ausencia constituyeron un freno para su carrera. Tras el estreno de "Tess" (1979), tardaria décadas en recuperar el éxito de critica y público.

  La suerte de Polanski cambió de nuevo con "El pianista" ("The Pianist"-2002), seguramemte su proyecto más personal por su ambientación: los guetos polacos organizados e impuestos por los nazis durante la 2ª Guerra Mundial, la película le valió su primer y único Oscar al mejor director y al mejor guión. En la cúspide de la ola, Polanski volvió con una profesional adaptación de "Oliver Twist" (2005), película potente qur fue muy bien acogida. En la actualidad y con sus 90 años acaba de rodar "The Palace" (2023). Una historia ambientada en un lujoso castillo a principios del siglo XX.




  

El golpe (The Sting-1973)

El golpe (The Sting-1973)

  "¿Y que querias que hiciera? ¿Acusarle ante los demás de hacer trampas mejor que yo?"

  Obra maestra indiscutible de género de comedia, considerada película de culto y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de David S. Ward. Un director y guionista nacido en Providence (Estados Unidos). Estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas del Sur de California y en la Universidad de California en Los Angeles. A pesar de estar galardonado es muy poco conocido en Hollywood. Su película más importante es precisamente "El golpe", con la que consiguió fama y subió al estrellato. Luego desapareció, y volvió a aparecer en "Algo para recordar" ("Sleepless in Seattle"-1993) de Nora Ephson y protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan, y más tarde con "Abajo el periscopio"("Down Periscope"-1996) esta fue como director.

  "El golpe" está dirigida por George Roy Hill. Un director nacido en Minnesota. Fue uno de los directores que surgieron de los dramas de televisión en los años 50. Dirigió prestigiosas series de antologia como "Kraff Television Theatre" (1956) y luego debutó en la gran pantalla con "Reajuste matrimonial" ("Period of Adjustment"-1962), un proyecto ligero de Tennesse Williams. Siguió en la misma vena peculiar pero literaria, rodando "Pasiones en conflicto" ("Toys in the Attic"-1963), con guión de Lilian Hellman, y "El irresistible Henry Orient" ("The World of Henry Orient"-1964) con Peter Sellers como protagonista, antes de pasarse a producciones de alto presupuesto como "Hawai" (1966) y "Millie una chica moderna" ("Thoronghly Moder Millie"-1967) ambas con Julie Andrews.

  El primer gran éxito de Hill llegó con "Dos hombres y un destino" ("Butch Cassidy and the Sundance Kid"-1969). Este western presenta a los atractivos Robert Redford y Paul Newman como ejemplo de la vida turbulenta de los fuera de la ley. El poder que adquirió Hill con este éxito internacional, renovado con otra colaboración con ambas estrellas en la divertida película "El golpe" ("The Sting"-1973), le permitió manejar presupuestos más elevados para proyectos más inusuales: "Matadero cinco" ("Slaughterhouse Five"-1972), el drama de un aviador itinerante "El carnaval de las águilas" ("Yhe Great Waldo Pepper"-1975) con la participación de Robert Redford, otra película protagonizada por Paul Newman, "El castañazo" ("Slap Shot"-1977), una sencilla historia de amor, "Un pequeño romance" ("A Little Romance"-1979), escrita por él mismo, y una adaptación de una novela de John Irving, "El mundo según Garp" ("The World According to Garp"-1982).

  Hill siempre daba la sensación de que tenia que esforzarse para controlar un material que hubiera resultado más sencillo a cineastas como Michael Ritchie, Robert Altman o Steven Spielberg cuando estos empezaron. Antes de jubilarse realizó, "La chica del tambor" ("The Little Drummer Girl"-1984), una adaptación de una novela de John Le Carrié y "Aventuras y desventuras de un yuppie en el campo" ("Funny Farm"-1988) una comedia protagonizada por Chevy Chase.

  La acción pues, da comienzo en la ciudad de Jollet (Illinois) y continua en Chicago, se extiende a lo largo de unos meses a partir de septiembre de 1936. Y nos llrva hasta un tal Johnny Hooker y de Lother Coleman, dos timadores que actuan en pareja, y un buen dia engañan a un esbirro del gángster Doyle Lonnegan... A la muerte de Lother, Johnny busca la ayuda de Henry Gandorff, un conocido estafador semi-retirado... Johny, de unos 28 años, es impulsivo, hábil y manirroto, Henry de más de 40 años, es inteligente y de nervios templados...

  La película es una comedia dramática, que incorpora elementos de intriga, crimen, gángsters, aventura, mucho humor y enredo. Reitera la construcción de una mitologia de la rebeldia que integra la lucha por la supervivencia, la amistad, la lealtad, el espíritu de aventura, la búsqueda del arraigo social, el desprecio de los grandes criminales, la ayuda a los débiles, etc.. Los protagonistas no son héroes, sino perdedores, supervivientes de la Depresión. marginados del mundo del trabajo.

  Nos explica también, la importancia que tuvo la difusión de la radio en la década de los años 30 y hace la referencia al valor de su inmediatez y credibilidad. Aborda el tema de la venganza, que cumple funciones dinamizadoras de la acción y de la que se dice que no es ni interesante ni satisfactoria.

  La banda sonora fue dirigida por Marvin Hamtisch. Un compositor y poanista nacido en Nueva York. Es uno de los diecisiete musicos que han ganado los cuatro premios fundamentales del espectáculo estadounidens: Grammy, Emmy, Tony y Oscar. Se inició como pisnista y posteriormente colaboró con Quincy Jones Y Liza Minelliy mas tarde con Woody Allen y Barbra Streisand. En el cine destacó con su musica y muchas de sus bandas sonoras  obtuvieron bastante éxito como por ejemplo: "El nadador" ("The Swiwmer"-1968) protagonizada por Burt Lancaster; "Salvad al tigre" ("Save the Tiger"-1973) con Jack Lemmon o "La decisión de Sophia" ("Spphie’s Choice"-1982) con Meryl Streep en el papel principal.

  Y aqui, adaptado temas de Scott Joplin como: "Te Enternair" (1902), añade también composiciones originales como: "Little Girl" (largo solo de violin).

  La fotografia en color fue obra de Robert Surtees. Un director de fotografia nacido en Kentucky. Creció en Ohio, donde consiguió un trabajo como fotógrafo y retocador en un estudio de retratos de Cincinnati, poco después se mudó a NuevaYork y durante un año estudio fotografia, porque su objetivo era de llegar a ser director de fotografia cinematgráfica. En 1925 se mudó a Los Angeles contratado por la Universal. Alli trabajó durante mucho tiempo como operado de cámara. Y por  fin y después de haber  trabajado en muchos cortos hizo su debut como director de fotografia en la película "Lost Angel" (1943). Ese mismo año fue contratado por la MGM y fue  con esta productora donde alcanzó la fama mundial  y ser considerado uno de los mejores directores de Hollywood con peliculas tan oscarizadas como: "Quo Vadis" (1951); "Mogambo" (1953) o "El coleccionista" ("The Collector"-1965). Estuvo nominado  en varias ocasiones pero fue en 1959 donde por fin logró la ansiada estatuilla con "Ben-Hur".

  Y aqui, recreándose en ambientes oscuros, cerrados y nocturnos, de los que extrae imágenes de gran belleza. La película se rodó en exteriores de Los Angeles, Pasadena, Santa Mónica y Chicago, y los interiores en los Estudios Universal.

  Magnifico el duo protagonizado por Paul Newnan, "El buscavidas" ("The Hustter"-1961) como Henry Gondorff, y Robert Redford, "Descalzos por el parque" ("Bareffot  in the Park"-1967) como Johnny  Hooker. Y muy bien arropados por Robert Shaw, "Tiburón" ("Jawas"-1975) como Doyle Lonnegan; Robert Earl Jones, "Unico testigo" ("Withess"-1985) como Lother Coleman; Charles Dunning, "Tarde de perros" ("Dog Day Afternoon"-1975) como el teniente Snyder; Eiteen Brennan, "Un cadaver a los postres" ("Murder by Death"-1976) como Billie...

  En definitiva: Una película apta para todo aquel que quiera pasar 2 horas de auténtico entretenimiento y quiera deleitarse con esta obra maestra sabiendo que, cuando acabe la película, su forma de entender el cine habrá cambiado, aunque solamente sea un poco.  Matricula de Honor.

  "El golpe" logró 7 Oscar en su dia: Película, Director, Guión (David Word), Montaje (William Reynolds), Banda sonora (Marvin Hamtisch), Dirección artistica (Henry Bumstead y James Payne) y Vestuario (Edith Head).

  A modo de curiosidad: El guionista se inspiró en hechos reales tomados de la obra "The Big Con: The Story Of The Confidence Man" (1940), de David W. Maurer.

La huella (Sleuth -1972)

La huella (Sleuth -1972)

  Piensa en el crimen perfecto...Luego va un paso más allá...

  Magnifica pelicula de género dramático (comedia negra) y de nacionalidad  británica basada en una obra de teatro  (también se ocupó del guión)  de Anthony Shaffer. Un autor teatral y guionista cinematográfico nacido en Liverpool (Inglaterra). Obtuvo cierta popularidad en los años setenta cuando estrenó su obra "La huella", posteriormente  adaptada al cine. A raiz de ahí adaptó una serie de novelas de Agatha Christie entre ellas: "Asesinato en el Orient Express" y "Muerte en el Nilo" también llevadas al  cine. Su último trabajo fue en 1987 con "Cita con la muerte" llevada al cine por Michael Winner y con Peter Ustinov y Lauren Bacall como protagonistas, pero los resultados no fueron los esperados y se retiró.

  "La huella" está dirgida por Joseph L. Mankiewicz. Un cineasta nacido en Pensilvania. Antes de dirigir, pasó más de quince años como guionista y productor en Hollywood, donde escribió muchas de las películas más destacables de los años treinta y produjo para diversos directores importantes como George Cukor en "Historias de Filadelfia" ("The Phliadelphia Story"-1940). Su primer intento como director fue con "El castillo de Dragonwyck" ("Dragonwyck"-1946), una película demasiado efectista, lastrada también por el mal reparto y unas interpretaciones mediocres.

  La primera gran película de Mankiewicz fue "Carta a tres esposas" ("A Litter to Three Wives"-1949), que desarrolló a partir de un relato que encontró en una revista femenina sobre una mujer que roba el marido de una de sus tres mejores amigas. La película trasciende con creces el tema y deslumbra con observaciones perspicaces sobre las clases sociales. Sus personajes, elaborados con gran detalle cobran vida con un diálogo cortante bajo la esperta dirección de Mankiewicz. La película también proporciona algunas interesantes reflexiones sobre el desarrollo de la cultura de masas, los trastornos que provoca la guerra, la cultura consumista y el feminismo.

  El resto de su producción es notablemente variado, con una serie de películas instruidas y atractivas, aunque no destaquen desde el punto de vista visual. Mankiewicz alcanzó fama por supervisar las últimas etapas de uno de los desastres más notables de Hollywood, "Cleopatra" (1963), donde demostró que no era un maestro del espectáculo a gran escala.

  El medio,  en que mejor se desenvolvia era en la comedia de costumbres ingeniosa, un género que dominó como nadie. "Carta a tres esposas" es sin duda una obra de arte, pero "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950), no tiene rival. Este drama entre bastidores ofrece una reflexión oscura y pesimista sobre la fama y la celebridad y sobre las maneras de conseguirlas. Aunque habla más de Broadway que de Hollywood, la película ofrece un comentario algo perverso sobre  la industria a la que estaba unido Mankiewicz, un intelectual educado por la Ivy League. Posiblemente se muestra resentido con el cine comercial y su obsesión con las estrellas, guionistas y directores.

  La acción pues, tiene lugar en la mansión que tene en el campo el aristócrata y acaudalado novelista de crimenes y misterio Andrew Wyke, a lo largo de dos tardes separadas por un dia intermedio, en un fin de semana de 1972. La mansión está ubicada en el condado de Wiltshire (Inglaterra), en la que Wyke ha concedido una entrevista a solas con Milo Tindie, amante de su mujer, antiguo peluquero y actualmente propietario de dos salones de belleza. Andrew es malicioso, vanidoso, altanero y sádico. Siente pasión por los trucos, las adivinanzas y los juegos de todo tipo. Milo tiene unos 35 años, es de descendencia italiana, viste con elegancia y es enamoradizo...

  La película contiene cromen, misterio y thriller. Enfrenta a dos personajes que chocan por la edad, el estilo de vida, la cultura y los métodos. Entre ellos se entabla una lucha sin cuartel destinada a demostrar la propia superioridad y conseguir la capacidad de someter, humillar, dominar al otro y sobrevivir. El espectador no sabe a ciencia cierta cuales son los propósitos últimos de cada uno de los dos contendientes y cual es el alcance final de sus intenciones.

  La acción presenta giros sorpredentes (llegada del inspector), que mantienen la atención del espectador. se crea una atmósfera enrarecida, densa y opresiva, que trasmite una sensaciòn permanente de amenaza y peligro. Los diálogos son fluidos, ingeniosos, ricos en referencias cultas, intensos y ocasionalmente recargados y grandilocuentes.

  Las relaciones entre los personajes se presentan saturadas de engaños, trampas, bromas inmisericordes, mentiras, simulaciones y propuestas rastreras. Bajo la apariencia de un trato educado y cortés, se cruzan amenazas, intimidaciones y provocaciones. La acción se mueve a impulsos de deslealtades, traiciones, afanes de venganza, rencores, prejuicios de clase, envidias y deseos de dominación.

  Se enfrentan dos personas de caractéres diferentes, una vive de la fantasia y la ficción, y la  otra de decisiones progmáticas, dos clases sociales: la aristocrática y la burguesa, dos culturas: la de conservar privilegios y la de ascender en la escala social  mediante el esfuerzo personal, dos maneras de entender la vida: como un juego que suma artilugios anticuados, ajedrez, cartas y pasatiempos, o como dedicación al trabajo y a la asunción de riesgos de empresa, dos métodos de acción: el basado en el uso del ingenio y el que se apoya en la  iniciativa y el trabajo, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de John Addison. Un compositor nacido en Inglaterra. A los 16 años ingresó en el Royal College of Music, donde estudió composición y clarinete.Tres años despues (en 1939) su educación se vió interrumpida porque fue reclutado para ir a la guerra (2ª Guerra Mundial). Al finalizar la contienda regresó a Londres para enseñar composición en el mismo centro donde se graduó. En el cine es también muy conocido por su gran trayectoria ganó un Oscar a la mejor banda sonora por "Tom Jones" (1964). Otras de sus  bandas sonoras fueron para "Moll Flanders" (965),"Mujeres en Venecia" (The Honey Pot"-1967), "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"-1977) entre otras.

  Y aqui, ofreciéndo una sugestiva partitura inspirándose en la musica barroca alemana e italiana (Bach, Vivaldi), a la que añade tres canciones memorables de Cole Porter, "Just One of These Things", "Anything Goes" y "You Do Something To Me".

  La fotografia en color fue dirigida por Oswald Morris. Un director de fotografia nacido en Londres, Comenzó a interesarse por el cine a una temprana edad, pues de niño ejerció como asistente de proyeccionista en un cine cercano a su lugar de residencia. A los 17 años entró en la industria del cine trabajando en los estudios Wembley, como recadero de Michael Powell, donde más tarde fue ascendido al chico de la claqueta, y después a ayudante de fotografia, pero su carrera se vió interrumpida al tener que incorporarse como piloto de la RAF en la 2ª Guerra Mundial.

  De vuelta a la vida civil fue contratado por David Lean, parasu compañia, y fue contratado por los estudios Pinewood, donde  ejerció como asistente de Ronald Neame, con este inició su singlsdura como director de fotografia haciendo su debut en la película "La salamandra de oro" ("Golden Salamandre"-1950), después hizo bastantes más como por ejemplo: "El hombre que nunca existió" ("The Man Who Never Was"-1956) y "El aventurero de Kenya" ("Mister Moses"-1965). Pero posiblemente, con quien formó el tándem más prolífero fue con John Huston, con quien revolucionó el cine en color con la película "Moulin Rouge"-1952). En 1998, cuando ya estaba retirado, fue nombrado Oficial de la Orden deo Imperio Británico. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en 1971 con "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof") de Norman Jewison.

  Y aqui, acentuándo y subrayándo el carácter opresivo y claustrofóbico de la mansión, que convierte en un espacio amenazador, aislado, deprimente y con caracteristicas de prisión o calabozo. Se beneficia de una decoración exótica y grotesca, cuidada al detalle. Los exteriores fueron rodados en escenarios reales de Dorset  y Buckinhamshire (Inglaerra) y los interiores en los platós de los estudios  Pinewood (Inglaterra).

  Sensacional el mano a mano entre Laurence Olivier, "Rebeca" (Rebecca"-1940), como Andrew Wyke, un prestigioso escritor y Michael Caine, "Evasión o victoria" ("Victory"-1981) como Milo Tindie, el amante de la mujer de Andrew.

  En definitiva:Una película muy interesante, y en donde el gran Mankiewicz nos dice que el teatro se puede  compaginar con el cine, cuando éste  está bien hecho,  Sobresaliente.

  "La huella" estuvo nominada en cuatro apartados: Director, Actores (Olivier y Caine) y Banda sonora. Este año fue el año de "El padrino" ("The Godfather").

  A modo de curiosidad: El retrato de Marguerite Wyke se inspiró en la imágen de la actriz Joanne Woodward.

  En 2007 Kenneth Branagh realizó un remake con el mismo titulo protagonizada por Michael Cainey Jude La, pero a decir verdad no llegó a tener el éxito que tuvo la de Mankiewicz.

 

 


Barry Lyndon (1975)

Barry Lyndon (1975)

           En recuerdo de: Ryan O’Neal

  "Es hermoso soñar con la gloriosa guerra en un sillón en casa, pero es muy distinto verla cara a cara"...

  Muy buena película de género dramático y de nacionalidad británica, llevada al cine de una novela de William McKegeace Thackerey. Un novelista y periodista nacido en Calcuta (India) pero de nacionalidad británica. A los 16 años se trasladó al Reino Unido para estudiar en Cambridge. Estuvo como corresponsal en varios periódicos y en 1834 se trasladó a Paris. Su primera novela fue precisamente "Barry Lyndon" escrita en 1844 que le dió una gran popularidad. En 1848 publicó "La feria de las vanidades", que lo colocó como uno de los mejores escritores de la época. Sus últimas obras fueron "El viudo Lovel" (1860) y "Las aventuras de Philip" (1862) que confirmaron su aguda visión de la realidad capaz de descubrir toda su ironia y comicidad.

  Del guión  se encargó el tambien director de la película Stanley Kubrick. Un cineasta nacido en Nueva York. Su padre médico de profesión, le inculcó su pasión por la fotografia. Asi se convirtió en el más joven fotógrafo de la revista "Look". Pero renunció a esta carrera para dedicarse a la dirección. Después de unos cortos en 1953 rodó su primera película "Miedo y deseo" ("Fear an desiré"), una historia ambientada en la 2ª Guerra Mundial, financiada por su tio. Combinó las funciones de director, productor, editor fotógrafo y guionista. Se sentia en la necesidad de controlar cada aspecto de sus películas, desde la idea inicial hasta la distribución. Esta inclinación, le acarreó a lo largo de su carrera una reputacion de autoritario e intransigente.

  Tras "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("TheKilling"-1956), rodaría "Senderos de gloria" (Paths of Glory"-1957), un trabajo oscuro y subversivo sobre las trincheras en la 1ª Guerra Mundial y sobre la ejecución de tres soldados franceses, fue censurada en varios paises. También adaptó la novela de Vlademir Nabukov, "Lolita" (1962). En 1964 rodó la genial "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú", una fábula excentrica y apocaliptica en la que Kubirck da rienda suelta al genio cómico de Peter Sellers. Con "La naranja mecánica" ("A Clocwock Orange"-1971), le sucedió lo mismo que con "Senderos de gloria", ya que la crtica censuró la violencia de la película. No hay que olvidar que tras el éxito de "Senderos de gloria", protagonizada por Kirk Douglas, Kubrick repitió en 1960 "Espartaco" ("Spartacus"), una superproducciòn sobre la vida del legendario esclavo y gladiador romano, también con Douglas como protagonista 

  Los años 60 y 70 fueron paea Kubrick los más prolificos: "2001:Una odisea del espacio" ("A Space Odysey"-1968) tal vez su proyecto más ambicioso, donde le impuso como uno de los directores mas importantes del siglo XX, junto con Orson Welles y Max Ophuls. También rodó "Barry Lyndon"(1975). En 1980, su adaptación de "El resplandor" (·The Shining") de Stephen King, con Jack Nicholson, marcó su primera incursión en el cine de terror. Doce años pasaron entre "La chaqueta metálica" ("Full Metal Jacket-1987) y su último trabajo, "Eyes Wide Shut-1999), una aaptación de una novela de Artthur Schnidter, protagonizada por  aquel entonces matrimonio Tom Cruise  y Nicole Kidman.

  Asi pues, Kubrick nos lleva hasta Irlanda, Prusia, Escocia e Inglaterra, entre el año 1740 y 1789, y nos mete en la vida de Raymond Barry, un joven que se ve obligado a abandonar su hogar a causa de un duelo. Emprende entonces una vida de aventuras y ascenso social. Al contraer matrimonio con una aristócrara inglesa viud adopta su apellido de casada de ésta y pasa a llamarse Barry Lyndon...

  La película suma los géneros de drama, romance y guerra. Con su pasión por el detalle y el perfeccionamiento, Kubrick, narra la Europa del siglo XVIII, aburrida, estética, clasista y empobrecida por las guerras. Es la Europa del Viejo Régimen, que se aproxima a la Revolución Francesa, (que estalló en 1789) poco después de la´última escena de la película.

  En este marco se situa el protagonista, un personaje arribista, sin principios y sin escrupulos, que no conoce la lealtad y no busca el amor, sino el interés económico y la posicion social. De conducta disoluta y amoral,  conecta con otros héroes de Kubrick.

  La banda sonora fue dirigida por por Leonard Rosenman. Un compositor nacido en Nueva York. En sus inicios trabajó  como profesor de piano y de música de cámara. En 1955, por recomendación de James Dean queera uno de sus alumnos, hizo su primera colaboración para el cine con la banda sonora de "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) que obtuvo un gran éxito. A partir de entonces, escribió la musica de un gran número de películas. Sin embargo, nunca ganó el Oscar ala mejor banda sonora. Uno de sus mayores éxitos fue la visión animada de "El Señor de los anillos" ("The  Lord of the Rings"-1978) por la que obtuvo una nominación. También fue compositor de música clásica.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones de Bach, Vivaldi, Schubert y Mozart. El tema de amor está tomado de una melodia tradicional irlandesa y el tema central, de una sarabanda de Haendel, que evoca la fatalidad y el destino.

  La fotografia en color fue obra de John Alcott. Un director de fotografia nacido en Inglaterra. Empezó su carrera en el mundo del cine como asistente de cámara y en 1960 ya era primer asistente. Fue muy conocido por su colaboración en varias pelícuas de Stanley Kubrick tales como: "La naranja mecánica" ("A Clocwock Orange"-1971) y "Barry Lyndon"-1975.

  Y aqui,  se sirve de la cámara subjetiva, "zooms" de alejamiento que amplian el campo de visión, encuadres de detalles y un cromatismo vibrante. Se apoya en una buena coreografia y en la singularidad de las localizaciones. La película está rodada integramente en exteriores y escenarios reales de Irlanda, Inglaterra, Escocia y Alemania.

  Muy bien Ryan O’Neal, "Love Story" (1970), metido en el cuerpo de Barry Lyndon, Y con él: Marisa Berenson, "Casanova y compañia" ("Casanova &Co."-1977) como Honoria Lyndon; Patrick Magee, "La naranja mecánica" ("A Clocwork Orange"-1971) como el Señor de Balibari; Hardy Krüger, "El secreto de Santa Vittoria" ("The Secret of Santa Vittoria" -1969) como el capitán Polzdorf; Steven Berkaff, Octopussy"-1983) como Lord Ludd; Murray Melvin, "El hombre de Kiev" (The Fixer"-1968) como el Reverendo Samuel Runt...

  En definitiva: Una película perfecta con una fotografia y una banda sonora  insuperable, unas secuencias de ensueño al igual que el vestuario y como guinda final unos actores inigualables. Una película Matricula de Honor.

  "Barry Lymdon" logró cuatro Oscar en su dia: Fotografia en color (John  Alcott), Direccion artistica (Ken Adam, Roy Walker y Vernon Dixon), Banda sonora adaptada (Leonard Rosenman) y Vestuario (Milena Canonero). Este fue el año de "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest!-1975) de Milos Forman. ganadora de  cinco Oscar.

  A modo de anécdota: Muchas de las tomas fueron compuestas y filmadas para evocar a algunas pinturas del siglo XVIII, especialmente del artista inglés Thomas Gainsborough.

 


Hasta siempre!!!

Hasta siempre!!!

                 Ryan O’Neal

              El frivolo de Hollywood

  El pasado 8 de diciembre falleció a la edad de 82 años el actor estadounidense Ryan O’Neal. El actor siempre será recordado por su papel como Oliver en el drama romántico "Love Story"-1970. Nacido y criado en Los Angeles, algo poco común en una ciudad formada por inmigrantes, Ryan curiosamente no empezó su carrera en el cine, como tantos que llegaban buscando fortuna a las colinas de Hollywood, y no se formó alli como actor. Fue boxeador en su juventud. Después, a finales de los años cincuenta, su familia se mudó a Alemania y alli empezó a actuar como extra y doble de acción en algunas series televisivas.

  A partir de ahí, se le metió el gusanillo de la interpretación y fue al volver a su ciudad cuando epezó a labrarse un nombre, sobre todo en la televisión. Tras pasar por una veintena de personajes, primero secundarios y luego como protagonista, saltó a la fama con "Pleyton Place".que rodó durante cinco años, entre 1964 y 1969,  con actrices como Mia Farrow. Su papel como Dodney Harrington a lo largo de más de 500 episodios le convirtió en un rostro muy conocido en la televisión.

  Pero fue "Love Story", en 1970 la que le supuso un inmenso "boom global", tanto de critica como de público, reconocimiento y nominaciones, entre ellos el Oscar y el Globo de Oro, que no ganó. En febrero de 2001 le otorgaron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en una ceremonia doble donde también se reconoció a  su compañera de reparto Ali McGraw. El mismo explicó en algunas entrevistas que el papel de Oliver, el niño rico enamorado de la sencilla Jenny (McGraw), fue fundamental para su carrera porque estaba agotado de su trabajo en la televisión, a la que pretendia regresar (aunque si lo hizo más adelante en su carrera).

  La popularidad de la película dirigida por Arthur Hiller que costó dos millones de dólares, pero ganó mas de 106 millones y que él llegó a aborrecer, como contó en una entrevista en 2011, le convirtió en una estrella en los años setenta, década en la que rodó sus gramdes éxitos: "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973), de Peter Bogdanovich, y con la que trabajò con su hija Tatum que ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria y "Barry Lyndon"-1975 a las órdenes de Stanley Kubrick.

  En los ochenta, noventa y dos mil, paró de trabajar, aunque en titulos de menor repercusión. Su último trabajo, que le dió cierta popularidad en nuevas generaciones, fue en la serie "Bones", donde grabó dos docenas de episodios en distintas temporadas entre 2006 y 2017.

  Ryan O’Neal fue parte de una estirpe de intérpretes que él mismo continuó. Su madre era actriz, su padre guionista y él mismo mantuvo relaciones con tres actrices que le dieron como fruto, otros actores, (con los que durante décadas mantuvo una compleja y distante relación). A principios de los sesenta estuvo casado con la actriz Joanna Moore, con la que tuvo dos hijos, Griffin y Tatum y de quien se separó en 1967. El se quedó con la custodia de sus dos hijos a causa de la adicción y problemas mentales de Moore.

  En 1986, con 22 años, Griffin se vió envuelto en un accidente con unas lanchas en un lago mientras navegaba con Gian-Carlo Coppola, el hijo de Francis Ford Coppola, que falleció con apenas 23 años. El conducia, la motora y fue condenado a 400 horas de trabajos sociales, que no cumplió por lo que pasó 18 dias en la cárcel. En 2007, se peleó a tiros con su padre en casa durante el 60 cumpleaños de Farrah Fawcett..

  Por su parte Tatum también ha desarrolado una carrera como actriz, y de hecho llegó a ser la persona más joven en ganar un Oscar, con solo 10 años, fue con la película "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Al igual que su padre, también ocupó las revistas del corazón por su matrimonio con el tenista John McEnroe, entre 1986 y 1992, con quien tuvo tres hijos. Su mala relación y sobre todo sus intentos de reconciliación con su padre quedaron reflejados en un reality de televisión en 2011 titulado "Los O’Neils", que solo duró ocho capitulos.

  Tras divorciarse de Joanna Moore en 1967, ese mismo año se casó con Leigh Taylor-Young, quien fue su compañera de reparto durante años en "Peyton Place". Tuvieron un hijo Patrick, y se separaron  en 1971. Para entonces, el actor tenia 30 años y tres hijos a su cargo. Pero fue a finales de los setenta cuando conició a su compañera mas famosa, con quien vivió durante años en Malibú, pero con la que nunca se casó: la también actriz Farrah Fawcett, con quien mantuvo una relación desde 1979 hasta 1997. En 1985 tuvieron un hijo, Redmont que fue diagnosticado con ezquirofenia y trastorno bipolar, tras pasar por varias adicciones y episodios violentos que le llegaron a vivir en la calle y pasar por la cárcel.

  La protagonisra de "Los angeles de Charlie", dejó a Ryan cuando le descubrio en plena infidelidad, pero entre ambos habia una larga historia de peleas y agresividad. Retomaron su relación en 2001, poco después del diagnóstico de leucemia del actor, y siguieron juntos hasta la muerte de Farrah, en 2009. Su relación quedó reflejada en una autobiografia en 2012 titulada: "Both of Us: My life with Farrah".

  Lo que si hay que reconocer que sin duda alguna, todos aquellos que lo conocieron o lo admiraron le echarán mucho de menos.

  Ryan O’Neal - Los Angeles (Estados Unidos) - 20 - abril - 1941-Los Angeles (Estados Unidos) - 8 - diciembre - 2023

                                      ¡DESCANSE EN PAZ!


 

Patton (1970)

Patton (1970)

           

             "La gloria es siempre pasajera".

  Excelente película de género bélico-biográfico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Francis Ford Coppola y Edmund  H. North. Coppola es un cineasta nacido en Michigan, y una de las figuras más destacadas del Nuevo Hollywood que tuvo lugar en la década de 1970, junto a cineastas como Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian De Palma y George Lucas. Ganador de cinco Oscar, tres de ellos como guionista: "Patoon" (1970), "El padrino" ("The Godfather"-1972) y "El padrino II" (The Godfather II"-1974), siendo el segundo cineasta que ha recibido tres estatuillas por una misma pelicula. 

  En cuanto a North. Fue un guionista nacido en Los Angeles. Era hijo de Bobby North y Stella Maury que actuaban en vodevil y en Ziegfeld Foilles. Sus comienzos fueron escribiendo obras de teatro mientras asistió en la Academia Militar de Colver en Indiana y en la Universidad de Stanford. Fue presidente de la Writers Guild of America. Entre sus guiones para el cine caben de destacar ademas de "Patton" (1970), "¡Hundid el Bismark!" ("Sink  ot Bismark!"-1960) y "Ultimátum a la Tierra" ("The Day  the Earth Stood  Still"-2008).

  "Patton" está dirigida por Franklin J. Schaffiner. Un director nacido en Tokio (Japón). Hijo de misioneros, sus padres residian en Tokio, y creció alli. Posteriormente retornó a Estados Unidos y se graduó en el Colegio Franklin and Marshall en Lancaster donde participó en dramas. Estudió Derecho en la Universidad de Columbia, pero su educacion fue interrumpida para incorporarse en la Armada de Estados Unidos al estallar la 2ª Guerra Mundial donde luchó en Europa y en el Norte de Africa. Casi al final de la contienda fue enviado al lejano Oriente para incorporarse en la Oficina de Servicios Estratégicos.

  Regresó a Estados Unidos después de la guerra, y tiempo después consiguió un empleo en la televisión con el programa "March  of Time" y más terde lo contrató la cadena CBS. Ganó un premio Emmy, por una grabación en 1954, llamada "Twelve Angry Men" y dos premios más en 1955, y un cuarto Emmy por su serie televisiva "The Defenders" (Los defensores"-1961-1965) protagonizada por E.G.Mrshall y Robert Reed.

  Su debut en el cine como director fue con la película "Rosas perdidas" ("The Stripper"-1963) con Joane Woodward y Richard Beymer, que recibó buenas criticas, pero la que le dieron celebridad fueron "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968) con Charlton Heston y "Patton" (!970) con la que logró un Oscar y un Premio Directors Guild of America a la mejor dirección.

  También colaboró en algunas películas con Jerry Goldsmith en la composición de la banda sonora. Su última  película fue "Bienvenido a casa" ("Welcome Home"-1989) con Kris Kristtoferson y Joberth  Williams.

  La acción nos lleva hasta Marruecos, Túnez, Sicilia, Córcega, Creta y Francia. Y nos mete en la vida de George S. Patton, un general de 3 estrellas recién ascendido. Desembarca amigablemente en el puerto de Casablanca y asume el mando de las fuerzas americanas en el Norte de Africa desmoralizadas tras la derrota de El Paso de Kasserine (Túnez) y las lleva a la victoria de la batalla de El Guettar (Túnez). Dirige las fuerzas americanas que desembarcaron en Sicilia y libera la isla, tras la toma de Palermo y Messina. A finales de 1944 se hace cargo del mando del tercer ejército, participa en la batalla de Las Ardenas y rompe el asedio de la ciudad de Bastogne (Bélgica), tras una dura lucha...

  La película construye una minuciosa y detallada semblanza del personaje. De compleja personalidad, excéntrico e inconformista, es culto, tiene buenos conocinientis de historia mlitar y se refiere con admiración y conocimiento de causa a los grandes guerreos de la historia (César, Napoleón, Guillermo el Conquistador, Federico el Grande...). Personalmente tozudo, vanidoso y malhablado, es autoritario y prefeccionista. Hace uso de la pompa y el histrionismo para atraer la simpatia de los suyos y confundir al enemigo.

  Como militar es un buen estrategia, toma decisiones con rapidez, dicta órdenes claras, tiene carisma delider y sabe infundir a los suyos coraje y confianza en la victoria. Conoce, reconoce y lamenta sus grandes defectos: afición al protagonismo, decir en público lo que piensa en privado, ser demasiado claro y nada ambiguo en sus declarciones a los medios, adoptar posiciones incómodas para sus superiores, no ocultar sus antipatia personales (mariscal Montgomery) e ideológicas (comunismo), su descuido en las formas dipolmáticas, etc.. Se considera cristiano practicante,  lee la Biblia, pero cree en la reencarnación.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por Fred J. Koinekamp. Un director de fotografia nacido en Los Angeles. Cuando contaba 23 años recibió una llamada de un lider sindicalista cinematográfico, y le ofrcció un trabajo como cargador de películas en la RKO Pictures. Y asi fue como sefascinó por el cine. De principio su trabajo fue un poco tumultoso pero más tarde comenzó a trabajar sin descanso, primero como asistente de cámara y después como director de fotografia. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones, lográndolo por fin por la película "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974 protagonizada por Steve McQueen y Paul Newman.

  Y aqui aportando composiciones de factura muy cuidada, con imágenes realistas y planos generales abiertos, que no singularizan a los personajes. La película se rodó en escenarios naturales de Rabat, Casablanca (Marruecos). Timged (Argelia), Creta, Italia e Inglaterra. Y en su mayoria en España: La Granja (Segovia), Almeria y en Sierra de Urbase (Navarra), algunas escenas también fueron rodadas en Los Angeles, concretamente en el Bob Hope Patriotic Hall (Estados Unidos).

  La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith. Uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografia, nacido en California. Aprendió a tocar el piano a la edad de seis años y alos catorce estudió composición, teoria y contrapunto. Su musica nunca se quedó estancada en ningún sitio, sino que se adaptó a las exigemcias de la película, desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas.

  Tocó todos los géneros a lo  largo de su carrera, aunque fue en el cine fantástico donde logró sus éxitos más populares:"El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968), "La profecia" ("The Owen"-1976), "La fuga de Logan" ("Logan`s Run"-1976) y "Atmósfera cero" ("Outlan"-1981) entre otras. Sus últimos años lo dedicó implantado cursos de composición para el cine a jovenes músicos en la Universidad Sur de California.

  Y aqui componiendo música de aires marciales y bélicos, ofrece un tema principal de trompetas solitarias, de gran lirismo, que evoca desolación, guerra y muerte.

  Extraordinario George C. Scott, "El último de la lista" ("The List of Adrian Messenger"-1963) metido en el uniforme del general George S. Patton y muy bien ayudado por Karl Malden, "Yo confieso" ("I Confess"-1953) también con el uniforme del general Omar N. Bradley. Seguidos por Stephen Young, "El payaso asesino" ("The Clown Murders"-1976) como el capitán Chester B. Hansen; Michael Bates, "La naranja mecánica" ("A Clokwork Oranges"-1971) como Sir Bernard Law; Michael Strong, "Ladrón y amante" (Dead Heat on a Merry-Go-Round"-1966) como el general de brigada Herbert Carver; Frank Latimore, "A pleno sol" ("Plein Solei"-1960) como el teniente coronel Henry Dowen...

  En definitiva: Una película que para mi es uno de los mejores biopics realizados nunca. Una película que sabe captar con notable brillantez el espiritu de ese polémico y audaz general. Una película Matricula de Honor.

  "Patton" logró 7 Oscar en 1970 (Fue la película del año) : Mejor película, Mejor director; Mejor actor (George C. Scott); Mejor guión (Francis Ford Coppola y Edmund H. North); Montaje (Hugh  Flower); Sonido (Douglas Willims y Don Basseman) y Dirección artistica (Urie McCleany, Gil Parrondo, Antonio Mateos y Pierre Lovis Thevenet.

  A modo de curiosidad: George C. Scott rechazó su nominación al Oscar como mejor actor, y tuvo la decencia de hacerle saber a la Academia que rechazaria el Oscar si lo ganaba. Ganó el Oscar de todos modos, y supuestamente calificó a los Oscar como "un desfile de mercancia de dos horas de duración". (Genio y Figura).

 



Las largas vacaciones del 36 (1976)

Las largas vacaciones del 36 (1976)

       En recuerdo de: Concha Velasco

  Yo también soy rojo y ni robo, ni asesino. Me dedico simplemente a enseñar geografia, historia, matemáticas, lengua y literatura, para desasnar a los niños de este pueblo y ahora vosotros..."

  Muy buena película de género dramático (Guerra Civil Española) y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Manuel Gutiérrez Aragón. Un cineasta nacido en Torrelavega (Santander). Graduado en Filosofia y Letras en 1970. Se graduó como realizador en la Escuela Oficial de Cine en Madrid. Debutó como director con la película "Habla mudita" (1973) donde consiguió el Premio de la Critica en el Festival de Berlin. Entre 1974 y 1975 escribio los guiones de "Furtivos" (1975) y "Las truchas" (1978) y se consagró como uno de los mejores realizadores con "Camada negra" (1977) y "El corazón del bosque" (1978).

  En 1975 debutó en el teatro dirigiendo la adaptación de Peter Wess "El proceso de Frank Kafka". En 1991 dirigió para la televisión la serie "El Quijote". En 1993 fue elegido Presidente de la Sociedad General de Autores y Editores que lo fue hasta 2001. Como novelista se estrenó con "La vida antes de marzo" (2009) galardonada con el Premio Heralde de Novela y el 16 de abril de 2015 fue elegido Academico de número por la Real  Academia Española, donde tomó posesión del cargo el 24 de enero de 2016.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Jaime Camino. Un cineasta nacido en Barcelona. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona y cursó además estudios musicales (piano y armonia). Tras un primer trabajo literario en forma de novela ("La coraza", finalista del Premio Nsdal y todavia inédita), se le asoció habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación del cine bajo la dictadura de Franco y orientados hacia la Nouvelle vague francesa. Estuvo entre los fundadores del Institito del Cine Catalán en 1975.

  Entre sus películas hay que destacar la de su debut en 1963 con "Los felices 60", una critica a la burguesia catalana, "Mañana será otro dia" (1966) una ácida visión del mundo de la publicidad y  "Dragón Rapid" (1986), visión de la conspiración militar durante los dias previos a la Guerra Civil Española, centrada en el avión que llevó al futuro dictador Francisco Franco desde Marruecos a España. En "El balcón abierto" (1984), con guión de Caballero Bonald, se acerca a la figura de Federico Garcia Lorca y en "El largo invierno" (1992), contó com el gran Vittorio Gasman como protagonista.

  Tuvo como era de esperar tropezones con la censura franquista con "Las largas vacaciones del 36" (1976), para la cual la escecna de la entrada de la caballeria mora a Barcelona fue todo un problema. Su último trabajo fue el documetal "Los niños de Rusia" (2011), una historia sobre los niños españoles exiliados a Rusia durante la Guerra Civil Española. En 2008 recibió el Premio Gaudi de Honor, concedido por la Academia Catalana de Cine.

  Asi pues, Camino nos lleva hasta la Guerra Civil Española (1936-1939) y en donde por sospresa cogió a mucha gente que estaba en plenas vacaciones estivales. Y alli en un pueblecito cercano a Bsrcelona, varias familias amigas decidieron seguir en sus casa de veraneo hasta que terminase la guerra. Para los niños fueron estas unas largas e inesperadas vacaciones, Prero a medida que la guerra se  recrudecia, la actitud de los adultos empezó a cambiar: algunos iban diariamemte a Barcelona para mantener su trabajo, otros en cambio, tuvieron que permanecer escondidos debido a sus ideologías politicas...

  Muy buena película y muy bien reconstruido el ambiente vivido en Cataluña en los primeros dias de la  guerra. Aunque paa mi ha sido una película muy infravalorada. El cine de Camino tiene la mayoria de las veces cono  foco temático la Guerra Civil y en este caso la ficción es sólida y sobresaliente, escrita por él y por Gutierrez Aragón, acaba por ser una amarga, documentada y poderosa crónica de realismo.

  El hecho de que la película estuvo realizada en 1976 hizo de que fuera la primera película que abordaba la contienda española desde la perspectiva republicana, resultando una historia antimaniquea (defecto tan caro al cine propagandistico y nefasto del franquismo), depurado y riguroso, que se revela de no poco calado sociológico (en condición de ficción realista me comueve y convence más que otras inspiradas en hechos históricos reales) y donde la perfección de los dos grandes grupos de personajes queda magistralmente definida: los niños haciéndose hombres y mujeres precipitadamente y jugando a la guerra, y los adultos jugando a sobrevivir. Lo que queda entre ambos son unas vacaciones eternas en un año eterno.

  La banda sonora corrió a cargo de Xavier Montsalvatge. Un compositor nacido en Gerona. Estudió música en el Conservatorio de Barcelona, donde posteriormente sería profesor desde 1970 y académico desde 1978. Es autor de una vasta obra que abarca practicamente todos los géneros, desde la ópera "El gato con botas" hasta la música de cámara "Cuarteto indiano". También colaboró en el cine, siendo autor de la ambiemtación musical de varias películas. Estuvo nominado al Premio Goya a la mejor música original por"Dragón Rapide" (1986).

  Y aqui, poniendo una música de canciones  de la época de Imperio Argentina, Concha Piquer y Miguel de Molina entre otros, también con algunos versos de Garcia Lorca y Antonio Machado.

  La fotografia en un color claroscuro fue obra de Fernando Arribas. Un director de fotografia nacido en Madrid. Galardonado con el Goya por "Divinas palabras" (1987), fundador y presidente emérito de la Asociación Española de Directores de Fotografia (AEC). Era también miembro de la Academia de Cine. Arribas puso su trabajo en numerosas películas como por ejemplo "Las crueles" (1969) de Vicente Aranda y "Tormento" (1974) de Pedro Olea. También  participó en producciones internacionales como: "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollare" (1964) de Sergio Leone y "Patton" (1970) de Franklin J. Schaffiner.

  Y aqui,  mostrándonos unas magnificas imágenes, como bien digo en un claroscuro (para dar más intensidad a esta oscura historia), recreándose en los personajes principales, y creando un ambiente sumamente inmejorable (la entrada de la caballeria mora a Barcelona), son imágenes para el recuerdo. La película se rodó integramente en los interiores del pueblo de Gelida, en la comarca vitivinicola de I’All Penedes (Barcelona).

  Magnifico el reparto de actores encabezados por nuestra querida y llorada Concha Velasco, "Historias de la televisión" (1965), metida en el cuerpo de Mercedes y seguida por Francisco Rabal, "Llanto por un bandido" (1964) como el Maestro;  Vicente Parra, "¿Dónde vas, Alfonso XII?" (1958) como Paco; José Sacristán, "Un hombre llamado Flor de Otoño" (1978) como José; Analia Gadé, "La fiel Infanteria" (1960) como Virginia; Angela Molina, Demonios en el jardin" (1982) como Encarna; Ismael Merlo, "La caza" (1956) como el Abuelo; Charo Soriano, "La casa de las chivas" (1972) como Rosita...

  En definitiva: Una muy buena pelicula, y una de las más estimables sobre ese periodo de esa maldita guerra. Una pelicula muy recomendable por su interés pedagogico e historico y más para aquellos que aún no saben o no conocen como comenzó aquel largo verano del 36. Sobresaliente.

  "Las largas vacaciones del 36" ganó el Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cine de Berlin.

  A modo de curiosidad: A pesar de que el dictador Franco todavia vivo pero en sus últimos meses  de vida, Jaime Camino tuvo la valentia de rodar la película. De hecho, la muerte del dictador sobrevino al equipo en pleno rodaje. Camino se encontró con numerosas dificultades para realizar la película, un tema tabú en aquella época pero finalmente, la película se estrenó en 1976.

 

 

 



 


Hasta siempre!!!

Hasta siempre!!!

           Concha Velasco (Conchita)

                 "La eterna chica ye yé"

  El pasado 2 de diciembre y a la edad de 84 años falleció nuestra querida e inolvidable Concha Velasco en el Hospital Puerta de Hierro de Majadohonda (Madrid). Concha Velasco (por aquel entonces Conchita) inició su carrera artistica a los 15 años con la película "La reina mora" (1955) de Raúl Alfonso y protagonizada por Antoñita Moreno, Pepe Marchena y Miguel Ligero. Pero su consagración llegó con "Las chicas de la Cruz Roja" (1958) de Rafael J. Salvia y teniendo como compañero a Tony Leblanc (con el que interpretó varias películas mas), Numerosos éxitos se sucederian después. En 1965 rodó "Historias de la televisión" de José Luis Sáenz de Heredia. Tras  su estreno Concha se convirtió para siempre en "la chica ye yé", titulo de la canción de Augusto Algueró que cantaba en la película. Su inesperado estrellato en la música le permitió grabar ocho discos más, aunque ella nunca se reconoció como cantante.

  Concha Velasco recibió en febrero de 2013 el Goya de Honor a toda su trayectoria. "Poca gente hay como ella", dijo Enrique González Macho, presidente dela Academia del Cine, y tenia razón. Concha con más de 80 películas rodadas, series y programas de televisión, e innumerables exitos teatrales, recogia su premio más deseado, al que fue nominada en dos ocasiones sin suerte. Aquella jovencita que estudió danza clásica, que debutó en el Cuerpo de Baile de la Opera de A Coruña, que zapateó como bailarina en la Compañia de Manolo Caracol y que fue chica de revista, con Celia Gámez, obtenia el reconocimiento oficial y el aplauso que merecia como la gran dama de la interpretación que siempre habia sido.

  El mundo artistico le dió a Concha lo mejor y lo peor de su vida. Incombustible y llena de energia rodó más de 80 películas, estrenó obras de teatro y musicales por toda España grabó miticas series de televisión y presentó programas en la pequeña pantalla que permitieron financiar sus sueños teatrales. Ser actriz le abrió las puertas de un paraiso donde se cruzó con los grandes hombres de su vida.

  Conoció a Tony Leblanc, con el que rodó seis películas. El actor fue más que un amigo para Concha, fue un hermano, un hombre al que admiró. El cariño que les unió en 1958 fue creciendo y consolidando con los años, y la muerte de Tony en noviembre de 2012 dejó huérfana a la actriz. El teatro le legaria también a Adolfo Marsillach. El actor y director escribió su primera obra teatral, "Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?", para ella. Gracias a él, además Concha conoció al hombre de su vida el productor Paco Marsó.

  Antonio Gala, el escritor, fue intimo amigo de Concha. Además fue el hombre que ideó para ella grandes papeles teatrales. Pensando en Concha, Gala escribió obras como: "La truhana", "Carmen, Carmen", "Las manzanss del viernes" o "Inés desabrochada". Concha Velasco se casó con Paco Marsó en 1976. Tuvieron dos hijos: Manolo y Paco. La pareja saboreó las mieles del éxito, pero también el fracaso y la ruina económica. Los años de esplendor se alternaron con los embargos y las deudas. Los vaivenes económicos dejaron huella en Concha: úlcera de estómago, depresiones y una cada vez mayor distancia con su marido.

  Tras varias separaciones y otras tantas reconciliaciones, el matrimonio se separó definitivamente en 2005. Marsó dejó de ser su representante y ella se hizo cargo de todas las deudas. Debido a ellas ya habian vendido su casa en La Moraleja en 1998 y vivian en su antiguo piso de Madrid, que poco después tuvo que poner en venta.

  Pero el peor episodio en sus vidas llegaria un año después de su separación. Paco Marsó se convirtió en un asiduo de los programas televisivos e hizo público su adición al juego y a sus numerosas infidelidades en los 28 años que estuvo casado con Concha que, en 2009 se enteró por la prensa de que Marsó se casaba con una joven cubana con la que iba a tener un hijo. Se declaró "desconcertada" y firmaron los papeles del divorcio un año después. A pesar de todo, de que su vida junto a Paco fue una montaña rusa emocional, la actriz viajó de Madrid a Málaga en noviembre de 2010 para dar el último adios al que fue "el hombre de su vida". Destrozada y arropada por sus hijos, despidió al que fuera su marido, fallecido de un infarto. El corazón de Concha se sintió viudo.

  Concha amó a otro grande de la escena, Fernando Fernán Gómez, pero el suyo fue un amor platónico. "Era el que mejor besaba", dijo sin ocultar que le hubiera gustado tener "una historia con él", pero se cruzó Emma Cohen. En la ficción nunca se le resistió nadie, pero en la vida, Concha siempre se sintió como una "mal querida".

  La que fuera "chica ye yé" y rostro pizpireta de muchas películss antes de la transición demostró su enorme talento después, rodando a las órdenes de grandes directores como Pedro Olea, Josefina Molina o Luis Gsrcia Berlanga. Dos nominaciones al Goya y una lista de premios que superaron la treintena de galardones, incluida la Medalla de Oro de las Bellas Artes, alcazan una carrera que la ha valido el respeto y la admiración de sus compañeros de profesión y el cariño del público.

  Pero además, Concha será para siempre "Teresa de Jesús", porque interpretándola en una serie para la televisión en 1984 bordó uno de sus mejores trabajos.  Tras algunas propuestas de poca reputación, como ella misma declaró, sus últimos papeles en la pequeña pantalla "Herederos" (2007-2009) y "Gran Hotel (2011), la reivindicaron como la gran dama de la interpretación que siempre ha sido. Tras un tiempo parada en 2016 regresa a la televisión haciendo papeles  para Antena 3 y, a continuación, para la primera serie de Netflix española, "Las chicas del cable" (2017) junto a Blanca Suárez y Martin Rivas.

  2014 fue un año muy duro para Concha, ya que estuvo a punto de morir en una de las varias operaciones quirúrgicas a la que fue sometida po un linfoma. Retirada varios meses y sin saber si podria volver a trabajar, finalmente, las pruebas médicas que se realizaron fueron muy positivas. A finales de septiembre, reegresó en el teatro de Zaragoza, con la obra "Olivia y Eugenio". Su retorno a los escenarios, además coincidió con la publicación de sus memorias, bajo el titulo "El éxito se paga".

  A finales de diciembre de 2022, Concha volvió a ser ingresada en el hospital, ya que según declaró su hijo Manolo: "Su débil estado de salud se deteriora muy rápido". Recibió el alta el 1 de enero de 2023, pero durante ese año, fueron muchos los momentos de preocupación por la salud de la actriz...

  Concepción Velasco Verona (Concha Conchita Velasco) - Valladolid - 23-noviembre-1939-Majadahonda (Madrid)-2-diciembre-2023

                             ¡DESCANSE EN PAZ!

  Buscate una chica, una chica ye yé

  Que tenga mucho ritmo y que cante en inglés

  El pelo alborotado

  Y las medias de color

  Una chica ye yé

  Una chica ye yé que te comprenda como yo...