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Hello, Dolly! - 1969

  Hello muñequita

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial, Dolly

  Puedo decir, Dolly

  Todavía estás brillando, todavía estás cantando

  Sigues siendo fuerte

  Sentimos que la habitación se balancea

  Mientras la banda toca

  Una de las mejores canciones favoritas de cuando

  Entonces, tomen su abrigo, muchachos

  Encuéntrenle un regazo vacio, muchachos

  Dolly nunca más se irá Hola, Dolly

  Bueno, hola Dolly

  Es tan bueno tenerte de vuelta a donde perteneces

  Te ves genial Dolly

  Puedo decir Dolly...

 

 


17/05/2021 16:24 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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  Y para acabar la "fiesta" de los Oscar en esta ya casi centenaria edicción. Un poco más de esta gran pelicula. Que como bien dijo Billy Wilder sobre ella es la "mejor dirigida que he visto nunca".

  No sale un disparo.

  No sale ni una trinchera.

  Ni una amputación.

  Ningún combate.

  Ni cobardes.

  Ninguna granada.

  No salen paracaidas.

  Ni tan siquiera salen carros de combate.

  No se ve ningún portaviones.

  No hay ni vencedores ni vencidos.

  No se escuchan ni sirenas ni trompetas.

  Pero a pesar de todo ello, es posiblemente la película más antibélica de la historia del séptimo arte.  (Pablo cine).

 

  El proyecto de rodaje fue encargado al dramaturgo y guionísta Robert Sherwood y al director William Wyler cuando estos estaban en momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos del presidente Roosevelt y Wyler habia estado haciendo documentales sobre la primera linea de fuego, motivo por el que se habia quedado practicamente sordo.

  A pesar de ser un éxito de critica y público, fue una de las películas vigiladas en la llamada caza de brujas del senador Joseph McCarthy por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Sherwood, el guionísta por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no lo hizo gracias a la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los fundadores de la MGM, y amigo intimo del guionísta.

  Harold Russell verdadero mutilado de guerra, se interpretó a si mismo y se convirtió en el primer y único actor en obtener dos Premios Oscar en la misma película (al mejor actor secundario y un Oscar honorífico).

  El director William Wyler habia volado en misiones de combate en Europa al filmar "Memphis Belle"-1944 y trabajó duro para obtener representaciones precisas de los veteranos de combate que habia encontrado. Wyler cambió el casting original que habia presentado a un veterano que sufria de un trastorno de estrés postraumático, y buscó a Harold Russell, para asumir el papel de Homer Parrish.

  Para la película, les pidió a los actores principales que compraran sus propias ropas, para conectarse con la vida cotidiana y producir un sentimiento auténtico. Otros toques de Wyler incluyeron la construcción de conjuntos de tamaño real, que iban en contra de los conjuntos estándar más grandes y que eran más adecuados para las posiciones de la cámara.

  El impacto para el público fue inmediato, ya que cada escena se desarrolla de manera realísta y natural.


11/05/2021 09:19 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y siguiendo la "fiesta" (este año entre comillas) del cine mundial. Y como en años anteriores comentar una película y a ser posible oscarizada. Este año la película elegida posiblemente esté entre las mejores de la cinematografia mundial. Su titulo:

  Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives -1946)

  Tuve un sueño. Soñé que estaba en casa. He tenido este mismo sueño ciento de veces. ¿Estoy realmente en casa?.

  Enorme pelicula de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Mackinlay Kantor. Un escritor y ganador del Premio Pulitzer nacido en Iowa. De 1928 a 1934 escribió numerosas novelas para varias revistas y asi se ganaba la vida. Alcanzó gran éxito en 1934 y un año más tarde publicó "Collier" que se convirtió en un éxito rotundo. Escribió más de30 novelas la mayoria ambientada en la Guerra Civil  estadounidense. Entre sus guiones para el cine caben de destacar "Los mejores años de nuestra vida"("The Best Years of Our Lives"-1946) y "El demonio de las armas" ("Gun Crazy"-1950) entre otras.

  Del guión se hizo cargo Robert E. Sherwood. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Su primea obra se estrenó en Broadway en 1927 titulada "The Road to Rome"", que era una comedia sobre la fallida invasión de Roma por parte de Anibal. Este éxito pronto llamó la atención de Hollywood y ese mismo año comenzó a escribir para la pantalla grande. Aunque parte de su trabajo no fue acreditado, sus películas incluyeron muchas adaptaciones de sus obras. También colaboró con Hitchcock en el guión de "Rebeca" Rebecca"-1940). Entre sus obras llevadas al cine se pueden citar entre otras: "El puente de Warterloo" ("Waterloo Bridge"-1940) y "El bosque petrificado" ("The Petrified Forest"-1936). Ganó un Oscar por "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  "Los mejores años de nuestra vida" está dirigida por William Wyler. Un cineasta nacido en Mulhouse (Alemania), pero en la actualidad pertenece a Francia. En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilización de la profundidad de campo y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido se trata de un cineasta destronado por la critica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del Oeste para la Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Sam Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adapraban obras clásicas de la literatura, la visión de "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939) de Wyler sige siendo estupenda; dos obras teatrales de Lillian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Litle Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfeccionísmo, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podria ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942), una película propagandídstica que defendia la participación del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental, pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realista de la guerra en el documental "Memphis Belle: a Story of a Flying Fortress"-1944, seguido de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Over Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solian adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, sino al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una historia sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más una de las obras intimistas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn; y "La gran prueeba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de Jessamyn West sobre una inquietante obsesión.

  Asi pues, el maestro Wyler nos lleva hasta Boone City, pequeña ciudad del Medio Oeste, a lo largo de unos meses en 1945/46. Y nos cuenta la historia de tres veteranos que regresan a sus hogares tras finalizar la 2ª Guerra Mundial. Al Stepheson, sargento de Infanteria, de mediana edad, trabajaba en un banco. Homer Parrish, marino, ha perdido en la guerra los dos brazos. Fred  Derry, piloto de bombarderos de brillante historial de 25 años, trabajaba como dependiente en el bar de unos almacenes... Los tres tienen problemas de adaptación familiar y laboral... Al en el banco choca con los criterios de la dirección. Homer no se atreve a pedir a su novia y vecina que se case con él. Fred tiene dificultades en el trabajo y en casa con su esposa...

  La película muestra la alegria, la preocupación y los temores de los tres veteranos en su regreso tras una prolongada ausencia. El esfuerzo de guerra no les ayuda a tener una acogida adecuada, les dificulta la reiserción laboral, les impulsa a buscar falsos refugios y les obliga a asumir en solitario la tarea de readaptación, en un ambiente ambivalente y ambiguo, de homenajes, celebraciones, reproches, desprecios y angustias.

  Se describe con emoción la vida diaria y doméstica en una ciudad media americana, con el bar para la conversación, conflictos familiares, desamenencias conyugales, reproches tendenciosos sobre la guerra, etc. Las diferencias de clase por razones económicas hacen emerger prejuicios, que afectan a las relaciones entre los tres amigos.

  Son escenas memorables la vista aérea del cementerio de aviones, la demostración desgarradora de Homer a Wilma su novia, de sus limitaciones, el paseo de Fred por el aparcamiento de aviones a desguazar y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Hugo Friedhufer. Un compositor nacido en San Francisco. Sus comienzos fueron tocando el violonchelo a los 13 años de edad para trabajar en la Orquesta del Pueblo. En 1939 se trasladó a Hollywood, donde actuó como músico para la Fox y más tarde como orquestador de la Warner Bros. Sus colegas llegaron a admirarle mucho porque destacaba con su ingenio caústico y autocritico. Trabajó para más de 250 películas, cortometrajes de televisión, música adicional y música de fondo entre otras especialidades. Entre sus bandas sonoras para el cine se pueden citar: "Robin de los bosques" ("The Adventuras of Robin Hood"-1938), "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951) y "La colina del adios" ("Love Is a Mamy Splemdored Thing"-1955), entre otras muchas más por supuesto.

  Y aqui, aportando una gran partitura original en el que el "Main Title" incluye la melodia central que se repite en temas posteriores, como "Home coming" y "Fred and Peggy" (con un vibrante solo de saxo alto).

  La fotografía en blanco y begro fue dirigida por Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois. Muy famoso por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de campo, ejemplo de las cuales se pueden encontrar en sus trabajo por ejemplo en  "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane" -1941). Durante la década de 1930, se convirtió en el camartógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los más solicitados. Fue nominado cinco veces al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y aqui, consiguiendo una aguda profundidad de campo y adoptando una estética realísta, no olvida adornos (Al se ve reflejado a la vez en dos espejos) y lances cómicos (ducha en pijama).

  Magnífico el reparto de actores: Fredric March, "El hombre del traje gris" ("The Man in the Gray  Flannel Suit"-1956) como Al; Dana Andrews, "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) como Fred; Harold Russell, "Dogtown"-1997 como Homer; Myrna Loy, "La hija del embajador" ("The Ambadssador’s Daugther"-1956) como Milly, la esposa de Al; Virginia Mayo, "El talismán" ("King Richard and the Crusaders"-1954) como Marie, la esposa de Fred; Teresa Wright, "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943) como Peggy, la hija de Al y Milly; Cathy O’Donnell, "Ben-Hur"-1959 como Wilma la novia de Homer...

  En definitiva: Una película que con su desgarradora veracidad y la enorme carga emotiva que desprende, la convierten en una obra maestra absoluta del cine mundial.  Matricula de Honor.

  "Los mejores años de nuestra vida" logró 7 Oscars: Pelicula, Director, Actor (Fredric March), Actor secundario (Harold Russell), Guión (Robert E. Sherwood), Banda sonora (Hugo  Friedfoffer), y Montaje (Daniel Mandell).

  A modo de anécdota: El guionísta Robert E. Sherwood, fue investigado por el Comité de Actividades Antiamericanas, que estimó que la película podia ser considerada sospechosa de deficiente patriotísmo. No fue procesado gracias a las gestiones de Samuel Goldwyn. La secunecia final demuestra que los próximos años serán para los protagonístas los mejores de sus vidas.

01/05/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Una estatuilla llamada (Oscar)

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  Y otro año más y al igual que el pasado año, esta 93ª ceremonia se vió empañada por la pandemia del COVID-19. Esta vez fueron dos los escenarios en donde fueron entregados los Premios de la Academia. El ya conocido Dolby Theatre de Hollywood y el Union Station de Los Angeles.

  Estos pues, fueron los ganadores de esta ya como bien  he dicho atípica 93ª edición.

  Mejor película: "Nomadland" de Chloé Zhao

  Mejor director: Chloé Zhao por: "Nomadland"

  Mejor actor: Anthony Hopkins por: "El padre" ("The Father")

  Mejor actriz: Frances McDormand por: "Nomadland"

  Mejor actor de reparto: Daniel Kaluuya por: "Judas y el mesias negro" ("Judas and the Black Messiah")

  Mejor actriz de reparto: Joun Yuh-jung por: "Minari"

  Mejor película de animación: "Soul" de Peter Docter y Kemp Powers

  Mejor fotografía: "Mank" de David Fincher

  Mejor documental:"Lo que el pulpo me enseñó" ("My Octopus Teacher") de Pippa Ehrlich y James Skillen

  Mejor montaje: "Sound of Metal" de Darius Marder

  Mejor película de habla noinglesa: "Otra Ronda" ("Druk") de Thomas Lindholm y Thomas Vinterberg (Dinamarca)

  Mejor maquillaje y peluqueria: "La madre del blues" ("Mia Rainey’s Black Botton") de George C. Wolfe

  Mejor banda sonora. "Soul" de Pete Docter y Kemp Powers

  Mejor sonido: "Sound of Metal" de Darius Marder

  Mejor canción original: Fight for you" de la pelíula "Judas y el mesias negro"

  Mejor guión adaptado: "El padre" ("The Father") de los guionistas Florian Zeller y Cristopher Hamton

  Mejor guión original: "Una joven prometedora" ("Promising Young Woman") de Emerald Fennell

  Mejor diseño de producción: "Mank" de David Fincher

  Mejores efectos especiales: "Tenet" de Christopher Nolan

  Mejor cortomretraje: "Two distant strangers" ("Dos completos desconocidos") de Travor  Free y Martin Desmond Roe

  Mejor cortometraje animado:"If Anything Happens I Love" ("Si me pasara algo, os quiero") de Will McCormack y Michael Govier.

  Y esto fue todo lo que dió de si esta ya casi centenaria edición marcada de nuevo por la pandemia. Esperemos y deseamos que el próximo año vuelva a ser lo que era esta fiesta del cine mundial. Pero no si antes decir que la nota la dió la veterana actriz Glenn Close con un expetacular perreo-perreo tras perder su octavo Oscar.

 

30/04/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta que llegó su hora (Once Upon a Time in the West - 1968)

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  "Harmónica" : La recompensa por este hombre son 5.000 dólares, ¿no?.

  "Cheyenne": Judas se conformó con 4.970 dólares menos.

  "Harmónica": No habia dólares en aquella época.

  "Cheyenne". Pero si hijos de puta.

  Película mitica y toda una obra maestra del género de western y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Sergio Donoti. Un guionisa nacido en Roma con una larga trayectoria y con peículas como por ejemplo: "El halcón y la presa" ("The Big Gundown"-1966). El segundo fue Dario Argento. Un director y guionista nacido en Roma, y muy famoso por sus películas de terror de las que se encuentran entre otras, "El gato de nueve colas" ("Il gatto a nove code"-1971) y "El arte de matar" ("La sindrome di Stendhal"´-1966). El tercero fue el mundialmente famoso Bernardo Bertolucci. Un cineasta nacido en Parma y con películas tan famosas como: "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) y "Novecento"-1976.

  Y el cuarto y a la vez director de la película Sergio Leone. Un director nacido en Roma. Toda una leyenda del cine italiano, cineasta completo. Sergio Leone se hizo un nombre en el séptimo arte al tomar uno de los géneros más representatvos del cine norteamericano, el western, y reelaborarlo para adaptarlo a los nuevos tiempos.

  Comenzó como guionísta cuando le permitieron completar por enfermedad del director la pelicula "Los últimos dias de Pompeya" ("Gli ultimi giorni di Pompei"-1959). La siguiente película fue "El coloso de Rodas" ("Il colosso di Rodi"-1961), pero para entonces estaba ya dispuesto a dejar su huella en el cine con una aportación muy personal.

  Sergio Leone se dió a conocer sobre todo con "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollari"-1964), donde ya contó con la participación genial del compositor Ennio Morricone, que se convertiria en parte indispensable de su equipo y del actor Clint Eastwood. Los tres también trabajaron en "La muerte tenía un precio" ("Per qualche dollaro in piú"-1965) y "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966), la segunda apoteósis del spaguetti western, donde se utiliza la tensión de la música de Morricone para ambientar un duelo a tres bandas.

  Posteriormente rodaria el gran proyecto "Hasta que llegó su hora" ("Once Upon a Time in the West"-1968), una obra maestra que mantenía su estilo característico. Desde el punto de vista dramático, este trabajo es el más rico de los realizados por él. La representación de los últimos dias del viejo Oeste contó con la participación del gran Henry Fonda.

  Con "¡Agáchate maldito!" ("Once Upon a Time in te Revolution"-1971), Sergio Leone recuperó e enfoque camp de sus westerns anteriores. Más tarde participó a veces como guionísta, en películas parecidas, la más llamativa de las cuales es la hilarante "Mi nombre es ninguno" ("Il mio nome é Nessuno"-1973), de Tonino Valerii.

  Sergio Leone no volvió a dirigir una película hasta "Erase una vez en América" ("Once Upon a Time in America"-1984), un proyecto onírico sobre la amistad y rivalidad entre dos gángsteres judios. El rodaje fue dificil y costoso y al final la productora se entrometió en el proceso de creación y eliminó de la obra muchos de sus elementos fubdamentales. La película sufrió cortes importantes en detetoriamiento de su narrativa.

  Fue la última película dirigida por Sergio Leone, que murió a los sesenta años en 1989. "Erase una vez en América" fue restaurada de forma tardía en su estreno para DVD, respetando la visión original de Leone.

  Asi pues, el maestro romano nos lleva hasta una pequeña población en Redland y concretamente en la hacienda Sweelwater en el territorio de Arizona, poco después de la Guerra de Secesión. Alli el colono irlandés Brett McBain, viudo y padre de tres hijos viaja hasta Nueva Orleans, donde conoce a la prostituta de lujo Jill "la Morena"... Por otra parte el acaudalado Morton trabaja en el desarrollo de su marcoproyecto de la linea férrea que ha de unir el Atlántico con el Pacífico... En este territorio se albergan un numero elevado de pistoleros profesionales, aventureros fracasados, forajidos, asesinos a sueldo, personajes vengativos y oportunístas sin escrúpulos, que desean aprovechar las últimas ventajas que brinda un territorio abierto con abundantes posibilidades de enriquecimiento... Entre los forajidos se cuenta la banda de Cheyenne, la del diábolico Frank y el solitario y enigmático "Harmónica"...

  La película es un western de acción. Recuerda cin nostalgia y homenajea los viejos tiempos de los pioneros, los colonos europeos llegados con la familia en busca de la "tierra prometida", la ampliación de las viejas lineas férreas de cercanias, las empresas titánicas de crear lineas de tren que, sin trasbordos, pongan en comunicación el Este con los limites del Oeste (California), la existencia de territorios como los de Arizona, sin medios suficientes para imponer el imperio de la ley y la protección de las personas y las propiedades, la proliferación de pistoleros y matones profesionales al servicio de los más ricos o de los más ambiciosos.

  Los poblados de nueva planta, las nuevas vias de comunicación, las obras de ingenieria, la puesta en cultivo de tierras áridas y otras tareas colectivas que dan ocupación a mucha mano de obra, hacen que se respiren aires de cambio y de fin a una era, en la que muchas cosas se revelan incompatibles con el progreso técnico, social e institucional que se impone inexorablemente.

  Los personajes saben que apuran el final de un mundo en extinción. Los desesperanzados, desarraigados y errantes, el ambiente general, los ocres que saturan la imágen, la precipitación con lo que se trabaja, trasladan al espectador la idea y los sufrimientos de un mundo llamado a desaparecer antes que sus protagonístas.

  La cámara adopta una posición contemplativa y mediativa, que propicia la mezcla de añoranza y esperanza, melancolía y serenidad, sentimientos épicos y sensaciones contradictorias de fracaso y desahogo. El estilo de la película se caracteriza por la meticulosidad, la atención al detalle y la importancia que se da a las matices (la leve sonrisa amenazadora de "Harmónica").

  La narración es pausada, extremadamente lenta y rica en expresiones conmovedoras, sorprendentes (reconcimiento inespersdo de un rostro conocido) y pertturbadoras (muerte de un chquillo). Numerosas secuencias se plantean como si de números musicales se tratara. Se añaden trazos inquietantes, como los cortes sonoros de fondo que simulan la respiración aguda del agotamiento y la fatiga, el jadeo agónico de un moribundo (armónica) o el paro cardiaco y la muerte de un herido. No falta el salpicado de humor de la película.

  La banda sonora corrió a cargo de Ennio Morricone. Un compositor y director de orquesta nacido en Roma. Muy famoso por haber compuesto las bandas sonoras de más de 500 películas y series de televisión. Recibió un Oscar honorífico en 2006 y ganó el Oscar a la mejor banda sonora por "Los odiosos ocho" ("The Hateful Eight"-2015). En 2020 le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias, compartido con el tambié compositor John Williams.

  Sus composiciones se incluyen en más de 20 películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas de spaghetti western, de la mano de Sergio Leone tales como: "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollari"-1964), "La muerte tenía un precio" ("Per cualche dollaro in piú"-1965), "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966) o "Hasta que llegó su hora" ("Once Upon a Time in the West"-1968). No obstante, su obra se extendió a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo asi en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX.

  Sus composiciones para "Dias de cielo" ("Days of Heaven"-1978), "La misión" ("The Mission"-1986) o "Cinema Paradiso" ("Nuovo Cinema Paradiso"-1988) son catalogadas como auténticas obras maestras.

  Y aqui y según algunos, es una de esas obras culminantes. Compuesta antes del rodaje, su ejecución se  adapta a la acción de modo admirable, cada personaje tiene su propio tema e instrumento musical: "Harmónica (armónica), Frank (cornetas), Cheyenne (banjo), etc. . El silbido solista es de Alessandro Alessandrini, la armónica es de Franco De Gemini y los coros son de "I cantori Moderni di Alessandrini".

  La fotografía en color es de Tonino Delli Colli. Un director de fotografía nacido en Roma. Comenzó su carrera cinematográfica en 1938 en los estudios Cinecittá, a los 16 años de edad. Sus primeros trabajos consistieron en ser asistente de camarógrafo y a mediados de 1940 ya trabajaba como director de fotografía. En 1952 colaboró en la primera película italiana en color "Totó a color". A lo largo de su carrera trabajó con diversos directores de cine, incluyendo Sergio Leone "Eráse una vez en América" ("Once Upon a Time in America"-1984), entre otras más, con Román Polanski en "La muerte y la doncella" ("Deatch and the Malden"-1994), con Louis Malle en "Lacombe Lucien"-1974), con Federico Fellini en "Ginger y Fred"-1985 e incluso con Berlanga en "El verdugo"-1963. Su última película fue "La vida es bella" ("La vita é bella"-1997) de Roberto Benigni, por la que obtuvo su cuarto premio David de Donatello en la categoría de mejor fotografia.

  Y aqui, ofreciendo abundantes primeros planos psicológicos, numerosos barridos descriptivos, frecuentes "zooms" y algunos planos contrapicados de gran emotovidad. Hace uso predominante de colores y tonos oscuros. Abundan las contraluces y las luces crepusculares.

  Sensacional el reparto de actores encabezados por el siempre extraordinario Henry Fonda, "Doce hombres sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como Frank; y con él Charles Bronson, "Castillos en la arena" ("The Sandpiper"-1985) como"Harmónica";   Jason Robards, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967) como Cheyenne. Y entre los tres la bellísima Claudia Cardinale, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como Jill.

  Y atención a los secundarios: Gabriele Frezetti, "Muerte en el Vaticano" ("Morte in Vaticano"-1982) como Mortovi; Paolo Stoppa, "Becket"-1964 como Sam; Woody Strode, "El sargento negro" ("Sargeant Rutledge"-1960) como Stony; Jack Elam, "Un grito en el pantano" ("Lure of the Wilderness"-1952) como Snacky; Keenan Wynn, "A quemarropa" ("Point Blanck"-1967) aqui es el sheriff...

  En definitiva: Una película que es arte en estado puro. Y con un duelo final, que es todo un ejemplo de hasta donde el  cine puede llegar.  Matricula de Honor.

  "Hasta que llegó su hora" logró el David di Donatello a la Mejor pelicula.

  Como anécdota: Henry Fonda originalmente rechazó participar en la película. Tal era el empeño de Sergio Leone  que viajó a Estados Unidos solo para conseguir que aceptara. Hasta entonces Fonda solo había tenido en su mayoria papeles de tipo familiar y de hombre bueno, y nadie esperaba el cambio de Henry Fonda a un sanguinario pistolero. Leone acertó de pleno. Su objetivo era sorprender a los espectadores, y lo consiguió.

 

 


13/04/2021 17:43 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El graduado (The Graduate - 1967)

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  "Benjamin, quieres venir aqui un momento, no pienso repetirtelo."

  "Sra. Robinson, oh, oh, oh"...

  Muy buena película de género dramático-romántico y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles Webb. Un escritor y novelista nacido en San Francisco. Su primera novela fue publicada en 1963 bajo el titulo de "El graduado". A pesar de ser reconocida por la película del mismo nombre, es una novela con prosa atrapante y con un lenguaje directo, que fue adaptada al cine. La historia introduce el arquetipico personaje devla Sra. Robinson, quien fue un icono de la cultura noreteamericana.

  Además de "El graduado" también fueron llevadas al cine algunas de sus novelas tales como: "El matrimonio de un joven corredor de bolsa" ("The Marrige of a Young Stockbroker"-1971) y "La encontré en Hope Springs" ("Hope Springs"-2003).

  Del guión se hicieron cargo Calder Willingham y Buck Henry. El primero, un novelista y guionista nacido en Atlanta. Ha sido considerado como el "padre de la comedia negra moderna", su firma es un humor seco y serio, hecho más divertido por su intención oculta. Entre sus guiones llevados al cine caben de destacar "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) y "Pequeño gran hombre" ("Little Big Man"-1970) entre otras más.

  El segundo Buck Henry. Un actor y guionista de cine y televisión nacido en Nueva York. Participó en más de 40 películas. Con Warren Beatty codirigió "El cielo puede esperar" ("Heaven Can Wait"-1978), con la que consiguió un Globo de Oro. Como actor le pudimos ver en un pequeño papel de "El graduado" ("The Graduate"-1967) y en "Gloria"-1980 de John Cassavetes.

  "El graduado" está dirigida por Mike Nichols. Un director nacido en Berlin (Alemania). Hijo de una familia judia, salió con su familia de Alemania en 1939 para escapar de la persecución nazi. Formó un famoso duo de humoristas con Elaine May. También desarrolló una destacada carrera como director de teatro, con éxitos de Broadway como "Plaza Suite" (1968), "Tio Vania" (1973) y "Algo auténtico" (1984).

  Como cineasta realizó más de veinte películas, de las cuales abordaron con éxito en su tiempo el tema de las relaciones sexuales, "Cegados por el deseo" ("Closer"-2004), sobre el amor y el abandono, "Conocimiento carnal" ("Carnal Knowledge"-1971), basada en un guión de Jules Feiffer, el carnaval de temática homosexual "Una jaula de grillos" ("The Bridcage"-1996) y la legendaria "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Nichols aporta un sentido de la teatralidad, en agudo ingenio y una inteligencia profunda y europea junto con una visión critica y penetrante de la cultura contemporánea. "Trampa 22" ("Catch 22"-1970) basada en la novela pscifista de Joseph Heller, ridiculiza la organización militar, pero también ofrece un retrato impactante de la devastación causada por la guerra. "A propósito de Henry" ("Regardun Henry"-1991) trata el tema del retraso mental en una historia de amor con Harrison Ford y Annabelle Beaning; "Silkwood"-1983 aborda los efectos de la radioactividad en un alegato antinuclear y "Postales desde el filo" (" ("Posticard from the Edge"-1990) presenta un conflicto generacional muy doloroso entre una madura agente del mundo del espectáculo, interpretada por Shirley MacLaine y su hija, una mujer con talento pero muy enajenada.

  Aunque gran parte de la obra de Nichols es de una calidad innegable tal vez su mejor película sea la primera "Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who´s Afraid of Virginia Woolf?"-1966) en la que Elizabeth Taylor y Richard Burton ofrecen unas excelentes interpretaciones de una pareja que ha convertido su matrimonio en algo parecido a un infierno.

  La acción pues, tiene lugar en California (Los Angeles, Berkeley, San Francisco, Santa Bárbara...) en 1967. Y en donde el joven Benjamin "Ben" Braddock, a punto de cumplir los 21 años, y finalizados sus estudios, regresa a casa. Sus padres organizan en su honor una fiesta en la que se reúnen amigos y conocidos. Entre ellos el Sr. Robinson y su esposa, que intenta seducir al joven. Benjamin es un muchacho ingenuo, timido, apocado, desorientado, inseguro, celoso de su independencia y autonomía e idealista. La Sra. Robinson, de más de 40 años, es neurótica, alcohólica, amargada, insatisfecha, sexy y apasionada. Los padres de él son superficiales, invasivos, autoritarios, caprichosos y manipuladores...

  La película pues, suma drama, romance, sátira social y digamos también que comedia. En el recorrido de la historia, "Ben" evoluciona gradualmente, madura y se convierte en una persona despierta, segura y decidida. Encarna las características de la generación de jóvenes americanos nacidos en los años de la posguerra de la 2ª Guerra Mundial (rebeldia, búsqueda de nuevos valores, sinceridad, liberación sexual, desaliento, desidia, etc.). Hijo único de padres disfuncionales, estos quieren imponer al hijo sus pautas de conducta, sus criterios, los requerimientos de sus intereses, sus visiones materialistas, interesadas y egoistas. No entienden y no ven con buenos ojos las ansias de libertad e independencia del hijo, al que continúan tratando como a un niño.

  Haciendo uso de una concepción estrecha y egocentríca y abusando de su posición, la Sra. Robinson somete al jóven a un proceso de seducción y acoso sexual, que pone de manifiesto las debilidades y carencias de la familia americana convencional: alcoholísmo, infidelidades, deslealtades, rupturas, adulterio, individualísmo, materialísmo, desafecto y desfuncionalidad en relación con los fines que se consideran propios de la misma (realización personal, amor y afecto, educación y defensa de los hijos, apoyo a la maduración de los mismos...). El ritmo de la acción es intenso y sostenido.

  La película elogia a la juventud, apuesta por ella, defiende sus valores y emocionalmente se pone de su parte. Producida antes del "Mayo francés" (1968), se inspira en los ideales de cambio, ruptura y liberación, que lo hicieron posible.

  Los diálogos son ocurrentes, punzantes y divertidos. Se presentan salpicados de ironía y humor y son cálidos, naturales y próximos. Ponen al servicio de la sátira y del sentido del humor, roces y choques de los jóvenes con los mayores, ocurrencias basadas en las ansias de independencia juveniles, la lucha entre dos maneras de entender la vida por parte de dos generaciones, la sorpresa de los mayores ante las reacciones espontáneas de los jóvenes, la incompatibilidad entre las actitudes egoistas y las idealistas, las impositivas y las liberales, las hipócritas y las sinceras. Denuncia en ocasiones a la exageración, la desmesura y el despropósoto, aunque siempre de modo elegante y refinado. La suma de efectos derivados de los planteamientos de la película culmina con una larga secuencia que hacia el final aporta una aceleración e intensificación de los valores y lineas de fuerza del relato.

  La banda sonora fue compuesta por Paul Simon e interpretada por el duo Simon & Garfunkel. Unos artistas muy populares en la década de los 60, ambos nacidos en Nueva York. Crecieron en el barrio de Kew Gardens Hill, fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hill de Nueva York y comenzaron a escribir canciones propias en 1957. Entre sus múltiples premios cabe de destacar tres Gremmys.

  Y en esta magnifica "seducción" aportando una nueva canción "Mrs. Robnson", a la que se añaden otras de su repertorio: "Sunds of Silence", Searborough Fair"... Como música añadida, Dave Grrush ofrece tres composiciones de acompañamiento: "The Singleman Party Foxtrot", "Sunporch cha-cha-cha" y "On the Strup".

  La fotografia en color corrió a cargo de Robert Surtees. Un director de fotografía nacido en Kentucky. Ganador de tres Oscar por "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"-1950), "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) y "Ben-Hur"-1959. Era un director de fotografía muy codiciado por su versatilidad haciendo todo tipo de películas. También se ganó la reputación de ser un riguroso en el control preciso del color y la exposición adecuada del negativo. También jugó un papel especial en lo que respecta a las innovaciones tecnológicas, siendo uno de los pioneros en utilizar u teleobjetivo (500 mm) en "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Y en este deso de toda una generación, creando unas superposiciones de imágenes y zooms que transmiten sentimientos de aceleración, rápidez y de apoyo al sentido rupturista e innovador, de la acción. Acumula muchas imágenes famosas, de memoria perdurable (seducción, boda, etc.).

  Impecable y sugerente la interpretación de Anne Bancroft "Agnes de Dios" ("Agnes of God"-1985), dando vida a la Sra. Robinson, y con ella el debutante y genial Dustin Hoffman, "Totsie"-1982 metido en el cuerpo de Benjamin Bradfork. Y entre los dos Katharine Ross, "Dos hombres y un destino" ("Butch Cassidy and the Sundance Kid"-1969) como Elaine Robinson; William Daniels, "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) como el Sr. Bradfork; Murray Hamilton, "Tiburón" ("Jaws"-1975) como el Sr. Robinson; Elizabeth Wilson, "A propósito de Henry" ("Regarding Henry"-1991) como la Sra. Bradfork...

  En definitiva: Una película emblemática del cine americano de los 60 y que obtuvo un gran éxito tanto de critica como de público. Sobresaliente.

  Mike Nichols logró el Oscar al Mejor director. La película obtuvo un total de siete nominaciones.

  A modo de curiosidad: Antes de elegir definitivamente el casting de la película, la productora tenia en cartera que Doris Day diese vida a la Sr. Robinson y Robert Redford al de Benjamin.

 


 

02/04/2021 09:44 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Alfie (1966)

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  Si me preguntas si te quiero ¿Qué quieres que conteste?

  Muy entretenida película de género de comedia y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de Bill Naughton. Un dramaturgo nacido en Irlanda. Cuando aún era un niño sus padres se trasladaron a Inglaterra y alli trabajó como ensacador de carbón antes de empezar a escribir. Aunque es más recordado por su obra teatral "Alfie" también dos de sus obras fueron llevadas al cine, una fué "Luna de miel en familia" (The Family Way"-1966) protagonizada por John Mills y la otra "La familia Cropton" ("Spring  and Port Wine"-1976) con James Mason en el papel principal. Muchas de sus obras se representaron en el Octogon Theatre en el centro de la ciudad de Botton. Un teatro de estudio adaptable de 85 asientos dentro del octógono lleva su nombre.

  "Alfie" está dirigida por Lewis Gilbert. Un cineasta nacido en Londres. Después de una carrera como niño actor en películas de finales de los años 20 y en los años 30, comenzó a rodar documentales para la Royal Air Force (RAF), durante la 2ª Guerra Mundial, Gilbert se hizo un nombre  en la década de 1950 con películas como director y ocasionalmente como productor y guionísta.

  Varias de sus películas están basadas en acontecimientos verdaderos de la 2ª Guerra mundial tales como "Proa al cielo" ("Reach for the Sky"-1956), basada en la vida de Douglas Bader un héroe de la RAF, "Agente secreto SZ" ("Carve Her Name whit Pride"-1958), basada en la vida de Violette Szabo, una agente del SOE, y "Hundid el Bismark" ("Sink the Bismark"-1960), una recreación de la operación naval dirigida a lograr el hundimiento del acorazado Bismark el más temible de la armada  alemana en el Atlántico.

  Fue nominado al Oscar por "Alfie"-1967. Además fue ganador del Premio especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes por esta misma película y ganador de un BAFTA por "Educando a Rita" ("Eduacting Rita"-1983). Fue miembro de la Orden del Imperio Británico en el grado de Commander (CBE) por sus servicios a la industria cinematográfica del Reino Unido. Su historial como director incluye además tres películas de la saga de James Bond: "Sólo se vive dos veces" ("You Only Live Twice"-1967) con Sean Connery, "La espia que me amó" ("The Spy Who Loved Me"-1977) y "Moonraker"-1979) ambas con Roger Moore dando vida al agente secreto.

  La historia pues, nos mete en la vida de un tal Alfie Elkins un galán mujeriego, aferrado a la solteria, dotado de gran facilidad para ligar, pero enemigo de los compromisos. Tras el golpe que recibe inesperadamente cuando una de sus amistades femeninas le deja por otro más joven, Alfie se siente sorprendido, dolido, atónito y abocado a reflexionar sobre el sentido de la vida, de la libertad sin compromisos y de los romances de pocos dias...

  El guión para mi, es muy respetuoso con la obra original y realizado por el autor de la misma, incluye expresiones y que con buen criterio no aparecen en el remake de 2004.

  La banda sonora corrió a cargo de Sonny Rollins. Un músico de jazz. Ha tocado en varias ocasiones junto a Selmer Mark VI y durante la década de los 70 grabó un álbum titulado "Easy Living", considerado el mejor de esa época. Para el cine ha compuesto música para películas tales como: "El negociador" (""Metro"-1987) protagonizada por Eddie Murphy y "El talento de Mr. Ripley"("The Talented Mr. Ripley"-1999) con Matt Damon.

  Y en esta historia de un cínico seductor ofreciéndo breves pasajes musicales de percusión y saxo o trompeta, que ambientan la acción y la  confieren dinamísmo y frescura. La canción "Alfie" de Burt Bacharach, está interpretada por Cher.

  La fotografía en color corrió a cargo de Otto Heller. Un director de fotografía nacido en Praga. De adolescente, se convirtió en proyeccionísta en el cine Lucena de su ciudad. Durante la 1ª Guerra Mundial trabajó en un laboratorio de cine en Viena. Después de la guerra comenzó a trabajar como camarógrafo de documemtales en Prafilm. Durante la década de 1920, fue el director de fotografía más solicitado en Checoslovaquia. Junto a Karel Lamac, Anny Ondra y Václav Wasserman, realizó muchas películas tanto para el público nacional como internacional. A menudo trabajó con Svatoplak Innemann, Martin Fric y Jan S. Kolár. Debido al auge del nacísmo dejó Checoslovaquia en 1938. Se convirtió en ciudadano británico en 1945 y continuó viviendo y haciendo películas en el Reino Unido hasta su muerte.. Entre sus muchas peliculas realizadas caben de destacar "El quinteto de la muerte" ("Lady Killers"-1955), "El fotógrafo del pánico" ("Peeping Tow"-1960) y "La mujer de paja" ("Woman of Straw"-1964).

  Y en esta aventura de un don Juan en Londres cuidando las escenas con mucho esmero y, en ocasiones incluye pretensiones esteticístas. La pelicula se rodó integramente en la capital inglesa.

  Muy buena la interprteción de Michael Caine, "Evasión o victoria" ("Victory"-1981) dando vida a Alfie, un "cockney" londinense que trabaja como chófer en una empresa de coches de alquiler, y es famoso en la ciudad por ser un galán seductor e irresistible. Y con él la siempre maravillosa Shellet Winters, "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) como Ruby. Y seguidos por Millicent Martin, "Fango en la cumbre" ("Nothing But the Best"-1964) como Siddie; Julia Foster, "La mitad de seis peniques" ("Half a Sixpince"-1967) como Gilda; Jane Asher, "El principe y el mendigo" ("The Prince and the Pauper"-1962) como Annie; Shirley Anne Field, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Carla; Vivien Merchant, "Frenesi"-1972 como Liby...

  En definitiva: Una película entretenida e interesante. Muy bien interpretada, realizada con medios adecuados y dirigida con solvencia y eficacia.  Sobresaliente.

  "Alfie" estuvo nominada al Oscar en cinco apartados: Película, Actor (Michael Caine), Actriz secundaria (Vivien Merchant), Guión adaptado (Bill Naughton) y Canción original ("Alfie") compuesta por Burt Bacharach.

  En 2004 Charles Shyer realizó un remake con el mismo titulo protagonizada por Jude Law, Marisa Tomei y Susan Sarandon.

15/03/2021 17:56 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Doctor Zhivago (1965)

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  Y ahora a Moscú. Lo primero que hay que hacer es sobrevivir. No abandonarme al insomnio. No acostarme. Trabajar por la noche hasta el atontamiento, hasata que me rinda el cansancio. Y otra cosa: encender immediatamente la estufa en la alcoba para no congelarme...

  Obra maestra de género dramático-histórico (Revolución Rusa), basada en la célebre novela de Boris Pasternak. Un poeta y novelísta nacido en Moscú. Creció en una atmósfera cosmopolita: en su casa desfilaban artistas como Serguel Rajmeninov, León Tolstoi o Rainer Maria Rike. El ambiente cultural que lo rodeaba fue pues muy elevado. Estudió Filosofia en la Universidad de Moscú y en la de Merburgo en Alemania. Sin embargo, decidió renunciar a la Filosofia como profesión y regresó a Moscú en 1914 donde publicó su primera colección de poemas ese mismo año. Con la Revolución de1917 significó el inicio de su fama. Pero más tarde y como otros tantos de los grandes, perdió la protección de las autoridades soviéticas durante la Gran Purga de la década de los 30 y fué acusado de subjetividad, aunque consiguió escapar del Gulag. A partir de entonces se ganó la vida traduciendo a los clásicos. Entre sus grandes poesias caben citar: "Mi hermana la vida" (1922) y "El tren de la mañana" (1943). Fue Premio Nobel de Literatura en 1958.

  Del guión se hizo cargo Robert Bolt. Un escritor y guionísta nacido en Inglaterra. Estudió en el Manchester Grammar School, para después trabajar en una agencia de seguros. Tras servir en la 2ª Guerra Mundial, ingresó en la Universidad  de Manchester, donde se graduó en Historia, tras pasar un curso en la Universidad de Exeter. Durante esta época escribió una docena de radionovelas, cuyo éxito le animó para escribir su primera obra de teatro "Flowering Cherry", estrenada en 1958.

  Tras esta obra se dedicó exclusivamente al teatro y al cine. A pesar de su prolífica obra teatral es posiblemente recordado por su trabajo como guionísta de cine y televisión, especialmente por sus trabajos junto a David Lean. Ganó el Oscar en dos ocasiones al Mejor guión con "Doctor Zhivago"-1965 y "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Season"-1966).

  "Doctor Zhivago" está dirigida por David Lean. Un cineasta nacido en Inglaterra. Todo un gigante del cine británico. David Lean fue un especialísta en realizar grandes películas que generaron importantes beneficios en el mercado internacional. En tres décadas realizó cinco grandes proyectos que le proporcionaron fama mundial.

  "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) convirtió la reflexión del novelista Pierre Boulle sobre el carácter nacional y el honor en una película bélica épica. Esta gira en torno al enfrentamiento entre un oficial inglés y un comandante japonés, en un campo de concentración japonés. "Lawrence de Arabia" ("Lawrence of Arabia"-1962) demostró que Lean era capaz de dirigir una producción todavia más exigente. La película ofrece un retrato atractivo, aunque simplista de uno de los colonialístas más misteriosos del siglo XX.

  Luego Lean se dedicó a un proyecto de una mayor complejidad cultural e intelectual, la Revolución Rusa con "Doctor Zhivago"-1965. Al optar por centrarse en el romance de la novela, Lean apenas analizó las turbulencias politicas y culturales de la época. Demasiado limitado a un punto concreto, la película no consige evocar la vastedad de Rusia y su gran diversidad, lo cual supone un decepcionante contraste con la exitosa combinación que hizo Lean del Cinemascope y de los impresionantes exteriores en la citada "Lawrence de Arabia".

  La incapacidad de David Lean para ver más allá de los clichés culturales incluso más evidente en "Pasaje a la India" ("A Passage to India"-1984), cuyo impresionante pictorialísmo no oculta las actuaciones de un reparto lleno de celebridades. Si la novela critica como hoy dia se define como "orientalísmo", la película de Lean potencia esos estereotipos.

  "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daugther"-1970) no consigue integrar el romance fracasado entre la joven Rosy Ryan y un joven oficial británico en una evocación convincente de los problemas de Irlanda.

  El David Lean internacional fue precedido por obras notables, su detallada puesta en escena y su hábil fotografía comviertieron en clásicos las películas "Cadenas rotas" ("Great Exceptations"-1946) y "Oliver Twist"-1948, mientras que el dominio de si mismo que constituye la quintaesencia de la moralidad burguesa nunca se ha plasmado de una forma más vivida que en "Breve encuentro" ("Brief Encounter"-1945).

  Asi pues, el maestro Lean nos lleva hasta Rusia (Moscú, Yuriatin, Varikino y otras localidades) entre 1905 y 1925. La historia se hace en los años 50, a más de 25 años de desenlace. Alli Yuri Zhivago un joven médico moscovita, contrae matrimonio con Tonya Gromeko poco antes del inicio de la 1ª Guerra Mundial (1914-18). Con motivo de un servicio profesional en el domicilio de Victor Komarovsky, conoce a Larissa "Lara" Fedorovina. Al comenzar la Guerra es movilizado y destinado a un hospital de campaña, donde trabaja Lara como voluntaria de la Cruz Roja. Lara se casa con Pavel "Pasha" Antipov, un joven idealísta revolucionario. A Zhivago le profesa gran afecto y le ayuda su hermanastro Yevgraf Zhivago...

  Yuri es idealísta, soñador, poeta, sensible, falto de voluntad y reacio a tomar decisiones. Lara es joven, independiente, atractiva, práctica y resistente. Victor es un abogado simpático y oportunísta, pragmático y sin principios. Tonya es comprensiva, sacrificada y constante en sus cosas. Pavel se entrega con fanatísmo al servicio de la Revolución.

  La banda sonora fue dirigida por Maurice Jarre. Un compositor nacido en Lyon (Francia). Su carrera como compositor se inició en 1948, con la música para el espectáculo "Le Gardien  do Tombe" de Franz Kafka. Poco más tarde pasó a desempeñar la dirección musical del Teatro Nacional Popular de Paris (1951-1963). En 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora con el documental "Hotel de los inválidos" ("Hôtel des Invalides"-1952).

  El reconocimiento mundial le vino una década más tarde, cuando fue contratado para componer la banda sonora de la épica "Lawrence de Arabia"-1962, de David Lean, con la que ganó un Oscar a la mejor banda sonora original y que se convertiría en uno de los temas más conocidos de todos los tiempos. De su colaboración con Lean también surgieron obras como las bandas sonoras de  "Doctor Zhivago"-1965 y "Pasaje a la India" ("A Passage to India"-1984), que le reportaron dos Oscar más en la misma categoria, asi como "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"-1970). En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine.

  Entre sus bandas sonoras para otras películas caben destacar "El dia más largo" ("The Longest Day"-1962), "Los profesionales" ("The Professionals"-1966) y "El hombreque pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975), entre otras muchas más.

  Y en esta historia imortal, ofreciéndo una partitura de 15 cortes. Destacando el tema de amor "Somewehere My Love" ("Tema de Lara"), que alcanzó gran popularidad y todavia se recuerda con simpatia. Se hizo muy famosa la adaptación de Ray Coniff. Añade también el "Preludio Op.23" de Rachmaninoff.

  La fotografia en color y Cinemascope fue dirigida por Frederick Young. Un camarógrafo nacido en Londres. Sus inicios fueron en el cine mudo ya en 1922 apareció su nombre en los créditos de la película "Rob Roy" como asistente de camarógrafo, asi estuvo hasta 1928. Con el estallido de la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Hollywood y al finalizar la contienda fue contratado por la MGM. En la década de 1950 logró su primera nominación al Oscar por "Invanhoe"-1952. Trabajó con los más destacados directores como: John Ford en "Mogambo"-1953, George Cukor en "Cruce de destinos" ("Bhowani Junction"-1956), Vincente Minnelli en "El loco de pelo rojo" ("Lust  for Life"-1956) y King Vidor en "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959) entre otros. En sus últimos años se dedicó a escribir una autobiografía titulada "Seventy Light Years:An Autobiography" publicada en 1999.

  Y en este clásico imperecedero, creando composiciones estilizadas de sobrio clasicísmo, haciendo uso de espejos, simbolos visuales y encuadres de detalle (balalaica). Emplea el paisaje como elemento de exaltación de la naturaleza y de elevación del tono épico del relato. Contiene escenas memorables, como la carga de los cosacos contra un grupo de manifestantes, el viaje en tren a Yuriatin, el trato que recibe el anarquísta condenado a trabjos forzados, etc.

  Magistrales todos los actores encabezados por un inmenso Omar Sharif, "La noche de los generales" ("The Night of the Generals"-1966) metido en el cuerpo de Yuri Zhivago. Y seguido por la extraordinaria Julie Christie, "Darling"-1965 en el papel de Lara; Geraldine Chaplin, "La madriguera"-1969 como Tonya; Rod Steiger, "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967) como Komarovsky; Alec Gunnes, "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) como Yevgraf Zhivago; Tom Courtenay, "Operación Crossbow" ("Operation Crossbow"-1965) como Pasha Antipov; Siobhan Mckenna, "Rey de reyes" ("King of Kings"-1961) como Anna; Ralph Richardson, "La mujer de paja" ("Woman  of Straw"-1964) como Alexander; Rita Tushingam, "La trampa" ("The Trap"-1966) como la chica (la hija de Yuri y Lara)...

  En definitiva: Tengo que reconocer que David Lean nos dejó una de las más hermosas películas de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Doctor Zhivago" logró 5 Oscar en 1965: Mejor guión adaptado (Robert Bolt), Mejor dirección artistica (John Box, Terry Marsh y Dario Simon), Mejor fotografía en color (Freddie Young), Mejor banda sonora (Maurice Jarre) y Mejor vestuario en color (Phyllis Dalton).

  Como curiosidad: La película se rodó en escenarios naturales de España (Soria, Madrid, Guadix y Granada), Canadá (Alberta) y Finlandia. Tuvo un presupuesto de 11 millone de dólares.

02/03/2021 11:07 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

La caida del imperio romano (The Fall of the Roman Empire - 1964

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       En recuerdo de: Christopher Plummer

  "Solo se puede destruir a una gran nación cuando ella misma se ha destruido interiormemte".

  Superproducción de género histórico (Antigua Roma) y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión llevado a cabo por tres escritores: Ben Barzman, Basilio Franchina y Philip Yordan. Barzaman fue un guionísta y novelísta nacido en Toronto (Canadá). Fue miembro del Partido Comunista de Estados Unidos por lo que estuvo incluido en la lista negra poer el Comité de Actividades Antiamericanas. Tuvo que emigrar a Inglaterra donde allí colaboró en algunas películas. Tras su regreso a Estados Unidos y ya con la ciudadania norteamericana logró grandes éxitos con películas tales como: "La visita del rencor" ("The Visit"-1964) y "Los héroes de Telemark" ("The Heroes of Telemark"-1965).

  Franchina. Un director y periodísta nacido en Palermo (Sicilia). Sus comienzos fueron como asistente de dirección con Roberto Rossellini en "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948). Su primera película como director y a la vez como guionísta fue con  "La legión extranjera" ("Legione straniera"-1953). Su último trabajo fue con "Gostanzada Libbiano"-2000) dirigida por Paolo Welcome.

  Y en cuanto a Philip Yordan. Un guionísta y productor nacido en Chicago. Su actividad como guionísta abarcó desde 1940 hasta 1990, colaborando con los directores más importantes de Hollywood. Se estableció en España durante las décadas de 1960 y 1970, en este periodo colaboró con Samuel Bronston en todas sus películas rodadas aqui. También escribió y produjo varios "spaghetti westerns" como: "Capitán Apache" ("Captain Apache"-1971) y "El hombre de Rio Malo" ("Bed Man’s River"-1971) con Gina Lollobrigida. James Mason y Lee Van Cleef.

  "La caida del imperio romano" está dirigida por Anthony Mann. Un director nacido en San Diego (Estados Unidos). Se le ha considersado como uno de los mejores directores del western, pero también se le ha admirado como director de cine negro de los años cuarenta y de películas épicas de los sesenta como "El Cid"-1961.

  Mann nació en San Diego (California), pero una década más tarde su familia se mudó a Nueva York, donde fue actor de 1925 a 1936. Formó parte de la Neigborhood Playhouse Acting Company, en el Lower East Side de Manhattan. Durante un año también fue miembro de la New York Repertory Company. En 1933 debutó como director teatral, oficio que desempeñó hasta 1940.

  En 1941, Mann se trasladó a Hollywood, donde debutó en la dirección con la película "Dr. Broadway"-1942, que tuvo poco éxito. En esta primera época dirigió melodramas de bajo presupuesto y musicales para diversos estudios. Con el thriller de cine negro "Desesperado" ("Desperate"-1947) alcanzó el éxito que se repitió en sus siguientes pelìculas, coincidiendo con su fructífera colaboración con el cineasta John Alton. "La brigada suicida" ("T-Men"-1947) e "Incidente en la frontera" ("Border Incident"-1949) son películas de cine negro muy bien consideradas.

  El primer western de Anthony Mann fue "La puerta del diablo" ("Devil’s Doorway"-1950) una tragedia sobre el racismo y la intolerancia. Después de ver la pelìcula, James Stewart pidió a Mann le dirigiese en "Winchester 73"-1950. Hicireron juntos siete peliculas, entre ellas, "Horizontes lejanos" (Bend of the River"-1952), "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954) y "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955). El último western de Mann (ya sin Stewart) fue la estupenda "El hombre del Oeste" ("Man of the West"-1958) con Gary Cooper de protagonísta.

  Después de este triunfo, Mann se volvió menos prolífico. En 1959, tras un desacuerdo con Kirk Douglas, Mann dejó el rodaje de "Espartaco" (Spartacus"-1960). Empezó a rodar el western "Cimarrón"-1960, pero una vez más abandonó el proyecto debido a diferencias creativas con el productor, aunque su nombre figuró en los creditos de la pelìcula como director. Su último triunfo fue "El Cid"-1961, una película épica sobre el héroe medieval español.

  La acción pues, tiene lugar en Vindobona (actual Viena), Roma y otras localidades del Imperio Romano, en el año 180 D C. Alli el emperador Marco Aurelio (121-180 D C), filósofo, autor de la obra "Memorias", último de los "cinco emperadores buenos", llamado "El sabio", convoca en las proximidades de Vindobona a principes, embajadores y cónsules del Imperio para comunicarles su decisión de nombrar nuevo sucesor a su hijo adoptivo el general Flavio, enamorado de su hija Lucilla, en sustitución de su hijo biológico Cómodo. El anuncio no lo puede realizar porque muere envenenado por partidarios de Cómodo. Durante el reinado de éste se inicia el declive del Imperio, que se produjo hasta la caida de Roma (476 D C)...

  Marco Aurelio es prudente, sabio, enemigo de las obstentaciones y cree que el gobierno ha de estar al servicio del deber. Cómodo es aficionado a las luchas de gladiadores, caprichoso, egoísta y poco equilibrado. Flavio es considerado, leal, competente, buen militar y no ambiciona ser emperador a costa de su amigo y hermano adoptivo, Cómodo.

  La película suma aventuras, guerra e historia (Imperio Romano). Es todo un ejemplo emblemático de cine de espectáculo y una buena muestra de la visión megalómana del cine que tenia el productor independiente Samuel Broston.

  La realización a cargo de un excelente narrador como era Anthony Mann imprime a la historia un buen pulso narrativo, que retiene la atención del espectador. Crea además, un clima envolvente que se combina muy bien en el desarrollo de un relato trágico, ilustrativo del inicio de la decadencia de Roma. Los elementos dramáticos predominan sobre los de aventuras, en perjuicio del interés popular de la obra. El diseño de producción y la dirección artistica son esmerados, si bien se ven afectados por los afanes colosalìstas y espectaculares del productor. El foro romsano establece el record de construcción más grande realizado hasta entonces en el rodaje de una pelicula.

  La banda sonora corrió a cargo de Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se traslsdaron a San Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro"-1952, "O.K. Corral" de "Duelo de titanes" - 1957 o "The green leaves of summer" de "El Alamo"-1960. Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Nonn"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954) y "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958).

  Y en este inicio del declive romano, aportando una partitura de 16 cortes, que combina con melodias intimistas ("Obertura"), temas de amor ("The Fall of Love"), evocadoras ("Nocturno", "Morning"), refuerzo sonoros ("Persian Batle") y composiciones descriptivas ("Ballomar’s Barbarian Attack"). El tono general de la banda sonora es melancólico y nostálgico.

  La fotografia en color y formato 70 m/m fue dirigida por Robert Krasker. Un director de fotografía nacido en Egipto, pero su nacimiento se registró en Australia. Trabajó a lo largo de su carrera en más de 50 pelìculas algunas de ellas tan emblemáticas como: "Senso"-1954 de Luchino Visconti y "Trapecio" Trapeze"-1956 de Carol Reed. Logró un Oscar a la Mejor fotografia en blanco y negro por "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949).

  Y en esta historia de intrigas y pasiones romanas, ofreciéndo composiciones de gran belleza visual, referidas tanto a ambientes sombrios (interiores), como exteriores luminosos (Foro romano). Las imágenes sombrias se asocian al tema del fin de una civilización milenaria.

  La pelicula se rodó integramente en España . En escenarios naturales de Madrid (Las Matas) Manzanares el Real...), Valencia (Sagunto) y Segovia. Los interiores en los Estudios Samuel Bronston (Madrid).

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por Sofia Loren, "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960) como Lucilla, seguida por Stephen Boyd, "Ben-Hur"-1960 como Livius; Alec Gunness, "Lawrence de Arabia" ("Lawrence of Arabia"-1962) como Marco Aurelio; James Mason, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) como Timonides; Christopher Plummer, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) como Cómodo; Omar Sharif, "Doctor Zhivago"-1965 como Sohamus; John Ireland, "El político" ("All the King’s Men"-1949) como Ballomar; Anthony Quayle, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Verulus; Mel Ferrer, "Guerra y paz" ("War and Peade"-1956) como Cleander. También podemos ver a varios y buenos actores españoles entre ellos: Virgilio Texeira, "Agustina de Aragón"-1950 como Marcellus y Rafael Luis Calvo, "Mensajeros de paz"-1957 como Lentulus.

  En definitiva: Una muy buena película de su género y siempre a reivindicar, tanto como la figura de su gran director, el maestro Anthony Mann, mucho más que "el marido de Sara Montiel". Y con una banda sonora de gran belleza. Sobresaliente.

  "La caida del imperio romano" estuvo nominada al Oscar a la Mejor banda sonora. La ganadora fue "Mary Poppins.

  Como curiosidad: La ciudad de Roma se construyó en la localidad madrileña de Las Matas y está considerada como el mayor decorado (hasta ahora) construido al aire libre se llegaron a usar 170.000 bloques de cemento trabajando en ello 1.100 personas durante siete meses para confeccionar la obra.

20/02/2021 09:38 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                   Christopher Plummer

                    Una leyenda de Hollywood

  El pasado dia 5 y a la edad de de 91 años falleció el actor canadiiense Christopher Plummer. Era bisnieto del Primer ministro de Canadá John Abbot, nació el 13 de diciembre de 1929 en Toronto (Canadá), ciudad que abandonó para mudarse con su madre a Senneville, cerca de Montreal. De niño estudió para ser pianista, pero pronto nació en él el deseo de ser actor. Debido a esta aficción, en su juventud conoció a su compatriota, el pianista de jazz Oscar Peterson, al que le unió siempre una gran amistad. Para desarrollar su carrera teatral se unió a la Canadian Repertory Company en la que alcanzó cierta notoriedad en parte gracias a su dominio de fracés y del inglés. La actriz Eva Le Gallienne le ofreció su primera oportunidad de lucimiento en "The Constant Wife", según la pieza de William Somerset Maugham, en 1954. Al año siguiente estrenó "The Dark is Light Enough" y "The Lark y Medea", cuyas representaciones le llevaron hasta Paris.

  Dos años después se casó con Tommy Grimes con la que uvo una hija, la actriz Amanda Plummer. A su regreso de Paris, Sidney Lumet le contrató para la película "Sed de triunfo" ("Stage Struck"-1958), tras la cual se divorció y volvió al teatro, en el que interpretó papeles como Enrique II de Inglaterra en "Becket"(1962),donde un rey se enfrenta a su mejor amigo (Thomas Becket), con el que antaño habia compartido juergas.

  Después de contraer segundas nupcias en 1962 con Patricia Lewis, en 1964 su rostro se popularizó gracias al estreno de "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman Empire"-1964) donde encarnaba a un Cómodo corruptor que se siente traicionado, estaba más pendiente de organizar fiestas para el pueblo que de mantener a paz y que mostraba recelos a la hora de conceder la ciudadania romana a unos bárbaros (a los que más tarde les asesina a traición). Su composición de emprerador romano de carácter autoritario y chulesco le abrió las puertas para otros papeles. Etre ellos destacó el capitán Von Trapp de "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), un viudo con siete hijos cuya rigidez se desmorona al entrar en su vida la institutriz Maria (Julie Andrews), con la que llega a casarse y huir de Austria tras despedirse desus amigos en un festival de música donde entonaba la canción "Edelweiss". A pesar de su enfado ante la sustitición de su voz en las secuencias musicales, la película disparó su cotización gracias a su éxito comercial. A partir de entonces los directores le encomendaron personajes más o menos elegantes, a veces bondadosos, otros villanescos. Mientras tanto en 1967 se divorció de Patricia Lewis y en 1972 se vulve a casar con Elaine Taylor.

 Durante los setenta, combinó sus apariciones cinematográficas con las teatrales "Cyrano de Bergerac" (1974), se metió en el papel de Rudyark Kipling en "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Woold Be King"-1975) y heredó de David Niven el papel de Charles en "El regreso de la pantera rosa" ("The Return of the Pink Panther"-1975), bajo las órdenes de Blake Edwards. "En "Asesinato por decreto" ("Murder by Decree"-1979) pasó a engrosar la lista de actores que han encarnado a Sherlock Holmes en el cine.

  En los años ochenta centró su actividad profesional en el teatro, donde llegó a interpretar a Yago en "Otelo" (1982) y "Macbeth" (1988). También realizó algunas películas románticas como "En algún lugar del tiempo" ("Somewhere in Time"-1980) junto a Christopher Reeve y Jane Seymor, ofreció una interpretación magistral en la notable pelìcula histórica "Escarlata y negro" ("The Scarlet and the Black"-1983), basada en hechos reales, donde fue el ambicioso, cruel y sanguinario coronel y jefe de la SS en Roma Herbert Kappler, el cual mantenia una feroz rivalidad con un adversario muy particular: monseñor Hugh O’Flaherty (papel interpretado por Gregory Peck), oficial de alto rango de la Santa Sede, protector de refugiados, aliados y judios en la Italia ocupada por los nazis en 1943.

  A mediados de los años noventa "regresó" al cine con breves cometidos: el empresario de "Lobo" ("Wolf"-1994), el detective de "Eclipse total" ("Dolores Claiborne"-1995), el virólogo de "12 monos" ("12 Monkays"-1995). En 1997 ganó su segundo Tonny por "Barryomore" interpretación que junto a la realizada en la pelicula "El dilema" ("The Insider"-1999), inició una nueva etapa profesional. En efecto su papel de Mike Wallace, un reconocido periodista norteamericano (recientemete retirado) le valió varios premios de la critica cinematográfica, aunque no logró quedar candidato a los Oscar. 

  Hollywood empezó a reclamar sus servicios con mayor regularidad: lo reunió de nuevo con Julie Andrews en la versión televisiva de la pelicula "En el estanque dorado" ("On Golden Pond"-1981) donde interpretó a un hombre de la tercera edad que aprende a disfrutar de la compañia de su nieto, y tuvo también un papel en "Una mente maravillosa" ("A Beautiful Mind"-2001).

  Plummer volvió después al cine más pequeño e intimista con "Lucky Break"-2001, y "Ararat"-2002, donde interpretó el papel de un guardia de seguridad de un aeropuerto. En 2004 combinó las representaciones de "Rey Lear" con sus papeles cinematográficos como "Alejandro Magno" ("Alexander"-2004), la superproducción de Oliver Stone. A estas películas le siguieron "...Y que le gusten los perros" ("Must Love Dogs"-2005), "Plan oculto" ("Inside Man"-2006) donde hace de un banquero que se enriqueció gracias a los nazis, y que oculta su pasado, "Syriana"-2005  donde era un empresario con intereses en el petróleo, y "El nuevo mundo" ("The New World"-2005) donde interpretó a un capitán qur defiende la disciplina de los oficiales de a bordo durante la colonización de Virginia. 

  En 2008 publicó su autobiografia "In Spite of My Self" que fue bien recibida por la critica y el público. Entre sus últimos y notables trabajos, hay que citar "El imagnario del Doctor Parnassus" ("The Imaginarium of Doctor Parnassus"-2009) de Terry Gilliam, y "Principiantes" ("Beginners"-2010), donde dió vida a un jubilado viudo que desvela a su hijo que es homosexual. Por este trabajo ganó un Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario.

  En 2017 trabajó en la película "Todo el dinero del mundo" ("All the Money in the Word"-2017) de Ridley Scott, donde interpretaba al empresario Paul Getty, Plummer reemplazó a Kevin Spacey luego de que este fue denunciado por abusos sexuales, dado que Spacey ya habia filmado su parte y la película estaba terminada, fue necesario rodar nuevas escenas con Plummer para sustituirlo. Por su trabajo recibió nominaciones al Oscar, Globo de Oro y BAFTA.

  Christopher Plummer - Toronto (Canadá) - 13 - diciembre - 1929 - Weston (Estados Unidos) - 5 - febrero - 2021.

                             ¡DESCANSE E PAZ!

12/02/2021 18:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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