El milagro de Ana Sullivan (The Miracle Worker-1962)

"Estás loca por saber, si soy capaz de enseñarte una palabra, pondré el mundo a tus pies...

Espléndida película de género biográfico y basada en un guión que en 1957 escribió el dramaturgo neoyorkino William Gibson "Johnny Mnemonic" para la televisión, y dos años más tarde Gibson lo convirtió en una obra de teatro y, ya en 1962 fue llevada al cine por un director con una tan apasionada como desigual carrera cinematográfica, pero que aquí logró su mejor película, me refiero al realizador nacido en Philadephia Arthur Penn "Pequeño gran hombre" ("Litle Big Man").

La historia arranca en 1881 en una mansión situada en el pueblo de Tuscumbia (Alabama), a los dieciocho meses de la vida de Hellen Keller, la primera hija de un matrimonio formado por el capitán Keller y su esposa Kate, y en donde la niña a esa edad sufre una congestión cerebral y queda ciega y sordomuda. Durante siete años, sus padres desesperados acuden a médicos, curanderos y visionarios, pero no obtienen ningún resultado positivo. Hasta que un dia alguién les recomienda que contraten a la joven profesora Annie Sullivan, que domina el lenguaje de los sordomudos, y a partir de aquí... comienza el verdadero sufrimiento de estos dos personajes, para después convertirse en ese milagro en "El milagro de Ana Sullivan".

Soberbia película, si señor, soberbia y desgarradora y en donde aqui el genial Penn nos mete de lleno en uno de los mejores dramas de la historia del cine de superación, una historia de supervivencia que yo pienso se remonta al inicio de nuestra conciencia como seres humanos que, todavía somos, y es que de verdad el cineasta norteamericano nos brinda toda una lección tanto de sensibilidad como de talento, porque, y vuelvo a repetirlo son de esas pocas películas verdaderamente conmovedoras, lástima, si mucha lástima me dá, que películas como esta se dejaran de hacer de esto ya hace muchos años.

Cuenta pués, que lo voy a decir, con escenas realmente desgarradoras, viendo a esa maestra gritar, golpear, acariciar, llorar y sobre todo llegar a la desesperación, pero sin rendirse, que escenas, vive dios, y con un final maravilloso... milagroso.

Pero si Arthur Penn logró aqui la película de su vida, mucho tuvo que agradecer al respaldo de dos soberbias interpretaciones, una la de Anne Bancroft "El graduado" ("The Graduate"), metida hasta las mismísimas entrañas de Anne Sullivan, esa profesora que domina el lenguaje de los sordomudos, que ha permanecido la mayor parte de su vida en un asilo y, tras nueve operaciones comienza a recobrar la vista, y obsesionada por los recuerdos de un hermano pequeño muerto de tuberculósis en el asilo donde vivian. La otra Patty Duke "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls"), como Hellen Keller esa niña que vive encerrada en un terrible mundo de silencio y oscuridad desde su más tierna infancia, porque a sus siete años, nunca ha podido ver el cielo, oir la voz de sus padres o expresar sus sentimientos. Grandiosas las dos, merecedoras de Oscar, como tuvo que ser.

Y junto a ellas, aunque bastante lejos, pero eso si, demostrándo su buen hacer en este drama cargado de intensidad, nos encontramos a Victor Jory "Papillon" y, a Inga Sweson "Tempestad sobre Washington" ("Advise and Consent") como Arthur y Kate Keller, los padres de Hellen, ese matrimonio que siempre ha mantenido a la niña a su antojo, ante su incapacidad para poder educarla. Fenomenales también, aunque como digo bastante eclipsados por la pareja protagonísta.

Excepcional fotografía en un grandioso blanco y negro, obra del veterano aunque creo que muy poco conocido director fotográfico Ernesto Caparrós, un hombre nacido en La Habana, y que a pesar de haber estado la friolera de treinta años metido en el mundo del cine, cuenta con muy poco trabajo en su historial y con títulos también muy pocos comerciales o conocidos, quizá sea este su trabajo más famoso, junto con "Qué tiene de malo sentirse bien?" ("What’s So Bed About Feeling?"), una entretenida comedia protagonizada por George Peppard.

Y excepcional como no, la banda sonora dirigida por la orquesta del arreglísta de cine, teatro y televisión Laurence Rosenthal, un consumado como digo compositor, nacido en Detroit con doce premios Emmy en sus vitrinas y al cual debemos el haber también haberse atrevido a poner música a esa obra maestra titulada "Becket", y aquí aportando todo su talento para lograr una atmmósfera perfecta, haciendo con sus notas aún más desgarradora esta imprescindible película.

En fín, una película llena de sentimientos y humanidad, que huye de sentimentalismos baratos, porque todo amigos mios es sublime. Una película recomendable cien por cien para todos los amantes del cine, de ese cine clásico que como un servidor adora y añora.

Matrícula de Honor.

"El milagro de Ana Sullivan", logró dos Oscar en 1962. Uno a Anne Bancroft como Mejor actriz, y el otro para Patty Duke a la Mejor actriz secundaria.

Y además obtuvo las siguientes nominaciones: Director, Guión adaptado (William Gibson) y Diseño de vestuario en blanco y negro (Ruth Morley).

Como dato histórico y curiosidad, en Getafe (Madrid) hay una calle dedicada a Hellen Keller, y una escuela para ciegos que lleva su nombre en Santiago de Chile. En Corrientes (Argentina), existe una escuela para sordos fundada con su nombre. En Córdoba también Argentina hay un colegio para ciegos que lleva su nombre.

Hellen Keller nació en Tuscumbia (Alabama) el 27 de junio de 1880, y falleció el 1 de junio de 1968 en Araan Ridge. Sus cenizas fueron llevadas en una urna a un lugar cerca de donde descansaban los restos de Anne Sullivan.

El caso de Thomas Crown (The Thomas Crown Affair-1968)

"Me estás volviendo loca tio, me estás liando..."

Estupenda película de género de intriga dirigida por el siempre elegante realizador y productor nacido en Toronto (Canadá), Norman Jewison "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"). La película vió la luz gracias a un sólido y espectacular guión del bostoniano Alan Trustman, un escritor con escasas películas en su historial, pero eso si, todas o casi todas cubiertas de una gran dósis de acción y dinamísmo, como es el caso de posiblemente una de las mejores películas de acción que ha dado el séptimo arte, me refiero a la sin igual "Bullitt".

Aquí en esta historia Jewison nos traslada a Boston para meternos en los elegantes trajes del magnate Thomas Crown, que el "tio" planea un espectacular robo en un banco supuestamente impenetrable. La historia pués, no se concentra en el robo en si, sino también en el excepcional cerebro que lo organiza...

Una estupenda película, de verdad, y en donde el cineasta canadiense pone toda la carne en el asador, para meternos entre pecho y espalda una historia cargada de andrenalina por doquier, y al mismo tiempo una perfecta imágen de ese increible y audaz robo. Cuenta pués como digo, con escenas sumamente memorables y contadas con un gran pulso narrativo, algunas sobre todo formando ya parte de la historia del cine de acción "somos una gran pareja", esta frase lo dice todo, ya que los momentos que el dúo protagonísta comparten pantalla los diálogos son un disfrute para todos los espectadores, diálogos chispeantes a la vez que ácidos y llenos de frescura.

Muy bonita la fotografía a todo color, realizada por un hombre considerado uno de los diez cineastas más influyentes en una encuesta de los miembros de la Asociación Internacional de Cinematografía, ni más ni menos que Haskell Wexler que en 1966 y con "¿Quién teme a Virginia Woolf" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?", llegó a tocar la cima del olimpo cinematográfico, y como es de esperar mostrádonos aquí, unas magníficas imágenes tanto de interiores como de exteriores y recreándose sobre todo en las escenas del espectacular y audaz robo llevadas como digo, con un excelente manejo de cámara.

Maravillosa, si señor, la banda sonora llevada a cargo por el super-oscarizado compositor nacido en Paris, Michel Legrand "Verano del 42" ("Summer of 42") un hombre que empezó con el jazz, que continuó en asociación con el director francés Jacques Demy, revelándole como un gran melodista, para luego dar el gran salto a Estados Unidos, y en donde con esta película se salió por todas partes, logrando su tercer Oscar.

Y atención a la pareja protagonísta, una pareja destilando química por todos sus poros él, el inolvidable y llorado a la vez que inigualable Steve McQueen "La gran evasión" ("The Great Escape"), como ese millonario que planea un espectacular robo, pero no por motivos económicos sino más bien por una digamos necesidad psicológica, por puro placer en una palabra, ella la exquisita y admirable a la vez que sin par Faye Dunaway "Campeón" ("The Champ"), metida en la piel de Vicky Anderson, esa empleda de seguros a la que la agencia que debe de indemnizar al banco robado la manda para investigar por su cuenta dicho atraco, pero entre los dos se interpone un romántico e intelectual idilio de amor, atención a la escena de la partida de ajedrez. Sublimes los dos pero con mayúsculas.

Seis años más tarde los dos llegarían a encotrarse en la super-producción de género de catástrofes "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"), pero en papeles muy diferentes. Y muy bien secundados tanto por el "veterano" Jack Weston "Sola en la oscuridad" ("Wait Until Dark"), como por el "todo-terreno" Paul Burke "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls") por citar a dos de los muchos y buenos que trabajan en esta sensacional película.

En definitiva, , una más que entretenida película, para gozar y disfrutar, con dos inmesos actores, un ambiente perfecto, y una banda sonora inolvidable, en una palabra. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

Michel Legrand, logró el Oscar a la mejor canción con el tema "Los molinos de tu espíritu" ("The Windmills of Your Mind"), donde se podía escuchar en una escena muy efectista entre McQueen y Dunaway y una cometa por medio.

En 1999 John McTiernan realizó un entretenido aunque innecesario remake titulado "El secreto de Thomas Crown", con Pierce Brosnan y Rene Russo, como pareja protagonísta. Aquel que haya visionado los dos títulos, que compre y compare.

 

 

 

 

El emperador del norte (The Emperor of the North Pole-1973)

 

"La mala leche que puede tener un tio con un martillo en la mano..."

Impresonante película ambientada en plena depresión económica americana y llevada al cine gracias a una novela del dramaturgo británico Alex Kershaw "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge") y cuyo título en castellano fue "Vida de Jack London. Un soñador americano". Y de cuyo guión se hizo cargo el norteamericano Cristopher Knopf, un escritor con un curriculum impresionante, pero en el mundo de la televisión, puesto que según he podido saber, esta fué su única película como guionísta, pero cuenta en su haber series tan famosas como por ejemplo "Cimarrón" ("Cimarrón Strip").

"El emperador del norte" está dirigida por un realizador que es todo un símbolo del cine mundial gracias a sus películas la mayoría de género violento y critico a la vez, me refiero a Robert Aldrich "El último atardecer" ("The Last Sunset"), y aquí contándonos una como digo impresionante y brutal historia a la vez, ambientada en el año 1933 durante los años de la Gran Depresión, y en donde la única esperanza para los miles de mendigos y desheredados era viajar de polizones en los trenes que cruzaban el pais en busca de trabajo...

Estupenda película, si señor, y en donde aparentemente sin argumento alguno, pero con un guión muy denso: ese tren que cruza todo el Estado, y que viene a ser como un símbolo del progreso, el resurgir de un pais sumido en una gran crisis económica, que intenta coger en marcha un vagabundo protagonísta, para no quedarse atrás con el ánimo de sobrevivir, diriamos que significa el pueblo, mientras que el jefe de ese tren ese hombre temido y temible viene a representar el poder.

Así todo ello narrado con un buen ritmo por Aldrich, y en donde apenas hace concesiones para la galería, sin baches de interés ni lagunas de fondo, y mucho menos de efectos especiales, pero eso si, usando esa violencia interna, que tanto le caracteriza, logrando incluso en algunas escenas una brutalidad y dureza escalofriante.

Perfecta la banda sonora, obra del virginiano Frank De Vol "El gran McLintock" ("McLintock"), un estupendo compositor que a la edad de 14 años era ya miembro del Sindicato de Músicos, y en esta impresionante odisea subrayando perfectamente su música y sobresaliendo sobre todo la balada "El hombre y el tren" ("A Man and Train") poniendo de testimonio el ambiente rural de los años 30 y describiéndonos con precisión a unos personajes muy humanos gracias a esas notas sonoras.

Asombrosa la fotografía en un color semi-oscuro y usando a la perfección el formato panorámico, llevada bajo las órdenes del director fotográfico nacido en Nueva York Joseph Biroc, un hombre que colaboró frecuentemente con el director y al cual le debemos las imágenes de ese maravilloso cuento de Navidad titulado "¡Qué bello es vivir!" ("It’s a Wonderluf Life"), y en este tren mostrándonos como es de suponer unas imágenes impagables, y ganando enteros sobre todo aquellas en donde los dos protagonístas se enfrentan entre si.

Enorme el mano a mano entre esos dos colosos del séptimo arte. Uno Lee Marvin "Los profesionales" ("The Prfessionals") subido clandestinamente en ese maldito tren y dando vida precisamente a ese nº1, un vagabundo que viaja adonde quiere y cuando quiere, y al que no hay tren en todo el Estado que se le resista. El otro, Ernest Borgnine "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure") encarnando al sádico Shack el jefe del convoy ese temido nº19 y obsesionado hasta el infinito de que nadie se cuele en su tren, inmensos los dos, llevando a sus espaldas todo el peso de esta sensacional película de más de dos horas de duración. Y muy bien también el tercero en discordia, pero neutralizado por estos dos soberbios actores, hablo de Keith Carradine "Heredarás la tierra" ("A Thousand Acres") como Cagaret, un aprendiz de granuja, inteligente y audaz que acompaña al "Kaiser" a lo largo de todo ese terrible viaje.

Resumiendo, no nos encontramos ante una obra maestra, aunque muy poco le falta, pero si es una película de gran clase, una película que por derecho propio se ha convertido en una pequeña joya del cine de culto y quizá una de las mejores rodadas sobre la depresión americana. Una película de visión obligatoria para los amantes del cine, del buen cine.  Sobresaliente.

"Los escombros de ahora ya no son tan cómodos como los de antes. La basura de este pais es una porquería..."

El conformista (Il conformista-1970)

...Y desde entonces, su única obsesión es ser "como los demás..."

Excelente película de género dramático aderezada de varios contrastes, como por ejemplo: el de la Italia fascista y el marxismo francés, junto con la sexualidad castrada y el sexo liberal, una película llena pués de miedos y traumas de la infancia.

La historia está basada en una novela del escritor y periodísta italiano nacido en Roma Alberto Moravia "Dos mujeres" ("La ciociara"), un hombre el cual sus obras siempre o casi siempre se han caracterizado por su crítica frontal a la sociedad europea del siglo XX. Y dirigida por un director de cine italiano nacido en Parma, cuyos trabajos destacan por su espectacularidad visual, estoy hablando de Bernardo Bertolucci "El último tango en Paris" ("Last Tango in Paris"), y que supuso un reto creativo, dadas las infinitas posibilidades que le ofrecía esta historia.

La acción nos lleva al año 1937 para meternos en la vida de un tal Marcello Clerici, un profesor de filosofia casado, pero que vive atormentado por un recuerdo cuando a los trece años mató a un hombre que intentó tener relaciones sexuales con él...pero lo que él no sabe que...

Excelente película, aunque hay que reconocer no es de lo mejor del siempre discutido y discutible director italiano, pero que le supuso, eso si, un reto creativo, como bien digo al principio, ya que nos narra la historia de forma cronológica, al ir proporcionándonos digamos que los "trozos" de la vida del protagonísta, a la vez que desarrolla el presente. Haciéndonos mostrar la cara más cruel del personaje y su distanciamiento no sólo con las personas, sino con el mundo que lo rodea en general.

Cuenta pués, con escenas bastante interesantes y algunas digamos de verdadera obra maestra, la gran escena que transcurre en el restaurante, donde cara a cara bailan dos mujeres tanto opuestas como complementarias, es verdaderamente extraordinaria. Y en donde de verdad se ve la obsesión de Bertolucci con el cine clásico, ya que hasta incluso se puede ver una fotografía de Stan Lauren y Oliver Hardy, sin que nos explique los motivos.

Fabulosa la fotografía a cargo de uno de los directores más influyentes y originales de la historia del cine, estoy hablando del romano Vittorio Storaro "El último emperador" ("The Last Emperor") también de Bertolucci, un hombre que durante 35 años de carrera se ha dedicado a la investigación para reinventar la fotografía cinematográfica desde distintas disciplinas, y aquí usando una gama de colores verderamente fabulosas, puesto que  nadie como él nos ha enseñado tanto Paris, como Roma con ese misterio tanto profundo como desgarrador.

Estupenda, como tiene que ser, y para no desentonar con la fotografía, la banda sonora, llevada a las órdenes de uno de los compositores que llegó a convertirse en uno de los preferidos de la "nouvelle vague", y uno de los favoritos del director François Truffaut, si amigos me refiero al francés nacido en Roubaix, para más señas George Delerue "¡Viva Maria!".

Muy bien, si muy bien los actores aquí contratados por Bertolucci y encabezado por un impecable Jean-Louis Trintignant "Un hombre y una mujer" ("Un homme et une femme") metido en el atormentado cuerpo de Marcello Clerici, ese intelectual que mantiene una "decorosa" vida social y se aviene al nuevo orden fascista sin saber muy bien cuales son sus motivaciones. Pero por dentro, su conciencia es un infierno que le hace cometer actos de indiferencia absoluta, reflejados en el personaje de su madre o, en el de su mujer, extraordinario Trintignant, y con él la bellísima italiana Stefanía Sandrelli "La familia" ("La famiglia") como Giulia la esposa de Marcello, una mujer que solamente mantiene su matrimonio por la intensa relación sexual, y no por una verdadera comunicación personal entre ambos. Y junto a ellos, unos secundarios de campanillas, como por ejemplo: la francesa Dominique Sanda "La herencia Ferramonti" ("L’Ereditá Ferramonti"), y la "veterana" griega y excepcional actriz, aunque quizá algo olvidada Yvonne Sanson "El profeta" ("Il profeta"), esta metida en el personaje de la madre de Giulia.

En definitiva, una estupenda película, no es de las mejores de Bertolucci como digo, pero es un film con el que el director creó una escuela, puesto que logró gracias a sus planos y a sus encuadres, una historia que para si la quisieran muchos directores de la actualidad.  Notable.

"El conformista", logró en 1971 el David de Donatello a la mejor película.

 

El beso de la mujer araña (Kiss of the Spider Woman-1985)

"Es increible todo lo que un beso puede significar en la vida..."

Sobria, trágica, pero también excelente película dirigida por el brasileño de origen argentino Héctor Babenco "Tallo de hierro" ("Ironweed"), un hombre que comenzó en el mundo de la música, para después introducirse de lleno en el del cine, aunque sus comienzos fueron con documentales, concretamente con "El rey de la noche" del año 1975.

"El beso de la mujer araña" está basada en una novela del destacado escritor argentino Manuel Puig "Boquitas pintadas" y el guión corrió a cargo del norteamaricano nacido en Michigan Leonard Schrader "Yakuza" ("The Yakuza"), un notable escritor con una gran habilidad para escribir películas de idioma japonés.

Así pués, Babenco nos presenta una historia trágica y conmovedora, y nos lleva a una cárcel de máxima seguridad en un pais de Sudámerica, y en donde coinciden en la misma celda un homosexual y un político, haciendo de ellos por el tiempo que llevan juntos establecer una gran amistad, una amistad que hará que se entiendan y al mismo tiempo que se respeten el uno al otro...

Valiente película, si señor, y valiente exploración política, psicológica y sexual dentro de los confines de esa prisión de máxima seguridad, en donde nos encierra Babenco. Una película que cuenta con escenas verdaderamente desgarradoras a la vez que impactantes, sobre todo las que se desarrollan en esa celda cochambrosa y tercer mundista, y que decir de los diálogos entre eso dos personajes diametralmente opuestos: "Ahora sin querer me llevé la mano a mi ceja, buscándome el lunar" "¿Qué lunar? yo tengo un lunar, no vos" "Si ya sé. Pero me llevé la mano a mi ceja, para tocarme el lunar que no tengo"... verdaderamente sensacionales, de verdad.

Como sensacionales están los dos protagonístas de esta como digo conmovedora historia, uno William Hurt "Hijos de un dios menor" ("Children of a Lesser God"), metido hasta lo más infinito de su alma en una rompedora interpretación, la de Luis Molina, un escaparatísta encerrado por homosexualidad, alto, afeminado y amanerado, el otro Raul Juliá "La familia Addams" ("The Addams Family"), en un papel también de muchos quilates y por supuesto excepcionalmente verosimil, el de Valentín Arregui, un heterosexual, y prisionero político y que para matar el tiempo Luis le cuenta con todo lujo de detalles un melodrama que vió hace años atrás.

Soberbios los dos. Y con ellos una mujer, como tiene que ser, y aquí nos encontramos con la bellísima actriz brasileña Sonia Braga "Un lugar llamado milagro" ("The Milagro Beanfield War") metida en un papel tan díficil como complejo el de Leni Lamaison, una cantante francesa que bellamente acicalada y extremadamente sensible, se enamora de un oficial de la Gestapo, a pesar de que forma parte de la Resistencia francesa.

Excelente la fotografía llevada de la mano del argentino Rodolfo Sánchez "Pixote, la ley del más débil" ("Pixote a ley do mais fraco"), un hombre creo que muy poco conocido en nuestro pais, con muy poco cine en su corriculum, pero aquí y todo hay que decirlo logró un más que aceptable trabajo. Muy amena la banda sonora, obra del brasileño nacido en Rio de Janeiro John Neschling, un director de orquesta también y al igual  que Sánchez con muy poco cine en su haber, pero que en su pais goza de una gran reputación, hasta tal punto que llegó a ser director artístico de la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo desde 1997 hasta 2008, y aquí realzando más el clima de tensión con su particular y excepcional música.

En definitiva, una estupenda película, valiente y sorprendente, que obtuvo un destacado éxito a nivel internacional en su dia, y con unas actuaciones colosales tanto la de Hurt como la de Juliá, actuaciones en estado puro. Sobresaliente

William Hurt, logró el Oscar destinado al Mejor actor, y la película además obtuvo tres nominaciones: Película, Director y Guión adaptado.

Como curiosidad Héctor Babenco le dió las gracias en los titulos de crédito finales al actor Burt Lancaster, el motivo es muy sencillo, Lancaster fue el que inició el proyecto de la película y tenía la intención de interpretar el papel que al final acabó haciendo William Hurt.

Y como anécdota, cuando Hurt levantó su Oscar como mejor actor, quiso compartirlo con Raul Juliá y con el pueblo de Brasil.

 

Dirty Dancing (1987)

En recuerdo de: Patrick Swayze

El primer baile...

El primer amor...

Una nueva manera de bailar...

Entretenida película de género romántico con numerosos números de baile, que resultó ser todo un bombazo taquillero y considerada a la vez como un clásico de la década de los ochenta.

"Dirty Dancing", está dirigida por el neoyorkino Emile Ardolino "El cielo se equivocó" ("Chances Ares") un verdadero experto en cine musical, que como digo logró un auténtico exito de cara a las taquillas, a base de un inteligente cóctel de imágenes atrayentes, música facilona, baile sensual y hasta le dió tiempo a meter problemas juveniles. Y sacada de un guión de la escritora también nacida en Nueva York, Eleanor Bergstein "Ahora me toca a mi" ("It’s my Turn"), pero donde de verdad esta mujer alcanzó fama mundial, fue en su trabajo como novelista en los libros de promoción del mítico y llorado Paul Newman.

La historia más o menos es esta: Nos encontramos allá en el verano de 1963 y en donde una joven indómita de diecisiete años que en contra de su voluntad viaja con su familia a Catskills y allí conocerá a un profesor de baile que da clases a turistas...

Como digo, entretenida historia sin más, y en donde Ardolino quiso rememorar aquellos también taquilleros éxitos como fueron "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever") y "Grease", ambas protagonizadas por el aquel entonces canijo John Travolta, y a decir verdad y a pesar de ser una historia de una simplicidad fuera de toda duda es perfecta para los objetivos que se marcó, es decir objetivos claramente comerciales, a pesar de que algunos críticos la calificaron en el dia de su estreno, como "la única película porno para chicas , hecha hasta el momento", sea como fuera, lo cierto que "Dirty Dancing" se convirtió en uno de los largometrajes norteamericanos más destacables de su década.

Cuenta con una bonita fotografía en un lujoso color a cargo del norteamericano Jeff Jur (en algunas de sus películas usa su nombre completo es decir Jeffrey Jur) "Te Eye", un especialista en series para la televisión, y que aquí en esta danza trabajó estrechamente con el director, para conseguir las imágenes que tenía en su mente, sobretodo en las escenas de baile, alcanzando en algunas un alto contenido erótico, dado la fecha de su realización.

Y atención a su magnífica banda sonora, obra y gracia del compositor nacido en Nueva Jersey, John Morris "La mujer de rojo" ("The Woman in Red"), un fantástico musico que empezó para la televisión, y que a partir de 1968 se alió con Mel Brooks, para después escribir casi todas las partituras de sus películas, y aquí creando un extraordinario manojo de espléndidas viejas canciones, aderezadas con otras de novísimo corte, como por ejemplo "The time of Your life", interpretada con gran sutileza por Bill Medley y Jennifer Warden.

Muy bien el elenco de actores, todos en sus correspondientes puestos, destacando la pareja formada por Patrick Swayze "Green Dragon" y Jennifer Grey "La fuerza del viento" ("Wind"). Patrick metido en el vigoroso cuerpo de Johnny, un experto profesor de baile y lo que es más, todo un amante consumado. Jennifer, como Baby esa aburrida e inocente adolescente, que se encuentra un buen dia con Johnny, y a raiz de ahí y después del primer baile...aparte de una pasional relación amorosa, se crea al mismo tiempo una mágica intercomunicación profesor-alumna, que por supuesto constituye la base principal de los números musicales de la historia.

Con ellos y entre otros también nos encontramos bailando, pero de manera muy diferente a los "veteranos" Jerry Orbach "Delitos y faltas" ("Crimes and Misdeanors") y a Kelly Bishop "Partes privadas" ("Private Parts"), dando vida a Jake y Marjorie Houseman, los padres de la indómita y enamoradiza Baby.

En fin, una entretenida película romántica de bajo presupuesto, que a pesar de las críticas en contra que tuvo por algunos medios de información, salió a flote, gracias también a su bonita y pegadiza banda sonora y sin olvidarnos de su excelente coreografía, y como no al baile de la parejita protagonísta, que en su dia saltaron chispas.  Notable.

"Dirty Dancing", logró el Oscar destinado a la mejor canción original "The time of Your life".

Como curiosidad, se han vendido hasta la fecha (según cifras oficiales) 32 millones de copias de la banda sonora, y habiendo sido disco de platino en 11 ocasiones.

¡Creo que no te asusta nada!

¿A mi? ¡A mi, me da miedo todo!. Me da miedo lo que vi. Me da miedo lo que hice. Quien soy, y especialmente tengo miedo a salir de este cuarto y no volver a sentir en toda mi vida lo que siento estando contigo...

Vamos a bailar.

¿Aquí?

Aquí...

HASTA SIEMPRE!!!

Patrick Swayze

"El bailarín actor"

El pasado 14 de septiembre y a causa de un cáncer de páncreas que le fué diagnosticado a principios del año 2008, falleció en Los Angeles el actor Patrick Swayze.

Patrick era hijo de una coreógrafa y estudió danza desde muy temprana edad, y enseguida le surgieron contratos en musicales de Brodway. Representó varias obras musicales en el teatro como bailarín, entre las que se encontraba "Grease", antes de pasar a la gran pantalla, gracias a Francis Ford Coppola su descubridor.

Debutando en 1983 en la película "Rebeldes" ("The Outsiders") al lado de actores tan importantes como Matt Dillon y Tom Cruise, entre otros. Luego vendrían "Más allá del valor" ("Uncommon valor") dirigida por Ted Kotcheff y junto a Gene Hackman. En 1984 protagonizó la película "Amanecer rojo" ("Red Dawn"), de John Milius, junto a Charlie Sheen. En 1985 coprotagonizó junto a James Read la exitosa serie de televisión sobre la Guerra de Secesión "Norte y Sur" ("North and South"). En 1986 trabajó en la película "Forja de campeón" ("Yourgblood"), de Peter Merkle, junto a Rob Lowe.

Y en 1987 rodó "Dirty Dancing", película con la que se hizo mundialmente famoso. Una de las canciones de la banda sonora concretamente "She’s Like the Wind" ("Ella es como el viento"), que compuesta y cantada por él mismo, fue número dos durante varias semanas en la lista de éxitos de Estados Unidos y vendió miles de copias en todo el mundo. Ese mismo año también protagonizó uno de los capitulos de la serie "Cuentos asombrosos" producida por Steven Spielberg.

Entre 1988 y 1989, Patrick se hizo un actor muy cotizado, y pronto se convirtió en reclamo publicitario de grandes marcas de perfumes, ropa, etc. En esos años protagonizó filmes como "Con su propia ley" ("Next of Kim"). A principios de los noventa mantuvo su condición de estrella con varios exitos. En 1990 marcó otro hito taquillero de alcance mundial y recibió muchas criticas favorables con la película "Ghost", dirigida por Jerry Zucker y teniendo como compañeras a Demi Moore y Whoopi Goldberg.

En 1991, tras superar algunos problemas con el alcohol y las drogas, participó en otra exitosa película ambientada en el mundo del surf "Le llamaban Bodhi" ("Point Break"), dirigida por Kathryn Bigelow, y junto a Keanu Reeves. Al año siguiente protagonizó una película totalmente distinta "La ciudad de la alegría" ("City of Joy") dirigida por Roland Joffé y en donde interpretaba a un médico que viaja a la India para dar un nuevo significado a su vida.

En 1993 protagonizó la comedia infantil "El enemigo público nº1...mi padre" ("Father Hood"), junto a Halle Berry. En 1995 abordó posiblemente su papel más atípico en la comedia "A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar", y también "Tres deseos" ("Three Wishes"), junto  con Mary Elizabeth Mastrantonio. En 1998, después de un parón provocado por el poco éxito de taquilla de sus últimos trabajos, protagonizó la película de acción "Black Dog", de Kevin Hooks, y el thriller "Cartas de un asesino" ("Letters from a Killer") de Richard Kelly.

Patrick siguió alternando diversos géneros en sus últimos años en el cine. En 2001 interpretó "Green Dragon" y en 2002 trabajó en "Waking Up in Reno" una comedia dirigida por Jordan Brady y en la que compartió reparto con Billy Bob Thornton, Charlize Theron y Natasha Richardson. En 2003 participó en la película "11:14-Destino fatal" ("11:14"), de Greg Marcks, y también protagonizó y produjo la película One Last Dance" junto a su esposa, Lisa Niemi.

En 2004 volvió a la televisión para rodar la miniserie "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"). También realizó un pequeño papel en la película "Dirty Dancing 2" e interpretó al malvado Garthen en "George y el Dragón" ("George and the Dragon"). En 2005, protagonizó "Icon", una versión libre para la pequeña pantalla de Frederick Forsyth, y participó en la comedia "Secretos de familia" ("Keeping Mum"), junto al cómico inglés Rowan Atkinson.

En 2006 puso voz al personaje animado Cosh en "La dama y el vagabundo 2" ("Lady and The Tramp II"). En 2007 interpretó al abogado Richard Pressburger en una película basada en hechos reales "Muerte y castigo" ("Jump!"). Su última participación para el cine tuvo lugar en 2008 en la película "Powder Blue" de Timothy Linh Bui y con Ray Liotta como compañero de reparto, entre otros.

Al detectársele el cáncer que terminaría con su vida, Patrick se sometió a un duro tratamiento pero decidió seguir trabajando y protagonizó la serie televisiva "The Brast" ("La bestia"), en la que interpretaba a un policia de Chicago con métodos pocos tradicionales. En abril de 2009 los médicos comunicaron al actor que el cáncer se habia extendido a su higado, aunque el 19 de mayo su representante desmintió los rumores, señalando que pronto regresaría al trabajo. Pero finalmente el 14 de septiembre el actor falleció a los 57 años de edad en un hospital de Los Angeles. Patrick dejó en audio un testimonio de despedida que formará parte de su autobiografía próxima a salir a la venta.

Su cuerpo fue incinerado después del funeral y sus cenizas llevadas a su rancho por su esposa Lisa.

"Fue un actor intenso, lleno de pasión y vigor. Definitivamente sacaba el máximo de ello y vivió cien vidas en una". (Rob Lowe)

"El siempre estará cerca". "Fue un hombre realmente bueno un hombre divertido a quien debo tanto que nunca podré compensarle". (Whoopi Goldberg)

Patrick Swayze - Houston (Texas) - 18 - agosto - 1952 - Los Angeles - 14 septiembre - 2009

¡DESCANSE EN PAZ!

 

Espérame en el cielo (1988)

Espérame corazón

si es que te vas primero

espérame que pronto yo me iré

allí donde tú estés.

Espérame corazón

si es que te vas primero

espérame que pronto yo me iré

para empezar de nuevo.

Nuestro amor es tan grande y tan grande

que nunca termina

y esta vida es tan corta

y no basta para nuestro idilio.

Por eso yo te pido una vez más

me esperes en el cielo

y allí entre nubes de algodón

haremos nuestro nido.

Nuestro amor es tan grande y tan grande

que nunca termina

y esta vida es tan corta

y no basta para nuestro idilio.

Por eso yo te pido una vez más

me esperes en el cielo

y allí entre nubes de algodón

haremos nuestro nido.

¿Tuvo Franco un doble?

Entrañable y entretenida película de género de comedia dirigida por el galardonado director vasco Antonio Mercero, que con su "Planta 4ª" obtuvo el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Montreal (Canadá).

"Espérame en el cielo" vió la luz gracias a un guión del propio Mercero (todas o casi todas sus películas son escritas por él mismo y con algún colaborador asiduo a sus trabajos), por el catalán Román Gubern "Volver a empezar", un escritor e historiador y por si fuese poco catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Barcelona, y por el madrileño Horacio Valcárcel "Canción de cuna", un prestigioso escritor y el favorito de José Luis Garci puesto que ha colaborado con él, en todas sus películas.

La historia que nos cuenta aquí Mercero empieza diriamos con una pregunta ¿Tenía Franco un doble?. Para saberlo comencemos viendo la historia y al finalizar podremos contestar a tal pregunta. Así pués nos metemos en la vida de un hombre llano del pueblo y que por gracia o por desgracia de tener un enorme parecido con Franco se ve envuelto en una serie de equívocos y aventuras a la vez que con situaciones de lo más hilarantes...

Muy entretenida la historia que nos cuenta el director vasco, de verdad, y además con un guión de lo más original, la hipótesis de que Franco se sirvió de un doble suyo para asistir a los eventos menos seguros y él dedicarse mientras a holgazanear en el Pardo o cazando y pescando en tal y cual sitio, de verdad que la idea estuvo genial y genial les salió la historia.

Cuenta pués, con escenas verdaderamente llenas de humor y hasta de "mala leche", por ejemplo: cuando el ¿caudillo? aparece en un burdel y uno de los que estaban alli "chiscando" se levanta en bolas de la cama saluda brazo en alto con un ¡Arriba España! y el tio se lanza por la ventana, y con unos diálogos sin desperdicio alguno. Pero también nos encontramos con escenas llenas de ternura al ver como dos personas mayores y después de muchos años de matrimonio se ven obligados a separarse para siempre y solamente comunicándose a través del NO-DO, patético de verdad, pero como digo llenas de una gran ternura. Una película que para mi, mereció mucho más de lo que la dieron.

La fotografía y por cierto muy bien cuidada y a todo color, salvo en algunos documentales donde sale el "auténtico", que por supuesto son en blanco y negro, corrió a cargo del sevillano Manuel Rojas "La estanquera de Vallecas", un veterano del cine patrio con casi doscientas películas a sus espaldas. Y atención para los nostálgicos y para los que peinan canas desde hace años, porque la banda sonora está llevada a cargo por el maestro también vasco Alonso Bernaola "Pasodoble", un eminente compositor, miembro de la denominada Generación del 51 y con innumerables premios en su haber, entre ellos el Premio Nacional de Música Cinematográfica. Y aquí mostrándonos un buen ramillete de canciones de la época, pero la que se lleva el gato al agua es el mítico bolero del cantante cubano Antonio Machín, con la canción que da titulo a esta película.

Estupendos los actores con los que aqui contó Mercero, aunque destacando ese matrimonio que un buen dia se ven separados por culpa de una operación llamada Hano (¿que cosas verdad?), él Pepe Soriano "El rey pasmado" ese Paulino Alonso un hombre sencillo que de golpe y porrazo y por tener un parecido con el hombre que por aquel entonces mandaba en el pais es secuestrado y trasladado a los sótanos de El Pardo donde se le instruye para caminar, hablar y comportarse como el dictador, viéndose obligado a inagurar pántanos recibir credenciales, etc. pero eso si, provocando los más divertidos equívocos, extraordinario aqui el estupendo actor argentino.

Ella, la inigualable Chus Lampreave "Volver" dando vida a Emilia la mujer de Paulino, que ve como un dia se llevan a su marido y aunque toda su familia le da por muerto, ella sabe que está desaparecido pero no muerto, genial como siempre la maravillosa actriz madrileña. Y bailando también al compás de las maracas de Machín, nos encontramos por allí, ni más ni menos que a José Sazartonil "Saza" "Todos a la cárcel", llamándose Alberto Sinsoles el mismísimo ministro de propaganda del régimen, que jodio el tio, y por si fuera poco el principal cabecilla de la dichosa operación esa, desternillante.

En fin, una entretenida e hilarante película, con unos diálogos llenos de genialidad, y que una vez vista, podriamos contestar a esa pregunta sobre el doble del dictador, y la respuesta seria de SI, pero nos encontramos con otro interrogante, en el año 1975 murió Franco y fue enterrado en el Valle de los Caidos. Ahí va el interrogante. ¿Quien verdaderamente está enterrado allí el "auténtico" o su "doble"?... Notable.

José Sazartonil, logró el Goya al Mejor Actor de reparto, y la película obtuvo las siguientes nominaciones: Película, Director, Actor (Pepe Soriano), Actriz de reparto (Chus Lampreave), Guión original y Maquillaje.