French Connection -1971

"Están tomando  demasiadas precauciones nuestros amigos americanos"...

  Sensacional y espectacular película de género policiaco sacada de una novela del escritor estadounidense nacido en Boston, Robin Moore "Boinas verdes" ("The Green Berets") un famoso novelista especializado en escribir libros sobre la guerra y el terrorísmo. Fue el productor Philip D’Antoni un gran entusiasta del cine negro quien compró todos los derechos de la novela y el que se encargó de preparar la película, y lo primero que hizo fue encargar el guión a un hombre con muchas tablas en este tipo de cine, como era el guionísta Ernest Tidyman, un hombre nacido en Cleveland y que cuenta en su haber con la exitosa triologia policiaca "Shaft", protagonizada por el actor de color Richard Roundtree.

  "French Connection" está dirigida por un hombre que no necesita presentación alguna me refiero al director, productor y guionísta nacido en Chicago William Friedkin "El exorcista" ("The Exorcist") por si acaso alguno dudaba, un cineasta todoterreno que comenzó haciendo trabajos para la televisión en el año 1962 para dar el salto al cine cinco años después y con esta película convirtiéndose en el director más jóven en lograr un Oscar.

  La acción, y que acción amigos mios (atención a la escena de persecución tren - metro) nos lleva a Nueva York para meternos en el cuerpo y en los fanáticos esfuerzos de un detective de la policia de la ciudad de los rascacielos, un tal "Popeye" Doyle al cual le dan un encargo junto con otro compañero de interceptar el envio de un enorme cargamento de heroina por un empresario de Marsella...

  Extraordinaria película, si señor, que junto con "Bullitt"-1968 y "Harry el sucio" ("Dirty Harry"- 1971) fue el resurgimiento del cine policiaco y la verdad es que aquí Friedkin se salió, con un montaje de brutal energía donde nos transmite a un tiempo desorientación y desequilibrio, y un implacable impulso de correr siempre adelante, porque de verdad la visión de esta brigada de narcóticos en su particular batalla llega para mi, más allá de esos sórdidos exteriores en esa sucia y gris Nueva York. Una película de verdad, verdaderamente espectacular, y con unas escenas de persecución que sobrepasan los límites de la realidad.

  Escenas sensacionales llevadas por la magistral cámara de Owen Roizman, otro estupendo cineasta nacido precisamente en Nueva York, miembro de la Junta de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y autor también de esa divertida comedia llena de gags de las más jocosas titulada "Tootsie". Y en esta lucha contra el imperio de la droga deleitándonos con su cámara cuidadosa y laboriosamente fotografiados unos escenarios naturales de las ciudades de Nueva York, Washington y Marsella, algunas escenas con cámara en mano para recoger los sonidos directos y dar asi más veracidad a la historia.

  Trepidante como la pelicula lo requiere, la banda sonora dirigida ni más ni menos por uno de los mejores trompetistas de Jazz y ganador de un Premio Grammy, su nombre: Don Ellis, y donde nos monta como digo ua trepidante música siguiendo su linea estilística con un jazz oscuro para hacer una atmósfera aún más obsesiva.

   Y el plato fuerte de este descomunal banquete cinematográfico, los actores, encabezados por Gene Hackman "Enemigo público" ("Enemy of the State") en el papel de ese brusco pero eficaz policia llamado Jimmy "Popeye" Doyle, un hombre siempre metiendo jaleo en los sitios siempre también "sucios" a los que él va a limpiar, además de barrer a patadas a todos aquellos que trapichean con la maldita droga en las calles de Harlem. Inmenso aqui Hackman que con este papel pasó a ser una de las grandes estrellas de Hollywood. Y ayudado siempre por su compañero Roy Scheider "Tiburón" ("Jaws"), como Buddy Russo, ayudante de "Popeye" y también encargado de "joder" al más pintado con sus métodos un tanto peculiares.

  Y con estos dos soberbios actores del cine universal, un español, si como lo estais leyendo D. Fernando Rey "Mi general", metido en el elegante traje del villano de la historia Alain Charnier ese narcotraficante de heroina que intenta por todos los medios habidos y por haber pasar la droga desde Marsella a Nueva York. Y para mi opinión haciendo una de sus mejores interpretaciones, ese típico francés ladino escondiendo su maldad siendo al mismo tiempo tremendamente educado y elegante. Pero no hay que olvidarse de Tony Lo Bianco "Ciudad muy caliente" ("City Heat") y  Marcel Bozzuffi "Imágenes" ("Images").

  En definitiva, una joya del cine policiaco, muy reconocida y premiada, que a pesar de los años transcurridos suigue manteniendo todo su encanto original para situarla entre las filas de las películas verdaderamente fascinantes.   Matrícula de Honor.

  "French Connection", logró cinco Oscar en 1971: Mejor Película, Director, Actor (Gene Hackman), Guión adaptado y Montaje (Herry Greenberg).

  En 1975, John Frankenheimer realizó una secuela de la película, de nuevo protagonizada por Gene Hackman y Fernando Rey, que tuvo bastante menos éxito.

  Como curiosidad William Friedkin quería a Francisco Rabal para interpretar el papel de Charnier, pero no conocia su nombre, unicamente sabia que era un actor español. Fernando Rey fue contratado antes de que el director lo viera. No hablaba francés, pero Friedkin supo que Rabal no hablaba francés ni ingles, por lo que decidió mantener a Fernando Rey.

 

Firefox, el arma definitiva (Firefox - 1982)

  La más desvastadora arma mortal jamás construida...Su misión:

                                   ¡ROBARLA!

  Aceptable película de género de acción ciencia-ficción, y para mi una de las más extrañas de la extensa filmografía de ese gran y oscarizado cineasta nacido en San Francisco y que atiende por el nombre de Clint Eastwood "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County").

  "Firefox" está basada en una novela de Craig Thomas un escritor nacido en el Pais de Gales muy famoso por ser autor de varias novelas de suspense, pero donde su fama cruzó el Atlántico y convertirse en un escritor de fama universal fue a raiz de escribir este libro. El guión corrió a cargo de Alex Lasker "Lágrimas del sol" ("Tears of the Sun") un hombre que comenzó su carrera como lector de guiones en el año 1970, y por Wendell Wellman "Summersby". Y llevada al cine como digo por el gran Clint Eastwood, esta sería su quinta película como realizador.

  Asi pues, Eastwood nos mete de pleno en una historia llena de acción donde tiene lugar a principio de los años ochenta, cuando el mando norteamericano tiene constancia de la fabricación por parte de Rusia de un avión de prestaciones portentosas e inalcanzables por la tecnología mundial del momento...

  Aceptable película, como digo, no es ni mucho menos de las mejores del director, pero tampoco es de las peores, extraña si es, puesto que nadie esperaba por aquel entonces que Eastwood se embarcase en una historia de este género, dado que lo suyo era otro tipo de cine. Cuenta pues con escenas bastante logradas sobre todo las secuencias del avión que a pesar  de los años transcurridos siguen resultando espectaculares, pero también hay que añadir que los efectos especiales nunca han sido el punto fuerte de este hombre.

  Brillante la banda sonora dirigida por el francés nacido en Lyon aunque como es de suponer nacionalizado  estadounidense Maurice Jarre "Pasaje a la India" ("A passage to India"), un inmenso compositor muy ligado al director David Lean que consiguió tres Oscar de las ocho ocasiones en las que fue nominado, y en esta historia aérea creando una partitura tanto grandilocuente como efectista.

  Como efectista es la fotografía a todo color creada por Bruce Surtees "Infierno de cobardes" ("High Plains Drifter") un consumado y afamado director fotográfico nacido en Los Angeles y completamente vinculado en la mayoría de los westerns del director y aquí poniendo toda la carne en el asador, recreándose principalmente en los paisajes aéreos, unos paisajes de una gran belleza y de notable grandiosidad.

  Y si una pelicula está realizada por Clint, es de suponer que también se reserve el papel protagonísta, y efectivamente ya que encabeza un gran y extenso reparto de actores, y dando vida ni más ni menos que a Mitchell Grant un piloto de élite que es designado por el alto mando americano para que robe de una base de alta seguridad soviética un avión y lo haga llegar hasta Estados Unidos, un avión que está capacitado para alcanzar velocidades increibles. Y con él, nos encontramos a un buen puñado de secundarios como: Frediee Jones "Erik el vikingo" ("Erik the Viking"), David Huffman "El campo de cebollas" ("The Onion Field"), Warren Clarke "La naranja mecánica" ("The Clockwork Orange") y un largo etcétera, todos muy bien supervisados por el genial Clint Eastwood.

  En definitiva, no es como bien digo al principio uno de los mejores trabajos del director, pero para mi, cumple como una película de acción con buenos momentos y otros (todo sea dicho) no tan buenos, pero que a la hora de la verdad resulta efectiva.  Aprobado.

  A modo de anécdota los exteriores de la película fueron rodados en Austria, Groenlandia, California y Montana. Y su estreno mundial fue el 16 de junio de 1982.

Ben-Hur (De las galeras a las cuadrigas)

  Y para poner la guinda a esta monumental tarta, solamente dar un pequeño repaso para comentar más o menos los pormenores y detalles de su realización...

   "Permita Dios que te conserve con vida hasta el dia de mi regreso, el dia de mi venganza."

   Tanto la versión muda que Fred Niblo rodó con Ramón Novarro en 1925 como la película de William Wyler, "Ben-Hur" es un ejemplo de espectacularidad, del cine épico de lujo que sólo se puede permitir Hollywood y, más concretamente, un estudio como Metro Goldwyn Mayer. Desede la llegada del sonoro, los ejecutivos de la compañía llevaban tiempo pensando en hacer una nueva versión de la novela de Wallace con sonido y color. Posiblemente, el impresionante éxito que consiguió el estudio con "Quo Vadis?", en 1951, les dió a entender que se trataba de un momento muy propicio para las películas de "romanos". Pero la Metro no se dejó llevar ni por las prisas ni por la improvisación y preparó la película durante casi ocho años. Los datos de producción de "Ben-Hur" son tan aparatosos que en muchas ocasiones resultan extravagantes.

   El centro base del rodaje de la película fue los estudios de Cinecittá de Roma. Y, entre otras cosas, se construyó una kilométrica red de tuberias para surtir agua a las 45 fuentes que formaban parte de la villa romana de Quinto Arrio; se diseñaron 15.000 pares de sandalias, 3.000 espadas y más de 5.000 piezas de joyería, eso sin contar con miles de togas y uniformes romanos que salieron de la Metro; también se transportaron nada menos que 40.000 toneladas de arena de playas del Mediterráneo para el suelo del inmenso circo romano. Este se levantó sobre un terreno que ocupaba ocho hectáreas, en cuyo centro se instalaron cuatro estatuas de nueve metros de altura cada una. Ante tal despliegue de medios, la Metro no quiso correr riesgos. Al frente de la producción, el estudio colocó a Sam Zimbalist, un veterano que ya había trabajado con éxito en "Quo Vadis?".

   La dirección del proyecto quedó en manos de William Wyler, que, por entonces era ya uno de los realizadores más premiados de Hollywood y que, curiosamente, había intervenido como ayudante de dirección en la versión muda de Fred Niblo. Y como gran protagonísta del espectáculo se contrató (aunque antes estuvieron en la lista varios actores más como: Rock Hudson y Burt Lancaster entre otros), como no podía ser de otra manera, a Charlton Heston (que en principio debia de haber interpretado a Mesala). Este, poco después de haber interpretado a Moisés en "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"), se consolidó como la principal estrella del cine épico hollywoodiense. Todos cumplieron con su cometido de maravilla. Incluso el encargado de la segunda unidad, Andrew Marton, y su joven ayudante italiano, Sergio Leone, quienes rodaron durante dos meses los 20 minutos más célebres y vibrantes de todo el largometraje: la carrera de cuadrigas.

   El prestigioso especialísta Yakima Canutt se encargó de supervisar los momentos más arriesgados de esta competición, en la que llegaron a participar 78 caballos traidos expresamente desde Yugoslavia. Sólo esta secuencia costó un millón de dólares. El presupuesto del resto de la película alcanzó los 15 millones de dólares, por lo que pasó a ser la producción más cara realizada hasta esa fecha. Pero la espectacular inversión fue muy rentable. "Ben-Hur", sencillamente, arrasó. A pesar de su larga duración, fue la película más vista de 1959 a 1960 en prácticamente todos los lugares del mundo. Más todavía cuando, en la ceremonia de entrega de los Oscar, la película consiguó 11 de los 12 premios a los que optaba. Entre ellos, el de mejor película, director, actor y banda sonora, un merecido premio a la hermosa partitura de Miklós Rózsa.

   Mi agradecimiento a Larousse "El Cine". Sin cuya autorización me hubiese sido imposile escribir este comentario. Muchas gracias. AMIGOS.

Ben-Hur (1959)

  "Cuando los romanos me llevaban a las galeras estuve a punto de morir de sed, pero un hombre me dió de beber agua y volví a la vida, hubiese sido mejor rechazarla y derramarla en la arena todavía... estoy sediento".

Apoteósica película y todo un canto del cine épico histórico.

"Ben-Hur" está basada en la novela homónima de Lewis Wallace un general de la Unión en la Guerra Civil estadounidense, nacido en Indiana. Esta película es la tercera versión llevada al cine de dicha obra, la primera data del año 1907 dirigida por Sidney Alcott, la segunda en 1925 llevada de la mano por Fred Niblo "Sangre y arena" ("Blood and Sand"-1922) e interpretada por Ramón Novarro "Mata-Hari" (ambas versiones fueron mudas, como es de suponer).

Y esta tercera adaptación se la debemos a uno de los directores que quizá nadie como él haya podido contar mejor una historia en el cine, me refiero al multipremiado William Wyler "La gran prueba" ("Friendly Persuasion"), Wyler nació en Alemania, pero contando veinte años se trasladó a Estados Unidos, donde logró cuatro Oscar y ser nominado en quince ocasiones.

Asi pues, con la novela del general Wallace y en colaboración con el guionísta nacido en Washington, Karl Tunberg "Beau Brummell", William Wyler nos lleva a los tiempos de Jesucristo y en donde un tribuno llamado Mesala regresa a Jerusalén y va a visitar a su amigo de la juventud Judá Ben-Hur, el hijo mayor de una noble familia judia, pero se enfrentan en una discusión política. Con la excusa de la caida de una de las tejas de la casa de Ben-Hur sobre el nuevo procurador romano, Mesala manda a galeras a Judá, y a prisión a su madre y hermana...

Imbatida durante cuarenta años con el record de los Oscar. "Ben-Hur" es una película que ha marcado la historia del cine y que por tanto es imperecedera, ya que el paso del tiempo jamás conseguirá borrarla.

Kolosal película, si señor, pero con mayúsculas, y en donde Wyler no escatimó en medios para conseguir como digo al principio, todo un canto glorioso al cine de este género. Toda una obra maestra se mire por donde se mire, puesto que aquí todo es espectáculo puro, por su forma de llevarlo a la gran pantalla, es una película que de verdad te engancha ya con los títulos de crédito y no te suelta hasta su minuto final. Cuenta con escenas verdaderamente espectaculares, y en donde hay que destacar, una: la de la carrera de cuadrigas sobre la arena de circo romano, impresionante con una duración de veinte minutos y cuyo rodaje duró cerca de dos meses, en esta escena Wyler echó mano de otro prestigioso realizador Andrew Marton "Fuego verde" ("Green Fire"), que fue el encargado de la segunda unidad, la otra: la de la batalla naval, realizada con gigantescas maquetas de madera y en donde se usó un lago artificial. Sensacionales escenas quedadas ya en los anales del cine.

Como sensacionales están todos su actores (tenía que ser así) con un Charlton Heston "Cuando ruge la marabunta" ("The Naked Jungle") en el papel de su vida Judá Ben-Hur ese noble judio que, al no comulgar con las creencias políticas de su amigo romano, ve como su vida cambia totalmente al ser injustamente condenado a morir en las galeras de guerra, hasta que en una batalla salva la vida de un cónsul y este le devuelve la libertad. Y junto a él, su mejor amigo al principio para convertirse después en su peor enemigo, Stephen Boyd "Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage") como Mesala, un joven tribuno amigo íntimo de Judá, pero encarnizado enenigo después, un hombre poseido por la crueldad, que lo hace de mandar a una muerte segura, aún sabiendo de su inocencia, lo mismo que a su madre y hermana. Enormes los dos, aunque bien es cierto que Heston lo eclipsa un poco, ya que todo el peso de la película recae sobre él.

Y en esta historia de los tiempos de Augusto y Tiberio también nos encotramos a unos secundarios verdaderamente en estado de gracia tal es el caso de Jack Hawkins "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge the River Kwai") metido en la armadura de Quinto Arrio un cónsul romano que en agradecimiento por salvarle la vida le nombra hijo adoptivo y ciudadano romano, Martha Scott "En el viejo Oklahoma" ("In Old Oklahoma") y Cathy O’Donnell "El hombre de Laramie ("The Man from Laramie"), dando vida a Miriam y Tirzah, madre y hermana de Judá. No me olvido tampoco de Haya Harareet "La tercera llave" ("The Secret Partner"), su amada y siempre fiel Esther, pero sobre todo al también aquí oscarizado Hugh Griffith "Exodo" ("Exodus") en un papel que le va como anillo al dedo el del jeque árabe Ilderim. Todos pués como digo en verdadero estado de gracia, en los papeles de su vida.

Maravillosa la fotografía en color a cargo de Robert Surtees "El graduado" ("The Graduate") un afamado cineasta nacido en Kentucky, que empezó a trabajar en Hollywood como asistente de Gregg Toland "Ciudadano Kane" ("Citzen Kane") para luego convertirse en uno de los directores fotográficos más exitosos del cine, y aquí además usando por orden de Wyler unas cámaras de 65 milimetros para dar más grandiosidad a esta monumental historia, la mayoria (por no decir todas) de las escenas están rodadas en interiores, concretamente en los estudios Cinecittá de Roma.

Soberbia la banda sonora creada sin duda alguna por el compositor más especializado en películas de corte histórico, como fue el húngaro de nacimiento pero norteamericano de adopción, Miklós Rózsa "Rey de reyes" ("King of King’s"), un hombre con tres Oscar en su palmarés y dieciseis nominaciones en su historial, si amigo-as, habeis leido bien DIECISEIS, y en esta gigantesca historia de "romanos", creando para mi, una de las partituras más bellas de la historia del cine histórico, ya que contiene unos temas tan memorables como sugestivos como por ejemplo.:"El valle de los leprosos" "Judá y Esther" "La carrera de cuadrigas", y atención a la obertura sonando en la Capilla Sixtina de El Vaticano. Intensa de verdad, intensa y llena de valores esta brillante y elaborada orquestación, haciéndonos Rózsa de trasladarnos a otra época a la época de Judá Ben-Hur.  

En definitiva una película poderosa, llena de matices de significados y detalles... de Amor, Odio, Perdón, Venganza y sobre todo Fé, Esperanza y Misericordia. Una película de esas de las que te llegan hasta el fondo del alma. Porque son más de tres horas recibiendo sensaciones y sentimientos, sensaciones y sentimientos que te transmiten unos actores todos ellos en grado superlativo. Una película ¡IMPRESCINDIBLE!.    Matrícula de Honor.

"Ben-Hur" logró los siguientes Oscar en 1959: Película, Director, Actor (Charlton Heston), Actor de reparto (Hugh Grffith), Banda sonora (Miklós Rózsa), Fotografía (Robert Surtees), Dirección artística (William Horning, Edward Cafagno y Hugh Hunt), Diseño de vestuario ( Elizabeth Haffenden), Montaje ( Ralph Winters y John Dunning), Sonido (Franklin E. Milton), Efectos visuales ( A. Arnold Gillespier, Robert MacDonald y Milo Lory).

  En el 2004 la película fue incluida entre los filmes que preseva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa".

   

La gata sobre el tejado de zinc (Cat on a Hot Tin Roof-1958)

En recuerdo de : Elizabeth Taylor

"Este es un caso palpable, no ya de traición, si no de simple eyaculación precoz, ante el orgasmo imaginario, y de como debe castrarse una magnífica obra teatral para llevarla al cine".

Impresionante película de género dramático y todo un clásico del cine universal, dirigida por Richard Brooks "Los profesionales" ("The Professonals"), un consumado director y guionísta nacido de Philadelphia y asentado en Hollywood como un director de actores, gracias a los intensos dramas por él realizados.

La película es una adaptación del famoso dramaturgo nacido en Misisipi y Premio Pulitzer por "Un tranvía llamado deseo" ("A Streectcar Named Desire") Tennessee Williams y quizá la adaptación cinematográfica más taquillera de todas las que se han realizado de este escritor.

La acción nos lleva a una ciudad del Sur norteamericano y nos muestra de lleno la vida de una familia de clase acomodada, para ver como un ex-jugador de rugby vivevirtualmente separado de su esposa, aunque los dos habitan en una lujosa mansión, la del padre de él. También conviven con ellos otro matrimonio compuesto por el hermano mayor su esposa y sus cinco pequeños hijos. Pero un dia se enteran de que el patriarca padece una enfermedad incurable que le hará morir en un corto plazo...

Extraordinaria película, si señor, y en donde Brooks nos muestra con su habitual maestría toda una reflexión sobre una familia, con todas sus pasiones, envidias, amores y codicias. Porque desde el primer minuto todos y cada uno de los personjes nos hacen de transmitirnos todas esas sensaciones, y creando además con gran pulcritud y precisión ese clima tan mórbido e insoluble de esa ciudad sudista. Una película de verdad con una puesta en escena sumamente brillante y rica muy rica en recursos. Con escenas impagables y unos diálogos que de por sí, fueron catalogados en su dia como altamente peligrosos, y polémicos a la vez dada la censura que en los años cincuenta existía en el cine.

Diálogos que hicieron saltar chispas gracias a dos actores en la cúspide de su carrera. Ella Elizabeth Taylor "Cleopatra", dando vida a Maggie una bellísima mujer que dice sentirse como una gata sobre un tejado de zinc caliente, porque siempre esperando que su marido abra de una vez el caparazón de ese oscuro resentimiento en el que está encerrado, acusándola de ser la culpable de la muerte de su mejor amigo. El, Paul Newman "El golpe" ("The Sting") metido en el resentido cuerpo de Brick, el marido de Maggie un hombre que solamente pide ayuda a una botella de licor, siempre con una en la mano, para asi emprender su gran evasión, para asi huir de todo, del trabajo, de los problemas, de si mismo, y hasta de los brazos de su mujer. Insuperables e inolvidables los dos, pienso que en uno de los mejores papeles por ellos interpretados a lo largo de su extensa y extraordinaria carrera cinematográfica.

Y con ellos tres espléndidos secundarios, encabezado por el siempre inmenso Burl Ives "Horizontes de grandeza" ("The Big Country") como Big el patriarca de la familia, un hombre que sabe que la muerte le está esperando a la vuelta de la esquina y vive ya solamente resignado, pero intentando dejar las cosas cada una en su lugar, seguido de Madeline Sherwood "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth") y Jack Carson "Angeles sin brillo" ("The Tarnished Angels") ambos en los papeles de Mae y Gooper, un matrimonio con cinco hijos y que para ellos lo único que cuenta es ver morir al viejo para asi repartirse la herencia. Ambiciosos los dos, ambiciosos y oportunístas, pero magníficos en sus respectivos papeles, dotándolos de un realísmo sumamente efectivo.

Muy buena como es de esperar, la fotografía en color llevada bajo la dirección de William Daniels "Como un torrente" ("Some Came Running") un mítico director fotográfico nacido en Cleveland (Ohio) con cerca de doscientas películas en su filmografía y en esta gata en el tejado creando unas imágenes excepcionales, casi todas rodadas en interiores puesto que la historia se desarrolla practicamente en ubicaciones interiores: en el salón, en el dormitorio y en un subterráneo dedicado a almacén, espléndio Daniels con un movimiento de cámara muy diligente y no ocultando nunca que la película es una adaptación de una obra de teatro.

Magnífica la banda sonora del compositor nacido en Michigan, Charles Wolcott "Canción del sur" ("Song of the South") uno de los pioneros en componer canciones para cortometrajes de dibujos animados, como por ejemplo: "Pinocho" ("Disney’s Pinocchio") y "Bambi", y en esta maravillosa historia sureña, mostrándonos varios temas de distintos compositores de la M.G.M., pero sobresaliendo la Sinfonía nº5 de Beethoven.

En fin, una película perfecta por donde se mire, una película que sigue y seguirá perdurando mientras al cine se le siga considerando el maravilloso séptimo arte.  Matricula de Honor.

"La gata sobre el tejado de zinc" obtuvo las siguientes nominaciones (aunque no logró ninguna de ellas): Película, Director, Actriz (Elizabeth Taylor), Actor (Paul Newman), Guión adaptado y Fotografía. Ese año "Gigi" de Vicente Minnelli fue la gran triunfadora y a pesar de que tanto Liz como Paul partian como favoritos para hacerse con la estatuiila, al final fueron Susan Hayward por "¡Quiero vivir!" ("I Want to Live!") y David Niven por "Mesas separadas" ("Separate Tables") los que lograron alzar el Oscar.

Como anécdota en un principio la película iba a ser protagonizada por Grace Kelly y dirigida por George Cukor. Pero al abandonar Grace el cine, el papel recayó en Liz. El rodaje de la película se inició el 12 de marzo de 1958 y tuvo que ser interrumpido por un tiempo a causa del accidente de aviación que truncó la vida de Mike Tood, el entonces tercer marido de Elizabeth Taylor.

Hasta siempre!!!

Elizabeth Taylor

Los ojos de Hollywood

El pasado dia 23 en el hospital Cedars-Sinai, de Los Angeles, en donde llevaba ingresada dos meses por problemas cardiovasculares, falleció a la edad de 79 años Elizabeth Taylor la última diva de Hollywood.

Figura mítica de la historia del cine, Elizabeth Taylor consiguió lo que muy pocas estrellas de Hollywood han logrado: triunfar como actriz infantil, incrementar todavía más su popularidad en su juventud y mantenerse en la madurez. Lo consiguió gracias a su esfuerzo, a su fuerte carácter y a un espléndido físico que, durante un tiempo, le permitió ser una de las actrices más bellas del cine mundial.

Elizabeth Rosemond Taylor nació en la localidad inglesa de Hampstead Heath el 27 de febrero de 1932. Con apenas siete años de edad se trasladó con su familia a vivir a Pasadena (California), donde poco después la descubrió un cazatalentos del estudio Universal. Su carrera cinematográfica comenzó a los 10 años y se consagró sobre todo, , interviniendo en las típicas producciones de animales. Junto a la célebre perra Lassie protagonizó "La cadena invisible" ("Lassie Come Home"), su primer gran éxito, y "El coraje de Lassie" ("Courage of Lassie"). Otra película que le concedió una fama prematura fue "Fuego de juventud" ("National Velvet"), donde el verdadero protagonísmo recaía sobre un caballo. En sus dias de estrella infantil también destacó en "Alma rebelde" ("Jane Eyre"), una adaptación de la novela del mismo título, "Las rocas blancas de Dover" ("The White Cliffs of Dover"), y "Vivir con papá" ("Life with Father"), una comedia de enorme éxito en su dia. Con 17 años de edad Elizabeth afrontó un importante reto al abordar el papel de la orgullosa Amy de "Mujercitas" ("Little Women"), un popular drama que Mervyn Le Roy rodó para la Metro Goldwyn Mayer. La joven actriz estuvo magnífica y su belleza hechizó al público. Vicente Minnelli la mostró igualmente adorable en la simpática comedia "El padre de la novia" ("Father of the Birde"), cuyo éxito propició una rápida secuela titulada "El padre es abuelo" ("Father’s Little Dividend"). Antes de cumplir los 20 años el cine ya la había casado, cosa que en la vida real ya había hecho tres años antes con el millonario Nicky Hilton, primero de una interminable lista de maridos que la actriz fue coleccionando a lo largo de su vida.

Formando pareja con Montgomery Clifft, Liz protagonizó un claro éxito en el drama "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"), de George Stevens. Después, lució más belleza que talento en "Ivanhoe", "Beau Brummell", "La última vez que vi Paris" ("The Last Time I saw Paris") y "La senda de los elefantes" ("Elephant Walk"). Aunque muchos dudaban del verdadero potencial drámatico de la actriz, en la década de 1950 Elizabeth ya era uno de los personajes más populares y queridos de Hollywood. Quizá por eso, George Stevens le confió el papel principal femenino de "Gigante" ("Giant"), donde se midió nada menos que a Rock Hudson y James Dean. Tras hacer otra gran producción a su medida, "El árbol de la vida" ("Raintree County"), tuvo que mostrar todo el talento que guardaba en su interior al aceptar protagonizar dos versiones de sendas obras de Tennessee Williams: "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof") y "De repente, el último verano" ("Suddenley, Last Summer"). Además de estar en ambas deslumbrante, cumplió como gran actriz dramática, aunque la Academia norteamericana no se lo reconoció hasta que, poco después, hizo "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"), por la que si obtuvo un Oscar.

A comienzos de la década de 1960, Elizabeth Taylor se embarcó en el mayor proyecto de su carrera, encarnar a la mítica "Cleopatra". Para ello, el estudio Twentieh Century Fox le pagó una auténtica fortuna. El rodaje fue un auténtico infierno que se prolongó durante tres años, en los cuales ella sufrió diversas enfermedades e inició un escandaloso romance con su compañero de reparto Richard Burton. La pareja provocaba tanto morbo entre los espectadores que los productores se los disputaban para hacerlos aparecer juntos ante las cámaras, cosa que hicieron en "Hotel Internacional" ("The V.I.P.s"), "Castillos en la arena" ("The Sandpiper") y "¿Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?"), con la que ganó su segundo Oscar, entre otros titulos. Mientras seguía celebrando bodas y divorcios, su exultante belleza fue perdiendo brillo de forma precipitada. Tampoco sus siguientes apariciones en películas como "Reflejos en un ojo dorado" ("Reflections in a Golden Eye"), "La mujer maldita" ("Boom"), "El único juego de la ciudad" ("The Only Game in Town"), "Miércoles de ceniza" ("Ash Wednesday") o "El pájaro azul" ("The Blue Bird") tuvieron demasiado éxito. Elizabeth Taylor se retiró del cine a comienzos de la década de 1980, aunque aún realizó alguna aparición estelar en "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"), "El joven Toscanini" ("Il giovane Toscanini") y "Los picapiedra" ("The Flintstones").

"¿Para que sirve el dinero si no es para hacer un mundo mejor?"

Elizabeth Rosemond Taylor - Hampstead Heath (Inglaterra) - 27 - febrero - 1932 - Los Angeles (California) - 23 - marzo - 2011

¡DESCANSE EN PAZ!

Una estatuilla llamada Oscar (y3)

Y para poner punto y final a esta edicción de la entrega de los Oscar, hacer un comentario sobre las curiosidades y anécdotas de esta mítica película, que según el resultado de un gran sondeo realizado por el canal ABC entre cinéfilos norteamericanos dicen que "la mejor película de todos los tiempos", es: "Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind").

"Francamente, querida, me importa un bledo".

Si no es la película más vista de la historia, si es al menos la más conocida. La imágen de Vivien Leigh en brazos de Clark Gable constituye todo un símbolo de la historia del cine. Sobre "Lo que el viento sec llevó" ya se ha dicho de todo, se han escrito libros y se han rodado infinidad de documentales. Fue una producción muy aparatosa que, gracias a una rara mezcla de suerte y talento, culminó en una obra magistral e irrepetible del cine romántico.

El productor independiente David O. Selznick quería hacer una "gran" pelicula y, así, demostrar a los peces gordos de la industria de lo que era capaz. Desembolsando la estimable suma de 50.000 dólares, logró hacerse con los derechos de la novela romántica de Margaret Mitchell "Lo que el viento se llevó". La obra era ya todo un clásico con miles de seguidores, y el productor se propuso llevarla a la pantalla sin reparar en gastos. El principal reto que tuvo que afrontar fue el de seleccionar un reparto adecuado. Todos los amantes de la novela estaban de acuerdo en que Clark Gable era el Rhett Butler ideal, y también en que el galán romántico Leslie Howard hiciese el papel de Ashley. El verdadero problema era ponerle un rostro a la mítica Escarlata O’Hara. La búsqueda de la actriz que interpretara este papel fue una auténtica epopeya. Al principio, Selznick se lo tomó como un juego, que le servía para promocionar la producción. Pero al pasar el tiempo y no hallar la candidata idónea, este asunto casi se convirtió en una pesadilla. El 10 de diciembre de 1938 comenzó el rodaje de la película, con la secuencia del incendio de Atlanta. George Cukor fue quien dirigió estas primeras tomas, protagonizadas por dobles. Y Vivien Leigh consuiguió el papel de Escarlata poco después de iniciarse el trabajo. El rodaje de "Lo que el viento se llevó" fue todo una peripecia en la que participó la mitad de Hollywood. El puesto de director lo ocuparon sucesivamente Cukor, Sam Wood y Victor Fleming quien hizo el mayor número de tomas. También hubo un importante baile de operadores, puesto que Selznick había decidido emplear el novedoso sistema del Technicolor, que trajo de cabeza a los directores de fotografía. Los números de la producción fueron espectaculares: participaron 59 actores, 2.400 extras, y se emplearon cerca de 1.500 animales se diseñaron un total de 200 decorados distintos, de los cuales se llegaron a construir 90, y se confeccionaron 5.500 trajes. Después de infinitas horas de rodaje y con un coste próximo a los cuatro millones de dólares, la película llegó a su fin.

David O. Selznick preparó su estreno por todo lo alto en el Teatro Loew de Atlanta. El 15 de diciembre de 1939 se desplazaron hasta allí todas las estrellas de la película. La fiesta fue grandiosa, al igual que la respuesta del público. A pesar de su larga duración, "Lo que el viento se llevó" arrasó. El público enloqueció lloraba y reia de felicidad, acompañando a Escarlata por Tara y disfrutando de la melodía compuesta por Max Steiner. Como no podía ser de otra manera, la película también protagonizó la gala de los Oscar. De 13 nominaciones consiguió ocho estatuillas, entre las que figuraba la de mejor película.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

Y, bueno... se que todos los años digo lo mismo que, siguiendo la fiesta de esta cada vez más anciana pero eso si más roja "alfombra", comentar una película y por supuesto oscarizada pero este año y siguiendo los consejos de unos buenos amigos, quiero comentar quizá la película que más tinta ha vertido en la historia del séptimo arte, esta es:

"Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind"-1939)

"A Dios pongo por testigo que no podrán derribarme. Sobreviviré, y cuanto todo haya pasado, nunca volveré a pasar hambre, ni yo ni ninguno de los mios. Aunque tenga que mentir, robar, mendigar o matar, ¡a Dios pongo por testigo que nunca volveré a pasar hambre"...

Inmensa  película, si señor, el icono del cine universal, y una de esas grandes historias que el mundo del cine nos regala una vez cada cien años. Porque todo es grandioso en esta excelsa obra de casi cuatro horas de cine de leyenda.

"Lo que el viento se llevó", está basada en una novela de la escritora norteamericana nacida en Atlanta, Margaret Mitchell, la cual la escribió basando sus conocimientos enciclopédicos sobre la Guerra de Secesión. Y llevada al cine gracias a uno de los hombres más poderosos y prestigiosos de Hollywood, como fue el productor David O. Selznick.

Selznick de principio contó para llevar a cargo la película con el director Sam Wood "Una noche en la ópera" ("A Night at the Opera"), pero al no estar de acuerdo con sus principios fue sustituido por George Cukor "My Fair Lady" que rodó la mayoría de las escenas realmente grandes de la primera mitad de la historia. Pero como al igual que con Wood fue despedido, y al final la película la terminó y firmó Victor Fleming "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz") un consumado cineasta nacido en California que entró en el mundillo del cine de forma casual, ya que era el chófer del director Allan Dwan "Arenas sangrientas" ("Sands of Iwo Jima") y este le convenció para ponerse detrás de las cámaras como ayudante de D.W. Griffith en la colosal "Intolerancia" ("Intolerance") una de las películas más costosas de la historia del cine.

Asi pues, Fleming nos embarca de pleno a una epopeya sureña que abarca desde la pre-guerra civil norteamericana hasta los dificiles tiempos de la pos-guerra, y metiéndonos en el cuerpo de unos personajes cuyos vaivenes sentimentales, sociales y económicos vamos viendo como digo a través de los más de 220 minutos de duracción de esta legendaria y épica película ya marcada con letras de oro en la historia del séptimo arte...

La mayoría de las escenas son realmente enormes, puesto que toda la película es arrolladora y se encuentran como las más emblemáticas de la historia del cine universal: la huida a través del incendio de Atlanta... la de la protagonísta femenina caminando entre los heridos de esa estación de tren bajo esa bandera confederada ya totalmente derrotada... escenas sublimes, escenas que de verdad hacen que a uno se le ponga la carne de gallina.

Impresionante la fotografía en technicolor (y en donde a raiz de aqui este sistema se impuso a escala mundial), llevado a cargo por tres sobresalientes maestros fotográficos como fueron el californiano Ernest Haller "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause") uno de los pioneros del cine independiente, y en donde llegó a trabajar en más de doscientas películas, el segundo fué Ray Rennhan "Sangre y arena" ("Blood and Sand"-1941) nacido en Las Vegas y uno de los únicos seis directores de fotografía que tiene una estrella en el Hollywood Walk of Fame, y el tercero (aunque no acabó la pelicula) fue Lee Garnes nacido en Illinios con un Oscar en su haber por su trabajo en "El expreso de Shanghai" ("Shanghai Express"). Y como era de esperar entre este trio de gigantes de la fotografía lograron plasmar para la película unas imágenes de una belleza irrepetible a la vez increiblemente impactantes, gracias al retoceso de cámara por ellos inventado y creando unas sombras verdaderamente prodigiosas gracias también al espléndido technicolor que usaron, dando un tono pastel para los vestuarios y un rojo encendido para las escenas de pasión.

Atronadora y soberbia la banda sonora llevada bajo la dirección de un hombre que está considerado como el padre de la sinfonía clásica hablo del austriaco de nacimiento y norteamericano de adopción Max Steiner "El delator" ("The Inforner"), y aqui de verdad se produjo una de las mayores injusticias a la hora de repartir el Oscar, ya que el inmenso esfuerzo y el gran talento desplegado por este hombre en esta monumental partitura no fue reconocido por los jerarcas de la escuela, el tema de "Tara" el de la tierra roja, donde se escucha a lo largo de los momentos culminantes de la película y cuyas cuatro notas son uno de los símbolos más vivos e imperecederos de la historia del cine. Inmeso Steiner. Inmenso y sin Oscar.

Como inmensos son los actores que dieron vida a esta enorme historia encabezada por Vivien Leigh "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire") metida en el corazón de Escarlata O’Hara, una mujer veleidosa de principio para después convertirse en dura como una roca, una mujer encaprichada de un amor imposible, que más tarde se casa por despecho con hombres débiles de carácter solamente por mantener en pie aquel juramento que se hizo de que nunca pasaría en la vida hambre. Y con ella durante toda la historia Clark Gable "Sucedió una noche" ("It Happened One Night") como el carismático, vividor y mujeriego Reth Buttler, un hombre por el que Escarlata se siente atraida mientras la guerra pone punto y final al estilo de vida de la gente del Sur, un hombre que es el único capaz de poner en su sitio su egoista desesperación.

Y con esta pareja de monstruos sagrados, otra pareja más, ella: Olivia de Havilland "No serás un extraño" ("Not As a Stranger") como la dulce y triste Melania Hamilton, prima de Escarlata y una mujer que es la encarnación de la bondad, y para más amargura de esta (ya que está celosa de ella por estar casada con el hombre al que realmente ama) permanecerá a su lado en lo bueno y en lo malo. El: Leslie Howard "La pimpinela escarlata" ("The Scarlet Pimpernel") metido en el uniforme conferderado de Ashley Wilkes el amor imposible de Escarlata y el marido fiel de Melania.

Pero atención porque también cuenta con unos secundarios de auténtico lujazo como Thomas Mitchell "La diligencia" ("Stagecoach") en el papel de Gerald O’Hara el padre de Escarlata, y de Hattie McDaniel "La pequeña coronela" ("The Little Colonel") dando vida a Mammy, la buena, vivaz y solidaria criada negra de la protagonísta.

En definitiva. Una obra maestra se mire por donde se mire, y todo un monumento a la historia del séptimo arte, porque al cabo de más de setenta años de su realización todavía tiene derecho a ser considerada la última palabra del cine de Hollywood.   Matrícula de Honor.

"Lo que el viento se llevó", logró los siguientes Oscar en el año 1939. Mejor película, Mejor director, Mejor actriz (Vivien Leigh), mejor actriz secundaria (Hattie McDaniel), Mejor guión adaptado (Sidney Howard), Mejor fotografía en color (Ernest Haller y Ray Rennahan), Mejor dirección artística (Lyle Wheeler) y Mejor montaje (Hal C. Kern y James Newcom).

Como curiosidad Hattie McDaniel se convirtió en la primera actriz color en recibir el Oscar.