Hasta siempre!!!

           Concha Velasco (Conchita)

                 "La eterna chica ye yé"

  El pasado 2 de diciembre y a la edad de 84 años falleció nuestra querida e inolvidable Concha Velasco en el Hospital Puerta de Hierro de Majadohonda (Madrid). Concha Velasco (por aquel entonces Conchita) inició su carrera artistica a los 15 años con la película "La reina mora" (1955) de Raúl Alfonso y protagonizada por Antoñita Moreno, Pepe Marchena y Miguel Ligero. Pero su consagración llegó con "Las chicas de la Cruz Roja" (1958) de Rafael J. Salvia y teniendo como compañero a Tony Leblanc (con el que interpretó varias películas mas), Numerosos éxitos se sucederian después. En 1965 rodó "Historias de la televisión" de José Luis Sáenz de Heredia. Tras  su estreno Concha se convirtió para siempre en "la chica ye yé", titulo de la canción de Augusto Algueró que cantaba en la película. Su inesperado estrellato en la música le permitió grabar ocho discos más, aunque ella nunca se reconoció como cantante.

  Concha Velasco recibió en febrero de 2013 el Goya de Honor a toda su trayectoria. "Poca gente hay como ella", dijo Enrique González Macho, presidente dela Academia del Cine, y tenia razón. Concha con más de 80 películas rodadas, series y programas de televisión, e innumerables exitos teatrales, recogia su premio más deseado, al que fue nominada en dos ocasiones sin suerte. Aquella jovencita que estudió danza clásica, que debutó en el Cuerpo de Baile de la Opera de A Coruña, que zapateó como bailarina en la Compañia de Manolo Caracol y que fue chica de revista, con Celia Gámez, obtenia el reconocimiento oficial y el aplauso que merecia como la gran dama de la interpretación que siempre habia sido.

  El mundo artistico le dió a Concha lo mejor y lo peor de su vida. Incombustible y llena de energia rodó más de 80 películas, estrenó obras de teatro y musicales por toda España grabó miticas series de televisión y presentó programas en la pequeña pantalla que permitieron financiar sus sueños teatrales. Ser actriz le abrió las puertas de un paraiso donde se cruzó con los grandes hombres de su vida.

  Conoció a Tony Leblanc, con el que rodó seis películas. El actor fue más que un amigo para Concha, fue un hermano, un hombre al que admiró. El cariño que les unió en 1958 fue creciendo y consolidando con los años, y la muerte de Tony en noviembre de 2012 dejó huérfana a la actriz. El teatro le legaria también a Adolfo Marsillach. El actor y director escribió su primera obra teatral, "Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?", para ella. Gracias a él, además Concha conoció al hombre de su vida el productor Paco Marsó.

  Antonio Gala, el escritor, fue intimo amigo de Concha. Además fue el hombre que ideó para ella grandes papeles teatrales. Pensando en Concha, Gala escribió obras como: "La truhana", "Carmen, Carmen", "Las manzanss del viernes" o "Inés desabrochada". Concha Velasco se casó con Paco Marsó en 1976. Tuvieron dos hijos: Manolo y Paco. La pareja saboreó las mieles del éxito, pero también el fracaso y la ruina económica. Los años de esplendor se alternaron con los embargos y las deudas. Los vaivenes económicos dejaron huella en Concha: úlcera de estómago, depresiones y una cada vez mayor distancia con su marido.

  Tras varias separaciones y otras tantas reconciliaciones, el matrimonio se separó definitivamente en 2005. Marsó dejó de ser su representante y ella se hizo cargo de todas las deudas. Debido a ellas ya habian vendido su casa en La Moraleja en 1998 y vivian en su antiguo piso de Madrid, que poco después tuvo que poner en venta.

  Pero el peor episodio en sus vidas llegaria un año después de su separación. Paco Marsó se convirtió en un asiduo de los programas televisivos e hizo público su adición al juego y a sus numerosas infidelidades en los 28 años que estuvo casado con Concha que, en 2009 se enteró por la prensa de que Marsó se casaba con una joven cubana con la que iba a tener un hijo. Se declaró "desconcertada" y firmaron los papeles del divorcio un año después. A pesar de todo, de que su vida junto a Paco fue una montaña rusa emocional, la actriz viajó de Madrid a Málaga en noviembre de 2010 para dar el último adios al que fue "el hombre de su vida". Destrozada y arropada por sus hijos, despidió al que fuera su marido, fallecido de un infarto. El corazón de Concha se sintió viudo.

  Concha amó a otro grande de la escena, Fernando Fernán Gómez, pero el suyo fue un amor platónico. "Era el que mejor besaba", dijo sin ocultar que le hubiera gustado tener "una historia con él", pero se cruzó Emma Cohen. En la ficción nunca se le resistió nadie, pero en la vida, Concha siempre se sintió como una "mal querida".

  La que fuera "chica ye yé" y rostro pizpireta de muchas películss antes de la transición demostró su enorme talento después, rodando a las órdenes de grandes directores como Pedro Olea, Josefina Molina o Luis Gsrcia Berlanga. Dos nominaciones al Goya y una lista de premios que superaron la treintena de galardones, incluida la Medalla de Oro de las Bellas Artes, alcazan una carrera que la ha valido el respeto y la admiración de sus compañeros de profesión y el cariño del público.

  Pero además, Concha será para siempre "Teresa de Jesús", porque interpretándola en una serie para la televisión en 1984 bordó uno de sus mejores trabajos.  Tras algunas propuestas de poca reputación, como ella misma declaró, sus últimos papeles en la pequeña pantalla "Herederos" (2007-2009) y "Gran Hotel (2011), la reivindicaron como la gran dama de la interpretación que siempre ha sido. Tras un tiempo parada en 2016 regresa a la televisión haciendo papeles  para Antena 3 y, a continuación, para la primera serie de Netflix española, "Las chicas del cable" (2017) junto a Blanca Suárez y Martin Rivas.

  2014 fue un año muy duro para Concha, ya que estuvo a punto de morir en una de las varias operaciones quirúrgicas a la que fue sometida po un linfoma. Retirada varios meses y sin saber si podria volver a trabajar, finalmente, las pruebas médicas que se realizaron fueron muy positivas. A finales de septiembre, reegresó en el teatro de Zaragoza, con la obra "Olivia y Eugenio". Su retorno a los escenarios, además coincidió con la publicación de sus memorias, bajo el titulo "El éxito se paga".

  A finales de diciembre de 2022, Concha volvió a ser ingresada en el hospital, ya que según declaró su hijo Manolo: "Su débil estado de salud se deteriora muy rápido". Recibió el alta el 1 de enero de 2023, pero durante ese año, fueron muchos los momentos de preocupación por la salud de la actriz...

  Concepción Velasco Verona (Concha Conchita Velasco) - Valladolid - 23-noviembre-1939-Majadahonda (Madrid)-2-diciembre-2023

                             ¡DESCANSE EN PAZ!

  Buscate una chica, una chica ye yé

  Que tenga mucho ritmo y que cante en inglés

  El pelo alborotado

  Y las medias de color

  Una chica ye yé

  Una chica ye yé que te comprenda como yo...

 

Valor de ley (The Grit - 1969)

           ¿Viejo?, ¿Gordo?, Cojo?, Borracho?, Tuerto?

  Trepidante película de género de western y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles Portis. Un escritor nacido en Arkansas. Combatió como marine en la Guerra de Corea, y estudió periodismo en la Universidad de Arkansas y después comenzó a trabajar en el célebre periódico New York Harold Tribune. Debutó como novelista con "Norwood d" en 1966, una novela de carretera y aventuras con toques irónicos, satíricos y picarescos que contaba con el protagonismo de un exmarine llamado Norwood Pratt.

  Su novela más conocida fue precisamente "Valor de ley". Pratt era un hombre de carácter esquino siempre se le comparó con Mark Twain y colocado por encima de gente de mayor resonancia como por ejemplo: Kurt Vonnegui, su trayectoria como escritor fue más bien corta, ya que tras "Valor de ley" solamente publicó tres novelas más.

  El guión fue escrito por Margueritte Roberts.Una escritora y guionista nacida en Nebraska. A principios de la década de 1920, ella y su primer marido viajaron a California vendiendo perlas de imitación. Pero cuando su negocio fracasó encontró un trabajo en el periódico The Imperial Valley Press de Los Angeles, Fue entonces cuando a raiz de su divorcio se trasladó a Hollywood para convertirse en una de las secretarias de la 20th Century Fox era el año 1926. Su primer guión lo escribió en 1931 y en 1933 colaboró con Raoul Wals en la película "Salor’s Luck", ese mismo año firmó con la MGM. Otros de sus guiones llevados al cine fueron: "Ivanhoe" (1952) con Robert Taylor y Elizabeth Taylor, "El señor de Hawaii" /("Diamond Head"-1962) con Charlton Heston y "Circulo de fuego" ("Shoot Out"-1971) con Gregory Peck.

  "Valor de ley" está dirigida por Henry Hathaway. Un cineasta nacido en Sacramento (Estados Unidos). Era hijo de actores, su padre además de actor era  representante teatral. Asi pues, creció dentro del mundo de la interpretación, empezó interviniendo en el teatro en pequeños papeles infantiles, y también trabajó como extra en peliculas del oeste. Durante la 1 ªGuerra Mundial sirvió en el ejército estadounidense y durante la contienda actuó en varias sesiones de teatro como actor secundario, tambiés lo hizo en el cine en un  corto titulado "The Storm Woman" (1917) donde fue dirigido por Ruth Ann Baldwin.

  Una vez acabada la guerra y en el año 1923 empezó a trabajar como asistente de dirección de Victor Fleming en "To the Last Man" ("Hasta el último hombre"-1923), "Flor de capricho"("Mantrap"-1926) y "Las novias de un soltero" ("Banchelor Brides"-1926) esta dirigida por William K. Howard., Y seguidamente con Josef von Stemberg, que fue su maestro con: "La ley del hampa" ("Linderworld"-1927), "La última orden"("The Last Command"-1928), "Marruecos" ("Morocco"-1930) y "El expreso de Shanghai" ("Shanghai Express"-1932).

  Precisamente en 1932, la Paramount le contrató como director para ocho westerns de serie B (bajo presupuesto) basados en novelas de Zane Grey, todos ellos protagonizados por Randolph Scott, destacando "El legado de la estepa" ("Heritage of the Desert"-1932), "El hombre del bosque" ("Man of the Forest"-1933), "La horda maldita" ("The Thundering"-1933) y "El último rodeo" ("The Last Round-Up"-1934).

  A continuación trabajó con Gary Cooper en "Ahora y siempre" ("Now and Forewer"-1934) y "Tres lanceros  bengalies" ("The Lives of a Bengel Lancer"-1935) en películas generalmente de aventuras, aunque también hizo relatos románticos como "Sueño de amor eterno" )"Peter Ibbetson"-1935) y "Almas en el mar" ("Souls at Sea"-1937) las dos con Gary Cooper como protagonista.

  La eficacia del trabajo de Hathaway benefició a su carrera y confirmó la aportación de los actores que intervinieron en sus películas. Fue un director al que le resultó imposible moverse solamente en un género. Demostró, a partir de los años 40, que era capaz de asumir los compromisos más dispares y hacer de ellos películas en las que la eficacia del espectáculo estuviera garantizada.

  Hizo trece westerns más, como "El pastor de las colinas" ("The Shepherd of the Hills"-1941), "Alaska, tierra deo oro" ("North to Alaska"-1960), "Los cuatro hijos de Katie Elder" ("The Sons of Kate Elder"-1965), "Valor de ley" ("True Gril"-1969) todas con John Wayne, pero tabién con Gary Cooper, "El jardin del diablo" ("Garden of Evil"´-1954), Gregory Peck, "Circulo de fuego" ("Shoot Out"-1971), Tyrone Power, "El correo del infierno" ("Rawhide"-1951). Realizó bastantes películas de cine negro y misterio, Johnny Apollo" ("Approved"-1940), "La casa de la calle 92") ("The House on 92 nd Street"-1946), asi como "Envuelto en la sombra" ("The Dark Comer"-1946), "El beso de la muerte" ("Kiss of Death"-1947), "Yo creo en ti" ("Call Northside 777"-1948) trodas ellas con valiosos actores masculinos. Su última película fue"Chantaje criminal" ("Super Dude"-1974), una historia ambientada en los años 70 sobre el tortuoso mundo de las drogas.

  La acción pues, nos mete en la vida de Rouben "Rouster" Cogburn. Un agente de 55 años, sin familia, valeroso, cruel, tuerto, borrachin y de oscuro pasado. Es un hmobre eficaz en su trabajo, lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura... Al comienzo de la película se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Por su eficacia y valentia es contratado por Mattie Ross, una jovencita de 16 años, la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. A raiz del asesinato de este y ante la pasividad de las autoridades, decide organizar la captura del asesino un tal Tom Chaney, que ha huido a los territorios  indios y se ha unido a una banda criminal. La joven es decidida, inteligente, luchadora y desenvuelta, fragil y, a veces ingenua. El sargento de los rangers de Texas, anda también en  busca del asesino, por haber asesinado en Texas, a un senador, el sargento es un hombre honesto, rigido, servidor del deber, testarudo y codicioso...

  El titulo de la película responde al hecho de que la joven busca para la captura del asesino un hombre con agallas y por supuesto valiente. No le importa el pasdo, ni su fama de granuja. Asi pues, la expedición que emprenden la joven Mattie, "Rooster" y Le Boeuf, se desarrolla como una odisea.

  Las diferiencias de edad de los viajeros, la discapacidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado de desencuentros, fricciones y discusiones que mantirnen caldeado y vivo el clima de la expedición.

  La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del espectador. Como es habitual en él, integra en la historia el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución.

  La banda sonora corrió a cargo de Elmer Bernstein. Un compositor nacido en California. Empezó a estudiar con Aaron Copland y luego ingresó en la Academia Juilland. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la 2ª Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar de Glenn Miller. Una vez acabada la contienda bélica, se inició en la música para el cine como discipulo de Jerome Moross, Alex North y el propio Copland.

  Sus composicones cinematográficas alternan el estilo jazzistico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodias muy recordadas como "Los siete magnificos" ("The Magnificent Seven"-1960) o "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). Ganó un Oscar por "Millie, una chica moderna"("Thoroughly Modern Millie"-1967), de las 10 nominaciones  en las que fue cadidato. También compuso música para la National Geographic y para el video clip "Thriller" de Michael Jackson.

  Y aqui, ejercitando una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en  instrumentos de viento, que dejan la melodia a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación y de recursos épicos o liricos (solo de flauta en la intomidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los titulos de crédito la entrada de la canción original de Bernstein "True Grit" que canta Glen Campbell.

  La fotografia en color fue dirgida por Lucien Ballard. Un director de fotografia nacido en Oklahoma. Tras múltiples trabajos  le llevaron por todo los Estados Unidos e incluso por China, inició su carrera como trabajador manual para la Paramount, empezando a aprender el oficio desde abajo como asistente de cámara. Trabajó con numerosos directores de cine, destacando su colaboración con Sam Peckinpah. Estuvo nominado al Oscar por  su trabajo en la película "Los gurdianes"("The Carefakers"-1963). En su haber cuenta con una filmografia  muy extensa y algunas tan emblemáticas como: "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), "Grupo salvaje" ("The Wild Bunch"-1969) o "La balada de Cable Hogue"" ("The Ballad of Cable Hogue"-1970).

  Y qui, creando composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico de la película. La película se rodó en escenarios naturales de Colorado (California) y Durango (México).

  Extraordinario John Wayne, "La taberna del irlandés" ("Donovan’s Reef"-1963) metido en el cuerpo de "Reester" Cogburn. Y con él Kim Darby, "Generación rebelde" ("Generation"-1969) como Mattie Ross; Glen Campbell, "Dos héroes y un destino"("Uphill All the Way!"-1986) como Le Boenf; Jeremy Slater, "Lecciones de amor en Suecia" ("I’ll Take Sweden"-1965) como Emmett Quinny; Robert Duvall, "Gracias y favores" ("Tender Mercies"-1983) como Ned Pepper; Jeff Corey, "El oro de nadie" ("Callow"-1971) como Tom Chaney; Dennis Hooper, "Super Mario Bros"(1963) como "Moon"...

  En definitiva: Una película muy completa. Con una gran interpretacion, una buena dirección y una gran banda sonora. Con un Oscar muy merecido para el gran John Wayne (aunque al menos para mi y lo reconozco no es su mejor pelicula). Sobresaliente.

  A modo de curiosidad: John Wayne no se llevaba bien con Robert Duvall durante el rodaje y, en un momento donde los ánimos estaban cargados, Wayne amenazó con agredir al entonces joven Duvall si este volvia a discutir de nuevo con el director.

  En 2010 los hermanos Joel y Ethan Coen realizaron un remake protagonizado por Jeff Bridges. Según la mayoria de los criticos esta pelicula superó a  la de Wayne. Pero para mi y, sin dudarlo me quedo con la del gran John Wayne. Y la critica que diga lo qu quiera. Saludos!!!

El león en invierno (The Lion in Winter-1968)

  "Enrique tenia dieciocho años cuando nos conocimos y yo era la reina de Francia. Vino desde el Norte hasta Paris con un cerebro como el de Aristóteles y un cuerpo como el pecado mortal. Destrozamos los Diez Mandamientos alli mismo".

  Intensa pelicula de género dramático y de nacionalidad estadounidense basada en una obra teatral de James Goldman que tabién se ocupó del guión. Un guionista y dramaturgo nacido en Chicago, se le conoce principalmente por ser el autor de "El león en invierno", pero también es famoso por haber escrito el libreto para el musical de Broadway "Follies" que obtuvo un rotundo éxito.

  "El león en invierno" está dirigida por Anthony Harvey. Un cineasta nacido en Londres. Comenzó su carrera como actor adolescente y comenzó a dirigir a mediados de la década de 1960. Su carrera también fuemuy notable por su trabajo recurrente con varios actores y directores principales, incluidos Terry-Thomas, Peter Sellers, Richard Antebotough y Stanley Kubrick entre otros.

  Su padre falleció cuando Anthony era muy joven y fue criado y tomó su apellido de su padrastro, actor y escritor Morris Harvey. Comenzó su carrera en la pantalla como bien he dicho cuando era adolescente e hizo su debut en la pelicula "César y Cleopatra" ("Caesar and Cleopatra"-1945) protagonizada por Vivien Leigh y Claude Rains y donde hacia el papel de Ptolomeo el hermano de Cleopatra.

  Fue contratado como editor asistido de los hermanos Boulting (Roy y John), y pronto se encontró con una gran demanda, y luego editó una secuencia de películas británicas en la décsda de 1950 y principiosde 1960, desarrollando una fructífera relación de trabajo con varios directores importantes del periodo, incluidos Anthony Asquith, Bryan Forbes, Martin Ritt y Stanley Kubrick.

  La acción se desarrolla en el Castillo de Chinon en Arlés (Francia), residencia habitual de EnriqueII, en la Navidad de 1183. El rey convoca a su esposa Leonor de Aquitania, los tres hijos de ambos, Ricardo, Geofredo y Juan, su amante Alais y Felipe II de Francia, hermanastro de Alais. El motivo de la reunión es debatir sobre el nombramiento de un nuevo heredero, condición a la que aspiran los tres hermanos. Ricardo de 25 años, es colérico, ambicioso, inteligente y ha vivido algunas experiencias homosexuales, Geofredo de 20 años, es manipulador y bribón, Juan de 16 años, cargado de espaldas, indeciso y lento de reflejos es el preferido del padre...

  La película muestra el ambiente opresivo de reproches, traiciones, envidias, celos, odios, engaños y deslealtades, que envuelven la vida de la familia durante la reunión. La madre apoya la candidatura de Ricardo (porque le devolverá libertad y rango) y desea una resolución rápida del tema (que aleje a Alais de Enrique). El rey dice que prefiere a su hijo menor, Juan, pero amarga sus intenciones con mentiras. Felipe, los tres hermanos y la reina urden una conspiración contra Enrique sin contar con la capacidad de reacción de este y su astucia.

  La acción se sustenta en la complaciencia del rey en ver como sus hijos luchan por  ambición. Le gusta que sean aguerridos y despiadados. El rey juega con la ventaja de su poder y experiencia, superior inteligencia, capacidad de sospresa y sentido lúdico. En el transfondo del drama se hallan dos hechos: el Reino de Enrique II es el más grande y poderoso del mundo y es firme el propósito del rey no dividirlo entre los hijos (como hiciera el rey Lear).

  En el curso del debate/disputa/juego el rey engaña y zahiere a los suyos, mientras a su vez es victima de los dardos que estos concentran sobre sus puntos débiles: el recuerdo de su antigua amante, Rosamunda Clifford, y sus remordimientos por el asesinato de Thomas Becket.

  La banda sonora corrió a cargo de John Barry. Un compositor nacido en York (Reino Unido). Es mundialmente conocido por tener un estilo basado en el extensivo uso de los instrumentos de viento y metal y en las cuerdas exóticas a la par de ser un músico innovador, siendo uno de los primeros en utilizar sintetizadores en una partitura para el cine como se pudo ver en la película "007 Al servicio de Su Majestad" ("On Her Majesty’s Secret Service"-1969).

  No solamente compuso música para el cine, ya que su colaboración con la televisión fue enorme teniendo como ejemplo la serie "Ls Persuasores"("The Persusders!"-1971)protagonizada por Tony Curtis y Roger Moore. De siete nominaciones al Oscar, ganó cinco estatuillas: "Nacida libre" ("Born Free"-1966), por la que ganó a la Mejor banda sonora y Mejor canción, "El león en invierno" ("The Lion in Winter"-1968), "Memorias de Africa" ("Out of Afeica"-1985) y "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves"-1990). 

  Y aqui, ofreciéndo una partitura de orquesta y con coros, que evoca las melodias del siglo XII, con formas solemnes, tonos religiosos, aires dramáticos y ribetes fúnebres.

  La fotohrafia en color, fue dirigida por Doglas Slocombe. Un director de fotografia nacido en Londres. Muy conocido particularmente por su trabajo en los miticos estudios londinenses Ealing Studios en las décadas de 1940 y 1950, asi como por las tres primeras películas de la saga "Indiana Jones". Ha sido ganador de los premios BAFTA en 1964, 1975 y 1979, y fue nominado al Oscar en tres ocasiones por "Viajes con mi tia" ("Travels with My Aunt"-1972), "Julia" (1977) y "En busca del arca perdida" ("Raiders of the Lost Ark"-1981).

  Y aqui, moviéndo la cámara con decisión y energia, construyendo largos travellings y zooms de profundidad y situándolo con precisión. Hace uso preferente de los dorados, ocres y marrones. Los exteriores fueron rodados en Francia (Abadia de Montemajour y en el casiillo de Tarascón), Irlanda, Gales e Inglaterra y los interiores en los Studios Admore de Irlanda.

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por Peter O’Toole, "Lord Jim" (1965) dando vida a Enrique II y Katharine Hepburn, "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940) metida en el cuerpo de Leonor de Aquitaina. Y seguidos por Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Slence of the Lambs"-1991) como Ricardo; Jonh Castle, "Rey David" ("King David"-1985) como Geofredo; Nigel Terry, "Excalibur" (1981) como Juan; Timothy Dalton, "El arrecife" ("Passion’s Way"-1999) como Felipe II; Jane Merrow, "Enviado especial K" ("Assigment K"-1964) como Alais...

  En definitiva: Una de esas películas que todo el mundo debe ver para disfrutar del buen cine que sigue soportando el tiempo de manera muy buena, gracias a la calidad con lo que cuenta.  Sobresaliente.

  "El león en invierno" logró tres Oscar: Actriz (Katharine Hepburn), Guión adaptado (James Goldman) y Banda sonora (John Barry).

  A modo de curiosidad: La película se estrenó en Estados Unidos el 30 de Octubre de 1968. Y en Inglaterra el 29 de Diciembre de 1968.

 

 

En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

  "Muchacho. Es usted como el resto de nosotros" "¿Verdad?".

  Muy buena película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John Ball. Un escritor y guionista nacido en Nueva York. Muy reconocido por sus novelas de misterio policiaco que involucran al detective de la policia afroamericano Virgil Tibbs, y donde ganó precisamente el Premio Edgar por "En el calor de la noche" escrita en 1965.

  El guión fue escrito por Srirling Silliphant. Un escritor y guionista nacido en Michigan. Escribió más de 20 guiones para el cine e innumerables para telefilmes a lo largo de sus 30 años de carrera. Ganó el Oscar por "En el calor de la noche". Era de religión budista y por ese motivo se trasladó a Bangkor (Tailandia) tras abandonar los Estados Unidos. Otros de sus guiones  para el cine y de un gran éxito tanto de critica como de público fueron: "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972) y "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974).

  "En el calor de la noche" está dirigida por Norman Jewison. Un cineasta nacido en Ontario (Canadá). A principios de los años 50, visitó el sur de Estados Unidos, donde le impresionó el fenómeno del racismo. Narrador magistral, reflejó aquella experiencia en algunas de sus películas, incluida el misterioso asesinato en tintes raciales de "El calor de la noche" ("In the heat of the Night"-1967), protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger.

  Durante los años 50, trabajó en la televisión, antes de trasladarse a Hollywood. Empezó su carrera de cineasta con comedias cosmopolitas y románticas, dirigiendo actores y actrices de primera categoria como Doris Day, Rock Hudson, James Garner y Tony Curtis, en películas como "Soltero en apuros" ("40 Pounds of Trouble"-1962), "Su pequeña aventura" ("The Thrill of It All"-1963), "No me mandes flores" ("Send Me No Flowers"-1964) y "El arte de amar" ("The Art of Love"-1965). Cambió de registro al sustituir a Sam Peckipah en el drama "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid"-1965) con Steve McQueen.

  Desde finales de los años 60 y principio de los 70 Jewison dirigió películas que exploraban el espíritu de la época, utilizando a menudo la comedia satírica o en género de crimen para abordar cuestiones de actualidad. Uno de los ejemplos más destacado es la comedia paranoíca "¡Qué vienen los rusos!" ("The Russians are Coming, the Russians are Coming"-1966), con Alan Arkin y Eva Marie Saint. Después dirigió a Steve McQueen y Faye Dunaway en "El caso de Thomas Crown" ("The Thomas Crown Affaire"-1968), realizó dos adaptaciones muy diferentes de musicales el tradicional exitoso "El violinista en el tejado"("Fiddler on the Roof"-1971) y el moderno "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"-1973).

  Por lo general se le asocia con grandes producciones: trabajó con James Caan en "Rollerball" (1975), con Sylvester Stallone en "F.I.S.T. Simbolo de fuerza" ("F.I.S.T."-1978), con Al Pacino en "Justicia para todos" ("...And Justice for All"-1979) y con Bruce Willis en "Recuerdos de guerra" ("In Country"-1989). Volvió a los temas raciales con "Historia de un soldado" ("A Soldier’s Story"-1984) y "Huracán Carter" ("The Hurricane"-1999) ambas con Denzel Washignton.

  Asi pues, Jewison nos lleva hasta una pequeña localidad imaginaria de Sparta (Misisipi), durante 3 dias muy calurosos del mes de septiembre de 1966. Alli un tal Virgil Tibbs, policia del departamento de homicidios de Filadelfia, llega en un tren a la estación de dicha localidad para enlazar con el tren de Memphis (Tennesses), donde reside su madre. Pero durante la espera es detenido por el policia Sam Wood como sospehoso del asesinato de un poderoso industrial del Norte. Interrogado por el sheriff Bill Gillespie, es dejsado en libertad, y es cuando Tibbs y Gillespre inician una singular colaboración para resolver el caso...

  La película contiene drama racial, suspense, thriller policiaco, crimen y critica social. La acción se desarrolla en una pequeña población del Sur, en la que se  hallan muy arraigados los prejuicios raciales y la violencia fanática contra los afroamericanos. La historia desarrolla tres lineas de acción. En la primera expone la relación de colaboración necesaria y a la vez, de amor/odio entre el sheriff racista y el experto inspector. Planteada con acierto y credibilidad, se desarrolla con habilidad, sentido de la ironia y toques de buen humor.

  La segunda linea viene dada por el plantamiento y el avance de la investigación sobre la autoria del crimen a cargo de un perspicaz Tibbs y un atolondrado y poco cuidadoso Gillespie. Mientras el primero busca pruebas y pistas que le llevan a identificar al asesino, el segundo busca sospechosos sin analizar ni la consistencia de los indicios, ni la validez de las pruebas.

  La tercera linea se centra en los incidentes de violencia provocados por racistas que no toleran que un hombre de color forastero, se mueva por la localidad haciendo preguntas, relacionanando hechos y averiguando cuestiones que desean ocultar a toda costa. En este sentido, la película sigue las lineas propias de un thriller vigoroso y pletórico de fuerza, aunque en algunos puntos simplifica las cosas mediante elipsis justificadas y oportunas en algunos casos y decisivos en otros. Está bien construido el ambiente opresivo, tenso y conflictivo de la ciudad.

  La banda sonora corrió a cargo de Quincy Jones. Un compositor y director de orquesta nacido en Chicago. Fue el productor principal de Michael Jackson, a quien le produjo todos sus albúnes, incluido "Thriller", el álbum más vendido de Jackson. Su ámbito de interes musical abarca el R&B y el jazz (swing y bop), con frecuente tendencia a su fusión. Asi mismo, es intérprete ocasional de trompeta, piano y cantante. Su extensa carrera incluyr grabaciones con Frank Sinatra, la composición de bandas sonoras para el cine y su labor como productor como bien he dicho de Michael Jsckson. Fue también productor de la canción "We Are the World". Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy, La Medalla Nscional de las Artes y la Legión de Honor, entre otras distinciones.

  Y aqui, acompañando las escenas de noche con temas jazzisticos que crean un ambiente adecuado. Añade cuatro canciones propias, entre ellas "In the Heat of the Night", que canta Ray Charles y que incorpora el tema principal. Añade también fragmentos hipnóticos de piano a cargo de Ray Charles, como el corte "Mama Celeba’s Blues".

  La fotografia en color fue dirigida por Haskell Wexler. Un director de fotgrafia nacido en Chicago. Elegido como uno de los diez directores más influentes de la historia de la fotografia de Estados Unidos. Estudió durante un año en la Universidad de California en Berkely, antes de pasar cuatro años y medio en la Marina mercante estadounidense durante la 2ª Guerra Mundial. Al acabar la contienda trabajó en documentales, cortometrajes, programas de televisión y anuncios publicitarios tambien para la televisión.

  En 1963 trabajó cmo director de fotografia en su primera película, "América, America" de Elia Kazan. Después también hizo  fotografias adicionales en varias películas entre ellas "Dias de cielo" ("Days of Heaven"-1978) con la que Nestor Almendros ganó el Oscar a la Mejor fotografia.

  Y aqui, componiendo secuencias nocturnas de ambiente caluroso y sensual. La atmósfera tensa del relato está recogida en imágenes creadas con precisión y fuerza visto con ojos de hoy, el compromiso antirracista de la película parece tibio, suave y contemporizador, cuando originalmente tenia la contundencia y el atrevimiento de una primera presentación en pantalla.

  Sensacional el mano a mano entre los dos protagonistas: Sidney Poitier, "Los lirios del valle"("Lilies of the Field"-1963) dando vida a Virgi Tibbs, un inspector de policia del departameto de homicidios de Los Angeles, un hombre moderno, experto, profesional, riguroso y astuto y Rod Steiger, "El león del desierto" ("Lion of the Desert"-1980) metido en el cuerpo del sheriif Bill Gillespie, un personaje rudo, terco, agresivo, autoritario e intransigente.

  Y con ellos Warren Oates, "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970) como el policia Sam Wood; Lee Grant, "Aeropuerto 77" ("Airport 77"-1977) como la "señorita" Colbert; Larry Gates, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on Hot Tin Roof"-1958) como Eric Endicott...

  En definitiva: Una muy buena película de su género, con una gran dosis  de intriga y desconcierto, que para mi si no fuera por algunos simples "detalles", la calificaria de obra maestra, porque no anda muy lejos de serlo.   Sobresaliente.

  "En el calor de la noche" logró 5 Oscar: Pelicula, Actor (Rod Steiger), Guión adaptado (Stirling Sillphant), Montaje (Hal Ashby) y Sonido (Walter Gosst).

  A modo de curiosidad: Se rodaron dos secuelas  más de la película "Ahora me llaman señor Tibbs" ("Thy Call Me Mister Tibbs"-1970) de Gordon Douglas y El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) de Don Medford, y aunque las dos estuvieron protagonizadas de nuevo por Sidney Poitier la verdad es que tuvieron escaso interés.

 

¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?-1966)

  "La locura es el refugio que inventamos cuando la irrealidad del mundo pesa mucho sobre nuestras cabezas". (Martha).

  Vibrante película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una obra teatral de Edward Albee. Un dramaturgo nacido en Washington. Un hombre que introdujo en gran parte de su pais las nuevas tendencias dramáticas europeas de la segunda mitad del siglo XX. Su obra cumbre y más conocida fue "¿Quién teme a Virginia Wllof?", escrita en 1962, una obra de gran éxito en los escenarios internacionales que alcanzó gran popularidad gracias a su adaptación al cine en 1966.

  Sus primeras obras presentan un dominio y americanización del teatro del absurdo que tuvo su apogeo en las obras de escritores europeos como: Jean Genet, Samuel Beckett y Eugéne Fonesco. Dramaturgos extraordinarios modernos como Paula Vogel, le dan crédito a la mezcla que hace Albee en teatralidad y diálogo punzante, para ayudar a reinventar el teatro de Estados Unidos de posguerra hacia comienzos de la década de 1960. Edward Albee, recibió tres veces el Premio Pulitzer de teatro por  "Three Tall Women" (1964)"A Delicate Balance" (1967) y "Seascape" (1975) .

  El guión fue escrito por Ernest Lehman. Un guionista nacido en Nueva York. Tras graduarse en el City College de Nueva York, inició su carrera como escrtor indepediente escribiendo radionovelas y anuncios para musicales de Broadway. Este trabajo despertó el interés de la Paramount, que le ofreció un contrato como guionista, y en 1954 escribió su primera película, "La torre de los ambiciosos" ("Executive Suite").

  En su escasa obra (apenas una docena de películas), figuran titulos tan interesantes  como: "Sabrina" (1954), "Con la muerte en los talones" ("North by Nortwest"-1955), "West Side Story" (1961), "Sonrisas  y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) o "¿Quién teme a Virginia Woolf?"("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"-1966). En 2001 fue el primer guionista galardonado con un Oscar Honorífico.

  "¿Quién teme a Virginia Woolf?" está dirigida por Mike Nichols. Un director nacido en Berlin (Alemania). Nacido en el seno de una familia rusa judia, salió con su familia de Alemania en 1939 para escapar de la persecución nazi. Formó un famoso duo de humoristas con Elaine May. También desarrolló unadestacada carrera como director de teatro, con éxotos de Broadway como: "Plaza Suite" (1968), "Tio Vania" (1973) y "Algo auténtico" (1984).

  Como cineasta realizó mas de veinte películas algunas de las cuales abordaron con éxito en su tiempo el tema de las relaciones sexuales: "Cegados por el deseo" ("Closer"-2004), sobre el amor y el abandono; "Conocimiento carnal" ("Carnal Knowledge"-1971), basada en una novela de Jules Feiffer; el carnaval de temática homosexual "Una jaula de grillos" ("The Birdcage"-1996) y la legendaria "El graduado "("The Graduate"-1967).

  Nichols aportó un sentido de la teatralidad un agudo ingenio y una inteligencia profunda y europea junto con una visión critica y penetrante de la cultura contemporánea. "Trampa 22" ("Catan 22"-1970), basada en la novela pacifista de Joseph Heller, ridiculiza la organización militar, pero también ofrece un retrato impactante de la devastación causada por la guerra. "A propósito de Henry" ("Regardin Henry"-1991) trata el tema del retraso mental en una historia de amor con Harrison Ford y Annette Bening; "Sikwood" (1983), aborda los efectos de la radioactividad en un alegato antinuclear y "Postales desde el filo" ("Postcards from the Edge"-1990), presenta un conflicto generacional muy doloroso entre una madura agente del mundo del espectáculo, interpretado por Shirley MacLaine y su hija, una mujer con talento pero enajenada.

  Aunque gran parte de las películas de Nichols son de una calidad innegable, tal vez su mejor trabajo sea el primero que reaizó "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"-1966), en la que Elizabeth Taylor y Richard Burton, ofrecen extraordinarias interpretaciones en una pareja que ha convertido su matrimonio en algo parecido a un infierno.

  La historia que nos cuenta Nichols, tiene lugar en el campus de la Universidad de una pequeña ciudad, New Carthago (Nueva Inglaterra), entre las 2:00 y el amanecer, y en donde George, de 46 años, y Martha de 52, forman una pareja autodestructiva. El debil y alcohólico, con notable resistencia emocional. Ella es dominante, psicótica y amargada. Tras una fiesta, invitan a una pareja joven, Nick y Honey, a tomar una última copa en casa...

  La pelicula pues, desarrolla un relato dramático, que se basa en un crescendo de ironias, desaires, insultos, agresiones verbales, humillaciones, amenazas, dominación y destrucción, que ponen de manifiesto las miserias y secretos del matrimonio y saca a la luz los miedos, ansiedades, frustraciones, malicia, fobias, apetitos y deseos, de los protagonistas.

  El juego cruzado de ofensa/recriminación y agresión/reacción, se da en un marco de una elevada ambigüedad, extraños interrogantes y la defensa de la inexistencia de limites claros entre realidad y fantasia. El proceso arrastra a la pareja de invitados, lo que incrementa la tensión dramática.

  Incluye referencias a hechos irreales (hijo), falsos (embarazo psicológico) e inciertos. (¿Es George el niño que mató a la madre hace 30 años?). El lenguaje, torcido del autor de la novela, hace uso de expresiones y palabras insólitas hasta entonces en el cine, que no sobrepasan los limites de los usos coloquiales y que son fuente de naturalidad, realismo y espontaniedad.

  El titulo constituye una parodia de la canción "Who’s Afraid On The Big Bad Woolf?", de "Los tres cerditos" ("The Little Oigs"-1933) de Walt Disney, que entona con una melodia diferente. Los nombres de George y Martha coinciden con los del primer presidente de Estados Unidos y de su esposa. Destaca la parodia que Martha hace de Bette Davis, homenaje a la actriz. Simpatica referencia a Mallorca (España) en boca de George.

  La banda sonora corrió a cargo de Alex North. Un compositor nacido en Chester (Estados Unidos). Es quien más veces ha sido nominado al Oscar como autor de bandas sonoras (14 veces), pero sin conseguir nunca el codiciado premio en esa categoria. A cambio recibió el primer Oscar honorifico concedido  a un compositor. Estudió en la Juilliard Schol of Music de Nueva York y siguió sus estudios en Rusia. A su vuelta comenzó a componer musica teatral para varios autores, entre los que se encontraba Elia Kazan, que le daria la oportunidad de hacer su estreno en el cine con la película "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951), que también supuso su primera nominación. Otros titulos que se encuentran en su extensa filmografia son: "La rosa tatuada" ("The Rose Tattoo"-1955), "Vidas rebeldes"("The Misisfits"-1961), "Cleopatra" (1963) y "Las sandalias del pescador" ("The Shoes of the Fisherman"-1968) entre otos muchos mas.

  Y aqui, basándose en una breve partitura original, con un magnífico tema central de guitarra, de aires románticos, que evoca el amor entre dos personas.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por  Haskell Wexler. Un director de fotografia nacido en Chicago. Pertenecia a una familia acaudalada. Tras servir en la marina durante la 2ª Guerra Mundial, decidió fundar sus propios estudios de rodaje. Sin embargo la idea no le salió demasiado bien, y tras verse obligado a cerrar, se puso a ejercer como director de fotografia. Estaba considerado como uno de los grandes directores de fotografia de la historia y donde logró tres Oscar por "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid  of Virginia Woolf?"-1966), "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoós Nest"-1975) y "Esta tierra es mi tierra" ("Bound for Glory"-1976).

  Magnificas las interpretaciones, pero sobresaliendo Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) metida en el cuerpo de Martha y Richard Burton, "Becket"-1964) como George su marido. Y con ellos, Sandy Dennis, Los encantos de la gran ciudad" ("The Out of Towners"-1970) como Honey, y George Segal, "La gatita y el búho" ("The Owl and the Pussycat"-1970) como Nick el marido.

  En definitiva; Una obra maestra. Y quizas una de las mejores adaptaciones teatrales llevadas al cine, puesto que no pierde un ápice de enjundia y empaque. Matricula de Honor.

  "¿Quién teme a Virginia Woolf?" logró cinco Oscar en su dia: Actriz (Elizabeth Taylor), Actriz scundaria (Sandy Dennis), Fotografia en blanco y negro (Haskell Wexler), Dirección artistica en blanco y negro (Richard Sylbert y George Tomas Hopkins) y Vestuario en blanco y negro (Irene  Sharaff).

  A modo anecdótico: Para el autor teatral Edward Albee, su deseo era que la pareja principal protagonista fuesen interpretadas en la pelicula por Bette Davis y James Mason.

 

Sonrisas y lágrimas (The Sound of Music-1965)

  "Tienes que vivir la vida para lo que necesites. Escala todas las montañas. Busca por doquier caminos sinuosos.Y cada senda que veas."

  Maravillosa película de género musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Ernest Lehman. Un guionista nacido en Nueva York. Tras graduarse en  en el City College de Nueva York inició su carrera como escritor independiente escribiendo radio novelas y anuncios para musicales de Broadway. Este trabajo despertó el interés de la Paramount, que le ofreció un contrato como guionista. Y en 1954 escribió su primera película "La torre de los ambiciosos" ("Executive Suite"),

  En su escasa obra (a penas una docena de películas), figuran titulos tan relevantes como "Sabrina" (1954), "Con la muerte en los talones" ("North by Northwes"-1955), "West Side Story" (1961), "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) o "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"-1966). En 2001 fue el primer guionista galardonado con un Oscar Honorífico.

 

  "Sonrisas y lágrimas" está dirigida por Robert Wise. Un director nacido en Indiana. Comenzó trabajando como editor cinematográfico en películas como"Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942), de Orson Welles, posteriormente reeditó y volvió a rodar principalmente la segunda película, después de los problemas de RKO Pictures con su director.

  Relegado a películas de serie B de esta productora, trabajó con el productor Val Lewton, que en aquel momento realizaba su gran ciclo de películas de terror psicológico. Asi Wise fue contratado para dirigir "El regreso de la mujer pantera" ("The Curse of the Cat People"-1944), una secuela de "La mujer pantera" ("Cat People"-1942), que en sus manos se convirtió en una fantasia amable más que una película de terror, y la obra maestra "El ladrón de cadáveres" ("The Body Snatcher"-1945), protagonizada por Boris Karloff y Bela Lugosi.

  La carrera de Wise subió como la espuma y durante los sesenta años siguientes realizó numerosas películas de géneros muy dispares: cine negro "Nacido para matar" ("Boin to Kill2_1947), "Nadie puede vencerme" ("The Set-Up"-1949); ciencia-ficción "Ultimátum a la tierra" ("The Day the Earth Stool Still"´-1951); bélicas "Torpedo" ("Run Silent, Run Deep"-1958), "El Yang-Tsé en llamas" ("The Sand Pebbles"-1966); westerns "La ley de la horca" ("Tribute a Bad Man"-1956) y melodramas "Trigo y esmeralda" ("So Big"-1953), "¡Quiero vivir!" ("Want to Live!"-1958).

  Es conocido sobre todo por dos de los musicales de mayor éxito de la historia del cine: "West Side Story" (1961) y "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965). Ambas películas recibieron varios Oscar, entre ellos el de mejor director y el de mejor película, "West Side Story" que Wise co-dirgió  juntoa Jerome Robbins, fue un gran éxito tanto entre la critica como entre el público. La película, con una coreografia excelente, rompió el molde del teatro musical, explorando los temas más oscuros de la tensión etnica y social.

  De sus películas posteriores hay que destacar "Las dos vidas de Audrey Rose" ("Audrey Rose"-1977) y "Star Trek, la película" ("Star Trek: Motion Picture"-1979), esta última recuerda sus primeros experimentos con los efectos especiales durante los años cuarenta. Algunos le han criticado por apegarse rigidamente a un género en lugar de desarrollar su propio estilo de dirección reconocible, algo, por otra parte, comprensible teniendo en cuenta la diversidad de géneros que abordó. A pesar de todo, las películas de Robert Wise, llevaran siempre su marca.

  La acción nos lleva hasta Salzburgo (Austria) y alrededores en 1930-38. Y nos cuenta la historia de Maria von Kunlschera, una joven vienesa, aspirante a novicia en la Abadia de Nonberg. La madre abadesa, le aconsja un periodo de reflexión y le proporciona un trabajo como institutriz de los hijos del barón Georg Ritter von Trapp, un patriota austriaco capitán de la Armada, viudo,  desde hace 7 años y enamorado de una aristocráta...

  La película glosa la fuerza de la música para transmitir emociones capaces de influir en la vida. Con ella Maria gana la simpatia de los niños, adquiere la autoridad necesaria para gobernarles, motiva su aplicación al estudio, transforma la severidad del padre en complicidad con los hijos, etc... Además, la película exalta los valores de la educación, ayuda, superción personal y como fuente de fortaleza para apuestas arriesgadas.

  La banda sonora corrió a cargo de Richard Rodgers. Un compositor nacido en Nueva York. Considerado uno de los más importantes entre los compositores de musicales de Broadway de la época, junto a Irving Berlin, George Gershwin, Cole Porter o Julie Styne. Estudió en la Universidad Colombia en donde conoció a su próximo compañero Lorenz Hart y dspués estudió composición en el Instituto de Arte Musical de Nueva York. Entre sus grandes éxitos musicales para el cine, caben de destacar: "Oklahoma!" (1955), "El rey yo" ("The King and I"-1956), "South Pacific" (1958) y Cinderella" (1960).

  Y en esta fuerza de la música, haciéndonos participar en un elenco de canciones coloristas y emotivas como: "Climb Every Mountain", "Maria", "Sixten Going On Seventeen", "Do, re, ,i", etc.

  La fotografia en color y en sistema TODD-AO, estuvo dirigida por Ted McCord. Un director de fotografia nacido en Indiana, fue miembro del celebre Sindicato , American Society Cinematographies (A.S.C.). Debutó como director en 1921 con la película "Sagrado y profano amor" ("Sacred y Profane Love"). Entre su extensa filmografia caben de destacar titulos tan emblemáticos como: "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), "Belinda" ("Johnny y Belinda"-1948), , "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) y "El árbol  del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959). Pero su mayor éxito lo tuvo con "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965). También trabajó para la televisión con series tan famosas como: "Cheyenne" (1956) y "Hong-Kong" (1960).

  Y en este musical de toda la vida, sirviéndose de unos maravillosos paisajes austriacos, de edificios emblemáticos como los palacios Leopoldskron, Frohnburg, Mirabell y otros. 

  Maravillosa Julie Andrews, "Mary Poppins" (1964) metida en el cuerpo de Maria. Y con ella Christopher Plummer, "Waterloo" (1970) como George von Trapp; Eleanor Parker, "Cuando ruge la marabunta" ("The Naked Jungle"-1954) como la Baronesa; Richard  Haydn, "Cinco semanas en globo" ("Five Weeks in a Ballon"-1962) como Max Detweller; Peggy Wood, "La historia de Ruth" ("The Story of Ruth"-1960) como la Madre Abadesa... Y un largo etc. Todos ellos magistralmente interpretados.

  En definitiva: Una muy bonita película, y todo un referente en el mundo del cine musical, y donde aún sigue gozando de su gran espectacularidad.  Matricula de Hinor..

  "Sonrisas y lágrimas" logró 5 Oscars en su año: Película, Director, Montaje (William Reynolds), Sonido (James P. Corcoran y Fred Hynes) y Adaptación musical (Irwin Kostel). JulieAndrews estuvo nominada a la Mejor actriz, pero el premio se lo llevó Julie Christie por "Darling".

  Como curiosidad: La película tuvo un coste de 8 millones de dólares (1 millón más de lo presupuestado). Pero en sus primeros 4 años de distribución mundial, ya habia recaudado de beneficios la friolera de 115 millones de dólares.

 

 

¿Teléfono rojo ILeamed to Stop Worrying and Love the Bomb-1964)

  "Caballeros, no pueden pelear aqui, Este es el Departamento de Guerra".

  Sensacional película de género de comedia negra y de nacionalidad británica, llevada al cine de una novela de Peter George. Un escritor nacido en Treorchy (Reino Unido). Un personaje que apoyó firmemente el desarame nuclear siendo teniente en la Royal Air Force (RAF). Su novela más famosa llevaba el titulo de "Red Alert". Una historia que se trataba de la guerra fria. Esta novela inspiró a Stanley Kubrick para realizar su película "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Mosú".

  Del guión se hicieron cargo el mismo Peter George y Terry Soulhern.Un escritor y guionista nacido en Texas. Destacó como autor de la cultura underground americana de los años 50, 60 y 70. Es conocido principalmente por sus guiones de cine como: "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" ("Dr. Strangelove, of How I Leonard to Stop Worrying and  Love the Bomb"-1964), "El rey del juego"("Cinccinati Kid"-1965), "Casino Royale"-1967, "Barbarella"-1967 y la película de culto "Easy Rider"-1969).

  Vinculado también en la Generación Beat, escribió varias novelas cargadas de una fuerte sátira y un peculiar sentido del humor, sin dejar su labor como entrevistador y  ensayista. Su novela más conicida fue "Candy", llevada al cine en 1968 por Christian Marquand y protagonizada por Marlon Brando y Richard Burton entre otra primeras estrellas internacionales, La novela la esribió junto al escritor Mason Hoffenberdg y ha sido reeiditada en varias ocasiones en Estados Unidos, aunque no ha sido muy conocida en España hasta su reciente traduccion al castellano.

  El tercer guionista y también director de la pelicula fue Stanley Kubrck. Un cineasta nacido en Nueva York. Su padre médico de profesión, le inculcó su pasión por la fotografia. Asi se convirtió en el más joven fotógrafo de la revista "Look". Pero  más tarde renunció a su carrera fotográfica para dedicarse al cine, concretamente en la dirección.

  Después de unos cuantos cortos, en 1953 rodó su primer largometraje, "Miedo y deseo" ("Fear and desire"), una historia ambientada en la 2ª Guerra Mundial, la pelicula estuvo financiada por un tio materno. Combinó las funciones de director con las de productor, editor, fotógrafo y guionista. Se sentia en la necesidad de controlar cada aspecto de sus películas, desde la idea inicial hasta la distribución. Esta inclinación, le acarreó a lo largo de su carrera una reputación de autoritario e intransigente.

  Tas "El beso del asesino" ("Killers Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956) rodó "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1956), un trabajo oscuro y subversivo sobre las trincheras en la 2ª Guerra Mundial y sobre la ejecución de tres soldados franceses, la pelicula fue censurada en muchos paises.. También adaptó la novela de Vladimir Nabokov, "Lolita"-1962. En 1964 rodó la genial "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscu", una fábula excéntrica y apocaliptica en la que Kubrick da rienda suelta al genio cómico de Peter Sellers. Con  "La naranja metálica" ("A Clockwork Orange"-1971), ocurrió lo mismo que con "Senderos de gloria", ya que la critica censuró la violencia de la pelicula. No hay que olvidar que tras el éxito de "Senderos de gloria" protagonizaada por Kirk Douglas, Kubrick repitió con dicho actor "Espartaco" ("Spartacus"-1960), una super-producción sobre la vida del mitico gladiador romano.

  Los años 60 y 70 fueron para Kubrick los más prolificos, "2001: Una odisea del espacio" ("A Space Odyssey"-1968), tal vez su proyecto más ambicioso, donde le impuso como uno de los directores más importantes  del siglo XX, junto con Orson Welles y Max Ophuls. También rodó "Barry Lyndon"-1975. En 1980, su adaptación de "El resplador" ("The Shining") de Stephen King, con Jack Nicholson, marcó su primera incursión en el cine de terror. Doce años pasaron entre"La chaquea metálica" ("Full Metal Jacke"-1987) y su último trabajo, "Eyes Wide Shut"-1999), una adaptación de Arthur Schnitzler.

  La acción pues, nos lleva hasta un general que está convencido de que los comunistas están contaminando los Estados Unidos, dicho general ordena, en un acceso de locura, un ataque aéreo-nuclear sorpresa contra la Unión Soviética. Su ayudante, el capitán Mandracke, trata de encontrar la fórmula para impedir el bombardeo. Por su parte, el Presidente de Estados Unidos se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Pero mientras tanto...

  La película trata los géneros de comedia, bélico y ciencia-ficción. Kubrick se sirve de un ácido humor negro, construyendo una sátira mordaz del comunismo, fascismo, belicismo, pacifismo , los politicos, los asesores de los politicos y la alta tecnologia aplicada con precipitación a usos militares. Añade ironia, sarcasmo y farsa. La figura del poco competente presidente norteamericano guarda  similtudes con la del Ministro del Interior de "La naranja mecánica" ("A Clickwork Orange"-1971).

  El Dr. Strangelove, antiguo nazi, asesor aulico del presidente de Estados Unidos, aparece como mutilado provisto de un brazo mecánico que se mueve con autonomia y no se somete a los disimulos de conveniencia. Compone uno de los personajes más siniestros e hilarantes del cine.. A través de Strangelove (no aparece en la novela), Kubrick dirige un guiño de simpatia al cientifico loco C. A. Rotwang de "Metrópolis"-1927 y evoca con sorna a Henri Kissinger. Sus propuestas de raiz nazi, suscitan entusiasmo entre los miembros del Consejo.

  El nombre del general Jack D. Ripper alude al personaje Jack The Ripper (el destripador). El mayor T.J. "King Kong", con gestos de "cawboy", constituye una farsa de los vaqueros, los rodeos, los westerns y las exibiciones presuntuosas de fuerza. Son memorables las gesticulaciones y las expresiones del general Buck Turgidson.

  La banda sonora fue dirigida por Laurie Johson. Un compositor nacido en Londres. Estudió en el Royal of Music de Londres. A los 19 años empezó a componer y a hacer arreglos para la Ted Heath Band y llegó a escribir para Geraldo, Jack Parnell, Ambrose y otros. En 1959 debutó en la televisión británica componiendo música para la serie "No Hiding Place (1959-1967), al mismo tiempo compuso la música de la película "La bahia del tigre" ("Tiger Bay") de J.Lee Thompson. A raiz de ahi, su carrera estuvo ligada tanto en el cine como en la televisión. En 1994 formó la London Big Band con veinticinco de los mejores musicos de jazz y orquesta de Inglaterra.

  Y en esta historia con sentido del humor intrigante y con mensaje, ofreciéndo variaciones y arreglos de tres temas principales: "Well Meet Again" (voz de Vera Lynn), "Try  A Little Terderness" y When Johnny Comes Marching Home Again". Añadiendo emoción y subrayando la hilaridad.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de  Gilbert Taylor. Un director de fotografia nacido en Inglaterra. Después de acabar la 2ª Guerra Mundial se convirtió en operador de cámara. Trabajó en varias peliculas destacadas por su estilo cinematográfico, en especial en "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" (1964), "La profecia ("The Omen"-1976) y "Star Wars" (1977). Su nombre aparece en el libro "Conversations with cinematographies" publicado por Scarecrow Press.

  Y en esta comedia de humor negro inteligentemente soberbia, presentando una espléndida visualidad, usando unos "zooms" bruscos que crean tensión y encuadres perfectos (inferiores, oblicuos...) que acentuan la perfeción de una atmósfera extraña y disparatada.

  La pelicula se rodó en exteriores y escenarois reales del Polo Norte, Canadá (Banff National  Park), Islandia, Estados Unidos (Montañas Rocosas) y Londres. Los interiores en los Estudios Shepperton de Londres.

  Magnífico el reparto de actores encabezado por un sensacional Peter Sellers, "El guateque" ("The Party"-1968), metido en el cuerpo de trs presonajes muy dispares: el Capitán Mandrake, el Presidente de Estados Unidos y el del Dr. Strangelove. Y seguido por George C. Scott, "Patton" (1970) como el General Turgidson; Sterling Heyden, "La última orden" ("The Last Command"-1955) como el General Jack Ripper; James Earl Jones, "Sommersby" (1992) como el Teniente Lothar Zoog; Keenan Wynn, "Un candidato muy peludo" ("The Shaggy D.A,"-1976) como el Coronel "Bat" Guano; Slim Pickens., "La huida" ("The Getawy"-1982) como el Mayor "King Kong"...

  En definitiva: Una película para los amantes del cine de Kubrick, que una vez la vean valoraran con más sus verdaderas obras maestras, y pues, yo diria, que perfectamente pasable para el resto. Para mi. Matricula de Honor.

  "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú", obtuvo cuatro nominaciones al Oscar: película, director, actor (Peter Sellers) y guión. Este año fue el año de "My Fair Lady".

  A modo de curiosidad: Este fue el primer papel de Sterling Hayden tras su largo retiro del mundo del cine.

  

La venganza (1958)

             En recuerdo de: Carmen Sevilla

        ¡La tierra es grande y cabemos todos juntos!

  Magnifica película de género dramático-rural y de nacionalidad española llevada al cine con un guión y dirección de Juan Antonio Bardem. Un cineasta  nacido en Madrid. Estudió en el colegio El Pilar, pero su vida estuvo siempre pendiente del trabajo de sus padres (eran actotres de teatro) que le obligaba a recorrer las ciudades españolas con sus repertorios escénicos.

  Al acabar la Guerra Civil cursó estudios de ingeniero agrónomo (1943-48), carrera que le animó a ingresar en el Instituto de Investigacones y Experiencias cinematográficas (IIEC). Alli conoció a Luis Garcia Berlanga y con él dió sus primeros pasos en el mundo del cine co-dirigiendo la primera pelicula titulada "Esa pareja feliz" (1951) protagonizada por Fernando Fernán Gómez y Julita Martinez. Una historia que pretendia hacer una radiografia de la España de la época.

  Ya en solitario dirigió "Cómicos" (1953) y "Felices Pascuas" (1954), dos películas en las que demostró, que sabía dar la imágen apropiada a historias myuy cercanas al mundo del teatro. Después siguieron "Muerte de un ciclista" (1955) y "Calle Mayor" (1956) dos valientes historias que irritaron a las autoridades y donde fue arrestado durante el rodaje de esta última.

  Durante una década, la que iria entre "La venganza" (1957) y "El último dia de la guerra" (1968), Bardem abordó historias que, desde un compromiso politico, se centraron en el análisis de realidades sociales, desde la perspectiva de unos segadores, la lucha del poder en el México del siglo XIX o el mundo taurino. Fueron películas en las que no acertó creativamente hablando y algunas de ellas por desgracia obtuvieron una escasa repercusión pública. 

  Varias de sus películas fueron seleccionadas para los mejores festivales intrenacionales de cine (Cannes, Venecia, Berlin, etc.), "La venganza" (1957) fue nominada al Oscar a la Mejor película extranjera.

  En 1986 recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. En 2001 recibió un Goya Honorífico y en 2002 escribió sus memorias con el titulo: "Y todavia sigue. Memorias de un hombre de cine".

  La acción comienza cuando un hombre llamado Juan Diaz que ha estado diez años en la cárcel por un asesinato que no cometió. Es puesto en libertad, es cuando él y su hermana Andrea juran matar a Luis "El Torcido", a quien creen culpable de todas sus tragedias. Es la época de la siega, Luis está organizando una cuadrilla de segadores para salir hacia Castilla. Y como en el pueblo no hay brazos suficientes acepta a Juan y a su hermana. El sol aplasta las cabezas y oprime los corazones. Andrea y Luis se miran... Poco a poco el odio se va convirtiendo en amor, en un amor escondido y cruel. Ella no quiere dejarse vencer. Lucha, odia y ama a Luis, pero el amor vence. Pero pronto surge el inevitable encuentro entre Juan y Luis. Es hora de ajustar cuentas...

  Una película para mi, bastante olvidada e infravalorada de una manera muy injusta, pues el retrato que hace Bardem es un retrato muy acertado sobre la España  rural de Castilla. La historia principal se centra en la siega de los campos castellanos y de la inmigración de diferentes regiones de España hacia dichos campos y en donde ya comenzaron a aparecer las maquinas segadoras, que como pasaria más adelante quitaria muchos puestos de trabajo.

  Partiendo de esta base el director madrileño analiza y retrata el carácter de estas personas que la tierra les embrutece y los hace comportarse como auténticos animales, brutos, llenos de ira, odio y rencor, duros como los campos y tierra donde trabajan.

  Campos infinitos, un sol abrasador y pequeños pueblos perdidos en la sierra son escenas principales de esta historia que, sirve para adentrarse en el alma de las personas y de su odio y venganza que cultivan en su interior. Es pues, un fiel retrato a la España ruda que se refleja en los rostros de los personajes, en esos rostros que refleja la dureza de sus rasgos como metáfora de la crudeza del entorno en el que viven.

  La banda sonora fue obra de Isidro B. Maiztegui. Un compositor nacido en Argentina. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Beethoven de su ciudad natal (Gualaguay) en 1911. En 1930 ingresó en el Conservatorio Nacional de Musica y Declamación de Buenos Aires, donde llegó a ser profesor. En 1952 y después de una larga actividad compositora en su pais viajó a España donde estuvo hasta 1969 viviendo en Madrid. Sus últimos años los pasó en Mar del Plata. Entre su extensa filmografia como compositor de música para el cine caben de destacar titulos como por ejemplo: "El expreso de Andalucia" (1956) de Francisco Rovira Veleta y "A hierro muere" (1962) de Manuel Mur Oti. 

  Y en este drama rural incluyendo algunos cánticos andaluces y gallegos (en el encuentro de las cuadrillas de segadores andaluces y gallegos). Añade además unas coplas del cantaor Roque Montoya "Jarrito".

  La fotografia en un vivo Eastmancolor fue dirigida por Mario Pacheco. Un productor musical y director de fotografia nacido en Madrid. Un personaje que está considerado como una figura esencial en el desarrollo del flamenco contemporáneo. En un momento en que el flamenco no estaba en el centro de la cultura de la juventud, Pacheco formó con muchos musicos jóvenes que renovaron el género, mezclándolo con otras formas musicales. Fue presidente de la Unión Fonográfica Independiente (UFI).

  Para el cine aportó muy buenas películas a lo largo de su carrera entre ellas hay que citar: "Venta de Vargas" (1955) con Lola Flores; "La chica del trébol" (1963) con Ricio Dúrcal y "Las melancólicas" (1971) con Francisco Rabal y Analia Gadé, entre otras más.

  Y en esta historia llena de lucha, odio, amor y venganza, mostrándonos unas magnificas imágenes, con unos primeros planos sensacionales, y con escenas llenas de acción. Escenas  rodadas en su mayoria en los exteriores de los campos castellanos de El Toboso (Toledo), Minaya (Albacete) y Mota del Cuervo y Las Pedroñeras (Cuenca).

  Sensacional Carmen Sevilla, "La fierecilla domada" (1956), metida en el cuerpo de Andrea (posiblemente el papel de su vida). Con ella dos galanes de la época , uno el italiano Raf Vallone, "Panorama desde el puente" ("A Vien from the Bridge" (1962) como Luis "El Torcido", el otro el español Jorge Mistral, "Carmen la de Ronda" (1959) como Juan.

  Y con ellos, un buen plantel de secundarios: Manuel Alexander, "Atraco a las tres" (1962) como Pablo "El Tinorio"; José Prada, "Teatro Apolo" (1950) como Santiago "El Viejo"; Rafael Bardem, "Sonatas" (1959) es el médico...

  En definiiva: Una película desgraciadamente olvidada, pero sin duda una gran pelicula, puesto que cuenta una historia intensa y llena de emociones. Y sin lugar a dudas la mejor interprteción de nuestra gran Carmen Sevilla. Sobresaliente,

  "La venganza" recibió el Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cannes, Y fue la primera pelicula española en ser seleccionada para los Oscar la la Mejor pelicula de habla no inglesa.

  Como anécdota: La película tuvo numrerosos problemas con la censura, uno de ellos fue que se llegó a prohibir el titulo original que ya aparecia en el guión en 1957 "Los segadores", por coincidir cin el nombre del himno catalán "Els segadors".