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Hasta siempre!!!

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                 Sidney Poitier

              Leyenda de Hollywood

  El pasado 6 de enero y a la edad de 94 años (en febrero hubiese cumplido 95) falleció el legendario actor estadounidense Sidney Poitier.

  Nacido en Florida durante una visita de sus padres, que eran de Bahamas, Sidney Poitier se creció en la pobreza como hijo de granjeros. A la edad de 15 años, con una información y cierta inclinación hacia la delincuencia, le enviaron a Miami a vivir con su hermano.

  Su confrontación con el sistema estadounidense de segregación racial y una serie de trabajos menores le llevaron a Nueva York. Después de un breve tiempo en el ejército, se volvió a Harlem. Alli lo pasó mal por su infructuosa e impulsiva pasión por la interpreración, junto con la urgente tarea de modificar su acento original y conseguir algo de formación.

  Tras superar estas dificultades llegó a ser aceptado en el American Negro Theatre, donde su talento le llevó a trabajos de más revelancia en Broadway y finalmente a Hollywood a principios de los años 50. Desde ese momento, interpretó una serie de papeles que abrió la polémica sobre la forma de interpretar a los negros en pleno auge del movimiento por los derechos civiles.

  Son bien conocidos sus giros en la linea de desarrollo de personajes en películas tan conocidas como "Porgy & Bess"-1959; "Fugitivos" ("The Defiant Ones"-1958), "Un retazo de azul" ("A Patch  of Blue"-1965) y la que le dió el papel por el que consiguió el Oscar, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Field"-1963). Esta linea continuó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"´-1967) y "Adivina quién viene esta noche" ("Guess Who’s Coming to Dinner"-1967).

  Las criticas con sus interpretaciones argumentaban que era como un tio Tom, de piel marrón pero culturalmente "blanco" en medio de una corriente racista, y aparentemente incapaz de enfrentarse a esta condición a través de su trabajo como actor.

  Entre las respuestas a la imágen y estatus de Poitier como icono importante de esta corriente incluyen las películas "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organitation"-1971) y "Como el viento" ("Brother John"-1971). Aún asi esta perspectiva hostil suele pasar por alto los trabajos pioneros de Poitier en el tramo de la identidad racial, como "Un lunar en el sol" ("A Raisin in the Sun"-1961), o su actividad a favor de los derechos civiles.

  Asi que el auténtico ptoblema al intentar arrinconar a Poitier es que él era un artista auténtico y un pionero en la política, que demostró la necesidad de un cambio en la sociedad en los momentos de sus más grandes interpretaciones. al mismo tiempo que participaba de la corriente cultural en lugar de ignorarla.

  Desde 1997, Sidney Poitier era embajador vitalicio de Bahamas en Japón y en 2002 recibió un Oscar honorífico por toda su trayectoria cinematigráfica. Escribió dos libros autobiográficos, "The Life" (1980) y "The Measure of a Man: A Spiritual Autobiography" (2000).

  Sidney Poitier - Miami (Florida) - 20 - febrero - 1927 - Los Angeles (California) - 6 - enero - 2022.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!

 

08/01/2022 09:50 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dias sin huella (The Lost Weekend -1945)

  Helen.- ¿Serás bueno, verdad cariño?

  Don.- Si Helen. ¿Pero podrias dejar de vijilarme todo el tiempo?. Dejar que lo haga a mi manera. ¡Lo estoy intentando!

  Helen.- Ya se que lo intentas, Don. Los dos lo intentamos. Tu intentas dejar la bebida... y yo intento no dejar de amarte.

  Obra maestra de género dramático (alcoholísmo) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles R. Jackson. Un editor nacido en Nueva Jersey. De joven trabajó como editor de periódicos locales y en varias librerias de Chicago y Nueva York. De 1927 a 1931 estuvo confinado en un sanatorio por tuberculosis. Una vez curado regresó a NuevaYork y estuvo un tiempo como editor independiente escribiendo para la radio. Su primera novela la escribió en 1939 titulada "Domingo de Ramos". En 1945 fue contratado por la Paramount donde pasó la mayor parte de su carrera. Aunque a decir verdad solamente escribió para el cine "Dias sin huella", el resto fue para la televisión en series como por ejemplo: "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1958-1963), interpretada por James Franciscus.

  Del guión se hicieron cargo Charles Brackett. Un novelista, guonista y productor de cine nacido en Nueva York. En 1915 se graduó en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920 y la segunda en 1925 que llemó la atención a Hrold Ross que le ofreció un trabajo teatral. Mas tarde se trasladó a Hollywood y empezó como guionista para el cine. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematigráficos y entre 1945 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Recbió tres Oscar al mejor guión por "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953). En 1955 se le concedió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Considerado como uno de los mejores guionístas y directores que haya dado Hollywood, resumió en cierta ocasión su carrera en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hubiera gustado ver". Wilder se encuentra entre algunas de las imágenes y las frases máa memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco y vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos travestidos en "Con faldas y a lo loco" ("Some Like it Hot"-1959) o el convincente Fred MacMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Indemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939.

  Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eclécticos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus peliculaa se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda parecer extraño en un director tan asociado con la comedia, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria-Hungria que más tarde se anexionaria Polonia. Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wildrr descubrió su interés por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris, donde debutó como director con "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934). Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine de alli, convirtiéndose en un notable guionista de películas.

  Quizá debido a que el inglés no era su lengua materna, a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clasicas, entre ellas "Ninotchka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941). Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett.

  La colaboración con el escritor de comedias negras Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar la primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Indemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración en voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intensos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir películas de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"-1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera I. A. L. Diamond, "Ariane" ("Love in the Afterneon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Wilder y Diamond colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. asi crearon las sublimes comedias "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte de un reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impedió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  Asi pues, el gran Wilder nos lleva hasta Nueva York a lo largo de unos cinco dias, y nos mete en la vida de Don Birnam, un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido fisica y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Con tal de seguir bebiendo es capaz de todo, incluso de robar. Tanto su prometida Helen como su hermano Wick intentan por todos los medios regenerarlo, pero sus esfuerzos parecen estériles...

  Una obra maestra . Si señor. Y en donde marcó un hito en las películas sobre el alcoholísmo como por ejempo "El hombre del brazo de oro" ("The Man With the Golden Arm"-1955) de Otto Preminger, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) de Blake Edwards y posteriormente "Leaving Las Vegas"-1955 de Mike Figgis. Pero "Dias sin huella" sea posiblemente la que ofrece una mejor descripción del malestar psquico y del estado subjetivo del adicto.

  La película nos explica el proceso de turbacion y angustia creciente que se apodera del protagonista, de su ansiedad y del tormentoso "delirium tremens". Wilder resuelve las escenas culminantes con sencillez y una poderosa eficacia visual.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su pélicula "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por, "Recuerda" ("Spelibound-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.



 

 

 

 

03/01/2022 19:44 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Cita en San Luis (Meet Me in St.Louis - 1944 )

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  "Es nuestro último baile en San Luis, siento que voy a llorar".

  Muy bonita película de género musical y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Sally Benson. Una guionísta y escritora de cuentos nacida en San Luis. Sus comienzos fueron escribiendo articulos de entrevistas semanales y reseñas de películas para el New York Morning Telegraph y entre 1929 y 1941 publicó cerca de 100 historias en el The New Yorker algunas de ellas con el seudónimo de Esther Evarts. Su trabajo para el cine aparte de "Cita en San Luis" incluyen películas como: "La sombra de una duda" ("Shadows of a Doubt"-1943), "Hablan las campanas" ("Come to the Stable"-1949), "Un verano mágico" ("Summer Magic"-1963), "Cita en Las Vegas"-1964 y "Dominique" ("The Sing Nun"-1966). Su guión "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam"-1946) fue nominado al Oscar.

  Del guión se hicieron cargo Fred F. Finklehoffe e Irving Brecher. El primero fue un productor y escritor nacido en Pensilvania. Estudió en el Instituto Militar de Virginia donde conoció a su compañero y también escritor John Mouks Jr.. Entre ambos escribieron una obra de teatro en 1936 titulada "Brther Rat", también escribieron un musical para la MGM en 1940. En solitario esccribió varios guiones para peliculas de Dean Martin y Jerry Lewis además de bastantes musicales para la MGM.

  En cuanto a Brecher. Fue otro guionísta nacido en Nueva York. Sus comiezos fueron como acomodador en un cine de Manhattan a los 19 años al mismo tiempo que escribia chistes y los enviaba a los columnistas de periodicos y al por aquel entonces aún no muy famoso Ed Sullivan. Como guionísta de cine comenzó en 1937 escribiendo varios guiones para los hermanos Marx. Estuvo nominado una sola vez al Oscar precisamente junto a Finklehoffe con "Cita en San Luis".

  "Cita en San Luis" está dirigida por Vincente Minnelli. Un director (apodado el padre del musical), nacido en Chicago. Antes de convertirse en director de decorados y de vestuario, y luego en director en Broadway, Minnelli tuvo una experiencia temprana como actor infantil. El famoso productor de musicales Arthur Fred lo llevó a Hollywood. Tras dirigir varios números musicales en algunas películas de Busby Barkeley, Minnelli debutó como director con la película "Una cabaña en el cielo" ("Cabin in the Sky"-1943).

  Su talento como creador de películas elegantes y director de actores se hizo evidente en "Cita en San Luis" ("Meet Me in St. Louis"-1944), con Judy Garland. En 1945 se casó con Judy, la primera de sus cuatro esposas, y de este matrimonio nacería en 1946 la cantante y actriz Liza Minnelli. Siguieron algunos musicales más, entre ellos "El pirata" ("The Pirate"-1948), donde también participaba Judy Garland, y el innovador "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951). En esta última hizo su debut cinematográfico Leslie Caron, y también trabajó Gene Kelly, que estaba en el mejor momento de su carrera. Su obra destacó por su belleza visual, según sus propias palabras: "Lo que se busca en las películas, lo que se intenta crear es un poco de magia".

  Aunque Minnelli siguió dirigiendo musicales mágicos, como "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953), con Fred Astaire y "Gigi"-1958 con Leslie Caron y Maurice Chevalier, cada vez se inclinaba más por la comedia, con películas como "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), y por los melodramas como "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952), donde Kirk Douglas interpreta a un director hollywoodiense melagómeno.

  Los dramas de este periodo igual de memorables conservan el estilo personal unido a un trabajo fluido y a un elegante diseño. Entre ellos están "La tela de araña" ("Cobweb"-1955), un drama médico con un elenco estelar; "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), con Kirk Douglas en el papel de Vincent van Gogh y "Co él llegó el escándalo" ("Home from the Hill"-1960), con Robert Mitchum. Su último trabajo fue con la película "Nina"-1976, protagonizada por Liza Minnelli e Ingrid Bergman.

  Asi pues, el gran Minnelli, nos lleva hasta el año 1903 y nos mete en la vida del matrimonio Smith, afincado en San Luis, tienen cuatro preciosas hijas. Una de ellas, Esther de 17 años, se enamora de un vecino que acaba de instalarse en la ciudad. Sin embargo, la familia y en especialmente Esther, tienen un enorme disgusto cuando su padre les anuncia que deben de trasladarse a vivir a Nueva York por motivos de trabajo...

  La película digamos que se presenta dividida en cuatro secuencias, referidas al verano y otoño de 1903 y al invierno y otoño de 1904. Cada secuencia viene precedida de una postal con la imágen de la casa familiar ambientada con los colotres y los signos propios de la estación del año que introduce.

  La banda sonora corrió a cargo de George Stoll. Un director musical y compositor nacido en Minnesota. Su debut musical lo hizo como un niño prodigio del violín. En 1937 lo contrató la MGM donde practicamente estuvo toda su carrera musical cinematigráfica. Estuvo nominado al Oscar en nueve ocasiones. Entre sus grandes trabajos musicales caben de destacar "El mago de Oz" ("Wizard of Oz"-1939), "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945), "El principe estudiante" ("The Studiant Prince"-1954) , entre otros muchos más.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones orquestales que incluyen cuerdas, viento, percusión y piano, de cine moderno (en términos de 1944), alegre, dinámico y optimista, con algunos toques "country" y "folk". Las canciones aportan titulos de gran solidez como: "The Trolley Song" (nominada al Oscar), "The Boy Next Door", "Meet Me In Saint Louis", "Under The Bomboo Tree" y otras.. La música, las canciones, la coreografía y el baile se integran en el desarrollo de la acción, de modo que le dan continuedad y la hacen avanzar.

  La fotografía en un lujoso y explosivo color fue dirigida por George J. Folsey. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Su primer trabajo fue como empleado en una oficina recién fundada por Jesse L. Lasky Feature Play Company en Nueva York con la que fotografió varias películas mudas. Más tarde fue contratado por la Paramount Pictures que tenia su sede en la ciudad de los rascacielos. Y tiempo después emigró a Hollywood contratado por la MGM, donde pasó la mayor parte de su carrera. Fue nominado al Oscar en tres ocasiones pero nunca lo consiguió. Estos son algunos de sus trabajos: "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), "El último torpedo" ("Torpedo Run"-1958) y "Glass Houses"-1972) entre otros.

  Y aqui, vistiéndose de gala para ofrecernos un espectáculo visual espléndido de colores puros. intensos, variados y bien contrastados.

  Inmejorables todos los actores con una Judy Garland "El pirata" ("The Pirate"-1948) a la cabeza, dando vida a Esther. Y seguida por Margaret O’Brien, "Mujercitas" ("Little Women"-1949) como "Tootle"; Lucille Bremer, "Hasta que las nubes pasen2 ("Till the Clouds Roll By"-1940) como Rose, Mary Astor ("El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) y Leon Ames, "El sabio en apuros" ("Son of Flobber"-1963) como Anna y Alonzo Smith, los padres de las chicas.

  En definitiva: Una muy bonita película, muy bien dirigida con unas grandes interpretaciones y sin olvidar su fabuloso color. Sobresaliente.

  "Cita en San Luis" obtuvo cuatro nominaciones al Oscar: Canción, Fotografia en color, Banda sonora (musical) y Guión.

  A modo de curiosidad: Esta película proporcionó a la MGM el mayor éxito de público después de"Lo que el viento se llevó" ("Goone with the wind"-1939).

 

23/12/2021 18:53 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt-1943)

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  "Los que dicen que no quieren nada, son los que más reciben al final".

  Buena película de género de suspense y de nacionalidad estsadounidense llevada al cine de un argumento de Gordon McDonell. Un guionísta nacido en Inglaterra. Recibió una educación en un colegio militar para más tarde trasladarse a la India británica en 1925. Trabajó de principio como corredor de bolsa en Calcuta. A su regreso a Europa se convirtió en importador de té antes de dedicarse a la literatura. Emigró a California en 1937, pero un año antes publicó su primera novela, "Juwp for Glory". En Estados Unidos escribió varias historias algunas de ellas adaptadas al cine y la televisión. Fue nominado al Oscar por "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943). Otra de sus novelas también llevada al cine fue "Slep Down to Terror"-1958 protagonizada por Rod Taylor.

  Del guión se hicieron cargo Thormton Wilder, Sakky Benson y Alma Reville. Wilder fue un dramaturgo nacido en Hamden (Estados Unidos) ganador de tres Premios Pulitzer, uno de ellos otorgado por su novela "El puente de San Luis Rey y los otros dos por las obras de teatro "Nuestra ciudad" y "La piel de nuestros dientes" respectivamente. Además fue también ganador de un Premio nacional de teatro de los Estados Unidos por la novela "El octavo dia".Benson fue un escritor nacido en St.Louis. Su obra más famosa fue "Meet Me in St. Louis" (1944). Un año antes Alfred Hitchcock llevó al cine su novela "La sombra de una duda", y en 1946 escribió "Ana y el rey de Siam" llevada al cine en varias ocasiones. Y en cuanto a Alma Reville. Una actriz y asistente  de dirección nacida en Nottingham (Inglaterra) y mundiamente conocida por ser la esposa de Hitchcock y su más fiel colaboradora en la mayoria de sus películas.

 

  "La sombra de una duda" está dirigida por Alfred Hitchcock. Un cineasta nacido en Leytonstone (Inglaterra). Fue el hijo menor de William Hitchcock y Emma Jane Whelan. Se vió obligado a sustentar a la familia debido a la temprana edad de la muerte de su padre. Al mismo tiempo cursó estudios en el Colegio de San Ignacio y más tarde en la Escuela de Ingenieria y Navegación en Londres  (mecánica, electricidad acústica y navegación). Y después fue estudiante de arte en la Universidad también de Londres.

  Empezó a trabajar como ingeniero en la Compañia telegráfica Hanley y después en la sucursal londinense de la firma de Hollywood Famous Players Lasky, contratado como director de subtitulos para las películas mudas entre 1919 y 1922 y el inicio de todas las profesiones relacionadas con el cine, ayudante, decorador, guionista e incluso productor.

  Se estrenó como ayudante de dirección en 1922 y tuvo la oportunidad de dirigir el final de una película inconclusa por enfermedad del otro director en "Always Tell Your Life"-1923. Poco después dirigió "Mrs. Peabody" pero no pudo finalizarla por problemas financieros del estudio, mientras adaptó el guión de "Woman to Woman"-1923 de Graham Cutts.

  Por entonces conoció a la que iba a convertirse en su esposa Alma Reville.una mujer de talento y experiencia en el mundo del cine que pronto se reveló como una de las más importantes colaboradoras. Fruto del matrimonio naceria Patricia Hitchcock, que atuó en algunas de las películas más célebres de su padre: "Extraños en un tren" ("Strangers on a Train"-1951) y "Psicosis" ("Psycho"-1960).

  Hitchcock también era muy habitual en sus propias películas, de hecho el "cameo" del actor llegó a ser algo tradicional en su cine. En 1925 se inició como realizador con "The Pleasure Garden" ("El jardin de la alegria") una produccion alemana filmada en Munich. Trabajó como ayudante de dirección en los estudios de la UFA y fue en Alemania donde se puede decir que sintió toda la influencia del expresionísmo volcada en cada una de sus peliculas que realizó a partir de entonces.

  Enn "El enemigo de las rubias" ("The Lotger: A Story of the London Fog"-1927), y sobre todo "La muchacha de Londres" ("Chantaje Blakwait"-1929), pone el sello de Hitchcock, esa manera propia, descubridora de nuevas posibilidades cinematográficas. Su primer gran éxito internacional le llegó en 1934 con la primera versión de "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much").

  Fijó su residencia en Estados Unidos en 1940 siendo ya un personaje reconocido y, en el año 1941, se convirtió en su propio productor, lo que en los años 50 le llevó a realizar la serie de televisión "Alfred Hitchcock presenta" de la que dirigió más de 100 episodios.

  Se convirtió en uno de los cineastas más importantes de todos los tiempos, poseedor del secreto de los ritmos de la emoción y la sensibilidad humana, llevó con arte a la gran pantalla la intriga, el misterio o el suspense en películas como: "Psicosis" ("Psycho"-1960), "Los pájaros" ("TheBirds"-1963), "Crimen  perfecto" ("Dial M for Murder"-1954), "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954), "Vértigo"-1958, "Falso culpable" ("The Wrong Man"-1956), "El hombreque sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956) o "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964), películas que ya han pasado a la historia y que se conviertieron en clásicos del cine.

  Tuvo algunas musas, todas ellas rubias, como Ingrid Bergman, Grace Kelly o Tippi Hedren y trabajó con artistas como Salvador Dalí. que diseñó secuencias para la pelìcula freudiana "Recuerda" ("Spellbound"-1945). Fue nombrado caballero por la Reina (seguía siendo de nacionalidad británica) y recibió un Oscar especial (el único de su carrera). Aunque estuvo nominado en cinco ocasiones.

  Asi pues, el mago del suspense nos lleva hasta Santa Rosa (California) a lo largo de varias semanas y en un tiempo anterior a la incorporaciòn de Estados Unidos a la 2ª Guerra Mundial (diciembre 1941). Alli el "tio" Charlie Oakley perseguido por la policia se refugia en la casa de su hermana Emma, donde le espera con expectación su sobrina Charlotte ("Charlie") Newton. Esta a pesar de que no sabe nada de sus actividades, no tardará en sospechar que su tio es el misterioso asesino de  viudas al que busca la policia. El es un tipo inteligente, cariñoso, elegante, educado, ocurrente y simpático. La sobrina es una muchacha angelical, aplicada en los estudios e indefensa...

  La película es un thriller psicológico con elementos de drama familiar y de cine negro. En ella se desarrolla un relato bien trenzado de suspense psicológico. Su desarrollo se apoya en la progresión de la sospecha, el temor y el miedo, que diversos inicios alimentan en el ánimo y la mente tanto de los actores como del público.

  La violencia se instala en la vida apacible de una familia de clase media y de una vida ordinaria. Su descripción se hace a la manera de una grata comedia de costumbres, escrita con afecto, ironía y humor. Una de las ideas que Hitchcock da vueltas es la de la dualidad de las cosas: duda-certeza, verdad-mentira, amor-odio. Subraya la exposición mediante referencias en el guión a mellizos y a la lucha atávica entre el bien y el mal.

  Otra idea que forma parte de las constantes del director y que es objeto de atención en la película, es que también se refiere a la ciudad tranquila y pacifica que oculta en su interior secretos inquietantes. Reitera también su afición a los trenes, las estaciones, la transposición de identidades (falso inocente/falso culpable), las escaleras, los viajes (de Filadelfia a California), la objetivización de ideas (anillo/sospecha), etc. Los caracteres principales se presentan bien construidos y perfilados con solvencia. El suspense se administra en un "crescendo" que se eleva gradualmente hasta un climax de gran fuerza expresiva.

  La banda sonora es de Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania pero nacionalizado estadounidense. Desde muy niño sus padres se trasladaron a San Petersburgo donde estudió armonía y contrapunto y estaba considerado uno de los grandes niños prodigios de Rusia. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años  más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente a Hollywood. Su nombre nos resultará siempre conocido gracias a sus grandes bandas sonoras para el cine como por ejemplo las de High noon, la canción de "Solo ante el peligro" ("High Nonn"-1952), OK Corral de "Duelo de titanes" ("Gunfight at the Corral"-1957) y "El viejo y el mar" ("The Old  Man and the Sea"-1958).

  Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documemtales sobre el conflicto. Fué nominado al Oscar en 15 ocasiones, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954) y "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958).

  Y aqui, aportando una partitura orquestal con predominio de viento y metal, ofreciéndo pasajes de gran intensidad (llegada del tren). Añade además repeticiones de un fragmento del "Vals de la viuda alegre" de Franz Lehar, que se acompaña de imágenes de un baile.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Joseph Valentino. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en la década de 1920 y, a partir de 1924 se convirtió en director de fotografía trabajando en películas de serie B. Sus últimos años los dedicó en dirigir tres películas de Alfred Hitchcock. Estuvo nominado al Oscar por "La escuadrilla del Pacifico" ("Wings Over Honolulu"-1937), "Mentirosilla" ("Mad About Music"-1938), "El primer amor" ("First Love"-1939) y "Prncesita" ("Spring Parade"-1940). Y por fin lo logró por "Juana de Arco" ("Joan of Arc"-1948).

  Y aqui, presentando encuadres torcidos, proyecciones de sombras y ambientes oscuros, de inspiración expresionísta. Añadiendo además planos picados, primeros planos, encuadres inquietantes e impotentes locomotoras que echan densas humaradas. Los exteriores fueron rodados en su totalidad en la ciudad de Santa Rosa (California). Y los interiores en los Estudios de la Universal.

  Muy bien los actores encabezados por Joseph Cotten, "El último atardecer" ("The Last Sunset"-1961) y por Teresa Wright, "Hombres" ("The Men"-1950), Cotten vomo Charles "Charlie" Oakley y Wright como Charlotte Newton. Y seguidos por Macdonald Carey, "Odongo"-1956 como Jack Graham; Henry Traves, "Que bello es vivir" ("It’s Wonderful Life"-1946) como Joseph Newton; Patricia Collinge, "Historia de una monja" ("The Nin’s Story"-1959) como Emma Newton; Wallace Ford, "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955) como Fred Saunders...

  En definitiva: No es de las mejores de Hitchcock, pero si es una película que conserva todo su vigor gracias a una fantástica puesta en escena y unas grandes interpretaciones, sin olvidar su estupenda banda sonora. Sobresaliente.

  "La sombra de una duda" estuvo nominada al Oscar a la Mejor historia.

  A modo de curiosidad: En la ciudad de Santa Rosa Hitchcock utilizó muchos de sus habitantes para papeles pequeños.

06/12/2021 10:33 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

La extraña pasajera (Now, Voyager-1942)

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  "Jerry, no pidamos la luna. Tenemos las estrellas".

  Magnífica película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de  Olive Higgins Prody. Una novelista y poetisa nacida en Massachusetts. Se graduó en 1904 en el Smith College de Worcester. También es muy conocida por sus obras filantrópicas y por su asociación con la escritora Sylvia Plath. Entre sus novelas llevadas al cine cabe de destacar además de "La extraña pasajera", "Y supo ser madre" ("Stella Dallas"-1925) con Ronald Colman y Belle Bennett.

  Del guión se hizo cargo Casey Robinson. Un cineasta nacido en Utah. Fue productor y director de películas en su mayoria de serie B además de un guionista responsable de algunas de las películas más veneradas de Bette Davis. Después de pasar la mayor parte de la década de 1930 y principio de la del 40 trabajando en la Warner Bros, se mudó a MGM y más tarde a la 20th Century Fox donde estuvo hasta su retiro en 1962. Entre sus numerosos guiones para el cine, caben de destacar "El orgullo de los yanquis" ("The  Pride of the Yankees"-1942), "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows Kilimanjaro"-1952) y "Mientra Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) entre otras.

  "La extraña pasajera" está dirigida por Irving Rapper. Un director nacido en Londres, pero emigró a Estados Unidos a muy temprana edad. Allí trabajó primero como actor y director en Broadway, a la vez que estudiaba en la Universidad de Nueva York.  En 1930, se estableción en Hollywood, y alli la Warner le nombró ayudante de dirección y escritor de diálogos, profesión novedosa, ligada al cine sonoro. Además de trabajar con muchos actores, asistio en su trabajo a directores cuya lengua nativa no era el inglés como Michael Curtiz, Anatole Livack o William Dieterle.

  Rechazó proyectos mediocres, pero en 1941 llegó a ser diretor de cine haciendo su debut con "Shining Victory"-1941, basada en un relato de A. J. Cronin. De inmediato hizo "Con un pie en el cielo" ("One Foot in Heavin"-1941),  drama familiar que iba a rodar Anatole Livak, y su prestigio se consolidó en 1942 con "La extraña pasajera" (""Now, Voyager"), sobre todo, y "The Gay Sisters"-1942 especializándose en el melodrama, siempre bien construido.

  Destacó asi mismo su pelícua "Engaño" ("Deception"-1946). Más tarde abandonó la Warner para trabajar en la Columbia unos años, pero volvió a su productora inicial, donde dirigió "El zoo de cristal" ("The Glass Menagerie"-1950), basada en un drama de Tennessee Williams. Con Bette Davis, amiga y actriz ya consagrada rodó cuatro películas, en unos momentos criticos para la actriz. "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942), "El trigo está verde" ("The Corn is Green"-1945), "Engaño" ("Deception"-1946) y "Veneno para tus labios" ("Another Man’s Poison"-1951) esta con Gary Merrill, pareja en "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950). También rodó una vez con Bsrbara Stanwyck, "The Gay Sisters"-1942.

  También trabajó junto a Paulette Godard o con Natalie Wood, y asi mismo con actores de la talla de William Holden, Kirk Douglas y Gene Kelly. Siempre fue un gran director de actores. Un trabajo tardio pero valuoso fue "Por siempre mujer" ("Forever Fermale"-1953), drama con Ginger Rogers. Siguió haciendo cine interrumpidamente hasta 1959. Pero el sistema de estudios le obligó a rodar "Poncio Pilatos"-1962 con Jean Marais y Jeanne Crain, en contra de su voluntad. Luego, solo hizo una película más "Born Again"-1972 basada en un libro de Charles Colson.

  Asi pues, Rapper nos lleva hasta Boston y nos cuenta la historia de una mujer atormentada, Charlotte Vale, de algo más de 40 años, que vive sometida a los caprichos de su madre, que la desprecia y se burla de ella. Sumida en una profunda tristeza, su hermana le hace visitar por un psiquiatra, el Dr. Jaquith, que le aconseja unas semanas de descanso en el Sanatorio Vermont, gracias a su ayuda Charlotte consigue recuperar la autoestima y superar sus miedos. Además se vuelve más extrovertida y empieza a sentirse incluso atractiva. Dispuesta a disfrutar de su nueva vida hace un crucero por América del Sur y en el barco conoce a un apuesto arquitecto infelizmente casado...

  La película pues, es la historia de una mujer condenada, como muchas, a luchar con fiereza paea cinseguir independencia, libertad y maternidad.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena (Austria), pero nacionalizado estadounidense. Está considerado junto con Victor Young y Alfred Newman como el padre del sinfonísmo clásico estadounidense. Es curioso destacar como de los diez compositores más destacados de dicha época, solo dos nacieron en Estados Unidos. Al comenzar la 1ª Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos donde comenzó a trabajar en Broadway consiguiendo un rápido éxito. En Hollywood se estableció en 1929 con el comienzo del cine sonoro. Estuvo nominado al Oscar en 20 ocasiones lográndolo 3 veces por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942) y "Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui, incluyendo fragmentos orquestales, melodias latinas, clásicas como "Perfidia" y otros, que evocan un amor triste y afligido. Suena con fuerza al principio y al final, mientras aparece y desaparece a lo largo del metraje.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Cuando era aún un niño su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Nueva York. Después de la escuela se convirtió en fotógrafo y gracias a esto tuvo acceso al cine. En la década de 1920 hizo 13 películas para Harrey Carey. Fue uno de los camarógrafos más destacados de 1930. Tuvo una estrecha relación con Michael Curtiz y dirigió numerosas películas con Errol Flynn. Estuvo nominado al Oscar en tres ocasiones "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El sargento York" ("Sergeant York"-1941) y "Esto es el ejército" ("Thes Is the Army"-1943).

  Y aqui,  ofreciéndonos una narración visual vibrante, que combina negros intentísimos, grises diversos y blancos brillantes. En varias ocasiones la acción tiene lugar fuera del campo de visión de la cámara. Cuenta con escenas memorables como por ejemplo la de Jerry encendiedo dos cigarrillos a la vez, y la lírica escena, sugerida con imágenes indirectas, de la noche de amor en un lugar de la selva brasileña...

  Grandiosa (como siempre) Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes-1941) metida en el cuerpo de Charlotte Vale. Y con ella dos extraordinarios actores del cine de Hollywood: Paul Henreid, "Los cuatro jinetes del apocalipsis" ("The Four Horsemen the Apocalypse"-1962) y Claude Rains, ("Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), Henreid como Jerry Durrance , y Rains como el Dr. Jaquith. Y con ellos Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la madre de Charlotte; Lika  Chase, "No hay tiempo para amar" ("No Time for Love"-1943) como Lisa; Bonita Granville, "Un mendigo original" ("Merrily We Live"-1938) como June...

  En definitiva: Una preciosa película, de esas que te dejan un grato sabor cuando la terminas de ver, y que como el tiempo ha demostrado, volverias a ver con sumo placer.   Sobresaliente.

  "La extraña pasajera" logró el Oscar a la Mejor banda sonora (Max Steiner).

  A modo de curiosidad: Claude Rains terminó su última escena en esta película y a la mañana siguiente estaba empezando a rodar "Casablanca".


 

19/11/2021 18:44 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley - 1941)

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  Pero recuerda, con la fuerza va la responsabilidad, hacia los demás y a nosotros mismos. Porque no puede vencer la injusticia con más injusticia, solo con la justicia y la ayuda de Dios.

  Soberbia película y todo una obra maestra de género dramático-familiar y de nacionalidad estadounidense y llevada al cine de una novela de Richard  Llewellyn. Un novelista y guionista nacido en Londres. Llevó una vida de viajes constantes. Antes de la 2ª Guerra Mundial pasó un tiempo trabajando en hoteles y escribiendo obras de teatro, trabajó como minero en una mina de carbón y fue allí donde produjo su novela más famosa. Después de la guerra, se empleó como periodista, informando sobre los Juicios de Nuremberg y luego como guionista para la MGM, para tiempo después firmar por 20th Century Fox donde acabó su carrera cinematográfica. Además de "¡Qué verde era mi valle!" otra de sus novelas también fue llevada al cine con la película "Un corazón en peligro" ("None But the Lonely Heart"-1944) protagonizada por Cary Grant y Ethel Barrymore que lograria el Oscar a la Mejor actriz secundaria.

  Del guión se hizo cargo Philip Dunne. Un cineasta nacido en Nueva York. Trabajó prolificamente desde 1932 hasta 1965 y pasó su mayor parte de la carrera cinematográfica en la 20th Century Fox. Fue uno de los principales organizadores del Secren Writers Guid. Trabajó con muchos y notables directores tales como: Otto Preminger, Carol Reed, John Ford, Elia Kazan. Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por "¡Qué verde era mi valle!" ("How  Green Was My Valley"-1941) y "David y Betsabé"-1951.

  "¡Qué verde era mi valle!" está dirigida por John Ford. Un director nacido en Maine (Estados Unidos). Ford fue un considerado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos ha alabado a Ford por su intenso carácter patriotico, plasmado en los bellos paisajes de sus películas (sobre todo el Monumental Valley de Arizona), si no también en los propios humanos, presentados de manera estática e icónica. También se ha elogiado mucho su capacidad para comunicarse mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al mínimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solia ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal seleccionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scotland"-1936) que no ponen de manifiesto la perdonalidad del director, están realizadas de una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las obras memorables de Hollywood. "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939), demuestra su impresionante sentido de la belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre, en una memorable hagografia. "La diligencia"("Syagecoach"-1939), resucitó el western que habia quedado relegado a la serie B. La película que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Rio Grande" -1950, antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("Seachers"-1956) y "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962), donde exponía la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  Ford ya exploró las varias ideologias y exclusiones del western antes que los revisionistas del género posteriores a la época del auge de los grandes estudios. "El sargento negro" ("Seargent Rutledge"-1960) aborda el racísmo, mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) adopta el punto de vista de los indios americanos empujados a la desaparición por el peligro de la extinción.Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general sus westerns buscan su fuerza y vigor en la explotación de estereotipo Liberty Valance deconstruyen el mito de héroe/villano respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el dolor físico que causa la violencia y que otros tienen que soportar, Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus películas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra se caracterizan también en el patriotísmo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento. "No eran imprescindibles" ("They Were Expendeble"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanzas de recibir refuerzos de rescate. Es un himno inolvidable al valor con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones. "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la Guerra de Secesión, enfrenta a un agerrido coronel de caballeria totalmente real, con el médico del regimiento, que lamenta el  sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega mucho más allá de un duro ataque de sensubilidad, para resolverse al auténtico estilo fordiano, con una pelea a puñetazos.

  Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imaginación cuidadosamente diseñada. En la versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinback, se evoca la pobreza de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodajes en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió buen resultado con "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las películas de Ford más celebradas son las de temas célticos y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evovcan eficazmente la familia y la tradición, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  Asi pues, Ford nos lleva hasta un pueblo minero de Gales y nos mete de lleno en el seno  de la familia Morgan, todos mineros y orgullosos de serlo, respetan las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provoca un enfrentamiento entre el padre y los hijos, porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera hablar de sindicatos ni de socialísmo...

  La película suma drama, familia e incluso comedia de costumbres. Esta película fue la última de Ford antes de servir cuatro años en la Marina durante la 2ª Guerra Mundial. El pequeño de los Morgan evoca sus recuerdos y adolescencia (de 9 a 19 años aproximadamente).

  El relato se presenta como una suma de episodios sucesivos, relativamente independientes, conectados por la persona de los mismos personajes. Inserta en varias ocasiones cuadros que aportan digresiones irónicas o cómicas, como la entrega de la carta del Palacio de Windsor o la visita del médico.

  También nos ofrece una magnífica descripción de caracteres, situaciones y costumbres. Nos explica el hábito de cenar sin hablar, la distribución de personajes en la familia, el grito milenario de comunicación entre los valles de la región, la cerveza como bebida popular, etc.. El relato es un único y largo flasback. Y su estilo narrativo es sencillo, claro y entrañable, como el de un cuento infantil.

  Los recuerdos entrelazan los hechos, los idealizan y los contemplan con añoranza y nostalgia. Se pasa revista a la proletarización de los trabajadores, la implantación de los sindicatos obreros, la primera huelga general indefinida en los valles mineros de Gales (1898), la crisis económica fenisicular, la emigración (Estados Unidos, Canadá, Nueva Zelanda, Sudáfrica), el trabajo sin medidas de seguridad, la frecuencia de los accidentes laborales mortales, el despido sin preaviso, la reducción de salarios, etc..

  La historia se mueve en forma de una idea central. El ser humano ha nacido para ser feliz. La felicidad se basa en casos sencillos, asequibles y comunes (pasear por el campo, cantar, vivir en familia, participar en las celebraciones, compartir...). No falta la presencia de algunas de las constantes de Ford: el borrachín del pueblo, el médico, la capilla como lugar de encuentro social, las celebraciones religiosas como nexo de unión y cohesión social, la familia numerosa, la boda, la perdida de la inocencia, los niños, el bebé, el embarazo, el parto, los personajes curiosos (la Sra. Tossel, el profesor sádico...). Tampoco falta el humor, que Ford basa en figuras pintorescas (el boxeador Dal Bando), lances divertidos (cosquillas en los pies, hipo...), incidencias intempestivas (visita del Sr. Evans), inversiones del sentido de la acción (salva de puñetazos como clase de boxeo), escenas caricaturescas (visita del Dr. Richard), picardias (cubo de agua volando sobre la cabeza del padre), etc..

  La película afirma el valor de la familia. Rinde homenaje a la figura del padre como ejemplo, maestro y guia. Rinde homenaje a la madre, como simbolo de cariño, afecto y apoyo que une a la familia. Dedica un homenaje al Sr. Gruffidd como hombre abierto, liberal, inteligente y entregado en cuerpo y alma al servicio de los demás. Elogia el amor verdadero, defiende el divorcio y la dignidad de las madres solteras. Justifica el celibato. Denuncia la miseria del amor interesado y de conveniencia, las diferencias sociales, la injusticia social, la marginación y la exclusión social por razones de opinión, las malas lenguas, los prejuicios morales, la utilización politica de la religión, la intolerancia ideológica, etc..

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Uno de los más importantes de la historia del cine en Estados Unidos, además de ser el autor de la característica sintonia de la 20th Century Fox. Consiguió durante su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo la estatuilla en nueve ocasiones. En 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros grandes directores fue muy prolifica. En su familia existen también otros compositores de música de cine. Era hermano de Lionel y Emil Newman, padre de Thomas, David  y Maria Newman, y tio de Randy y Joey Newman. Su último Oscar lo logró por "El rey y yo" ("The King and I"-1956) de Walter Lang.

  Y aqui, ofreciendo una partitura orquestal de 16 cortes y un bonito tema principal ("Huw’s Themme"). Las composiciones, adaptadas a la evolución del relato, suigieren los sentimientos de los personajes y de la comunidad y definen presagios. Como música añadida incluye varias canciones corales a cargo del grupo Wells Singers. Destacan "God Save the Queen" (mientras los hijos abandonan el pueblo) y "Men of Harlech" (secuencia inicial). 

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Arthur C. Miller. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine a los 13 años de edad como asistente del cineasta Fred J. Balahofer y finalmente se unió a la Pathé cuando contaba 19 años convirtiéndose en director de fotografía de series de cuentos de 1914. Más tarde trabajó para Astra Film Co. En 1918 fundó junto con su hermano Bill la Motion Picture. En 1932 firmó un contrato a largo plazo con 20th Century Fox y se retiró en 1952 por motivos de salud, pero permaneció activo en la Industria como presidente de la Sociedad Esrtsdounidense de Cinematógrafos. Su última películs fue "El merodeador" ("The Prowler"-1951) dirigida por Joseph Losey y con un guión de Dalton Trumbo.

  Y aqui,  subrayando los cambios del paisaje, la familia y los habitantes del valle. Creando unas imágemes bien contrastadas, de cuidada composición, acusado claroscuro e inspiración expresionísta. Aprovecha la profundidad de campo para acompañar la acción principal con curiosas escenas en segundo y tercer término.

  La película se rodó en escenarios naturales de Santa Mónica Mountains (California) y los interiores en un plató de Fox Ranch (donde se recreó el pueblo).

  Magnificos todos los actores comenzando por Walter Pigdeon, "Tempestad sobre Washington" ("Advise & Consent"-1962) como Mr. Gruffyd; Maureen O’Hara, "Cuna de héroes" ("The Long Gray Line"-1955) como Augharad; Donald Crisp, "Fiebre en la sangre" ("Spencer’s Mountain"-1963) como Gwillym Morgan (el padre); Sara Allgood, "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"-1941) como Beth Morgan (la madre); Anna Lee, "F de Flint" ("In Like Flint"-1967) como Bronwyn; Barry Fitzgerald, "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) como Cyfartha; Roddy McDowall; "Cleopatra" -1963 como Huw (el benjamin de la familia)...

  En definitiva: Toda una obra maestra del género. Una película que nos da toda una lección de la vida  que emana del corazón de la tierra. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

  "¡Qué verde era mi valle!" logró cinco Oscar: Película, Director, Actor secundario (Donald Crisp), Fotografía (Arthur C. Miler) y Dirección artística (Richard Day y Nathan Juran).

  Como curiosidad: La película se iba a grabar en Gales y en technicolor, pero  fue impedido por la 2ª Guerra Mundial y los bombardeos nazis sobre las islas británicas. Finalmente se grabó en blanco y negro porque los colores de las flores de California no aparecian en los paisajes galeses y desentonaban mucho.

03/11/2021 09:52 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story-1940)

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  "No quiero que me adoren, sino que me quieran".

                        (Tracy Lord)

  Obra maestra de género de comedia romántica y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una obra teatral de Philip Barry. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Su vida como escritor comenzó a los nueve años de edad, y muy conocido por sus obras teatrales tales como: "Holiday" (1928), pero sobre todo por "Historias de Filadelfia (1939), esta obra tuvo la friolera de 417 representaciones en Broadway con Katharine Hepburn al frente del elenco de actores 

  Del guión se hicieron cargo Donald Ogden Stewart y Waldo Salt. El primero fue un escritor nacido en Columbus. Se instaló en Nueva York al finalizar la 1ª Guerra Mundial y comenzó a escribir novelas satíricas, en 1925 le propusieron que adaptara algunas de ellas para el cine, al año siguiente escribió su primer guión cinematográfico fue una película muda para la MGM titulada "Brown of Harverd". Poco a poco se fue ganando el reconocimiento de los directores hasta llegar a conseguir un Oscar precisamente por "Historias de Filadelfia".

  El segundo fue un guionísta nacido en Chicago. Estudió en la Universidad de Stanford donde se graduó en 1934. Su primer guión para el cine fue para la película "The Bride Wore Red"-1937. Su carrera se vió interrumpida por estar en la lista negra después de negarse a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1951, por lo que tuvo que emigrar a Inglaterra. Al colapsar la lista negra volvió a Estados Unidos donde vivió la mejor etapa filmica de su vida con guiones para el cine donde caben de destacar "Cowboy de medianoche" ("Midnight Cowboy"-1969) con Oscar incluido y "Serpico"-1973.

  Historias de Filadelfia" está dirigida por George Cukor. Un director nacido en Nueva York. Podria parecer un cumplido equívoco decir de un director que lo que más se recuerda son las interpretaciones, pero George Cukor, especialmente conocido por sacar lo mejor de actrices temperamentales, le gustaba que le consideraran el director de actores por antonomasia.

  George Cukor fue además uno de los directores más sútiles y más cultos de Hollywood con un don para rodar perfectas escenas de diálogos y para preservar la esencia de obras teatrales y novelas. Su "David Copperfield"-1935, sigue siendo la mejor versión de la obra de Charles Dickens que ha hecho Hollywood, y aunque no fue del todo capaz de convertir a Leslie Howard y Norma Shearer (que sumaban 82 años) en "Romeo y Julieta"-1936, es dificil imaginar otro director que pudiera simplemente intertarlo.

  La confianza en que Cukor manejaba repartos de grandes estrellas se hizo evidente por primera vez en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight"-1933), un sublime intento de recrear el éxito de la multiestelar "Gran Hotel"-1932 de Edmund Goulding, donde sobreasale una soberbia actuación cómica de Jean Harlow. Este raro talento para mantener contentos unos egos frágiles sin perturbar el entramado de una narración colectiva hizo de él el candidato ideal para "Mujeres" ("The Women"-1939) que consiguió milagrosamente mostrar lo mejor de Norma Shearer, Rosalind Russell, Jean Crawford, Paulette Goddard y Joan Fontaine.

  Por la misma razón no cabe duda de que el emocionante espectáculo tan habilmente manejado por Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" ("Gome With the Wind"-1939) hubiese tenido menos peso emocional si Cukor no hubiera estado allí para motivar y arrancar una interpretación tan completa a Vivien Leigh. Cukor dirigió dos veces a Greta Garbo y cuatro a Joan Crawford, pero la actriz con la que tuvo la asociación más fructífera fue Katharine Hepburn. Su estilo frágil e insolente sólo se traducia en un éxito de taquilla de vez en cuando, pero él, más que ningún otro director era capaz de sacar su lado humano más vulnerable sin comprometer su autoridad.

  También explotó su versatilidad utilizándola en la adaptación literaria de "Las cuatro hermanitas" ("Little Women"-1933), en la sofisticadacomedia "Vivir para gozar" ("Holiday"-1938) y en rarezas como "La gran aventura de Silvia" ("Sylvia Scarlett"-1935), donde aparece disfrazada de chico. "La costilla de Adán" ("Adam’s Rib"-1949) es la mejor de las películas de la Hepburn con Spencer Tracy, pero su mejor colaboración fue "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940), donde el personaje de Tracy Lord (Hepburn) exibe una inolvidable mezcla de hielo y fragilidad. En esta película Cary Grant y James Stewart respondieron al  toque de Cukor con matices y sutilezas nunca vistos. Con él incluso actores secundarios tan experimentados como Roland Young y John Holliday, que podian hacer una mala interpretación aunque quisieran, mejoraban algunos puntos.

  Las mejores películas de Cukor se caracterizan también por la precisión no ostentosa en todos los detalles técnicos. La colocación de la cámara, los decorados, la iluminación y la composición eran siempre tan perfectas como poco aparentes. Paa él, la buena dirección era invisible. Por ejemplo en sus manos "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), básicamente un melodrama teatral, se convirtió en pura elegancia, con un detallísmo suntuoso e interpretaciones magnéticas de Ingrid Bergman y Charles Boyer, y todo sin afectar al propósito narrativo, sigue siendo un thriller extraordinariamente bueno.

  El hundimiento del sistema de estudios dejó a Cukor sin más opción que las películas de prestigio, caras y seguras. La producción lujosa, los grandes presupuestos y las atractivas estrellas no bastaron para convertir "My Fair Lady"-1964 o "El pájaro azul" ("The Blue Bird"-1976) en proyectos dignos de su talento, aunque su comunicación instintiva con las actrices arrancó un buen trabajo de Marilyn Monroe en "El multimillonario" ("Let’s Make Love"-1960).

  Dadas las circustancias, poco importaba que "Ricas y famosas" ("Rich and Famous"-1981) fuera una fallida puesta al dia de "Vieja amistad" ("Old Aquaintanche"-1943) de Vicent Sherman, lo importante es que Cukor, con 82 años, aún estaba alli para dirigirla.

  Asi pues, el maestro Cukor nos lleva hasta una mansión señorial en Filadelfia. Y alli nos cuenta la historia de Tracy Lord, hija de una familia acaudalada, muy conocida en la ciudad y divorciada de C. K. Dexter Haven. Tracy es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después de su divorcio está a punto de contraer de nuevo matrimonio con George Kittredge, un hombre oscuro, aburrido y mediocre. Y para inmortalizar los festejos son invitados especialmente por Dexter, Macaulay Connor y Elizabeth Imbrie una pareja de periodístas...

  La película pues, es una comedia romántica, que incluye enredo, lucha de sexos y critica social. Comienza con una escena retrospectiva que explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un palo de golf de Dexter y este, irritado, asiéndola con la mano en la cara la hace caer al suelo. La escena deja planteadas las lineas en las que se basa la pelìcula, el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las ansias de desquite de Dexter. Este en convivencia con una revista sensacionalísta del corazón ("Spy"), monta una mascarada que permite el acceso a la casa de los Lord, el dia antes de la boda, de un periodísta, Macauley "Mike" Connor y de una reportera gráfica Elixabeth "Liz" Imbrie.

  Tracy se ve enfrentada a una inesperada situación, en la que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un exmarido que la irrita con sus desvaneos. En realidad, Tracy se enfrenta a otro problema: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano, o seguir igual. El proceso de reflexión y decisión es complejo por falta de tiempo, inclinaciones personales arraigadas y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres. 

  La trama y la subtrama (el lio escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación) son conducidas por Cukor con delicadeza, gracia e ingenio.

  La banda sonora es obra de Franz Wazman. Un compositor nacido en Chorzów (Alemania), pero nacionalizado estadounidense. Muy conocido principalmente por sus trabajos para el género de música cinematográfica. Aunque también compuso para otros géneros en películas como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) y "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954). También compuso obras de concierto incluyendo el oratorio "Joshua" (1959) y "La canción de Terezin" (1965), una obra para orquesta, coro y coro de niños basada en poemas escritos por los niños del Campo de Concentración de Thereaienstadt durante la 2ª Guerra Mundial. A lo largo de toda su carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, recibiéndolo en dos ocasiones por  "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, incluyendo una partitura de 3 movimientos: "Main Tittle", MGM Fanfarria" y "The True Love". Añade además dos canciones ajenas "Lydia, The Tattood Lady" y Over The Rsainbow", y la marcha nupcial de Mendelssohn.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Joseph Rottenberg. Un director de fotografía nacido en Ucrania, pero al igual que Newman nacionalizado estadounidense. Emigró a Estados Unidos llegando a Boston en 1895 donde trabajó en el Boston Globe como fotoperiodista y en 1915 aceptó un trabajo en la Fox Film Corporation de Nueva York donde se formó como director de fotografía. Su primer trabajo como tal fue con la película "The Blue Streak"-1917 que marcó el comienzo de una exitosa carrera. En 1920 comenzó a trabajar para Paramount Pictures de Nueva York, y fue con la película "The Struggle"-1931, ultima precisamente de D W Griffith. En 1934 se mudó a Hollywood donde fue invitado a unirse a la Sociedad Estadounidensde de Cinematografía.

  Fue candidato al Oscar en numerosas ocasiones lográndolo en cuatro ocasiones por: "El gran vals" ("The Great Waltz"-1938), "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942), "Marcado por el odio" ("Somerbody Up Thece Likes Me"-1956) y "Gigi"-1958.

  Y aqui, sobresaliendo por su magnífico dibujo y el manejo del color (claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.).

  Magistral el trio protagonísta: Katharie Hepburn, "El león en invierno" ("The Lion in Winter"-1968), Cary Grant, "Orgullo y pasión" ("The Pride and the Passion"-1957) y James Stewart, "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954). Katharine como Tracy, Cary  como Dexter y James como Macaulay. Y con ellos, Ruth Hussey, "Compañero de mi vida" ("Tender Comrade"-1943) como Elizabeth; John Howard, "Horizontes perdidos" ("Lost Horizon"-1937) como George; John Holliday, "Bloqueo" ("Blockade"-1938) y Mary Nash, "Hasta que las nubes pasen" ("Till the Clouds Roll By"-1946) como Seth y Margaret Lord (los padres de Tracy)...

  En definitiva: Para mi una de las obras maestras de la comedia romántica, pues tanto Cukor como los tres principales protagonístas estuvieron en estado de gracia (sin olvidarme de los grandes secundarios), y consiguieron narrar una historia tierna, hilarante y delicada. Matricula de Honor.

  "Historias de Filadelfia" logró dos Oscar de seis nominaciones: Mejor actor (James Stewart) y Guión adaptado (Donald Ogden Stewart y Waldo Salt).

  A modo anecdótico: El galardonado con el Oscar al Mejor actor James Stewart siempre pensó que él no merecia la eststuilla, dijo que el ganador deberia haber sido Henry Fonda por su papel en "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940).

 

11/10/2021 17:19 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Fuerza diez de Navarone (Force Ten from Navarone - 1978)

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   "Una misión tan temeraria que solenciar a los cañones."

  Entretenida película de género bélico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de Robin Chapman. Un dramaturgo y guionísta nacido en Inglaterra. Comenzó su carrera como actor en Cambridge y fue presidente de la Marlowe Society y, al poco tiempo comenzó a escribir. Entre sus obras teatrales se encuentran "High Stret China" y "One of VS". Para el cine apenas escribió pero si tiene un largo historial como guionista de televisión donde hay que destacar series tan famosas como por ejemplo: "Jane Eyre" (5 episodios-1973) y "Los archivos de Sherlock Holmes" (2 episodios-1991).

  El otro guionista fue el famoso Carl Foreman. Un cineasta nacido en Chicago. Después de graduarse se trasladó a Hollywood donde comenzó a escribir guiones. Su carrera se vió interrumpida por el servicio militar durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso se convirtió en uno de los mejores guionistas de Hollywood con películas como "El idolo de barro" ("Champion"-1949), donde recibió su primera nominación al Oscar. En 1951 produjo "Solo ante el peligro" ("High Noon"), ese mismo año se vió obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas, con lo que se quedó sin trabajo y tuvo que trasladarse a Inglaterra. Además de su trabajo como guionísta también dirigió la película antibélica "Los vencedores" ("The Victors"-1963). Cercano a su muerte volvió de nuevo a Estados Unidos.

  "Fuerza diez de Navarone" está dirigida por Guy Hamilton. Un director inglés aunque nació en Paris (sus padres residian alli). Sus primeros pasos en la industria del cine fueron en 1938, cuando era un chico de claqueta en los Estudios Victorine de Niza. Al estallar la 2ª Guerra Mundial en 1939 escapó de Francia en un barco minero con destino al Norte de Africa, fue uno de los 500 refugiados a bordo del W. Somerset Maugham (nombre del carguero minero).

  Llegó a Orán y después a Gibraltar antes de arribar en Londres, alli trabajó en la filmoteca de la Paramount News antes de ser destinado a la Royal Navy, sirvió en el 15º Motor Torpedo Boat 718 Flotilla. una unidad que transportaba agentes a Francia y traia pilotos británicos derribados de regreso a Inglaterra. Después de la gurrra con la que fue condecorado con la Cruz de Servicio Distinguido, quiso dedicarse a la producción cinematográfica y se las arregló para conseguir un trabajo en una segunda unidad en Dartmoor en una película de Trevor Howard. Luego fue contratado por Alexander Korda como tercer asistente de dirección. Durante los años siguientes se abrió camino hasta convertirse en primer asistente de dirección.

  Trabajó en "Me hicieron un fugitivo" ("They Made Me a Fugitive"-1947), "Mine Own Executioner"-1947, "Anna Karenina"-1948 y "El idolo caido" ("The Fallen Idol"-1948) de Carol Reed, un director con el que tuvo una gran relación durante toda su vida. Hamilton también colaboró en "Britania News"-1949, una película de la 20th Century Fox rodada en Inglaterra y dirigida por Jean Negulesco, volvió con Carol Reed en "El tercer hombre" ("The Third Men"-1949) y en la que Hamilton hizo doblete con Orson Welles en un par de tomas en "La rosa negra" ("The Black Rose"-1950); "Secreto de estado" ("State Secret"-1950) para Sidney Gilliat; "Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) también para Caro Reed; "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951) para John Huston; y "Home at Seven"-1952) para Ralph Richardson.

  Carol Reed le sugerió que si queria dirigir en solitario deberia de dejar de trabajar con Korda a menos que le diera una oportunidad de dirigir. Funcionó y Korda le asignó el trabajo de dirigir la película de serie B "The Ringer"-1952, interpretada por Herber Lom. Su segunda película como director fue "The Intruder"-1953 con Jack Hawkins que trataba sobre los soldados que regresan a la vida civil, después dirigió "An Inspector Calls"-1954 con Alastair Sim. Su cuarta película fue una historia de prisioneros de guerra titulada "The  Colditz Story"-1955 con John Mills de protagonísta, esta fue la película más taquillera de la década en Inglaterra. También intentó un musical "Charley Moon"-1956 con Max Bygraves y una película de aventuras "Manuela"-1957 con Trevor Howard y el mexicano Pedro Armendáriz.

  Tuvo su primera experiencia con películas de mayor presupuesto hacia el final de la década cuando reemplazó por despido al director Alexander MacKendrick en la película "El discipulo del diablo" ("The Devil’s Disciple"-1955) con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Laurence Olivier. Después de "Operación Robinson" ("A Touch of Larceny"-1959), se encontró nuevamente trabajando en una historia de guerra en la comedia italiana producida por Dino De Laurentis "Su mejor enemigo" ("The Best of Enemies"-1961). Esta fue la primera película que mostró su habilidad con intricadas secuencias de acción de escenas.

  Rechazó una oferta para dirigir "Dr. No"-1962, la primera película de James Bond. Pero su siguiente película fue algo fuera de su obra en desarrollo "The Party’s Over"-1965, esta película fue fuertemente censurada y en protesta Hamilton pidió que se eliminara su nombre, cuando por fin fue liberada volvió a dirigir "Entre dos fuegos" ("Man in the Middle"-1963) con Robert Mitchum. En 1964 dirigió su primera pelìcula de la saga Bond, "Goldfinger" que fué un éxito de critica y público. A finales de la década de 1960 volvió a dirigir dos películas más para el productor de Bond, Harry Seltzman: "Funeral en Berlin" ("Funeral in Berlin"-1966) con Michael Caine y "La batalla de Inglaterra" ("Battle of Britain"-1969) con un reparto multinacional.

  Regresó de nuevo a la franquicia Bond con "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Forever"-1971),  "Vive y deja morir" ("Live and Let Die"-1973) y "El hombre de la pistola de oro" ("The Man With the Golden Gun"-1974). Hamilton fue originalmente elegido para dirigir "Superman"-1978, pero, debido a su condición de exiliado, solo se le permitió estar en Inglaterra treinta dias, donde la producción se habia trasladado en el último momento a Pinewood Studios. El trabajo de director pasó luego a Richard Donner, pero Hamilton insistió que se le pagara en su totalidad.

  Las únicas películas de Hamilton en la última parte de la década de 1970 fueron "Fuerza diez de Navarone" ("Force 10 de Navarone"-1978) y la adaptación del misterio de Agatha Christie "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"-1980), con un reparto de lujo. Volvió a dirigir, otra adaptación de Agatha Christie "Muerte bajo el sol" ("Evil Under the Sun"-1982) que también fue muy bien recibida. En 1980 dirigió solo dos películas "Remo: desarmado y peligroso" ("Remo Williams: The Adventure Begimgs"-1985) y "Quiero seguir vivo" ("Try  this One for Size"-1989) antes de retirarse. Aunque ese mismo año le propusieron dirigir "Batman" pero se negó. Pero si dirigió ese mismo año la que sería su última película definitivamente "Quiero seguir vivo" ("Try This One for Size") con Michael Brandon y David Carradine.

  La acción pues, tiene lugar en 1945 en una base de operación británica entre Italia y Bosnia que, tras la destrucción de los cañones de la isla de Navarone, al Mayor Keith Mallory y al sargento Dusty Miller se les asigna una misión en Yugoslavia: destruir un puente vital para el abastecimiento alemán, pero para conseguirlo tendrán que enfrentarse a las patrullas nazis y a un traidor que se ha infiltrado entre ellos...

  El relato se basa en una acertada combinación de diversos elementos narrativos, manejados con habilidad. La posibilidad de su existencia, conocida por Keith y Mallory, hace que estos soporten un máximo de tensión. El mando les dejó a ellos porque eran los únicos supervivientes de Navarone capaces de identificar al infiltrado.

  La banda sonora fue compuesta y dirigida por Ron Goodwin, "La batalla de Inglaterra" ("Battle of Britain"-1969). Un compositor y director de orquesta nacido en Inglaterra. Muy conocido por su música para películas, puesto que compuso más de 70 partituras durante toda su carrera. Estuvo nominado al Globo de Oro por "Frenesi" ("Frenzy"-1972) de Alfred Hitchcock. En diciembre de 2002 completó su 32 años consecutivos en conciertos navideños en lugares abarrotados en todo el sur de Inglaterra.

  Y aqui interpretando por una formación orquestal completa, que ofrece una partitura sólida, contundente y de gran belleza.

  La fotografía en color fue dirigida por Christopher Challis. Un director de fotografía nacido en Londres. Sus primeros trabajos fueron como operador de cámara en varias películas de Michael Powell y Emeric Pressburger. Debutó como director de fotografía con la película "El final del rio" ("The End of the River"-1947). Su experiencia con el color hizo que los cineastas británicos de la década de 1950 lo eligieran con frecuencia, trabajó en varias películas de éxito, incluidas "Hundid el Bismark" ("Sink the Bismark"-1960) y "Chtty Chitty Bang Bang"-1968. En 1936 se unió a la Royal Photographia Society, donde siguió siendo miembro hasta su muerte en 2012.

  Muy bien todos los actores, y todos en sus respectivos puestos de combate a la cabeza de Robert Shaw, "Tiburón" ("Jawas"-1975) como Mallory, seguido por Harrison Ford (aqui aún no habia dado su dó de pecho, solamente "La guerra de las galaxias" ("Star Wars"-1977) y aqui como Barnsby; Edward Fox, "Chacal" ("The Day of the Jackal"-1973) como Miller; Alan Badel, "Arabesco" ("Arabesque"-1966) como Petrovitch; Franco Nero, "Tristana"-1970 como Lescovar. Y entre tanto hombre no podia faltar una mujer y aqui nos encontramos con la bellisima Barbara Bach, "La espia que me amó" ("The Spy Who Loved Me"-1977) como Maritza...

  En definitiva: Una película que se deja de ver si no buscamos más que entretenimiento sin complicaciones, ni exigencias. Notable.

  A modo de curiosidad: Después de haber sido proyectada en Camp David como la película de Acción de Gracias para el presidente de Estados Unidos Jimmy Carter. La película se estrenó en Estados Unidos el 8 de diciembre de 1978 y recibió criticas mixtas y supuso un fracaso de taquilla consiguiendo algo más de 7 millones de dólares de recaudación. No obstante, para algunos aficionados al cine bélico es casi una película de culto.

 

 

 

 

 

 

 

01/10/2021 07:55 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Al final de la escapada (A bout de souffle - 1960)

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   En recuerdo de: Jean - Paul Belmondo

  "Si no le gusta el mar... y no le gustan las montañas... y no le gusta la gran ciudad tampoco... ¡Qué lo jodan!.

  Película imaginativa e innovadora y, toda una obra maestra de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una historia de Françoise Truffaut. Un cineasta nacido en Paris y uno de los iniciadores del movimiento de la Nouvelle Vague, si bien luego evolucionó de modo muy personal. Su influencia fue mas bien desgarrada y fantasiosa. Estudió en la escuela de la rue Clauzel y en el Liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. En 1946 dejó los estudios y sobrevivió con pequeños trabajos y en 1947 fundó un cine-club.

  Su primer contacto detrás  de la cámara fue en 1953 con el cortometraje "Une visite", y su primer éxito le llegaria con "Los 400 golpes" ("Les 400 Coups"-1959). Su último trabajo para la pantalla grande fue con la pelicula (como director)"Vivamente el domingo" ("Vimement dimanche!"-1983). Con "Los 400 golpes" estuvo nominado al Oscar al Mejor guión y en el Festival de Cannes logró el Premio a la Mejor dirección.

  El segundo guionísta y también director de la película fue Jean-Luc Godard. Un cinesata nacido en Paris. Simbolo de la conciencia progresista de los años sesenta, Godard comparte con el Che Guevara y John F. Kennedy una voluntad apasionada por  cambiar el mundo, una profundidad intelectual, facilidad para la retórica y fama de radical. Su impacto fue tal que ninguna obra puede declararse hoy politicamemte inocente.

  En los años cincuenta, Godard empezó a escribir para la prestigiosa revista Cahiers du cinéma. El y otros criticos como Françoise Truffau, Claude Chabrol y Eric Rohomer. insatisfechos con las normas y las fórmulas del cine comercial, decidieron rechazar las convenciones y poner enfásis en las emociones humanas directas a la acción impulsiva. El movimiento se convirtió en la nouvelle vague francesa.

  La primera película de Godard, "Al final de la escapada" ("A bout  de souffle"-1960) cayó como una bomba en el Festival de Cannes. Esta historia de un insignificante gángster evoca un Paris deshinbido y existencialísta, combinado con una moderna banda sonora de jazz, un dinámico ritmo de furiosas persecuciones, saltos de imágen bruscos, estallidos repentinos de violencia, sexo casual, travellings suaves y un ambiente de contemplación filosófica.

  La película rebosa inmediatez espontánea, personificada en la encantadora escena en la que Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo se pasean coqueteando por los Campos Eliseos. Godard, repentinamente famoso por esta obra, se convirtió en un héroe de la izquierda, un símbolo para el joven movimiento progresista y pscifista. "El soldadito" ("Le petit  soldat"-1963) y "Los carabineros" ("The carabiniers"-1963) son películas activistas. La primera fue prohibida por su critica de la guerra de Argelia y por contener una fuerte escena de tortura. La segunda es una dura sátira de la guerra.

  "Una mujer es una mujer" ("Une femme  est une femme"-1961) y "Vivir su vida" ("Vivre sa vie"-1962) fueron las primeras películas en criticar el consumismo (los personajes son una bailarina de strip-tease y una prostituta), pero también muestran una tierna fe en el amor. Las películas "Banda aparte" ("Bande á part"-1965) y "Lemmy contra Alphaville" ("Lemmy"-1965) desconstruyen los géneros de la road movie y la ciencia-ficción. "El desprecio" ("Le Mépris"-1963), un ataque feroz Hollywood es la obra mas cercana de Godard. Se trata de una pelìcula sobre el rodaje de "La Odisea" de Homero, por supuesto imposible de filmar. Con colores suntuosos y exteriores exóticos, incluye desnudos, pistolas y grandes estrellas como Brigitte Bardot, Jack Palance y Michel Piccoli.

  En 1965 Godard abandonó las historias marcadas por el argumento para dar prioridad a la concepción marxista del cine como arma revolucionaria. "Pierrot el loco" ("Pirerrot le fou"-1965), "La Chinoise"-1967 y "Weekend"-1967 siguen siendo agudas por sus metáforas abiertamete politicas. En todas ellas, el marco narrativo es utilizado como vehículo para trasladar la critica ideológica: la route  du soleil plagada de coches quemados en "Weekend" es la critica más despiadada a la sociedad de ocio hecha hasta el momento.

  Una vez que dejó de lado la narración, las películas de Godard se convirtieron en manifiestos de propaganda que se sumaron a las manifestaciones de protesta de 1968. Trabajó luego en una serie de panfletos que defendian la revoluciòn protesta y deconstruian el lenguaje cinematográfico. La desarticulación fue tan absoluta que hasta 1979 Godard no volvió a componer una historia. "Salve quien pueda la vida" ("Sauve qui peut la vie"-1980), alejada de la politica y más cercana al arte y la filosofía, ya presagió una vuelta al cine narrativo. "Pasión" ("Passion"-1982), "Nombre: Carmen"-1983, "El rey Lear" ("King Lear"-1987), "Nueva ola" ("Nouvelle Vague"-1990) y "Hélas pour moi"-1993, le consideraron poco a poco como un creador maduro.

 

  Su peculiar "Historia (s) de Cinéma" - 1997-1998 de ocho volúmenes, fue su testimonio más personal sobre el papel del cine en la sociedad durante un siglo. "Elogio de amor" ("Eloge del’amore"-2001) y "Nuestea música" ("Notre musique"-2004) reflejan su devoción por la literatura y la música clásica en escenas introspectivas, dificiles de digerir, pero brillantes. Las películas de Godard han alterado el curso de la historia del cine por si solas,  le dieron conciencia política cuando lo necesitaba. Más adelante, simplemente se dedicó a hacer cine, lleno de sabiduria y belleza..

  Asi pues, Godard nos lleva hasta Paris y Marsella, a lo largo de unos 6 dias, en septiembre de 1959. Y en donde un tal Michel Poiccard de 26 años, un ladrón de poca monta admirador de Humphrey Bogart (hasta imita sus gestos),  y que tras un desgraciado accidente en el viaje en coche desde Marsella a Paris va en busca de Patricia Franchini, una joven de 21 años, con la que habia  tenido un breve noviazgo unos dias antes...

  Michael es fantasioso, inestable, carece de empleo y, tras una apariencia fria, disimula su desesperación... Patricia es norteamericana, quiere estudiar periodismo, colabora en el "New York Herald Tribune", es culta, inteligente, romántica e ingenua. Vive sola en Paris y se relaciona con varios amigos...

  La película suma el género de crimen,  drama, romance y thriller. Junto con "Hiroshima, mon amour"-1959 de Alain Resnais y "Los 400 golpes"-1959 de Françoise Truffaut marcó el inicio de la "Nouvelle Vague", que rompió las normas del cine anterior, y ejerció gran influencia en el cine posterior de Europa y Estados Unidos.

  La historia, vista con los ojos actuales, conserva la frescura, la capacidad de sorprender y la condición de obra perpetua y viva. Rodada con prisas y montada con la técnica del "jump cut", presenta un ritmo rápido y agitado, que evoca el estilo de vida que se estaba imponiendo. Los diálogos son fluidos, intensos, provocativos, ocurrentes e insolentes. Los personajes, tomados de la vida real, practican el amor libre, desarrollan conductas amorales y conciben el sexo como un juego.

  Incorpora también numerosas citas cinéfilas de estrellas (Bogart), realizadoes (Resnais, Melville, Altman...) y titulos "40 pistolas" ("Forty Guns"-1957), "Vorágine" ("Whirlpool"-1950), "Nacida en el oeste" ("Westbound"-1959)... También aporta citas y referencias literarias (Faulkner), musicales (Mozart, Basch...), plasticas (Picasso, Renoir...). Como documento histórico muestra un mundo en trance de grandes cambios (sustitución de la IV por la V República, nuevos líderes, racionalización de costumbres, liberación de la mujer, desacrilización del sexo, nueva generación de actores y directores de cine...).

  La banda sonora corrió a cargo de Martial Solat. Un compositor nacido en Argel (Argelia). Su interés por la música le llegó tempranamente y por tradición familiar, su madre era cantante de ópera. Empezó a estudiar piano a los seis años y en 1942 le llegó su interés por el jazz. Debutó profesionalmente en 1945 en el Hotel Sherezade de Argel. Después de licenciarse marchó a Paris contratado por Benny Bennet y tuvo la oportunidad de tocar y grabar con el maesro de la guitarra Django Reinhardt. En 1989 creó el Concurso Internacional de piano que llevaba su nombre, que ha llegado a ser uno de los premios mas prestigiosos de Francia.

  Y aqui, combinando fragmentos de jazz propios del cine negro clásico, festivas melodias cirquenses y cortes descriptivos ("Persecución", "La muerte"...).

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Raoul Coutard. Un director fotográfico nacido en Paris. Y muy conocido por su conexión con el periodo de la Nouville Vague y, en particular, por su trabajo con Jean-Luc Godard. También filmó películas con Truffaut y para Jacques Demy, un contemporáneo asociado con el movimiento. Entre sus películas caben de citar: "Tirad sobre el pianista" ("Shoot the Pianist"-1960) de Françoise Truffaut, "Z"-1969 de Costa Gavras, "Max, mi amor" ("Max, mon amour"-1986) de Wagisa Oshima , donde tieneun importante papel nuestra Victoria Abril.

  Y aqui, buscando el verísmo y la notoriedad, creando collages sorprendentes y usando ángulos inusuales.

  Muy bien la pareja protagonista (muy jovenes los dos), él Jean-Paul Belmondo, "El hombre de Rio" ("L’Home de Rio""-1964) metido en el cuerpo de Michel Poicard y ella Jean Seberg, "Buenos dias tristeza" ("Bonjour tristesse"-1958) dando vida a Patricia Franchini. Y con ellos Roger Hanin, "Demasiadas mujeres para Layton" ("Carré de dames pour un as"-1966) como Carl Zubart; Daniel Boulanger, "Las petroleras" ("Les pétroleuses"-1971) como el inspector Vital; Jacques Huet, "El precio del peligro" ("Leprix du denger"-1983) como Antonio Berrutti...

  En definitiva: Una obra maestra. Una película imaginativa e innovadora que aún se ve y queda uno maravillado por su entorno novedoso, fresco, aventurado, vanguardista y más posmoderno que el posmodernísmo actual.  Matricula de Honor.

  "Al final de la escapada" logró el Oso de plata al Mejor director en el Festival de Berlin, y Jean Seberg estuvo nominada al BAFTA a la Mejor actriz extranjera.

19/09/2021 09:08 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                Jean-Paul Belmondo

                    l’enfant terrible

  El pasado 6 de septiembre y después de una larga enfermedad falleció en Paris a los 88 años de edad el actor Jean-Paul Belmondo, una de las principales figuras del movimiento cultural francés conocido como la Nouvelle Vague.

  Hijo del famoso escultor Paul Belmondo, Jean-Paul debutó en el cine en 1957 y se convirtió como bien he dicho en una importante figura de la Nouvelle Vague por su papel en "Al final de la escapada" ("A bout  de soufle"-1960), de Jean-Luc Godard, se mostró natural, cinico e incluso denso, habia nacido un nuevo tipo de personaje.

  En realidad Belmondo no tenia fisico de gran estrella, pero su virilidad y su encanto en cierto modo insolente, le diferenciaban de Alain Delon, en muchos sentidos, su alter ego, y asi sedujo a algunos de los directores más influyentes de la época como Claude Chabrol, Françoise Truffaut y Alain Resnais.

  Era capaz de interpretar casi todo, fue incluso un convincente sacerdote para Jean Pierre Melville en "Leon Morin, sacerdote" ("Leon Morin, prêtre"-1961). Sin embargo a partir de mediados de los años 60 con películas como "Las tribulaciones de un chino en China" ("Les tribuations d’un chinois en Chine"-1965), una popular mezcla de acción y comedia en la que encajaba muy bien, se pasó al cine comercial y pronto se convirtió en el actor francés más famoso de su época.

  Lleno de energia protagonísta siempre de sus propias acrobacias (ya era un completo atleta antes de asistir a clases en el Centro Nacional Superior de Arte Dramático de Paris), desafortunadamente Belmondo quedó cada vez más encasillado en personajes similares que el público ya conocia, aunque fue capaz de interpretar papeles donde se burlaba de si mismo.

  En 1989 le dieron el César por su papel en  "El imperio del león" ("Itinéaire d’un enfante gâle"-1988). Desgraciadamente sus últimas películas raramente han contribuido a mejorar su reputación. En los últimos años Belmondo prefirió centrarse en los escenarios, pero desde que sufrió un ataque de apoplegia en 2001, ha estado ausente tanto del cine como del teatro.

  Aunque no obstante ese mismo año rodó una serie para la televisión francesa titulada "L’aîné des Ferchaux" dirigida por Bernard Storo, que trata la vida de un rico empresario atrapado en una red judicial. Volvió en el 2008 donde hizo hizo su último trabajo para el cine con la película "Un hombre y su perro" ("Un homme et son chien"-2008) de Francis Huster y teniendo como compañeros de rodaje a Max von Sydow y Charles Aznavour, y en donde Belmondo interpreta a un profesor jubilado.

  En 2007 fue condecorado con la Legión de Honor en el grado de Comandante. Y al dia siguiente de su fallecimiento se le rindió un homenaje nacional en Los Inválidos de Paris.

  Jean-Paul Belmondo - Nevilly-sur-Seine (Francia) - 9 - abril - 1933 - Paris (Francia) - 6- septiembre- 2021.

                                             ¡DESCANSE EN PAZ!

11/09/2021 09:29 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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