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Hasta siempre!!!

                    Irene Papas

       La gran dama del cine y teatro griego

  El pasado dia 14 y a la edad de 96 años falleció la actriz griega Irene Papas. Irene tuvo un aprendizaje recibido de su padre, profesor de teatro clásico, y de su madre, una maestra de escuela que le narraba cuentos y fábulas. "Ella daba vida a aquellos relatos frente al espejo de su casa. Desde entonces, como buena intérprete, nunca mató a la niña que llevaba dentro", expresó en una ocasión la actriz.

  Estudió en la Escuela Nacional de Teatro Griego de Atenas y de ahí pasó a formar parte del elenco del Teatro Nscional de Grecia, en el que destacó cmo actriz trágica en "Las troyanas", "Medea" (Európides) y "Electra" (Sófocles).

  Irene Papas empezó su carrera cinematográfica en Grecia, donde se hizo popular. Descubierta por Elia Kazan, su fama internacional llegó gracias a sus actuaciones en producciones muy taquilleras, tales como: "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) o "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964), asi como en "Electra"-1962, dirigida por Michael Cocoyannis. Con este director emprendió una seguidilla de heroinas de tragedias griegas en varias películas: "Antígona"-1961, "Ifigenia"´-1977 y "Las troyanas"-1971, aqui junto a Katharine Hepburn y Vanessa Redgrave.

  Algunos personajes de la mitologia griega que representó fueron Medea, Electra, Clitemnestra, Helena, Penélope y Anticlea. También interpretó personajes de Federico Garcia Lorca en las obras teatrales "Yerma" y "Bodas de sangre", y a Catalina de Aragón en la película "Ana de los mil dias" ("Anne of the Thousand Days"-1969) junto a Richar Burton.

  En el verano de 1988 fue invitada al Festival de Teatro de Mérida (España), y presentó un recital de la nueva poesia griega en griego y en traducción al español, con perfecta pronunciación hispana y con el acompañamiento de un piano que secundaba la parte cantada.

25/09/2022 09:48 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Rififi (Du rififi chez les hommes - 1955)

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  Levántate perro. Quiero que tengas miedo. ¿Qué se siente?...

  Obra maestra de género policiaco (cine negro) y de nacionalidad francesa. llevada al cine con un guión de René Wheeler. Un director y guionísta macido en Paris. Co-escribió el guión de la película "La cage aux rossignols"-1945 junto con Georges Chaperot, por la que ambos recibieron  una nominación al Oscar al mejor guión. Esta historia más tarde serviria de inspiración para la pelicula "Los chicos del coro" (" ("Les Choristes"-2004 de Christophe Baretier.

  El segundo guionísta fue Auguste Le Breton. Un novelista nacido en Finisterre(Francia). Se quedó huérfano a muy temprana edad y el gobierno francés se hizo cargo del alojamiento en una Institución del Estado. En este lugar su crecimiento no le fue facil. Al salir de la Institución tuvo problemas de adaptación frecuentando lugares de mala reputaciòn: bares y garitos. Incluso pasó un tiempo con las pandillas de Montmartre familiarizándose con el mundo del crimen. Por razones inciertas se unió a la Resistencia durante la 2ª Guerra Mundial, eto le marcó su vida y animado por sus actuaciones en la guerra comenzó a escribir. Sus obras son conocidas por su franqueza de estilo e historia. Escribió cerca de 80 novelas muchas de ellas fueron adaptadas al cine.

  Y el tercer  guionísta y a la vez director de la pelicula fue Jules Dassin. Un cineasta nacido en Connecticut (Estados Unidos). Después de trabajar en la compañia de Yiddish Proletarian Theater de Nueva York, Dassin empezó a dirigir cortos en Hollywood. Sus primeras películas no destacaron, hasta que en 1947 realizó "Fuerza bruta" ("Brute Force"), un duro drama situado en una cárcel, donde Burt Lancaster hacia el papel de un prisionero enfrentado al jefe de los guardias de dicha cárcel.

  "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1948), rodada según un estilo semidocumental en Nueva York, fue un melodrama innovador con crimen incluido. "Mercado de ladrones" ("Thieves’ Highaway"-1949), una cruda película policiaca que contó con unas intensas interpretaciones de Richard Conte y Lee J.Cobb.

  La carrera de Dassin en Hollywood se vió interrumpida cuando el director Edward Dmytryck lo acusó de ser comunista ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas del Congreso. Se estableció en el Reino Unido, donde rodó otra excelente película de cine negro, "Noche en la ciudad"("Night and the City"-1950), protagonizada por Richard Widmark.

  Tiempo después se mudó a Francia para realizar el proyecto que le hizo mas conocido "Rififi"-1955, una tensa película sobre un atrevido robo de joyas, en la que el propio Dassin hizo un papel importante. Rodada en un Paris invernal, la secuencia del robo de la caja fuerte es una proeza de suspense silencioso.

  En "Nunca en domingo" ("Jamais le dimanche"-1960), dirigió a su segunda esposa, la actriz griega Melina Mercouri, en el papel de Ilya, una animosa prostituta que levanta el ánimo de todos los que la conocen, la película fue todo un éxito.

  Melina Mercouri también actuó en "Fedra"-1962, la versión que hizo Dassin de la obra teatral de Eurípides. La siguiente película de Dassin "Topkapi"-1964, fue un thriller-comedia protagonizada por Melina Mercouri y Maximilian Schell y fue todo un éxito, sus peliculas posteriores apenas tuvieron repercusión entre el público.

  La acción nos lleva hasta Paris allá en el año 1954 y nos mete en la vida de Tony Le Stephanois que, después de cumplir cinco años de condena sale de la cárcel con la intención de cambiar su vida, pero se encuentra que su amante está con un conocido gángster. Como carece de recursos económicos no le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches. Durante semanas prepara minciosamente con ellos un golpe perfecto: el atraco a una innacesible joyeria de Paris...

  La película habla de amistad, venganza, trabajo riguroso, violencia de género, delación, infancia, reinserción social de exreclusos. Es destacable el nivel de detalle y precisión con el que es descrito el atraco a la joyeria, en una escena de 32 minutos, en la que el silencio, la ausencia de música, la escasez de luz y la narración visual crean un clima de tensión, que atrapa al espectador hasta convertirlo en participe de la acción.

  Se condena sus paliativos la violencia contra la mujer en una secuencia escalofriante, cuyo punto culminante se narra en fuera de campo. Las secuelas en la espalda y hombros de Malo se muestran en una escena posterior. El trabajo bien preparado, hecho a conciencia y realizado con atención, es garantia de éxito, incluso cuando el objetivo es un atraco, siempre que nadie incurra en una ligereza por exceso de confianza.

  La perfecta realización de la operación da paso a un giro dramático, que gradualmente se eleva a trágico. Dassin añdió una escena que condena la delación, en clara referencia al daño terrible que causaron las que arrancó el Comité de Actividades Antinorteamericanas. La maldad de los delincuentes, constratada con la deliciosa inocencia de un niño de 5 años, en algunos casos se combina con respuestas heróicas, que denuncian la pobreza de medidas de reiserción del sistema penitenciario.

  La banda sonora fue dirigida por  Georges Auric. Un compositor nacido en Lodéne (Francia). Fue un niño prodigio puesto que a los 15 años ya tenia su primera composición publicada. Antes de los 20 años ya habia orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Escribió también música para el cine en películas tan famosas como por ejemplo: "Moulin Rouge"-1953 de John Huston y "Buenos dias tristeza" ("Bonjour tristesse"-1958) de Otto Preminger.

  Y en este atraco pluscuamperfecto basándose en una partitura de melodias jazzisticas, de ecos dramáticos y fatalistas. Incluye además fragmentos de bandas sonoras: "El salario del miedo"("Le Salaire de la peur"-1953) y la citada "Moulin Rouge" entre otras.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Philippe Agostini. Un director de fotografia nacido en Paris. Fue fundador de la Escuela Louis Lumiere en Paris. Sus comienzos fueron como asistente de operador tanto de Georges Perinal como de Armand Thirardi. En la década de 1930, inició una fructifera carrera como director de fotografia, trabajando con directores como por ejemplo: Robert Bresson, , Marcel Cané, Max Ophüls y Jules Dassin entre otros. Entre sus muchas peliculas en su filmografia caben de destacar, "La dama de las camelias" ("La dame aux camelies"-1953) de Raymond Bernard, "Topaze"-1951 protagonizada por Fernandel y "La bella de Cádiz"-1953 con Carman Sevilla y Luis Mariano, entre otras.

  Y en esta antológica historia, acentuándo la iluminacion sombría de las escenas. Conteniendo travellings, movinientos de cámara y una capacidad de inventativa cinematográfica, que evidencian un excelente montaje y una soberbia dirección. La escena de la entrada de Tony con el niño en Paris es sublime.

  Extraordinario Jean Servais, "El hombre de Rio" ("L’ Homme de Rio"-1964) metido hasta el alma en el papel de Tony le Stéphenoi. Y con él un gran ramillete de secundarios (aunque hoy dia algo olvidados) como por ejemplo: Carl Möhner, "La caida de Roma" ("Il crollo di Roma"-1963) como Jole Suédois; Robert Mann, "Objetivo matar" ("Coplan FX18 casse lout"-1965) como Mario Ferrati; Janine Darbey, "La soñadora americana" ("American Dreamer"-1984) como Louise; Robert Hossein, "Madame Sans Gene"-1961 como Grutter...

  En definitiva: Una película que transformó el panorama del cine negro europeo y que por supuesto le dió un impulso universal. Una obra maestra del género de obligada visión.  Matricula de Honor.

  "Rififi" logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Jules Dassin aparece en un papel bastante importante en esta película el de el mafioso Cesar "el Milanés".

09/09/2022 16:37 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Senso - 1954

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  Los desórdenes de la pasión amorosa interfieren en las convulsiones de la historia en una composición pictórica refinada: Asi es esta película, concebida como una ópera.

  Maravillosa película de género melodramático, y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Suso d’Amico. Un guionísta nacido en Roma. Tras su estancia en Suiza e Inglaterra decidió buscar trabajo y fue contratado por el Ministerio de las Sociedades como secretario personal del gerente general. Más tarde comenzó a escribir guiones para el cine, trabajando habitualmente con Fellini, Vittorio de Sica y Alberto Lattuada. Entre sus grandes éxitos caben citar: "Ladrón de bicicletas" ("Ladri di biciclette"-1948) de Vittorio de Sica y "Mortadela" ("La mortadellla"-1971) protagonizada por Sofia Loren, entre otras.

  El segundo guionísta fue Paul Bowles. Un escritor y compositor nacido en Nueva York. A los 19 años viajó a Paris donde publicó dos poemas surrealistas pero se desanimó y se dedicó a la música. Regresó a Nueva York donde  comenzaría a estudiar composición durante los años treienta. Fue su esposa Jane Aver la que le animó para volver a escribir. Para el cine escribió varios guiones  destacando "Senso"(1954) y "El cielo protector" ("The Sheltering Sky"-1980) de Bernardo Bertolucci.

  El tercer guionísta fue nada más y nada menos que Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Missisipi. En 1948 ganó el Premio Pulitzer de teatro por "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Deseo") que en 1951 Elia Kazan lo llevó al cine con Marlon Brando de protagonísta. Y en 1955 por "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat  on a Hort Tin Roof"). También llevada al cine en 1958 por Richard Brooks, con Elizabeth Taylor y Paul Newman como protagonistas. Su obra de 1952 "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto") llevada al cine también en 1955 por Daniel Mann y protagonizada por Burt Lancaster y Anna Magnani estaba dedicada a su compañero Frank Merlo, recibió el Premio Tony a la mejor obra. Los criticos del género sostienen que Williams escribia en estilo politico sureño. Es conocido mundialmente porque muchas de sus obras han sido llevadas al cine, y la mayoria con gran éxito de critica y público.

  Y el cuarto y último y también director de la película fue Luchino Visconti. Un respetado director de cine y de teatro nacido en Milán. Nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculado al Partido Comunista italiano, durante toda su vida.

  Al proceder de una familia arostocrática, sus películas a menudo manifestaron la lucha entre sus anviciones politicas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado "Obsesión" ("Ossessione"-1943), la adaptación que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces" ("The Postman Always Rings Twice"-1946), la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimiento cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalista.

  Tematicamente la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la película influiria en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después de que se enterrara el neorrealísmo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso, como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963), "Rocco y sus hermanos" ("Rocco e i suoi fratelli"-1960), significó un retorno al discurso social presagiado en sus primeras películas, aunque también subrayó su interés por la vida familiar rota y los efectos de una decadencia social omnipresente.

  Las últimas películas de Visconti suelen ser oscuras y a veces obsesivas como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta el año 1866, y en donde Livia, una bella dama de una aristocrática familia italiana, vive un intenso romance con el teniente Franz Mahler, un oficial del ejércto austriaco, en plena guerra italiana frente a Austria...

  La pelicula suma historia, romance y guerra. Cronológicamente se sitúa en los últimos meses de la ocupacón militar por parte del Imperio Austro-húngaro de la Lombardia y el Veneto y en el inicio del nuevo estado de Italia bajo el liderazgo de Giuseppe Garibaldi (1807-1882), héroe de la unificación junto a Giuseppe Mazzini, Cavour y Victor Manuel II. 

  Exalta la acción de los patriotas garibaldinos, las manifestaciones patrioticas y anti-austriacas, la ópera, la figura de Verdi como icono del patriotismo italiano y la música del compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911).

  Muestra la agonia y la decadencia de la aristocraia como clase dominante, a causa de su insolaridad, individualísmo, codicia y colaborsaionísmo con el enemigo. La decadencia de la aristocracia brinda la oportunidad para que se imponga los sentimientos de un pueblo llano, compuesto de trabajadores del campo y la ciudad, a favor de la independencia, la justicia, la libertad y la solidaridad.

  La película desarrolla un melodrama clásico de pasiones arrebatadas, sentimientos desgarrados, relaciones movidas por la crueldad y el despecho, emociones exasperadas y frustraciones dolorosas. El hilo conductor viene dado por una pasión autodestructiva, no sometida a control, que engendra deslealtades, traiciones y venganzas.

  Visconti concibe el melodrama como un espectáculo completo por cuanto, en su opinión, compendia y explica lo que es la vida. El melodrama no es para él el fin de la representación, sino el medio más eficaz para evocar el dramade la vida de las personas y los pueblos. Con su ayuda construye una metáfora de los hechos históricos que alumbran el "Rissorgimiento", los deseos de la unificación del pais (Italia) y la reivindicación de los ideales de libertad, igualdad y solidaridad tomados de la Revolución Francesa. Los sentimientos del pueblo italiano en lucha contra los austriacos hallan su mejor expresión en "Il Trovatore", de Verdi, que abre el inicio de la película.

  La banda sonora ofrece pasajes reiterados de la 7ª Sinfonia de Anton Bruckner que añaden sentido épico y operístico a las escenas culminantes. Se ofrecen varios pasajes de la ópera "Il Trovatore" de Verdi (actos III y IV).

  La fotografia en un lujoso color fue dirigida por Aldo Graziati. Un director de fotografía nacido en Scorzé (Italia),. Se mudó a Francia en 1923 donde trabajó bastantes años como coreógrafo escénico y operador de cámara. Alli conoció a Michelangelo Antonioni, quien le invitó a volver a Italia. Se distinguió por su técnica depurada y sensibilidad tonal única, especialmente con los efectos de iluminación característico del blanco y negro del neorrealísmo. Entre sus trabajos caben de destacar peliculas como: "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951) y "Umberto D."-1952, ambas de Vittorio De Sica.

  El segundo fue Robert Krasker. Otro director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto), aunque su nacimiento fue registrado en Australia. En 1937 viajó a Inglaterra y encontró trabajo en London Films de Alexander Korda, donde se convirtió en operador de cámara. Su primera pelicula como director de fotografia fue "The Gentle Sex"-1943, dirigida por el actor Leslie Howard. Su trabajo estuvo fuertemente influenciado por el cine negro, y el expresionísmo alemán. Es muy conocido por haber  trabajado en España en tres superproducciones:"Alejandro  Magno" ("Alexander the Great"-1956) protagonizada por Richard Burton, "El Cid"-1961 y "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman"-1964) ambas de Anthony Mann.

  Y en esta historia de amore en tiempos de guerra. Inspirándose los dos en la pintura italiana de 1860-70 y en autores como Francesco Hayez (1791-1882), Giovanni Fattori (1825-1908) y otros. Hacen uso de planos secuencia, una estética sobrecigedora y refinada, que se expresa desde el realísmo critico, y un movimiento de cámara intenso y complejo. Sintendo fascinación por los uniformes militares.

  Cuenta con escenas memorables como la batalla de Custoza (Sommacampagna, Verona), el fusilamiento en la noche de la celeración de la victoria austriaca de la misma batalla, el dramático reencuentro de Livia y Franz, el tumulto patriotico en el Teatro La Fenice, la emotova atención que dedica a la presencia de los servicios humsnitarios de la Cruz Roja en el campo de batalla y el recuerdo que evoca de su creación a raiz de la batalla de Solferino (1859).

  Excelente las interpretaciones de la pareja de enamorados, ella: Alida Valli, "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) dando vida a Livia y él: Franley Granger, "Extraños en un tren" ("Stangers on a Train"-1951) metido en el uniforme militar de Franz. Y muy bien arropados por un grupo de estupendos secundarios tales como: Massimo Girotti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Roberto; Rina Morelli, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como Laura; Sergio Fantoni, "El premio" ("The Prize"-1963) como Luca...

  En definitiva: Una brillante película, muy recomendable para todos aquellos que les guste los melodramas morbosos de època. Sobresaliente.

  La película se rodó en escenarios naturales de Venecia, Verona y Vicenza (Villa Godi Valmarena), Teatro La Fenice de Venecia, Solferino (Lombardia) y en los platós de Titanus Studios (Roma).

  A modo de curiosidad, la película se proyectó por primera vez en público en septiembre de 1954 en el Festival de Venecia.


 


 

10/08/2022 17:11 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Pan, amor y fantasia (Pane, amore e fantasia -1953)

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  ¿Qué comemos cuando comemos?

  Pan, amor y fantasia

  Simpática película de género de comedia y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Ettore M. Margadonna. Un escritor y actor nacido en Palena (Italia). Cuenta en su haber con bastantes titulos algunos de ellos muy emblemáticos del cine italiano, como por ejemplo: "La bella de Roma" ("La bella di Roma"-1955) con Silvana Pampanini, "El moralista" ("Il moralista"-1959) con Alberto Sordi y sobre todo "Pan, amor y fantasia".

  El segundo guionista y a la vez director de la pelicula fue Luigi Comencini. Un cineasta nacido en Sólo (Italia) y muy conocido por ser uno de los padres de la comedia italiana.

  Siguió los pasos de su padre, que era ingeniero, de modo que su infancia transcurrió en Paris. Alli se entusiasmó con el cine. Al volver a Italia estudió ingenieria industrial en Milán. Se casó con Giulia  Grifeo de Partanna, una joven aristocráta, y comenzó a trabajar como ingeniero y critico de cine. Pronto se ocupó de la Cinemateca italiana. Sus hijos, dos de ellos se hicieron directores de cine, colaborando con él, la tercera se hizo escenógrafa.

  Su primera película con éxito fue "L’ imperatore di Capri" (1949) protagonizada por Totó., Una de dsus películas mas conocida fue precisamente "Pan, amor y fatasia", pues obtuvo el Oso de Plata en el Festivalde Cine de Berlin. En 1960 dirigió la sátira antibélica "Todos a casa" ("Tutti a casa", dirigió la versión cinematográfica de la novela de Carlo Cassola sobre la  la Resistencia "La chica de Bube" (" ("La ragazza  di Bube"-1963), de bastante calidad, y a mediados de los años 60 realizó el drama "El incomprendido" ("Incompreso"-1967).

  En 1972 su película "Sembrando ilusiones" ("Lo scopone scientifico"), producida por Dino de Laurentiis, contó con un singular reparto: Alberto Sordi, Bette Davis, Joseph Cotten y Silvana Mangano, con esta película obtuvo dos premios David di Donatello. Ese mismo año realizó "Las aventuras de Pinocho" ("Le avventure di Pinocchio") sobre la novela de Carlo Collodi, en principio, estaba pensada para la televisión, pero luego fue distribuida en cines por su calidad y la interpretación de Nino Manfredi.

  Dirigió a algunos de los actores más importantes del cine italiano, como Totó, Marcello Mastroianni, Vittorio Gasman, Enrico Maria Salerno o Alberto Sordi, y del europeo, entre ellos Fernando Rey, Annie Girardot y Angela Molina. Su última película fue en 1991 y se trató de un remake de la célebre pelicula española "Marcelino, pan y vino"-1954, con Nicoló Paolucci dando vida al pequeño Marcelino, también contó con los españoles Fernando Fernán Gomez como el Padre Prior y Alfredo Landa como Fray Papilla.

  La acción pues, nos lleva hasta Sagilena, una población imaginaria del interior montañoso en la región de Abruzzi (Italia), entre 1951/52, a lo largo de unos cuantos dias. A este lugar llega el nuevo comandante de la guarnición compuesta por seis carabineros. Este se llama Antonio Carotenuto, un hombre de mediana edad, soltero, nacido en el norte de Italia, y que tiene grandes deseos de contraer matrimonio, pese a sus afirmaciones en sentido contrario. Alli también nos encontramos con el apuesto carabinero el cabo Pietro Stellati y la joven Maria Pizzicarella que intentan llevar a buen puerto su romance. Mientras Antonio se enamora perdidamente de  Anna la comadrona del pueblo, pero este amor tiene sus impedimentos...

  La película pues, se desarrolla como una comedia costumbrista. La estética corresponde al neorrealísmo italiano, dentro del que se sitúa en el apartado neorrealísmo rosa, que ofrece una visión optimista, no focalizada en aspectos lacerantes. Estos aparecen reflejados ocasionalmente en la pelicula, al que confieren un cierto sabor amargo. La población del pueblo incluye ancianos ociosos, que se entretienen como mirones, que alimentan rumores y sospechas.

  La pobreza se visualiza en el vestir, las viviendas, la precariedad de las infraestructuras y la escasez de alimentos. Cuando el comandante pregunta a un vecino qué come, éste le responde "pan y fantasia" (pan solo).

  Por la pantalla desfilan personajes tipicos de la época, como el vendedor ambulante de telas, los intocables sobrinos del cura, la leñadora joven, decidida, inocente y de corazón de oro, etc.. Se ven acontecimientos colectivos, hoy tan singulares, como la peregrinación de dos dias a un monasterio próximo, la procesión de San Antonio con ángeles blancos, la fiesta en la plaza mayor, los uniformes de gala.

  La historia está salpicada de humor sútil, irónico y mordaz, que se afirma a través de gestos, situaciones y palabras. En el centro del relato se levanta la sensualidad, atractivo, deligencia y espontaneidad del personaje de Maria, envidiada, admirada y deseada. En lo que hace referencia a sus intereses y a sus amores, ella es la que manda por encima de todos (comandante, cura, alcalde, comadrona y madre.

  El comandante rendido ante ella, se convierte en una figura débil y manejable. Libre de influencias, ella elige por madre al hombre que desea. Encarna a la mujer independiente y autosuficiente, que se formó durante la 2ª Guerra Mundial y se impuso en la Posguerra.

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un prolífico compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición musical en el Conservatorio de Milán en 1924, donde fue alumno de Giulio Cesare Paribeni y Renzo Bossi. En 1933, su ópera "Donna Lombarda" inspirada en una balada popular, se estrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, con las excepciones de "Messa a 5 voices" y "Saul", centró sus actividades en la composición de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con los cineastas Vittorio de Sica y Alessandro Blasetti.

  Gran parte de su música cinematográfica hace uso de pequeños conjuntos en instrumemtación inusual, en lugar de las exuberantes partituras orquestales muy comunes en la música para el cine de mediados del siglo XX. Su estilo ha sido descrito como romántico tardio y se caracterizó por la inmediatez y el atractivo. En 1965 se retiró de la composición cinematográfica y se convirtió en profesor. Entre sus innumerables películas a lo largo de toda su carrera Hay titulos tan emblemáticos como "Cuatro pasos por las nubes" ("Quattro passi fra le nuvole"-1942) con Gino Cervi; "Ulises" ("Ulisse"-1954) protagonizada por Kirk Douglas y Silvana Mangano y "Anna de Brooklyn"-1958 con Gina Lollobrogida y Dale Robertson.

  Y aqui, haciendo uso de melodias de aires populares, atávicos y rústicos (armónica y flauta).

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Arturo Gallea. Un director de fotografía nacido en Turin. Entró en la industria del cine en 1911 como productor. Su carrera como director de fotografía empezó a mediados de la década de 1910. En 1952 ganó el Nastro d’Argento por su película "Dos centavos de esperanza" ("Due soldi di speranza") dirigida por Rensto Castellani. Entre su extensa filmografía caben citar titulos  como por ejemplo: "Capricho frivolo" ("Non ti conosco piú"-1936) con Vittorio de Sica; "Te amaré siempre" (T’ ameró siempre"-1943) con Alida Valli; "El jeque blanco" ("Lo scelcco blanco"-1952) con Alberto Sordi, y su última película "La Gioconda"-1952 protagonizada por Alba Arnova.

  Y aqui, ofreciéndo perspectivas amplias y de gran profundidad, primeros planos expresivos y una larga sucesión de diálogos a dos. La película se rodó en los exteriores de Castel San Prieto (Roma) y los interiores en los estudios Titanus de Roma.

  Bellisima y sensual Gina Lollobrigida. "La mujer más guapa del mundo" ("La donna piü bella del mondo"-1955) metida en el cuerpo de Maria. Y con ella el gran Vittorio de Sica, "El general de la Rovere" ("Il generale Della Rovere"-1959) metido en el uniforme del comandante Antonio. Y enttre los dos Marisa Merlini, "El juicio universal" ("Il giudizio universale"-1961) como Anna, la comadrona; Roberto Risso, "La ciudad cautiva" ("La cittá prigionera"-1962) como el cabo Pietro; Tina Pica, "Sabela" ("La nonna Sabela"-1957) como Carmella...

  En definitiva: Una película que obtuvo en su momento un gran éxito de público, y elevó a Gina Lollobrigida al nivel de estrella europea de primer nivel.  Sobresaliente.

  "Pan, amor y fantasia" estuvo nominada al Oscar a la Mejor historia, obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín, y Gina Lollobrigida estuvo nominada al BAFTA a la Mejor actriz extranjera.

  En 1954 Luigi Comencini realizó una secuela o continuación con el titulo de "Pan, amor y celos" ("Pane, amore e gelosia") con los mismos protagonistas. Y sigiendo la saga de "pan y amor", Dino Risi realizó en 1955 "Pan, amor y..." ("Pane, amore e"...") con Vittorio De Sica, Sofia Loren y Antonio Cifariello, y el español Javier Setó dirigió en 1958 "Pan, amor y Andalucia" con Vittorio De Sica, Carmen Sevilla y Vicente Parra.


 


10/07/2022 16:34 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Ivanhoe (1952)

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  "Mi corazón, antes un león, está ahora encadenado"...

  Muy entretenida película de género de aventuras (Edad Media) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Sir Walter Scott. Un prolífico escritor nacido en Edimburgo (Escocia) y especializado en novelas históricas. Después de estudiar Drecho siguió los pasos de su padre y se hizo abogado. A los 25 años de edad empezó a escribir como diversión. Su primera publicación fue una narración de baladas de Gottfrield August Bürger en 1756 . Años más tarde fundó una imprenta donde editó entre otras el famoso "Canto del trovador" en 1805, que le dió fama mundial. Entre sus novelas llevadas al cine además de "Ivanhoe" cabe citar "Rob Roy" que la escribió en 1815. Muchas de sus obras fueron ilustradas por su amigo William Allan.

  Del guión se hicieron cargo Noël Langley, Marguerite Roberts y AEneas Mackenzie. El primero fue un escritor y guionista nacido en Estados Unidos. La mayoria de sus trabajos estuvieron vinculados con la MGM, su primer guión le lanzó a la fama con la película "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Además de su carrera en el cine también fue muy activo en el teatro dirigiendo personalmente algunas comedias y musicales. El segundo (mejor dicho la segunda) fue una guionista nacida en California y una de las mejores pagadas de la década de 1930. Se mudó a Hollywood y se convirtió en secretaria de la 20th Century Fox, pero en 1933 se mudó a MGM para colaborar en el guión de "Soitor’s Luck" dirigida por Raoul Walsh. En 1936 trabajó para la Paramount Pictures y alli fue donde se unió al Partido Comunista y en 1953 fue incluida en la lista negra por lo que tuvo que emigrar a Canadá hasta 1962 donde comenzó a trabajar para Columbia Pictures escribiendo guiones destacando el de "Valor de ley" ("True Grit"-1969) que le valió el Oscar a John Wayne. Y el tercero. Otro guionista nacido en Escocia. En 1938 lo contrató la Warner Bros para escribir el guión de "Juarez". Y alli estuvo hasta 1943 donde fue contratado por RKO y en 1946 se mudó a Paramount Pictures para más tarde ser contratado por MGM donde acabó su carrera cinematográfica.

  "Ivanhoe" está dirigida por Richard Thorpe. Un director nacido en Kansas. Comenzó su carrera en el entretenimiento actuando en el vodevil y en obras de teatro. En 1921, ingresó al medio del cine, actuando en películas mudas y en 1923 dirigió su  primer cortometraje mudo titulado "The Fatal Photo", lo cual dió inicio a una carrera de más de 180 películas dirigidas.

  Después de dirigir docenas de comedias y westerns de bajo presupuesto, su talento fue reconocido a mediados de los años 30 cuando fue a trabajar para la MGM. El jefe de estudio Louis B. Mayer valoraba la eficacia de sus directores, y Thorpe,  se sentia orgulloso de llevar esas producciones de bajo presupuesto, y que seria la clave para su notable longevidad en Hollywood. No tenia un estilo particular, dirigia mecánicamente con la premisa de mantener la cámara rodando hasta que un actor rodaba una linea, o una escena no fluia correctamente, y luego regresaba y completaba con un primer plano o una toma aislada. Raramente repetia tomas. Mecánica o no, su técnica funcionó correctamente.

  Aunque nunca dirigió nimgún éxito de taquilla (aunque si muy buenas películas) puesto que fue  sólido y confiable, llevando a la pantalla  películas de todos los géneros durante más de cuatro décadas. A pesar de estas características de trabajo, más propicias de un cine menos comercial, Thorpe accedio siempre a la realización de películas de primera linea. En su inmensa filmografia, la más vista de la historia, llegó a concretar algunos pequeños clásicos, infinitamente repetidos luego en la TV, como "El gran Caruso" ("The Great Caruso"-1951), "El prisionero de Zenda" ("The Prisioner of Zenda"-1952), "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) o el clásico de  Elvis Presley, "El rock de la cárcel" ("Jailhouse Rock"-1957). Su última pelicula fue el western protagonizado por Glenn Ford "Duelo a muerte en Rio Rojo" ("The Last Challenge"-1967).

  La acción pues nos lleva hasta la Edad Media concretamente al siglo XII y, en donde a su vuelta de la Cruzada, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano el principe Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que asi puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate...

  La pelicula pues aborda los temas de acción, aventuras, drama y romance. Que junto con "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table"-1953) y "Las aventuras de Quentin Durward" ("Quentin Durward"´-1955). forma la triologia de películas ambientadas en la Edad Media que produjo la MGM en el Reino Unido en los años 50.

  La película mantiene un adecuado y atractivo tono histórico y aventurero. Hace uso de una ambientaciòn elegante y festiva y se sirve de un realismo vibrante en las escenas de acción, especialmente en el asalto al castillo. La acción es rápida y el ritmo de la pelìcula es intenso y trepidante. A peasr de que la historia es de ficción, si bien se enmarca en una época histórica definida, con referencias a protagonistas y hechos reales (Ricardo, Juan Sin Tierra, aristocracia normanda, aristocracia sajona...).

  El relato se apoya en un romanticismo que disimula, tres formas circunpuestas, una lucha enconada entre las dos mujeres por el amor del héroe. Se adapta con bastante fidelidad a la novela original, no evita un cierto aire de representación teatral y hace uso de unos diálogos abundantes, más literarios que realistas. Incorpora atractivo suficiente para agradar y emocionar (valentia del héroe, defensa de la inocencia, movilización a favor del monarca legitimo, reconciliación paterna, preminencia del bien común sobre el interés personal, etc,).

  La película también apuesta por la colaboración y el entretenimieto entre etnias diferentes, propone la integración y la igualdad de derechos de los mismos y aboga por la tolerancia religiosa. Con espíritu documental y critico nos muestra las formas rudas y violentas de la Edad Media, los abusos de los poderosos y sus impunidades, las representaciones (duelos convertidos en "Juicios de Dios"), la supercherias (brujeria y hechiceria). Los códigos caballerescos y de honor, etc.

  Se complace en mostrar la igualdad y las equivaliencias de las enseñanzas de distintas religiones. Y por último reitera los tópicos que rodean a los personajes históricos que intervienen en la historia.

  La banda sonora corrió a cargo de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). y especilizado en pelìculas de corte histórico. Después de estudiar en su pais onbteniendo desde muy pequeño un gran éxito en sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Alli el compositor Marcel Duoré le aconsejó marcharse a Paris, cosa que hizo en 1932.

  En 1934 su amigo el compositor Arthur Hongger, lo introdujo en la música de cine. Se trasladó inmediatamente a Londres para perfeccionar su arte y allí su amigo y compatriota Alexander Korda, lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thing of Bagdad"-1940). En California ya permaneció el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas.

  Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones, ganándolo en 3 por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.

  Y en esta historia de la vuelta de las Cruzadas, ofreciéndo una partitura marcial. épica y grandilocuente, de 18 cortes, que se acopla bien al desarrollo de la acción, con pasajes fúnebres, tensos, románticos y triunfales. Sobresalen los titulados "Torquistone Castle", "Rebeca Love" y "Prelude".

  La fotografia en color fue obra de Freddie Young. Un director de fotografia nacido en Londres y muy destacado por sus innovaciones y estilo filmicos. En 1922 ya apareció su nombre en los créditos de la película muda "Rob Roy" como asistente de camarógrafo. Cuando estalló la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Hollywood colaborando en algunas peliculas comerciales. Al finlizar la contienda fue contratado por la MGM y en la década de 1950 logró su primera nominaciòn al Oscar precisamente por "Ivanhoe". Trabajó con los más destacados directores tales como John Ford en "Mogambo"-1953, George Cukor en "Cruce de detinos" ("Bhowani Junalion"-1956), Vincente Minnelli en "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), King Vidor en "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959).

  Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en dos ocasiones por "Doctor Zhivago"-1965 y "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"-1970) ambas de David Lean.

  Y en este clásico medieval, destacando por la abundancia de encuadres de doble figura, las generosas perspectivas generales, escenas de lucha de gran realismo y planos virtuosos como el travelling sobre los ojos de Rebeca. La película se rodó en escenarios naturales de Escocia (castillo de Doune) e Inglaterra, y los interiores en los platós de Eistrie Studios (Boehamwood, Inglaterra).

  Sensacional el reparto de actores con Robert Taylor, "Todos los hermanos eran valientes" ("All the Brothers"-1953) como el caballero Ivanhoe; Elizabeth Taylor, "Cleopatra"-1963 como Rebeca; Joan Fontaine, "Carta de una desconocida" ("Letter from an Unknown Women"-1948) como Rowena; George Sanders, "Eva al desnudo" ("All About   Eve"-1950) como De-Bois Guilbert; Guy Rolfe, "Detective con rubia" ("The Alphabet Muerders"-1965) como el principe Juan; Emlyn Williams, "This England"-1941 como Wamba; Robert Douglas, "El manantial" ("The Fountainhead"-1949) como Sir Hugh  De Bracy; Finlay  Currie, "Ben-Hur"-1959 como Cedric...

  En definitiva: Todo un clásico del cine de aventuras, y una excelente adaptación de la famosa novela de Walter Scott, donde tanto los personajes como la acción y el romance nunca desmerecen.   Sobresaliente.

  "Ivanhoe" obtuvo tres nominaciones al Oscar en su dia: Película, Fotografia y Banda sonora.

  A modo de curiosidad: Robert Taylor tenia 40 años cuando interpretó esta la pelìcula, a pesar que su personaje estaba entre los 20 y 30 años según la novela.

 

25/06/2022 10:04 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dragon Rapide (1986)

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             En recuerdo de: Juan Diego

       ¡ARRIBA ESPAÑA! ¡VIVA ESPAÑA!

  Interesante película, aunque algo aburrida de género histórico dramático (Guerra Civil Española) y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Román Goubern. Un escritor e historiador nacido en Barcelona. Todo un especialista en estudios sobre la cultura y comunicación audiovisual. Se doctoró en Derecho en la Universidad Autónoma de Barcelona en 1980. Es datedrático jubilado de Comunicación audiovisual de la Facultad de Ciencias en la Universidad Autónoma de Bsrcelona (UAB), de la que ha sido decano. Ha enseñado en la Soborna, asi como en la Universidad de Harvard, Yale, en el Museum of Modern Art de Nueva York y en la Bienal de Venecia en 1986 estuvo como jurado. También trabajó como investigador invitado en el Massa chusetts Institute of Tecnology y fue profesor de Historia del Cine en el California Institute of Technology (Pasadena), la University of Southeun California (Los Angeles), la Venice International University y por último en la Universidad Autónoma de Brcelona hasta su jubilación.

  Para el cine también escribió variios guiones donde hay que destacar "Dragon Rapide" (1986) y "El largo invierno" (1992) las dos dirigidas por Jaime Camino.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Jaime Camino. Un escritor, guionísta y director nacido en Barcelona. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona y cursó además estudios musiales, (piano y armonía). Tras un primer trabajo literario en forma de novela ("La coraza", finalísta del Premio Nadal y todavía inédita), inició su obra cinematográfica. Se lo asocia habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación de cine bajo la dictadura de Franco y orientada hacia la Nouvelle  vague francesa. Estuvo entre los fundadores del Instituto de Cine Catalán, creado en 1975.

  Entre sus películas destacan su primer largometraje "Los felices 60" (1963), critica de la burguesia catalana con estética de neorrealísmo italiano; "Mañana será otro dia" (1966), una ácida versión del mundo del cine y la publicidad, y "Dragon Rapide" (1986), versión de la conspiración militar durante los dias previos al comienzo de la Guerra Civil, centrada en el avión que llevó al futuro dictador Francisco Franco, desde Marruecos a España. En "El balcón abierto" (1984), con guión de Caballero Bonald, se acerca a la figura de Federico Garcia Lorca. En "El largo invierno" (1991), contó con Vittorio Gasman como actor principal.

  Tuvo tropezones con la censura franquista con "Las largas vacaciones del 36" (1976),  para la cual la escena de la entrada de la caballeria mora en Barcelona fue un problema. Como escritor compuso además de "La coraza", otra novela, "Moriré en Nueva York" (1996) y el ensayo "El oficio de director de cine" (1997). En 2008 asistió a una revisión de su trayectoria en el Festival Internacional del Cine Mediterráneo de Montpelier y recibió el Premio Gaudí de honor concedido por la Academia Catalana de Cine en 2009. Su último trabajo fue con el documental "Los niños de Rusia" (2001), que trata de los niños españoles (la mayoria vascos) exiliados a Rusia durante la Guerra Civil Española.

  La historia pues, nos mete en la España de la 2ª República y concretamente en julio de 1936. Y en donde Francisco Franco, Capitán General de las Islas Canarias, se traslada en secreto a Marruecos para ponerse al mando de las tropas sublevadas, con el fin de derribar al Gobierno del Frente Popular. El Dragon Rapide un avión británico, será la clave en el desarrollo de la operación que llevaria a la insurrección militar del 18 de julio y la posterior Guerra Civil Española...

  Una película que para mi aporta una interesante perspectiva no solo insólita, si no además decisiva en la configuración de un hipotético puzzle cinematográfico sobre la Guerra Civil. Habian pasado 10 años desde la muerte del dictador y su figura seguia siendo inédita como protagonísta en cualquier película de ficción, tanto por la dificultad de transmitir su compleja personalidad ala capacidad expresiva de un actor, como por el tabú politico que seguian rodeando el análisis en profundidad de los símbolos más elocuentes del franquismo.

  Por supuesto no se trata de una pelicula biográfica del personaje, si no que recurre a una hábil estructura donde el enfrentamiento dramático con Franco deviene poco menos que ineludible. El titulo de la película ya indica que el protagonísta es el avión que transportaria al general insurgente desde Canarias hasta Marruecos en el acto decisivo e irreversible que daria pie a la rebelión militar.

 La fotografia en color fue dirigida por Juan Amorós. Un director de fotografia nacido en Barcelona. Un hombre al que se lo incluye por el estilo de su obra dentro de la llamada Escuela de Barcelona. Su obra en el cine comenzó en 1956 manejando la cámara y desde 1961 en la fotografia. En 1989 fue candidato al Premio Goya a la mejor fotografia por "Esquilache", y en 1992 ganó el Premio Circulo de Escritores Cinematográficos a la mejor fotografia por la película "Las cartas de Alou".

  Y en esta historia sobre los preparativos del golpe militar, mostrando unas estupendas imágenes en un color claroscuro para dar a la trama una impresión digamos documemtalista. Algunas de sus escenas fueron rodadas en escenarios naturales de Marruecos y Londres.

  La banda sonora corrió a cargo de Xavier Montsalvatge. Un compositor nacido en Gerona y uno de las figuras claves de la música española de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, donde posteriormente sería profesor desde 1970 y catedrático de composición desde 1978. Es autor de una vasta obra que abarca practicamente todos los géneros desde la ópera "El Gato con Botas", hasta la música de cámara ("Cuarteto indiano"), pasando por piezas oequestales como "Desintegración morfológica de la Chanana de Basch", "Laberinto" o "Sinfonia Mediterránea" (1949), por la que obtuvo el Premio de la Escuela Superior de Música. Debe su fama internacional a la composición "Cinco canciones negras" para soprano y orquesta. También colaboró poniendo música para el cine en varias películas entre ellas: "Un vaso de whisky" (1959), "España otra vez" (1968) o "Las largas vacaciones del 36"(1976) entre otras.

  Y en esta historia donde casi todo comenzó en un vuelo militar, mostrándo unos temas dramáticos y ambientales, solemne y marcial en momentos y de tono impresionista entre otros. Tiene un brillante tema principal.

  Muy bien Juan Diego, "Fugitivas" (2000) dando vida al dictador Francisco Franco. Y con él Vicky Peña, "Me llamo Sara" (1999) como Carmen Polo; Manuel de Blas, "Goya en Burdeos" (1999) como el General Mola; Conrado San Martin, "Asesinato en el Comité Central" (1982) como el Coronel Monóculo; José Maria Escuer; "7 dias de enero" (1975) como el Coronel Sáez de Buruaga; : Ramón Durán, "El caso Almeria" (1984) como el Genral Cabanelles...

  En definitiva: Una pasable película, que se deja de ver, aunque no es de lo mejor del director. Pero que tan solo por ver la magnifica actuación   de Juan Diego, y la escena en la playa de Marruecos llevado a hombros por un recio soldado para no mojarse los pies ya vale la pena verse.   Notable.

  "Dragon Rapide" obtuvo dos Premios Goya a la Mejor dircción artística y Maquillaje.

  A modo histórico. El titulo alude al avión Dragon Rapide llamado también de Havilland D.H.89, era un avión de pasajeros de corto alcance de fabricación inglesa y usado por la Royal Air Force (RAF).

 

   

31/05/2022 08:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                 Juan Diego

               Un actor inmenso

  El pasado 28 de abril y a la edad de 79 años falleció tras una larga enfermedad el actor sevillano Juan Diego.

  Su temprana vocación interpretatva cobró forma en 1957, cuando se subió por primera vez a un escenario. Tres años más tarde en Sevilla interpretó "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, un trabajo polémico que cimentó su prestigio entre la critica. Amplió su formación en el Conseratorio de Música y Declamación de Madrid, estudios que le permitieron entrar en contacto con Televisión Española. Intervino en una gran cantidad de programas de la televisión estatal entre telenovelas, producciones dramáticas y el por aquel entonces popular Estudio 1. Esta experiencia le permitió conocer a fondo las tablas y familiarizarse con los estamentos de la profesión.

  También desde muy joven tomó conciencia política y se acercó al Frente de Estudiantes Sindicalistas, que era la rama juvenil del falangísmo disidente (que daria origen a Falange Española Independiente). Pero posteriormente, como otros militantes de ese entorno, acabaria derivando hacia una militancia en el entonces clandestino Partido Comunista de España (PCE). En 1975 fue uno de los cabecillas de la huelga de actores que reivindicaba la reducción de la jornada laboral para intérpretes teatrales.

  En 1975, apareció junto a Ana Belén en la polémica película "La criatura", de Eloy de la Iglesia, con quien ya habia colaborado en "Algo amargo en la boca" (1969), y participó en la primera película de Francisco Rodriguez "La casa grande" (1975), película que participó en el Festival Internacional de Cine de Berlin. Para entonces, Juan Diego ya era algo conocido en el extranjero, pues en 1970 habia participado en la película de Ettore Scola "El demonio de los celos" con Msrcello Mastroianni y Monica Vitti.

  En la década siguiente intervino en "Los santos inocentes" (1984) de Mario Camus. Fue entonces cuando consolidó su carrera en el cine. En efecto, en 1986 participó en "El viaje a ninguna parte", la  crónica de Fernando Fernán Gómez sobre un mundo en el que ya no tendrian lugar los antiguos cómicos, y "Dragon Rapide", en la que Juan Diego encarnó a Francisco Franco a punto de incorporarse al Bando Nacional. Por su interpretación en esta última recibió la primera de sus nueve candidaturas a los Premios Goya, seguida por la alcanzada por su papel de San Juan de la Cruz en la película de Carlos Saura "La noche oscura" (1989) y el intrigante capuchino de "El rey pasmado"(1991), por la que le valió su primera estatuilla.

  A mediados de la década disminuyó su actividad cinematográfica  se centró en su carrera teatral. Por esa época estrenó "El lector por horas", en la que compartia el escenario con Jordi Dauder y Clara Sanchez. En 1999 se produjo su regreso al cine con "Paris-Tombuctú",en la que daba vida a un anarquísta que andaba desnudo por las calles del pueblo, Asunción Balaguer y Liberto Rabal anunciaron que el intérprete habia ganado su segundo Premio Goya a la mejor interpretación masculina de reparto, Luis Garcia Berlanga recogió la estatuilla en su nombre, agradeciéndole ser el único actor que "tuvo las pelotas de salir en pelotas".

  En 2000 repitió candidatura por "You’re the One" ("Una historia de entonces"), de José Luis Garci, en la que Juan Diego interpretó a un cura que no cree en su ministerio, que se mostraba desengañado de la vida y que pese a su ideología confesaba admirar a Pablo Picasso. En ese mismo año Miguel Hermoso le encomendó un pequeño pero vital papel en "Fugitivas", protagonizada por Laira Marull. Por esas fechas nació su hijo pequeño Diego.

  En 2002, regresó a la televisión para ponerse a las órdenes de Benito Zambrano en "Padre coraje", papel por el que obtuvo el premio de la Unión de Actores en cuya gala los candidatos gritaron al unisono No a la guerra, que realizaba la decisión de George W. Bush de iniciar la guerra de Irak. El propio Juan Diego habia leido manifiestos en la Puerta del Sol de Madrid acompañado de Maria Barranco y Juan Diego Botto, llegando incluso a atender en el escenario a un manifestante herido por la policia.

  En 2003 terminó el rodaje de "Torremolimos 73", de Pablo Berger, en la que Juan Diego se puso en la piel de un productor de películas porno amateur explotador que habia padecido en sus ptopias carnes las deficiencias económicas del desarrollalísmo. Poco después el actor empezó la filmación de "El sçeptimo dia" (2003), donde se convirtió en uno de los responsables de la matanza de Puerto Hurraco, y seguida con la filmación de "La vida que le espera", dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón.

  En 2005 comenzó la exitosa y popular serie televisiva "Los hombres de Paco" (que dejó de emitirse en 2010), donde actuó, junto a los actores Paco Tous, Pepón Nieto, Hugo Silva y Adriana Ozores, entre otros. Su personaje era el del comisario Lorenzo, y fue uno de los más populares de esta comedia, siendo muy famosa su coletilla "mis santos cojones".

  En 2006 compartió protagonísmo con Angela Molina en "El triunfo", de Mirela Ros, y con Juan Diego Botto en "Vete de mi", de Victor Garcia León. En la XXI edición de los Premios Goya obtuvo por fin su primera distinción como mejor actor principal por su papel en "Vete de mi". En esta película interpretaba el papel de Santiago, un actor cincuentón venido a menos que se ve obligado a alojar en su casa a su hijo treintañero (Juan Diego Botto).

  En 2008 proyagonizó la pelicula "Casual Day", comparginando el rodaje con la grabación de la serie "Los hombres de Paco". En 2010, tras finalizar dicha serie siguió en el cine con la comedia "Que se mueran los feos", de Nacho G. Velilla, y la película sobre la vida de Lope de Vega, de Andrucha Waddington. En 2011 continuó sus trabajos en el cine, siendo lo más destacado su interpretaciòn del general Alfonso Armada en "23-F: la película", que le valió una nueva candidatura a los Goya. Al año siguiente regresó de nuevo a la televisión con la serie "Toledo, cruce de destinos", interpretando a Alfonso X el Sabio.

  En 2012 estrenó "Todo es silencio", de José Luis Cuerda, película centrada en el narcotráfico en Galicia y estrenada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid 2012, y comenzó el rodaje de "Anochecer en la India, road movie", dirigida por Chema Rodriguez, estrenada en 2014 y por la que ganó por tercera vez el premio al mejor actor en el Festival de Málaga.

  En noviembre de 2012, estrenó el monólogo "La lengua madre" escrita por Juan José Millás, con el que inició una gira por toda España, entre 2013 y 2014.

  En octubre de 2013, el diario La Vanguardia publicó una carta a favor de la Independencia de Cataluña, escrita por una persona que firmaba como Juan Diego y era de la localidad msdrileña de Valdemoro. Diversas páginas se hicieron eco de la carta abierta y atribuyeron su autoria al actor. Con motivo de la representación de la obra "La lengua msdre" en Pamplona, el 18 de enero de 2014 el Diario de Navarra entrevistó a Juan Diego y destacaba el texto con el titulo "La carta sobre Cataluña que nunca escribió".

  El actor declaraba: "Yo no he escrito ninguna carta a ningún tipo de inspendentísmo. Lo firma un tal Juan Diego, pero ese no soy yo, porque cuando yo escribo una carta soy Juan Diego Ruiz Moreno. Tenia ganas de decir que es una mentira falaz". Señaló que no iba a hacer nada por desmentirlo, porque "es meterte en una rueda de mentiras, y eso no me vá. Alguién que le gustó mucho esa carta y la cogió y puso en mi boca toda la grande y maravillosa consecuencia de lo que es la independencia para Cataluña. Creo que tiene mucha importacia que se sepa que yo no soy el autor".

  De cara a las elecciones municipales de 2015 en Torrelodones, municipio en el que residia, firmó un documento titulado "Llamamiento de candidatura de confluencia ciudadana en Torrelodones", que pedia el voto para Confluencia Ciudadana. En 2018 fue nombrado hijo adoptivo de Sevilla.

  Juan Diego Ruiz Moreno (Juan Diego) - Bormujos (Sevilla) - 14- diciembre - 1942 - Madrid - 28 - abril 2022.

                             !DESCANSE EN PAZ¡

11/05/2022 09:13 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Diario de un cura rural (Journal d'un curé de campagne - 1951)

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  "¿Por qué inquietarme?, ¿Por qué tratar de  prever lo que ocurrirá?; si tengo miedo diré: tengo miedo... sin sentir por ello ninguna vergüenza. ¡Qué la primera mirada del Señor cuando se me aparezca su Santa Faz sea una mirada tranquilizadora... ¡Qué más dá! Todo es ya Gracia!".

  Excelente película de género religioso-dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una novela de Georges Bernanos. Un novelista y dramaturgo nacido en Paris. En su primera novela "Bajo el sol de Salinés" (1926), ya estaban patentes sus preocupaciones religiosas. Ahondó la psicología del hombre donde tiene lugar el enfrentamiento entre el bien y el mal, la fe y la desesperación. Publicó, entre otros titulos "La alegria", "Los grandes cementerios bajo la luna" y por supuesto "Diario de un cura rural" en 1936.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Robert Bresson. Un cineasta nacido en Auvernia (Francia). Tras abandonar la pintura y la fotografia, realizó su primera película "Los asuntos públicos" ("Les Affaires publiques"-1934), un cortometraje cómico. Recién comenzada la 2ª Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. Una vez puesto en libertad y durante todavía bajo la ocupación alemana en Francia dirigió "Las damas del Bosque de Bolonia"("Les dames de Bois de Boulogne"-1944), con guión suyo, pero con diálogos de Jean Cocteau, la protagonísta era la actriz española (nacionalizada francesa) Maria Casares, la película se basaba en un relato de Diderot que narró hacia 1773.

  "Los ángeles del pecado" ("Les Anges du Péchén"-1943), es una perfecta tragedia psicológica, quizá una de las mejores del cine francés, que situó a Bresson en el primer rango de los directores franceses. En adelante realizaría lo mejor de su carrera desarrollando un estilo propio que renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos.

  En 1951 rodó "Diario de un cura rural" ("Journal d’un curé de campagne"), una obra bastante impresionante, por su calidad y sus convinciones morales. En su etapa ya digamos que madura, , habría que destacar además de "Diario de un cura rural"("Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un condamné á mort s’et  écchappé"-1956) y "Pickpocket"-1959. En 1974 rodó al fin un viejo proyecto "Lancelot du Lac". Su última película fue "El dinero" ("L’Argent"-1983).

  Hacia el final de su carrera como director, en 1975 publicó el libro "Notes sur le cinematographe" ("Notas sobre el cinematógrafo"), un compendio de aforísmos con los que defiende su visión del cinematógrafo que él distingue del cine. . En efectos él piensa que el cine es una especie de teatro filmado, mientras que el cinematógrafo representa una nueva escritura visual de imágenes en movimiento y de sonido, realacionadas por el montaje.

  En 1995, la totalidad de su obra, compuesta de un total de 13 películas (cantidad relativanente baja), fue distinguida por la Academia francesa del cine con el Premio René Clair. Y en 2014 Myléne Brensson dió a conocer una recopilación de entrevistas titulada "Bresson por Bresson". Un año después fue traducida al español.

  La acción pues, tiene lugar en Ambricourt (Artois), pequeña población del norte de Francia, con desplazamientos a Toray y Lille. La descripción de los caracteres principales, sobre todo del protagonista, se presenta desarrollada con profundidad y acertada complejidad. El cura de la localidad, inexperto, novato, frágil, de mala salud, aunque cargado de buenas intenciones, es rechazado por sus parroquianos a causa de la extraña enfermedad que padece y la escasa religiosidad del lugar. Es además, hostilizado por parte de algunos de ellos...

  La pelicula constituye un gran trabajo, pues explora con lucidez poco común el mundo interior del protagonista, la soledad, el aislamiento, la marginación y las consecuencias fisicas y psiquicas de una extraña enfermedad no diagnosticada.

  Añade un análisis clarividente de la amistad, el temor a la muerte, la vida rural, las relaciones entre padre e hijos, etc., Desarrolla la aproximación a los objetos de estudio con la mirada puesta, sobre todo, en las emociones que afectan al mundo interior de los personajes. Aparecen con cierta reiteración algunas de las constantes que acompañan a Bresson en su filmografia, como la presencia del mal, el silencio de Dios, la necesidad e inestabilidad del sufrimiento fisico y moral, la fragilidad de los personajes, el valor de la ingenuidad, etc.

  La trama narrativa se basa en el uso de actores no profesionales (por aquel entonces), el estatísmo de las figuras, los planos cortos del rostro humano, la creación de sedimientos y situaciones que muestran, al margen de las palabras, las emociones intimas de los personajes, etc.. El estilo se caracteriza por el realismo, la sobriedad y el ascetismo expositivo, que prescinde de todos los elementos no esenciales y por ello innecesarias en opinion del director.

  Y por último, compone elipsis brillantes que confieren en profundidad y vigor a la narración y agilidad muy cinematográfica al discurso.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Henri Burel. Un director de fotografia nacido en Francia. Después de estudiar en la Universidad de Nantes, trabajó inicialmente como fotograbador antes de convertirse en operador de cámara. En la compañia Film  d’Art en 1915, Abel Gance le observó y comenzó una colaboración con él que se extendió a más de 16 películas, incluidas "Yo acuso" ("J’accuset"-1919), "La rueda" ("La Roue"-1923), y "Napoleón"-1927. En el periodo del cine mudo también trabajó en varias películas de Jacques Feyder.

  Durante la década de 1930 trabajó regularmente con Jean Dréville y Henri Decoin. También dirigió él mismo tres películas entre 1922 y 1932.

  Y aqui combinando la sobriedad con composiciones que crean una gran belleza destilando clasicismo, equilibrio y fuerza expresiva. La película se rodó en escenarios reales de la región del Paso de Calais (Francia).

  La banda sonora fue dirigida por Jean Jacques Grünenwald. Un compsitor nacido en Cran-Coevrier (Francia). Estudió en el Conservatorio de Paris, donde recibió los primeros premios en órgano en 1935 y de composición en 1937. Dos años más tarde se convirtió en organista en St-Pierre de Mountrouge en Paris y después comenzó una grabación de la obra completa para órgano de Juan Sebastián Basch en 24 LP, que completó en 1962.

  De 1957 a 1961 fue profesor de órgano en la  Schola Cantorum de Paris y de 1961 a 1966 profesor de órgano en el Conservatorio de Música de Ginebra. Como concertista de órgano fue reconocido internacionalmente, llegando a realizar más de 1.500 recitales por todo el mundo. Para el cine también compuso bastantes bandas sonoras como por ejemplo. "El tirano de Toledo" ("Les amants de Tolede"-1953) de Henri Decoin y Fernando Palacios y "Adorable mentiroso" ("Adorable menteuse"-1962) de Michel  Deville.

  Y aqui,  mostrándo unos cortes escasos y breves, que se hacen presentes siempre con oportunidad.

  Muy bien los actores (en su mayoria no profesionales), encabezados por Claude Laydu, "Sinfonia de amor" ("Sinfonia d’amore"-1956) dando via al padre Priest, el cura de Ambricourt. Seguido por Nicole Ladmiral, "Le sang de bêtes"-1949 como Chantal; Adrien Borel (solamente participó en esta película) como el padre Toray; Jean Riveyre, "Les sorciéres de Salem"-1957) como Count; Nicole Mavrey, "Donde el circulo termina" ("The Scapegeat"-1959) como Louse...

  En definitiva: Una película de una gran clase magistral. Y para mi de lo mejor de Bresson. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Diario de un cura rural" logró el Premio OCIC en el Festival de Venecia.

  Como anécdota decir que la joven acrtiz Nicole Lamiral se suicidió a los 28 años de edad arrojándose en Paris, bajo el metro, dejándo una hija, llamada Ariane nacida de su matrimonio con el escritor y actor Roland Debillard.


 

27/04/2022 17:01 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 2)

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  Y como en años anteriores y siguiendo la tradición. Comentar una película, y por supueto y a ser posible oscarizada.Asi que, esta vez la película  comentada será:

  Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

  "Te quiero, te quise desde el primer momento en que te vi, te quise antes de verte por primera vez".

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Theodore Dreiser. Un novelista nacido en Torre Haute (Estados Unidos). Su primera novela "Nuestra hermana Carrie ("Our Sister Carrie") se publicó en 1900 y fue retirada de las librerias: la obra, sin embargo, mereció el elogio de Sinclair Lewis. En 1912 publicó "Jennie Gerhardt", que trataba de una mujer que se somete sexualmente a hombres ricos, para escapar de la pobreza. En 1925 salió a la luz "Una tragedia americana" ("An American Tragedy"), su gran novela, (la pelicula comentada está basada en esta novela), basada en un asesinato real cometido por un antihéroe, Clyde Griffiths. La novela alcanzó un gran éxito de público, pero dividió a los criticos. Nunca volvió a repetir el éxito que conoció con ella, aunque escribió otras muchas más como la publicada postumamente en 1946 "El baluarte" ("The Bastion").

  Del guión se hicieron cargo Michael Wilson y Harry Bronw. Este fue un escritor nacido en Oklahoma. Se licenció en Filosofia en 1936 y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones para el cine. Fue incluido en la lista negra de Hollywood por sus tendencias comunistas por lo que tuvo que emigrar a Francia. A su regreso a Estados Unidos siguió escribiendo guiones para peliculas tan importantes como por ejemplo: "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the Kwai"-1957) y "Lawrence de Arabia""-1962 ambas de David Lean

  En cuanto a Bronw. Otro escritor nacido en Nueva York. Su debut en el cine fue con la pelicula "El otro amor" ("The Other Love"-1944) protagonizada por Barbara Stanwyck y David Niven. Entre sus éxitos caben de destacar titulos como: "Arenas sangrientas" ("Sands of Iwo Jima"-1949) protagonizada por John Wayne y "La cuadrilla de los 11" ("Ocean’s 11"-1960) a mayor gloria de Frank Sinatra y Dean Mrtin.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un cineasta nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director, de las cuales lo ganó en dos, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoria de mejores peliculas.

  Cada una de las obras de Stevens llevan un sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953) un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños granjeros contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto, consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones. Es posible que Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio, fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir cortos de comedia a principios de los años treinta. Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Terkingston sobre las pretensiones sociales.

  Más adelante Stevens demostró lo que podia hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936) dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide de la fama. Luego realizó "Olivia"-1937, "Señorita en desgracia" ("A Damsel Distress"-1937) y "Ardid Femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la 2ª Guerra Mundial se unió al Cuerpo de Comunicaciones de Estados Unidos y filmó dramáticas escenas de guerra como la liberación del campo de concentración de Dachav. Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Cliff. Después realizó con James Dean "Gigante"-1956, que le proporcionó el Oscar al mejor director.

  Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos le impidieron hacer más pelícuas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Graatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  Asi pues, el maestro Stevens nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novedísima autopista que enlaza con las vias que llevan al Medio Oeste, una ciudad indeterminada del Medio Oeste, en Kansas City y sus alrededores, y alli haciendo auto-stop nos encontramos a George Eastman, un joven solitario de familia humilde. Este abandonó su casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres, trabajadores asalariados de la Bether Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago, donde trabajó como subalterno de un hotel, y se dirige al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le de un buen trabajo. George es ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Una vez en la ciudad y trabajando en la fábrica de su tio se relaciona con Alice, compañera de trabajo y con Angela, de familia adinerada...

  La película contiene drama, romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que localiza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentmientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos.

  Reclama a los actores y actrices que presten gran atanción a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonistas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad permanente de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase obrera, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa el de la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo al otro es practicamente imposible. Quienes lo intentan corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras la evocan y se añaden representaciones explicitas de la misma, como el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo.

  Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores. Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha pproducido el cine. Junto a "Raices profundas" ("Shane"-1953) y "Gigante"-1956 conforma lo que algunos han venido a llamar la "triologia de Stevens".

  La película nos hsbla también de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la realidad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc.

  Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a  visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad y condena la pena de muerte.

  La banda sonora fue obra de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se trasladó a la Academia de Dresde donde estudió composición y dirección. Más tarde comenzó a trabajar para el cine alemán con el productor Erich Prowmer donde cosechó bastante exito. En 1935 se trasladó a Hollywood junto con Prowmer donde se encargó de hacer la partitura de la película "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), cuyo éxito le valió un contrato de dos años como director de música de la Universal, alli compuso música para una docena de películas. Tiempo después marchó a la MGM y más tarde a la Warner Bros, en todas ellas tuvo un éxito muy destacado. A lo largo de su extensa carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, ganándolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, ofreciendo una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade además como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa", de Livingstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por  William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Missouri. Después de obtener buenos éxitos en una serie de pelícilas de clase B en la década de 1930 comenzó a hacer incursiones como director de fotografía en 1940 cuando trabajó en la película "The Gred McGinty"-1940) de Preston Sturges. Con George Stevens hizo dos de sus mejores trabajos: "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959). Falleció durante el rodaje de "La historia más grande jamás contada" ("The Greates Story Ever Told"-1965).

  Y aqui, componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros contrastados, sombras densas y encuadres desequilibrados. Contrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean en ocasiones al personaje de Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake en California, y los interiores en los platós de la Paramount Studios de Hollywood.

  Sensacional el elenco de actores elegidos aqui  por el maestro Stevens. Sobresaliendo el trio protagonísta: Montgomery Cliff, "De aqui a la eternidad" (From Here to Eternity"-1953) como George  Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Angela Vichers; Shelley Winters, "La noche del cazador" ("The Night of the Hunter"-1955) como Alice Tripp. Y con ellos Anne Revere, "La barrera invisible" (Gentleman’s Agieement"-1947) como Hannah Eastman; Keefe Brasselle, "Tres jóvenes de Texas" ("There Young Texans"-1954) como Earl Eastman; Fred Clark, "Empezó con un beso" ("It Stard with a Kiss"-1959) como Bellows; Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954") como Frank Marlowe...

  En definitiva: Una obra maestra total e indiscutible. Un clásico con mayúsculas, y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Una película recomendable a todos los que aman el CINE.  Matrícula de Honor.

  "Un lugar en el sol" logró en su dia 6 Oscars: Director; Guión (Michael Wilson y Harry  Brown), Banda sonora (Franz Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Mellor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeick).

  A modo de curiosidad: La primera versión cinematográfica de esta historia fue filmada en 1931 por Josef Von Sternberg y protagonizada por Sylvia Sidney, Phillips Holwes y Frances Dee, titulada "An American Tragedy".

 

 

11/04/2022 09:45 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Y otro año más la alfombra roja se volvió a vestir de gala en esta ya 94º edición de la gran noche del cine mundial, y en donde volvió a celebrarse de nuevo en el Dolby Theatre de Hollywood. Aunque esta vez salpicada por la digamos que triste anécdota del "bofetón" que Will Smith le propinó al cómico Chris Rock por un chiste que le hizo a su esposa Jade Pinkett.

  También se esperaba que el matrimonio español compuesto por Javier Bardem y Penélope Cruz optaran al premio como mejores actores, pero no fue asi, el que si lo logró fue Alberto Muelgo por su cortometraje "El limpiaparabrisas".

  Y esta es la lista de los ganadores y ganadoras, por supuesto en esra ya casi centenaria edición.

  Mejor película: "CODA" de Siân Heder.

  Mejor director (en este caso directora): Jane Campion por "El poder del perro" ("The Power of the Dog").

  Mejor actor: Will Smith por "El método William" ("King Richard").

  Mejor actriz: Jessica Chastain por "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of Tammy Faye") de Michael Showalter.

  Mejor actor de reparto: Troy Kotsur por "CODA".

  Mejor actriz de reparto: Ariana DeBose por "West Side Story".

  Mejor película de habla no inglesa: Drive my car" de Ryusuke Hamaguchi (Japón).

  Mejor guión original: "Belfast" de Kenneth Branagh.

  Mejor guión adaptado: "CODA".

  Mejor banda sonora: "Dune" de Denis Villeneuve.

  Mejor canción original: "No Time Die" de Cary Joji Fukunaga.

  Mejor película de animación: "Encanto" de Jarel Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith.

  Mejor documental: "Summer of Soul" de Questlove.

  Mejor montaje: "Dune"

  Mejor fotografia: "Dune"

  Mejor diseño de producción: "Dune"

  Meiores efectos visuales: "Dune".

  Mejor sonido: "Dune"

  Mejor maquillaje y peluqueria: "Los ojos de Tammy Faye" ("The Eyes of TammyFaye".

  Mejor cortometraje animado: "El limpiaparabrisas" de Alberto Mielgo.

  Mejor cortometraje documental: "The Queen of Basketball" de Ben Proufoot.

  Mejor cortometraje de ficción: "The Long Good bye" de Jay Lyons.

  Y esto pues, fueron todos los ganadores y, en donde como en años anteriores hubo de todo, risas, lágrimas y hasta un "puñetazo" (en fin lo de siempre como bien digo).

  También fue anecdótico la aparición de la gran Liza Minnelli que dado su deteriorsdo estado de salud lo hizo sentada en una silla de ruedas.

 

05/04/2022 09:07 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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