Mi noche con Maud (Ma nuit chez Maud - 1969 )

En recuerdo de : Eric Rohmer

"Seducir mujeres le aleja a uno de Dios más que las matemáticas"...

Mu buena película de género dramático y tercera de los "Seis cuentos morales" que Eric Rohmer inició en 1962 con "La panadera de Monceau" ("La boulangére de Monceau"), y considerada como la mejor de todas.

La historia tiene lugar durante unos cuantos dias de invierno en la pequeña ciudad de Clemont-Ferrand, para meternos en la vida de un ingeniero jesuita practicante, que decide casarse con una estudiante, a la que ha visto en misa pero con la que nunca ha hablado. Al mismo tiempo se encuentra con un viejo amigo del colegio que le lleva al apartamento de una joven tan inteligente como ingeniosa, su nombre: Maud...

Curiosa película y a la vez una más que notable obra de buen cine, puesto que el director francés nos muestra una historia llena de sencillez y creando unos diálogos cargados de un gran interés, y haciendo sobre todo unos personajes plenamente creibles, todos ellos viviendo plenamente involucrados en la concreta indagación amorosa, aplicando eso si, sus respectivos principios morales, y de verdad, para mi esta película supuso el descubrimiento mundial del director francés, y como no su total reconocimiento.

Cuenta pués, con escenas verdaderamente antológicas y algunas llenas de gran patetísmo: esa nieve que cae enfriando la atmósfera en esa larga escena que transcurre en el apartamento de la protagonísta femenina, escenas de muchos quilates, escenas llenas de admiración.

Escenas llevadas a cabo por un fiel colaborador de Rohmer, me refiero al español nacido en Barcelona Néstor Almendros, un hombre que sufrió las consecuencias de la persecución por parte del régimen franquista, teniendo que exiliarse a Cuba para después desembarcar en los Estados Unidos, donde llegó a tocar lo más alto de la fama, cuando la Academia le concedió el Oscar en 1978 por su trabajo en "Dias de cielo" (·Days of Heaven"), y en esta larga noche con Maud aportando como siempre todo su saber con su paleta de tonos sútiles, creando unas impagables fotografías en un atrayente blanco y negro. De verdad el mundo de la imágen está en deuda con este genio de la cámara.

De la banda sonora, poco o muy poco tengo que decir, puesto que Rohmer incorpora muy poca música a la película, una limitada composición para violín interpretada, pero eso si, de una manera vibrante por el gran violinísta nacido en Ucrania, Léonide Kogan, uno de los artistas soviéticos más representativos del siglo XX, y aquí mostrándonos algunas piezas de quizá uno de los músicos más grandes de la historia: Wolfgang Amadeus Mozart.

Excelentes todos los actores elegidos por Rohmer, encabezados por Jean-Louis Trintignat "Llueve sobre Santiago" ("Il pleut sur Santiago") dando vida a Jean-Louis ese ingeniero que se enamora de una atractiva muchacha y que decide que ella será la mujer con la que se casará... pero en su camino se cruza Fraçoise Fabian "Cita con la muerte alegre" ("Au rendez-vous de la mort joyeuse"), exactamente Maud, una joven divorciada con un concepto radicalmente distinto sobre la vida y la moral, pasarán entonces una noche juntos y en donde pondrán a prueba sus férreos principios morales, sobre todo él, debido a su catolicísmo practicante.

Seguidos los dos por otra pareja, él Antoine Vitez "La habitación verde" ("La chambre verte"), como Vidal un profesor de filosofía marxista y antiguo amigo del ingeniero, y ella Marie-Christine Barrault "Haciendo planes para Lena" ("Non ma fille, tu n’iras pas danser"), metida en el cuerpo de la también bellísima Françoise, la muchacha de la que Jean-Louis está locamente enamorado.

En definitiva, una estupenda película, en la que Rohmer nos cuenta alguna de las bases del pensamiento existencialísta que revolucionaba la conciencia social de aquella década de los sesenta, tratando a sus personajes a la perfección y siempre como no, tratando de buscar la identificación de ellos, y para mi, vive Dios, que hace de lograrlo. Una película sumamente recomendable.   Sobresaliente.

Eric Rohmer, estuvo nominado por esta película a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

 

 

HASTA SIEMPRE!!!

Eric Rohmer

"Un cineasta de palabras"

El pasado 11 de enero y a la edad de 89 años falleció en Paris el cineasta francés Eric Rohmer que pasará a la historia como uno de los creadores de la llamada "Nouvelle Vague".

Rohmer cuyo verdadero nombre era Jean Marien Maurice Scherer nació en Nancy (Francia) el 4 de abril de 1920, fue además de director de cine, crítico, periodísta, novelista, guionísta e incluso profesor de francés.

Una figura pues universal y un importante intelectual. Editor de la prestigiosa revista de cine "Cahiers du Cinéma". Y recordado mundialmente por su película "Mi noche con Maud" ("Ma nuit chez Maud" 1969). Fue galardonado en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 1967, 1983 y 1992, en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 1970 en el Festival de Cannes en 1976, y en el Festival de Cine de Venecia en 2001, aparte de otros premios importantes cinematográficos internacionales.

Rohmer fue hijo de Lucien y Mathilde Scherer, después de terminar sus estudios, en la década de 1940 se trasladó a Paris donde se desempeñó como profesor de literatura y reportero de un periódico. En 1946, y bajo el seudónimo de Gilbert Cordier, publicó su única novela, "Elizabeth". Durante esos años se convirtió en asiduo asistente a la Cinemateca francesa y adoptó el nombre por el que se le conocería desde entonces, Eric Rohmer, en referencia a dos de sus personas favoritas: el director de cine austro-húngaro Erich von Stroheim y el novelísta británico Sax Rohmer, autor de la serie "Fu Manchú".

Como crítico de cine su trabajo destacó como jefe de redacción de la prestigiosa revista Cahiers du Cinema entre 1956 y 1963, junto a quien fue uno de sus grandes maestros, André Bazin. En 1950, mientras filmaba su primer cortometraje, "Journal d’un scélérat", fundó junto a Jean - Luc Godard y Jacques Rivette la revista de critica cinematográfica Gazette du Cinema.

En esa poca también trabó una relación intelectual constante con directores como Claude Chabrol, Alain Resnais y Françoise Truffaut. Junto a Chabrol escribió el libro "Hitchcock, sus primeros cuarenta y cuatro filmes". Su primer largometraje fue "El signo del León" ("Le Signe du Lion"-1959), que obtuvo una buena recepción por parte de la critica, pero que no fue tan bien recibido por el público. En 1962, junto al director alemán Barbet Schroeder y la productora Margaret Menegoz, creó una empresa productora de películas llamada Les Films du Losange, que hasta la actualidad ha realizado la friolera de más de ochenta películas.

Las películas de Rohmer se caracterizan por su simplicidad y agudeza intelectual en climas de profunda empatia con las locaciones y con aquellos personajes que definen el sentido moral de cada una de sus historias. Probablemente la separación de su carrera en tres grandes etapas aporte claridad desde los temas y titulos de sus filmes, a aquellos que  hayan visto poco o muy poco de su cine.

En la década de 1960 comenzó su serie "Seis cuentos morales", en las que aborda una temática que atraviesa toda su carrera: la banalidad de la vida en torno a las palabras vacias, a las acciones que llevan a cabo los individuos por canales que desafian a su propia identidad y voluntad. Esta etapa está caracterizada por sus películas de amores y desamores, y por el enfásis en la palabra puesta en boca de sus personajes, no para aportar información, sino para definir sus personalidades mediante la charla cotidiana.

Los "Seis cuentos morales" fueron concebidos originalmente como una novela, sin embargo, el director desistió de seguir escribiendo cuando descubrió que algunas situaciones podian definirse por medio de imágenes y no de palabras. En referencia a estas ideas, Rohmer declaró... "Yo no digo cosas en mis películas, yo muestro gente que habla y se mueve como los personajes, las caras, los gestos y sus comportamientos"...

El primer reconocimiento a su trabajo en un festival de cine fue en 1967, cuando su película "La coleccionista" ("La collectionneuse") integró la nómina de filmes en la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín obteniendo dos distinciones, una a la Mejor película para público joven, y el Premio especial del jurado. Tres años más tarde, en 1970, fue nominado al Oscar en el apartado de la Mejor película de habla no inglesa por su trabajo en "Mi noche con Maud" ("Ma nuit chez Maud"). Al año siguiente fue candidata al Mejor guión original.

Entre 1981 y 1987, y tras su éxito con la adaptación de época "La Marquesa de O" ("La Marquise d’ O"-1976), filmó otra saga llamada "Comedias y proverbios", que cuenta con siete producciones, entre las que destaca su filme más pesonal y con mayor éxito tanto a nivel comercial como artístico "El rayo verde" ("Le rayon vert"-1986). Esta etapa está marcada por una posición más optimísta, con sabores que remiten a un cine post-nouvelle vague, con una amargura constante que finaliza en películas esperanzadoras, en donde los personajes buscan llegar a un objetivo y esa misma búsqueda resulta ser el punto central de la mirada del director francés.

Con muchos puntos en común con "Comedias y proverbios" en 1990 comenzó su última saga, llamada "Cuentos de las cuatro estaciones", en donde se interna en historias de relaciones humanas, de las que el amor es el principal protagonísta, y el engaño, presente de manera notable en sus "Seis cuentos morales", le deja su lugar a una sensación ambigua de inseguridad y deseo contenido no presente en los primeros años de la década de 1980.

Rohmer intentó trabajar a lo largo de cuarenta años con un acotado equipo de trabajo, por lo que repitió colaboradores, actores y técnicos. Entre ellos puede destacarse la delicada y sostificada labor de Marie Riviére como actriz en nueve de sus producciones y el trabajo de Néstor Almendros en la dirección de fotografía. Desde que en 1992 Almendros falleciera, Rohmer comenzó a trabajar con la directora fotográfica Diane Baratier, con quien realizó todos sus trabajos desde ese momento, dotando a filmes realizados en formato digital de una profundidad y complejidad visual sorprendentes.

Mary Stephen editó las últimas nueve producciones de Rohmer y Françoise Etchegaray produjo siete de sus últimas diez películas. Mientras que la actual presidenta de Unifrance, Margaret Ménegoz, produjo once películas del director, y Pascal Ribier realizó el sonido de todas sus películas de la década de 1990. Solía tener un equipo de trabajo inamovible, los mismos colaboradores y técnicos durante años, personas de su entera confianza, tanto en lo profesional como en lo personal.

De esta manera se comprende mejor la personalidad de Rohmer, que era introvertido y que no daba entrevistas a la prensa, porque prefería caminar tranquilo por Paris sin ser reconocido. Tampoco asistió a entregas de premios o a festivales de cine. Una excepción notable es su aceptación del premio "Cuytlán/Museo de la Sal" concedido por el gobierno de Colima (México) en 1988. En este contexto, poco se sabe de su vida privada, salvo que desde joven amó la naturaleza. Una prueba de ello es la granja de ciervos que fundó en su pueblo natal.

En los últimos años esta granja se ha distinguido por la producción de ejemplares de singular rareza. Su interés constante y muy devoto en el catolicísmo, y su conservadurísmo político son pequeños atisbos de un personaje que solo se dió a conocer con sus películas.

Eric Rohmer se casó en 1957 con Thérese Barbet, con quien tuvo dos hijos.

"Siempre estaré apegado a la verdad del detalle, al realísmo y a su comportamiento, asi he sido, asi soy, y así seré hasta el dia de mi muerte"... (Eric Rohmer).

Jean Marien Maurice Scherer (Eric Rohmer) - Nancy (Francia) - 4 - abril- 1920 - Paris - 11 - enero - 2010

¡DESCANSE EN PAZ!

 

Encrucijada de odios (Crossfire-1947)

"El estaba muerto desde hacia tiempo, sólo que no lo sabía"...

Muy interesante película de género de intriga y basada en una novela del director nacido en Philadelphia, Richard Brooks y cuyo título original fue "The Brick Foxhole" ("La trinchera del ladrillo"), según creo fué su "ópera prima". Brooks fue un hombre que comenzó su carrera como periodista radiofónico, para después comenzar a escribir guiones de películas y en 1950 gracias al actor Cary Grant se dedicó de lleno a la dirección habiendo sido nominado a los Oscar en ocho ocasiones y teniendo en su haber películas tan emblemáticas como por ejemplo: "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"). Y puesta en escena con un guión del escritor nacido en Kansas City John Paxton un hombre con apenas una veintena de películas en su historial, pero todas ellas muy interesantes, logrando en 1971 un Globo de Oro por su guión en "Kotch".

"Encrucijada de odios" está dirigida por Edward Dmytryk "El árbol de la vida" ("Raintree County") un afamado cineasta nacido en Canadá y uno de los grandes perjudicados de la lista negra de la industria del cine que se creó durante la caza de brujas del  maccarthismo.

La acción nos situa en Nueva York en la inmediata posguerra y en donde un judio es asesinado por un soldado que acaba de regresar del frente. Pero al descubrirse el carácter psicópata de este veterano de guerra, es perseguido por toda la ciudad, estallando un serio conflicto tanto político como racial...

Una interesante película como digo de cine negro y todo un agudo estudio del antisemitísmo estadounidense, y en donde el director canadiense nos refleja con creces la crisis moral y existencial que pululaban por aquellos años en América. La película pués, contiene escenas realmente excelentes y muy bien conseguidas, como es el caso del segundo asesinato y sobre todo la de su desenlace final.

Excelente la fotografía en blanco y negro (como tenía que ser) creada por todo un veterano de la dirección fotográfica, como fue el virginiano J. Roy Hunt "Yo anduve con un zombie" ("I Walked with a Zombie"). Y aquí por supuesto demostrando todo su talento y mostrándonos unas imágenes que le hacen a uno de quedar hipnotizado ante la pantalla, portentosa la fotografía, de verdad, y con unos encuadres sensacionales, donde hay momentos que nos recuerda algunas de las secuencias de las obras maestras del gran Fritz Lang, la escena de los relojes, es una buena muestra.

Agobiante al igual que la historia la banda sonora del neoyorkino Roy Webb, que tuvo el honor de componer la música de "Esto es Cinerama" la primera película-documental que se rodó en este espectacular formato en 1952, y como digo dando un ambiente agobiante, a la vez que enérgico y vigoroso.

Y el plato fuerte, porque atención a su trio interpretativo, un trio de auténticos monstruos sagrados del cine mundial, esta fué la película de los tres Robert, si amigos mios, empezando por Robert Mitchum "La noche del cazador" ("The Night of the Hunter"), como el sargento Keeley un veterano del ejército que decide ayudar a la policia para indagar más a fondo el asesinato de ese judio, muy bien Mitchum en un papel que le valió su lanzamiento hacia la fama.

Seguido por Robert Young "El fantasma de Canterville" ("The Canterville Ghost"), dando vida al capitán Finlay el hombre encargado de la investigación del asesinato, un asesinato que a priori se le presenta sumamente denso a la vez que muy turbio. Y para mí el mejor de los tres (pero ¡ojo! que los tres están que se salen), Robert Ryan "La colina de los diablos de acero"("Men in War") en un personaje de sádico y racista, el de el soldado Montgomery, un papel que al igual que a Mitchum le valió para encubrarlo a la fama y convertirlo en uno de los mejores actores de carácter de todos los tiempos. Y junto a estos tres inmensos actores una mujer, y aquí nos encontramos con la bellísima e inconfundible Gloria Grahame "Deseos humanos" ("Human Desire"), metida hasta el mismisimo alma de esa prostituta llamada Ginny, un personaje de principio secundario pero que luego tiene mucho que ver y más que decir a la hora de su desenlace final. Atentos al interrogatorio (mejor a los interrogatorios) que le hace el personaje de Finlay, sin desperdicio alguno.

En resumidas cuentas, no nos encontramos ante una obra maestra, pero si me atrevo a decir que le falta muy poco, porque de verdad nos encontramos ante una más que interesante película policiaca, una película que gustará mucho a todo el buen aficionado al cine a ese cine negro que ya por desgracia nunca más veremos.  Sobresaliente.

"Encrucijada de odios" estuvo nominada a los Oscar en cinco apartados: Película, Director, Actor secundario (Robert Ryan), Actriz secundaria (Gloria Grahame) y Guión adapatado.

 

 

El halcón y la flecha (The Flame and the Arrow-1950)

"Un hombre nunca muere si tiene amigos de verdad"...

Todo un clásico de la cinematografía norteamericana en el ámbito del género de aventuras y sacada gracias a un excepcional guión de Waldo Salt "Cowboy de medianoche" ("Midnight Cowboy") un exitoso escritor nacido en Chicago y que su carrera quedó interrumpida cuando se negó a testificar ante el Comité de la Cámara de Actividades Antiamericanas en 1951.

Y llevada a la pantalla grande por el director nacido en Paris aunque nacionalizado norteamericano Jacques Tourner, un realizador de gran eficacia que extraía el máximo partido de los elementos que siempre tenía a su disposición y era capaz de crear un suspense por pura sugestión, sin mostrar nada, como así lo logró por ejemplo en quizá su mejor obra maestra "Retorno al pasado" ("Out of the Past").

Tourner pues, nos hace de viajar por el túnel del tiempo para meternos en la Edad Media, allá en la Lombardía italiana, donde unos rebeldes luchan contra la opresión del duque Ulrich de Hesse. Pero el jefe de estos bravos hombres un tal Dardo, encontrará el amor en la propia sobrina del duque, tras haber sido traicionado por su mujer. Después de pasar por múltiples peligros, finalmente los rebeldes disfrazados de saltibanquis penetraran en el castillo ducal, y...

Atractiva y excelente película de aventuras, si señor, y en donde el maestro Tourner dió un giro absolutamente distinto a su carrera, pero que se mostró igualmente inventivo en esta aventura tan excitante como emocionante, mostrándonos en apenas 80 minutos, una historia cargada de temas y acontecimientos que desde el primer fotograma, hasta el último, van encajando a la perfección.

Cuenta como es de esperar con escenas llenas de acción y de una contagiosa euforia puesto que el realizador parisino es capaz de transformar una escena de amor a otra de acción sin cambiar de plano, con tan sólo un leve movimiento de cámara. Y sin olvidar las de humor que, haberlas también las hay.

Todo esto gracias también a la maravillosa fotografía a todo color de Ernest Haller "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause") un acreditado director de fotografía nacido en Los Angeles, que comenzó como actor en el cine mudo, para luego independizarse como fotógrafo, llegando a tener en su curriculum personal la friolera de 180 películas, habiendo sido nominado a los Oscar en siete ocasiones. Y aquí logrando toda una maravilla visual gracias a unos decorados gigantescos y unos exteriores rodados en un marco de hechos reales, la célebre entrada del protagonísta y los suyos en el castillo disfrazados de troupe circense, es verdaderamente genial, otro de los múltiples hallazgos de este maestro de la fotografía californiano.

Muy atrayente la banda sonora del inimitable e inigualable maestro nacido en Viena,  Max Steiner "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"), para que veais que no miento, puesto que estuvo nominado nada más y nada menos que en veinte ocasiones, obteniéndolo en tres de ellas. Y en esta memorable y alegre historia, con giro acrobático incluido, mostrándonos unos temas de corte medieval sumamente memorables, sobresaliedo "Main Title" ("Tema principal") "Love Scene" ("Escena de amor") y sobre todo "Batle In The Castle" ("Batalla en el castillo").

Excepcional, Burt Lancaster "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz") y aquí al igual que Tourner dando un giro a sus interpretaciones anteriores, puesto que venía de rodar dos joyas del cine negro como fueron "Forajidos" ("The Killers") en 1946 y "El abrazo de la muerte" ("Criss Croos") en 1948, y poniendo de manifiesto su calidad como trapecista, metido hasta dentro en el personaje de Dardo, un hombre que le gusta vivir a su modo lleno de inagotable energía y un "poquillo" arrogante, infalible con el arco y la flecha, pero sobre todo, eso si, todo un padre ejemplar que adora a su pequeño hijo, un papel de verdad hecho a su medida, y en donde pudo decirse en su dia que encontraron un sucesor para los legendarios Douglas Fairbanks y Errol Flynn.

Y teniendo como partenaire a la bellísima Virginia Mayo "Al rojo vivo" ("White Heat"), interpretando a la dulce Anne de Hesse (en uno de sus papeles más recordados). Y como no hay dos sin tres, y para que la historia crezca en un ritmo más frenético, atención a Nick Cravat, como Piccolo el fiel e inseparable compañero  sordo-mudo de Dardo, dos años más tarde repetiría casi el mismo papel en "El temible burlón" ("The Crimson Pirate"), el motivo de hacer siempre el papel de mudo, era según él, porque no podía disimular su acento de Brooklynn, y de verdad que borda el personaje.

En definitiva, una bonita  y atractiva película de aventuras y en donde se ha convertido con el paso del tiempo, en un clásico de la cinematografía norteamericana en este tipo de género.   Notable.

"El halcón y la flecha", estuvo nominada en los siguietes apartados: Banda sonora y Fotografía en color.

A modo de curiosidad, Burt Lancaster y Nick Cravat habían trabajado juntos de trapecistas en un circo, y aquí no utilzaron dobles para as escenas acrobáticas. Según contaron en una rueda de prensa, durante los sábados y domingos ensayaban juntos, pues Lancaster tenía un gimnasio detrás de su casa. Así, cuando llegaban a los estudios tenían todo preparado y no hacia falta nada más que filmar: ellos sabían de sobra lo que tenían que hacer.

 

 

 

 

FELICES FIESTAS!!!

Pablo Cine.

Desea a todos sus AMIGOS

Unas.....FELICES FIESTASSSSSSSSSS!!!

El albergue de la sexta felicidad (The Inn of the Sixth Happiness-1958)

Esta es la historia de Glady Aylward, una mujer que siempre estuvo dedicada a la sencilla y excepcional creencia de que somos responsables de nuestros semejantes...

Muy bonita y sensacional película de género dramatíco- biográfico escrita por el novelísta Alan Burgess "Siete hombres al amanecer" ("Operation: Daybreck"), y sobre la que está basada el guión del escritor nacido en Nueva York, Isobel Lennart "Tres vida errantes" ("The Sundowners"), un hombre con una gran trayectoria como escritor y autor teatral, pero que dejó mucho que desear en su vida privada, puesto que para salvar su carrera denunció a más de veinte personas por él conocidas, que habían sido miembros del Partido Comunista durante la persecución que se llevó a cabo en Estados Unidos de políticos e intelectuales por el tristemente célebre senador Joseph McCarthy.

"El albergue de la sexta felicidad", está dirigida por el director y productor nacido en Montreal (Canadá) Mark Robson "El premio" ("The Prize"), un hombre que comenzó con películas de terror de serie B, para luego convertirse en un realizador capaz de abarcar cualquier género, llegando a ser nominado a los Oscar en dos ocasiones.

La historia está inspirada enn el sueño de ser misionera de una criada británica que viaja a China, y allí abre un albergue para los agotados y hambrientos carreteros que cruzan los desolados caminos de las montañas. Poco a poco consigue además ganarse la confianza de los inicialmente hóstiles nativos, el corazón de un coronel euro-asiático y hasta incluso convertir al cristianísmo a un poderoso mandarín. Pero su mayor hazaña la conseguiría durante la invasión japonesa a China, llevando a cien niños sin hogar hacia un lugar seguro cruzando en su camino todo el territorio enemigo...

Conmovedora y grandiosa, si señor, una más que inspirada película, puesto que a pesar de sus dos horas y media de metraje, nunca se nos hace larga, al contrario, nos hace de emocionar, y hasta incluso de llorar, y en donde sus personajes todos tienen un toque especial, un toque lleno de fé y de esperanza, si de esa fé y esa esperanza de conseguir el mismo destino aunque paralelos,  dos razas como son Oriente y Occidente, que al fin de cuentas son diferentes en total, pero que los problemas de ambas son los mismos: hambre, pobreza, violencia y guerra, si, siempre esa maldita guerra generándolo todo, para luego llevarles a todos a la muerte. Bonita historia, de verdad, una historia contínua de superación o de desesperación, y en donde Robson nos muestra de forma realísta como veiamos los europeos aquella China pre-comunísta recién salida de un imperio corrupto. Cuenta pués con escenas sublimes y a la vez brutales, sobre todo las de batalla.

Escenas magnificamente fotografiadas en un lujoso color y en formato Cinemascope por el destacado director de fotografía inglés Frederick A. Young al cual tuvimos el honor de tenerlo en España en el año 1971, ya que fué el encargado de la fotografía de la impresionante super-producción "Nicolás y Alejandra" ("Nicholas and Alexandra") y en esta sexta felicidad, mostrándonos unos prodigiosos fotogramas tanto de interiores como de exteriores, la totalidad de la película está rodada en las montañas de Gales y los decorados de la ciudad de Niam sn verdaderamente asombrosos, puesto que Young usó el formató panorámico como un consumado innovador de esta técnica.

Y atención a su banda sonora, toda una maravilla llevada al compás de la mágica batuta de uno de los compositores más importantes de la segunda mitad del siglo XX, hablo de Sir Malcom Henry Arnold "El puente sobre el rio Kwai" ("Tho Bridge on the River Kwai"), para que os hagais una idea, y aquí de verdad creando una de sus obras más célebres escrita para la pantalla grande, pero el recuerdo para todos se reducía a la célebre marcha que cantaban y silbaban los niños al final de la película, conducidos por la protagonísta huyendo de los horrores de la guerra hacia la ciudad de Niam, el tema es "March of the Nian Children" ("Marcha de los niños de Nian"), bellísima y pegadiza, y todo un nº1 de ventas discográficas en su dia.

Y como postre a este sabroso banquete, los actores, comenzando con una Ingrid Bergman "Juana de Arco" ("Joan of Arc"), pensabais que iba a poner la mítica "Casablanca" ¿a que sí?, llevando casi todo el peso de la película y metida en el traje de una misionera llamada Gladys Aylward, una "santa" moderna cuya abnegada pasión por hacer el bien la llevó a pasar media vida recorriendo el mundo. 

Y con ella Curt Jurgens "Duelo en el Atlántico" ("The Enemy Below"), probablemente en la mejor interpretación de su carrera cinematográfica, dando vida a Lin Nan ese coronel mitad europeo, mitad asiático, luchando en dos frentes muy diferentes en el de la guerra por su pais, y en el del amor por su felicidad, al final... Y como tercer personaje, nos encontramos a un desconocido (por su genial caracterización) Robert Donat "La ciudadela" ("The Citadel") demostrándonos todo el arte que llevaba dentro, interpretando al mandarín Yang Cheng ese poderoso hombre que pese a sus creencias religiosas, al final se convierte al cristianísmo, gracias a la fé y al amor de esa misionera anglicana que no se acobarda cuando su iglesia le negó ir a China por la sencilla razón de carecer de títulos y preparación académica (doctores siempre tuvo la iglesia). Inmejorables los tres, como tenía que ser, aunque la Bergman como digo llevando todo el peso.

En definitiva, una estupenda película que como digo al principio, a pesar de su larga duración nunca llega a aburrir, si no todo lo contrario. Una película que unas veces emociona, otras nos hace de reir, otras llorar, porque es una historia llena de muy buenos ejemplos, y de muy buenas interpretaciones.   Sobresaliente.

Mark Robson estuvo nominado al Oscar, como mejor director. Premio que recalló a Vicente Minneli por su ese año oscarizada "Gigi".

A modo de anécdota, esta fué la última película del gran Robert Donat, puesto que falleció el mismo año de su realización, en concreto el 9 de junio de 1958 a causa de un asma crónica que padecía, contaba con 53 años de edad.

 

Mi querida señorita (1971)

En recuerdo de: José Luis López Vázquez

Después de que un médico le comunicara su condición de hombre... Todo es nuevo para la señorita Adela...

Admirable, valiosa y valiente película de género dramático dirigida muy sutílmente para no alarmar por aquellos tiempos a la censura, por el director madrileño Jaime de Armiñán "El amor del capitán Brando", por ejemplo, un hombre que se ha consolidado como uno de los mejores realizadores del cine español, habiendo sido galardonado con dos Premios Ondas en 1961 y 1985 y en 1985 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

La película está basada en un guión del propio Armiñán y de otro peso pesado de nuestro cine, hablo del zaragozano José Luis Borau que con "Furtivos" impresionó a propios y a extraños gracias a su impresionante escenografía visual de la historia.

La historia pués que nos cuenta aquí el gran Armiñán nos lleva a una pequeña ciudad de provincias del norte de España, para meternos en el cuerpo de una tal señorita Adela, descendiente de una de las mejores familias de esa bella localidad. Adela ha gastado ya sus cuarenta y muchos años de su vida llevados siempre en una soledad absoluta, y en meditar que se quedará soltera toda la vida puesto que fisicamente no le queda otro remedio. Pero también tiene un secreto, un gran secreto, se afeita todos los dias...

Extraordinaria, si señor, una película sana y pura, y lo que es mejor que el director madrileño no recurre al clásico dramón, aqui no hay ni lágrimas ni sentimentalísmo, puesto que es una historia que nunca cae en ningún tipo de tópicos, la película quizá, para algunos les parezca algo yo diría que extraña, un poco extraña (mejor dicho), me refiero por supuesto al enfoque que nos plantea Armiñán, porque puede resultar un poco inverosímil, pero como digo al principio aquí está lo bueno, ya que el director nos lo plantea de una forma muy sútil a la hora de narrarlo, y poder asi meterle un gol a la "jodida" censura que por aquel entonces se paseaba por nuestro suelo patrio, porque de verdad, tuvo las suficientes agallas para hacer semejante historia. Una historia que, para mi sin duda, es una de las mejores del cine español, tanto por la valentía de la temática, como por su inmejorable final.

Portentoso José Luis López Vázquez, y dando de nuevo un giro de 360º a su carrera al igual que ya hiciera en "Peppemint Frappé" en 1967 en "El jardín de las delicias" en 1970 y en "El bosque del lobo" también en 1970, no es el Jack Lemmon de "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot") ni el Dustin Hoffman de "Tootsie", no es simplemente un hombre corriente, si corriente y normal, pero aquí, amigos mios, aqui es un monstruo del séptimo arte, metido en esa piel ya marchita y casi muerta de Adela Castro, esa cuarentona, mejor dicho ya casi cincuentona ¿mujer?, cuya formación es producto de la política cultural del franquísmo de la posguerra. Y que a pesar de los cambios que a principio de los setenta se respira en esa pequeña ciudad donde vive, todavía reproduce comportamientos y actividades que reafirman su feminidad según los parámetros de los años cuarenta. Asombroso José Luis, si señor.

Y con él, un buen puñado de memorables secundarios: Julieta Serrano "Salsa rosa", como Isabelita la criada de Adela por la que siente una intensa atracción sexual y Antonio Ferrandis "Volver a empezar", haciendo de Santiago, un hombre enamorado de Adela, pero sabe demasiado bien que será un amor imposible. Y por aquella pequeña ciudad del norte, también andaban Mónica Randall "Tiempo de tormenta" y Lola Gaos "Tristana", y una desconocida Chus Lampreave "Volver". Si amigos mios, todos estos y algunos más nos deleitan con su presencia en esta estupenda película.

Y todos ellos, magnificamente fotografiados en un oscuro color, para realzar mucho más la historia, por el maestro zamorano Luis Cuadrado "El espíritu de la colmena", un extraordinario director fotográfico y creador de una de las tonalidades más específicas del cine español, como así lo declaró en su dia el cineasta Elias Querejeta, y aquí como digo usando unos colores oscuros para crear esa también oscura atmósfera que por aquel entonces aún se vivía en España.

Excelente la banda sonora obra de Rafael Ferro "Esperando a papá", un músico con muy poco cine en su haber, este fué su debut, pero que ha compuesto canciones para cantantes de fama mundial como es el caso de Julio Iglesias por ejemplo. Y atención a la pieza principal "Estudio Op 10 nº3 Tristeza" de Fryderik Chopin a la que Ferro la puso letra.

En definitiva, una de las joyas del cine español de los años setenta. Una película valiente y audaz y que merece la pena de verla. Y volverla a ver.  Matrícula de Honor.

"Mi querida señorita", fué seleccionada para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. La estatuilla ese año fué a recaer a otro español Luis Buñuel, aunque con una película de producción francesa "El discreto encanto de la burguesía" ("Le charme discret de la bourgeoisie").

HASTA SIEMPRE!!!

José Luis López Vázquez

"Un hombre corriente"

El pasado dia 2 de noviembre falleció en su domicilo de Madrid acompañado de su familia y de su amor tardío, la actriz Carmen de la Maza, José Luis López Vázquez a la edad de 87 años, un actor cuya filmografía es ya puro patrimonio nacional.

José Luis López Vázquez nació en Madrid el 11 de marzo de 1922, era hijo de un funcionario del Ministerio de Justicia, e inició su carrera cinematográfica como figurinísta en tres películas de José López Rubio entre los años 1942, 1946 y 1947, y como ayudante de dirección de Pio Ballesteros en 1946 y de Enrique Herreros también en el año 1946. Pero fué el gran Luis García Berlanga quien verdaderamente se fijó en su figura ("insignificante y mínima, decía él"), cuando le ofreció un papelito en "Esa pareja feliz" (1951). Y desde que en 1957 rodara "Los jueves milagro", también de Berlanga y, sobre todo, un año después, con "El pisito", de Marco Ferreri, su popularidad de actor no cesó.

Intuitivo y extraordinariamente dotado, en su filmografía se encuentra gran parte de lo mejor del cine español, y hasta el mismo Hollywwod, intentó llevarselo, pero él no quiso salir de su pais (no se podía ser más antiestrella, si señor). Con Berlanga rodó "Plácido" (1961), "El verdugo" (1963) o la "triología nacional" (1978-1981-82), con Carlos Saura "La prima Angélica" (1973) o "Peppermint Frappé" (1967), "Atraco a las tres" (1962), con José María Forqué, o "Mi querida señorita" (1971), de Jaime de Armiñán, y sin olvidarnos de la galardonada pieza televisiva "La cabina" que en 1972 rodó Antonio Mercero, e incluso el mítico George Cukor lo tuvo a sus órdenes en la olvidada película "Viajes con mi tia" ("Travels with My Aunt"), tambien del año 1972.

En el Museo Nacional de Teatro de Almagro (Ciudad Real) se pueden ver figurines, dibujos y otros objetos relacionados con la trayectoria profesional de José Luis, quien donó a la entidad, en 2007, todo el material relativo a su carrera que tenía guardado en sus archivos privados. El actor durante su faceta pictórica, diseñaba corbatas y hasta fue el autor del logotipo de Festivales de España.

López Vázquez no tuvo hijos con su primera mujer, la actriz Ana María Ventura, aunque si con Catherine Magerus (con la que no pudo casarse debido a la inexistencia del divorcio), con quien tuvo dos hijos, José Luis, dedicado al cine, y Virginia, fallecida en 1994. Posteriormente  tuvo otras dos hijas más con la periodista Flor Aguilar.

Cuando recibió el Goya de Honor de la Academia en 2005, dedicó el galardón entre otros, a "su amor tardío". No mencionó de quien se trataba. Ella, Carmen de la Maza, una compañera a la que conocía de toda la vida y con la que estrechó su amistad al trabajar juntos en la obra de teatro "Cena para dos". Ella ha permanecido junto al actor, cuando su fragilidad ya era extrema, en estos últimos años y meses. La actriz comentó encontrarse profundamente triste.

La última película que rodó José Luis fue a las órdenes de Antonio Mercero "¿Y tú quien eres?" (2007), en la que compartió reparto con Manuel Alexandre y Alvaro de Luna. En el teatro su última aparición fue en 2004 con la obra "Tres hombres y un destino". La última colaboración profesional, que le solicitaron, aunque no llegó a hacerlo, fue grabar unas frases para incorporar en off al montaje teatral de "El pisito" que ha llevado al teatro el director Pedro Olea, quien se lamentaba el dia de su fallecimiento de haber perdido en tan poco tiempo además de dos grandes amigos a los protagonístas de esta película López Vázquez y la también llorada Mary Carrillo, papeles que en la versión escénica interpretan Pepe Viyuela y Teté Delgado, en el teatro Marquina de Madrid.

La capilla ardiente del actor se instaló en el teatro Maria Guerrero de Madrid, sede del Centro Dramático Nacional, y donde el actor debutó en 1946.

"Se vá uno de los actores más grandes, una de las patas de la mesa del gran cine español junto a Fernando Fernán Gómez y José Isbert". (Alex de la Iglesia) director cinematográfico y presidente de la Academia de Cine.

José Luis López Vázquez - Madrid - 11 marzo - 1922 - Madrid - 2 - noviembre - 2009

¡DESCANSE EN PAZ!