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La profecia (The Omen-1976)

          En recuerdo de: Richard Donner

  "Cuando los judios regresen a Sión, un cometa surge del cielo y el sacro imperio renazca, entonces tú y yo moriremos. Del mar eterno surgirá aquel que creará poderosos ejércitos, y volverá al hombre contra su hermano hasta que ya no exista más..."

  Aterradora y a la vez magnífica pelicula de género de terror y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de David Seltzer. Un guionísta y director nacido en Illinois. Muy conocido por haber escrito precisamente esta novela. En 1971 contribuyó como guionísta no acreditado en la película musical "Un mundo de fantasia" ("Willy  Wonka and the Chocolate Factury"). En 1976 se incrementó su popularidad al ser solicitado por Richard Donner para escribir "La profecia". Tanto la película como el libro constituyeron uno de los mayores éxitos de los últimos tiempos.

  "La profecia" está dirigida por Richard Donner. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre muy reconocido por realizar películas de diversos géneros como por ejemplo la de terror "La profecia" ("The Omen"-1976), la de  culto juvenil de aventuras "Los Goonies" ("The Goonies"-1985), y por haber sido el encargado de la primera adaptación del superhéroe Superman a la pantalla grande "Superman"-1978 protagonizada poe Christopher Reeve y Marlon Brando, entre otros proyectos. También era el encargado de realizar la segunda secuela de ésta "Superman II"-1980 pero fue reemplazdo por Richard Lester a mitad de la producción. Sin embargo Donner, si terminó realizando su propia versión de "Superman II" titulada "Superman II: The Richard Donner Cut", lanzada en 2006.

  La historia da comienzo cuando Kathy Thorn da a luz a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la verdad y sustituye a su hijo por un niño huérfano, ignorando su origen satánico. El horror empieza cuando, en el cumpleaños de Damien (nombre del niño), inesperadamente, su niñera se suicida. Un sacerdote que trata de advertir a Robert del peligro que corre, muere en un inesperado accidente. El creciente número de muertes hace que Robert, por fin se de cuenta de que el niño adoptado es el Anticristo y que hay que eliminarlo para impedir que se cumpla una terrible profecia...

  Una de las mejores películas de terror de los años 70. Una película del todo convincente y fascinante y, en donde sabe llevar con firmeza y sin caer en clichés todo lo relativo al Mal y su entorno. Donner pues, nos ofrece toda una lección de estilo sabiendo aterrorizar a base de inolvidables y muy bien ubicados golpes de efecto (todo lo relativo a las muertes de los personajes).

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Jerry Goldmith. Un compositor nacido en Los Angeles. Aprendió a tocar el piano a los seis años de edad., y a los catorce estudió composición con los maestros Jakob Gimpel y Mario Casternnovo. Su música no se quedaba estancada en ningún estilo, sino que se adaptó a las exigencias de cada una de sus películas. Sus comienzos fueron para la televisión en series tan exitosas como: "Perry Mason" y "El agente de CIPOL" que por supuesto le dieron a conocer. Solamente recibió un Oscar precisamente por "La profecia", aunque estuvo nominado en la friolera de 17 ocasiones.

  Y aqui, creando posiblemente la mejor musica de todas sus películas, toda una obra maestra de principio a fin. Una banda sonora inconfundible, y en la que la presencia del Mal puro nunca ha sido igualado.

27/07/2021 08:30 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Hasta siempre!!!

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              Richard Donner

              Uno de los grandes directores

  El pasado dia 5 y a la edad de 91 años falleció el ya mítico director estadounidense Richard Donner.

  La diversiòn de este gran cineasta siempre estuvo garantizada, intentó imbuir encanto a sus personajes, fueran protagonistas o antagonistas. Su absoluta comprensión de la importancia de la historia, el tono y el ritmo siempre le permitió desenvolverse con facilidad en géneros diferentes, desde las películas de terror, como "La profecia" ("The Omen"-1976), hasta las aventuras del comic, como"Superman"-1978, pasando por las películas de acción y las comedias.

  Donner pasó veinte años dirigiendo para la televisión antes de ser contratado para realizar "La profecia". Tras eliminar del guión los aspectos selecionados con la adoración del diablo, se centró en el terror de un padre comvencido de que debe de matar a su hijo.

  La película fue un éxito de taquilla y le permitió rodar una película más influyente "Superman"-1978. Donner era consciente de que el público tenia que creer que un hombre podria volar para tomarse en serio a sus personajes. Desgraciadamente al final se tardó un año en perfeccionar los efectos especiales, lo que retrasó la producción de la película y obligó a suspender el rodaje de "Superman II"-1980.

  Los productores se mostraron disgustados por estos retrasos y pese a que "Superman" fue un gran éxito no pudo terminar "Superman II". Donner se centró luego en trabajos de menor presupuesto.

  En su producción  posterior destaca una película de culto "Los fantasmas atacan al jefe" ("Scrooged"-1988), que logró una insólita dulzura con un guión sadomasoquísta. Sin embargo su película más pòpular ha sido la saga de "Arma letal", en la que los personajes han evolucionado hasta convertirse en un grupo adorable. Aunque sus vidas puedan estar llenas de violencia y muerte, los amigos y la familia hacen que la vida merezca la pena. Su última película fue "16 calles"("16 Blocks"-2006), una historia de persecuciones protagonizada por Bruce Willis.

  En 2000, recibió el Premio del Presidente de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasia y Películas de Terror. También fue nominado al Mejor Director en 1978 por "Superman". Fué además uno de los escritores del comic "El último hijo de Krypton", donde llama Christopher al hijo del General Zod, en honor de Christopher Reeve.

  Richard Donald Schwartzber (Richard Donner) - Nueva York - 24- abril - 1930 - Los Angeles - 5 - julio - 2021

                                   ¡DESCANSE EN PAZ!

09/07/2021 16:29 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein - 1974)

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  ¿Doctor Frankenstein?.. Es Frankonstein... ¿Y también dice usted Frodorick?...

  Divertidísima y a la vez dispararada pelicula de género de comedia de terror y de nacionalidad  estadounidense, basada en una novela de Mary Shelley. Una escritora, dramaturga, ensayista y biógrafa nacida en Londres. Muy reconocida principalmente por ser la autora de la novela gótica "Frankenstein o el modeno Promoteo" (1818), considerada la primera novela de ciencia-ficción moderna y, que logró inagurar el género. También editó y promocionó las obras de su esposo, el  poeta y filósofo romántico Percy Bysse Shelley. Su padre fué también el filósofo y político William Godwin y su madre la filósofa Mary Wollstowecraft.

  Del guión se hicieron cargo Gene Wilder. Un cineasta nacido en Wisconsin. Se convirtió en actor de la gran pantalla gracias a su perfecta actuación en una escena de "Bonnie and Clyde"-1967. En una producción de Broadway, "Morther Courage and Her Children" (1963), conoció a Anne Bancroft, que en aquella época salia con Mel Brooks (se casaron en 1964). Entre los dos hombres se creó una complicidad inmediata, y la amistad hizo que Wilder se convirtiera en parte del "inventario" de la compañia de Brooks.

  Wilder en contra de todas las presiones, consiguió hacerse su propio hueco en la pantalla gracias a su exibición como el errático contable Leo Bloom en el primer tercio de la comedia de Brooks "Los productores" ("The Producers"-1967). Fue nominado al Oscar al Mejor actor secundario por esta actuación.

  Demasiado dulce para "Tengo una prima en el Bronx" ("Quackser Fortune Has a Cousin in the Bronx"-1970) y "Un mundo de fantasia" ("Willy Wonka and the Chocolate Factory"-1971), volvió con Brooks para aparecer como el pistolero chamuscado de "Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974) y una parodia espléndida de Basil Rathbone en "El jovencito Frankenstein" (Young Frankenstein"-1974), la película que le lanzó al estrellato.

  Wilder colaboró en el guión de "El jovencito Frankenstein", se dirigió a si mismo en "El hermano más listo de Sherlock Holmes" ("The Adventure of Sherlock Holmes’ ’ Smater Brother"-1975) y siguió explotando la vena paródica con resultados menos graciosos en "El mejor amante del mundo" ("The World’s Greatest Lover"-1977) y "Terrorífica luna de miel" ("Hountod Honeywoon"-1986).

  Una genial colaboración con Richard Prior en la traviesa comedia "El expreso de Chicago" ("Silver Streak"-1976) le condujo a productos cómicos más apropiados como "Locos de remate" ("Stir Crazy"-1980) y "No me chilles que no te veo" ("See No Evil, Hear No Evil"-1989). Con "La mujer de rojo" ("The Woman in Red"-1984) que dirigió él mismo y en "Funny Baby" (Funny About Love"-1990), dirigida por Leonard Nimoy, Wilder rebasó con creces la autocomplaciencia. En 1991 seretiró del cine y en 2005 publicó sus memorias tituladas "Kiss Me Like a Stranger".

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Mel Brooks. Un cineasta nacido en Nueva York. Demostró que es posible realizar un humor loco de calidad. Debutó en la comedia trabajando como guionísta en la serie televisiva "Your Show of Shows" (1950-54). Pronto comenzaría a colaborar con el guionísta y comediante Carl Reiner con el que formaría un dúo cómico. Su primera película como director "Los productores" ("The Producers"-1967), le presentó como un autor politicamente incorrecto.

  Mel Brooks alcanzó su apogeo como director a mediados de los años setenta con dos películas casi perfectas "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974) y "Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974). La primera, que retoma la historia del mítico científico y su monstruosa creación, es una referencia de las películas de terror de la Unibersal Studios. La segunda, protagonizada como la anterior por Gene Wilder, es una divertida aproximación al western. Ambas están llenas de humor cómico y estereotipos raciales, pero Brooks demostró que esos temas tabúes ya podian ser tratados.

  Por desgracia Brooks, pronto comenzó a decaer como cineasta. "Máxima ansiedad" ("High Anxiety"-1977), una parodia de Alfred Hitchcock, era una burda imitación de sus predecedoras, mientras que, "La loca historia del mundo" ("History of the World"-1981) parecia dispersa. De hecho, durante varios años Brooks se concentró en la producción, con varios dramas como "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980), de David Lynch y "La mosca" ("The Fly"-1986), de David Cronenberg.

  Volvió a colocarse tras las cámaras en "La loca historia de las galaxias" ("Spaceballs"-1987). Las siguientes películas, "¿Qué asco de vida?" ("Life Stinks"-1991), "Las locas aventuras de Robin Hood" ("Robin Hood: Men in Tights"-1993) y "Drácula, un muerto muy contento y feliz" ("Drácula: Dead an Loving It"-1995), no valian mucho. Sin embargo, su adaptación teatral musical de "Los productores" (2001), fue aclamada en Broadway.

  La historia pues, nos mete en la vida del joven doctor Frankenstein, un neurocirujano norteamericano, que trata de escapar del estigma legado por su abuelo, quien creó años atrás una horrible criatura. Pero cuando hereda el castillo de su abuelo y descubre un extraño manual científico en el que se explica paso a paso cómo devolverle la vida a un cadáver, es asi cuando comienza a crear su propio monstruo...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde su humor se apoya en la parodia que se establece de aquellas películas de la Universal de los años 30 y, por extensión, del género de terror en general. La imitación burlesca de ésta se construye con respeto, admiración, intenciones de homenaje y desde la acreditada cinefilía que caracteriza a Brooks. El desarrollo de la historia incorpora recursos de humor de muy diversa naturaleza, que se combinan con acierto y en proporciones adecuadas.

  Hay lances de humor negro, expresiones ingeniosas, ironía, sátira, juegos de palabras, equívocos, elememtos absurdos, rupturas de las convenciones habituales de la representación, torpezas, rarezas, confusiones, malentendidos, etc.

  Tienen gran importancia la gestualidad, la caracterización de los personajes, las referencias al sexo, los sobreentendidos, las innovaciones y algunos desmadres. Estos se presentan con unos niveles de contención y mesura que tienen poco que ver con los extremos quealcanzan las comedias posteriores de Brooks.

  Se incluyen escenas memorables, como  la canción a ritmo de vals que cantan y bailan dos personajes principales. Los gorgoritos que acompañan los éxtasis de amor parodian los números musicales de las películas de Jeanette MacDonald "El desfile del amor" ("The Love Parade"-1929), "Amáme esta noche" ("Love Me Tonight"-1932) y otras más.

  La película consiguió en su momento un notable éxito de público. El vigor cómico se conserva en gran medida, especialmente entre el público aficionado al cine clásico (1930-60). Entre sus virtudes perdurables se pueden citar la efectividad de las combinaciones de elementos contrarios (ternura y  fuerza bruta; ciencia y pulsiones compulsivas; lirísmo y terror...); el uso de referencias mitómanas (peinado de la novia de Frankenstein); la generalización de defectos y definiciencias personales (nadie pronuncia bien el nombre del personaje), etc.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris. Un compositor nacido en Nueva Jersey. A partir de la década de1950 y hasta la de 1970, ayudó a componer la música incidental y números de baile para varias producciones de Broadway. Trabajó con Mel Brooks, comenzando con "Los productores" ("The Producers"-1967). Después siguieron "La última locura" ("Silent Movie"-1976), "Máxima ansiedad" ("High Anxiety"-1974) entre otras.

  Y aqui, rindiendo por su parte, un homenaje de admiración al antiguo cine de terror. El tema "Young Frankenstein", el leimotiv de la película, es lirico, emotivo, pegadizo y facilmente identificable. La partitura consta de 14 temas, algunos tan gratos como "Wedding Night" y el retrato sonoro de Frau Blücher.

  La fotografia en blanco y negro fue dirgida por Gerad Hirschfeld. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en el Centro Fotográfico del Cuerpo de Señales del Ejército durante la 2ª Guerra Mundial. Al acabar la contienda estuvo como asistente de varios directores de fotografia en Hollywood. Su carrera como director de fotografia comenzó con documentales, su primera película fue con "C’-Man"-1949, interpretada por Dean Jagger y John Carradine. Durante su carrera trabajó con directores como: Sidney Lumet, Frank Perry y Mel Brooks.

  Y aqui, evocando con gracia, conocimiento de causa y entrañable nostalgia, la visualidad del cine clásico de terror.

 La película se rodó en escenarios naturales de University of Southerm (California) y los interiores en los platós de Fox Studios de Los Angeles.

  Muy bien Gene Wilder, "No me chilles  que no te veo" ("See No Evil, Hear No Evil"-1989) metido en el cuerpo de el Dr. Fredeick Frankenstein. Y con él Peter Boyle, "Atmósfera cero" ("Outland"-1981) como "la criatura"; Martin Feldman, "El eroticón" ("Every Home Should Have One"1970) como Igor; Cloris Leachman, "Las californianas" ("The Californians"-2005) como Blücher; Teri Garr, "El hada novata" ("A Simple Wish"-1997) como Inga. Y atención a un desconocido Gene Hackman, "Arde Mississippi" ("Mississippi Burng"-1988) en el papel de "el ciego"...

  En definitiva: Sin duda alguna, una película en donde Mel Brooks nos da una lección de como hacer una verdadera comedia.  Sobresaliente.

  "El jovencito Frankenstein" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión adaptado (Mel Brooks y Gene Wilder) y Sonido (RichardPortman y Gene Catamass).

  A modo de curiosidad: Mel Brooks era un fan de la película original de "Frankenstein" con Boris Karloff. Tal era su admiración por la atigua pelicula, que quiso usar muchas cosas que se habian utilizado en la versión de 1931. Mucho del equipamiento usado en la película "El jovencito Frankenstein" es el original de la versión de Karloff.

 

01/07/2021 17:22 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El golpe (The Sting - 1973)

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  "El dinero es una llave que abre todas las puertas".

  Obra maestra de género de comedia e intriga, inspirada en hechos reales y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión de David. S. Ward. Un guionísta nacido en Providence (Estados Unidos). Ganador de un Oscar pero a pesar de ello muy poco conocido en Hollywood. Su película más importante fue precisamemente "El golpe" con la que consiguió fama y logró subir al estrellato. Luego desapareció, y volvió a aparecer en "Algo para recordar"("Sleepless in Seattle"-1993) protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan.

  "El golpe" está dirigida por George Roy Hill. Un director nacido en Minnesota (Estados Unidos). Estudió en la Universidad de Yale, donde se graduó en 1943, y más tarde en el Trinity College de Dublin. Comenzó su carrera como realizador en la televisión estadounidense dirigiendo algunos capitulos de la serie "Kraft Television Theatre" En el cine, sus primeras películas fueron adaptaciones de obras teatrales de éxito en los escenarios de Broadaway.

  Asi, en 1962 rodó su primera película importante "Cariño amargo" ("Toys  in the Attic"), sobre la relación posesiva y de dependencia-locura que un hombre ya maduro tirne en su casa con sus hermanas solteronas, para la que Roy Hill contó con Dean Martin y Gene Tierney. Sin ser una película plenamente lograda, tiene una atmósfera opresiva idónea y posee buenas caracterizaciones, aunque no logra profundizar en el porqué ni en el cómo con la contundencia que debiera.

  1964 supuso un éxito para él, con una comedia de fina e inteligente ironía protagonizada por Peter Sellers en su apogeo "El irresistible Henry Orient" ("The World  of Henry Orient"). Con esta película Hill empezó a demostrar que su cine iba a consistir en historias que fluctúan constantemente entre la risa y el drama, independientemente del género cinematográfico en que se encuadre la película suya, en un estilo personal y en cierto modo introspectivo, que impregna a sus películas más famosas "Dos hombres y un destino" ("Burtch Cassidy and the Sundance Kid"-1969) y "El golpe" ("The Sting"-1973).

  En 1966 estrenó la adaptación de un best seller de la época que se convirtió en una de las sensaciones de la temporada, "Hawaii", con tan buenas criticas como número de espectadores y muy pronto con su propio ramillete de películas imitando temática y/o escenario exótico. Más de tres horas de metraje para una superproducción de excelente calidad protagonizada por Richard Harris, Julie Andrews y Max Von Sydow en los papeles principales, con bella fotografía en color, música "sedante" y todos los ingredientes de un drama de primera línea.

  Su siguiente película supuso, al lado de esta, un fracaso de cara a la taquilla y una división entre la critica especializada, "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967) es un musical que versiona una obra de Broadway, pero también es una obra visual y estructuramente conyuntural del momento de su estreno, pero a la vez es una historia sobre la libertad frmenina y su lucha contra las convenciones sociales,  pero a la vez es una pelicula de toque fantástico e irreal, etc., lo que hace que pese a su frescura y buenos números, no pueda considerarsela una obra sólida y convincente a un nivel suficiente. No obstante, ver a Mary Tyler Moore y Julie Andrews en esta comedia musical soñadora y atractiva, tiene su aquel. 

  "Dos hombres y un destino" se estrenó en 1969 y reunió por primera vez en pantalla a dos verdaderas estrellas: Paul Newman un consagrado y Robert Redford en pleno auge. La película narra la historia de dos bandidos-ladrones que van a verse envueltos en un delito que no podrán salir indemnes tan facilmente como estaban acostumbrados, con una joven introduciéndose en sus vidas paulativamente. La comedia y el drama se entremezclan con una narración en clave de western, que también se apunta un poco a la corriente desmificadora y de ese tipo de westerns crepusculares donde unos personajes se sienten perdidos en un Oeste que no es el de antes, porque ya no existe. Romance, acción, aventuras y ensoñación se van entremezclando para dar paso a una película placentera y gozosa de ver, y revisar, con una banda sonora inolvidable, que se convirtió en uno de los titulos más emblemáticos de la década y que, además de lo dicho, también innovaba a un género que apuntaba ya un cansancio de temas, estilos y público, herido de muerte, Katharine Ross logró la popularidad con su personaje en la película.

  La década de 1970 sería la más fructífera para él, con sus colaboraciones con Newman y Redford juntos una vez más y luego por separado. Primero trabajó en "Matadero cinco" ("Slaugtherhouse-Five"-1972), adaptación de una celebrada novela de Kurt Vonnegut, llevada a la pantalla con más voluntariedad y buenas intenciones que resultados, aunque  varios sectores de la critica la calificaron como "de culto". Luego llegó "El golpe", que reeditó la taquilla de "Dos hombres y un destino", alcanzando casi el rango de mitica desde su mismo estreno, que cuenta la historia de unos falsificadores y timadores en la décadade 1930, con elegancia, magnífica puesta en escena y un puñado de grandes actores, la mayoria y como siempre, secundarios no tan reconocidos por el gran público como debieran.

  Más tarde Redford se unió a Susan Sarandon en "El carnaval de las águilas" ("The Great Waldo Pepper"-1975), un drama-biográfico de los pilotos de exibición que intentaban sobrevivir en tiempos dificiles, fue una película no suficientemente valorada, pero casi notable. La década terminó para Roy Hill con sendas películas que, sin ser maravillosas, si le reportaron popularidad y dinero: "El castañazo" ("Slap Shot"-1977) con Paul Newman y "Un pequeño romance" ("A Little Romance"-1979) con Laurence Olivier y Diane Lane, un drama sentimental.

  La década de 1980 supuso el final de la corta trayectoria de Hill y la sensación de que su talento no fue aprovechado por productores y estudios, pese a que presentó una película tan interesante como "El mundo según Garp" ("The World According to Garp"-1982), basada en la novela de John Irving, con Robin Williams y Glenn Close. También consiguió notoriedad con una historia que se publicitó bien pero que al final no valia tanto: "La chica del tambor" ("The Little Drummer Girl"-1984) con Diane Keaton y Klaus Kinski en medio de un ambiente de espionaje y el descontrol internacional de la Guerra Fria, según una novela de John le Carrie.

  Y por último "Aventuras y desventuras de un yuppi en el campo" ("Funny Farm"-1988) película concebida como vehículo para el lucimiento del popular actor cómico Chevy Chase y de agradable aunque insustancial visión, esto pues puso fin a la trayectoeia del cineasta George Roy Hill.

  La acción pues, comienza en Joliet (Illinois) y comtinúa en Chicago, se extiende a lo largo de unos meses a partir de septiembre de 1936. Alli, Johnny Hooker y Luther Coleman, dos timadores que actúan en pareja, engañan a un esbirro del gángster Doyle Lonnegan. a la muerte de Luther, Johnny busca la ayuda de Henry Gondorff, conocido estafador semi-retirado. Johnny, de unos 28 años, es simpático, hábil y manirroto, Henry, de más de 40, es inteligente y de nervios templados...

  La película es una comedia dramática, que incorpora elementos de intriga, crimen, gángster, aventura, humor y enredo. Reitera la construcción de una mitología de rebeldía, que integra la lucha por la supervivencia, la amistad, la lealtad, el espíritu de aventura, la búsqueda del arraigo social, el desprecio de los grandes criminales, la ayuda a los débiles, etc..

  Los protagonístas no son héroes, sino perdedores supervivientes de la Depresión, marginados del mundo del trabajo. Se explica la importancia que tuvo la difusión de la radio en la década de los 30 y se hace referencia al valor de su inmediatez y credibiidad. Se aborda el tema de la venganza que cumple funciones dinamizadoras de la acción y de la que se dice que no es ni interesante ni satisfactoria.

  El guión tiene buenas condiciones de complejidad, riqueza de matices, eficiente construcción de personajes, giros y sospresas. Está inpregnado de un grato sentido del humor. La ambientación se beneficia de unos buenos decorados que reproducen rincones y perspectivas de Chicago de los años 30.

  La banda sonora corrió  cargo de Marvin Hamlisch. Un compositor y pianísta nacido en Nueva York. Se inició como pianísra de Babra Streisand en "Funny Girl"-1968 y arreglando composiciones de cantantes de la época, y posteriormente colaboró con Quincy Jones y Liza Minnelli. Empezó a componer y dedicarse a Broadway con el estreno de unos musicales. Ganó un Oscar por "Tal como eramos" ("The Way We Were"-1973) y estuvo nominado en dos ocasiones.

  Y aqui, adaptando temas de Scott Joplin, Texarkana, Texas (Estados Unidos)-24 - noviembre - 1868 - Nueva York (Estados Unidos) - 1- abril - 1917 como por ejemplo "The Etertainer" (1902), y añade además composiciones originales como "Little Girl" (largo solo de violin).

  La fotografía en color fue obra de Robert Surters. Un director de fotografía nacido en Kentucky. Ganador de tres Oscar por "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"-1950), "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) y "Ben-Hur"-1959. Trabajó en varios estudios incluidos Universal, UFA, Warner y MGM, y para directores tan notables como Howard Hawks, William Wyler y Mike Nichols, lo que le valió la reputación de ser uno de los directores de fotografía más versátiles de su tiempo.

  Y aqui recreándose en ambientes oscuros, cerrados y nocturnos, de los que extrae imágenes de gran belleza. El logo inicial de Universal es de los años 30. Son escenas destacadas la partida de póquer en el tren, el timo del correo de Lonnegan y las dos de la sala de apuestas de Henry.

  Sensacional el mano a mano entre Paul Newman, "El buscavidas" ("The Hustter"-1961) y Robert Redford, "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985), Newman como Henry Gondorff, y Redford como Johnny Hooker. Y con ellos Robert Shaw, "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge"-1965) como Doyle Lonnegan; Charles Durning, "Tootsie"-1982 como el teniente Snyder: Eilen Brennan, "Pasión sin barreras" ("White Palace"-1990) como Billie; Harold Gould, "Primera plana" ("The Front Page"-1974) como Kid Twisr; Robert Earl Jones, "Cotton Club"-1984 como Luther Coleman...

  En definitiva: Una película perfecta e impresionante, con un divertimento sumamente genial, y con un guión repleto de tremendos giros de suspense. Y por supuesto con un Newman y un Redford imponentes.   Matricula de Honor.

  "El golpe" logró 7 Oscar: Pelicula, Director, Guión (David S. Ward), Montaje (William Reynolds), Dirección de arte (Henry Bumstead y James Payne), Vestuario (Edith Head) y Orquestación: coro original y adaptación.

  Como curiosidad: Jack Nicholson rechazó el papel de Johnny Hooker antes de que Robert Redford cambiase de opinión y decidiese aceptar el papel.

 


20/06/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.

Cabaret (1972)

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  "Dejen sus problemas en la puerta. Aqui la la vida es hermosa, las chicas son hermosas, hasta la orquesta es hermosa..."

  Obra maestra de género dramático-musical y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de John Van Druten. Un dramaturgo nacido en Londres. Fue uno de los dramaturgos más exitosos de principio de la década de 1930 en Londres. Entre sus obras llevadas al cine se pueden citar: "Soy un cámara" ("I Am Camera"-1955) y "Ricas y famosas" ("Rich  and Famous"-1981 además de "Cabaret" por supuesto.

  El segundo  fue Joe Masteroff. Un dramaturgo nacido en Filadelfia. Se graduó en la Universidad de Temple antes de alistarse durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso estudió en la American Theatre Wing, y comenzó su carrera de actor en Broadway, tres años mas tarde se dedicó a escribir, la mayoria libretos musicales.

  Del guión se encargó Jay Presson Allen. Un guionísta y dramaturgo nacido en Texas. Su debut en la novela fue con "Spring Riot" en 1948 recibiendo buenas criticas, Después marchó a Nueva York donde actuó en la radio y en las salas de fiestas. Mientras tanto comenzó poco a poco a escribir para programas de televisión en directo. Para más tarde escribir para el cine con titulos tan emblemáticos como: "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964) y "Funny Lady"-1975).

  "Cabaret" está dirigida por Bob Fosse. Un director y coreógrafo nacido en Chicago. aunque las cinco películas que dirigió fueron por lo general aclamadas por la critica y tuvieron éxito comercial, su prestigio como director de cine se ha visto eclipsado por su obra como coreógrafo en"Juego de pijamas" ("The Pajama Game"-1957), "Malditos yanquis" ("Damn Yankees!"-1958), "Como trinfar sin dar golpe" ("How to Succed in Business Withhout Deally Trying"-1967) y "Chicago"-2002 rodada después de su muerte.

  Ciertamente su nombre está asociado también a los musicales que dirigió "Noches en la ciudad" ("Sweet Charity"-1969) y "Cabaret"-1972, sus primeras películas como director, son adaptaciones de espectáculos teatrales construidos en torno a mujeres ágiles y apasionantes como Shirley MacLaine y Liza Minnelli que ejecutan movimientos conográficos caractterísticos de Fosse.

  En la época posterior a "Sonrisas y lágrimas"("The Sound of Music"-1965), cuando los grandes musicales perdian dinero, las peliculas mas modernas y comprometidas de Fosse conectaban con el público, y con los votantes de los Oscar. Se desvió de esta trayectoria con "Lenny"-1974, película sin música y en blanco y negro. Este biopic del humorísta Lenny Bruce, interpretado por Dustin Hoffman resulta algo pesado por los números humorísticos.

  Esos elementos se repitieron en el trabajo semiautibiográfico de Fosse: "Empieza el espectáculo" ("All That Jazz"-1979), una fantasia sobre su propia vida e inminente muerte, con Roy Scheider en el papel del director. Fosse solo logró hacer una película más, un pequeño monumento al mal gusto, "Star 80"-1983, con Mariel Hemingway como protagonísta. Se trata de un escabroso biopic de Dorothy Stratter, modelo de Play boy asesinada.

  No cabe duda de que si Fosse hubiera sobrevivido habría dirigido una visión más emocionante de "Chicago"-2002 que Rob Marshall, incluso se rumorea que tenia a la cantante Madonna en mente para interpretarlo.

  La historia pues, nos lleva hasta Berlin, en 1931 durante la República de Weimar (1919-33), en los dias del ascenso del nazismo y de la preparación de su toma del poder. La situación económica es critica, el paro supera en el pais los 5 millones de personas y la inflación se desborda... Alli, Sally Bowles, norteamericana, cantante y bailarina, de 22 años, estrella del "Kid Kat Club", conoce al joven inglés Brian Roberts, estudiante de Cambridge de unos 22/23 años, que da clases particulares de inglés en Berlin. Algún tiempo después ambos conocen a un joven aristocráta alemán Maxumillian von  Heune, apuesto y rico, con el que simpatizan y forman un curioso trio... Ella es vitalísta, frágil, vulnerable e ingenua. Tiene una voz de oro, practica el amor libre y le gusta vestir con extravagancia. Brian es discreto, educado, introvertido y responsable. El msaestro de ceremonias hace de presentador omnisciente, enigmático y critico con la realidad del pais...

  La pelicula suma romance y musical. La canción y los números musicales se presentan como dos bloques separados e independientes, si bien en algunos aspectos de la acción sugieren el sentido y el contenido de los números musicales que les siguen. Desde el principio se intercalan cortes de la sala de fiestas y del exterior, con lo que la historia adquiere ritmo, agilidad y variedades.

  En el cabaret se abordan publicamente los temas de preocupación general de la época: antisemitísmo, militarísmo, autoritarísmo, racísmo... El cabaret deviene un espejo que refleja la realidad de modo simplificado y algo deformado. como si de una caricatura se tratara. Los primeros planos asi lo sugieren al mostrar las paredes del escenario revistados de una plancha metálica pulida, con algunas arrugas, que reflejan la imágen de las figuras que tiene próximas. El mundo exterior se representa como un universo disipado, ocioso y decadente, engañado en distraerse y divertirse a toda costa, sin pensar en los peligros que le amenazan.

  La sala de fiestas es también, una válvula de escape para que los usuarios puedan evadirse, olvidar las preocupaciones y aturdirse con la música, el baile, la bebida, los números musicales y la compra de servicios de compañía. El ambiente está impregnado de sensualidad, erotísmo y sexualidad.

  Resulta sobrecogedora la descripción de los desmanes (amenazas, insultos, provocaciones, represalias, choques sangrientos con comunistas, etc.), con los que los nazis llaman la atención pública y llenan las calles, las cervecerías, los locales públicos y la propia sala de fiestas. Pocas veces han ocupado la atención del cine con tanta fuerza los hechos ocurridos en Alemania en 1930-32 de la mano de los nazis, hasta que en 1933 ocuparon la Cancilleria (30-1-1933) y el poder.

  El humor también se hace presente a través de los números irónicos y sarcásticos del cabaret, las presentaciones del maestro de ceremonias y unos diálogos agudos y chispeantes. Son escenas destacadas la de la cerveceria al aire libre, el apaleamiento del director de la sala de fiestas al ritmo de una danza bávara, el número de baile del presentador con una mona, el baile de los tres protagonístas fundidos en un abrazo y otros. Singular importancia adquiere el clima dominado por las amenazas nazis sobre las personas, sus interrelaciones, su libertad y su dignidad.

  La música de John Kander, nacido en Kansas City (Estados Unidos) el 19 de marzo de 1927. Y de Ralph Burns, nacido en Massachusetts (Estados Unidos) el 29 de junio de 1922 y fallecido en Los Angeles (Estados Unidos) el 21 de noviembre de 2001. Entre ambos nos ofrecen una partitura de 12 cortes, con 10 canciones que alcanzaron gran popularidad. Destancando "Cabaret", "Money, Money", "Tiller Girls", "Welcome", "Two Ladies", "Tomorrow". Los números musicales exiben una gran fuerza y cautivadora belleza.

  La fotografía en color fue dirigida por Geoffrey Unsworth. Un director de fotografía nacido en Inglaterra. Sus comienzos fueron trabajando en Gaumont Britsh de 1932 a 1937 y un año más tarde fue el asistente de muchas de las películas de Powell y Pressburger. En 1960 su trabajo se extendió al extranjero y recibió su primera nominación al Oscar por "Becket"-1964. Entre sus grandes éxitos caben de destacar: "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express"-1974) y "Supermán II"-1980 entre otras muchas más.

  Y aqui, ofreciéndo unas imágenes oscuras de tradición expresionísta, encuadres torcidos, abundancia de primeros planos, tomas puntuales con cámara al hombro, encuadres inferiores y superiores, contraluces, brillos y composiciones de notable vigor plástico.

  Magnífica Liza Minnelli, "New York, New York"-1977 metida en el cuerpo de Sally. Y con ella Michael York, "La fuga de Logan" ("Logan’s  Run"-1976) como Brian; Helmut Grien, "La caida de los dioses" ("La caduta degli Dei"-1969) como Maximilian von Heune; Joel Grey, "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961) como el maestro de ceremonias; Fritz Wepper, "Operación Cowboy" ("Miracle of the White Stallions"-1963) como Fritz; Marisa Berenson, "Barry Lyndon"-1975 como Natalia...

  En definitiva: Una magnífica película rayando la obra maestra. Una película que no decepciona a nadie con grandes interpretaciones, ingeniosos diálogos y soberbios números musicales.  Matricula de Honor.

  "Cabaret" logró 8 Oscar en 1972: Director, Actriz (Liza Minnelli), "Actor secundario (Joel Grey), Montaje (David Bretherton), Adaptación de orquesta y coro original (Ralph Burns), Sonido (Robert Knudson y David Hildyard), Fotografia (Geoffrey Unsworth) y Dirección de arte (Rolf Zehetbanar, Jurgen Kiebach y Herbert Strabel).

  Como curiosidad: Para preparar mejor su papel, Liza Minnelli buscó la ayuda de su padre, el gran Vincente Minnelli considerado como "el padre del musical moderno". Este recorrió las tiendas de antigüedades de Paris para encontrar varios accesorios que podrian decorar el vestuario de Liza, y darle asi más personalidad a su vestimenta de rodaje.

 

10/06/2021 16:34 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

The French Connection (1971)

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            "Doyle es una mala persona.

             Pero es un policia incitante".

  Extraordinaria película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense llevada alcine de una novela de Robin Moore. Un escritor nacido en Boston, pero se crió en Concord, donde asistió a la escuela Middlesex. Durante la 2ª Guerra Mundial estuvo en las Fuerzas Aéreas realizando misiones de combate en Europa. Al acabar la contienda se graduó en el Harver College. Uno de sus primeros trabajos fue para la televisión. Su primera novela llevada al cine fue "Boinas verdes" ("The Green Berest"-1968) dirigida e interpretada por John Wayne.

  Del guión se encargó Ernest Tidyman. Un guionísta nacido en Cleveland (Ohio). Trabajó como periodista y editó varias novelas de crimenes para The New York Times (1960 - 66) y para The New York Post (1957-60). Para el cine escribió muchos y variados guiones haciendo du debut con "Infierno de cobardes" ("High Plains Dritter"-1973) de Clint Eastwood. En 1980 dijo en una entrevista: Que se levantaba a las seis de la mañana y escribia 12 horas diarias pero que lo hacia por ganar dinero.

  "The French Connection" está dirigida por William Friedkin. Un director nacido en Chicago. Fue una de las figuras claves del movimiento "Nuevo Hollywood" de los años setenta. Su obra posterior es irregular, tanto critica como comercialmente, pero siempre provocativa y en ocasiones muy personal. Durante la década de 1950, trabajó en el formato de la televisión en directo, cuya tensa inmediatez trasladó a su obra cinematográfica.

  Tras rodar el documental de televisión "The People vs. Paul Crump"-1962, que resultó clave para que se pusiera en libertad a un condenado a muerte, sus primeras peliculas resultaron generalmente mediocres, si bien destacó "Los chicos de la banda" ("The Boys in the Band"-1970) por llevar al cine el tema de la homosedualidad, tan obviado en Hollywood.

  Sus dos grandes éxitos "The French Connection"-1971, Oscar al Mejor director y "El exorcista" ("The Exorcist"-1973), con diez nominaciones entre ellas al mejor director y a la mejor película, revitalizaron los génreros del  thriller policiaco y el cine de terror respectivamente. En "The French Connection", Friedkin aprovechó su experiencia con el documental para crear un thriller perturbador por su transfondo de corte fascista pero excitante en la  secuencia de la persecución de coches. Por su parte "El exorcista" que gira en torno a la inocencia infantil sometida a un ataque diabólico, fue un gran éxito de taquilla en todo el mundo.

  En cambio "Carga maldita" ("Sorcerer"-1977) un caro remake de "El salario del miedo" ("Le salaire de la peur"-1953) de Henri Clouzot, fue un fracaso de taquilla, a pesar de incluir momentos impresionantes. Desde entonces, las mejores películas de Friedkin han chocado con las tendencias comerciales, "A la caza" ("Cruising"-1980) y "Vivir y morir en Los Angeles" ("To Live and Die L.A."-1985) destacan por su fascinante narrativa y su forma de presentar una masculinidad en crisis, mientras que en "Jade"-1995 evoca con desesperanza la explotación y la corrupción.

  Asi pues, Friedkin nos mete en la vida de Jimmy "Popeye" Doyle y Buddy Rosso, dos policias de la ciudad de Nueva York que siguen la pista de una red de traficantesde drogas. El primero, qie confia en su olfato, sospecha que una confiteria de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la linea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres siguen al dueño de la confiteria, que les conduce hasta  Nicoly y Charnier, dos franceses que acaban de llegar a Estados Unidos...

  Una película para mi, mitica, innovadora, absorvente y fascinante. De estética cruda y realísta, compone un retrato critico y ácido de la policia neoyorquina y muestra la ciudad como una metrópoli sucia, húmeda, gélida, sombría y de fuertes contrastes, poblada de traficantes de droga. Concretamente, ve en Marsella una ciudad monumental, luminosa, soleada y cálida. Contempla la ciudad de Washington como una urbe de cartón piedra, extrañamente blanca, sin pulso y sin vida. Compara varias veces, las imágenes contrapuestas de Brooklyn y Manhattan.

  El director compone un thriller policiaco que se desarrolla a un ritmo endiablado, apoyado en un rodaje curtido de las escenas de acción y de un montaje magistral de Gerad B. Greenberg, basada en hechos reales, es sencilla, pero enjudiosa y nada complaciente.

  La narración de los hechos es vigorosa, rápida y en ocasiones vertiginosa. La carrera en coche persiguiendo al tren es antológica.

  La banda sonora fue creada por Don Ellis. Un trompetísta, compositor y director de orquesta nacido en Los Angeles. Estudió trompeta en la Universidad de Boston donde se licenció en 1956 y ese mismo año, tocó en la banda de Ray McKinley. Después de hacer el servicio militar  tocó en diversas bandas y orquestas militares en Alemania. En 1961 comenzó a colaborar con George Russell, desde entonces colaboró con  varios musicos de élite y grabó varios discos en solitario. En 1971 hizo se debut en el cine con "The French Connection", sería su única película, aunque en 1976 trabajó en 12 capitulos para la serie televisiva "Doctor’s Hospital" protagonizada por George Peppard.

  Y aqui, creando una música tensa, conmovedora y memorable. Predominando la trompeta, acompañada de saxo, piano y clarinetes ocasionales. La melodia es melancólica e intensamente dramática. Evita algunos recursos habituales en cine como los bajos profundos en los momentos amenazadores, la percusión en las persecuciónes y las descripciones sonoras de la acción. Los cortes, escasos y relativamente breves, se complemetan en el recurso reiterado a sonidos ambientales realistas. Como música añadida, ofrece la canción "Black Magic Woman" (Santana) y el tema "Ever body bet to Goto the Moon", que se convirtió en lider de ventas.

  La fotografia en color fue dirigida por Owen Roizman. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron anuncios publicitarios para la televisión. Su debut en el cine fue con la película "Stop!"-1970 y al año siguiente dió su gran salto con "The French Connection". Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por  "Tootsie"-1982 y "Wyatt Earp"-1994. Fue miembro de la Junta de Gobernadores de la Academia de 2002 a 2011.

  Y aqui, sirviéndose con frecuencia de la cámara en mano. Buscando el sentdo documentalista de la narración visual. Forman parte del realísmo de la película los disfraces de Santa Claus y del vendedor de perritos calientes, y sin olvidar la peluca rubia de la mujer que acompaña al traficante. Se rodó en escenarios reales de Marsella, Nueva York (Brooklyn, Queens, Manhattan y East River) y Washington.

  Sensacionales todos los protagonistas encabezado por el aqui oscarizado Gene Hackman, "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1997) metido en el cuerpo de Jimmy "Popeye" Doyle, un policia brusco, poco escrupuloso, bebedor, irascible, primario, intolerante, cinico e incansable. Seguido por Roy Scheider, "Tiburón" ("Jaws"-1975) como Buddy "Cloude" Russo, compañero inseparable, aunque con métodos distintos de Doyle, ambos tratan de impedir una operación de compraventa de heroina. Y con ambos nuestro gran Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1980 metido en el exquisito Alain Charnier, un agradable personaje francés, elegante y de formas educadas, pero frio como el hielo y astuto como un hurón.

  Y con estos tres grandes del cine universal, Tony Lo Bianco, "Coacción a un jurado" ("The Juror"-1996) como Sal Boca; Marcel Bozzuffi, "Marchar o morir" ("March or Die"-1977) como Pierre Nicol; Bill Hickman, "Bullit"-1968 como Mulderg...

  En definitiva: Una película que destacó por sus valores cinematográficos y por supuesto en la evolución en la historia del cine policiaco. Matricula de Honor.

  "The french Connection" logró cinco Oscar en su dia: Película, Director, Actor (Gene Hackman), Guión adaptado (Ernest Tidyman) y Montaje (Jerry Greenberg).

  En 1975 John Frankenheimer hizo una secuela titulada "The French Connectin II" con Gene Hackman y Fernando Rey como protagonistas, aunque menos creible que la de Friedkin, pero aún asi fue un estupendo thriller.

 

 

 

 

 

01/06/2021 08:17 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Tristana (1970)

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  "No te cases nunca Tristanita.

  Una puede ser libre y honrada.

  Exactamente, la pasión tiene que ser libre es la ley natural.

  Nada de cadenas, de firmas, de bendiciones"...

  Excelente película de género dramático y de nacionalidad española, basada en una novela de Benito Pérez Galdós. Un dramaturgo y politico nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mayores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialístas y estudiosos de su obra como el mayor novelísta español después de Cervantes. Además de escritor también fue diputado a Cortes por Madrid (1907-1914) y por Las Palmas de Gran Canaria (1914-1916). Entre sus muchas novelas podemos citar: "Doña Perfecta", "Marianela", "Tormento", "Fortunata y Jacinta", etc. etc.

  Del guión se hicieron cargo Julio Alejandro. Un escritor y guionísta nacido en Huesca. Fundamentalmente conocido por su labor como colaborador de Luis Buñuel en la mayoría de sus películas, y considerado como uno de los mejores guionístas de México. su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquista. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz año amor mio". A principios de los 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionista y a la vez director de la pelicula fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creado en colaboración con Salvador Dalí. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apolítica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, qu se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesía por mantener la dignidad.

  A la oscura y aústera "Diario de una camarera!-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealistas por el fetichismo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  Asi pues, el maestro de Calanda nos mete en la vida de una joven llamada Tristana que, al quedar huérfana, es encomendada a don Lope Garrido, que la toma a su cargo, la instala en su casa, donde vive con su sirvienta Saturna, y la asedia emocionalmente y sexualmente hasta convertirla en su amante. Entre ambos se establece una doble relación paterno filial y de amantes, que da lugar a una situación compleja, de la que se aprovecha y abusa don Lope...

  Este es un personaje singular, de más de 50 años, soltero, de ideas liberales y anticlericales, de aficiones donjuanescas, conquiatadoras y manipuladoras, de posición económica ajustada, y de inclinación natural a la ociosidad y la indolencia. Tristana, de unos 16/17 años, en el comienzo del relato, abriga ansias de independencia y libertad, deseos de adquirir conocimientos y habilidades, de rebeldia indoblegable contra la oposición, los abusos, la dependencia y el papel pasivo asignado tradicionalmente a la mujer.

  La película suma drama y critica social. a Galdos le interesa denunciar a través de su novela la injusta condición reservada a la mujer a finales del siglo XIX, heredera de una larga tradición de marginación, sometimiento, explotación y carencia de derechos. Los movimientos sufragistas y reivindicativos emergen en la segunda mitad del siglo XIX. La Convención y la Declaración de Séneca Falls (Nueva York) son de 1848.

  La reacción contra las reivindicaciones de los grupos activistas que en España de una violencia desproporcionada y de un encono que hoy resulta casi inverosímil. En el marco de estas circustancias, Galdos escribe la novela como instrumento de denuncia y de movilización. La adaptación de Buñuel conserva el espiritu reivindicativo de Galdos, que traslada a una época posterior en 40 años a la novela.

  También interesa a Buñuel denunciar una historia doméstica de asedio sexual, seducción, abusos, explotación y corrupción de una menor, en tanto que hecho emblemático no anecdótco. El enfrentamiento del espíritu independiente de Tristana y la falta de escrúpulos de don Lope proporcionan la base del desarrollo de un drama en lo que la muchacha es victima inocente. El guión dosifica y gradualiza con habilidad el desarrollo del mismo.

  La película explora las diferencias de intereses y de carácter de los dos protagonístas. Además del conflicto de géneros y de la historia inmoral de explotación sexual de la chica, a Buñuel le interesa glosar y denunciar la perversión de la burguesia, que se sirve de la hipocresia, el engaño, los abusos de poder, el culto a las apariencias, el egoísmo y la egolatría, para mantener sus privilegios.

  La ausencia de escrúpulos, el desprecio de los derechos de los demás y la infracción de las normas y éticas establecidas, inspiran conductas inmorales, amparadas en la intimidad del hogar o en la convivencia con poderes públicos. Las diferencias de carácter de los protagonístas verifican la película y aportan elementos significativos que permiten entender la dinámica y el alcance del drama. La definición de caracteres de la película es una de las más precisas y matizadas de Buñuel.

  Es interesante ver la evolución que a lo largo de la historia experimentan los dos protagonístas. Mientras Tristana se mantiene firme en sus convinciones y propósitos, don Lope cada vez más débil por el paso del tiempo, la edad, los achaques y la pérdida de apoyos, renuncia progresivamente a los suyos hasta convertirse en una caricatura de lo que más ha detestado: amigo de los clérigos, defensor de la religión, comparsa de dogmáticos y fanáticos, etc..Compone una imágen patética y triste de la derrota.

  Son escenas memorables la del partido de fútbol de los muchachos sordomudos, la de la boda envuelta en aires fúnebres y eróticos, las mordaces visiones surrealístas del badajo de una campana de la iglesia vista como mofa de la falsa hombría, la tertulia banal de clérigos dados a la gula, etc.. A destacar el valor simbólico del sordomudo como persona con más capacidades de percupción (visión, audición e inteligencia) que la burguesía.

  La música de Frederic Chopin, Zelazowa (Polonia) - 1 -marzo-1810 - Paris (Francia) - 17 - octubre- 1849. Aporta "Estudio revolucuinario" (Op-10, nº 12), una composición temperamental e iracunda, a cargo de Tristana, que sugiere su fuerza, su capacidad de lucha, su voluntad indomable, su fuerza y sus deseos de triunfo sobre la opresión. A través de la composición, Tristana proclama que, pese a los golpes de la vida y la sociedad, conserva la entereza, la capacidad de lucha y los propósitos de victoria.

  La fotografía en color, fue obra de José F. Aguayo. Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director fotográfico con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última película, trabajó en más de 120 peliculas, Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos como: "Locura de amor" -1948 y "El último cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos de sus titulos más emblemáticos realizados en España como fueron "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, aportando una narración aústera, estilizada y sobria, de gran fuerza expresiva. Transmite a las imágenes sentimientos de opresión, explotación y lucha tenaz. Se rodó en escenarios naturales de Madrid y en su mayoria en Toledo.

  Gran interpretacion (posiblemente la mejor de su carrera) de Fernando Rey, "Locura de amor"-1948 dando vida a don Lope. Y espléndida Catherine Deneuve, "Indochina"-1992, metida en el cuerpo de Tristana. Y con ellos Franco Nero, Camelot"-1967 como Horacio; Lola Gaos, "Furtivos" - 1975 como Saturna; Antonio Casas, "Cerca del cielo"-1951 como don Cosme; Fernando Cebrián, "El último guateque"-1978 como el Dr. Miquis; Juanjo Menéndez, "El lazarillo de Tormes"-1959 como don Cándido...

  En definitiva: Una película que es todo un drama humano sin concensiones, bella e inolvidable. Sobresaliente.

  "Tristana" estuvo nominada al Oscar como mejor película de habla no inglesa. La ganadora fué: "Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha" de Elio Petri (Italia).

  Como curiosidad: La película era un proyecto acariciado por Buñuel concebido en 1963, lo realizó 17 años después, tras tres intentos fallidos.

 

 

 

25/05/2021 16:21 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hello, Dolly! - 1969

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  Hello muñequita

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial, Dolly

  Puedo decir, Dolly

  Todavía estás brillando, todavía estás cantando

  Sigues siendo fuerte

  Sentimos que la habitación se balancea

  Mientras la banda toca

  Una de las mejores canciones favoritas de cuando

  Entonces, tomen su abrigo, muchachos

  Encuéntrenle un regazo vacio, muchachos

  Dolly nunca más se irá Hola, Dolly

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial Dolly

  Puedo decir Dolly...

  Muy buena y a la vez simpática película de género musical y de nacionalidad estadounidense con un guión de Ernest Lehman. Un guionísta nacido en Nueva York. Inició su carrera como escritor independiente escribiendo radionovelas y anuncios para musicales de Broadway. Esta experiencia quedó plasmada más tarde en su novela "El dulce sabor del éxito" que él mismo adaptó para el cine en 1957 dando lugar a la película "Chantaje en Broadway" ("Sweet  of Success"). Entre su escasa pero gran obra (a penas una docena de pelìculas) se encuentran titulos tan relevantes como"West Syde Story"-1961, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) o "¿Quién teme a Virginia Woolf" ("Who’s Afreid of Virginia Woolf?"-1966). Ganó un Globo de Oro y fue nominado en cuatro ocasiones a los Oscar, fue el primer guionísta galardonado con un Oscar Honorífico.

  "Hello, Dolly!" está dirigida por Gene Kelly. Un cineasta nacido en Pensilvania. Toda una leyenda del baile, cantante, innnovador y maestro de musicales, voz  melódica, apuesto, director, compositor y coreógrafo.

  Gene Kelly fué el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y su estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz, ronca y melòdica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Brodway con "Pal Joey" de Rogers y Harts, y seguidamente marchó a Hollywood para aprecer junto a Hudy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Girl"-1942), "Las modelos" ("Cover Girl"-1944), le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominsdo para el Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Awelgh"-1945).

  Gene Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas tan innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles.

  Su trabajo con Vincent Minnelli en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) no desmereció a las películas anteriores, aunque presentaba con mayor estilismo, "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956), dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un halo conductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello, Dolly!"-1969 con Barbra Streisand, fueron más convencionales. En 1951 fue galardonado con un Oscar Especial de la Academia por su carrera coreográfica. Fue el presentador ideal para la recopilación de grandes musicales realizada por la MGM, "Eráse una vez en Hollywood" ("That’s Entertaiment!"-1974 y sus secuelas.

  La historia pues, tiene lugar en Nueva York, en la última década del siglo XX, a lo largo de un fin de semana, con un epílogo posterior. Narra la historia de Dolly Leví, de mediana edad, casamentera, oficio en el que goza de acreditada fama. Apoyado en ella, busca para si el mejor partido disponible en Nueva York, un próspero comerciante, bastante rico, un tal Horacio Vandergelder, que contrata sus servicios para que presente a su sobrina Ermengarda a los jovenes de la ciudad, para que olvide a su novio, un artista pintor sin fortuna y sin futuro... 

  La película es un musical de gran presupuesto, complementado con números de baile de excelente factura y magnífica coreogeafía. Se apoya en una historia muy liviana, pretexto para dar cábida a canciones y baile, que se sitúan en escenarios singulares: un restaurante, un parque, alrededores de una capilla. Está libre de elementos contradictorios con el tono general del relato, como la intervención nazi en "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), y de servidumbres limitadoras, como, como la  elegia del campo de "Oklahoma!"-1955.

  La historia es sobre todo, un musical al servicio de la música y el baile. Abunda el humor visual y el verbal, rico en espontaneidad y naturalidad, basado en la sorpresa, la exageración, la incongruencia y la severidad trasnochadora. La pareja protagonísta durante la cena componen un cuadro cómico, de intensidad y duración pocas veces igualada en el cine. La lucha de sexos es también, fuente de comicidad. Dolly halaga y, a la vez, irrita el orgullo de Horacio y no duda en amenazar la prosperidad de su negocio para consguir sus objetivos. La recreación de Nueva York en 1890, el vestuario, la animación de las calles, los coches tirados por caballos, los tranvias de mulas, etc., crean un ambiente uníco y de ensueño, que enriquece y eleva la película. Nueva York es simbolo de modernidad, de prosperidad, de alegria y de amor.

  La musica corrió a cargo de Jerry Herman. Un compositor y letrista nacido en Nueva York, y muy conocido por su trabajo de teatro musical en Broadway. En 2009 recibió el premio Tony por su trayectoria en el teatro. También ganó un premio Kennedy en el 2010.

  Y en este gran musical aportando una música ritmíca, alegre y pegadiza, con canciones tan gratas como "So Lang Dearh", Before The Parade Passes By", "Darcing" y otras.

  Muy bien la pareja protagonista: Barbra Streinsand, "El amor tiene dos caras" ("The Mirror Has Two Face"-1996) dando vida a Dolly Leví y Walter Mathau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) metido en el cuerpo de Horacio Vandergelder. Y con ellos Michael Crawford, "Condorman"-1981 como Cornelius; Marianne McAndrew, "Chandler"-1971 como Irene. Y atención que también nos encontramos al gran trompetísta (aunque ya un poco mayor) Louis Armstrong.

  La fotografia en color y pantalla 70 m/m fue dirigida por Harry Strandling Sr. . Un director de fotografía nacido en Nueva Jersey (aunque algunas fuentes lo citan en Inglaterra y Alemania). Fue uno de los grandes talentos de la historia de Hollywood. Trabajó en todos los grandes géneros cinematográficos y para muchos buenos y malos directores. En Francia y Alemania contribuyó en varias películas de Jacques Feyder, y a comienzos de la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos contratado por Alfred Hitchcock para trabajar en "Matrimonio original" ("Mrs. and Mr. Smith"-1941). Las últimas películas de Strandling fueron protagonizadas por Barbra Strainsand, incluida su debut en la oscarizada"Funny Girl"-1968.

  Y en este desfile del amor, beneficiándose de la calidad de la filmación en 70 m/m para deleitarnos con unos encuadres amplios y precisos, de un movimiento diligente y correcto y de una excelente visualidad.

  Muy bien los dos protagonístas: Barbra Streisand "El amor tiene dos caras" ("The Mirror Has Two Faces"-1966) dando vida a Dolly Leví y Walter Mathau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) metido en el cuerpo de Horacio Vandergelder. Y con ellos Michael Crawford, "Condorman"-1981 como Cornelius; Marianne McAndrew, "Chandler"-1971 como Irene. Y atención que también nos encontramos al genial trompetísta (aunque ya un poco mayor) Louis Armstrong.

  En definitiva: Una excelente película de género musical, pletórica de acción y humor, muy entretenida y gratificante. Sobresaliente.

  "Hello, Dolly!" logró tres Oscar: Dirección artistica (John De Cuir, Jack Martin Smith, Herman Blumenthal, Walter Scott, George Hopkins y Raphael Bretton), Sonido (Jack Solomon y Murray Haytton) y Banda sonora musical (Lennie Hayton y Lionel Newman).

 

 

 

 

 

 


17/05/2021 16:24 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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  Y para acabar la "fiesta" de los Oscar en esta ya casi centenaria edicción. Un poco más de esta gran pelicula. Que como bien dijo Billy Wilder sobre ella es la "mejor dirigida que he visto nunca".

  No sale un disparo.

  No sale ni una trinchera.

  Ni una amputación.

  Ningún combate.

  Ni cobardes.

  Ninguna granada.

  No salen paracaidas.

  Ni tan siquiera salen carros de combate.

  No se ve ningún portaviones.

  No hay ni vencedores ni vencidos.

  No se escuchan ni sirenas ni trompetas.

  Pero a pesar de todo ello, es posiblemente la película más antibélica de la historia del séptimo arte.  (Pablo cine).

 

  El proyecto de rodaje fue encargado al dramaturgo y guionísta Robert Sherwood y al director William Wyler cuando estos estaban en momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos del presidente Roosevelt y Wyler habia estado haciendo documentales sobre la primera linea de fuego, motivo por el que se habia quedado practicamente sordo.

  A pesar de ser un éxito de critica y público, fue una de las películas vigiladas en la llamada caza de brujas del senador Joseph McCarthy por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Sherwood, el guionísta por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no lo hizo gracias a la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los fundadores de la MGM, y amigo intimo del guionísta.

  Harold Russell verdadero mutilado de guerra, se interpretó a si mismo y se convirtió en el primer y único actor en obtener dos Premios Oscar en la misma película (al mejor actor secundario y un Oscar honorífico).

  El director William Wyler habia volado en misiones de combate en Europa al filmar "Memphis Belle"-1944 y trabajó duro para obtener representaciones precisas de los veteranos de combate que habia encontrado. Wyler cambió el casting original que habia presentado a un veterano que sufria de un trastorno de estrés postraumático, y buscó a Harold Russell, para asumir el papel de Homer Parrish.

  Para la película, les pidió a los actores principales que compraran sus propias ropas, para conectarse con la vida cotidiana y producir un sentimiento auténtico. Otros toques de Wyler incluyeron la construcción de conjuntos de tamaño real, que iban en contra de los conjuntos estándar más grandes y que eran más adecuados para las posiciones de la cámara.

  El impacto para el público fue inmediato, ya que cada escena se desarrolla de manera realísta y natural.


11/05/2021 09:19 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y siguiendo la "fiesta" (este año entre comillas) del cine mundial. Y como en años anteriores comentar una película y a ser posible oscarizada. Este año la película elegida posiblemente esté entre las mejores de la cinematografia mundial. Su titulo:

  Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives -1946)

  Tuve un sueño. Soñé que estaba en casa. He tenido este mismo sueño ciento de veces. ¿Estoy realmente en casa?.

  Enorme pelicula de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Mackinlay Kantor. Un escritor y ganador del Premio Pulitzer nacido en Iowa. De 1928 a 1934 escribió numerosas novelas para varias revistas y asi se ganaba la vida. Alcanzó gran éxito en 1934 y un año más tarde publicó "Collier" que se convirtió en un éxito rotundo. Escribió más de30 novelas la mayoria ambientada en la Guerra Civil  estadounidense. Entre sus guiones para el cine caben de destacar "Los mejores años de nuestra vida"("The Best Years of Our Lives"-1946) y "El demonio de las armas" ("Gun Crazy"-1950) entre otras.

  Del guión se hizo cargo Robert E. Sherwood. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Su primea obra se estrenó en Broadway en 1927 titulada "The Road to Rome"", que era una comedia sobre la fallida invasión de Roma por parte de Anibal. Este éxito pronto llamó la atención de Hollywood y ese mismo año comenzó a escribir para la pantalla grande. Aunque parte de su trabajo no fue acreditado, sus películas incluyeron muchas adaptaciones de sus obras. También colaboró con Hitchcock en el guión de "Rebeca" Rebecca"-1940). Entre sus obras llevadas al cine se pueden citar entre otras: "El puente de Warterloo" ("Waterloo Bridge"-1940) y "El bosque petrificado" ("The Petrified Forest"-1936). Ganó un Oscar por "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  "Los mejores años de nuestra vida" está dirigida por William Wyler. Un cineasta nacido en Mulhouse (Alemania), pero en la actualidad pertenece a Francia. En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilización de la profundidad de campo y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido se trata de un cineasta destronado por la critica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del Oeste para la Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Sam Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adapraban obras clásicas de la literatura, la visión de "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939) de Wyler sige siendo estupenda; dos obras teatrales de Lillian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Litle Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfeccionísmo, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podria ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942), una película propagandídstica que defendia la participación del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental, pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realista de la guerra en el documental "Memphis Belle: a Story of a Flying Fortress"-1944, seguido de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Over Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solian adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, sino al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una historia sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más una de las obras intimistas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn; y "La gran prueeba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de Jessamyn West sobre una inquietante obsesión.

  Asi pues, el maestro Wyler nos lleva hasta Boone City, pequeña ciudad del Medio Oeste, a lo largo de unos meses en 1945/46. Y nos cuenta la historia de tres veteranos que regresan a sus hogares tras finalizar la 2ª Guerra Mundial. Al Stepheson, sargento de Infanteria, de mediana edad, trabajaba en un banco. Homer Parrish, marino, ha perdido en la guerra los dos brazos. Fred  Derry, piloto de bombarderos de brillante historial de 25 años, trabajaba como dependiente en el bar de unos almacenes... Los tres tienen problemas de adaptación familiar y laboral... Al en el banco choca con los criterios de la dirección. Homer no se atreve a pedir a su novia y vecina que se case con él. Fred tiene dificultades en el trabajo y en casa con su esposa...

  La película muestra la alegria, la preocupación y los temores de los tres veteranos en su regreso tras una prolongada ausencia. El esfuerzo de guerra no les ayuda a tener una acogida adecuada, les dificulta la reiserción laboral, les impulsa a buscar falsos refugios y les obliga a asumir en solitario la tarea de readaptación, en un ambiente ambivalente y ambiguo, de homenajes, celebraciones, reproches, desprecios y angustias.

  Se describe con emoción la vida diaria y doméstica en una ciudad media americana, con el bar para la conversación, conflictos familiares, desamenencias conyugales, reproches tendenciosos sobre la guerra, etc. Las diferencias de clase por razones económicas hacen emerger prejuicios, que afectan a las relaciones entre los tres amigos.

  Son escenas memorables la vista aérea del cementerio de aviones, la demostración desgarradora de Homer a Wilma su novia, de sus limitaciones, el paseo de Fred por el aparcamiento de aviones a desguazar y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Hugo Friedhufer. Un compositor nacido en San Francisco. Sus comienzos fueron tocando el violonchelo a los 13 años de edad para trabajar en la Orquesta del Pueblo. En 1939 se trasladó a Hollywood, donde actuó como músico para la Fox y más tarde como orquestador de la Warner Bros. Sus colegas llegaron a admirarle mucho porque destacaba con su ingenio caústico y autocritico. Trabajó para más de 250 películas, cortometrajes de televisión, música adicional y música de fondo entre otras especialidades. Entre sus bandas sonoras para el cine se pueden citar: "Robin de los bosques" ("The Adventuras of Robin Hood"-1938), "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951) y "La colina del adios" ("Love Is a Mamy Splemdored Thing"-1955), entre otras muchas más por supuesto.

  Y aqui, aportando una gran partitura original en el que el "Main Title" incluye la melodia central que se repite en temas posteriores, como "Home coming" y "Fred and Peggy" (con un vibrante solo de saxo alto).

  La fotografía en blanco y begro fue dirigida por Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois. Muy famoso por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de campo, ejemplo de las cuales se pueden encontrar en sus trabajo por ejemplo en  "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane" -1941). Durante la década de 1930, se convirtió en el camartógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los más solicitados. Fue nominado cinco veces al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y aqui, consiguiendo una aguda profundidad de campo y adoptando una estética realísta, no olvida adornos (Al se ve reflejado a la vez en dos espejos) y lances cómicos (ducha en pijama).

  Magnífico el reparto de actores: Fredric March, "El hombre del traje gris" ("The Man in the Gray  Flannel Suit"-1956) como Al; Dana Andrews, "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) como Fred; Harold Russell, "Dogtown"-1997 como Homer; Myrna Loy, "La hija del embajador" ("The Ambadssador’s Daugther"-1956) como Milly, la esposa de Al; Virginia Mayo, "El talismán" ("King Richard and the Crusaders"-1954) como Marie, la esposa de Fred; Teresa Wright, "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943) como Peggy, la hija de Al y Milly; Cathy O’Donnell, "Ben-Hur"-1959 como Wilma la novia de Homer...

  En definitiva: Una película que con su desgarradora veracidad y la enorme carga emotiva que desprende, la convierten en una obra maestra absoluta del cine mundial.  Matricula de Honor.

  "Los mejores años de nuestra vida" logró 7 Oscars: Pelicula, Director, Actor (Fredric March), Actor secundario (Harold Russell), Guión (Robert E. Sherwood), Banda sonora (Hugo  Friedfoffer), y Montaje (Daniel Mandell).

  A modo de anécdota: El guionísta Robert E. Sherwood, fue investigado por el Comité de Actividades Antiamericanas, que estimó que la película podia ser considerada sospechosa de deficiente patriotísmo. No fue procesado gracias a las gestiones de Samuel Goldwyn. La secunecia final demuestra que los próximos años serán para los protagonístas los mejores de sus vidas.

01/05/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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