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La extraña pasajera (Now, Voyager-1942)

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  "Jerry, no pidamos la luna. Tenemos las estrellas".

  Magnífica película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de  Olive Higgins Prody. Una novelista y poetisa nacida en Massachusetts. Se graduó en 1904 en el Smith College de Worcester. También es muy conocida por sus obras filantrópicas y por su asociación con la escritora Sylvia Plath. Entre sus novelas llevadas al cine cabe de destacar además de "La extraña pasajera", "Y supo ser madre" ("Stella Dallas"-1925) con Ronald Colman y Belle Bennett.

  Del guión se hizo cargo Casey Robinson. Un cineasta nacido en Utah. Fue productor y director de películas en su mayoria de serie B además de un guionista responsable de algunas de las películas más veneradas de Bette Davis. Después de pasar la mayor parte de la década de 1930 y principio de la del 40 trabajando en la Warner Bros, se mudó a MGM y más tarde a la 20th Century Fox donde estuvo hasta su retiro en 1962. Entre sus numerosos guiones para el cine, caben de destacar "El orgullo de los yanquis" ("The  Pride of the Yankees"-1942), "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows Kilimanjaro"-1952) y "Mientra Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) entre otras.

  "La extraña pasajera" está dirigida por Irving Rapper. Un director nacido en Londres, pero emigró a Estados Unidos a muy temprana edad. Allí trabajó primero como actor y director en Broadway, a la vez que estudiaba en la Universidad de Nueva York.  En 1930, se estableción en Hollywood, y alli la Warner le nombró ayudante de dirección y escritor de diálogos, profesión novedosa, ligada al cine sonoro. Además de trabajar con muchos actores, asistio en su trabajo a directores cuya lengua nativa no era el inglés como Michael Curtiz, Anatole Livack o William Dieterle.

  Rechazó proyectos mediocres, pero en 1941 llegó a ser diretor de cine haciendo su debut con "Shining Victory"-1941, basada en un relato de A. J. Cronin. De inmediato hizo "Con un pie en el cielo" ("One Foot in Heavin"-1941),  drama familiar que iba a rodar Anatole Livak, y su prestigio se consolidó en 1942 con "La extraña pasajera" (""Now, Voyager"), sobre todo, y "The Gay Sisters"-1942 especializándose en el melodrama, siempre bien construido.

  Destacó asi mismo su pelícua "Engaño" ("Deception"-1946). Más tarde abandonó la Warner para trabajar en la Columbia unos años, pero volvió a su productora inicial, donde dirigió "El zoo de cristal" ("The Glass Menagerie"-1950), basada en un drama de Tennessee Williams. Con Bette Davis, amiga y actriz ya consagrada rodó cuatro películas, en unos momentos criticos para la actriz. "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942), "El trigo está verde" ("The Corn is Green"-1945), "Engaño" ("Deception"-1946) y "Veneno para tus labios" ("Another Man’s Poison"-1951) esta con Gary Merrill, pareja en "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950). También rodó una vez con Bsrbara Stanwyck, "The Gay Sisters"-1942.

  También trabajó junto a Paulette Godard o con Natalie Wood, y asi mismo con actores de la talla de William Holden, Kirk Douglas y Gene Kelly. Siempre fue un gran director de actores. Un trabajo tardio pero valuoso fue "Por siempre mujer" ("Forever Fermale"-1953), drama con Ginger Rogers. Siguió haciendo cine interrumpidamente hasta 1959. Pero el sistema de estudios le obligó a rodar "Poncio Pilatos"-1962 con Jean Marais y Jeanne Crain, en contra de su voluntad. Luego, solo hizo una película más "Born Again"-1972 basada en un libro de Charles Colson.

  Asi pues, Rapper nos lleva hasta Boston y nos cuenta la historia de una mujer atormentada, Charlotte Vale, de algo más de 40 años, que vive sometida a los caprichos de su madre, que la desprecia y se burla de ella. Sumida en una profunda tristeza, su hermana le hace visitar por un psiquiatra, el Dr. Jaquith, que le aconseja unas semanas de descanso en el Sanatorio Vermont, gracias a su ayuda Charlotte consigue recuperar la autoestima y superar sus miedos. Además se vuelve más extrovertida y empieza a sentirse incluso atractiva. Dispuesta a disfrutar de su nueva vida hace un crucero por América del Sur y en el barco conoce a un apuesto arquitecto infelizmente casado...

  La película pues, es la historia de una mujer condenada, como muchas, a luchar con fiereza paea cinseguir independencia, libertad y maternidad.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena (Austria), pero nacionalizado estadounidense. Está considerado junto con Victor Young y Alfred Newman como el padre del sinfonísmo clásico estadounidense. Es curioso destacar como de los diez compositores más destacados de dicha época, solo dos nacieron en Estados Unidos. Al comenzar la 1ª Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos donde comenzó a trabajar en Broadway consiguiendo un rápido éxito. En Hollywood se estableció en 1929 con el comienzo del cine sonoro. Estuvo nominado al Oscar en 20 ocasiones lográndolo 3 veces por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942) y "Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui, incluyendo fragmentos orquestales, melodias latinas, clásicas como "Perfidia" y otros, que evocan un amor triste y afligido. Suena con fuerza al principio y al final, mientras aparece y desaparece a lo largo del metraje.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Cuando era aún un niño su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Nueva York. Después de la escuela se convirtió en fotógrafo y gracias a esto tuvo acceso al cine. En la década de 1920 hizo 13 películas para Harrey Carey. Fue uno de los camarógrafos más destacados de 1930. Tuvo una estrecha relación con Michael Curtiz y dirigió numerosas películas con Errol Flynn. Estuvo nominado al Oscar en tres ocasiones "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El sargento York" ("Sergeant York"-1941) y "Esto es el ejército" ("Thes Is the Army"-1943).

  Y aqui,  ofreciéndonos una narración visual vibrante, que combina negros intentísimos, grises diversos y blancos brillantes. En varias ocasiones la acción tiene lugar fuera del campo de visión de la cámara. Cuenta con escenas memorables como por ejemplo la de Jerry encendiedo dos cigarrillos a la vez, y la lírica escena, sugerida con imágenes indirectas, de la noche de amor en un lugar de la selva brasileña...

  Grandiosa (como siempre) Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes-1941) metida en el cuerpo de Charlotte Vale. Y con ella dos extraordinarios actores del cine de Hollywood: Paul Henreid, "Los cuatro jinetes del apocalipsis" ("The Four Horsemen the Apocalypse"-1962) y Claude Rains, ("Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), Henreid como Jerry Durrance , y Rains como el Dr. Jaquith. Y con ellos Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la madre de Charlotte; Lika  Chase, "No hay tiempo para amar" ("No Time for Love"-1943) como Lisa; Bonita Granville, "Un mendigo original" ("Merrily We Live"-1938) como June...

  En definitiva: Una preciosa película, de esas que te dejan un grato sabor cuando la terminas de ver, y que como el tiempo ha demostrado, volverias a ver con sumo placer.   Sobresaliente.

  "La extraña pasajera" logró el Oscar a la Mejor banda sonora (Max Steiner).

  A modo de curiosidad: Claude Rains terminó su última escena en esta película y a la mañana siguiente estaba empezando a rodar "Casablanca".


 

19/11/2021 18:44 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley - 1941)

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  Pero recuerda, con la fuerza va la responsabilidad, hacia los demás y a nosotros mismos. Porque no puede vencer la injusticia con más injusticia, solo con la justicia y la ayuda de Dios.

  Soberbia película y todo una obra maestra de género dramático-familiar y de nacionalidad estadounidense y llevada al cine de una novela de Richard  Llewellyn. Un novelista y guionista nacido en Londres. Llevó una vida de viajes constantes. Antes de la 2ª Guerra Mundial pasó un tiempo trabajando en hoteles y escribiendo obras de teatro, trabajó como minero en una mina de carbón y fue allí donde produjo su novela más famosa. Después de la guerra, se empleó como periodista, informando sobre los Juicios de Nuremberg y luego como guionista para la MGM, para tiempo después firmar por 20th Century Fox donde acabó su carrera cinematográfica. Además de "¡Qué verde era mi valle!" otra de sus novelas también fue llevada al cine con la película "Un corazón en peligro" ("None But the Lonely Heart"-1944) protagonizada por Cary Grant y Ethel Barrymore que lograria el Oscar a la Mejor actriz secundaria.

  Del guión se hizo cargo Philip Dunne. Un cineasta nacido en Nueva York. Trabajó prolificamente desde 1932 hasta 1965 y pasó su mayor parte de la carrera cinematográfica en la 20th Century Fox. Fue uno de los principales organizadores del Secren Writers Guid. Trabajó con muchos y notables directores tales como: Otto Preminger, Carol Reed, John Ford, Elia Kazan. Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por "¡Qué verde era mi valle!" ("How  Green Was My Valley"-1941) y "David y Betsabé"-1951.

  "¡Qué verde era mi valle!" está dirigida por John Ford. Un director nacido en Maine (Estados Unidos). Ford fue un considerado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos ha alabado a Ford por su intenso carácter patriotico, plasmado en los bellos paisajes de sus películas (sobre todo el Monumental Valley de Arizona), si no también en los propios humanos, presentados de manera estática e icónica. También se ha elogiado mucho su capacidad para comunicarse mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al mínimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solia ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal seleccionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scotland"-1936) que no ponen de manifiesto la perdonalidad del director, están realizadas de una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las obras memorables de Hollywood. "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939), demuestra su impresionante sentido de la belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre, en una memorable hagografia. "La diligencia"("Syagecoach"-1939), resucitó el western que habia quedado relegado a la serie B. La película que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Rio Grande" -1950, antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("Seachers"-1956) y "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962), donde exponía la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  Ford ya exploró las varias ideologias y exclusiones del western antes que los revisionistas del género posteriores a la época del auge de los grandes estudios. "El sargento negro" ("Seargent Rutledge"-1960) aborda el racísmo, mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) adopta el punto de vista de los indios americanos empujados a la desaparición por el peligro de la extinción.Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general sus westerns buscan su fuerza y vigor en la explotación de estereotipo Liberty Valance deconstruyen el mito de héroe/villano respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el dolor físico que causa la violencia y que otros tienen que soportar, Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus películas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra se caracterizan también en el patriotísmo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento. "No eran imprescindibles" ("They Were Expendeble"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanzas de recibir refuerzos de rescate. Es un himno inolvidable al valor con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones. "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la Guerra de Secesión, enfrenta a un agerrido coronel de caballeria totalmente real, con el médico del regimiento, que lamenta el  sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega mucho más allá de un duro ataque de sensubilidad, para resolverse al auténtico estilo fordiano, con una pelea a puñetazos.

  Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imaginación cuidadosamente diseñada. En la versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinback, se evoca la pobreza de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodajes en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió buen resultado con "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las películas de Ford más celebradas son las de temas célticos y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evovcan eficazmente la familia y la tradición, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  Asi pues, Ford nos lleva hasta un pueblo minero de Gales y nos mete de lleno en el seno  de la familia Morgan, todos mineros y orgullosos de serlo, respetan las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provoca un enfrentamiento entre el padre y los hijos, porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera hablar de sindicatos ni de socialísmo...

  La película suma drama, familia e incluso comedia de costumbres. Esta película fue la última de Ford antes de servir cuatro años en la Marina durante la 2ª Guerra Mundial. El pequeño de los Morgan evoca sus recuerdos y adolescencia (de 9 a 19 años aproximadamente).

  El relato se presenta como una suma de episodios sucesivos, relativamente independientes, conectados por la persona de los mismos personajes. Inserta en varias ocasiones cuadros que aportan digresiones irónicas o cómicas, como la entrega de la carta del Palacio de Windsor o la visita del médico.

  También nos ofrece una magnífica descripción de caracteres, situaciones y costumbres. Nos explica el hábito de cenar sin hablar, la distribución de personajes en la familia, el grito milenario de comunicación entre los valles de la región, la cerveza como bebida popular, etc.. El relato es un único y largo flasback. Y su estilo narrativo es sencillo, claro y entrañable, como el de un cuento infantil.

  Los recuerdos entrelazan los hechos, los idealizan y los contemplan con añoranza y nostalgia. Se pasa revista a la proletarización de los trabajadores, la implantación de los sindicatos obreros, la primera huelga general indefinida en los valles mineros de Gales (1898), la crisis económica fenisicular, la emigración (Estados Unidos, Canadá, Nueva Zelanda, Sudáfrica), el trabajo sin medidas de seguridad, la frecuencia de los accidentes laborales mortales, el despido sin preaviso, la reducción de salarios, etc..

  La historia se mueve en forma de una idea central. El ser humano ha nacido para ser feliz. La felicidad se basa en casos sencillos, asequibles y comunes (pasear por el campo, cantar, vivir en familia, participar en las celebraciones, compartir...). No falta la presencia de algunas de las constantes de Ford: el borrachín del pueblo, el médico, la capilla como lugar de encuentro social, las celebraciones religiosas como nexo de unión y cohesión social, la familia numerosa, la boda, la perdida de la inocencia, los niños, el bebé, el embarazo, el parto, los personajes curiosos (la Sra. Tossel, el profesor sádico...). Tampoco falta el humor, que Ford basa en figuras pintorescas (el boxeador Dal Bando), lances divertidos (cosquillas en los pies, hipo...), incidencias intempestivas (visita del Sr. Evans), inversiones del sentido de la acción (salva de puñetazos como clase de boxeo), escenas caricaturescas (visita del Dr. Richard), picardias (cubo de agua volando sobre la cabeza del padre), etc..

  La película afirma el valor de la familia. Rinde homenaje a la figura del padre como ejemplo, maestro y guia. Rinde homenaje a la madre, como simbolo de cariño, afecto y apoyo que une a la familia. Dedica un homenaje al Sr. Gruffidd como hombre abierto, liberal, inteligente y entregado en cuerpo y alma al servicio de los demás. Elogia el amor verdadero, defiende el divorcio y la dignidad de las madres solteras. Justifica el celibato. Denuncia la miseria del amor interesado y de conveniencia, las diferencias sociales, la injusticia social, la marginación y la exclusión social por razones de opinión, las malas lenguas, los prejuicios morales, la utilización politica de la religión, la intolerancia ideológica, etc..

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Uno de los más importantes de la historia del cine en Estados Unidos, además de ser el autor de la característica sintonia de la 20th Century Fox. Consiguió durante su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo la estatuilla en nueve ocasiones. En 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros grandes directores fue muy prolifica. En su familia existen también otros compositores de música de cine. Era hermano de Lionel y Emil Newman, padre de Thomas, David  y Maria Newman, y tio de Randy y Joey Newman. Su último Oscar lo logró por "El rey y yo" ("The King and I"-1956) de Walter Lang.

  Y aqui, ofreciendo una partitura orquestal de 16 cortes y un bonito tema principal ("Huw’s Themme"). Las composiciones, adaptadas a la evolución del relato, suigieren los sentimientos de los personajes y de la comunidad y definen presagios. Como música añadida incluye varias canciones corales a cargo del grupo Wells Singers. Destacan "God Save the Queen" (mientras los hijos abandonan el pueblo) y "Men of Harlech" (secuencia inicial). 

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Arthur C. Miller. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine a los 13 años de edad como asistente del cineasta Fred J. Balahofer y finalmente se unió a la Pathé cuando contaba 19 años convirtiéndose en director de fotografía de series de cuentos de 1914. Más tarde trabajó para Astra Film Co. En 1918 fundó junto con su hermano Bill la Motion Picture. En 1932 firmó un contrato a largo plazo con 20th Century Fox y se retiró en 1952 por motivos de salud, pero permaneció activo en la Industria como presidente de la Sociedad Esrtsdounidense de Cinematógrafos. Su última películs fue "El merodeador" ("The Prowler"-1951) dirigida por Joseph Losey y con un guión de Dalton Trumbo.

  Y aqui,  subrayando los cambios del paisaje, la familia y los habitantes del valle. Creando unas imágemes bien contrastadas, de cuidada composición, acusado claroscuro e inspiración expresionísta. Aprovecha la profundidad de campo para acompañar la acción principal con curiosas escenas en segundo y tercer término.

  La película se rodó en escenarios naturales de Santa Mónica Mountains (California) y los interiores en un plató de Fox Ranch (donde se recreó el pueblo).

  Magnificos todos los actores comenzando por Walter Pigdeon, "Tempestad sobre Washington" ("Advise & Consent"-1962) como Mr. Gruffyd; Maureen O’Hara, "Cuna de héroes" ("The Long Gray Line"-1955) como Augharad; Donald Crisp, "Fiebre en la sangre" ("Spencer’s Mountain"-1963) como Gwillym Morgan (el padre); Sara Allgood, "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"-1941) como Beth Morgan (la madre); Anna Lee, "F de Flint" ("In Like Flint"-1967) como Bronwyn; Barry Fitzgerald, "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) como Cyfartha; Roddy McDowall; "Cleopatra" -1963 como Huw (el benjamin de la familia)...

  En definitiva: Toda una obra maestra del género. Una película que nos da toda una lección de la vida  que emana del corazón de la tierra. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

  "¡Qué verde era mi valle!" logró cinco Oscar: Película, Director, Actor secundario (Donald Crisp), Fotografía (Arthur C. Miler) y Dirección artística (Richard Day y Nathan Juran).

  Como curiosidad: La película se iba a grabar en Gales y en technicolor, pero  fue impedido por la 2ª Guerra Mundial y los bombardeos nazis sobre las islas británicas. Finalmente se grabó en blanco y negro porque los colores de las flores de California no aparecian en los paisajes galeses y desentonaban mucho.

03/11/2021 09:52 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story-1940)

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  "No quiero que me adoren, sino que me quieran".

                        (Tracy Lord)

  Obra maestra de género de comedia romántica y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una obra teatral de Philip Barry. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Su vida como escritor comenzó a los nueve años de edad, y muy conocido por sus obras teatrales tales como: "Holiday" (1928), pero sobre todo por "Historias de Filadelfia (1939), esta obra tuvo la friolera de 417 representaciones en Broadway con Katharine Hepburn al frente del elenco de actores 

  Del guión se hicieron cargo Donald Ogden Stewart y Waldo Salt. El primero fue un escritor nacido en Columbus. Se instaló en Nueva York al finalizar la 1ª Guerra Mundial y comenzó a escribir novelas satíricas, en 1925 le propusieron que adaptara algunas de ellas para el cine, al año siguiente escribió su primer guión cinematográfico fue una película muda para la MGM titulada "Brown of Harverd". Poco a poco se fue ganando el reconocimiento de los directores hasta llegar a conseguir un Oscar precisamente por "Historias de Filadelfia".

  El segundo fue un guionísta nacido en Chicago. Estudió en la Universidad de Stanford donde se graduó en 1934. Su primer guión para el cine fue para la película "The Bride Wore Red"-1937. Su carrera se vió interrumpida por estar en la lista negra después de negarse a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1951, por lo que tuvo que emigrar a Inglaterra. Al colapsar la lista negra volvió a Estados Unidos donde vivió la mejor etapa filmica de su vida con guiones para el cine donde caben de destacar "Cowboy de medianoche" ("Midnight Cowboy"-1969) con Oscar incluido y "Serpico"-1973.

  Historias de Filadelfia" está dirigida por George Cukor. Un director nacido en Nueva York. Podria parecer un cumplido equívoco decir de un director que lo que más se recuerda son las interpretaciones, pero George Cukor, especialmente conocido por sacar lo mejor de actrices temperamentales, le gustaba que le consideraran el director de actores por antonomasia.

  George Cukor fue además uno de los directores más sútiles y más cultos de Hollywood con un don para rodar perfectas escenas de diálogos y para preservar la esencia de obras teatrales y novelas. Su "David Copperfield"-1935, sigue siendo la mejor versión de la obra de Charles Dickens que ha hecho Hollywood, y aunque no fue del todo capaz de convertir a Leslie Howard y Norma Shearer (que sumaban 82 años) en "Romeo y Julieta"-1936, es dificil imaginar otro director que pudiera simplemente intertarlo.

  La confianza en que Cukor manejaba repartos de grandes estrellas se hizo evidente por primera vez en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight"-1933), un sublime intento de recrear el éxito de la multiestelar "Gran Hotel"-1932 de Edmund Goulding, donde sobreasale una soberbia actuación cómica de Jean Harlow. Este raro talento para mantener contentos unos egos frágiles sin perturbar el entramado de una narración colectiva hizo de él el candidato ideal para "Mujeres" ("The Women"-1939) que consiguió milagrosamente mostrar lo mejor de Norma Shearer, Rosalind Russell, Jean Crawford, Paulette Goddard y Joan Fontaine.

  Por la misma razón no cabe duda de que el emocionante espectáculo tan habilmente manejado por Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" ("Gome With the Wind"-1939) hubiese tenido menos peso emocional si Cukor no hubiera estado allí para motivar y arrancar una interpretación tan completa a Vivien Leigh. Cukor dirigió dos veces a Greta Garbo y cuatro a Joan Crawford, pero la actriz con la que tuvo la asociación más fructífera fue Katharine Hepburn. Su estilo frágil e insolente sólo se traducia en un éxito de taquilla de vez en cuando, pero él, más que ningún otro director era capaz de sacar su lado humano más vulnerable sin comprometer su autoridad.

  También explotó su versatilidad utilizándola en la adaptación literaria de "Las cuatro hermanitas" ("Little Women"-1933), en la sofisticadacomedia "Vivir para gozar" ("Holiday"-1938) y en rarezas como "La gran aventura de Silvia" ("Sylvia Scarlett"-1935), donde aparece disfrazada de chico. "La costilla de Adán" ("Adam’s Rib"-1949) es la mejor de las películas de la Hepburn con Spencer Tracy, pero su mejor colaboración fue "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940), donde el personaje de Tracy Lord (Hepburn) exibe una inolvidable mezcla de hielo y fragilidad. En esta película Cary Grant y James Stewart respondieron al  toque de Cukor con matices y sutilezas nunca vistos. Con él incluso actores secundarios tan experimentados como Roland Young y John Holliday, que podian hacer una mala interpretación aunque quisieran, mejoraban algunos puntos.

  Las mejores películas de Cukor se caracterizan también por la precisión no ostentosa en todos los detalles técnicos. La colocación de la cámara, los decorados, la iluminación y la composición eran siempre tan perfectas como poco aparentes. Paa él, la buena dirección era invisible. Por ejemplo en sus manos "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), básicamente un melodrama teatral, se convirtió en pura elegancia, con un detallísmo suntuoso e interpretaciones magnéticas de Ingrid Bergman y Charles Boyer, y todo sin afectar al propósito narrativo, sigue siendo un thriller extraordinariamente bueno.

  El hundimiento del sistema de estudios dejó a Cukor sin más opción que las películas de prestigio, caras y seguras. La producción lujosa, los grandes presupuestos y las atractivas estrellas no bastaron para convertir "My Fair Lady"-1964 o "El pájaro azul" ("The Blue Bird"-1976) en proyectos dignos de su talento, aunque su comunicación instintiva con las actrices arrancó un buen trabajo de Marilyn Monroe en "El multimillonario" ("Let’s Make Love"-1960).

  Dadas las circustancias, poco importaba que "Ricas y famosas" ("Rich and Famous"-1981) fuera una fallida puesta al dia de "Vieja amistad" ("Old Aquaintanche"-1943) de Vicent Sherman, lo importante es que Cukor, con 82 años, aún estaba alli para dirigirla.

  Asi pues, el maestro Cukor nos lleva hasta una mansión señorial en Filadelfia. Y alli nos cuenta la historia de Tracy Lord, hija de una familia acaudalada, muy conocida en la ciudad y divorciada de C. K. Dexter Haven. Tracy es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después de su divorcio está a punto de contraer de nuevo matrimonio con George Kittredge, un hombre oscuro, aburrido y mediocre. Y para inmortalizar los festejos son invitados especialmente por Dexter, Macaulay Connor y Elizabeth Imbrie una pareja de periodístas...

  La película pues, es una comedia romántica, que incluye enredo, lucha de sexos y critica social. Comienza con una escena retrospectiva que explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un palo de golf de Dexter y este, irritado, asiéndola con la mano en la cara la hace caer al suelo. La escena deja planteadas las lineas en las que se basa la pelìcula, el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las ansias de desquite de Dexter. Este en convivencia con una revista sensacionalísta del corazón ("Spy"), monta una mascarada que permite el acceso a la casa de los Lord, el dia antes de la boda, de un periodísta, Macauley "Mike" Connor y de una reportera gráfica Elixabeth "Liz" Imbrie.

  Tracy se ve enfrentada a una inesperada situación, en la que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un exmarido que la irrita con sus desvaneos. En realidad, Tracy se enfrenta a otro problema: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano, o seguir igual. El proceso de reflexión y decisión es complejo por falta de tiempo, inclinaciones personales arraigadas y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres. 

  La trama y la subtrama (el lio escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación) son conducidas por Cukor con delicadeza, gracia e ingenio.

  La banda sonora es obra de Franz Wazman. Un compositor nacido en Chorzów (Alemania), pero nacionalizado estadounidense. Muy conocido principalmente por sus trabajos para el género de música cinematográfica. Aunque también compuso para otros géneros en películas como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) y "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954). También compuso obras de concierto incluyendo el oratorio "Joshua" (1959) y "La canción de Terezin" (1965), una obra para orquesta, coro y coro de niños basada en poemas escritos por los niños del Campo de Concentración de Thereaienstadt durante la 2ª Guerra Mundial. A lo largo de toda su carrera recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, recibiéndolo en dos ocasiones por  "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui, incluyendo una partitura de 3 movimientos: "Main Tittle", MGM Fanfarria" y "The True Love". Añade además dos canciones ajenas "Lydia, The Tattood Lady" y Over The Rsainbow", y la marcha nupcial de Mendelssohn.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Joseph Rottenberg. Un director de fotografía nacido en Ucrania, pero al igual que Newman nacionalizado estadounidense. Emigró a Estados Unidos llegando a Boston en 1895 donde trabajó en el Boston Globe como fotoperiodista y en 1915 aceptó un trabajo en la Fox Film Corporation de Nueva York donde se formó como director de fotografía. Su primer trabajo como tal fue con la película "The Blue Streak"-1917 que marcó el comienzo de una exitosa carrera. En 1920 comenzó a trabajar para Paramount Pictures de Nueva York, y fue con la película "The Struggle"-1931, ultima precisamente de D W Griffith. En 1934 se mudó a Hollywood donde fue invitado a unirse a la Sociedad Estadounidensde de Cinematografía.

  Fue candidato al Oscar en numerosas ocasiones lográndolo en cuatro ocasiones por: "El gran vals" ("The Great Waltz"-1938), "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942), "Marcado por el odio" ("Somerbody Up Thece Likes Me"-1956) y "Gigi"-1958.

  Y aqui, sobresaliendo por su magnífico dibujo y el manejo del color (claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.).

  Magistral el trio protagonísta: Katharie Hepburn, "El león en invierno" ("The Lion in Winter"-1968), Cary Grant, "Orgullo y pasión" ("The Pride and the Passion"-1957) y James Stewart, "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954). Katharine como Tracy, Cary  como Dexter y James como Macaulay. Y con ellos, Ruth Hussey, "Compañero de mi vida" ("Tender Comrade"-1943) como Elizabeth; John Howard, "Horizontes perdidos" ("Lost Horizon"-1937) como George; John Holliday, "Bloqueo" ("Blockade"-1938) y Mary Nash, "Hasta que las nubes pasen" ("Till the Clouds Roll By"-1946) como Seth y Margaret Lord (los padres de Tracy)...

  En definitiva: Para mi una de las obras maestras de la comedia romántica, pues tanto Cukor como los tres principales protagonístas estuvieron en estado de gracia (sin olvidarme de los grandes secundarios), y consiguieron narrar una historia tierna, hilarante y delicada. Matricula de Honor.

  "Historias de Filadelfia" logró dos Oscar de seis nominaciones: Mejor actor (James Stewart) y Guión adaptado (Donald Ogden Stewart y Waldo Salt).

  A modo anecdótico: El galardonado con el Oscar al Mejor actor James Stewart siempre pensó que él no merecia la eststuilla, dijo que el ganador deberia haber sido Henry Fonda por su papel en "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940).

 

11/10/2021 17:19 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Fuerza diez de Navarone (Force Ten from Navarone - 1978)

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   "Una misión tan temeraria que solenciar a los cañones."

  Entretenida película de género bélico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de Robin Chapman. Un dramaturgo y guionísta nacido en Inglaterra. Comenzó su carrera como actor en Cambridge y fue presidente de la Marlowe Society y, al poco tiempo comenzó a escribir. Entre sus obras teatrales se encuentran "High Stret China" y "One of VS". Para el cine apenas escribió pero si tiene un largo historial como guionista de televisión donde hay que destacar series tan famosas como por ejemplo: "Jane Eyre" (5 episodios-1973) y "Los archivos de Sherlock Holmes" (2 episodios-1991).

  El otro guionista fue el famoso Carl Foreman. Un cineasta nacido en Chicago. Después de graduarse se trasladó a Hollywood donde comenzó a escribir guiones. Su carrera se vió interrumpida por el servicio militar durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso se convirtió en uno de los mejores guionistas de Hollywood con películas como "El idolo de barro" ("Champion"-1949), donde recibió su primera nominación al Oscar. En 1951 produjo "Solo ante el peligro" ("High Noon"), ese mismo año se vió obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas, con lo que se quedó sin trabajo y tuvo que trasladarse a Inglaterra. Además de su trabajo como guionísta también dirigió la película antibélica "Los vencedores" ("The Victors"-1963). Cercano a su muerte volvió de nuevo a Estados Unidos.

  "Fuerza diez de Navarone" está dirigida por Guy Hamilton. Un director inglés aunque nació en Paris (sus padres residian alli). Sus primeros pasos en la industria del cine fueron en 1938, cuando era un chico de claqueta en los Estudios Victorine de Niza. Al estallar la 2ª Guerra Mundial en 1939 escapó de Francia en un barco minero con destino al Norte de Africa, fue uno de los 500 refugiados a bordo del W. Somerset Maugham (nombre del carguero minero).

  Llegó a Orán y después a Gibraltar antes de arribar en Londres, alli trabajó en la filmoteca de la Paramount News antes de ser destinado a la Royal Navy, sirvió en el 15º Motor Torpedo Boat 718 Flotilla. una unidad que transportaba agentes a Francia y traia pilotos británicos derribados de regreso a Inglaterra. Después de la gurrra con la que fue condecorado con la Cruz de Servicio Distinguido, quiso dedicarse a la producción cinematográfica y se las arregló para conseguir un trabajo en una segunda unidad en Dartmoor en una película de Trevor Howard. Luego fue contratado por Alexander Korda como tercer asistente de dirección. Durante los años siguientes se abrió camino hasta convertirse en primer asistente de dirección.

  Trabajó en "Me hicieron un fugitivo" ("They Made Me a Fugitive"-1947), "Mine Own Executioner"-1947, "Anna Karenina"-1948 y "El idolo caido" ("The Fallen Idol"-1948) de Carol Reed, un director con el que tuvo una gran relación durante toda su vida. Hamilton también colaboró en "Britania News"-1949, una película de la 20th Century Fox rodada en Inglaterra y dirigida por Jean Negulesco, volvió con Carol Reed en "El tercer hombre" ("The Third Men"-1949) y en la que Hamilton hizo doblete con Orson Welles en un par de tomas en "La rosa negra" ("The Black Rose"-1950); "Secreto de estado" ("State Secret"-1950) para Sidney Gilliat; "Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) también para Caro Reed; "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951) para John Huston; y "Home at Seven"-1952) para Ralph Richardson.

  Carol Reed le sugerió que si queria dirigir en solitario deberia de dejar de trabajar con Korda a menos que le diera una oportunidad de dirigir. Funcionó y Korda le asignó el trabajo de dirigir la película de serie B "The Ringer"-1952, interpretada por Herber Lom. Su segunda película como director fue "The Intruder"-1953 con Jack Hawkins que trataba sobre los soldados que regresan a la vida civil, después dirigió "An Inspector Calls"-1954 con Alastair Sim. Su cuarta película fue una historia de prisioneros de guerra titulada "The  Colditz Story"-1955 con John Mills de protagonísta, esta fue la película más taquillera de la década en Inglaterra. También intentó un musical "Charley Moon"-1956 con Max Bygraves y una película de aventuras "Manuela"-1957 con Trevor Howard y el mexicano Pedro Armendáriz.

  Tuvo su primera experiencia con películas de mayor presupuesto hacia el final de la década cuando reemplazó por despido al director Alexander MacKendrick en la película "El discipulo del diablo" ("The Devil’s Disciple"-1955) con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Laurence Olivier. Después de "Operación Robinson" ("A Touch of Larceny"-1959), se encontró nuevamente trabajando en una historia de guerra en la comedia italiana producida por Dino De Laurentis "Su mejor enemigo" ("The Best of Enemies"-1961). Esta fue la primera película que mostró su habilidad con intricadas secuencias de acción de escenas.

  Rechazó una oferta para dirigir "Dr. No"-1962, la primera película de James Bond. Pero su siguiente película fue algo fuera de su obra en desarrollo "The Party’s Over"-1965, esta película fue fuertemente censurada y en protesta Hamilton pidió que se eliminara su nombre, cuando por fin fue liberada volvió a dirigir "Entre dos fuegos" ("Man in the Middle"-1963) con Robert Mitchum. En 1964 dirigió su primera pelìcula de la saga Bond, "Goldfinger" que fué un éxito de critica y público. A finales de la década de 1960 volvió a dirigir dos películas más para el productor de Bond, Harry Seltzman: "Funeral en Berlin" ("Funeral in Berlin"-1966) con Michael Caine y "La batalla de Inglaterra" ("Battle of Britain"-1969) con un reparto multinacional.

  Regresó de nuevo a la franquicia Bond con "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Forever"-1971),  "Vive y deja morir" ("Live and Let Die"-1973) y "El hombre de la pistola de oro" ("The Man With the Golden Gun"-1974). Hamilton fue originalmente elegido para dirigir "Superman"-1978, pero, debido a su condición de exiliado, solo se le permitió estar en Inglaterra treinta dias, donde la producción se habia trasladado en el último momento a Pinewood Studios. El trabajo de director pasó luego a Richard Donner, pero Hamilton insistió que se le pagara en su totalidad.

  Las únicas películas de Hamilton en la última parte de la década de 1970 fueron "Fuerza diez de Navarone" ("Force 10 de Navarone"-1978) y la adaptación del misterio de Agatha Christie "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"-1980), con un reparto de lujo. Volvió a dirigir, otra adaptación de Agatha Christie "Muerte bajo el sol" ("Evil Under the Sun"-1982) que también fue muy bien recibida. En 1980 dirigió solo dos películas "Remo: desarmado y peligroso" ("Remo Williams: The Adventure Begimgs"-1985) y "Quiero seguir vivo" ("Try  this One for Size"-1989) antes de retirarse. Aunque ese mismo año le propusieron dirigir "Batman" pero se negó. Pero si dirigió ese mismo año la que sería su última película definitivamente "Quiero seguir vivo" ("Try This One for Size") con Michael Brandon y David Carradine.

  La acción pues, tiene lugar en 1945 en una base de operación británica entre Italia y Bosnia que, tras la destrucción de los cañones de la isla de Navarone, al Mayor Keith Mallory y al sargento Dusty Miller se les asigna una misión en Yugoslavia: destruir un puente vital para el abastecimiento alemán, pero para conseguirlo tendrán que enfrentarse a las patrullas nazis y a un traidor que se ha infiltrado entre ellos...

  El relato se basa en una acertada combinación de diversos elementos narrativos, manejados con habilidad. La posibilidad de su existencia, conocida por Keith y Mallory, hace que estos soporten un máximo de tensión. El mando les dejó a ellos porque eran los únicos supervivientes de Navarone capaces de identificar al infiltrado.

  La banda sonora fue compuesta y dirigida por Ron Goodwin, "La batalla de Inglaterra" ("Battle of Britain"-1969). Un compositor y director de orquesta nacido en Inglaterra. Muy conocido por su música para películas, puesto que compuso más de 70 partituras durante toda su carrera. Estuvo nominado al Globo de Oro por "Frenesi" ("Frenzy"-1972) de Alfred Hitchcock. En diciembre de 2002 completó su 32 años consecutivos en conciertos navideños en lugares abarrotados en todo el sur de Inglaterra.

  Y aqui interpretando por una formación orquestal completa, que ofrece una partitura sólida, contundente y de gran belleza.

  La fotografía en color fue dirigida por Christopher Challis. Un director de fotografía nacido en Londres. Sus primeros trabajos fueron como operador de cámara en varias películas de Michael Powell y Emeric Pressburger. Debutó como director de fotografía con la película "El final del rio" ("The End of the River"-1947). Su experiencia con el color hizo que los cineastas británicos de la década de 1950 lo eligieran con frecuencia, trabajó en varias películas de éxito, incluidas "Hundid el Bismark" ("Sink the Bismark"-1960) y "Chtty Chitty Bang Bang"-1968. En 1936 se unió a la Royal Photographia Society, donde siguió siendo miembro hasta su muerte en 2012.

  Muy bien todos los actores, y todos en sus respectivos puestos de combate a la cabeza de Robert Shaw, "Tiburón" ("Jawas"-1975) como Mallory, seguido por Harrison Ford (aqui aún no habia dado su dó de pecho, solamente "La guerra de las galaxias" ("Star Wars"-1977) y aqui como Barnsby; Edward Fox, "Chacal" ("The Day of the Jackal"-1973) como Miller; Alan Badel, "Arabesco" ("Arabesque"-1966) como Petrovitch; Franco Nero, "Tristana"-1970 como Lescovar. Y entre tanto hombre no podia faltar una mujer y aqui nos encontramos con la bellisima Barbara Bach, "La espia que me amó" ("The Spy Who Loved Me"-1977) como Maritza...

  En definitiva: Una película que se deja de ver si no buscamos más que entretenimiento sin complicaciones, ni exigencias. Notable.

  A modo de curiosidad: Después de haber sido proyectada en Camp David como la película de Acción de Gracias para el presidente de Estados Unidos Jimmy Carter. La película se estrenó en Estados Unidos el 8 de diciembre de 1978 y recibió criticas mixtas y supuso un fracaso de taquilla consiguiendo algo más de 7 millones de dólares de recaudación. No obstante, para algunos aficionados al cine bélico es casi una película de culto.

 

 

 

 

 

 

 

01/10/2021 07:55 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Al final de la escapada (A bout de souffle - 1960)

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   En recuerdo de: Jean - Paul Belmondo

  "Si no le gusta el mar... y no le gustan las montañas... y no le gusta la gran ciudad tampoco... ¡Qué lo jodan!.

  Película imaginativa e innovadora y, toda una obra maestra de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una historia de Françoise Truffaut. Un cineasta nacido en Paris y uno de los iniciadores del movimiento de la Nouvelle Vague, si bien luego evolucionó de modo muy personal. Su influencia fue mas bien desgarrada y fantasiosa. Estudió en la escuela de la rue Clauzel y en el Liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. En 1946 dejó los estudios y sobrevivió con pequeños trabajos y en 1947 fundó un cine-club.

  Su primer contacto detrás  de la cámara fue en 1953 con el cortometraje "Une visite", y su primer éxito le llegaria con "Los 400 golpes" ("Les 400 Coups"-1959). Su último trabajo para la pantalla grande fue con la pelicula (como director)"Vivamente el domingo" ("Vimement dimanche!"-1983). Con "Los 400 golpes" estuvo nominado al Oscar al Mejor guión y en el Festival de Cannes logró el Premio a la Mejor dirección.

  El segundo guionísta y también director de la película fue Jean-Luc Godard. Un cinesata nacido en Paris. Simbolo de la conciencia progresista de los años sesenta, Godard comparte con el Che Guevara y John F. Kennedy una voluntad apasionada por  cambiar el mundo, una profundidad intelectual, facilidad para la retórica y fama de radical. Su impacto fue tal que ninguna obra puede declararse hoy politicamemte inocente.

  En los años cincuenta, Godard empezó a escribir para la prestigiosa revista Cahiers du cinéma. El y otros criticos como Françoise Truffau, Claude Chabrol y Eric Rohomer. insatisfechos con las normas y las fórmulas del cine comercial, decidieron rechazar las convenciones y poner enfásis en las emociones humanas directas a la acción impulsiva. El movimiento se convirtió en la nouvelle vague francesa.

  La primera película de Godard, "Al final de la escapada" ("A bout  de souffle"-1960) cayó como una bomba en el Festival de Cannes. Esta historia de un insignificante gángster evoca un Paris deshinbido y existencialísta, combinado con una moderna banda sonora de jazz, un dinámico ritmo de furiosas persecuciones, saltos de imágen bruscos, estallidos repentinos de violencia, sexo casual, travellings suaves y un ambiente de contemplación filosófica.

  La película rebosa inmediatez espontánea, personificada en la encantadora escena en la que Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo se pasean coqueteando por los Campos Eliseos. Godard, repentinamente famoso por esta obra, se convirtió en un héroe de la izquierda, un símbolo para el joven movimiento progresista y pscifista. "El soldadito" ("Le petit  soldat"-1963) y "Los carabineros" ("The carabiniers"-1963) son películas activistas. La primera fue prohibida por su critica de la guerra de Argelia y por contener una fuerte escena de tortura. La segunda es una dura sátira de la guerra.

  "Una mujer es una mujer" ("Une femme  est une femme"-1961) y "Vivir su vida" ("Vivre sa vie"-1962) fueron las primeras películas en criticar el consumismo (los personajes son una bailarina de strip-tease y una prostituta), pero también muestran una tierna fe en el amor. Las películas "Banda aparte" ("Bande á part"-1965) y "Lemmy contra Alphaville" ("Lemmy"-1965) desconstruyen los géneros de la road movie y la ciencia-ficción. "El desprecio" ("Le Mépris"-1963), un ataque feroz Hollywood es la obra mas cercana de Godard. Se trata de una pelìcula sobre el rodaje de "La Odisea" de Homero, por supuesto imposible de filmar. Con colores suntuosos y exteriores exóticos, incluye desnudos, pistolas y grandes estrellas como Brigitte Bardot, Jack Palance y Michel Piccoli.

  En 1965 Godard abandonó las historias marcadas por el argumento para dar prioridad a la concepción marxista del cine como arma revolucionaria. "Pierrot el loco" ("Pirerrot le fou"-1965), "La Chinoise"-1967 y "Weekend"-1967 siguen siendo agudas por sus metáforas abiertamete politicas. En todas ellas, el marco narrativo es utilizado como vehículo para trasladar la critica ideológica: la route  du soleil plagada de coches quemados en "Weekend" es la critica más despiadada a la sociedad de ocio hecha hasta el momento.

  Una vez que dejó de lado la narración, las películas de Godard se convirtieron en manifiestos de propaganda que se sumaron a las manifestaciones de protesta de 1968. Trabajó luego en una serie de panfletos que defendian la revoluciòn protesta y deconstruian el lenguaje cinematográfico. La desarticulación fue tan absoluta que hasta 1979 Godard no volvió a componer una historia. "Salve quien pueda la vida" ("Sauve qui peut la vie"-1980), alejada de la politica y más cercana al arte y la filosofía, ya presagió una vuelta al cine narrativo. "Pasión" ("Passion"-1982), "Nombre: Carmen"-1983, "El rey Lear" ("King Lear"-1987), "Nueva ola" ("Nouvelle Vague"-1990) y "Hélas pour moi"-1993, le consideraron poco a poco como un creador maduro.

 

  Su peculiar "Historia (s) de Cinéma" - 1997-1998 de ocho volúmenes, fue su testimonio más personal sobre el papel del cine en la sociedad durante un siglo. "Elogio de amor" ("Eloge del’amore"-2001) y "Nuestea música" ("Notre musique"-2004) reflejan su devoción por la literatura y la música clásica en escenas introspectivas, dificiles de digerir, pero brillantes. Las películas de Godard han alterado el curso de la historia del cine por si solas,  le dieron conciencia política cuando lo necesitaba. Más adelante, simplemente se dedicó a hacer cine, lleno de sabiduria y belleza..

  Asi pues, Godard nos lleva hasta Paris y Marsella, a lo largo de unos 6 dias, en septiembre de 1959. Y en donde un tal Michel Poiccard de 26 años, un ladrón de poca monta admirador de Humphrey Bogart (hasta imita sus gestos),  y que tras un desgraciado accidente en el viaje en coche desde Marsella a Paris va en busca de Patricia Franchini, una joven de 21 años, con la que habia  tenido un breve noviazgo unos dias antes...

  Michael es fantasioso, inestable, carece de empleo y, tras una apariencia fria, disimula su desesperación... Patricia es norteamericana, quiere estudiar periodismo, colabora en el "New York Herald Tribune", es culta, inteligente, romántica e ingenua. Vive sola en Paris y se relaciona con varios amigos...

  La película suma el género de crimen,  drama, romance y thriller. Junto con "Hiroshima, mon amour"-1959 de Alain Resnais y "Los 400 golpes"-1959 de Françoise Truffaut marcó el inicio de la "Nouvelle Vague", que rompió las normas del cine anterior, y ejerció gran influencia en el cine posterior de Europa y Estados Unidos.

  La historia, vista con los ojos actuales, conserva la frescura, la capacidad de sorprender y la condición de obra perpetua y viva. Rodada con prisas y montada con la técnica del "jump cut", presenta un ritmo rápido y agitado, que evoca el estilo de vida que se estaba imponiendo. Los diálogos son fluidos, intensos, provocativos, ocurrentes e insolentes. Los personajes, tomados de la vida real, practican el amor libre, desarrollan conductas amorales y conciben el sexo como un juego.

  Incorpora también numerosas citas cinéfilas de estrellas (Bogart), realizadoes (Resnais, Melville, Altman...) y titulos "40 pistolas" ("Forty Guns"-1957), "Vorágine" ("Whirlpool"-1950), "Nacida en el oeste" ("Westbound"-1959)... También aporta citas y referencias literarias (Faulkner), musicales (Mozart, Basch...), plasticas (Picasso, Renoir...). Como documento histórico muestra un mundo en trance de grandes cambios (sustitución de la IV por la V República, nuevos líderes, racionalización de costumbres, liberación de la mujer, desacrilización del sexo, nueva generación de actores y directores de cine...).

  La banda sonora corrió a cargo de Martial Solat. Un compositor nacido en Argel (Argelia). Su interés por la música le llegó tempranamente y por tradición familiar, su madre era cantante de ópera. Empezó a estudiar piano a los seis años y en 1942 le llegó su interés por el jazz. Debutó profesionalmente en 1945 en el Hotel Sherezade de Argel. Después de licenciarse marchó a Paris contratado por Benny Bennet y tuvo la oportunidad de tocar y grabar con el maesro de la guitarra Django Reinhardt. En 1989 creó el Concurso Internacional de piano que llevaba su nombre, que ha llegado a ser uno de los premios mas prestigiosos de Francia.

  Y aqui, combinando fragmentos de jazz propios del cine negro clásico, festivas melodias cirquenses y cortes descriptivos ("Persecución", "La muerte"...).

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Raoul Coutard. Un director fotográfico nacido en Paris. Y muy conocido por su conexión con el periodo de la Nouville Vague y, en particular, por su trabajo con Jean-Luc Godard. También filmó películas con Truffaut y para Jacques Demy, un contemporáneo asociado con el movimiento. Entre sus películas caben de citar: "Tirad sobre el pianista" ("Shoot the Pianist"-1960) de Françoise Truffaut, "Z"-1969 de Costa Gavras, "Max, mi amor" ("Max, mon amour"-1986) de Wagisa Oshima , donde tieneun importante papel nuestra Victoria Abril.

  Y aqui, buscando el verísmo y la notoriedad, creando collages sorprendentes y usando ángulos inusuales.

  Muy bien la pareja protagonista (muy jovenes los dos), él Jean-Paul Belmondo, "El hombre de Rio" ("L’Home de Rio""-1964) metido en el cuerpo de Michel Poicard y ella Jean Seberg, "Buenos dias tristeza" ("Bonjour tristesse"-1958) dando vida a Patricia Franchini. Y con ellos Roger Hanin, "Demasiadas mujeres para Layton" ("Carré de dames pour un as"-1966) como Carl Zubart; Daniel Boulanger, "Las petroleras" ("Les pétroleuses"-1971) como el inspector Vital; Jacques Huet, "El precio del peligro" ("Leprix du denger"-1983) como Antonio Berrutti...

  En definitiva: Una obra maestra. Una película imaginativa e innovadora que aún se ve y queda uno maravillado por su entorno novedoso, fresco, aventurado, vanguardista y más posmoderno que el posmodernísmo actual.  Matricula de Honor.

  "Al final de la escapada" logró el Oso de plata al Mejor director en el Festival de Berlin, y Jean Seberg estuvo nominada al BAFTA a la Mejor actriz extranjera.

19/09/2021 09:08 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                Jean-Paul Belmondo

                    l’enfant terrible

  El pasado 6 de septiembre y después de una larga enfermedad falleció en Paris a los 88 años de edad el actor Jean-Paul Belmondo, una de las principales figuras del movimiento cultural francés conocido como la Nouvelle Vague.

  Hijo del famoso escultor Paul Belmondo, Jean-Paul debutó en el cine en 1957 y se convirtió como bien he dicho en una importante figura de la Nouvelle Vague por su papel en "Al final de la escapada" ("A bout  de soufle"-1960), de Jean-Luc Godard, se mostró natural, cinico e incluso denso, habia nacido un nuevo tipo de personaje.

  En realidad Belmondo no tenia fisico de gran estrella, pero su virilidad y su encanto en cierto modo insolente, le diferenciaban de Alain Delon, en muchos sentidos, su alter ego, y asi sedujo a algunos de los directores más influyentes de la época como Claude Chabrol, Françoise Truffaut y Alain Resnais.

  Era capaz de interpretar casi todo, fue incluso un convincente sacerdote para Jean Pierre Melville en "Leon Morin, sacerdote" ("Leon Morin, prêtre"-1961). Sin embargo a partir de mediados de los años 60 con películas como "Las tribulaciones de un chino en China" ("Les tribuations d’un chinois en Chine"-1965), una popular mezcla de acción y comedia en la que encajaba muy bien, se pasó al cine comercial y pronto se convirtió en el actor francés más famoso de su época.

  Lleno de energia protagonísta siempre de sus propias acrobacias (ya era un completo atleta antes de asistir a clases en el Centro Nacional Superior de Arte Dramático de Paris), desafortunadamente Belmondo quedó cada vez más encasillado en personajes similares que el público ya conocia, aunque fue capaz de interpretar papeles donde se burlaba de si mismo.

  En 1989 le dieron el César por su papel en  "El imperio del león" ("Itinéaire d’un enfante gâle"-1988). Desgraciadamente sus últimas películas raramente han contribuido a mejorar su reputación. En los últimos años Belmondo prefirió centrarse en los escenarios, pero desde que sufrió un ataque de apoplegia en 2001, ha estado ausente tanto del cine como del teatro.

  Aunque no obstante ese mismo año rodó una serie para la televisión francesa titulada "L’aîné des Ferchaux" dirigida por Bernard Storo, que trata la vida de un rico empresario atrapado en una red judicial. Volvió en el 2008 donde hizo hizo su último trabajo para el cine con la película "Un hombre y su perro" ("Un homme et son chien"-2008) de Francis Huster y teniendo como compañeros de rodaje a Max von Sydow y Charles Aznavour, y en donde Belmondo interpreta a un profesor jubilado.

  En 2007 fue condecorado con la Legión de Honor en el grado de Comandante. Y al dia siguiente de su fallecimiento se le rindió un homenaje nacional en Los Inválidos de Paris.

  Jean-Paul Belmondo - Nevilly-sur-Seine (Francia) - 9 - abril - 1933 - Paris (Francia) - 6- septiembre- 2021.

                                             ¡DESCANSE EN PAZ!

11/09/2021 09:29 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Annie Hall (1977)

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  "El sexo es lo más divertido que he hecho sin sonreir".

   Maravillosa pelicula de género comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Marshall Brickman. Un  guionísta y director de cine nacido por casualidad en Rio de Janeiro (Brasil). Mundialmente conocido por sus colaboraciones con Woody Allen,. Después de asistir a la Universidad de Wiscosin-Madison, se convirtió en miembro del grupo folclórico "The Tarrios" en 1962 y tras su disolución en 1965 se dedicó exclusivamente a escribir guiones para el cine, dirigiendo varios de ellos. Pero su éxito lo logró a nivel mundial colaborando con Allen en películas como por ejemplo: "Annie Hall"-1977 y "Misterioso asesinato en Manhattan" ("Manhattan Murder Mystery"·-1993) entre otras muchas más.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue como no Woody Allen. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que produce una película al año, protagonizada por él mismo casi interrumpidamente desde los años 60. Clave para el estereotipo de su fisico menudo, sus gafas y sus entradas, y una tendencia a la pantomina y la queja perpetua, hasta el punto de que esa queja está en la base de su humor. Verbalmente hábil, no da el tipo de galán protagonísta pero es el centro de la escena en películas donde su neurosis es irritante y a la vez entrañable.

  Empezó escribiendo chistes y guiones para la televisión, antes de debutar con la película "Lily la tigresa" ("Wath’s Up, Tiger Lily?"-1966), canaliza su capacidad de observación con un discreto personaje, sus inteligentes diálogos que convierten sus películas en notorias, esté delante o detrás de la cámara. De su trabajo como actor destacan "Bananas"-1971, "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar" ("Every thing You Always wanted to know About Sex"-1972) y "El dormilón"("Sleeper"-1973), antes de entrar en su fase madura con "Annie Hall"-1977. Con la que ganó un Oscar al Mejor Guión y a la Mejor Dirección, y obtuvo su única nominación como actor además de llevarse el premio a la Mejor Película.

  Exibia los eternos problemas de Allen con inteligencia y agudeza, el enfrentamiento entre las sensibilidades de la costa este y oeste de Estados Unidos, los problemas del verdadero amor y las complicaciones del éxito profesional y la realización personal. Afortunadamemte, su tendencia hacia la oscuridad "Manhattan"-1979 es solo un reflejo en sus peliculas que son importates por su humor y fuerza interpretativa, como "Hannah y sus hermanas" ("Hannah and Her Sisters"-1986), y "Maridos y mujeres" ("Husbands and Wives"-1992). Esta tendencia es también la que le permite trabajar como actor y director en todos sus demás proyectos. Su última película (hasta la fecha) estrenada en el cine como actor y director ha sido "Rifkin’s Festival"-2020, una comedia en coproducción con Italia y España.

  Asi pues, Allen nos lleva hasta su ciudad favorita Nueva York, y un poquito a Los Angeles, a lo largo de algo más de un año en 1976. Y nos cuenta la hisoria  de Alvy Singer y su pareja actual Annie Hall. Alvy es un actor cómico de unos 40 años, neurótico, chistoso. enamoradizo, con temores y miedos al matrimonio, divorciado dos veces, enfermizo, que lleva 20 años sometiéndose sin éxito, a terapia psicológica... Annie, de Wisconsin, de unos 30 años, pareja de Alvy, es guapa, inteligente e insegura... Alvy, en funciones de Pigmalión, le aconseja visitar al psicoanalísta y leer obras de creación literaria... La pareja vive en una etapa de enamoramiento, a la que sigue otra de divergencias y distanciamiento...

  La película pues, se asienta sobre una estructura narrativa fragmentada por flasbacks (amores anteriores), intervenciones de Alvy dirigidos a la cámara (explica un chiste de Groucho Marx), sueños, escenas de animación (Annie compara en sueños a Alvy con la bruja de "Blancanieves"), imágenes con subtitulos (que revelan el verdadero pensamiento de los interlocutores), división de la pantalla en dos partes desde las que los actores se interpretan.

  También la historia glosa la dificultad de las relaciones amorosas prolongadas, las obsesiones morales sobre el sexo, el amor y la fidelidad, , las dudas e indecisiones ante una realidad que cambia, la inmadurez emocional. Refleja con acierto como se entendia el amor en la década de los 70. Y supone un giro en los trabajos del autor, que se orienta hacia un amor sútil y reflexivo. Contiene referencias cinéfilas a "La Strada"-1954, "Vidas rebeldes" ("The Misfits"-1961), "Satiricón"-1969, "Cara cara al desnudo"-1976 de Ingmar Bergman, "El padrino" (The Godfather2-1972) y al documental "La pena y la piedad"-1969.

  Se critican jocosamente los expresidentes Heisenhover y Johnson y se habla de la conspiración que mató a Kennedy. Las citas ocultas incluyen a Balzac, James Joyce, Henry James, Samuel Beckett y otros. Abundan las escenas surrealistas, como la de la cola del cine ante la que Alvy presenta a Marshall McLuhan y la de la cúpula de la pareja durante la que el alma de Annie se separa del cuerpo y, aburrida, se sienta y dialoga con los dos. Es destacable la escena cómica de las langostas y la comparación de Los Angeles con Nueva York.

  La musica es muy escasa, incluye solamente dos canciones melódicas pero eso si magníficas, "Seems  Like Old Times" de Guy Lombardo y "It Had To Be You" de Frank Sinatra.

  La fotografía en color fue dirigida por Gordon Willis. Un director de fotografía nacido en Massachusetts. Muy conocido por sus colaboraciones con Woody Allen, "Manhattan"-1979, Francis Ford Coppola, "El padrino" ("The Godfather"-1972) y Alan J. Pakula, "Todos los hombres del presidente" ("All the President’s Men"-1976). También dirigió una película "Ventanas" ("Windows"-1980) con Talia Shire, pero obtuvo criticas muy negativas. En 2009 obtuvo un Oscar honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica.

  Y en esta espléndida historia de amor, realizando tomas largas y construyendo escenas de una sola toma de gran fuerza.

  Excelente la pareja  protagonísta: Woody Allen, "Granujas de medio pelo" ("Small Time Crooks"-2000) y Diane Keaton, "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money"-2008), él dando vida a Alvy Singer y ella metida en el personaje de Annie Hall.

  Y con la pareja: Tony Roberts, "Plantón al cielo" ("18 Again!"-1988) como Rob; Shelley Duval. "El resplandor" ("The Shining"-1980) como Pam; Christopher Walken, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) como Duane; Janet Margolin, "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Dun"-1969) como Robin. Y también podemos ver al cantante Paul Simon del dúo Simon y Garfunkel...

  En definitiva: Una película apabullante, genial y enormemente recomendable. Matricula de Honor.

  "Annie Hall" logró 4 Oscar en 1977: Película, Director, Actriz (Diane Keaton) y Guión original (Woody Allen y Msarshall Brickman).

  A modo de curiosidad: El titulo original de la película no iba a ser "Annie Hall". "Anhedonia" era el elegido, que en griego significa "imposibilidad de sentir placer". Un titulo que hubiese encajado bastante bien con el personaje de Allen.

26/08/2021 09:17 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Taxi Driver - 1976

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  "Escuchad imbéciles de mierda, aqui hay un hombre que va a cortar por lo sano, un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la podredumbre, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso".

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine por un guión de Paul  Schrader. Un director de cine y guionísta nacido en Michigan. Educado en una estricta fe calvinista que le marcaria profundamente, no vió una película hssta cumplir 18 años de edad. Se graduó  en el UCLA Film Studios y se convirtió en critico de cine para el periódico Weekly Press de Los Angeles. En 1975 escribió junto con su hermano el guión de "Yakuza" que posteriormente dirigiría Sydney Pollack. En 1976 escribió "Obsession" dirigida por Brian de Palma y ese mismo año Martin Scorsese se encargó de dirigir su guión "Taxi Driver". Como director también tiene un extenso historial con películas  como por ejemplo: "American Gigolo"-1980 con Richard Gere y "Blue Collar"-1978 con Richard Pryor.

  "Taxi Driver" está dirigida por Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Scorsese es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito cada proyecto y su obra no sea del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado su valoración pública como director de cine, más de la que cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con la que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de generalidad pero también sintomas de un exceso artístico. El recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo.

  Este riesgo de reconocer formalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos rspectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar.

  En ese sentido, Scorsese puede resultar, algo pomposo. El hecho de que sepa reconocer ka fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico entorno a la fotogenia, no solo como medio para contar historias, sino también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explica que la obra de Scorsese, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de las cámaras en celebridades. Ha recibido el premio a toda su vida del American Film Institute (Institución de Cine Estadounidense). Tieme 11 nominaciones al Oscar, ganándolo una vez por "Infiltrados" ("The Departed"-2007) y dos nominaciones al mejor guión adaptado. Aparte de los BAFTA y Globos de Oro. Su última película estrenada en los cines hasta la fecha (como director) ha sido "El irlandés" ("The Irishman"-2019).

  La acción pues, tiene lugar en 1975 en Nueva York. Y está narrada en primera persona por el protagonísta, un tal Travis Bickle, antiguo "marine", veterano de la guerra de Vietnam, de 26 años de edad y mentalmente inestable, trabaja de noche como taxista a causa del insomnio que padece. Es un personaje solitario e inadaptado, presa de depresiones acompañadas de ansiedad. Sus intentos de relaciones con otras personas como por ejemplo con Betsy, Pauline, Iris, etc., fracasan a causa de su torpeza y errores. Sumido en la soledad, su desvarío mental se agudiza y sus acciones se apartan cada vez más de la lógica. Sustituye los intentos de integración personal por intentos quijotescos de solución de las personas que admira y aprecia, a las que propone "liberar" de las garras de quienes los engañan, utilizan y explotan...

  A través de los ojos del protagonísta, la película muestra el submundo decadente, enfermizo y corrupto de la gran ciudad, poblada de desaprensivos, chulos, prostitutas, rateros, ladrones, fracasados, criminales, asesinos y similares. La ciudad sucia, húmeda, maloliente, agobiante y sin esperanza, es el escenario psicológico en el que se mueve el protagonísta. El mundo que ve en él topa frontalmente con sus prejuicios convencionales sobre el bien, la virtud y la moral.

  La fotografia en color corrió a cargo de Michael Chapman. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine como asistente y operador de cámara, y debutó como director de fotografía con "El último deber" ("The Last Detall"-1973) de Hal Asbhy. Debido a su gran labor en "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980) por el que recibió una nominación al Oscar, Carl Reiner lo contrató para hacer "Cliente muerto no paga" ("Dead Men Don’t Wear Plaid"-1982) protagonizada por Steven Martin. Además de su gran trayectoria como director de fotografía, también dirigió algunas películas como por ejemplo: "La clave del éxito" ("All the Right Mones"-1983) protagonizada por Tom Cruise.

  Y aqui, aportando un intenso y excelente trabajo de cámara, muchos "zooms", ralentización de imágenes. distorsiones de los personajes, iluminación expresionísta (que recuerda la del cine negro clásico), primeros planos, sugerencias visuales, encuadres picados y otros, que aportan vigor, fuerza y pulso a la narración. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan (Nueva York).

  La banda sonora se la debemos a Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York y especializado en el género cinematográfico. Ganador de un Oscar por "El hombre que vendió su alma" ("The Devill and Daniel Webster"-1941). Es mundialmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles, "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y sobre todo con Alfred Hitchcock en películas como por ejemplo: "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956), "Vértigo"-1958 y "Psicosis" ("Psycho"-1960). Con ello ya mostraba un claro interés por conceptos de la vanguardia musical de la segunda mitad del siglo XX.

  Y aqui, mostrándo una música potente, gratamente ritmíca y envolvente. La película consta de 16 temas, entre los que sobresalen el "Main Tittle" (con un magnífico solo de saxo alto), "God’s Lonely Man (End Tittle"), The Days Do Not End" y "Betsy vestid de blanco". Fué el último trabajo de Hermann ya que falleció semanas antes del estreno.

  Extraordinario Robert De Niro, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) metido en el cuerpo de Travis Bickle un taxita nocturno de Nueva York que apenas tiene contacto con los demás. Y seguido muy bien por Cybill Shepherd, "El cielo se equivocó" ("Chances Are"-1989) como Betsy; Jodie Foster, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) como Iris; Peter Boyle, "Atmósfera cero" ("Outland"-1981), como Wizard; Albert Brooks, "Al filo de la noticia" ("Brocdcast News"-1987) como Tom; Harvey Keitel, "La búsqueda" ("National Treasure"-2004) como Sport...

  En dedfinitiva: "¿Me estás hablando a mi?"   Matricula de Honor

  "Taxi Driver"Estuvo nominada al Oscar en los siguientes apartados: Pelicula, Actor (Robert De Niro), Actriz secundaria (Jodie Foster) y Música (Bernard Hermann).

  Como curiosidad: Para prepararse el papel Robert De Niro trabajó como taxista durante un mes dedicándole doce horas diarias. También estudió la enfermedad mental del personaje. En cuanto a la forma de hablar, De Niro estudió los dialectos del Medio Oeste para darle un acento pleno y una voz desinchada a Travis Bickle.

16/08/2021 08:03 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Tiburón (Jaws - 1975)

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  "Bueno esto no es un accidente de bote. No fue ninguna hélice. No fue ningún arrecife de coral... Y no fue Jack el Destripador. Fue un tiburón".

  Una de las grandes películas de género terror-aventuras y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Peter Benchley. Un escritor nacido en Nueva York. Tras cursar sus estudios en Harvard, trabajó sucesivamente en el Washington Post en la que llegó a ser editor de la revista Newsweek. Su primer libro fue precisaente "Jaws" que fue publicado en 1974, convirtiéndose inmediatamente en un éxito de ventas. Fue catapultado definitivamente al estrellato tras llevar a la pantalla grande esta novela.

  Del guión se hicieron cargo el propio Benchley ayudado por Carl Gottlieb. Un guionísta y actor nacido también en Nueva York. Empezó a escribir guiones para la televisión. Asimismo apareció en varias películas como actor como por ejemplo en "MASH"-1970 de Robert Altman. En 1968 se unió al Gremio de Guionístas de Estados Unidos, en el que ha desempeñado diversos cargos y del que actualmente a sus 83 años es secretario-tesorero.

  "Tiburón" está dirigida por  Steven Spielger. Un cineasta nacido en Cincinnati (Ohio). Cuando era un niño siempre se imaginaba películas, empezó a filmarlas en 8 mm cuando tenia unos doce años de edad. Formado en televisión, donde dirigió programas como "Marcus Welby, M.D."(1970), su primer trabajo cinematográfico serio llegó con "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971), película en la que un afable hombre de negocios interpretado por Dennis Weaver es perseguido por un diábolico camión. Posteriormente rodó otra historia de carretera, "Loca evasión" ("The Sugarland Express"-1974), sobre un convicto escapado que atraviesa el pais junto a su mujer y su hijo mientras los policias le persiguen formando una larga caravana cada vez más agresiva.

  En 1975 de dió a conocer en todo el mundo adaptando al cine "Tiburón", el libro de Peter Benchley sobre tres hombres no demasiado compatibles que zarpan juntos para matar un malvado tiburón. La película cautivó al público con su ingenioso montaje y su narrativa reforzada por una banda sonora escalofriante, Spielberg fue aclamado como un nuevo niño prodigio del cine. Durante los diez años siguientes triunfó con "Encuentro en la tercera fase" ("Close Encounters of the Third Kind"-1977), "1941"-1979, "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark"-1981), "E.T.El Extraterrestre" ("E.T.:The Extra-Terrestrial"-1982), "Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones and the Temple of Doom"-1984) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), una adaptación del best-seller de Alice Walker sobre la esclavitud, la enmancipación y la condición femenina.

  Todas las películas enfatizan una visión sentimental del mundo en perfecta sinfonia con la sensibilidad burguesa del público e incorporan elegantes movimientos de cámara, una meticulosa puesta en escena, con decorados verosimiles y evocativas interpretaciones de actores seleccionados con rigor que, en muchos casos, son jóvenes o transmiten inocencia juvenil ante la cámara.

  Con el tiempo, "E.T. El Extraterrestre" se ha convertido en un icono. Narra la historia de un niño que entabla amistad con un extraterrestre abandonado en la Tierra por accidente y explora la capacidad de asombro de la infancia en el contexto de un malévolo mundo adulto. La criatura alienígena un robot creado por Carlo Rambaldi, enterneció al público con su gusto por la cerveza, su capacidad para curar heridas por imposición de manos y la morriña que siente por su planeta: "¡E.T., teléfono, mi casa!".

  "El imperio del sol" ("Epire of the Sun"-1987), narra con una sorprendente cualidad sinfónica el encarcelamiento de un joven británico, James  "Jamie" Graham (interpretado extraordinariamente por Christian Bale) cerca de Shanghai durante los dias previos de la explosión de la primera bomba atómica. Spielberg crea una película evocativa y armoniosa centrada en lo visual y con una gran fuerza y un gran atractivo, combinando con aplomo escenas de plató y exteriores, concibiendo y ejecutando complicadas secuencias de acción y aprovechando el dolor que produce en el niño verse separado de sus padres,  sus asombrosas habilidades de supervivencia en diversos campos de prisioneros, su casi muerte por inanición y la reconciliación final en brazos de su madre.

  En dos películas de los años noventa basadas en la novela  de Michael Crichton, "Parque Jurásico" ("Jurassic Park"-1993),  Spielberg crea una aventura en un parque de atracciones habitados por clones de bestias prehistóricas, "A.l:Inteligencia artificial"-2001 también aborda el tema de la clonación, al igual que "Minority Report"-2002, en el que el castigo antecede al crimen. Este éxito de taquilla protagonizado por Tom Cruise es una alrgórica bofetada a las maniobras políticas realizadas por la derecha a la estela del fatídico 11 de septiembre. Sus películas posteriores fueron  algunas de ellas recibidas con menor entusiasmo, pero su mejor momento todavía  estaba por llegar.

  Steven Spielberg es un apasionado de la 2ª Guerra Mundial y asi se refleja en películas como "Salvar al soldado Ryan"("Saving Private Ryan"-1998). Se trata de una de sus mejores películas, que sedujo a critica y público por igual pero sorprendentemente no ganó el Oscar a la mejor película. "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993) es la historia de un hombre que salvó a numerosos judios de los campos de exterminio.

  Su última película estrenada hasta la fecha se titula "Ready Player One"-2018. Una aventura de ciencia-ficción centrada en el año 2045.

  La acción pues, tiene lugar en la costa concretamente en el litoral de la isla Amity (Nueva Inglaterra), crntro turístico de verano situado en la costa atlántica de Estados Unidos. La aparición de varios turistas muertos hace que el jefe de policia Martin Brody, el oceanógrafo Matt Hopper y el cazador Quint  unan sus fuerzas para identificar al responsable de las muertes, perseguirlo y reducirlo. Brody es un experto policia de Nueva York, de servicio en Amity, que tiene miedo al mar, Hopper es estudiante de buena familia, Quint es un veterano del Vietnam, con problemas emocionales y psicológicos, que se dedica profesionalmente a la caza de tiburones...

  La película suma terror, suspense, thriller, cine de catástrofes y por supuesto aventuras. Spielberg aqui con 28 años de edad, construye una esmerada película de suspense clásico, que sigue las postuladss básicas de Hitchcock. Los hechos que muestra se presentan rodeados de interrogantes e incertidubre y el progreso de la narración descubre gradualmente referencias cada vez más inquietantes, que enfrentan al espectador con el miedo a lo desconocido. Solo cuando la película está planteada y la acción avanzada desvela quien es el responsable de los ataques mortales a personas. Hace uso intensivo de la sugerencia: durante mucho tiempo no se ve al causante del mal, sino sólo los efectos de sus acciones.

  Se ajusta a la estructura de las antiguas películas de monstruos, que juegan con lo desconocido, lo misterioso y la presencia del mal. Algunos comentaristas ven paralelísmo entre "Tiburón" y "Moby Dick"-1956 de John Huston, aunque la ballena representa a Dios y el tiburón encarna al diablo. En conjunto, la película aporta más angustia y terror que suspense. Contiene elementos de aventura que enfrentan a personajes ordinarios con situaciones que requieren cooperación, trabajo en equipo, la ayuda de la amistad y el apoyo del compañerísmo.

  Algunos criticos consideran que la película constituye una variación de "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971) también de Spielberg. En todo caso, es una variación con diferencias notables, mayor intensidad y momentos culminantes de terror. Obtuvo un gran éxito de taquilla.

  La película enmarca en el contexto de una etapa en la que se pone de moda el cine de catástrofes y proliferan las películas de este género. Entre ellas cabe citar "La aventura del Poseidón"("The Poseidon Adventure"-1972) de Ronald Neame, "Terremoto" ("Earthquake"-1974) de Mark Robson, "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974) de John Guillermin y Irwin Allen, "Hindenburg"-1975 de Robert Wise, etc..Identifica el mal con la voracidad, la insaciabilidad, la fuerza bruta, la agresividad, la ocultación, los ataques por sospresa, las acciones a traición y la estupidez.

  La película habla en términos de parábola de los conflictos, miedos y frustraciones de los Estados Unidos, como el Vietnam, la amenaza nuclear, los héroes de guerra psicológicamente rotos, la presencia del mal organizado (Rusia, Mafia, tráfico de estupefacientes, los sentimientos de culpa colectivos, etc.). Veladamente se refiere a las incertidumbres que, para algunos, se dan asociadas a las innovaciones y cambios culturales y sociales de los paises avanzados, como la liberación sexual, la igualdad de las mujeres, el retroceso de los valores tradicionales (disciplina, obediencia, sumisión...) y el auge de los valores de la nueva sociedad (innovación, creatividad, iniciativa, flexibilidad...), etc.

  Habla de problemas antiguos tan arraigados como el individualísmo, el egoísmo, la defensa del interés particular frente al general, las perspectivas ilimitadas e inmediatistas a la hora de juzgar los problemas colectivos, las situaciones de riesgo que crea la propia sociedad (crisis del petróleo de 1973-78), la escasa capacidad de decisión de los políticos ante problemas nuevos y comprometidos. Ve a la naturaleza como fuente de catástrofes (terremotos, incendios...). Trata temas constantes del realizador: la relacción padre/hijo, hombres ordinarios enfrentados a hechos extraordinarios, etc.. La película es más compleja y densa de lo que parece contiene varios niveles de lectura e interpretación, que dan profundidad a la historia y a la película.

  La película (y como punto final) compone una historia terrorífica, perturbadora, vibrante y angustiosa. Hace uso de imágenes espectaculares (primer plano del tiburón), escenas memorables (los hombres se muestran las cicatrices bajo la cubierta del barco), secuencias inolvidables (historia del Indianápolis y de su hundimiento el 29-VI-1945) y reacciones tan gráficas como la desesperación de Quint (cuando quiere olvidar cantando a grandes voces).

  La banda sonora fue obra de John Williams. Un compositor y director de orquesta nacido en Nueva York. Ganador de cinco Oscar y, con la friolera de haber sido nominado en 52 ocasiones. Está considerado como uno de los compositores más prolíficos de la historia del cine, componiendo musica para muchas de las películas más famosas y reconocibles de todos los tiempos. Su estilo más común sule ser descrito como una forma de un neorromantocísmo principalmente con influencias de compositores del romantocísmo alemán como Richard Wagner y Max Steiner entre otros. También compuso la música para cuatro Juegos Olímpicos. Entre sus múltiples bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El violinista  en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971), "Tuburón" (Jaws"-1975) y "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993). En 2020, fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes, junto con Ennio Morricone.

  Y aqui, recogiendo ecos de Stravinsky ("La consagración de la primavera"), Bernhard Herrmann (Psicosis"-1960) de Hitchcock, y Bela Bartok. Compone una partitura de 12 cortes, con un tema central de terror (contrabajo), que se asocia al tiburón y anuncia su proximidad.

  La fotografia en color fue dirigida por Bill Butler. Un director de fotografía nacido en Colorado (Estados Unidos). se graduó con el titulo de ingeniero en la Universidad de Iowa. Sus comienzos como ingeniero fueron en la estación de radio en Gary (Indiana). Más tarde se traslsdó a Chicago donde ayudó a diseñar y construir las primeras estaciones de televisión en la ABC. Alli realizó varios programas, pero Wulliam Friedkin lo animó para la gran pantalla. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y ganó un BAFTA por "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"-1975) de Milos Forman. En abril de 2013, el Festival de Cine de Charleston le otorgó el premio inagural a su trayectoria cinematográfica. 

  Y aqui, mostrando unas imágenes impactantes y creando un climax verdaderamente escalofriante. La escena en la que el escualo bajo el agua, a pocos centímetros de la superficie es verdaderamente aterradora. La película se rodó en escenarios naturales del Pacífico Sur (Australia), Isla Santa Mónica (California), Isla Martha’s Vineyard y en la ciudad de Falwouth (Masachusets).

  Sensacional el trio protagonísta: Roy Scheider, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979) como Brody; Richard Dreyfuss, "Poseidón"-2006 como Hooper y Robert Shaw, "Domingo negro" ("Black Sunday"-1977) como Quint. Y con ellos Lorrane Gary, "1941"-1979 como Ellen la esposa de Brody; Murray Hamilton, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Vaughn; Carl  Gottlieb, "Doctor Detroit"-1983 como Meadows; Susan Backlimie, "El dia de los animales" ("Day of the Animals"-1977) como Chrissie...

  En definitiva: Una película llena de acción con personajes realmente creibles y con escenas espectaculares, que hacen de mantener el miedo dentro del cuerpo del espectador.  Matricula de Honor.

  "Tiburón" logró 3 Oscar en su año: Montaje (Verna Fields), Banda sonora (John Williams) y Sonido (Robert Hoyt, Roger  Heman, Earl Madery y John Carter).

  "Tiburón" posiblemente sea la película con más secuelas de la historia del cine. Las más significativas aunque ninguna llegó a alcanzar el éxito que logró esta fueron: "Tiburón 2"-1978 de Jeannot Szware e interpretada también por Roy Scheider, "Tiburón 3"-1983 de Joe Alves e interpretada por Dennis Quaid y "Tiburón 4"-1987 de Joseph Sargent e interpretada por Michael Caine, etc.etc.

 

02/08/2021 08:09 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

La profecia (The Omen-1976)

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          En recuerdo de: Richard Donner

  "Cuando los judios regresen a Sión, un cometa surge del cielo y el sacro imperio renazca, entonces tú y yo moriremos. Del mar eterno surgirá aquel que creará poderosos ejércitos, y volverá al hombre contra su hermano hasta que ya no exista más..."

  Aterradora y a la vez magnífica pelicula de género de terror y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de David Seltzer. Un guionísta y director nacido en Illinois. Muy conocido por haber escrito precisamente esta novela. En 1971 contribuyó como guionísta no acreditado en la película musical "Un mundo de fantasia" ("Willy  Wonka and the Chocolate Factury"). En 1976 se incrementó su popularidad al ser solicitado por Richard Donner para escribir "La profecia". Tanto la película como el libro constituyeron uno de los mayores éxitos de los últimos tiempos.

  "La profecia" está dirigida por Richard Donner. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre muy reconocido por realizar películas de diversos géneros como por ejemplo la de terror "La profecia" ("The Omen"-1976), la de  culto juvenil de aventuras "Los Goonies" ("The Goonies"-1985), y por haber sido el encargado de la primera adaptación del superhéroe Superman a la pantalla grande "Superman"-1978 protagonizada poe Christopher Reeve y Marlon Brando, entre otros proyectos. También era el encargado de realizar la segunda secuela de ésta "Superman II"-1980 pero fue reemplazdo por Richard Lester a mitad de la producción. Sin embargo Donner, si terminó realizando su propia versión de "Superman II" titulada "Superman II: The Richard Donner Cut", lanzada en 2006.

  La historia da comienzo cuando Kathy Thorn da a luz a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la verdad y sustituye a su hijo por un niño huérfano, ignorando su origen satánico. El horror empieza cuando, en el cumpleaños de Damien (nombre del niño), inesperadamente, su niñera se suicida. Un sacerdote que trata de advertir a Robert del peligro que corre, muere en un inesperado accidente. El creciente número de muertes hace que Robert, por fin se de cuenta de que el niño adoptado es el Anticristo y que hay que eliminarlo para impedir que se cumpla una terrible profecia...

  Una de las mejores películas de terror de los años 70. Una película del todo convincente y fascinante y, en donde sabe llevar con firmeza y sin caer en clichés todo lo relativo al Mal y su entorno. Donner pues, nos ofrece toda una lección de estilo sabiendo aterrorizar a base de inolvidables y muy bien ubicados golpes de efecto (todo lo relativo a las muertes de los personajes).

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Jerry Goldmith. Un compositor nacido en Los Angeles. Aprendió a tocar el piano a los seis años de edad., y a los catorce estudió composición con los maestros Jakob Gimpel y Mario Casternnovo. Su música no se quedaba estancada en ningún estilo, sino que se adaptó a las exigencias de cada una de sus películas. Sus comienzos fueron para la televisión en series tan exitosas como: "Perry Mason" y "El agente de CIPOL" que por supuesto le dieron a conocer. Solamente recibió un Oscar precisamente por "La profecia", aunque estuvo nominado en la friolera de 17 ocasiones.

  Y aqui, creando posiblemente la mejor musica de todas sus películas, toda una obra maestra de principio a fin. Una banda sonora inconfundible, y en la que la presencia del Mal puro nunca ha sido igualado.

  La fotografía en color fue dirigida por Gilbert Taylor. Un veterano director de fotografía nacido en Inglaterra. Después de seis años de servicio en la 2ª Guerra Mundiak como oficial en la reserva voluntaria de la R.A.F., se convirtió en operador de cámara. Trabajó en varias películas destacadas por su estilo cinematográfico en especial "Qué noche la de aquel dia" ("A Hard Day’s Night"-1964), "La profecia" ("The Omen"-1976) y "Star Wars"-1977) entre otras.

  Y aqui, creando una historia en color pero teniendo una sensibilidad en blanco y negro, para asi acentuar el creciente horror de la trama. Aunque el inicio de la película fue rodado en Roma, la mayor parte fue rodada en Inglaterra concretamente en Londres.

  Sensacional Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Robert Thorn, el padre, y como compañera Lee Remick, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) como la madre y esposa.

  Y con ellos David Warner, "Los héroes del tiempo" ("Time Bandits"-1981) como Keith Jennings; Patrick Trougthon, "Las cicatrices de Drácula" ("Scars of dracula"-1970) como el padre Brennan; Billie Whitelaw, "Cristal oscuro" ("The Dark Crystal"-1982) como Baylock. Y atención a Harvey Stephens dando vida al "pequeño" Damien.

  En definitiva: Una obra maestra del cine de terror. Una película de imprescindible visionado. Una obra de arte imperecedera.  Matricula de Honor.

  "La profecia" logró el Oscar a la Mejor banda sonora (Jerry Goldsmith).

  En 1978 Don Taylor dirigió "La maldición de Damien"("Damien: Omen II") que resultó más que aceptable. Y en 1981 Graham Baker hizo "El final de Damien" ("Omen III: The Final Conflict") que fue decepcionate.

27/07/2021 08:30 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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