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Escándalo en la corte (A Breath of Scandal-1961)

     En memoria de: Angela Lansbury

    ¡Jamás te cases con un hombre al que no amas!

  Entretenida película de género de comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense basada en la novela "Olympia" de Ferenc Moinár. Un periodista, dramaturgo y novelista nacido en Budapest (Hungria). Por ser judio, y durante la 2ª Guerra Mundial tuvo que exiliarse a Estados Unidos. Su novela más conocida es "Los muchachos del valle Pil", publicada en una revista para jovenes en 1906 y como libro en 1907 que se convirtió en un clásico de la literatura juvenil. También fue llevada al cine en una coproducción hungaro-estadounidense. Otras de sus novelas también llevada al cine fue ·El cisne" ("The Swan"-1956) protagonizada por Grace Kelly y Alec Ginness.

  Del guión se hizo cargo Walter Bernstein. Un productor y guionista nacido en Nueva York. Llegó a Hollywood en 1947 con un contrato con el  director Robert Rossen para la Columbia Pictures. En 1950 y debido a sus numerosas aficciones politicas de izquierda, su nombre apareció incluido en la lista negra de Hollywood. Sin embaro pudo seguir escribiendo guiones para la televisión, usando varios sudónimos.

  Empezó a ser reconocido en el mundo del cine cuando Sidney Lumet le contrató para escribir el guión de "Esa clase de mujer" ("That Kind of Woman"-1959) protagonizada por Sofia Loren. En 1994 recibió un premio otorgado por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos.

  "Escándalo en la corte" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza profesionales y dispuestos a aceptar cualquier trabajo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de los estudios del Hollywood clásico. Y el más indicado de todos ellos era Michael Curtiz. Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias, de terror, cine negro...pero su punto fuerte eran las películas de acción y aventuras, a las que infundia un contagioso brio. "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), sigue siendo una de las mejores peliculas de acción que jamás se han rodado.

  Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó películas biblicas al estilo de Cecil B. DeMille. En 1931 llegó a Estados Unidos y, con el nombre de Michael Curtiz (Su nombre de nacimiento era Manó Kertész Kaminer) no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes filmó mas de 80 películas de la productora, entre ellas: "Veinte mil años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Angeles con caras sucias"("Angels With Dirty Face"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth  and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió realizando un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas fue el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), que le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta meses antes de su muerte a los 75 años.

 

21/11/2022 17:53 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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               Angela Lansbury

                   Miss Fletcher

  El pasado 22 de octubre y a la edad de 97 años falleció la célebre actriz estadounidense Angela Lansbury.

  Hija de una actriz, fue evacuada de Inglaterra a Estados Unidos al comenzar la 2ª Guerra Mundial y se hizo estadounidense en 1951. Fue nominada al Oscar por su papel debutante como sirvienta ligona en la película "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), y otra vez como la maldita Sybil en "El retrato de Dorian Gray" ("The Picture of Dorian Gray"-1945). En este papel  que canturreaba una cancioncilla, ya se anunciaba,  sus posteriores éxitos en musicales teatrales como en "Sueeney Todd: The Domon Barber of Fleet Street" (1979), por el que recivió uno de sus cuatro premios Tony.

  Encantadora, robusta e inteligente, solia hacer de "la otra mujer" en películas como "Las chicas de Harvey" ("The Harvey Girls"-1946) y "El bufón del rey" ("The Court Jester"-1955).

  Cambió a mejor en papeles como el de la  madre en la película de Elvis Presley" ("Amor en Hawai"("Blue Hawaii"-1961), antes de otros trabajos más aclamados con Warren Beatty en "Su propio infierno" ("All Fall Down"-1962) y con Laurence Harvey en "El mensajero del miedo" ("The Manchurrian Candidate"-1962). En esta última abandonó su genio habitual para arrollar de forma incestuosa a su propio hijo, a quien le habian lavado el cerebro y convertido en un zombi asesino de comunistas, de modo que el idiota de su marido pueda llegar al poder al implantar un régimen con el que "la ley marcial pareciera una anarquia".

  En años posteriores, Angela se graduó en la interpretación de vigprosas y brillantes señoras de edad como en "La bruja novata" ("Besknobs and Broomsticks"-1971), "La dama del expreso" ("The Lady Vaniishes"-1979) o "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"-1980). Este último papel lo hizo con acierto para la televisión, encarnando a la escritora de novelas de misterio Jessica Fletcher en la serie "Se ha escrito un crimen" ("Murder She Wrote"-1984-1996), papel por el probablemente sea más conocida en la actualidad.

  Fue también la abuelita de "En compañia de lobos" ("The Company of Wolves"-1984) y puso la voz a la tetera en "La bella y la bestia" ("Beauty and the Beast"-1991). Su último trabajo fue "El regreso de Mary Poppins" ("Mary Poppiens Returns"-2018) dando vida a Lady Belloon.

  Angela Brigid Lansbury (Angela Lansbury)-Londres-16-octubre-1925-Los Angeles-11-octubre-2022.

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 


15/11/2022 17:54 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El hombre que nunca existió (The Man Who Never Was - 1956)

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           "El cadáver de Punta Umbria"

  Interesante pelicula de género bélico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad británica-estadounidense, basada en una novela de Ewen Montagu. Un oficial de la Inteligencia Naval Británica, además de abogado y escritor nacido en Londres.

  Del guión se hizo cargo Nigel Balchin. Un escritor y psicólogo nacido en Potterne (Inglaterra) y muy conocido por sus novelas escritas inmediatamente después de la 2ª Guerra Mundial. Entre sus novelas llevadas al cine caben de destacar: "A 23 pasos de Baker Street" ("23 Paces to Baker Street"-1956) de Henry Hathaway, y "El bárbaro y la Geisha" ("The Barbarien and the Geisha"-1957) de John Huston.

  "El hombre que nunca existió" está dirigida por  Ronald Neame. Un cineasta nacido en Londres. Siempre será recordado como uno de los directores del cine de catástrofes por antonomasia, fue el responsable de "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972) con Gene Hackman y "Meteoro" ("Meteor"-1979) con Sean Connery dos clásicos de este género en la década de los años 70.

  Su dedicación al séptimo arte le vino de sus padres, él era director de películas mudas y ella fue actriz. De hecho, hizo sus primeros pinitos en la profesión con 16 años en una compañia británica. Antes de dirigir películas pasó por todos los estamentos de la profesión: ayudante de dirección, director de fotografia, guionista y productor, lo que le permitió trabajar con algunos de los más grandes como Alfred Hitchcock, a quien asistió en "Chantaje" ("Blakmeil"-1929). En su asociación con cineastas inglese destaca su trabajo como director de fotografia para David Lean en los años 40 en las peliculas "La vida manda" ("This Happy Breed"-1944) con Robert Newton, "Sangre, sudor y lágrimas" ("In Which We Serve"-1942) con John Mills y "Un espiritu burlón" ("Blithe Spirit"-1945) con Rex Harrison.

  Durante la 2ª Guerra Mundial contribuyó en el guión de la pelicula bélica "One of Our Aracefl Is Missing"-1942 de Emeric Pressburger y Michael Powell, lo que supuso una nominación al Oscar. Aún tendria otras candidaturas a la estatuilla también en los guiones de "Breve encuentro" (" Brief Encountrer"-1945), "Cadenas rotas" ("Great Expectations"-1946) y "Oliver Twist"-1948, las tres de David Lean, lo que a Neame le daria pie para su etapa en Hollywood.

  Apasionado por la técnica, no fue de extrañar que en 1952 produjera "The Magic Box " con Robert Donat en el papel principal. En Estados Unidos aún haria titulos literarios como "El millonario"("The Million Pound Note"-1954) con Gregory Peck, una adaptaciòn de Marx Twain, pero sin renunciar a sus gustos británicos, lo que se advirtió en sus trabajos con Alec Guinness en "Un genio anda suelto" ("The Horse’s Mouth"-1958) y "Whisky y gloria" ("Tunes of Glory"-1960).

  Pero su titulo estrella fue sin duda alguna "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972), todo un hito del género de catástrofes, con ese barco volcado boca abajo, y los pasajeros y tripulacion buscando desesperadamente el poder salvarse. Afirma la leyenda que, como hombre de accion Neame trepó por si solo por el árbol de Navidad del barco, para que Shelley Winters (una de las protagonistas) se animara a hacer lo propio en cierto momento de la película; y lo cierto que la actriz lograria una nominación al Oscar.

  El intento de repetir éxito con "Meteoro" ("Meteor"-1979) no funcionó, lo que ahi se veia resultaba demasiado acartonado. Más interés tuvo su película anterior "Odessa" ("The Odessa File"-1974), un trhiller basado en el best-seller de Frederick Forsyth. Su última película fue la comedia "Un tipo raro" ("Foreing Body"-1986). Era la historia de un joven hindú que trabaja de recepcionista en un hotel-burdel de Calcuta, y es despedido a causa de un malentendido, protaginizada por Victor Banergee.

  La acción pues, tiene lugar durante la 2ª Guerra Mundial, en 1943, y en donde el ejército británico se encuentra en la necesidad de desembarcar en Sicilia por razones estratégicas pero alli hay instalado un importante contingente de fuerzas alemanas. Para evitar una masacre el bando aliado necesita engañar al enemigo, haciéndoles creer que desembarcarán en otro lugar para que asi el ejército alemán movilice parte de sus tropas en Sicilia hasta otros supuestos puntos del desembarco aliado. El comandante Ewen Montagu, seá el responsable de idear el engaño. La operación Mincemeat acaba de comenzar y el lugar será la costa española de Huelva concretamente en Punta Umbria...

  La película combina tanto el género dramático  como el bélico, (aunque no se ve ningún disparo). Explora con profusión de detalles la complejidad de las variables a tener en cuenta a la hora de diseñar una operación de engaño de un enemigo tan minucioso y detallista como el alemán, la atención y el esmero con lo que se ha de llevar a la practica el plan y las persecuciones a tomar en la fase de comprobación por parte del bando contrario de la veracidad de los datos que incorpora la operación.

  La historia explica la importancia de las acciones bélicas que no se desarrollan en los campos de batalla, entre las que se cuentan las gestiones diplomáticas, la manipulación de factores que influyen sobre la moral del contrario, la intimación, las amenazas, las mentiras y el engaño.

  La película también aborda con carácter monográfico las importantes, aunque en general mal conocidas y poco valoradas, operaciones de carácter monográfico, confusión y engaño de los oponentes. Se ha dicho que las guerras no las ganan los bandos mas fuertes, sino los que más y mejor engañan al enemigo. Hacer que éste cometa errores que debiliten sus posiciones ha sido la causa de éxitos y fracasos que han cambiado en muchos casos el curso de los conflictos.

  A la vez pone de relieve que la guerra es una realidad sucia, cruel e inhumana. No hay guerras limpias, honestas y honradas. su esencia está hecha de sangre, traición, engaño, destrucción, odio y muerte. La guerra es el reflejo de los peores instintos del ser humano, de sus pasiones ,ás ruines, de su enorme capacidad de odio y crueldad. El ingenio, la inteligencia y el conocimiento, las guerras, les convierte en medios de destrucción y muerte.

  Hay que reseñar por último que la película se presenta construida con admirable corrección. Basándose en un guión muy bien escrito, que retiene la atención del espectador a través de una hábil sucesión de secuencias. Los diálogos son ocurrentes y brillantes. La trama está hilvanada con verosimilidad y coherencia. La narración es fluida y consistente. Está bien conseguida la atmósfera de suspense que envuelve el relato. No faltan trazos sútiles de humor.

  La banda sonora fue cmpuesta por Alan Rawsthorne. Un compositor nacido en Lancashire (Inglaterra). Sus primeros éxitos tuvieron lugar en 1938, con las obras "Theme and Variations" para violines y "Symphonia Studios" para orquesta. Y por supuesto también puso música para el cine en varias películas entre ellas: "Al oeste de Zanzibar" ("West of Zanzibar"-1954) protagonizada por Anthony Steell y "Oleadas de terror" ("Floods of Fear"-1958) con Howard Keel en el papel principal.

  Y en esta historia de intriga y espionaje ofreciendo composiciones (de cuerda y piano) de gran belleza.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por Oswald Morris. Un director de fotografia nacido en Middlesex (Inglaterra). Su interés por el cine comenzó a temprana edad como proyeccionista en el cine de su localidad. En 1932 abandonó sus estudios y comenzó a trabajar en los Estudios de Wembley, y a los 20 años ya era operador de cámara. Su carrera se vió interrumpida por la 2ª Guerra Mundial, durante la cual trabajó como operador de radio-navegador. Al terminar la contienda fue operador de cámara en la película de David Lean "Oliver Twist"-1948 y más tarde hizo su debut como director de fotografia con la película "Salamandra dorada" ("Golden Salamander"-1952) protagonizada por Trevor Howard. Recibió tres nominaciones al Oscar por los musicales: "Oliver!"-1968, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971) y  por "El mago" ("The Wiz"-1978).

  Y en esta historia de una calidad efectiva. Acompañando y dignificando la notable sobriedad de la película.

  Muy bien todos los actores a la cabeza de Clifton Webb, "Laura"-1944 como el comandante Ewen Montagu y seguido de la bellisima Gloria Grahame, "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955) como Lucy Sherwood; Stephen Boyd, efectivamente el Mesala de "Ben-Hur"-1959 en el papel de Patrick O’Reilly; Robert Flemyng, "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957) como el teniente George Acres; Josephine Griffin, "El enfermero espsñol" ("The Spanish Gardener"-1956) como Pam...

  En definitiva: Una película bien construida e imprescindible para todo el buen amante del cine en general.   Sobresaliente.

  A modo histórico: El célebre desembarco se produjo en Sicilia el 9 de julio de 1943.

31/10/2022 18:04 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Atila: Hombre o demonio (Attila - 1954)

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        En recuerdo de: Irene Papas

  "Bajo los cascos de mi caballo nunca más crece la hierba" (Atila)

  Muy entretenida película de género de aventuras (Antigua Roma) y de nacionalidad italo-francesa. Llevada al cine con un guión escrito por Ennio De Concini. Un guionista nacido en Roma. Ganador de un Oscar al Mejor guión por la película "Divorcio a la italiana" ("Divirzio all’ italiana"-1961) con Marcello Mastroiani y Daniela Roca. Su debut en el cine fue con "El bandido calabrés" ("Il brigante Musolino"-1950) protagonizada por Amadeo Nazari y Silvana Mangano. Su última película fue "Cartoni animati"-1997.

  Y el segundo guionista fue Primo Zagilio. Un director y guionista nacido en Vercelli (Italia). Se inició en el mundo del cine en 1938 como ayudante de dirección en la pelicula "La esposa del rey" ("La sposa del rei"). En 1943 debutó como director con la película "Sucedió en Damasco" ("Accadde a Damasco"), a la cual siguieron otras muchas coproducciones hispano-italianas. Es muy conocido por sus pelìculas "spaghetti westerns", entre las que destaca "Winchester uno entre mil"-1968 protagonizada por Peter Lee Lawrence y Armando Calvo. Algunas de sus películas las firmó bajo el pseudónimo de Anthony Greep.

  "Atila: hombre o demonio"está dirigida por Pietro Francisci. Un director nacido en Roma y muy recordado por su película "Hércules" ("Labors of Hercules"-1958) con Steve Reeves, inspirada en el cine histórico de aventuras muy popular en los años 60. Su carrera cambió radicalmente con la dirección de la película de ciencia-ficción "Encuentros en las galaxias" ("215: Missione Hydra"-1966) con Leonora Ruffo. Licenciado en Derecho, a finales de los años treinta realizó una serie de documentales y, a veces, cortometrajes, que le valieron varios premios internacionales.

  Pasó al cine y a partir de los años cincuenta se dedicó a iniciativas más comerciales, por ejemplo, la continuación del entonces exitoso ciclo basado en personajes históricos legendarios, en particular aquellos con una fuerza increible: Maciste, Hércules, Ursus y otros. Su última película fue"Simbad y el califa de Bagdad"("Simbad e il califfo di Bagdad"-1973) con Robert Malcolm.

  La historia pues, tiene lugar entre los años 445 y 452 y en donde Atila y sus guerreros están arrasando el norte de Europa, reduciendo a todo aquel que se atreva a oponerse a ellos. Solamente la proverbial entereza del Papa León I convencerá al rey bárbaro a abandonar su desvastador saqueo en la Peninsula italiana...

  La película trata el género de drama histórico, y en donde el personaje de Atila se presenta como un ser complejo en el que caben los sentimientos de afecto, amor y ternura. Como rey cree que la estrategia militar de su imperio ha de basarse en la guerra y no en el diálogo y el pacto. Como jefe militar cree que la guerra no admite componendas ante la piedad y la compasión.

  Por lo demás, la película atribuye a Atila la responsabilidad de sus estrategias, excluyendo de la misma a su hermano Bleda y al pueblo huno. La cultura del pacto habia proporcionado a los hunos tratados muy favorables con el Imperio Romano de Oriente como el de Occidente, ambos tributarios de los hunos.

  La narración se ajusta a las referencias históricas disponibles, las complementa con hipótesis razonables y opta claramente por un tratamiento realista, en ocasiones hiperrealistas, que continúa al verismo aún a costa de mostrar la textura de cartón-piedra en la que se apoya. No hay lugar para el surrealismo, la magia, la fantasia y las fuerzas ocultas del más allá.

  El relato no está exento de solemnidad y de cierta grandilocuencia, posiblemente como consecuencia de la tajante seriedad que impone el director. Sólo en algunas secuencias puntuales se hace presente la maldad: muerte en cruz de un religioso, asesinato de Bleda.

  Otras escenas también puntuales, evocan el sentido trágico: paseo de Atila a caballo con el hijo en brazos por el campo de batalla convertido en campo de destruciòn y la muerte de Gala Plácida en plena soledad. Es memorable el encuentro de Atila y el Papa León I en las afueras  de Roma.

  La banda sonora fue obra de Raoul Kraushaar y Enzo Masetti. El primero un compositor nacido en Paris (nacionalizado estadounidense). Trabsjó en Hollywood en las décadas de 1940 y 1950. Después continuó trabajando en películas de bajo presupuesto durante 1960 y 1970. A partir de entonces, y hasta 1980, la mayor parte de su trabajo se centró en la televisión hasta su jubilación. Entre su filmografía caben destacar titilos como por ejemplo: "Hacha de guerra" ("Mohawk"-1956), "Furia en el Rio" ("Fury River"-1961) y sobre todo la ooscarizada "Cabaret"-1972.

  En cuanto a Enzo Masetti. Un compositor nacido en Bolonia (Italia). Sus comienzos fueron en el cine mudo, debutando en el sonoro con la película "Caballeria"-1936 protagonizada por Amadeo Nazzari y Anna Magnani. Entre sus películas más importantes caben citar titulos como por ejemplo: "La puerta del cielo" ("La porte del cielo"-1945) de Vittorio De Sica, "Fabiola"-1949 con Michele Morgan y "Esclavas de Cartago" ("Le schiave di Cartegini"-1956) con Gianna Maria Canale y los españoles Jorge Mistral, Rubén Rojo y Germán Cobos. Su última película fue "Hércules y la reina de Lidia" ("Ercole e la regina di Lidia"-1959) con Steve Reeves y Sylvia Koscina.

  Y aqui, componiendo la narración visual con apuntes descriptivos que enriquezen  amplian el sentido de la acción. Destaca el canto del aleluya que acompaña al encuentro de Atila y León I.

  La fotografia en color fue dirigida por Ricardo Pallottini, Giuseppe Rotunno, Aldo Tonti y Luciano Trasatti. El primero fue un director de fotografia nacido en Roma. Inició su carrera en 1952 con la película "Oggi sposi" ("Fué ella quien lo hizo"). En 1982 mientras se estaba rodando para la televisión "Tigre Joe" de Antonio Margheriti perdió la vida al estrellarse con una avioneta. Rotunno. Un director de fotografia nacido también en Roma. Colaboró con los mas importantes directores del cine italiano. Con Fellini hizo ocho películas. Fue nominado al Oscar a la Mejor fotografia por "Empieza el espectáculo" ("All That Jazz"-1979) de Bob Fosse.

  Aldo Tonti. Un director de fotografia nacido en Roma. Comenzó su carrera como fotógrafo y luego ingrsó en la industria del cine como ayudante de cámara. Su debut como director de fotografia fue en 1939 con la película "Pequeños naúfragos" ("Piccoli naufraghi") de Flavio Catzauara. Pero  su primera película importante fue "Obsesión"("Obssessione"-1943) de Luchino Visconti. Trabajó con los mejores directores tanto italianos como estadounidenses tales como: Federico Fellini, King Vidor y Jonh Huston entre otros. En 1961 ganó la Carta de Plata a la mejor fotografia por  "Los dientes del diablo" ("The Savage Innocents") de Nicholas Ray. Y en cuanto a Luciano Trasatti. Otro director de fotografia también italiano /(descozco su lugar de nacimiento). Pero en su historial cinematográfico cuenta con más de 80 peliculas. Su debut fue en 1952 con la pelìcula "La tratta delle Gianche" con Vittorio Gasman y Silvana Pampanini. En su extensa carrera caben de destacar titulos como por ejemplo: "El puente de los suspiros" ("Il ponte dei sospiri"-1964) con Brett Halsey y Gianna Maria Canale y "Los hijos de nadie" ("I figli di nessuno"-1979) con Mario Merola y Antonio Sabato.

  Y en este azote de Dios ofreciéndonos elegantes movimientos de cámara "travellings" impresionantes (el inicio sobre el poblado destruido por los hunos) y lances de acción bien filmados y montados con habilidad.

  Muy bien todas las interprtetaciones  al mando del siempre colosal Anthony Quinn, "Las sandalias del pescador" ("The Shoes of the Fisherman"-1968) metido en el cuerpo del temible Atila. Y con él dos bellezas del cine mundial la italiana Sofia Loren, "La sirena  y el delfin" ("Boy  on a Dolphin"-1957) en el papel de Honoria y la griega y recientemente fallecida Irene Papas, "La ley de la horca" ("Tribute to a Bad Man"-1956) como Grune.

  Pero también hay que destacar al francés Henri Vidal, "Fabiola"-1949 como Aetius y al italiano Ettore Manni, "Buen viaje Pablo"-1959 como Bleda el hermano de Atila.

  En definitiva; Una película minusvaliada por la critica que siempre la tuvieron por detras de la versión de Douglas Sirk. Pero para mi ésta es sin lugar a dudas más regia, más europea, y sobre todo más politica.  Sobresaliente.

  A modo de curiosidad: Anthony Quinn e Irene Papas rodaron juntos seis películas.

  "Atila: Hombre o demonio" ("Attila"-1954)

  "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961)

  "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964)

  "Juego de reyes" ("A Dream of Kings"-1969)

  "Mahoma, el mensajero de Dios" ("The Messege"-1976)

"El león del desierto" ("Lion of the Desert"-1980)

  Y el cortometraje "El asesinato de Julio César"-1972.

 

 

 

 

11/10/2022 17:02 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                    Irene Papas

       La gran dama del cine y teatro griego

  El pasado dia 14 y a la edad de 96 años falleció la actriz griega Irene Papas. Irene tuvo un aprendizaje recibido de su padre, profesor de teatro clásico, y de su madre, una maestra de escuela que le narraba cuentos y fábulas. "Ella daba vida a aquellos relatos frente al espejo de su casa. Desde entonces, como buena intérprete, nunca mató a la niña que llevaba dentro", expresó en una ocasión la actriz.

  Estudió en la Escuela Nacional de Teatro Griego de Atenas y de ahí pasó a formar parte del elenco del Teatro Nscional de Grecia, en el que destacó cmo actriz trágica en "Las troyanas", "Medea" (Európides) y "Electra" (Sófocles).

  Irene Papas empezó su carrera cinematográfica en Grecia, donde se hizo popular. Descubierta por Elia Kazan, su fama internacional llegó gracias a sus actuaciones en producciones muy taquilleras, tales como: "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) o "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964), asi como en "Electra"-1962, dirigida por Michael Cocoyannis. Con este director emprendió una seguidilla de heroinas de tragedias griegas en varias películas: "Antígona"-1961, "Ifigenia"´-1977 y "Las troyanas"-1971, aqui junto a Katharine Hepburn y Vanessa Redgrave.

  Algunos personajes de la mitologia griega que representó fueron Medea, Electra, Clitemnestra, Helena, Penélope y Anticlea. También interpretó personajes de Federico Garcia Lorca en las obras teatrales "Yerma" y "Bodas de sangre", y a Catalina de Aragón en la película "Ana de los mil dias" ("Anne of the Thousand Days"-1969) junto a Richar Burton.

  En el verano de 1988 fue invitada al Festival de Teatro de Mérida (España), y presentó un recital de la nueva poesia griega en griego y en traducción al español, con perfecta pronunciación hispana y con el acompañamiento de un piano que secundaba la parte cantada.

  En el año 2002 fue nombrada "Mujer de Europa". Amiga personal del primer ministro griego Andreas Papandreu, tuvo un romance con Marlon Brando. El ditector Federico Fellini era un gran admirador del trabajo de Irene Papas. Estuvo casada con el actor y director Alkis Papas desde 1943 hasta 1947.

  También fue cantante: el CD"Irene Papas canta a Mikis Theodorakis", que fue lanzado oficialmente en 2006, aunque una selección mas amplia de los temas, todos cantados en griego, habia estado circulando como pirata durante muchos años. Era conocida por Theodorakis ya desde 1964, cuando trabajó en la película "Zorba el griego". Irene Papas interpretó con pasión y habilidad algunas de las canciones, que alcanzaron asi una calidad similar a la de la misma película: por ejemplo "Denial" en CD "Five Five Ten" esta excluida del CD, por lo que parece probable que daten de poco después de 1964. Los arreglos y la atmósfera general de las canciomes son tradicionales, con amplio empleo del busuki, un instrumento fundamental en el folklore griego.

  Irene Papas prestó voz para una pieza del álbum "666 (The Apocalypse of John",13/18"), del grupo Aphroddite’s Child. Más adelante grabaria con Vangelis.miembrofundador del mismo grupo, los álbunes "Odes" -1979 y "Rapsodies"-1985.

  En 1947 se casó con el director de cine Alkis Papas, se divorciaron en 1951. En 1954 conoció al actor Marlon Brando y mantuvieron una larga relación amorosa, que entonces tuvieron en secreto. Cincuenta años después,  cuando Brando  murió, ella dijo: "Nunca he amado a un hombre como amé a Marlon. Fue la gran pasión de mi vida, abslutamente el hombre que más me importaba y tambien el que más estimaba, dos cosas que generalmente son dificiles de conciliar".

  Su segundo matrimonio fue con el productor de cine José Khon en 1957, ese matrimonio se anuló posteriormente. Era tia del director de cine Manousos Manousakis y del actor Ales Manthopoulus. En 2003 formó parte del consejo de administración de la Anna- Marie Foundatiun, un fondo de ayuda a la población de las zonas rurales de Grecia. En 2013 comenzó a padecer la enfermedad de Alzheimer. Pasó sus últimos años en su ciudad de Chilimodi.

  Irene Lelekou (Irene Papas) - Chilimodi (Grecia) - 3-septiembre-1929 - Chilimodi (Grecia) - 14 - septiembre - 2022.

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

25/09/2022 09:48 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Rififi (Du rififi chez les hommes - 1955)

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  Levántate perro. Quiero que tengas miedo. ¿Qué se siente?...

  Obra maestra de género policiaco (cine negro) y de nacionalidad francesa. llevada al cine con un guión de René Wheeler. Un director y guionísta macido en Paris. Co-escribió el guión de la película "La cage aux rossignols"-1945 junto con Georges Chaperot, por la que ambos recibieron  una nominación al Oscar al mejor guión. Esta historia más tarde serviria de inspiración para la pelicula "Los chicos del coro" (" ("Les Choristes"-2004 de Christophe Baretier.

  El segundo guionísta fue Auguste Le Breton. Un novelista nacido en Finisterre(Francia). Se quedó huérfano a muy temprana edad y el gobierno francés se hizo cargo del alojamiento en una Institución del Estado. En este lugar su crecimiento no le fue facil. Al salir de la Institución tuvo problemas de adaptación frecuentando lugares de mala reputaciòn: bares y garitos. Incluso pasó un tiempo con las pandillas de Montmartre familiarizándose con el mundo del crimen. Por razones inciertas se unió a la Resistencia durante la 2ª Guerra Mundial, eto le marcó su vida y animado por sus actuaciones en la guerra comenzó a escribir. Sus obras son conocidas por su franqueza de estilo e historia. Escribió cerca de 80 novelas muchas de ellas fueron adaptadas al cine.

  Y el tercer  guionísta y a la vez director de la pelicula fue Jules Dassin. Un cineasta nacido en Connecticut (Estados Unidos). Después de trabajar en la compañia de Yiddish Proletarian Theater de Nueva York, Dassin empezó a dirigir cortos en Hollywood. Sus primeras películas no destacaron, hasta que en 1947 realizó "Fuerza bruta" ("Brute Force"), un duro drama situado en una cárcel, donde Burt Lancaster hacia el papel de un prisionero enfrentado al jefe de los guardias de dicha cárcel.

  "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1948), rodada según un estilo semidocumental en Nueva York, fue un melodrama innovador con crimen incluido. "Mercado de ladrones" ("Thieves’ Highaway"-1949), una cruda película policiaca que contó con unas intensas interpretaciones de Richard Conte y Lee J.Cobb.

  La carrera de Dassin en Hollywood se vió interrumpida cuando el director Edward Dmytryck lo acusó de ser comunista ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas del Congreso. Se estableció en el Reino Unido, donde rodó otra excelente película de cine negro, "Noche en la ciudad"("Night and the City"-1950), protagonizada por Richard Widmark.

  Tiempo después se mudó a Francia para realizar el proyecto que le hizo mas conocido "Rififi"-1955, una tensa película sobre un atrevido robo de joyas, en la que el propio Dassin hizo un papel importante. Rodada en un Paris invernal, la secuencia del robo de la caja fuerte es una proeza de suspense silencioso.

  En "Nunca en domingo" ("Jamais le dimanche"-1960), dirigió a su segunda esposa, la actriz griega Melina Mercouri, en el papel de Ilya, una animosa prostituta que levanta el ánimo de todos los que la conocen, la película fue todo un éxito.

  Melina Mercouri también actuó en "Fedra"-1962, la versión que hizo Dassin de la obra teatral de Eurípides. La siguiente película de Dassin "Topkapi"-1964, fue un thriller-comedia protagonizada por Melina Mercouri y Maximilian Schell y fue todo un éxito, sus peliculas posteriores apenas tuvieron repercusión entre el público.

  La acción nos lleva hasta Paris allá en el año 1954 y nos mete en la vida de Tony Le Stephanois que, después de cumplir cinco años de condena sale de la cárcel con la intención de cambiar su vida, pero se encuentra que su amante está con un conocido gángster. Como carece de recursos económicos no le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches. Durante semanas prepara minciosamente con ellos un golpe perfecto: el atraco a una innacesible joyeria de Paris...

  La película habla de amistad, venganza, trabajo riguroso, violencia de género, delación, infancia, reinserción social de exreclusos. Es destacable el nivel de detalle y precisión con el que es descrito el atraco a la joyeria, en una escena de 32 minutos, en la que el silencio, la ausencia de música, la escasez de luz y la narración visual crean un clima de tensión, que atrapa al espectador hasta convertirlo en participe de la acción.

  Se condena sus paliativos la violencia contra la mujer en una secuencia escalofriante, cuyo punto culminante se narra en fuera de campo. Las secuelas en la espalda y hombros de Malo se muestran en una escena posterior. El trabajo bien preparado, hecho a conciencia y realizado con atención, es garantia de éxito, incluso cuando el objetivo es un atraco, siempre que nadie incurra en una ligereza por exceso de confianza.

  La perfecta realización de la operación da paso a un giro dramático, que gradualmente se eleva a trágico. Dassin añdió una escena que condena la delación, en clara referencia al daño terrible que causaron las que arrancó el Comité de Actividades Antinorteamericanas. La maldad de los delincuentes, constratada con la deliciosa inocencia de un niño de 5 años, en algunos casos se combina con respuestas heróicas, que denuncian la pobreza de medidas de reiserción del sistema penitenciario.

  La banda sonora fue dirigida por  Georges Auric. Un compositor nacido en Lodéne (Francia). Fue un niño prodigio puesto que a los 15 años ya tenia su primera composición publicada. Antes de los 20 años ya habia orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Escribió también música para el cine en películas tan famosas como por ejemplo: "Moulin Rouge"-1953 de John Huston y "Buenos dias tristeza" ("Bonjour tristesse"-1958) de Otto Preminger.

  Y en este atraco pluscuamperfecto basándose en una partitura de melodias jazzisticas, de ecos dramáticos y fatalistas. Incluye además fragmentos de bandas sonoras: "El salario del miedo"("Le Salaire de la peur"-1953) y la citada "Moulin Rouge" entre otras.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Philippe Agostini. Un director de fotografia nacido en Paris. Fue fundador de la Escuela Louis Lumiere en Paris. Sus comienzos fueron como asistente de operador tanto de Georges Perinal como de Armand Thirardi. En la década de 1930, inició una fructifera carrera como director de fotografia, trabajando con directores como por ejemplo: Robert Bresson, , Marcel Cané, Max Ophüls y Jules Dassin entre otros. Entre sus muchas peliculas en su filmografia caben de destacar, "La dama de las camelias" ("La dame aux camelies"-1953) de Raymond Bernard, "Topaze"-1951 protagonizada por Fernandel y "La bella de Cádiz"-1953 con Carman Sevilla y Luis Mariano, entre otras.

  Y en esta antológica historia, acentuándo la iluminacion sombría de las escenas. Conteniendo travellings, movinientos de cámara y una capacidad de inventativa cinematográfica, que evidencian un excelente montaje y una soberbia dirección. La escena de la entrada de Tony con el niño en Paris es sublime.

  Extraordinario Jean Servais, "El hombre de Rio" ("L’ Homme de Rio"-1964) metido hasta el alma en el papel de Tony le Stéphenoi. Y con él un gran ramillete de secundarios (aunque hoy dia algo olvidados) como por ejemplo: Carl Möhner, "La caida de Roma" ("Il crollo di Roma"-1963) como Jole Suédois; Robert Mann, "Objetivo matar" ("Coplan FX18 casse lout"-1965) como Mario Ferrati; Janine Darbey, "La soñadora americana" ("American Dreamer"-1984) como Louise; Robert Hossein, "Madame Sans Gene"-1961 como Grutter...

  En definitiva: Una película que transformó el panorama del cine negro europeo y que por supuesto le dió un impulso universal. Una obra maestra del género de obligada visión.  Matricula de Honor.

  "Rififi" logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Jules Dassin aparece en un papel bastante importante en esta película el de el mafioso Cesar "el Milanés".

09/09/2022 16:37 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Senso - 1954

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  Los desórdenes de la pasión amorosa interfieren en las convulsiones de la historia en una composición pictórica refinada: Asi es esta película, concebida como una ópera.

  Maravillosa película de género melodramático, y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Suso d’Amico. Un guionísta nacido en Roma. Tras su estancia en Suiza e Inglaterra decidió buscar trabajo y fue contratado por el Ministerio de las Sociedades como secretario personal del gerente general. Más tarde comenzó a escribir guiones para el cine, trabajando habitualmente con Fellini, Vittorio de Sica y Alberto Lattuada. Entre sus grandes éxitos caben citar: "Ladrón de bicicletas" ("Ladri di biciclette"-1948) de Vittorio de Sica y "Mortadela" ("La mortadellla"-1971) protagonizada por Sofia Loren, entre otras.

  El segundo guionísta fue Paul Bowles. Un escritor y compositor nacido en Nueva York. A los 19 años viajó a Paris donde publicó dos poemas surrealistas pero se desanimó y se dedicó a la música. Regresó a Nueva York donde  comenzaría a estudiar composición durante los años treienta. Fue su esposa Jane Aver la que le animó para volver a escribir. Para el cine escribió varios guiones  destacando "Senso"(1954) y "El cielo protector" ("The Sheltering Sky"-1980) de Bernardo Bertolucci.

  El tercer guionísta fue nada más y nada menos que Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Missisipi. En 1948 ganó el Premio Pulitzer de teatro por "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Deseo") que en 1951 Elia Kazan lo llevó al cine con Marlon Brando de protagonísta. Y en 1955 por "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat  on a Hort Tin Roof"). También llevada al cine en 1958 por Richard Brooks, con Elizabeth Taylor y Paul Newman como protagonistas. Su obra de 1952 "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto") llevada al cine también en 1955 por Daniel Mann y protagonizada por Burt Lancaster y Anna Magnani estaba dedicada a su compañero Frank Merlo, recibió el Premio Tony a la mejor obra. Los criticos del género sostienen que Williams escribia en estilo politico sureño. Es conocido mundialmente porque muchas de sus obras han sido llevadas al cine, y la mayoria con gran éxito de critica y público.

  Y el cuarto y último y también director de la película fue Luchino Visconti. Un respetado director de cine y de teatro nacido en Milán. Nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculado al Partido Comunista italiano, durante toda su vida.

  Al proceder de una familia arostocrática, sus películas a menudo manifestaron la lucha entre sus anviciones politicas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado "Obsesión" ("Ossessione"-1943), la adaptación que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces" ("The Postman Always Rings Twice"-1946), la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimiento cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalista.

  Tematicamente la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la película influiria en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después de que se enterrara el neorrealísmo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso, como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963), "Rocco y sus hermanos" ("Rocco e i suoi fratelli"-1960), significó un retorno al discurso social presagiado en sus primeras películas, aunque también subrayó su interés por la vida familiar rota y los efectos de una decadencia social omnipresente.

  Las últimas películas de Visconti suelen ser oscuras y a veces obsesivas como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta el año 1866, y en donde Livia, una bella dama de una aristocrática familia italiana, vive un intenso romance con el teniente Franz Mahler, un oficial del ejércto austriaco, en plena guerra italiana frente a Austria...

  La pelicula suma historia, romance y guerra. Cronológicamente se sitúa en los últimos meses de la ocupacón militar por parte del Imperio Austro-húngaro de la Lombardia y el Veneto y en el inicio del nuevo estado de Italia bajo el liderazgo de Giuseppe Garibaldi (1807-1882), héroe de la unificación junto a Giuseppe Mazzini, Cavour y Victor Manuel II. 

  Exalta la acción de los patriotas garibaldinos, las manifestaciones patrioticas y anti-austriacas, la ópera, la figura de Verdi como icono del patriotismo italiano y la música del compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911).

  Muestra la agonia y la decadencia de la aristocraia como clase dominante, a causa de su insolaridad, individualísmo, codicia y colaborsaionísmo con el enemigo. La decadencia de la aristocracia brinda la oportunidad para que se imponga los sentimientos de un pueblo llano, compuesto de trabajadores del campo y la ciudad, a favor de la independencia, la justicia, la libertad y la solidaridad.

  La película desarrolla un melodrama clásico de pasiones arrebatadas, sentimientos desgarrados, relaciones movidas por la crueldad y el despecho, emociones exasperadas y frustraciones dolorosas. El hilo conductor viene dado por una pasión autodestructiva, no sometida a control, que engendra deslealtades, traiciones y venganzas.

  Visconti concibe el melodrama como un espectáculo completo por cuanto, en su opinión, compendia y explica lo que es la vida. El melodrama no es para él el fin de la representación, sino el medio más eficaz para evocar el dramade la vida de las personas y los pueblos. Con su ayuda construye una metáfora de los hechos históricos que alumbran el "Rissorgimiento", los deseos de la unificación del pais (Italia) y la reivindicación de los ideales de libertad, igualdad y solidaridad tomados de la Revolución Francesa. Los sentimientos del pueblo italiano en lucha contra los austriacos hallan su mejor expresión en "Il Trovatore", de Verdi, que abre el inicio de la película.

  La banda sonora ofrece pasajes reiterados de la 7ª Sinfonia de Anton Bruckner que añaden sentido épico y operístico a las escenas culminantes. Se ofrecen varios pasajes de la ópera "Il Trovatore" de Verdi (actos III y IV).

  La fotografia en un lujoso color fue dirigida por Aldo Graziati. Un director de fotografía nacido en Scorzé (Italia),. Se mudó a Francia en 1923 donde trabajó bastantes años como coreógrafo escénico y operador de cámara. Alli conoció a Michelangelo Antonioni, quien le invitó a volver a Italia. Se distinguió por su técnica depurada y sensibilidad tonal única, especialmente con los efectos de iluminación característico del blanco y negro del neorrealísmo. Entre sus trabajos caben de destacar peliculas como: "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951) y "Umberto D."-1952, ambas de Vittorio De Sica.

  El segundo fue Robert Krasker. Otro director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto), aunque su nacimiento fue registrado en Australia. En 1937 viajó a Inglaterra y encontró trabajo en London Films de Alexander Korda, donde se convirtió en operador de cámara. Su primera pelicula como director de fotografia fue "The Gentle Sex"-1943, dirigida por el actor Leslie Howard. Su trabajo estuvo fuertemente influenciado por el cine negro, y el expresionísmo alemán. Es muy conocido por haber  trabajado en España en tres superproducciones:"Alejandro  Magno" ("Alexander the Great"-1956) protagonizada por Richard Burton, "El Cid"-1961 y "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman"-1964) ambas de Anthony Mann.

  Y en esta historia de amore en tiempos de guerra. Inspirándose los dos en la pintura italiana de 1860-70 y en autores como Francesco Hayez (1791-1882), Giovanni Fattori (1825-1908) y otros. Hacen uso de planos secuencia, una estética sobrecigedora y refinada, que se expresa desde el realísmo critico, y un movimiento de cámara intenso y complejo. Sintendo fascinación por los uniformes militares.

  Cuenta con escenas memorables como la batalla de Custoza (Sommacampagna, Verona), el fusilamiento en la noche de la celeración de la victoria austriaca de la misma batalla, el dramático reencuentro de Livia y Franz, el tumulto patriotico en el Teatro La Fenice, la emotova atención que dedica a la presencia de los servicios humsnitarios de la Cruz Roja en el campo de batalla y el recuerdo que evoca de su creación a raiz de la batalla de Solferino (1859).

  Excelente las interpretaciones de la pareja de enamorados, ella: Alida Valli, "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) dando vida a Livia y él: Franley Granger, "Extraños en un tren" ("Stangers on a Train"-1951) metido en el uniforme militar de Franz. Y muy bien arropados por un grupo de estupendos secundarios tales como: Massimo Girotti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Roberto; Rina Morelli, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como Laura; Sergio Fantoni, "El premio" ("The Prize"-1963) como Luca...

  En definitiva: Una brillante película, muy recomendable para todos aquellos que les guste los melodramas morbosos de època. Sobresaliente.

  La película se rodó en escenarios naturales de Venecia, Verona y Vicenza (Villa Godi Valmarena), Teatro La Fenice de Venecia, Solferino (Lombardia) y en los platós de Titanus Studios (Roma).

  A modo de curiosidad, la película se proyectó por primera vez en público en septiembre de 1954 en el Festival de Venecia.


 


 

10/08/2022 17:11 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Pan, amor y fantasia (Pane, amore e fantasia -1953)

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  ¿Qué comemos cuando comemos?

  Pan, amor y fantasia

  Simpática película de género de comedia y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Ettore M. Margadonna. Un escritor y actor nacido en Palena (Italia). Cuenta en su haber con bastantes titulos algunos de ellos muy emblemáticos del cine italiano, como por ejemplo: "La bella de Roma" ("La bella di Roma"-1955) con Silvana Pampanini, "El moralista" ("Il moralista"-1959) con Alberto Sordi y sobre todo "Pan, amor y fantasia".

  El segundo guionista y a la vez director de la pelicula fue Luigi Comencini. Un cineasta nacido en Sólo (Italia) y muy conocido por ser uno de los padres de la comedia italiana.

  Siguió los pasos de su padre, que era ingeniero, de modo que su infancia transcurrió en Paris. Alli se entusiasmó con el cine. Al volver a Italia estudió ingenieria industrial en Milán. Se casó con Giulia  Grifeo de Partanna, una joven aristocráta, y comenzó a trabajar como ingeniero y critico de cine. Pronto se ocupó de la Cinemateca italiana. Sus hijos, dos de ellos se hicieron directores de cine, colaborando con él, la tercera se hizo escenógrafa.

  Su primera película con éxito fue "L’ imperatore di Capri" (1949) protagonizada por Totó., Una de dsus películas mas conocida fue precisamente "Pan, amor y fatasia", pues obtuvo el Oso de Plata en el Festivalde Cine de Berlin. En 1960 dirigió la sátira antibélica "Todos a casa" ("Tutti a casa", dirigió la versión cinematográfica de la novela de Carlo Cassola sobre la  la Resistencia "La chica de Bube" (" ("La ragazza  di Bube"-1963), de bastante calidad, y a mediados de los años 60 realizó el drama "El incomprendido" ("Incompreso"-1967).

  En 1972 su película "Sembrando ilusiones" ("Lo scopone scientifico"), producida por Dino de Laurentiis, contó con un singular reparto: Alberto Sordi, Bette Davis, Joseph Cotten y Silvana Mangano, con esta película obtuvo dos premios David di Donatello. Ese mismo año realizó "Las aventuras de Pinocho" ("Le avventure di Pinocchio") sobre la novela de Carlo Collodi, en principio, estaba pensada para la televisión, pero luego fue distribuida en cines por su calidad y la interpretación de Nino Manfredi.

  Dirigió a algunos de los actores más importantes del cine italiano, como Totó, Marcello Mastroianni, Vittorio Gasman, Enrico Maria Salerno o Alberto Sordi, y del europeo, entre ellos Fernando Rey, Annie Girardot y Angela Molina. Su última película fue en 1991 y se trató de un remake de la célebre pelicula española "Marcelino, pan y vino"-1954, con Nicoló Paolucci dando vida al pequeño Marcelino, también contó con los españoles Fernando Fernán Gomez como el Padre Prior y Alfredo Landa como Fray Papilla.

  La acción pues, nos lleva hasta Sagilena, una población imaginaria del interior montañoso en la región de Abruzzi (Italia), entre 1951/52, a lo largo de unos cuantos dias. A este lugar llega el nuevo comandante de la guarnición compuesta por seis carabineros. Este se llama Antonio Carotenuto, un hombre de mediana edad, soltero, nacido en el norte de Italia, y que tiene grandes deseos de contraer matrimonio, pese a sus afirmaciones en sentido contrario. Alli también nos encontramos con el apuesto carabinero el cabo Pietro Stellati y la joven Maria Pizzicarella que intentan llevar a buen puerto su romance. Mientras Antonio se enamora perdidamente de  Anna la comadrona del pueblo, pero este amor tiene sus impedimentos...

  La película pues, se desarrolla como una comedia costumbrista. La estética corresponde al neorrealísmo italiano, dentro del que se sitúa en el apartado neorrealísmo rosa, que ofrece una visión optimista, no focalizada en aspectos lacerantes. Estos aparecen reflejados ocasionalmente en la pelicula, al que confieren un cierto sabor amargo. La población del pueblo incluye ancianos ociosos, que se entretienen como mirones, que alimentan rumores y sospechas.

  La pobreza se visualiza en el vestir, las viviendas, la precariedad de las infraestructuras y la escasez de alimentos. Cuando el comandante pregunta a un vecino qué come, éste le responde "pan y fantasia" (pan solo).

  Por la pantalla desfilan personajes tipicos de la época, como el vendedor ambulante de telas, los intocables sobrinos del cura, la leñadora joven, decidida, inocente y de corazón de oro, etc.. Se ven acontecimientos colectivos, hoy tan singulares, como la peregrinación de dos dias a un monasterio próximo, la procesión de San Antonio con ángeles blancos, la fiesta en la plaza mayor, los uniformes de gala.

  La historia está salpicada de humor sútil, irónico y mordaz, que se afirma a través de gestos, situaciones y palabras. En el centro del relato se levanta la sensualidad, atractivo, deligencia y espontaneidad del personaje de Maria, envidiada, admirada y deseada. En lo que hace referencia a sus intereses y a sus amores, ella es la que manda por encima de todos (comandante, cura, alcalde, comadrona y madre.

  El comandante rendido ante ella, se convierte en una figura débil y manejable. Libre de influencias, ella elige por madre al hombre que desea. Encarna a la mujer independiente y autosuficiente, que se formó durante la 2ª Guerra Mundial y se impuso en la Posguerra.

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un prolífico compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición musical en el Conservatorio de Milán en 1924, donde fue alumno de Giulio Cesare Paribeni y Renzo Bossi. En 1933, su ópera "Donna Lombarda" inspirada en una balada popular, se estrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, con las excepciones de "Messa a 5 voices" y "Saul", centró sus actividades en la composición de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con los cineastas Vittorio de Sica y Alessandro Blasetti.

  Gran parte de su música cinematográfica hace uso de pequeños conjuntos en instrumemtación inusual, en lugar de las exuberantes partituras orquestales muy comunes en la música para el cine de mediados del siglo XX. Su estilo ha sido descrito como romántico tardio y se caracterizó por la inmediatez y el atractivo. En 1965 se retiró de la composición cinematográfica y se convirtió en profesor. Entre sus innumerables películas a lo largo de toda su carrera Hay titulos tan emblemáticos como "Cuatro pasos por las nubes" ("Quattro passi fra le nuvole"-1942) con Gino Cervi; "Ulises" ("Ulisse"-1954) protagonizada por Kirk Douglas y Silvana Mangano y "Anna de Brooklyn"-1958 con Gina Lollobrogida y Dale Robertson.

  Y aqui, haciendo uso de melodias de aires populares, atávicos y rústicos (armónica y flauta).

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Arturo Gallea. Un director de fotografía nacido en Turin. Entró en la industria del cine en 1911 como productor. Su carrera como director de fotografía empezó a mediados de la década de 1910. En 1952 ganó el Nastro d’Argento por su película "Dos centavos de esperanza" ("Due soldi di speranza") dirigida por Rensto Castellani. Entre su extensa filmografía caben citar titulos  como por ejemplo: "Capricho frivolo" ("Non ti conosco piú"-1936) con Vittorio de Sica; "Te amaré siempre" (T’ ameró siempre"-1943) con Alida Valli; "El jeque blanco" ("Lo scelcco blanco"-1952) con Alberto Sordi, y su última película "La Gioconda"-1952 protagonizada por Alba Arnova.

  Y aqui, ofreciéndo perspectivas amplias y de gran profundidad, primeros planos expresivos y una larga sucesión de diálogos a dos. La película se rodó en los exteriores de Castel San Prieto (Roma) y los interiores en los estudios Titanus de Roma.

  Bellisima y sensual Gina Lollobrigida. "La mujer más guapa del mundo" ("La donna piü bella del mondo"-1955) metida en el cuerpo de Maria. Y con ella el gran Vittorio de Sica, "El general de la Rovere" ("Il generale Della Rovere"-1959) metido en el uniforme del comandante Antonio. Y enttre los dos Marisa Merlini, "El juicio universal" ("Il giudizio universale"-1961) como Anna, la comadrona; Roberto Risso, "La ciudad cautiva" ("La cittá prigionera"-1962) como el cabo Pietro; Tina Pica, "Sabela" ("La nonna Sabela"-1957) como Carmella...

  En definitiva: Una película que obtuvo en su momento un gran éxito de público, y elevó a Gina Lollobrigida al nivel de estrella europea de primer nivel.  Sobresaliente.

  "Pan, amor y fantasia" estuvo nominada al Oscar a la Mejor historia, obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín, y Gina Lollobrigida estuvo nominada al BAFTA a la Mejor actriz extranjera.

  En 1954 Luigi Comencini realizó una secuela o continuación con el titulo de "Pan, amor y celos" ("Pane, amore e gelosia") con los mismos protagonistas. Y sigiendo la saga de "pan y amor", Dino Risi realizó en 1955 "Pan, amor y..." ("Pane, amore e"...") con Vittorio De Sica, Sofia Loren y Antonio Cifariello, y el español Javier Setó dirigió en 1958 "Pan, amor y Andalucia" con Vittorio De Sica, Carmen Sevilla y Vicente Parra.


 


10/07/2022 16:34 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Ivanhoe (1952)

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  "Mi corazón, antes un león, está ahora encadenado"...

  Muy entretenida película de género de aventuras (Edad Media) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Sir Walter Scott. Un prolífico escritor nacido en Edimburgo (Escocia) y especializado en novelas históricas. Después de estudiar Drecho siguió los pasos de su padre y se hizo abogado. A los 25 años de edad empezó a escribir como diversión. Su primera publicación fue una narración de baladas de Gottfrield August Bürger en 1756 . Años más tarde fundó una imprenta donde editó entre otras el famoso "Canto del trovador" en 1805, que le dió fama mundial. Entre sus novelas llevadas al cine además de "Ivanhoe" cabe citar "Rob Roy" que la escribió en 1815. Muchas de sus obras fueron ilustradas por su amigo William Allan.

  Del guión se hicieron cargo Noël Langley, Marguerite Roberts y AEneas Mackenzie. El primero fue un escritor y guionista nacido en Estados Unidos. La mayoria de sus trabajos estuvieron vinculados con la MGM, su primer guión le lanzó a la fama con la película "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Además de su carrera en el cine también fue muy activo en el teatro dirigiendo personalmente algunas comedias y musicales. El segundo (mejor dicho la segunda) fue una guionista nacida en California y una de las mejores pagadas de la década de 1930. Se mudó a Hollywood y se convirtió en secretaria de la 20th Century Fox, pero en 1933 se mudó a MGM para colaborar en el guión de "Soitor’s Luck" dirigida por Raoul Walsh. En 1936 trabajó para la Paramount Pictures y alli fue donde se unió al Partido Comunista y en 1953 fue incluida en la lista negra por lo que tuvo que emigrar a Canadá hasta 1962 donde comenzó a trabajar para Columbia Pictures escribiendo guiones destacando el de "Valor de ley" ("True Grit"-1969) que le valió el Oscar a John Wayne. Y el tercero. Otro guionista nacido en Escocia. En 1938 lo contrató la Warner Bros para escribir el guión de "Juarez". Y alli estuvo hasta 1943 donde fue contratado por RKO y en 1946 se mudó a Paramount Pictures para más tarde ser contratado por MGM donde acabó su carrera cinematográfica.

  "Ivanhoe" está dirigida por Richard Thorpe. Un director nacido en Kansas. Comenzó su carrera en el entretenimiento actuando en el vodevil y en obras de teatro. En 1921, ingresó al medio del cine, actuando en películas mudas y en 1923 dirigió su  primer cortometraje mudo titulado "The Fatal Photo", lo cual dió inicio a una carrera de más de 180 películas dirigidas.

  Después de dirigir docenas de comedias y westerns de bajo presupuesto, su talento fue reconocido a mediados de los años 30 cuando fue a trabajar para la MGM. El jefe de estudio Louis B. Mayer valoraba la eficacia de sus directores, y Thorpe,  se sentia orgulloso de llevar esas producciones de bajo presupuesto, y que seria la clave para su notable longevidad en Hollywood. No tenia un estilo particular, dirigia mecánicamente con la premisa de mantener la cámara rodando hasta que un actor rodaba una linea, o una escena no fluia correctamente, y luego regresaba y completaba con un primer plano o una toma aislada. Raramente repetia tomas. Mecánica o no, su técnica funcionó correctamente.

  Aunque nunca dirigió nimgún éxito de taquilla (aunque si muy buenas películas) puesto que fue  sólido y confiable, llevando a la pantalla  películas de todos los géneros durante más de cuatro décadas. A pesar de estas características de trabajo, más propicias de un cine menos comercial, Thorpe accedio siempre a la realización de películas de primera linea. En su inmensa filmografia, la más vista de la historia, llegó a concretar algunos pequeños clásicos, infinitamente repetidos luego en la TV, como "El gran Caruso" ("The Great Caruso"-1951), "El prisionero de Zenda" ("The Prisioner of Zenda"-1952), "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) o el clásico de  Elvis Presley, "El rock de la cárcel" ("Jailhouse Rock"-1957). Su última pelicula fue el western protagonizado por Glenn Ford "Duelo a muerte en Rio Rojo" ("The Last Challenge"-1967).

  La acción pues nos lleva hasta la Edad Media concretamente al siglo XII y, en donde a su vuelta de la Cruzada, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano el principe Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que asi puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate...

  La pelicula pues aborda los temas de acción, aventuras, drama y romance. Que junto con "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) y "Las aventuras de Quentin Durward" ("Quentin Durward"´-1955). forma la triologia de películas ambientadas en la Edad Media que produjo la MGM en el Reino Unido en los años 50.

  La película mantiene un adecuado y atractivo tono histórico y aventurero. Hace uso de una ambientaciòn elegante y festiva y se sirve de un realismo vibrante en las escenas de acción, especialmente en el asalto al castillo. La acción es rápida y el ritmo de la pelìcula es intenso y trepidante. A peasr de que la historia es de ficción, si bien se enmarca en una época histórica definida, con referencias a protagonistas y hechos reales (Ricardo, Juan Sin Tierra, aristocracia normanda, aristocracia sajona...).

  El relato se apoya en un romanticismo que disimula, tres formas circunpuestas, una lucha enconada entre las dos mujeres por el amor del héroe. Se adapta con bastante fidelidad a la novela original, no evita un cierto aire de representación teatral y hace uso de unos diálogos abundantes, más literarios que realistas. Incorpora atractivo suficiente para agradar y emocionar (valentia del héroe, defensa de la inocencia, movilización a favor del monarca legitimo, reconciliación paterna, preminencia del bien común sobre el interés personal, etc,).

  La película también apuesta por la colaboración y el entretenimieto entre etnias diferentes, propone la integración y la igualdad de derechos de los mismos y aboga por la tolerancia religiosa. Con espíritu documental y critico nos muestra las formas rudas y violentas de la Edad Media, los abusos de los poderosos y sus impunidades, las representaciones (duelos convertidos en "Juicios de Dios"), la supercherias (brujeria y hechiceria). Los códigos caballerescos y de honor, etc.

  Se complace en mostrar la igualdad y las equivaliencias de las enseñanzas de distintas religiones. Y por último reitera los tópicos que rodean a los personajes históricos que intervienen en la historia.

  La banda sonora corrió a cargo de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). y especilizado en pelìculas de corte histórico. Después de estudiar en su pais onbteniendo desde muy pequeño un gran éxito en sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Alli el compositor Marcel Duoré le aconsejó marcharse a Paris, cosa que hizo en 1932.

  En 1934 su amigo el compositor Arthur Hongger, lo introdujo en la música de cine. Se trasladó inmediatamente a Londres para perfeccionar su arte y allí su amigo y compatriota Alexander Korda, lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thing of Bagdad"-1940). En California ya permaneció el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas.

  Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones, ganándolo en 3 por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.

  Y en esta historia de la vuelta de las Cruzadas, ofreciéndo una partitura marcial. épica y grandilocuente, de 18 cortes, que se acopla bien al desarrollo de la acción, con pasajes fúnebres, tensos, románticos y triunfales. Sobresalen los titulados "Torquistone Castle", "Rebeca Love" y "Prelude".

  La fotografia en color fue obra de Freddie Young. Un director de fotografia nacido en Londres y muy destacado por sus innovaciones y estilo filmicos. En 1922 ya apareció su nombre en los créditos de la película muda "Rob Roy" como asistente de camarógrafo. Cuando estalló la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Hollywood colaborando en algunas peliculas comerciales. Al finlizar la contienda fue contratado por la MGM y en la década de 1950 logró su primera nominaciòn al Oscar precisamente por "Ivanhoe". Trabajó con los más destacados directores tales como John Ford en "Mogambo"-1953, George Cukor en "Cruce de detinos" ("Bhowani Junalion"-1956), Vincente Minnelli en "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), King Vidor en "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959).

  Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en dos ocasiones por "Doctor Zhivago"-1965 y "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"-1970) ambas de David Lean.

  Y en este clásico medieval, destacando por la abundancia de encuadres de doble figura, las generosas perspectivas generales, escenas de lucha de gran realismo y planos virtuosos como el travelling sobre los ojos de Rebeca. La película se rodó en escenarios naturales de Escocia (castillo de Doune) e Inglaterra, y los interiores en los platós de Eistrie Studios (Boehamwood, Inglaterra).

  Sensacional el reparto de actores con Robert Taylor, "Todos los hermanos eran valientes" ("All the Brothers"-1953) como el caballero Ivanhoe; Elizabeth Taylor, "Cleopatra"-1963 como Rebeca; Joan Fontaine, "Carta de una desconocida" ("Letter from an Unknown Women"-1948) como Rowena; George Sanders, "Eva al desnudo" ("All About   Eve"-1950) como De-Bois Guilbert; Guy Rolfe, "Detective con rubia" ("The Alphabet Muerders"-1965) como el principe Juan; Emlyn Williams, "This England"-1941 como Wamba; Robert Douglas, "El manantial" ("The Fountainhead"-1949) como Sir Hugh  De Bracy; Finlay  Currie, "Ben-Hur"-1959 como Cedric...

  En definitiva: Todo un clásico del cine de aventuras, y una excelente adaptación de la famosa novela de Walter Scott, donde tanto los personajes como la acción y el romance nunca desmerecen.   Sobresaliente.

  "Ivanhoe" obtuvo tres nominaciones al Oscar en su dia: Película, Fotografia y Banda sonora.

  A modo de curiosidad: Robert Taylor tenia 40 años cuando interpretó esta la pelìcula, a pesar que su personaje estaba entre los 20 y 30 años según la novela.

 

25/06/2022 10:04 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dragon Rapide (1986)

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             En recuerdo de: Juan Diego

       ¡ARRIBA ESPAÑA! ¡VIVA ESPAÑA!

  Interesante película, aunque algo aburrida de género histórico dramático (Guerra Civil Española) y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Román Goubern. Un escritor e historiador nacido en Barcelona. Todo un especialista en estudios sobre la cultura y comunicación audiovisual. Se doctoró en Derecho en la Universidad Autónoma de Barcelona en 1980. Es datedrático jubilado de Comunicación audiovisual de la Facultad de Ciencias en la Universidad Autónoma de Bsrcelona (UAB), de la que ha sido decano. Ha enseñado en la Soborna, asi como en la Universidad de Harvard, Yale, en el Museum of Modern Art de Nueva York y en la Bienal de Venecia en 1986 estuvo como jurado. También trabajó como investigador invitado en el Massa chusetts Institute of Tecnology y fue profesor de Historia del Cine en el California Institute of Technology (Pasadena), la University of Southeun California (Los Angeles), la Venice International University y por último en la Universidad Autónoma de Brcelona hasta su jubilación.

  Para el cine también escribió variios guiones donde hay que destacar "Dragon Rapide" (1986) y "El largo invierno" (1992) las dos dirigidas por Jaime Camino.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Jaime Camino. Un escritor, guionísta y director nacido en Barcelona. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona y cursó además estudios musiales, (piano y armonía). Tras un primer trabajo literario en forma de novela ("La coraza", finalísta del Premio Nadal y todavía inédita), inició su obra cinematográfica. Se lo asocia habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación de cine bajo la dictadura de Franco y orientada hacia la Nouvelle  vague francesa. Estuvo entre los fundadores del Instituto de Cine Catalán, creado en 1975.

  Entre sus películas destacan su primer largometraje "Los felices 60" (1963), critica de la burguesia catalana con estética de neorrealísmo italiano; "Mañana será otro dia" (1966), una ácida versión del mundo del cine y la publicidad, y "Dragon Rapide" (1986), versión de la conspiración militar durante los dias previos al comienzo de la Guerra Civil, centrada en el avión que llevó al futuro dictador Francisco Franco, desde Marruecos a España. En "El balcón abierto" (1984), con guión de Caballero Bonald, se acerca a la figura de Federico Garcia Lorca. En "El largo invierno" (1991), contó con Vittorio Gasman como actor principal.

  Tuvo tropezones con la censura franquista con "Las largas vacaciones del 36" (1976),  para la cual la escena de la entrada de la caballeria mora en Barcelona fue un problema. Como escritor compuso además de "La coraza", otra novela, "Moriré en Nueva York" (1996) y el ensayo "El oficio de director de cine" (1997). En 2008 asistió a una revisión de su trayectoria en el Festival Internacional del Cine Mediterráneo de Montpelier y recibió el Premio Gaudí de honor concedido por la Academia Catalana de Cine en 2009. Su último trabajo fue con el documental "Los niños de Rusia" (2001), que trata de los niños españoles (la mayoria vascos) exiliados a Rusia durante la Guerra Civil Española.

  La historia pues, nos mete en la España de la 2ª República y concretamente en julio de 1936. Y en donde Francisco Franco, Capitán General de las Islas Canarias, se traslada en secreto a Marruecos para ponerse al mando de las tropas sublevadas, con el fin de derribar al Gobierno del Frente Popular. El Dragon Rapide un avión británico, será la clave en el desarrollo de la operación que llevaria a la insurrección militar del 18 de julio y la posterior Guerra Civil Española...

  Una película que para mi aporta una interesante perspectiva no solo insólita, si no además decisiva en la configuración de un hipotético puzzle cinematográfico sobre la Guerra Civil. Habian pasado 10 años desde la muerte del dictador y su figura seguia siendo inédita como protagonísta en cualquier película de ficción, tanto por la dificultad de transmitir su compleja personalidad ala capacidad expresiva de un actor, como por el tabú politico que seguian rodeando el análisis en profundidad de los símbolos más elocuentes del franquismo.

  Por supuesto no se trata de una pelicula biográfica del personaje, si no que recurre a una hábil estructura donde el enfrentamiento dramático con Franco deviene poco menos que ineludible. El titulo de la película ya indica que el protagonísta es el avión que transportaria al general insurgente desde Canarias hasta Marruecos en el acto decisivo e irreversible que daria pie a la rebelión militar.

 La fotografia en color fue dirigida por Juan Amorós. Un director de fotografia nacido en Barcelona. Un hombre al que se lo incluye por el estilo de su obra dentro de la llamada Escuela de Barcelona. Su obra en el cine comenzó en 1956 manejando la cámara y desde 1961 en la fotografia. En 1989 fue candidato al Premio Goya a la mejor fotografia por "Esquilache", y en 1992 ganó el Premio Circulo de Escritores Cinematográficos a la mejor fotografia por la película "Las cartas de Alou".

  Y en esta historia sobre los preparativos del golpe militar, mostrando unas estupendas imágenes en un color claroscuro para dar a la trama una impresión digamos documemtalista. Algunas de sus escenas fueron rodadas en escenarios naturales de Marruecos y Londres.

  La banda sonora corrió a cargo de Xavier Montsalvatge. Un compositor nacido en Gerona y uno de las figuras claves de la música española de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, donde posteriormente sería profesor desde 1970 y catedrático de composición desde 1978. Es autor de una vasta obra que abarca practicamente todos los géneros desde la ópera "El Gato con Botas", hasta la música de cámara ("Cuarteto indiano"), pasando por piezas oequestales como "Desintegración morfológica de la Chanana de Basch", "Laberinto" o "Sinfonia Mediterránea" (1949), por la que obtuvo el Premio de la Escuela Superior de Música. Debe su fama internacional a la composición "Cinco canciones negras" para soprano y orquesta. También colaboró poniendo música para el cine en varias películas entre ellas: "Un vaso de whisky" (1959), "España otra vez" (1968) o "Las largas vacaciones del 36"(1976) entre otras.

  Y en esta historia donde casi todo comenzó en un vuelo militar, mostrándo unos temas dramáticos y ambientales, solemne y marcial en momentos y de tono impresionista entre otros. Tiene un brillante tema principal.

  Muy bien Juan Diego, "Fugitivas" (2000) dando vida al dictador Francisco Franco. Y con él Vicky Peña, "Me llamo Sara" (1999) como Carmen Polo; Manuel de Blas, "Goya en Burdeos" (1999) como el General Mola; Conrado San Martin, "Asesinato en el Comité Central" (1982) como el Coronel Monóculo; José Maria Escuer; "7 dias de enero" (1975) como el Coronel Sáez de Buruaga; : Ramón Durán, "El caso Almeria" (1984) como el Genral Cabanelles...

  En definitiva: Una pasable película, que se deja de ver, aunque no es de lo mejor del director. Pero que tan solo por ver la magnifica actuación   de Juan Diego, y la escena en la playa de Marruecos llevado a hombros por un recio soldado para no mojarse los pies ya vale la pena verse.   Notable.

  "Dragon Rapide" obtuvo dos Premios Goya a la Mejor dircción artística y Maquillaje.

  A modo histórico. El titulo alude al avión Dragon Rapide llamado también de Havilland D.H.89, era un avión de pasajeros de corto alcance de fabricación inglesa y usado por la Royal Air Force (RAF).

 

   

31/05/2022 08:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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