Gilda ("Nunca hubo una mujer como Gilda.")

  "¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo."

  Como "Casablanca", "Gilda" fue una obra magistral que surgió de la improvisación. El estudio Columbia había comprado los derechos de una historia de E. A. Ellington que sirvió de base a la película. Pero cuando Charles Vidor comenzó a rodar, el guión no estaba ni siquiera terminado. Tanto el cineasta como el ya veterano deirector de fotografía Rudolph Maté tuvieron que improvisar muchas escenas, mientras varios guionístas intentaban escribir al menos dos páginas de guión al dia. Rita Hayworth se hizo con el papel principal sin llegar a imaginarse que sería el personaje que marcaría el resto de su carrera. La acompañaron dos actores no excesivamente populares, Glenn Ford y George MacReady. Y, aunque la acción de la historia se desarrollaba en Buenos Aires, ellos no salieron de los estudios de Columbia. el trabajo fue relativamente sencillo, aunque existieron pequeños incidentes.

  Rita, que ya estaba separada de Orson Welles, comenzó un apasionado romance con Glenn Ford. El dueño y señor del estudio, Harry Cohn, comenzó a sospechar que ocurría algo entre ellos y ordenó instalar en sus camerinos micrófonos ocultos para averiguar si aprovechaban los descansos del rodaje para mantener relaciones sexuales. El coreógrafo Jack Cole se encargó de preparar las sensuales actuaciones de Rita Hayworth, mientras que la cantante Anita Ellis le dobló la voz. En estas escenas, así como a lo largo de toda la película, Charles Vidor creó unas imágenes de un erotísmo, tan elegante como turbador, que no tardaría en crear un auténtico escándalo en casi todo el mundo. "Nunca hubo una mujer como Gilda" fue la frase comercial que se empleó para lanzar la película. El éxito fue espectacular. El mismo Cohn se quedó perplejo del buen resultado de la película. Con "Gilda" ocurrió algo poco común y es que se convirtió en un auténtico fenómeno social, hasta el punto que se montó una expedición a los Andes para enterrar en la cumbre una copia del largometraje con la intención de que sobreviviese en caso de una guerra atómica.

  Los temas musicales interpretados en "Gilda" (el sugerente "Put the Blame on Mame" y "Amado mio"), pasaron a ser éxitos indispensables en cualquier sala de fiestas que se preciase. No cabe duda de que el máximo gancho de la película fue Rita Hayworth, fotografiada más hermosa que nunca por Maté. La secuencia en la que se quita el guante y la posterior bofetada pasaron a convertirse en dos de los momentos clásicos de la historia del cine. En su época resultaron tremendamente provocativos y pusieron los pelos de punta a los sectores más conservadores de la sociedad. En España el "fenómeno" Gilda dividió de nuevo al pais. Por un lado, ciertos espectadores disfrutaban incrédulos ante la hermosura de aquella mujer, poco acostumbrados a tener oportunidades de ese tipo por la "cruzada moral" del régimen franquísta; por otro, los más conservadores se rasgaban las vestiduras ante tal "indecencia", llegando en algunos casos a acusar de "pecadores" a los que asistían a la proyección e incluso a apedrear las salas que la exhibían. El escándalo fue de tal dimensión que hasta propició el nacimiento de la Oficina nacional clasificadora de espectáculos, encargada de velar por el cumplimiento de los dictados católicos y patrióticos. El impacto que la obra de Vidor tuvo sobre la sociedad española quedó reflejado en la película de Francisco Regueiro "Madregilda".

 

Yo bailaba en Nueva York

¿Y tu novio también es de...?

¡Ese no es mi novio!

Pues la expresión de su cara dice que le gustaría serlo.

   

 

 

 

Gilda (1946)

  Gilda: Tú me odias, ¿verdad?

   Johnny: No tienes idea hasta que punto.

   Gilda: El odio es una emoción muy intensa, ¿no lo has notado?. Muy intensa.

   Yo también te odio. De tal modo...que creo que voy a morir, cariño. Creo que voy a morir de odio.

  Mítica película de género negro y en donde un guante, una canción y sobre todo un bofetón, hicieron de ella todo un icono del cine universal.

  "Gilda" cuenta con un guión del norteamericano Marion Parsonnet "Odio y orgullo" ("My Forbidden Past") un escritor nacido en Nueva Jersey con muy pocas películas en su historial, puesto que donde más destacó fue en la televisión teniendo en su haber varios episodios de la multifamosa serie "Bonanza".

  El encargado de dirigir la historia fue Charles Vidor "El cisne" ("The Swan"), un director con una carrera irregular, nacido en Budapest y que al igual que algunos de sus colegas como Michael Curtiz y Alexander Korda formaron una nutrida comunidad húngara en Hollywod en la década de los años veinte.

  Asi pues, Vidor nos cuenta una historia magistral, una historia que surgió según dicen de la improvisación, pero que se conviertió en una película imprescindible. La acción nos lleva a Argentina, concretamente a Buenos Aires a finales de la II Guerra Mundial, para meternos de lleno en las conflictivas relaciones entre el propietario de un lujoso casino que sirve de tapadera a las actividades de un grupo nazi, su atractiva mujer, y su antiguo amante y al mismo tiempo el nuevo empleado del casino...

  Magistral película, si señor, y todo un icono del cine negro americano. Una película que ya forma parte por derecho propio de estar en la galería de obras maestras. Cuenta con escenas sublimes y jamás olvidadas por cualquier buen aficionado al cine, la famosa escena de la bofetada, el "striptease" de la protagonísta femenina, escenas de por si, escritas con letras de oro en las enciclopedias del cine mundial. Y que diálogos ¡vive Dios!. "Si fuera un rancho me llamaría Tierra de Nadie". "Las estadísticas demuestran que hay más mujeres en el mundo que cualquier otra...cosa". Diálogos de acero puro, diálogos para la historia.

  Como historia hicieron sus dos protagonístas principales: Rita Hayworth "Salomé" y Glenn Ford "Los cuatro jinetes del Apocalípsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse". Rita es Gilda, y Rita es sin duda la película, donde interpretó un personaje maravilloso, un personaje que le marcó de por vida. Nunca hubo ni habrá otra mujer en el cine como ella, porque está inmensa, y de una belleza extraordinaria. Creando un personaje de gran carácter, haciendo y deshaciendo todo a su antojo. Tiene lo que quiere en cada momento, y lo que es más, no parece tener remordimiento alguno a su mala conciencia. Un personaje de verdad dificil de asimilar, porque amigos mios, yo creo que Dios fué el que creó a Gilda.

  Gleen es Johnny Farrell, un tipo duro y apostador que parece incómodo bajo su traje, un aventurero en suma que toda su vida la ha dedicado a hacer trampas en el juego, y al final logra convertirse en el director de un casino de Buenos Aires, pero eso si, siempre vigilado por un tercer personaje. Este es George MacReady "Senderos de gloria" ("Paths of Glory") como Ballin Mundson el marido de Gilda y el dueño del casino, todo un cerebro de rostro impenetrable que lleva un bastón con estilete, y al que le gusta espiar a sus clientes y socios desde una habitación en la sala de apuestas. Los tres formando un triángulo amoroso haciendo avanzar aún más la trama.

  Una extraordinaria trama fotografiada magistralmente en blanco y negro por Rudolph Maté "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"), un reconocido director de cine y fotografía nacido en Hungría, y en donde desarrolló una cómoda andadura dentro del cine norteamericano a partir de la segunda mitad de la década de los años cuarenta. Con cerca de una treintena de títulos, y en esta soberbia historia creando unos fotogramas de verdadero maestro, porque será muy difícil que nadie pueda hacer un trabajo fotográfico tan asombroso con una actriz, como lo hizo este cineasta, plasmando las imágenes con una belleza tan excepcional como arrasadora.

  Y arrasadora es la música creada por el compositor estadounidense nacido en San Francisco, Hugo Friedhofer "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"), un compositor que comenzó a tocar el violonchelo a los 13 años de edad y acabando como uno de los grandes violonchelistas de la Orquesta Sinfónica Popular de California. Y aquí insertando fragmentos orquestales de factura vanguardista y aportando dos versiones exclusivamentes hechas para la Hayworth, una "Put Blame On Mame", una canción original donde Rita inicia un sugerente "striptease", la otra "Amado mio", un tema de época, el cual canta al final, sentada en la barra del bar y acompañada de una guitarra, repite esta vez con su propia voz, la otra fue doblada por la cantante canadiense Anita Ellis.

  En fin, una de las obras míticas del cine más renombradas, que sigue manteniéndose viva pese al paso del tiempo, haciendo de esto que no haya perdido ni un ápice de su encanto, sino más bien que lo ha ido adquiriendo con el paso de los años. Porque nunca hubo una mujer, como Gilda o lo que es igual, como Rita.  Matrícula de Honor.

  A modo de curiosidad, la crítica recibió escandalizada la película y se produjeron muchas anécdotas, sobre todo en la España de Franco, como la de pintar los enormes carteles que colgaban de los cines con la figura de la actriz alegando la inmoralidad del vestido de la misma, que enseñaba más que tapaba.

 

 

 

Guerra y paz (War and Peace - 1956)

     "Lo más dificil pero esencial es amar la vida, amarla aún cuando se sufre, porque la vida lo es todo. La vida es Dios y amar la vida significa amar a Dios."

  Magnífica película y todo un clásico del cine histórico basada en una novela del genial escritor ruso León Tolstói "Ana Karenina", Tolstói está considerado como uno de los más grandes autores del realísmo de todos los tiempos.

  "Guerra y paz" cuenta con un guión elaborado por Bridget Boland "El prisionero" ("The Prisioner") Mario Camerini "Ulises" ("Ulisse") y Robert Westerby "Fuego sobre Africa" ("Fire Over Africa"). El primero un escritor nacido en Londres y quizá el menos conocido de los tres, pero no por ello cuenta con unos buenos guiones de películas en su haber. De segundo nos encontramos ante un cineasta nacido en Roma, más conocido como realizador que por escritor. Y por último al también inglés nacido en Londres escritor de novelas y célebre guionísta tanto de cine como de televisión.

  La historia nos la cuenta King Vidor "La pradera sin ley" ("Man Without a Star") un gran director nacido en Texas de origen húngaro, cinco veces nominado y mundialmente famoso por haber dirigido "Aleluya" ("Hallelujah!") la primera película sonora de la historia del cine.

  Vidor pues, nos lleva al año 1805 para meternos de lleno en la nobleza rusa, es el año en que Napoleón amenaza con invadir Rusia. Empieza así una larga guerra que pondrá a prueba el valor de esas familias nobles y aburguesadas más acostumbradas a la vida ociosa que a la vida bélica...

  Una buena película, si señor, aunque a decir verdad no de lo mejor del gran Vidor, pero para mí es de sobresaliente, porque el texano supo adapatar la novela con gran maestría, puesto que creo que era una tarea bastante complicada. La historia la podiamos clasificar en dos partes muy diferentes: la romántica y la histórica, la primera ambientada en la Rusia burguesa y la segunda con la guerra entre rusos y franceses como fondo. Cuenta con extraordinarias escenas, puesto que sus 200 minutos de duracción dan para todo, y en donde yo destacaría las escenas de masas todas ellas logradas con un gran realísmo.

  Escenas fotografiadas en un suntuoso color por el inglés Jack Cardiff "La reina de Africa" ("The African Queen"), uno de los pioneros del technicolor y galardonado con un Oscar honorario por su contribución al cine. Y en este drama de época moviéndose con la cámara entre las fastuosas escenas de baile y las enormes reconstrucciones de batallas, y además sacando todo el partido posible al formato VistaVisión.

  Bellísima la banda sonora llevada a cabo por el siempre eterno Nino Rota "El padrino" ("The Godfather"), y aquí creando un amplio repertorio sinfónico, lo cual yo destacaría por un lado los temas dramáticos en escenas como: "The battle of Austerlitz" ("La batalla de Austeritz") y "Exodus from Moscow" ("Huida desde Moscú") y por el otro, las melodias románticas centradas en el "Tema de Natasha", "Andrei y Natasha" y la famosa "Natasha’s Waltz" ("El vals de Natasha") para la impresionante escena del gran baile. A destacar también la pequeña sinfonía "The hunt" ("La caza"). Inmenso aquí el maestro milanés (como siempre) creando un estilo dentro de la tonalidad, muy acorde con su don innato de compositor de bandas sonoras cinematográficas.

  Excepcional el reparto de actores elegidos por el gran King Vidor. Con una bellísima Audrey Hepburn "Historia de una monja" ("The Nun’s Story") en el papel de Natasha, una joven guapa y simpática, descendiente de una aristocrática familia, aunque sus riquezas han tocado fondo, Henry Fonda "Fort Apache", como el conde Pierre Bezukov, heredero de una inmensa fortuna, pero con muchos problemas en la sociedad rusa, y Mel Ferrer "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table") metido en el personaje del principe Andrei, un hombre inteligente y erudito, aunque sumamente descontento de todo y de todos. Esto podriamos decir son los tres personajes centrales de la historia.

  Pero Vidor no se quiso quedar atrás para también poner de protagonístas a Vittorio Gassman "La escapada" ("Il sorpasso") en un papel a su medida el de Anatol Kuragin un donjuan canallesco, como digo un personaje que le va como anillo al dedo, John Mills "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"), Anita Ekberg "La dolce vita", May Britt "El baile de los malditos" ("The Young Lions"), Herbert Lom "El quinteto de la muerte" ("The Ladykillers") dando vida a Napoleón Bonaparte, quizá para mi, el personaje menos creible, pero no por ello deja de hacer un gran trabajo este excepcional actor británico.

  En definitiva, una intensa historia histórico-dramática repleta de aventuras espectaculares, intrigas emocionantes y un trágico romance, cuyo fondo es la invasión de Rusia por parte de las tropas napoleónicas.  Sobresaliente.

  "Guerra y paz" estuvo nominada en los siguientes apartados: Mejor director, fotografía en color y vestuario en color (Maria De Matteis).

  Como curiosidad Audrey Hepburn y Mel Ferrer eran marido y mujer en la realidad, ya que estuvieron casados desde 1954 hasta 1968.

 

Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti - 1965)

   Esposa busca fantasmas para saber la verdad...

  Genial película de género dramático y toda una bella fantasía surrealísta onírica y a la vez psiconalítica dirigida por el también genial Federico Fellini, "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria").

  "Giulietta de los espíritus" cuenta con un guión de los italianos Tullio Pinelli, "Fellini, ocho y medio" ("Otto e mezzo") uno de los más conocido guionístas del cine italiano, nacido en Turin,  aunque sus comienzos los inició como abogado, tiempo después se asoció con Fellini y Roberto Rosselini, ayudado pues con Ennio Flaiano, "La noche" ("La notte") un también excelente escritor nacido en Pescara, aunque toda su carrera la desarrolló en Roma, en España se dió a conocer gracias a Luis García Berlanga que lo contrató para escribir el guión de "Calabuch". Y como tercer guionísta no podría faltar el de siempre  Federico Fellini (claro está), puesto que en la mayoría de sus películas (por no decir de todas) colabora en los guiones.

  Fellini pues, un hombre que no necesita presentación alguna, un director nacido en Rimini y considerado como uno de los protagonístas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro Oscar y galardonado en 1993 con otro honorífico, y nos cuenta aquí, en su primera película en color, una historia verdaderamente admirable: la vida de Giulietta Boldrini, una mujer que duda de la fidelidad y del amor de su marido, y esto le hace de acudir a sesiones espiritístas para buscar un consejo, o una verdad que le permita reconocer que aún siente cariño de su marido...

  No nos encontramos ante lo mejor del maestro de Rimini. Pero aún así, es una película entrañable y deliciosa, y además con uno de los aspectos más extraordinarios, ya que la historia es de una absoluta modernidad, si amigos mios, ya que, esos rostros, esas indumentarias y esas actitudes de los personajes, nunca parecen transnochadas. Porque la película se adelanta al tiempo, a su época mejor dicho, y es que Fellini ya había asimilado, y exagerado con afecto, las modas místicas de la era pop que florecían de aquella "nueva ola".

  Formidable la fotografía en color, llevada genialmente por uno de los directores más importantes de la fotografía en la época dorada del cine italiano, hablo de Gianni Di Vencuzo "Mujeres en Venecia" ("The Honey Pot"), un hombre fallecido prematuramente a la edad de 45 años (falleció en un accidente automovilístico), pero en su filmografía cuenta con verdaderas obras maestras, y aquí en esta primera película de Fellini en color, manejando la cámara como si fuese un ojo errático, pareciendo a veces extraviarse con sus incesantes entradas y salidas del cuadro, genial como digo la fotografía de este cineaste nacido en Teramo y fallecido en Roma..

  Correctísima la banda sonora a cargo de un hombre, que ya de por si, es todo un icono en la musica del cine universal, cómo lo fue, el oscarizado Nino Rota. "El gatopardo" ("Il Gattopardo"), como muestra, un compositor altamente dotado, nacido en Milán, profesor del Liceo Musical de Beri del que llegaría a ser director, y desarrollándo una doble carrera como compositor de bandas sonoras para el cine, y compositor de música clásica. Y en esta historia de espíritus y fantasmas ofreciéndonos unas estupendas partituras, dando así a la historia una ambientación llena de ritmo y armonía.

  Y el plato fuerte, la maravillosa interpretación de Giulietta Masina "La Strada", mujer y musa del gran Fellini, impresionante el papel de la "pequeña" Masina, metida en un personaje de universo onírico y surrealísta, esa Giulietta que se resiste a admitir que el amor de su marido que la profesa, ya forma parte de sus fantasías y que no duda en refugiarse en sus recuerdos y en las presencias y mensajes de sus seres queridos, ya estén vivos o muertos. Inmensa, si señor.

  Y con ella, todo un magnífico elenco de estrellas del cine italiano como: Sandra Milo, "El general de la Rovere" ("Il generale della Rovere"), en el papel de Suzy, una nociva mujer que solamente vive para el amor, Valentina Cortese, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contessa") dando vida a Valentina, y Mario Pisu, "La enfermera" ("L’Infermiera") metido en la piel de Giorgio el esposo de Giulietta, y atención a nustro José Luis de Vilallonga (Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s") como José el huésped español de Giorgio.

  Resumiendo, una gran película, puede que no sea la mejor de Fellini, pero si que nos encontramos ante una fascinante historia, densa, compleja y llena de claves y misterios. Porque nada es lo que parece, pero todo significa algo.  Sobresaliente.

  "Giulietta de los espíritus", estuvo nominada en el apartado de Mejor Vestuario (Piero Gherardi).

  "Giullietta es mi intérprete ideal, mi inspiradora, una presencia mágica en mi trabajo".

                                            (Federico Fellini)

 

Grease (1978)

   "Mis padres quieren conocerte, ¿por qué no te pasas por mi casa a tomar té?"."No me gusta el té". "Bueno, pues tómate otra cosa". "No me gustan los padres"...

  Entretenida película de género músical que, aunque sin llegar a ser una obra maestra ni mucho menos, supuso para la juventud de los años setenta todo un revulsivo, gracias a la fama conseguida un año antes por su protagonísta masculino con la famosa "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever").

  "Grease" es una adaptación músical de Broadway escrita por los compositores norteamericanos Jim Jacobs "Rumores y mentiras" ("Easy A") y Warren Casey "Cariño estoy hecho un perro" ("The Shaggy Dog"), el primero nacido en Chicago y el segundo en Nueva York. Y puesta en escena gracias a un guión del escritor nacido en Alabama, Bronte Woodard "¡Que no pare la música!" ("Can’t the Music"), un hombre quizá muy poco conocido puesto que murió de SIDA a los 39 años de edad y esta película es creo la más conocida por la mayoría del público.

  La dirección le fué encargada a Randal Kleiser (haciendo aqui su debut) "Cariño, he agrandado al niño" ("Honey, I Blew Up the Kid"), un cineasta nacido en Philadelphia graduado en la USC Film School, y en donde sus primeros comienzos fueron dirigiendo episodios para la televisión, algunos tan famosos cóm "Starky & Hutch", pero fue con esta ópera prima donde dió el verdadero dó de pecho y el que lo catapultó a la fama mundial.

  La historia nos traslada a los meses de julio y agosto de 1959, para meternos de lleno en las vidas de Danny y Sandy, donde un buen dia se conocen en la playa y terminan un perfecto romance. Pero pronto llega el primer lunes de septiembre y ambos deben retornar a sus diferentes colegios, cada uno pensando erroneamente que esto es el fin de su amor. Pero al regresar al instituto vuelven a encontrarse de manera sospresiva, y...

  Como digo una entretenida película musical, bastante divertida y con algunas canciones verdaderamente sugestivas ambientadas como no, en los años cincuenta. Si tengo también que decir que fue uno de los títulos más taquilleros de los años setenta, aunque mucho de esto se lo debe a su pareja protagonísta, una pareja destilando química por todos sus poros. Cuenta con estupendas escenas y en donde yo destacaría la gran carrera de coches Thunder Road al estilo de "Ben-Hur" (si ya se que todas las comparaciones son odiosas), y otra a tomar en cuenta, viendo al protagonísta masculino cantar las penas de su corazón en un auto-cine, mientras detrás de la pantalla bailan unos "perritos calientes" en una película de dibujos animados.

  Magnífica eso si, la banda sonora llevada bajo la dirección de dos musicos y cantautores de fama universal, me refiero al australiano nacido en Melbourne John Farrar "Xanadu", un hombre principalmente conocido por todo su trabajo junto a Olivia Newton-John, y por haber sido uno de los miembros del famoso grupo instrumental británico The Shadows, y como colaborador al inglés nacido en Manchester, Barry Gibb "El indomable Will Hunting" ("Good Will Hunting") un compositor considerado como uno de los más grandes del género popular en el siglo XX, puesto que junto con sus hermanos Robin y Maurice formó el mítico conjunto Bee Gees, y como digo logrando entre estos dos legendarios monstruos de la musica pop, una banda sonora sumamente vibrante y más que pegadiza, destacando la popular "Summer nights" ("Noches de verano") y por supuesto "Grased lightning" ("Relámpago"), pero que el resto de los temas no les van a la zaga, una banda sonora de verdad, rayando a un alto nivel.

  Y, bailando y cantando, nos encontramos en este músical a un "canijo" John Travolta "La hija del general" ("The General’s Daughter") como Danny ese rockero que durante un verano se enamora locamente de una chica, para luego después retornar a la realidad escolar, y a su imágen fria, con cazadora de cuero y como jefe de los "Thunderbirds". Sus amigos pues, están ansiosos por oirle y saber como lo ha pasado. Y lo ha pasado junto a la guapísima y pizpireta Olivia Newton-John, "Fiesta de despedida" ("It’s my Party") metiéndose en el cuerpo de Sandy, esa carismática joven enamorada de Danny, que una vez acabado el verano debe de volver con su familia a Australia y pensando que nunca más se van a volver a ver. Muy bien los dos, haciendo una pareja perfecta, una pareja a los que muchos les gustaría imitar.

  Y, dándoles buena réplica en este verano del 59, podemos ver al recientemente fallecido (27-V-11) Jeff Canaway "El banquero" ("The Banker") en el papel de Kenickie el mejor amigo de Danny, y sin olvidarnos ni mucho menos de Eva Arden "Anatomía de un asesinato" ("Anatomy of a Murder") como McGee la directora del instituto, Sid Caesar "Aeropuerto 75" ("Airport 1975") a Stockard Channing "Siete dias una vida" ("Life or Something Like I’t") en el papel de Rizzo, y hasta a Joan Blondell "Noche de violencia ("Ride Beyond Vengance") y Frankie Avalon "El Alamo" ("The Alamo") de John Wayne. Todos pues perfectos y en sus repectivos puestos de "baile", tanto los jóvenes como los veteranos.

  Magnífica fotografía en un color muy "brillante" supervisada por Bill Butler "Tiburón" ("Jaws"), un consumado director fotográfico nacido en Colorado, con más de medio centenar de películas en su historial, amén de los trabajos en series para la televisión, y aquí recreandose a la perfección sobre todo en los interiores con unos decorados impresionantes y coloristas a la vez de los años cincuenta.

  En definitiva, una entretenida comedia romántico-musical, que yo creo que merece la pena de ser vista, porque todo hay que decirlo, marcó una época en el cine, y a partir de aquí que cada uno-a, saque sus propias conclusiones.  Notable.

  "Grease" estuvo nominada a la mejor canción "Hopelessy devoted to you" ("Locamente enamorada de ti") (John Farrar).

  En 1982 Patrice Birch realizó digamos que una segunda parte con el título de "Grease 2", con Michelle Pfeiffer y Maxwell Caulfied como pareja protagonista, y a decir verdad fue mala, pero mala de solemnidad.

  A modo de curiosidad Olivia Newton-John en 1974 representó a Inglaterra en el Festival de Eurovisión con la canción "Long Live Love" ("Mucho tiempo viví el amor") quedando en cuarta posición, el ganador fue el conjunto sueco ABBA con "Waterloo".

 

Gandhi (1982)

   "Podrán torturar mi cuerpo, romper mis huesos e incluso matarme. Así, obtendrán mi cadáver. No mi obediencia".

  Soberbia película y soberbia recreacción de la vida y obra de una de las figuras más destacables del pasado siglo como fue Mahatma Gandhi (1869-1948).

  "Gandhi" cuenta con un guión del escritor norteamericano nacido en Michigan John Briley "Cristóbal Colón: el descubrimiento" ("Cristopher Columbus: The Discovery"), un hombre más conocido en el ámbito cinematográfico por escribir guiones de películas de corte biográfico, aunque además de guiones para el cine, también lo ha hecho para la televisión y el teatro e incluso ha publicado alguna novela.

   Pero el verdadero padre de esta monumental biografía fue el prolífico actor, director y productor inglés nacido en Cambridge, Richard Attenborough "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"). Attenborough siempre dijo que nunca quiso ser director en absoluto, que solamente quería dirigir esta película, y concibió el proyecto en 1962, su inspiración en particular fue la máxima de Gandhi: "Siempre ha sido un misterio para mi que los hombres puedan sentirse honrados por la humillación de sus semejantes".

  La película comienza con el asesinato y los funerales de Gandhi en 1948, para luego retroceder hasta sus comienzos como joven abogado que protestó contra la discriminación racial en Africa del Sur en 1893. Y a partir de este momento vamos viendo los principales hitos biográficos de su lucha contra la dominación imperial británica a favor de una sociedad y una cultura integradas en la India...

  Soberbia película como digo, y además también sirviendo de un magnífico y valioso documento histórico donde nos muestra y nos da a entender el genial Attenborough el tortuoso proceso de independencia de la India. Una película que si ya de por sí es visualmente excelente, la historia lo es mucho más. Una película para mi, verdaderamente hermosa y por supuesto para todo aquel que aprecie el buen cine. Cuenta como es de esperar con escenas llenas de gran belleza y otra de verdadero escalofrio, como por ejemplo la de la matanza de Amristsar y de otras para el recuerdo como la de Gandhi cuando es expulsado del tren, y que decir la de su funeral, escenas para recordar, escenas míticas de esta película que es todo un monumental homenaje a un hombre que luchó por la paz hasta el fin de sus dias. Y que voy a decir de sus aleccionadores diálogos, diálogos conmovedores cito por ejemplo: "Cien mil británicos, no pueden obligar a trescientos millones de indios, a colaborar con las autoridades, si estos se niegan a hacerlo". "Con tomarse ojo por ojo solamente conseguirán que todo el mundo se quede ciego".

  Magistral la fotografía en color (gran parte de la acción se rodó en lugares históricos, algunos de ellos por ejemplo en la auténtica población natal de Gandhi, en Porbandar), y en donde tanto el inglés nacido en Londres Billy Williams "El viento y el león" ("The Wind and the Lion") como su compatriota Ronnie Taylor "Melodía de seducción" ("Sea of Love"), pusieron toda la carne en el asador para plasmarnos a lo largo de 188 minutos, unas imágenes sensacionales.

  Como sensacional es la banda sonora (aunque para mi, quizá sea lo más endeble de esta monumental historia) pero que de verdad no deja de ser magnífica, puesto que por un lado Ravi Shankar "Charly" uno de los músicos hindues más importantes de la historia y super-conocido por su asociación con The Beatles y por el otro lado el inglés George Fenton "Las amistades peligrosas" ("Dangerous Liaisons") un compositor especialmente famoso por ser el autor de las bandas sonoras más conocidas de la historia del cine y la televisión, con más de setenta trabajos en su historial. Asi pues la colaboración entre ambos fue armónica y equilibrada, con un resultado brillante, tengo que destacar "Discovery of India" ("El descubrimiento de la India") un fragmento fascinante que acompaña el descubrimiento de la India por parte de Gandhi desde la ventanilla de un tren a su regreso de Africa del Sur.

  Attenborough de inicio pensó en varios actores de élite para interpretar al personaje principal, entre ellos se encontraban Alec Guinness, Dirk Bogarde, Peter Finch, Albert Finney, Tom Courtenay, Rober De Niro, Dustin Hoffman, John Hurt y Richard Burton, pero al final optó por uno practicamente desconocido Ben Kingsley "La muerte y la doncella" ("Death and the Maiden") un actor que tenía la ventaja de los rasgos faciales que había heredado de su padre, que era indio. Y Kingsley se entregó en cuerpo y alma al papel, perdió peso, practicó yoga, aprendió a hilar el algodón e hizo un valeroso intento de vivir de acuerdo con el ejemplo de Gandhi.

  Si señor.  Inmeso Ben Kingsley, en el papel de su vida, metido hasta el infinito y hasta en las mismas entrañas de Mahatma Gandhi, abogado, pensador y político indio, que no gobernó ningún pais, pero consiguió lo que nadie había conseguido antes, conducir a un pais hacia la libertad. Creo que ningún actor podría haberse metido tanto en el personaje como lo hizo este actor nacido en Inglaterra. Junto a él un enorme reparto de actores tanto de primera como de segunda línea, como por ejemplo: Edward Fox "Un mes en el lago" ("A Monthby The Lake") Candice Bergen "Ricas y famosas" ("Rich and Famous") Martin Sheen "Apocalypse Now" John Gielgud "El primer caballero" ("First Knight") Trevor Howard "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter") John Mills "Amanecer Zulú" ("Zulu Dawn"), y atención a Daniel Day-Lewis "El último mohicano" ("The Last of the Mohicans") en su primera incursión en el cine, y en una breve aparición como un joven racista sudafricano.

  En definitiva, una de las últimas películas clásicas que se han realizado, sin ningún tipo de digitalización, heredera de aquellas super-producciones de los años 50 y 60. Una película que te deja un buen sabor de boca y con la esperanza de que haya algún dia un mundo mejor tal y como este hombre lo quería.   Matrícula de Honor.

  "Gandhi" fue la gran triunfadora en la entrega de los Oscar de 1982, logrando ocho estatuillas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Ben Kingsley), Mejor Guión Original (John Briley), Mejor Fotografía (Billy Williams y Ronnie Taylor), Mejor Diseño de Vestuario (John Mollo y Bhanu Athaiya), Mejor Dirección Artística (Stuart Craig y Bob Laing), Mejor Montaje (John Bloom) y Mejor Maquillaje (Tom Smith).

  Como curiosidad, la película tuvo un presupuesto de 22 millones de dólares y generó por venta de taquillas la cantidad de 53 millones, solamente en Estados Unidos, más 25 millones por la venta de alquiler en los videoclubes.

 

Germinal (1993)

    "Destruyamos el mundo quizas nazca uno mejor a continuación"...

  Magnífica película de género dramático-histórico basada en una novela de Emile Zola, un ilustre escritor nacido en Paris y considerado como el padre y el mayor representante del naturalísmo. Esta novela la escribió en 1885 y fue la decimotercera novela de  los veinte volúmenes que escribió dentro de la serie "Les Rougon-Macquart" ("Historia natural y social de una familia bajo el segundo imperio"), y está considerada como una de las mejores novelas jamás escritas en francés.

   Cuenta con un guión del también parisino Arlette Langmann "A nuestros amores" ("Á nos amours") un para mi guionísta francés, poco o muy poco conocido (puesto que cuenta con muy poco trabajo para el cine), pero si bastante famoso en Francia por su larga colaboración con los directores Maurice Pialat "La infancia desnuda" ("L’enfance nue") Philippe Garrel "El lecho de la virgen" ("Le Lit de la vierge") y sobre todo con su hermano Claude Berri.

   Claude Berri, es pues el realizador de esta como digo magnífica historia, un excelente director también nacido en Paris, pero que sus comienzos fueron como actor, y entre sus palmares cuenta con un BAFTA en 1987, y con un Oscar al mejor cortometraje "Le Poulet" ("El pollo") en 1965.

   La acción nos traslada a Montsou un pueblo en el norte de Francia, muy cerca de Bélgica y en donde un joven maquinísta en paro llega para solicitar trabajo, lo consigue como minero gracias a la ayuda de un trabajador, y poco a poco va descubriendo la miseria de los trabajadores de las minas de carbón...

   Una gran película, si señor, y en donde Berri nos refleja fielmente las condiciones de trabajo y de la vida de aquellos obreros del carbón del norte de Francia a finales de 1800. Una película para mi, de las que conviene ver sobre todo en la pantalla grande. Porque cuenta con escenas sobrecogedoras como solamente en el cine se pueden ver, como por ejemplo: cuando van todos los trabajadores a matar a los jefes, o la de la carga del ejército contra las gentes del pueblo, escenas verdaderamente brutales.

   Colosal Gérard Depardieu "Mis tardes con Margueritter" ("La téte en friche") metido en el generoso cuerpo de Toussaint Moheu, un honrado padre de familia, que tiene que hacer de uno de los portavoces de los mineros, ya que cuenta con mucha experiencia por haber trabajado muchos años en la mina. Y colosales todos sus compañeros de reparto, como el cantante francés (aqui metido a actor) Renaud Séchan más conocido por Renaud "El globo rojo" ("Le ballon rouge"), como Etienne Lantier, un hombre en paro convertido en minero, y en donde inicia un descenso a los infiernos al descubrir la miseria y el alcoholismo de unos hombres condenados al sufrimiento por culpa del capital.

   Y, a Miou-Miou "Un indio en Paris"("Un indien dans la valle"), metida en la cansada alma de Maheude, esa madre y esposa que al igual que la mayoría de las mujers (por no decir de todas las mujeres), no solamente debe encargarse de toda la familia, si no que también tiene que bajar a la mina a trabajar, para que así con su sueldo puedan llegar a fin de mes. Y, como no a Judith Henry "Los aprendices" ("Les apprentis") en el papel de Catherine, una de las hijas del matrimonio Moheu, que al casarse con un hombre muy violento, tiene una discusión con sus padres y opta por abandonarles, quedando asi la familia con un salario menos, aunque luego ella busca la reconciliación. Y no hay que olvidar a Jean-Roger Milo "Amor en tiempos de guerra" ("Lucie Aubrac") como Chaval, el marido de Catherine, un ser agresivo y egoista, que solamente piensa en él, y buscando enriquecerse sea como sea. Colosales, como he dicho, todo este ramillete de grandes actores del cine francés.

   Muy cuidada la fotografía en un oscuro color (para asi dar más realce a esta historia), llevada bajo la dirección del también realizador francés Yves Angelo "Un corazón en invierno" ("Un coreur en hiver"), un hombre con un buen puñado de estupendas películas y ganador de tres César, y en este sensacional drama plasmando unos excelentes fotogramas de aquella Francia del siglo XIX.

   Genial la banda sonora del francés (cómo no) Jean-Louis Roques (creo que esta es hasta ahora su única película a la cual ha puesto música) pero en el ámbito musical, fue el compositor principal de la mayoría de las canciones de Renaud durante diecisiete años consecutivos, y hasta llegó a componer un álbum para el mítico Frank Sinatra, y aquí mostrándonos una intensa y dramática banda sonora, compuesta por diecinueve melodias todas con cierto corte operístico y épico. Y con momentos de desbordante belleza.

   En definitiva, una muy buena película, y todo un durísimo retrato de las diferencias entre las clases sociales de aquella oscura época, y a la vez llena de realísmo, amor, emoción, odio y sobre todo de lucha por el poder. Una película que a pesar de su larga duracción (160 minutos), se sigue sin desmayo alguno. Y atención a su minuto final.   Sobresaliente.

   "Germinal", fue nominada en 1994 en doce apartados para el Premio César, pero solamente lo consiguió en dos: Mejor Fotografía (Yves Angelo) y Mejor Vestuario (Sylvie Gautrelet y Bernardette Villard).

Gran Torino (2008)

     "¿Nunca os habeis cruzado con alguién a quien no deberiais haber puteado?".  "Ese soy yo"...

   Otra soberbia película de posiblemente el mejor dirtector todavía vivo: Clint Eastwood (para daros pistas) "Sin perdón" ("Unforgiven"), un hombre que nunca ha necesitado efectos especiales y mucho menos grandes estrellas, porque cuanto más viejo se hace más impone su presencia como pocos directores y actores pueden presumir hoy en dia.

    "Gran Torino", cuenta con un guión del novelista norteamericano nacido en Minnesota, Nick Schenk, un hombre que estudió Arte en el Colegio de Arte y Diseño en Minneápolis, destacando luego en series cómicas para la televisión "Ozone Radio" fue quizá la más famosa, esto pués le alentó para escribir guiones, y, este creo que es por ahora su primer trabajo llevado a la pantalla grande.

    La historia nos mete de lleno en la vida de Walt Kowalsky, un hombre viudo y a la vez veterano condecorado en la guerra de Corea, un hombre que solamente vive con su perro, alejado de su familia y enfadado con el mundo que le rodea, y su máxima pasión es cuidar de su más preciado tesoro: un coche Gran Torino de 1972...

     Pues si señor, nos encontramos de nuevo con otra obra maestra del maestro (valga la redundancia) Eastwood, parece que hace siempre la misma película,una y otra vez, pero "joder" ofreciendo similtudes y logrando que cada historia, que cada una de ellas sea totalmente diferente. Diría como si fuesen hermanas gemelas pero con distintas personalidades, así es el gran Clint. Una película tierna, melancólica, cálida y emotiva acerca de la amistad, la redención y el sacrificio, y sobre todo emocionante, muy emocionante.

    Y nadie mejor que el viejo "rockero" para interpretarla (es normal si es el jefe de la historia, es de suponer que también se reserve el mejor papel), aunque creo que nadie como él podría interpretar a Walt Kowalsky, un veterano y héroe de guerra que su esposa acaba de fallecer, y era lo único que realmente le ataba a este mundo, ya que a decir verdad nunca tuvo una relación estable con sus hijos, quienes por otra parte nunca ven el momento de desembarazarse de él para heredar la casa y venderla. Inmenso Clint, conservando toda su maestría a pesar de su edad, si señor. Y muy bien secundado por el joven actor japonés Bee Vang (creo que hasta ahora es su única aparición en el cine), y aqui metido en la piel de Thao, un adolescente al que Walt intenta salvar de caer en las garras de una banda callejera cuando este intenta robarle el coche, obligado por el jefe de dicha banda, y enseñándole al mismo tiempo a valerse por si mismo.

   Y junto al maestro y al discípulo también nos encontramos en esta magistral historia a Ahney Her "Night Club" dando vida a Sue la hermana del pequeño Thao, y como no a Cristopher Carley "Agent Orange", pero no hay que olvidarnos de Brian Haley "El peque se va de marcha" ("Baby’s Day Out"), y por supuesto a John  Carroll Lynch "Zodiac". Todos increiblenente estupendos, puesto que están dirigidos por un maestro de maestros nacido en San Francisco, aunque criado en Oakland.

   Como estupenda es la fotografía en color (por supuesto) creada por uno de los asiduos colaboradores de Eastwood, como es Tom Stern "Million Dollar Baby" (por citar otra del californiano), un brillante director fotográfico nacido en Palo Alto (California) que comenzó como actor de televisión trabajando junto a Jimmy Kimmel, para después pasarse definitivamente a la fotografía. Y en esta séptima colaboración (ojalá no se la última) usando la cámara digamos muy tranquila y sosegadamente al mismo tiempo y exenta de grandes artificios, así pues Stern crea unas imágenes muy equilibradas con acorde a la estética del clasicismo usado por Eastwood en la mayoría de sus películas.

    Dramática y admirable la banda sonora, creada por el músico y compositor de jazz nacido en Washington, Michael Stevens "Cartas desde Iwo Jima" ("Letters From Iwo Jima"), otro fiel colaborador de Clint, y aqui ofreciéndonos una partitura muy dramática con ritmos pausados. Atención a una de las canciones originales cantada por el protagonísta, pero que en realidad fue doblado por el cantante británico Jamie Collum, pero que de verdad no tiene desperdicio alguno.

    En definitiva, una magnífica película de principio a final, maravillosa, con un grandioso guión, una admirable puesta en escena, un Clint Eastwood superándose a si mismo. Y un final... "¡Vamos veterano saca el pistolón y cepillate a todos esos cabrones!".   Matricula de Honor.

     "Gran Torino" no estuvo nominada en ningún apartado en el año 2008. estos fueron algunos de sus ganadores: Película: "Slumdog Millionaire", Actor: Sean Penn "Milk", Director: Danny Boyle "Slumdog Millionaire". Hay años que los Premios de esta Academia....¡APESTAN!

     Como curiosidad, el autor del guión Nick Schenk, escribió la historia en trozos sueltos de papel, mientras trabajaba en una licorería, como obrero de la construcción y como camionero.