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Hasta siempre!!!

Hasta siempre!!!

                 Ryan O’Neal

              El frivolo de Hollywood

  El pasado 8 de diciembre falleció a la edad de 82 años el actor estadounidense Ryan O’Neal. El actor siempre será recordado por su papel como Oliver en el drama romántico "Love Story"-1970. Nacido y criado en Los Angeles, algo poco común en una ciudad formada por inmigrantes, Ryan curiosamente no empezó su carrera en el cine, como tantos que llegaban buscando fortuna a las colinas de Hollywood, y no se formó alli como actor. Fue boxeador en su juventud. Después, a finales de los años cincuenta, su familia se mudó a Alemania y alli empezó a actuar como extra y doble de acción en algunas series televisivas.

  A partir de ahí, se le metió el gusanillo de la interpretación y fue al volver a su ciudad cuando epezó a labrarse un nombre, sobre todo en la televisión. Tras pasar por una veintena de personajes, primero secundarios y luego como protagonista, saltó a la fama con "Pleyton Place".que rodó durante cinco años, entre 1964 y 1969,  con actrices como Mia Farrow. Su papel como Dodney Harrington a lo largo de más de 500 episodios le convirtió en un rostro muy conocido en la televisión.

  Pero fue "Love Story", en 1970 la que le supuso un inmenso "boom global", tanto de critica como de público, reconocimiento y nominaciones, entre ellos el Oscar y el Globo de Oro, que no ganó. En febrero de 2001 le otorgaron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en una ceremonia doble donde también se reconoció a  su compañera de reparto Ali McGraw. El mismo explicó en algunas entrevistas que el papel de Oliver, el niño rico enamorado de la sencilla Jenny (McGraw), fue fundamental para su carrera porque estaba agotado de su trabajo en la televisión, a la que pretendia regresar (aunque si lo hizo más adelante en su carrera).

  La popularidad de la película dirigida por Arthur Hiller que costó dos millones de dólares, pero ganó mas de 106 millones y que él llegó a aborrecer, como contó en una entrevista en 2011, le convirtió en una estrella en los años setenta, década en la que rodó sus gramdes éxitos: "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973), de Peter Bogdanovich, y con la que trabajò con su hija Tatum que ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria y "Barry Lyndon"-1975 a las órdenes de Stanley Kubrick.

  En los ochenta, noventa y dos mil, paró de trabajar, aunque en titulos de menor repercusión. Su último trabajo, que le dió cierta popularidad en nuevas generaciones, fue en la serie "Bones", donde grabó dos docenas de episodios en distintas temporadas entre 2006 y 2017.

  Ryan O’Neal fue parte de una estirpe de intérpretes que él mismo continuó. Su madre era actriz, su padre guionista y él mismo mantuvo relaciones con tres actrices que le dieron como fruto, otros actores, (con los que durante décadas mantuvo una compleja y distante relación). A principios de los sesenta estuvo casado con la actriz Joanna Moore, con la que tuvo dos hijos, Griffin y Tatum y de quien se separó en 1967. El se quedó con la custodia de sus dos hijos a causa de la adicción y problemas mentales de Moore.

  En 1986, con 22 años, Griffin se vió envuelto en un accidente con unas lanchas en un lago mientras navegaba con Gian-Carlo Coppola, el hijo de Francis Ford Coppola, que falleció con apenas 23 años. El conducia, la motora y fue condenado a 400 horas de trabajos sociales, que no cumplió por lo que pasó 18 dias en la cárcel. En 2007, se peleó a tiros con su padre en casa durante el 60 cumpleaños de Farrah Fawcett..

  Por su parte Tatum también ha desarrolado una carrera como actriz, y de hecho llegó a ser la persona más joven en ganar un Oscar, con solo 10 años, fue con la película "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Al igual que su padre, también ocupó las revistas del corazón por su matrimonio con el tenista John McEnroe, entre 1986 y 1992, con quien tuvo tres hijos. Su mala relación y sobre todo sus intentos de reconciliación con su padre quedaron reflejados en un reality de televisión en 2011 titulado "Los O’Neils", que solo duró ocho capitulos.

  Tras divorciarse de Joanna Moore en 1967, ese mismo año se casó con Leigh Taylor-Young, quien fue su compañera de reparto durante años en "Peyton Place". Tuvieron un hijo Patrick, y se separaron  en 1971. Para entonces, el actor tenia 30 años y tres hijos a su cargo. Pero fue a finales de los setenta cuando conició a su compañera mas famosa, con quien vivió durante años en Malibú, pero con la que nunca se casó: la también actriz Farrah Fawcett, con quien mantuvo una relación desde 1979 hasta 1997. En 1985 tuvieron un hijo, Redmont que fue diagnosticado con ezquirofenia y trastorno bipolar, tras pasar por varias adicciones y episodios violentos que le llegaron a vivir en la calle y pasar por la cárcel.

  La protagonisra de "Los angeles de Charlie", dejó a Ryan cuando le descubrio en plena infidelidad, pero entre ambos habia una larga historia de peleas y agresividad. Retomaron su relación en 2001, poco después del diagnóstico de leucemia del actor, y siguieron juntos hasta la muerte de Farrah, en 2009. Su relación quedó reflejada en una autobiografia en 2012 titulada: "Both of Us: My life with Farrah".

  Lo que si hay que reconocer que sin duda alguna, todos aquellos que lo conocieron o lo admiraron le echarán mucho de menos.

  Ryan O’Neal - Los Angeles (Estados Unidos) - 20 - abril - 1941-Los Angeles (Estados Unidos) - 8 - diciembre - 2023

                                      ¡DESCANSE EN PAZ!


 

Patton (1970)

Patton (1970)

           

             "La gloria es siempre pasajera".

  Excelente película de género bélico-biográfico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Francis Ford Coppola y Edmund  H. North. Coppola es un cineasta nacido en Michigan, y una de las figuras más destacadas del Nuevo Hollywood que tuvo lugar en la década de 1970, junto a cineastas como Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian De Palma y George Lucas. Ganador de cinco Oscar, tres de ellos como guionista: "Patoon" (1970), "El padrino" ("The Godfather"-1972) y "El padrino II" (The Godfather II"-1974), siendo el segundo cineasta que ha recibido tres estatuillas por una misma pelicula. 

  En cuanto a North. Fue un guionista nacido en Los Angeles. Era hijo de Bobby North y Stella Maury que actuaban en vodevil y en Ziegfeld Foilles. Sus comienzos fueron escribiendo obras de teatro mientras asistió en la Academia Militar de Colver en Indiana y en la Universidad de Stanford. Fue presidente de la Writers Guild of America. Entre sus guiones para el cine caben de destacar ademas de "Patton" (1970), "¡Hundid el Bismark!" ("Sink  ot Bismark!"-1960) y "Ultimátum a la Tierra" ("The Day  the Earth Stood  Still"-2008).

  "Patton" está dirigida por Franklin J. Schaffiner. Un director nacido en Tokio (Japón). Hijo de misioneros, sus padres residian en Tokio, y creció alli. Posteriormente retornó a Estados Unidos y se graduó en el Colegio Franklin and Marshall en Lancaster donde participó en dramas. Estudió Derecho en la Universidad de Columbia, pero su educacion fue interrumpida para incorporarse en la Armada de Estados Unidos al estallar la 2ª Guerra Mundial donde luchó en Europa y en el Norte de Africa. Casi al final de la contienda fue enviado al lejano Oriente para incorporarse en la Oficina de Servicios Estratégicos.

  Regresó a Estados Unidos después de la guerra, y tiempo después consiguió un empleo en la televisión con el programa "March  of Time" y más terde lo contrató la cadena CBS. Ganó un premio Emmy, por una grabación en 1954, llamada "Twelve Angry Men" y dos premios más en 1955, y un cuarto Emmy por su serie televisiva "The Defenders" (Los defensores"-1961-1965) protagonizada por E.G.Mrshall y Robert Reed.

  Su debut en el cine como director fue con la película "Rosas perdidas" ("The Stripper"-1963) con Joane Woodward y Richard Beymer, que recibó buenas criticas, pero la que le dieron celebridad fueron "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968) con Charlton Heston y "Patton" (!970) con la que logró un Oscar y un Premio Directors Guild of America a la mejor dirección.

  También colaboró en algunas películas con Jerry Goldsmith en la composición de la banda sonora. Su última  película fue "Bienvenido a casa" ("Welcome Home"-1989) con Kris Kristtoferson y Joberth  Williams.

  La acción nos lleva hasta Marruecos, Túnez, Sicilia, Córcega, Creta y Francia. Y nos mete en la vida de George S. Patton, un general de 3 estrellas recién ascendido. Desembarca amigablemente en el puerto de Casablanca y asume el mando de las fuerzas americanas en el Norte de Africa desmoralizadas tras la derrota de El Paso de Kasserine (Túnez) y las lleva a la victoria de la batalla de El Guettar (Túnez). Dirige las fuerzas americanas que desembarcaron en Sicilia y libera la isla, tras la toma de Palermo y Messina. A finales de 1944 se hace cargo del mando del tercer ejército, participa en la batalla de Las Ardenas y rompe el asedio de la ciudad de Bastogne (Bélgica), tras una dura lucha...

  La película construye una minuciosa y detallada semblanza del personaje. De compleja personalidad, excéntrico e inconformista, es culto, tiene buenos conocinientis de historia mlitar y se refiere con admiración y conocimiento de causa a los grandes guerreos de la historia (César, Napoleón, Guillermo el Conquistador, Federico el Grande...). Personalmente tozudo, vanidoso y malhablado, es autoritario y prefeccionista. Hace uso de la pompa y el histrionismo para atraer la simpatia de los suyos y confundir al enemigo.

  Como militar es un buen estrategia, toma decisiones con rapidez, dicta órdenes claras, tiene carisma delider y sabe infundir a los suyos coraje y confianza en la victoria. Conoce, reconoce y lamenta sus grandes defectos: afición al protagonismo, decir en público lo que piensa en privado, ser demasiado claro y nada ambiguo en sus declarciones a los medios, adoptar posiciones incómodas para sus superiores, no ocultar sus antipatia personales (mariscal Montgomery) e ideológicas (comunismo), su descuido en las formas dipolmáticas, etc.. Se considera cristiano practicante,  lee la Biblia, pero cree en la reencarnación.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por Fred J. Koinekamp. Un director de fotografia nacido en Los Angeles. Cuando contaba 23 años recibió una llamada de un lider sindicalista cinematográfico, y le ofrcció un trabajo como cargador de películas en la RKO Pictures. Y asi fue como sefascinó por el cine. De principio su trabajo fue un poco tumultoso pero más tarde comenzó a trabajar sin descanso, primero como asistente de cámara y después como director de fotografia. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones, lográndolo por fin por la película "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974 protagonizada por Steve McQueen y Paul Newman.

  Y aqui aportando composiciones de factura muy cuidada, con imágenes realistas y planos generales abiertos, que no singularizan a los personajes. La película se rodó en escenarios naturales de Rabat, Casablanca (Marruecos). Timged (Argelia), Creta, Italia e Inglaterra. Y en su mayoria en España: La Granja (Segovia), Almeria y en Sierra de Urbase (Navarra), algunas escenas también fueron rodadas en Los Angeles, concretamente en el Bob Hope Patriotic Hall (Estados Unidos).

  La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith. Uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografia, nacido en California. Aprendió a tocar el piano a la edad de seis años y alos catorce estudió composición, teoria y contrapunto. Su musica nunca se quedó estancada en ningún sitio, sino que se adaptó a las exigemcias de la película, desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas.

  Tocó todos los géneros a lo  largo de su carrera, aunque fue en el cine fantástico donde logró sus éxitos más populares:"El planeta de los simios" ("Planet of the Apes"-1968), "La profecia" ("The Owen"-1976), "La fuga de Logan" ("Logan`s Run"-1976) y "Atmósfera cero" ("Outlan"-1981) entre otras. Sus últimos años lo dedicó implantado cursos de composición para el cine a jovenes músicos en la Universidad Sur de California.

  Y aqui componiendo música de aires marciales y bélicos, ofrece un tema principal de trompetas solitarias, de gran lirismo, que evoca desolación, guerra y muerte.

  Extraordinario George C. Scott, "El último de la lista" ("The List of Adrian Messenger"-1963) metido en el uniforme del general George S. Patton y muy bien ayudado por Karl Malden, "Yo confieso" ("I Confess"-1953) también con el uniforme del general Omar N. Bradley. Seguidos por Stephen Young, "El payaso asesino" ("The Clown Murders"-1976) como el capitán Chester B. Hansen; Michael Bates, "La naranja mecánica" ("A Clokwork Oranges"-1971) como Sir Bernard Law; Michael Strong, "Ladrón y amante" (Dead Heat on a Merry-Go-Round"-1966) como el general de brigada Herbert Carver; Frank Latimore, "A pleno sol" ("Plein Solei"-1960) como el teniente coronel Henry Dowen...

  En definitiva: Una película que para mi es uno de los mejores biopics realizados nunca. Una película que sabe captar con notable brillantez el espiritu de ese polémico y audaz general. Una película Matricula de Honor.

  "Patton" logró 7 Oscar en 1970 (Fue la película del año) : Mejor película, Mejor director; Mejor actor (George C. Scott); Mejor guión (Francis Ford Coppola y Edmund H. North); Montaje (Hugh  Flower); Sonido (Douglas Willims y Don Basseman) y Dirección artistica (Urie McCleany, Gil Parrondo, Antonio Mateos y Pierre Lovis Thevenet.

  A modo de curiosidad: George C. Scott rechazó su nominación al Oscar como mejor actor, y tuvo la decencia de hacerle saber a la Academia que rechazaria el Oscar si lo ganaba. Ganó el Oscar de todos modos, y supuestamente calificó a los Oscar como "un desfile de mercancia de dos horas de duración". (Genio y Figura).

 



Las largas vacaciones del 36 (1976)

Las largas vacaciones del 36 (1976)

       En recuerdo de: Concha Velasco

  Yo también soy rojo y ni robo, ni asesino. Me dedico simplemente a enseñar geografia, historia, matemáticas, lengua y literatura, para desasnar a los niños de este pueblo y ahora vosotros..."

  Muy buena película de género dramático (Guerra Civil Española) y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Manuel Gutiérrez Aragón. Un cineasta nacido en Torrelavega (Santander). Graduado en Filosofia y Letras en 1970. Se graduó como realizador en la Escuela Oficial de Cine en Madrid. Debutó como director con la película "Habla mudita" (1973) donde consiguió el Premio de la Critica en el Festival de Berlin. Entre 1974 y 1975 escribio los guiones de "Furtivos" (1975) y "Las truchas" (1978) y se consagró como uno de los mejores realizadores con "Camada negra" (1977) y "El corazón del bosque" (1978).

  En 1975 debutó en el teatro dirigiendo la adaptación de Peter Wess "El proceso de Frank Kafka". En 1991 dirigió para la televisión la serie "El Quijote". En 1993 fue elegido Presidente de la Sociedad General de Autores y Editores que lo fue hasta 2001. Como novelista se estrenó con "La vida antes de marzo" (2009) galardonada con el Premio Heralde de Novela y el 16 de abril de 2015 fue elegido Academico de número por la Real  Academia Española, donde tomó posesión del cargo el 24 de enero de 2016.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Jaime Camino. Un cineasta nacido en Barcelona. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona y cursó además estudios musicales (piano y armonia). Tras un primer trabajo literario en forma de novela ("La coraza", finalista del Premio Nsdal y todavia inédita), se le asoció habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación del cine bajo la dictadura de Franco y orientados hacia la Nouvelle vague francesa. Estuvo entre los fundadores del Institito del Cine Catalán en 1975.

  Entre sus películas hay que destacar la de su debut en 1963 con "Los felices 60", una critica a la burguesia catalana, "Mañana será otro dia" (1966) una ácida visión del mundo de la publicidad y  "Dragón Rapid" (1986), visión de la conspiración militar durante los dias previos a la Guerra Civil Española, centrada en el avión que llevó al futuro dictador Francisco Franco desde Marruecos a España. En "El balcón abierto" (1984), con guión de Caballero Bonald, se acerca a la figura de Federico Garcia Lorca y en "El largo invierno" (1992), contó com el gran Vittorio Gasman como protagonista.

  Tuvo como era de esperar tropezones con la censura franquista con "Las largas vacaciones del 36" (1976), para la cual la escecna de la entrada de la caballeria mora a Barcelona fue todo un problema. Su último trabajo fue el documetal "Los niños de Rusia" (2011), una historia sobre los niños españoles exiliados a Rusia durante la Guerra Civil Española. En 2008 recibió el Premio Gaudi de Honor, concedido por la Academia Catalana de Cine.

  Asi pues, Camino nos lleva hasta la Guerra Civil Española (1936-1939) y en donde por sospresa cogió a mucha gente que estaba en plenas vacaciones estivales. Y alli en un pueblecito cercano a Bsrcelona, varias familias amigas decidieron seguir en sus casa de veraneo hasta que terminase la guerra. Para los niños fueron estas unas largas e inesperadas vacaciones, Prero a medida que la guerra se  recrudecia, la actitud de los adultos empezó a cambiar: algunos iban diariamemte a Barcelona para mantener su trabajo, otros en cambio, tuvieron que permanecer escondidos debido a sus ideologías politicas...

  Muy buena película y muy bien reconstruido el ambiente vivido en Cataluña en los primeros dias de la  guerra. Aunque paa mi ha sido una película muy infravalorada. El cine de Camino tiene la mayoria de las veces cono  foco temático la Guerra Civil y en este caso la ficción es sólida y sobresaliente, escrita por él y por Gutierrez Aragón, acaba por ser una amarga, documentada y poderosa crónica de realismo.

  El hecho de que la película estuvo realizada en 1976 hizo de que fuera la primera película que abordaba la contienda española desde la perspectiva republicana, resultando una historia antimaniquea (defecto tan caro al cine propagandistico y nefasto del franquismo), depurado y riguroso, que se revela de no poco calado sociológico (en condición de ficción realista me comueve y convence más que otras inspiradas en hechos históricos reales) y donde la perfección de los dos grandes grupos de personajes queda magistralmente definida: los niños haciéndose hombres y mujeres precipitadamente y jugando a la guerra, y los adultos jugando a sobrevivir. Lo que queda entre ambos son unas vacaciones eternas en un año eterno.

  La banda sonora corrió a cargo de Xavier Montsalvatge. Un compositor nacido en Gerona. Estudió música en el Conservatorio de Barcelona, donde posteriormente sería profesor desde 1970 y académico desde 1978. Es autor de una vasta obra que abarca practicamente todos los géneros, desde la ópera "El gato con botas" hasta la música de cámara "Cuarteto indiano". También colaboró en el cine, siendo autor de la ambiemtación musical de varias películas. Estuvo nominado al Premio Goya a la mejor música original por"Dragón Rapide" (1986).

  Y aqui, poniendo una música de canciones  de la época de Imperio Argentina, Concha Piquer y Miguel de Molina entre otros, también con algunos versos de Garcia Lorca y Antonio Machado.

  La fotografia en un color claroscuro fue obra de Fernando Arribas. Un director de fotografia nacido en Madrid. Galardonado con el Goya por "Divinas palabras" (1987), fundador y presidente emérito de la Asociación Española de Directores de Fotografia (AEC). Era también miembro de la Academia de Cine. Arribas puso su trabajo en numerosas películas como por ejemplo "Las crueles" (1969) de Vicente Aranda y "Tormento" (1974) de Pedro Olea. También  participó en producciones internacionales como: "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollare" (1964) de Sergio Leone y "Patton" (1970) de Franklin J. Schaffiner.

  Y aqui,  mostrándonos unas magnificas imágenes, como bien digo en un claroscuro (para dar más intensidad a esta oscura historia), recreándose en los personajes principales, y creando un ambiente sumamente inmejorable (la entrada de la caballeria mora a Barcelona), son imágenes para el recuerdo. La película se rodó integramente en los interiores del pueblo de Gelida, en la comarca vitivinicola de I’All Penedes (Barcelona).

  Magnifico el reparto de actores encabezados por nuestra querida y llorada Concha Velasco, "Historias de la televisión" (1965), metida en el cuerpo de Mercedes y seguida por Francisco Rabal, "Llanto por un bandido" (1964) como el Maestro;  Vicente Parra, "¿Dónde vas, Alfonso XII?" (1958) como Paco; José Sacristán, "Un hombre llamado Flor de Otoño" (1978) como José; Analia Gadé, "La fiel Infanteria" (1960) como Virginia; Angela Molina, Demonios en el jardin" (1982) como Encarna; Ismael Merlo, "La caza" (1956) como el Abuelo; Charo Soriano, "La casa de las chivas" (1972) como Rosita...

  En definitiva: Una muy buena pelicula, y una de las más estimables sobre ese periodo de esa maldita guerra. Una pelicula muy recomendable por su interés pedagogico e historico y más para aquellos que aún no saben o no conocen como comenzó aquel largo verano del 36. Sobresaliente.

  "Las largas vacaciones del 36" ganó el Premio de la Critica Internacional en el Festival de Cine de Berlin.

  A modo de curiosidad: A pesar de que el dictador Franco todavia vivo pero en sus últimos meses  de vida, Jaime Camino tuvo la valentia de rodar la película. De hecho, la muerte del dictador sobrevino al equipo en pleno rodaje. Camino se encontró con numerosas dificultades para realizar la película, un tema tabú en aquella época pero finalmente, la película se estrenó en 1976.

 

 

 



 


Hasta siempre!!!

Hasta siempre!!!

           Concha Velasco (Conchita)

                 "La eterna chica ye yé"

  El pasado 2 de diciembre y a la edad de 84 años falleció nuestra querida e inolvidable Concha Velasco en el Hospital Puerta de Hierro de Majadohonda (Madrid). Concha Velasco (por aquel entonces Conchita) inició su carrera artistica a los 15 años con la película "La reina mora" (1955) de Raúl Alfonso y protagonizada por Antoñita Moreno, Pepe Marchena y Miguel Ligero. Pero su consagración llegó con "Las chicas de la Cruz Roja" (1958) de Rafael J. Salvia y teniendo como compañero a Tony Leblanc (con el que interpretó varias películas mas), Numerosos éxitos se sucederian después. En 1965 rodó "Historias de la televisión" de José Luis Sáenz de Heredia. Tras  su estreno Concha se convirtió para siempre en "la chica ye yé", titulo de la canción de Augusto Algueró que cantaba en la película. Su inesperado estrellato en la música le permitió grabar ocho discos más, aunque ella nunca se reconoció como cantante.

  Concha Velasco recibió en febrero de 2013 el Goya de Honor a toda su trayectoria. "Poca gente hay como ella", dijo Enrique González Macho, presidente dela Academia del Cine, y tenia razón. Concha con más de 80 películas rodadas, series y programas de televisión, e innumerables exitos teatrales, recogia su premio más deseado, al que fue nominada en dos ocasiones sin suerte. Aquella jovencita que estudió danza clásica, que debutó en el Cuerpo de Baile de la Opera de A Coruña, que zapateó como bailarina en la Compañia de Manolo Caracol y que fue chica de revista, con Celia Gámez, obtenia el reconocimiento oficial y el aplauso que merecia como la gran dama de la interpretación que siempre habia sido.

  El mundo artistico le dió a Concha lo mejor y lo peor de su vida. Incombustible y llena de energia rodó más de 80 películas, estrenó obras de teatro y musicales por toda España grabó miticas series de televisión y presentó programas en la pequeña pantalla que permitieron financiar sus sueños teatrales. Ser actriz le abrió las puertas de un paraiso donde se cruzó con los grandes hombres de su vida.

  Conoció a Tony Leblanc, con el que rodó seis películas. El actor fue más que un amigo para Concha, fue un hermano, un hombre al que admiró. El cariño que les unió en 1958 fue creciendo y consolidando con los años, y la muerte de Tony en noviembre de 2012 dejó huérfana a la actriz. El teatro le legaria también a Adolfo Marsillach. El actor y director escribió su primera obra teatral, "Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?", para ella. Gracias a él, además Concha conoció al hombre de su vida el productor Paco Marsó.

  Antonio Gala, el escritor, fue intimo amigo de Concha. Además fue el hombre que ideó para ella grandes papeles teatrales. Pensando en Concha, Gala escribió obras como: "La truhana", "Carmen, Carmen", "Las manzanss del viernes" o "Inés desabrochada". Concha Velasco se casó con Paco Marsó en 1976. Tuvieron dos hijos: Manolo y Paco. La pareja saboreó las mieles del éxito, pero también el fracaso y la ruina económica. Los años de esplendor se alternaron con los embargos y las deudas. Los vaivenes económicos dejaron huella en Concha: úlcera de estómago, depresiones y una cada vez mayor distancia con su marido.

  Tras varias separaciones y otras tantas reconciliaciones, el matrimonio se separó definitivamente en 2005. Marsó dejó de ser su representante y ella se hizo cargo de todas las deudas. Debido a ellas ya habian vendido su casa en La Moraleja en 1998 y vivian en su antiguo piso de Madrid, que poco después tuvo que poner en venta.

  Pero el peor episodio en sus vidas llegaria un año después de su separación. Paco Marsó se convirtió en un asiduo de los programas televisivos e hizo público su adición al juego y a sus numerosas infidelidades en los 28 años que estuvo casado con Concha que, en 2009 se enteró por la prensa de que Marsó se casaba con una joven cubana con la que iba a tener un hijo. Se declaró "desconcertada" y firmaron los papeles del divorcio un año después. A pesar de todo, de que su vida junto a Paco fue una montaña rusa emocional, la actriz viajó de Madrid a Málaga en noviembre de 2010 para dar el último adios al que fue "el hombre de su vida". Destrozada y arropada por sus hijos, despidió al que fuera su marido, fallecido de un infarto. El corazón de Concha se sintió viudo.

  Concha amó a otro grande de la escena, Fernando Fernán Gómez, pero el suyo fue un amor platónico. "Era el que mejor besaba", dijo sin ocultar que le hubiera gustado tener "una historia con él", pero se cruzó Emma Cohen. En la ficción nunca se le resistió nadie, pero en la vida, Concha siempre se sintió como una "mal querida".

  La que fuera "chica ye yé" y rostro pizpireta de muchas películss antes de la transición demostró su enorme talento después, rodando a las órdenes de grandes directores como Pedro Olea, Josefina Molina o Luis Gsrcia Berlanga. Dos nominaciones al Goya y una lista de premios que superaron la treintena de galardones, incluida la Medalla de Oro de las Bellas Artes, alcazan una carrera que la ha valido el respeto y la admiración de sus compañeros de profesión y el cariño del público.

  Pero además, Concha será para siempre "Teresa de Jesús", porque interpretándola en una serie para la televisión en 1984 bordó uno de sus mejores trabajos.  Tras algunas propuestas de poca reputación, como ella misma declaró, sus últimos papeles en la pequeña pantalla "Herederos" (2007-2009) y "Gran Hotel (2011), la reivindicaron como la gran dama de la interpretación que siempre ha sido. Tras un tiempo parada en 2016 regresa a la televisión haciendo papeles  para Antena 3 y, a continuación, para la primera serie de Netflix española, "Las chicas del cable" (2017) junto a Blanca Suárez y Martin Rivas.

  2014 fue un año muy duro para Concha, ya que estuvo a punto de morir en una de las varias operaciones quirúrgicas a la que fue sometida po un linfoma. Retirada varios meses y sin saber si podria volver a trabajar, finalmente, las pruebas médicas que se realizaron fueron muy positivas. A finales de septiembre, reegresó en el teatro de Zaragoza, con la obra "Olivia y Eugenio". Su retorno a los escenarios, además coincidió con la publicación de sus memorias, bajo el titulo "El éxito se paga".

  A finales de diciembre de 2022, Concha volvió a ser ingresada en el hospital, ya que según declaró su hijo Manolo: "Su débil estado de salud se deteriora muy rápido". Recibió el alta el 1 de enero de 2023, pero durante ese año, fueron muchos los momentos de preocupación por la salud de la actriz...

  Concepción Velasco Verona (Concha Conchita Velasco) - Valladolid - 23-noviembre-1939-Majadahonda (Madrid)-2-diciembre-2023

                             ¡DESCANSE EN PAZ!

  Buscate una chica, una chica ye yé

  Que tenga mucho ritmo y que cante en inglés

  El pelo alborotado

  Y las medias de color

  Una chica ye yé

  Una chica ye yé que te comprenda como yo...

 



Valor de ley (The Grit - 1969)

Valor de ley (The Grit - 1969)

           ¿Viejo?, ¿Gordo?, Cojo?, Borracho?, Tuerto?

  Trepidante película de género de western y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles Portis. Un escritor nacido en Arkansas. Combatió como marine en la Guerra de Corea, y estudió periodismo en la Universidad de Arkansas y después comenzó a trabajar en el célebre periódico New York Harold Tribune. Debutó como novelista con "Norwood d" en 1966, una novela de carretera y aventuras con toques irónicos, satíricos y picarescos que contaba con el protagonismo de un exmarine llamado Norwood Pratt.

  Su novela más conocida fue precisamente "Valor de ley". Pratt era un hombre de carácter esquino siempre se le comparó con Mark Twain y colocado por encima de gente de mayor resonancia como por ejemplo: Kurt Vonnegui, su trayectoria como escritor fue más bien corta, ya que tras "Valor de ley" solamente publicó tres novelas más.

  El guión fue escrito por Margueritte Roberts.Una escritora y guionista nacida en Nebraska. A principios de la década de 1920, ella y su primer marido viajaron a California vendiendo perlas de imitación. Pero cuando su negocio fracasó encontró un trabajo en el periódico The Imperial Valley Press de Los Angeles, Fue entonces cuando a raiz de su divorcio se trasladó a Hollywood para convertirse en una de las secretarias de la 20th Century Fox era el año 1926. Su primer guión lo escribió en 1931 y en 1933 colaboró con Raoul Wals en la película "Salor’s Luck", ese mismo año firmó con la MGM. Otros de sus guiones llevados al cine fueron: "Ivanhoe" (1952) con Robert Taylor y Elizabeth Taylor, "El señor de Hawaii" /("Diamond Head"-1962) con Charlton Heston y "Circulo de fuego" ("Shoot Out"-1971) con Gregory Peck.

  "Valor de ley" está dirigida por Henry Hathaway. Un cineasta nacido en Sacramento (Estados Unidos). Era hijo de actores, su padre además de actor era  representante teatral. Asi pues, creció dentro del mundo de la interpretación, empezó interviniendo en el teatro en pequeños papeles infantiles, y también trabajó como extra en peliculas del oeste. Durante la 1 ªGuerra Mundial sirvió en el ejército estadounidense y durante la contienda actuó en varias sesiones de teatro como actor secundario, tambiés lo hizo en el cine en un  corto titulado "The Storm Woman" (1917) donde fue dirigido por Ruth Ann Baldwin.

  Una vez acabada la guerra y en el año 1923 empezó a trabajar como asistente de dirección de Victor Fleming en "To the Last Man" ("Hasta el último hombre"-1923), "Flor de capricho"("Mantrap"-1926) y "Las novias de un soltero" ("Banchelor Brides"-1926) esta dirigida por William K. Howard., Y seguidamente con Josef von Stemberg, que fue su maestro con: "La ley del hampa" ("Linderworld"-1927), "La última orden"("The Last Command"-1928), "Marruecos" ("Morocco"-1930) y "El expreso de Shanghai" ("Shanghai Express"-1932).

  Precisamente en 1932, la Paramount le contrató como director para ocho westerns de serie B (bajo presupuesto) basados en novelas de Zane Grey, todos ellos protagonizados por Randolph Scott, destacando "El legado de la estepa" ("Heritage of the Desert"-1932), "El hombre del bosque" ("Man of the Forest"-1933), "La horda maldita" ("The Thundering"-1933) y "El último rodeo" ("The Last Round-Up"-1934).

  A continuación trabajó con Gary Cooper en "Ahora y siempre" ("Now and Forewer"-1934) y "Tres lanceros  bengalies" ("The Lives of a Bengel Lancer"-1935) en películas generalmente de aventuras, aunque también hizo relatos románticos como "Sueño de amor eterno" )"Peter Ibbetson"-1935) y "Almas en el mar" ("Souls at Sea"-1937) las dos con Gary Cooper como protagonista.

  La eficacia del trabajo de Hathaway benefició a su carrera y confirmó la aportación de los actores que intervinieron en sus películas. Fue un director al que le resultó imposible moverse solamente en un género. Demostró, a partir de los años 40, que era capaz de asumir los compromisos más dispares y hacer de ellos películas en las que la eficacia del espectáculo estuviera garantizada.

  Hizo trece westerns más, como "El pastor de las colinas" ("The Shepherd of the Hills"-1941), "Alaska, tierra deo oro" ("North to Alaska"-1960), "Los cuatro hijos de Katie Elder" ("The Sons of Kate Elder"-1965), "Valor de ley" ("True Gril"-1969) todas con John Wayne, pero tabién con Gary Cooper, "El jardin del diablo" ("Garden of Evil"´-1954), Gregory Peck, "Circulo de fuego" ("Shoot Out"-1971), Tyrone Power, "El correo del infierno" ("Rawhide"-1951). Realizó bastantes películas de cine negro y misterio, Johnny Apollo" ("Approved"-1940), "La casa de la calle 92") ("The House on 92 nd Street"-1946), asi como "Envuelto en la sombra" ("The Dark Comer"-1946), "El beso de la muerte" ("Kiss of Death"-1947), "Yo creo en ti" ("Call Northside 777"-1948) trodas ellas con valiosos actores masculinos. Su última película fue"Chantaje criminal" ("Super Dude"-1974), una historia ambientada en los años 70 sobre el tortuoso mundo de las drogas.

  La acción pues, nos mete en la vida de Rouben "Rouster" Cogburn. Un agente de 55 años, sin familia, valeroso, cruel, tuerto, borrachin y de oscuro pasado. Es un hmobre eficaz en su trabajo, lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura... Al comienzo de la película se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Por su eficacia y valentia es contratado por Mattie Ross, una jovencita de 16 años, la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. A raiz del asesinato de este y ante la pasividad de las autoridades, decide organizar la captura del asesino un tal Tom Chaney, que ha huido a los territorios  indios y se ha unido a una banda criminal. La joven es decidida, inteligente, luchadora y desenvuelta, fragil y, a veces ingenua. El sargento de los rangers de Texas, anda también en  busca del asesino, por haber asesinado en Texas, a un senador, el sargento es un hombre honesto, rigido, servidor del deber, testarudo y codicioso...

  El titulo de la película responde al hecho de que la joven busca para la captura del asesino un hombre con agallas y por supuesto valiente. No le importa el pasdo, ni su fama de granuja. Asi pues, la expedición que emprenden la joven Mattie, "Rooster" y Le Boeuf, se desarrolla como una odisea.

  Las diferiencias de edad de los viajeros, la discapacidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado de desencuentros, fricciones y discusiones que mantirnen caldeado y vivo el clima de la expedición.

  La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del espectador. Como es habitual en él, integra en la historia el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución.

  La banda sonora corrió a cargo de Elmer Bernstein. Un compositor nacido en California. Empezó a estudiar con Aaron Copland y luego ingresó en la Academia Juilland. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la 2ª Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar de Glenn Miller. Una vez acabada la contienda bélica, se inició en la música para el cine como discipulo de Jerome Moross, Alex North y el propio Copland.

  Sus composicones cinematográficas alternan el estilo jazzistico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodias muy recordadas como "Los siete magnificos" ("The Magnificent Seven"-1960) o "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). Ganó un Oscar por "Millie, una chica moderna"("Thoroughly Modern Millie"-1967), de las 10 nominaciones  en las que fue cadidato. También compuso música para la National Geographic y para el video clip "Thriller" de Michael Jackson.

  Y aqui, ejercitando una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en  instrumentos de viento, que dejan la melodia a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación y de recursos épicos o liricos (solo de flauta en la intomidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los titulos de crédito la entrada de la canción original de Bernstein "True Grit" que canta Glen Campbell.

  La fotografia en color fue dirgida por Lucien Ballard. Un director de fotografia nacido en Oklahoma. Tras múltiples trabajos  le llevaron por todo los Estados Unidos e incluso por China, inició su carrera como trabajador manual para la Paramount, empezando a aprender el oficio desde abajo como asistente de cámara. Trabajó con numerosos directores de cine, destacando su colaboración con Sam Peckinpah. Estuvo nominado al Oscar por  su trabajo en la película "Los gurdianes"("The Carefakers"-1963). En su haber cuenta con una filmografia  muy extensa y algunas tan emblemáticas como: "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), "Grupo salvaje" ("The Wild Bunch"-1969) o "La balada de Cable Hogue"" ("The Ballad of Cable Hogue"-1970).

  Y qui, creando composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico de la película. La película se rodó en escenarios naturales de Colorado (California) y Durango (México).

  Extraordinario John Wayne, "La taberna del irlandés" ("Donovan’s Reef"-1963) metido en el cuerpo de "Reester" Cogburn. Y con él Kim Darby, "Generación rebelde" ("Generation"-1969) como Mattie Ross; Glen Campbell, "Dos héroes y un destino"("Uphill All the Way!"-1986) como Le Boenf; Jeremy Slater, "Lecciones de amor en Suecia" ("I’ll Take Sweden"-1965) como Emmett Quinny; Robert Duvall, "Gracias y favores" ("Tender Mercies"-1983) como Ned Pepper; Jeff Corey, "El oro de nadie" ("Callow"-1971) como Tom Chaney; Dennis Hooper, "Super Mario Bros"(1963) como "Moon"...

  En definitiva: Una película muy completa. Con una gran interpretacion, una buena dirección y una gran banda sonora. Con un Oscar muy merecido para el gran John Wayne (aunque al menos para mi y lo reconozco no es su mejor pelicula). Sobresaliente.

  A modo de curiosidad: John Wayne no se llevaba bien con Robert Duvall durante el rodaje y, en un momento donde los ánimos estaban cargados, Wayne amenazó con agredir al entonces joven Duvall si este volvia a discutir de nuevo con el director.

  En 2010 los hermanos Joel y Ethan Coen realizaron un remake protagonizado por Jeff Bridges. Según la mayoria de los criticos esta pelicula superó a  la de Wayne. Pero para mi y, sin dudarlo me quedo con la del gran John Wayne. Y la critica que diga lo qu quiera. Saludos!!!

El león en invierno (The Lion in Winter-1968)

El león en invierno (The Lion in Winter-1968)

  "Enrique tenia dieciocho años cuando nos conocimos y yo era la reina de Francia. Vino desde el Norte hasta Paris con un cerebro como el de Aristóteles y un cuerpo como el pecado mortal. Destrozamos los Diez Mandamientos alli mismo".

  Intensa pelicula de género dramático y de nacionalidad estadounidense basada en una obra teatral de James Goldman que tabién se ocupó del guión. Un guionista y dramaturgo nacido en Chicago, se le conoce principalmente por ser el autor de "El león en invierno", pero también es famoso por haber escrito el libreto para el musical de Broadway "Follies" que obtuvo un rotundo éxito.

  "El león en invierno" está dirigida por Anthony Harvey. Un cineasta nacido en Londres. Comenzó su carrera como actor adolescente y comenzó a dirigir a mediados de la década de 1960. Su carrera también fuemuy notable por su trabajo recurrente con varios actores y directores principales, incluidos Terry-Thomas, Peter Sellers, Richard Antebotough y Stanley Kubrick entre otros.

  Su padre falleció cuando Anthony era muy joven y fue criado y tomó su apellido de su padrastro, actor y escritor Morris Harvey. Comenzó su carrera en la pantalla como bien he dicho cuando era adolescente e hizo su debut en la pelicula "César y Cleopatra" ("Caesar and Cleopatra"-1945) protagonizada por Vivien Leigh y Claude Rains y donde hacia el papel de Ptolomeo el hermano de Cleopatra.

  Fue contratado como editor asistido de los hermanos Boulting (Roy y John), y pronto se encontró con una gran demanda, y luego editó una secuencia de películas británicas en la décsda de 1950 y principiosde 1960, desarrollando una fructífera relación de trabajo con varios directores importantes del periodo, incluidos Anthony Asquith, Bryan Forbes, Martin Ritt y Stanley Kubrick.

  La acción se desarrolla en el Castillo de Chinon en Arlés (Francia), residencia habitual de EnriqueII, en la Navidad de 1183. El rey convoca a su esposa Leonor de Aquitania, los tres hijos de ambos, Ricardo, Geofredo y Juan, su amante Alais y Felipe II de Francia, hermanastro de Alais. El motivo de la reunión es debatir sobre el nombramiento de un nuevo heredero, condición a la que aspiran los tres hermanos. Ricardo de 25 años, es colérico, ambicioso, inteligente y ha vivido algunas experiencias homosexuales, Geofredo de 20 años, es manipulador y bribón, Juan de 16 años, cargado de espaldas, indeciso y lento de reflejos es el preferido del padre...

  La película muestra el ambiente opresivo de reproches, traiciones, envidias, celos, odios, engaños y deslealtades, que envuelven la vida de la familia durante la reunión. La madre apoya la candidatura de Ricardo (porque le devolverá libertad y rango) y desea una resolución rápida del tema (que aleje a Alais de Enrique). El rey dice que prefiere a su hijo menor, Juan, pero amarga sus intenciones con mentiras. Felipe, los tres hermanos y la reina urden una conspiración contra Enrique sin contar con la capacidad de reacción de este y su astucia.

  La acción se sustenta en la complaciencia del rey en ver como sus hijos luchan por  ambición. Le gusta que sean aguerridos y despiadados. El rey juega con la ventaja de su poder y experiencia, superior inteligencia, capacidad de sospresa y sentido lúdico. En el transfondo del drama se hallan dos hechos: el Reino de Enrique II es el más grande y poderoso del mundo y es firme el propósito del rey no dividirlo entre los hijos (como hiciera el rey Lear).

  En el curso del debate/disputa/juego el rey engaña y zahiere a los suyos, mientras a su vez es victima de los dardos que estos concentran sobre sus puntos débiles: el recuerdo de su antigua amante, Rosamunda Clifford, y sus remordimientos por el asesinato de Thomas Becket.

  La banda sonora corrió a cargo de John Barry. Un compositor nacido en York (Reino Unido). Es mundialmente conocido por tener un estilo basado en el extensivo uso de los instrumentos de viento y metal y en las cuerdas exóticas a la par de ser un músico innovador, siendo uno de los primeros en utilizar sintetizadores en una partitura para el cine como se pudo ver en la película "007 Al servicio de Su Majestad" ("On Her Majesty’s Secret Service"-1969).

  No solamente compuso música para el cine, ya que su colaboración con la televisión fue enorme teniendo como ejemplo la serie "Ls Persuasores"("The Persusders!"-1971)protagonizada por Tony Curtis y Roger Moore. De siete nominaciones al Oscar, ganó cinco estatuillas: "Nacida libre" ("Born Free"-1966), por la que ganó a la Mejor banda sonora y Mejor canción, "El león en invierno" ("The Lion in Winter"-1968), "Memorias de Africa" ("Out of Afeica"-1985) y "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves"-1990). 

  Y aqui, ofreciéndo una partitura de orquesta y con coros, que evoca las melodias del siglo XII, con formas solemnes, tonos religiosos, aires dramáticos y ribetes fúnebres.

  La fotohrafia en color, fue dirigida por Doglas Slocombe. Un director de fotografia nacido en Londres. Muy conocido particularmente por su trabajo en los miticos estudios londinenses Ealing Studios en las décadas de 1940 y 1950, asi como por las tres primeras películas de la saga "Indiana Jones". Ha sido ganador de los premios BAFTA en 1964, 1975 y 1979, y fue nominado al Oscar en tres ocasiones por "Viajes con mi tia" ("Travels with My Aunt"-1972), "Julia" (1977) y "En busca del arca perdida" ("Raiders of the Lost Ark"-1981).

  Y aqui, moviéndo la cámara con decisión y energia, construyendo largos travellings y zooms de profundidad y situándolo con precisión. Hace uso preferente de los dorados, ocres y marrones. Los exteriores fueron rodados en Francia (Abadia de Montemajour y en el casiillo de Tarascón), Irlanda, Gales e Inglaterra y los interiores en los Studios Admore de Irlanda.

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por Peter O’Toole, "Lord Jim" (1965) dando vida a Enrique II y Katharine Hepburn, "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940) metida en el cuerpo de Leonor de Aquitaina. Y seguidos por Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Slence of the Lambs"-1991) como Ricardo; Jonh Castle, "Rey David" ("King David"-1985) como Geofredo; Nigel Terry, "Excalibur" (1981) como Juan; Timothy Dalton, "El arrecife" ("Passion’s Way"-1999) como Felipe II; Jane Merrow, "Enviado especial K" ("Assigment K"-1964) como Alais...

  En definitiva: Una de esas películas que todo el mundo debe ver para disfrutar del buen cine que sigue soportando el tiempo de manera muy buena, gracias a la calidad con lo que cuenta.  Sobresaliente.

  "El león en invierno" logró tres Oscar: Actriz (Katharine Hepburn), Guión adaptado (James Goldman) y Banda sonora (John Barry).

  A modo de curiosidad: La película se estrenó en Estados Unidos el 30 de Octubre de 1968. Y en Inglaterra el 29 de Diciembre de 1968.

 

 


En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

  "Muchacho. Es usted como el resto de nosotros" "¿Verdad?".

  Muy buena película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John Ball. Un escritor y guionista nacido en Nueva York. Muy reconocido por sus novelas de misterio policiaco que involucran al detective de la policia afroamericano Virgil Tibbs, y donde ganó precisamente el Premio Edgar por "En el calor de la noche" escrita en 1965.

  El guión fue escrito por Srirling Silliphant. Un escritor y guionista nacido en Michigan. Escribió más de 20 guiones para el cine e innumerables para telefilmes a lo largo de sus 30 años de carrera. Ganó el Oscar por "En el calor de la noche". Era de religión budista y por ese motivo se trasladó a Bangkor (Tailandia) tras abandonar los Estados Unidos. Otros de sus guiones  para el cine y de un gran éxito tanto de critica como de público fueron: "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972) y "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974).

  "En el calor de la noche" está dirigida por Norman Jewison. Un cineasta nacido en Ontario (Canadá). A principios de los años 50, visitó el sur de Estados Unidos, donde le impresionó el fenómeno del racismo. Narrador magistral, reflejó aquella experiencia en algunas de sus películas, incluida el misterioso asesinato en tintes raciales de "El calor de la noche" ("In the heat of the Night"-1967), protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger.

  Durante los años 50, trabajó en la televisión, antes de trasladarse a Hollywood. Empezó su carrera de cineasta con comedias cosmopolitas y románticas, dirigiendo actores y actrices de primera categoria como Doris Day, Rock Hudson, James Garner y Tony Curtis, en películas como "Soltero en apuros" ("40 Pounds of Trouble"-1962), "Su pequeña aventura" ("The Thrill of It All"-1963), "No me mandes flores" ("Send Me No Flowers"-1964) y "El arte de amar" ("The Art of Love"-1965). Cambió de registro al sustituir a Sam Peckipah en el drama "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid"-1965) con Steve McQueen.

  Desde finales de los años 60 y principio de los 70 Jewison dirigió películas que exploraban el espíritu de la época, utilizando a menudo la comedia satírica o en género de crimen para abordar cuestiones de actualidad. Uno de los ejemplos más destacado es la comedia paranoíca "¡Qué vienen los rusos!" ("The Russians are Coming, the Russians are Coming"-1966), con Alan Arkin y Eva Marie Saint. Después dirigió a Steve McQueen y Faye Dunaway en "El caso de Thomas Crown" ("The Thomas Crown Affaire"-1968), realizó dos adaptaciones muy diferentes de musicales el tradicional exitoso "El violinista en el tejado"("Fiddler on the Roof"-1971) y el moderno "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"-1973).

  Por lo general se le asocia con grandes producciones: trabajó con James Caan en "Rollerball" (1975), con Sylvester Stallone en "F.I.S.T. Simbolo de fuerza" ("F.I.S.T."-1978), con Al Pacino en "Justicia para todos" ("...And Justice for All"-1979) y con Bruce Willis en "Recuerdos de guerra" ("In Country"-1989). Volvió a los temas raciales con "Historia de un soldado" ("A Soldier’s Story"-1984) y "Huracán Carter" ("The Hurricane"-1999) ambas con Denzel Washignton.

  Asi pues, Jewison nos lleva hasta una pequeña localidad imaginaria de Sparta (Misisipi), durante 3 dias muy calurosos del mes de septiembre de 1966. Alli un tal Virgil Tibbs, policia del departamento de homicidios de Filadelfia, llega en un tren a la estación de dicha localidad para enlazar con el tren de Memphis (Tennesses), donde reside su madre. Pero durante la espera es detenido por el policia Sam Wood como sospehoso del asesinato de un poderoso industrial del Norte. Interrogado por el sheriff Bill Gillespie, es dejsado en libertad, y es cuando Tibbs y Gillespre inician una singular colaboración para resolver el caso...

  La película contiene drama racial, suspense, thriller policiaco, crimen y critica social. La acción se desarrolla en una pequeña población del Sur, en la que se  hallan muy arraigados los prejuicios raciales y la violencia fanática contra los afroamericanos. La historia desarrolla tres lineas de acción. En la primera expone la relación de colaboración necesaria y a la vez, de amor/odio entre el sheriff racista y el experto inspector. Planteada con acierto y credibilidad, se desarrolla con habilidad, sentido de la ironia y toques de buen humor.

  La segunda linea viene dada por el plantamiento y el avance de la investigación sobre la autoria del crimen a cargo de un perspicaz Tibbs y un atolondrado y poco cuidadoso Gillespie. Mientras el primero busca pruebas y pistas que le llevan a identificar al asesino, el segundo busca sospechosos sin analizar ni la consistencia de los indicios, ni la validez de las pruebas.

  La tercera linea se centra en los incidentes de violencia provocados por racistas que no toleran que un hombre de color forastero, se mueva por la localidad haciendo preguntas, relacionanando hechos y averiguando cuestiones que desean ocultar a toda costa. En este sentido, la película sigue las lineas propias de un thriller vigoroso y pletórico de fuerza, aunque en algunos puntos simplifica las cosas mediante elipsis justificadas y oportunas en algunos casos y decisivos en otros. Está bien construido el ambiente opresivo, tenso y conflictivo de la ciudad.

  La banda sonora corrió a cargo de Quincy Jones. Un compositor y director de orquesta nacido en Chicago. Fue el productor principal de Michael Jackson, a quien le produjo todos sus albúnes, incluido "Thriller", el álbum más vendido de Jackson. Su ámbito de interes musical abarca el R&B y el jazz (swing y bop), con frecuente tendencia a su fusión. Asi mismo, es intérprete ocasional de trompeta, piano y cantante. Su extensa carrera incluyr grabaciones con Frank Sinatra, la composición de bandas sonoras para el cine y su labor como productor como bien he dicho de Michael Jsckson. Fue también productor de la canción "We Are the World". Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy, La Medalla Nscional de las Artes y la Legión de Honor, entre otras distinciones.

  Y aqui, acompañando las escenas de noche con temas jazzisticos que crean un ambiente adecuado. Añade cuatro canciones propias, entre ellas "In the Heat of the Night", que canta Ray Charles y que incorpora el tema principal. Añade también fragmentos hipnóticos de piano a cargo de Ray Charles, como el corte "Mama Celeba’s Blues".

  La fotografia en color fue dirigida por Haskell Wexler. Un director de fotgrafia nacido en Chicago. Elegido como uno de los diez directores más influentes de la historia de la fotografia de Estados Unidos. Estudió durante un año en la Universidad de California en Berkely, antes de pasar cuatro años y medio en la Marina mercante estadounidense durante la 2ª Guerra Mundial. Al acabar la contienda trabajó en documentales, cortometrajes, programas de televisión y anuncios publicitarios tambien para la televisión.

  En 1963 trabajó cmo director de fotografia en su primera película, "América, America" de Elia Kazan. Después también hizo  fotografias adicionales en varias películas entre ellas "Dias de cielo" ("Days of Heaven"-1978) con la que Nestor Almendros ganó el Oscar a la Mejor fotografia.

  Y aqui, componiendo secuencias nocturnas de ambiente caluroso y sensual. La atmósfera tensa del relato está recogida en imágenes creadas con precisión y fuerza visto con ojos de hoy, el compromiso antirracista de la película parece tibio, suave y contemporizador, cuando originalmente tenia la contundencia y el atrevimiento de una primera presentación en pantalla.

  Sensacional el mano a mano entre los dos protagonistas: Sidney Poitier, "Los lirios del valle"("Lilies of the Field"-1963) dando vida a Virgi Tibbs, un inspector de policia del departameto de homicidios de Los Angeles, un hombre moderno, experto, profesional, riguroso y astuto y Rod Steiger, "El león del desierto" ("Lion of the Desert"-1980) metido en el cuerpo del sheriif Bill Gillespie, un personaje rudo, terco, agresivo, autoritario e intransigente.

  Y con ellos Warren Oates, "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970) como el policia Sam Wood; Lee Grant, "Aeropuerto 77" ("Airport 77"-1977) como la "señorita" Colbert; Larry Gates, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on Hot Tin Roof"-1958) como Eric Endicott...

  En definitiva: Una muy buena película de su género, con una gran dosis  de intriga y desconcierto, que para mi si no fuera por algunos simples "detalles", la calificaria de obra maestra, porque no anda muy lejos de serlo.   Sobresaliente.

  "En el calor de la noche" logró 5 Oscar: Pelicula, Actor (Rod Steiger), Guión adaptado (Stirling Sillphant), Montaje (Hal Ashby) y Sonido (Walter Gosst).

  A modo de curiosidad: Se rodaron dos secuelas  más de la película "Ahora me llaman señor Tibbs" ("Thy Call Me Mister Tibbs"-1970) de Gordon Douglas y El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) de Don Medford, y aunque las dos estuvieron protagonizadas de nuevo por Sidney Poitier la verdad es que tuvieron escaso interés.


 

¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?-1966)

¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?-1966)

  "La locura es el refugio que inventamos cuando la irrealidad del mundo pesa mucho sobre nuestras cabezas". (Martha).

  Vibrante película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una obra teatral de Edward Albee. Un dramaturgo nacido en Washington. Un hombre que introdujo en gran parte de su pais las nuevas tendencias dramáticas europeas de la segunda mitad del siglo XX. Su obra cumbre y más conocida fue "¿Quién teme a Virginia Wllof?", escrita en 1962, una obra de gran éxito en los escenarios internacionales que alcanzó gran popularidad gracias a su adaptación al cine en 1966.

  Sus primeras obras presentan un dominio y americanización del teatro del absurdo que tuvo su apogeo en las obras de escritores europeos como: Jean Genet, Samuel Beckett y Eugéne Fonesco. Dramaturgos extraordinarios modernos como Paula Vogel, le dan crédito a la mezcla que hace Albee en teatralidad y diálogo punzante, para ayudar a reinventar el teatro de Estados Unidos de posguerra hacia comienzos de la década de 1960. Edward Albee, recibió tres veces el Premio Pulitzer de teatro por  "Three Tall Women" (1964)"A Delicate Balance" (1967) y "Seascape" (1975) .

  El guión fue escrito por Ernest Lehman. Un guionista nacido en Nueva York. Tras graduarse en el City College de Nueva York, inició su carrera como escrtor indepediente escribiendo radionovelas y anuncios para musicales de Broadway. Este trabajo despertó el interés de la Paramount, que le ofreció un contrato como guionista, y en 1954 escribió su primera película, "La torre de los ambiciosos" ("Executive Suite").

  En su escasa obra (apenas una docena de películas), figuran titulos tan interesantes  como: "Sabrina" (1954), "Con la muerte en los talones" ("North by Nortwest"-1955), "West Side Story" (1961), "Sonrisas  y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) o "¿Quién teme a Virginia Woolf?"("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"-1966). En 2001 fue el primer guionista galardonado con un Oscar Honorífico.

  "¿Quién teme a Virginia Woolf?" está dirigida por Mike Nichols. Un director nacido en Berlin (Alemania). Nacido en el seno de una familia rusa judia, salió con su familia de Alemania en 1939 para escapar de la persecución nazi. Formó un famoso duo de humoristas con Elaine May. También desarrolló unadestacada carrera como director de teatro, con éxotos de Broadway como: "Plaza Suite" (1968), "Tio Vania" (1973) y "Algo auténtico" (1984).

  Como cineasta realizó mas de veinte películas algunas de las cuales abordaron con éxito en su tiempo el tema de las relaciones sexuales: "Cegados por el deseo" ("Closer"-2004), sobre el amor y el abandono; "Conocimiento carnal" ("Carnal Knowledge"-1971), basada en una novela de Jules Feiffer; el carnaval de temática homosexual "Una jaula de grillos" ("The Birdcage"-1996) y la legendaria "El graduado "("The Graduate"-1967).

  Nichols aportó un sentido de la teatralidad un agudo ingenio y una inteligencia profunda y europea junto con una visión critica y penetrante de la cultura contemporánea. "Trampa 22" ("Catan 22"-1970), basada en la novela pacifista de Joseph Heller, ridiculiza la organización militar, pero también ofrece un retrato impactante de la devastación causada por la guerra. "A propósito de Henry" ("Regardin Henry"-1991) trata el tema del retraso mental en una historia de amor con Harrison Ford y Annette Bening; "Sikwood" (1983), aborda los efectos de la radioactividad en un alegato antinuclear y "Postales desde el filo" ("Postcards from the Edge"-1990), presenta un conflicto generacional muy doloroso entre una madura agente del mundo del espectáculo, interpretado por Shirley MacLaine y su hija, una mujer con talento pero enajenada.

  Aunque gran parte de las películas de Nichols son de una calidad innegable, tal vez su mejor trabajo sea el primero que reaizó "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"-1966), en la que Elizabeth Taylor y Richard Burton, ofrecen extraordinarias interpretaciones en una pareja que ha convertido su matrimonio en algo parecido a un infierno.

  La historia que nos cuenta Nichols, tiene lugar en el campus de la Universidad de una pequeña ciudad, New Carthago (Nueva Inglaterra), entre las 2:00 y el amanecer, y en donde George, de 46 años, y Martha de 52, forman una pareja autodestructiva. El debil y alcohólico, con notable resistencia emocional. Ella es dominante, psicótica y amargada. Tras una fiesta, invitan a una pareja joven, Nick y Honey, a tomar una última copa en casa...

  La pelicula pues, desarrolla un relato dramático, que se basa en un crescendo de ironias, desaires, insultos, agresiones verbales, humillaciones, amenazas, dominación y destrucción, que ponen de manifiesto las miserias y secretos del matrimonio y saca a la luz los miedos, ansiedades, frustraciones, malicia, fobias, apetitos y deseos, de los protagonistas.

  El juego cruzado de ofensa/recriminación y agresión/reacción, se da en un marco de una elevada ambigüedad, extraños interrogantes y la defensa de la inexistencia de limites claros entre realidad y fantasia. El proceso arrastra a la pareja de invitados, lo que incrementa la tensión dramática.

  Incluye referencias a hechos irreales (hijo), falsos (embarazo psicológico) e inciertos. (¿Es George el niño que mató a la madre hace 30 años?). El lenguaje, torcido del autor de la novela, hace uso de expresiones y palabras insólitas hasta entonces en el cine, que no sobrepasan los limites de los usos coloquiales y que son fuente de naturalidad, realismo y espontaniedad.

  El titulo constituye una parodia de la canción "Who’s Afraid On The Big Bad Woolf?", de "Los tres cerditos" ("The Little Oigs"-1933) de Walt Disney, que entona con una melodia diferente. Los nombres de George y Martha coinciden con los del primer presidente de Estados Unidos y de su esposa. Destaca la parodia que Martha hace de Bette Davis, homenaje a la actriz. Simpatica referencia a Mallorca (España) en boca de George.

  La banda sonora corrió a cargo de Alex North. Un compositor nacido en Chester (Estados Unidos). Es quien más veces ha sido nominado al Oscar como autor de bandas sonoras (14 veces), pero sin conseguir nunca el codiciado premio en esa categoria. A cambio recibió el primer Oscar honorifico concedido  a un compositor. Estudió en la Juilliard Schol of Music de Nueva York y siguió sus estudios en Rusia. A su vuelta comenzó a componer musica teatral para varios autores, entre los que se encontraba Elia Kazan, que le daria la oportunidad de hacer su estreno en el cine con la película "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951), que también supuso su primera nominación. Otros titulos que se encuentran en su extensa filmografia son: "La rosa tatuada" ("The Rose Tattoo"-1955), "Vidas rebeldes"("The Misisfits"-1961), "Cleopatra" (1963) y "Las sandalias del pescador" ("The Shoes of the Fisherman"-1968) entre otos muchos mas.

  Y aqui, basándose en una breve partitura original, con un magnífico tema central de guitarra, de aires románticos, que evoca el amor entre dos personas.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por  Haskell Wexler. Un director de fotografia nacido en Chicago. Pertenecia a una familia acaudalada. Tras servir en la marina durante la 2ª Guerra Mundial, decidió fundar sus propios estudios de rodaje. Sin embargo la idea no le salió demasiado bien, y tras verse obligado a cerrar, se puso a ejercer como director de fotografia. Estaba considerado como uno de los grandes directores de fotografia de la historia y donde logró tres Oscar por "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid  of Virginia Woolf?"-1966), "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoós Nest"-1975) y "Esta tierra es mi tierra" ("Bound for Glory"-1976).

  Magnificas las interpretaciones, pero sobresaliendo Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) metida en el cuerpo de Martha y Richard Burton, "Becket"-1964) como George su marido. Y con ellos, Sandy Dennis, Los encantos de la gran ciudad" ("The Out of Towners"-1970) como Honey, y George Segal, "La gatita y el búho" ("The Owl and the Pussycat"-1970) como Nick el marido.

  En definitiva; Una obra maestra. Y quizas una de las mejores adaptaciones teatrales llevadas al cine, puesto que no pierde un ápice de enjundia y empaque. Matricula de Honor.

  "¿Quién teme a Virginia Woolf?" logró cinco Oscar en su dia: Actriz (Elizabeth Taylor), Actriz scundaria (Sandy Dennis), Fotografia en blanco y negro (Haskell Wexler), Dirección artistica en blanco y negro (Richard Sylbert y George Tomas Hopkins) y Vestuario en blanco y negro (Irene  Sharaff).

  A modo anecdótico: Para el autor teatral Edward Albee, su deseo era que la pareja principal protagonista fuesen interpretadas en la pelicula por Bette Davis y James Mason.