RelojesWebGratis!
Bienvenido a Pablo Cine
Facebook Twitter Google +1     Admin

Hasta que llegó su hora (Once Upon a Time in the West - 1968)

  "Harmónica" : La recompensa por este hombre son 5.000 dólares, ¿no?.

  "Cheyenne": Judas se conformó con 4.970 dólares menos.

  "Harmónica": No habia dólares en aquella época.

  "Cheyenne". Pero si hijos de puta.

  Película mitica y toda una obra maestra del género de western y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Sergio Donoti. Un guionisa nacido en Roma con una larga trayectoria y con peículas como por ejemplo: "El halcón y la presa" ("The Big Gundown"-1966). El segundo fue Dario Argento. Un director y guionista nacido en Roma, y muy famoso por sus películas de terror de las que se encuentran entre otras, "El gato de nueve colas" ("Il gatto a nove code"-1971) y "El arte de matar" ("La sindrome di Stendhal"´-1966). El tercero fue el mundialmente famoso Bernardo Bertolucci. Un cineasta nacido en Parma y con películas tan famosas como: "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) y "Novecento"-1976.

  Y el cuarto y a la vez director de la película Sergio Leone. Un director nacido en Roma. Toda una leyenda del cine italiano, cineasta completo. Sergio Leone se hizo un nombre en el séptimo arte al tomar uno de los géneros más representatvos del cine norteamericano, el western, y reelaborarlo para adaptarlo a los nuevos tiempos.

13/04/2021 17:43 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El graduado (The Graduate - 1967)

20210406081744-the-graduate-489780362-large.jpg

  "Benjamin, quieres venir aqui un momento, no pienso repetirtelo."

  "Sra. Robinson, oh, oh, oh"...

  Muy buena película de género dramático-romántico y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles Webb. Un escritor y novelista nacido en San Francisco. Su primera novela fue publicada en 1963 bajo el titulo de "El graduado". A pesar de ser reconocida por la película del mismo nombre, es una novela con prosa atrapante y con un lenguaje directo, que fue adaptada al cine. La historia introduce el arquetipico personaje devla Sra. Robinson, quien fue un icono de la cultura noreteamericana.

  Además de "El graduado" también fueron llevadas al cine algunas de sus novelas tales como: "El matrimonio de un joven corredor de bolsa" ("The Marrige of a Young Stockbroker"-1971) y "La encontré en Hope Springs" ("Hope Springs"-2003).

  Del guión se hicieron cargo Calder Willingham y Buck Henry. El primero, un novelista y guionista nacido en Atlanta. Ha sido considerado como el "padre de la comedia negra moderna", su firma es un humor seco y serio, hecho más divertido por su intención oculta. Entre sus guiones llevados al cine caben de destacar "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) y "Pequeño gran hombre" ("Little Big Man"-1970) entre otras más.

  El segundo Buck Henry. Un actor y guionista de cine y televisión nacido en Nueva York. Participó en más de 40 películas. Con Warren Beatty codirigió "El cielo puede esperar" ("Heaven Can Wait"-1978), con la que consiguió un Globo de Oro. Como actor le pudimos ver en un pequeño papel de "El graduado" ("The Graduate"-1967) y en "Gloria"-1980 de John Cassavetes.

  "El graduado" está dirigida por Mike Nichols. Un director nacido en Berlin (Alemania). Hijo de una familia judia, salió con su familia de Alemania en 1939 para escapar de la persecución nazi. Formó un famoso duo de humoristas con Elaine May. También desarrolló una destacada carrera como director de teatro, con éxitos de Broadway como "Plaza Suite" (1968), "Tio Vania" (1973) y "Algo auténtico" (1984).

  Como cineasta realizó más de veinte películas, de las cuales abordaron con éxito en su tiempo el tema de las relaciones sexuales, "Cegados por el deseo" ("Closer"-2004), sobre el amor y el abandono, "Conocimiento carnal" ("Carnal Knowledge"-1971), basada en un guión de Jules Feiffer, el carnaval de temática homosexual "Una jaula de grillos" ("The Bridcage"-1996) y la legendaria "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Nichols aporta un sentido de la teatralidad, en agudo ingenio y una inteligencia profunda y europea junto con una visión critica y penetrante de la cultura contemporánea. "Trampa 22" ("Catch 22"-1970) basada en la novela pscifista de Joseph Heller, ridiculiza la organización militar, pero también ofrece un retrato impactante de la devastación causada por la guerra. "A propósito de Henry" ("Regardun Henry"-1991) trata el tema del retraso mental en una historia de amor con Harrison Ford y Annabelle Beaning; "Silkwood"-1983 aborda los efectos de la radioactividad en un alegato antinuclear y "Postales desde el filo" (" ("Posticard from the Edge"-1990) presenta un conflicto generacional muy doloroso entre una madura agente del mundo del espectáculo, interpretada por Shirley MacLaine y su hija, una mujer con talento pero muy enajenada.

  Aunque gran parte de la obra de Nichols es de una calidad innegable tal vez su mejor película sea la primera "Quién teme a Virginia Woolf?" ("Who´s Afraid of Virginia Woolf?"-1966) en la que Elizabeth Taylor y Richard Burton ofrecen unas excelentes interpretaciones de una pareja que ha convertido su matrimonio en algo parecido a un infierno.

  La acción pues, tiene lugar en California (Los Angeles, Berkeley, San Francisco, Santa Bárbara...) en 1967. Y en donde el joven Benjamin "Ben" Braddock, a punto de cumplir los 21 años, y finalizados sus estudios, regresa a casa. Sus padres organizan en su honor una fiesta en la que se reúnen amigos y conocidos. Entre ellos el Sr. Robinson y su esposa, que intenta seducir al joven. Benjamin es un muchacho ingenuo, timido, apocado, desorientado, inseguro, celoso de su independencia y autonomía e idealista. La Sra. Robinson, de más de 40 años, es neurótica, alcohólica, amargada, insatisfecha, sexy y apasionada. Los padres de él son superficiales, invasivos, autoritarios, caprichosos y manipuladores...

  La película pues, suma drama, romance, sátira social y digamos también que comedia. En el recorrido de la historia, "Ben" evoluciona gradualmente, madura y se convierte en una persona despierta, segura y decidida. Encarna las características de la generación de jóvenes americanos nacidos en los años de la posguerra de la 2ª Guerra Mundial (rebeldia, búsqueda de nuevos valores, sinceridad, liberación sexual, desaliento, desidia, etc.). Hijo único de padres disfuncionales, estos quieren imponer al hijo sus pautas de conducta, sus criterios, los requerimientos de sus intereses, sus visiones materialistas, interesadas y egoistas. No entienden y no ven con buenos ojos las ansias de libertad e independencia del hijo, al que continúan tratando como a un niño.

  Haciendo uso de una concepción estrecha y egocentríca y abusando de su posición, la Sra. Robinson somete al jóven a un proceso de seducción y acoso sexual, que pone de manifiesto las debilidades y carencias de la familia americana convencional: alcoholísmo, infidelidades, deslealtades, rupturas, adulterio, individualísmo, materialísmo, desafecto y desfuncionalidad en relación con los fines que se consideran propios de la misma (realización personal, amor y afecto, educación y defensa de los hijos, apoyo a la maduración de los mismos...). El ritmo de la acción es intenso y sostenido.

  La película elogia a la juventud, apuesta por ella, defiende sus valores y emocionalmente se pone de su parte. Producida antes del "Mayo francés" (1968), se inspira en los ideales de cambio, ruptura y liberación, que lo hicieron posible.

  Los diálogos son ocurrentes, punzantes y divertidos. Se presentan salpicados de ironía y humor y son cálidos, naturales y próximos. Ponen al servicio de la sátira y del sentido del humor, roces y choques de los jóvenes con los mayores, ocurrencias basadas en las ansias de independencia juveniles, la lucha entre dos maneras de entender la vida por parte de dos generaciones, la sorpresa de los mayores ante las reacciones espontáneas de los jóvenes, la incompatibilidad entre las actitudes egoistas y las idealistas, las impositivas y las liberales, las hipócritas y las sinceras. Denuncia en ocasiones a la exageración, la desmesura y el despropósoto, aunque siempre de modo elegante y refinado. La suma de efectos derivados de los planteamientos de la película culmina con una larga secuencia que hacia el final aporta una aceleración e intensificación de los valores y lineas de fuerza del relato.

  La banda sonora fue compuesta por Paul Simon e interpretada por el duo Simon & Garfunkel. Unos artistas muy populares en la década de los 60, ambos nacidos en Nueva York. Crecieron en el barrio de Kew Gardens Hill, fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hill de Nueva York y comenzaron a escribir canciones propias en 1957. Entre sus múltiples premios cabe de destacar tres Gremmys.

  Y en esta magnifica "seducción" aportando una nueva canción "Mrs. Robnson", a la que se añaden otras de su repertorio: "Sunds of Silence", Searborough Fair"... Como música añadida, Dave Grrush ofrece tres composiciones de acompañamiento: "The Singleman Party Foxtrot", "Sunporch cha-cha-cha" y "On the Strup".

  La fotografia en color corrió a cargo de Robert Surtees. Un director de fotografía nacido en Kentucky. Ganador de tres Oscar por "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"-1950), "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) y "Ben-Hur"-1959. Era un director de fotografía muy codiciado por su versatilidad haciendo todo tipo de películas. También se ganó la reputación de ser un riguroso en el control preciso del color y la exposición adecuada del negativo. También jugó un papel especial en lo que respecta a las innovaciones tecnológicas, siendo uno de los pioneros en utilizar u teleobjetivo (500 mm) en "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Y en este deso de toda una generación, creando unas superposiciones de imágenes y zooms que transmiten sentimientos de aceleración, rápidez y de apoyo al sentido rupturista e innovador, de la acción. Acumula muchas imágenes famosas, de memoria perdurable (seducción, boda, etc.).

  Impecable y sugerente la interpretación de Anne Bancroft "Agnes de Dios" ("Agnes of God"-1985), dando vida a la Sra. Robinson, y con ella el debutante y genial Dustin Hoffman, "Totsie"-1982 metido en el cuerpo de Benjamin Bradfork. Y entre los dos Katharine Ross, "Dos hombres y un destino" ("Butch Cassidy and the Sundance Kid"-1969) como Elaine Robinson; William Daniels, "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) como el Sr. Bradfork; Murray Hamilton, "Tiburón" ("Jaws"-1975) como el Sr. Robinson; Elizabeth Wilson, "A propósito de Henry" ("Regarding Henry"-1991) como la Sra. Bradfork...

  En definitiva: Una película emblemática del cine americano de los 60 y que obtuvo un gran éxito tanto de critica como de público. Sobresaliente.

  Mike Nichols logró el Oscar al Mejor director. La película obtuvo un total de siete nominaciones.

  A modo de curiosidad: Antes de elegir definitivamente el casting de la película, la productora tenia en cartera que Doris Day diese vida a la Sr. Robinson y Robert Redford al de Benjamin.

 


 

02/04/2021 09:44 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Alfie (1966)

20210321173235-alfie-900407068-large.jpg

  Si me preguntas si te quiero ¿Qué quieres que conteste?

  Muy entretenida película de género de comedia y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de Bill Naughton. Un dramaturgo nacido en Irlanda. Cuando aún era un niño sus padres se trasladaron a Inglaterra y alli trabajó como ensacador de carbón antes de empezar a escribir. Aunque es más recordado por su obra teatral "Alfie" también dos de sus obras fueron llevadas al cine, una fué "Luna de miel en familia" (The Family Way"-1966) protagonizada por John Mills y la otra "La familia Cropton" ("Spring  and Port Wine"-1976) con James Mason en el papel principal. Muchas de sus obras se representaron en el Octogon Theatre en el centro de la ciudad de Botton. Un teatro de estudio adaptable de 85 asientos dentro del octógono lleva su nombre.

  "Alfie" está dirigida por Lewis Gilbert. Un cineasta nacido en Londres. Después de una carrera como niño actor en películas de finales de los años 20 y en los años 30, comenzó a rodar documentales para la Royal Air Force (RAF), durante la 2ª Guerra Mundial, Gilbert se hizo un nombre  en la década de 1950 con películas como director y ocasionalmente como productor y guionísta.

  Varias de sus películas están basadas en acontecimientos verdaderos de la 2ª Guerra mundial tales como "Proa al cielo" ("Reach for the Sky"-1956), basada en la vida de Douglas Bader un héroe de la RAF, "Agente secreto SZ" ("Carve Her Name whit Pride"-1958), basada en la vida de Violette Szabo, una agente del SOE, y "Hundid el Bismark" ("Sink the Bismark"-1960), una recreación de la operación naval dirigida a lograr el hundimiento del acorazado Bismark el más temible de la armada  alemana en el Atlántico.

  Fue nominado al Oscar por "Alfie"-1967. Además fue ganador del Premio especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes por esta misma película y ganador de un BAFTA por "Educando a Rita" ("Eduacting Rita"-1983). Fue miembro de la Orden del Imperio Británico en el grado de Commander (CBE) por sus servicios a la industria cinematográfica del Reino Unido. Su historial como director incluye además tres películas de la saga de James Bond: "Sólo se vive dos veces" ("You Only Live Twice"-1967) con Sean Connery, "La espia que me amó" ("The Spy Who Loved Me"-1977) y "Moonraker"-1979) ambas con Roger Moore dando vida al agente secreto.

  La historia pues, nos mete en la vida de un tal Alfie Elkins un galán mujeriego, aferrado a la solteria, dotado de gran facilidad para ligar, pero enemigo de los compromisos. Tras el golpe que recibe inesperadamente cuando una de sus amistades femeninas le deja por otro más joven, Alfie se siente sorprendido, dolido, atónito y abocado a reflexionar sobre el sentido de la vida, de la libertad sin compromisos y de los romances de pocos dias...

  El guión para mi, es muy respetuoso con la obra original y realizado por el autor de la misma, incluye expresiones y que con buen criterio no aparecen en el remake de 2004.

  La banda sonora corrió a cargo de Sonny Rollins. Un músico de jazz. Ha tocado en varias ocasiones junto a Selmer Mark VI y durante la década de los 70 grabó un álbum titulado "Easy Living", considerado el mejor de esa época. Para el cine ha compuesto música para películas tales como: "El negociador" (""Metro"-1987) protagonizada por Eddie Murphy y "El talento de Mr. Ripley"("The Talented Mr. Ripley"-1999) con Matt Damon.

  Y en esta historia de un cínico seductor ofreciéndo breves pasajes musicales de percusión y saxo o trompeta, que ambientan la acción y la  confieren dinamísmo y frescura. La canción "Alfie" de Burt Bacharach, está interpretada por Cher.

  La fotografía en color corrió a cargo de Otto Heller. Un director de fotografía nacido en Praga. De adolescente, se convirtió en proyeccionísta en el cine Lucena de su ciudad. Durante la 1ª Guerra Mundial trabajó en un laboratorio de cine en Viena. Después de la guerra comenzó a trabajar como camarógrafo de documemtales en Prafilm. Durante la década de 1920, fue el director de fotografía más solicitado en Checoslovaquia. Junto a Karel Lamac, Anny Ondra y Václav Wasserman, realizó muchas películas tanto para el público nacional como internacional. A menudo trabajó con Svatoplak Innemann, Martin Fric y Jan S. Kolár. Debido al auge del nacísmo dejó Checoslovaquia en 1938. Se convirtió en ciudadano británico en 1945 y continuó viviendo y haciendo películas en el Reino Unido hasta su muerte.. Entre sus muchas peliculas realizadas caben de destacar "El quinteto de la muerte" ("Lady Killers"-1955), "El fotógrafo del pánico" ("Peeping Tow"-1960) y "La mujer de paja" ("Woman of Straw"-1964).

  Y en esta aventura de un don Juan en Londres cuidando las escenas con mucho esmero y, en ocasiones incluye pretensiones esteticístas. La pelicula se rodó integramente en la capital inglesa.

  Muy buena la interprteción de Michael Caine, "Evasión o victoria" ("Victory"-1981) dando vida a Alfie, un "cockney" londinense que trabaja como chófer en una empresa de coches de alquiler, y es famoso en la ciudad por ser un galán seductor e irresistible. Y con él la siempre maravillosa Shellet Winters, "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) como Ruby. Y seguidos por Millicent Martin, "Fango en la cumbre" ("Nothing But the Best"-1964) como Siddie; Julia Foster, "La mitad de seis peniques" ("Half a Sixpince"-1967) como Gilda; Jane Asher, "El principe y el mendigo" ("The Prince and the Pauper"-1962) como Annie; Shirley Anne Field, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Carla; Vivien Merchant, "Frenesi"-1972 como Liby...

  En definitiva: Una película entretenida e interesante. Muy bien interpretada, realizada con medios adecuados y dirigida con solvencia y eficacia.  Sobresaliente.

  "Alfie" estuvo nominada al Oscar en cinco apartados: Película, Actor (Michael Caine), Actriz secundaria (Vivien Merchant), Guión adaptado (Bill Naughton) y Canción original ("Alfie") compuesta por Burt Bacharach.

  En 2004 Charles Shyer realizó un remake con el mismo titulo protagonizada por Jude Law, Marisa Tomei y Susan Sarandon.

15/03/2021 17:56 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Doctor Zhivago (1965)

20210308194118-doctor-zhivago-845690253-large.jpg

  Y ahora a Moscú. Lo primero que hay que hacer es sobrevivir. No abandonarme al insomnio. No acostarme. Trabajar por la noche hasta el atontamiento, hasata que me rinda el cansancio. Y otra cosa: encender immediatamente la estufa en la alcoba para no congelarme...

  Obra maestra de género dramático-histórico (Revolución Rusa), basada en la célebre novela de Boris Pasternak. Un poeta y novelísta nacido en Moscú. Creció en una atmósfera cosmopolita: en su casa desfilaban artistas como Serguel Rajmeninov, León Tolstoi o Rainer Maria Rike. El ambiente cultural que lo rodeaba fue pues muy elevado. Estudió Filosofia en la Universidad de Moscú y en la de Merburgo en Alemania. Sin embargo, decidió renunciar a la Filosofia como profesión y regresó a Moscú en 1914 donde publicó su primera colección de poemas ese mismo año. Con la Revolución de1917 significó el inicio de su fama. Pero más tarde y como otros tantos de los grandes, perdió la protección de las autoridades soviéticas durante la Gran Purga de la década de los 30 y fué acusado de subjetividad, aunque consiguió escapar del Gulag. A partir de entonces se ganó la vida traduciendo a los clásicos. Entre sus grandes poesias caben citar: "Mi hermana la vida" (1922) y "El tren de la mañana" (1943). Fue Premio Nobel de Literatura en 1958.

  Del guión se hizo cargo Robert Bolt. Un escritor y guionísta nacido en Inglaterra. Estudió en el Manchester Grammar School, para después trabajar en una agencia de seguros. Tras servir en la 2ª Guerra Mundial, ingresó en la Universidad  de Manchester, donde se graduó en Historia, tras pasar un curso en la Universidad de Exeter. Durante esta época escribió una docena de radionovelas, cuyo éxito le animó para escribir su primera obra de teatro "Flowering Cherry", estrenada en 1958.

  Tras esta obra se dedicó exclusivamente al teatro y al cine. A pesar de su prolífica obra teatral es posiblemente recordado por su trabajo como guionísta de cine y televisión, especialmente por sus trabajos junto a David Lean. Ganó el Oscar en dos ocasiones al Mejor guión con "Doctor Zhivago"-1965 y "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Season"-1966).

  "Doctor Zhivago" está dirigida por David Lean. Un cineasta nacido en Inglaterra. Todo un gigante del cine británico. David Lean fue un especialísta en realizar grandes películas que generaron importantes beneficios en el mercado internacional. En tres décadas realizó cinco grandes proyectos que le proporcionaron fama mundial.

  "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) convirtió la reflexión del novelista Pierre Boulle sobre el carácter nacional y el honor en una película bélica épica. Esta gira en torno al enfrentamiento entre un oficial inglés y un comandante japonés, en un campo de concentración japonés. "Lawrence de Arabia" ("Lawrence of Arabia"-1962) demostró que Lean era capaz de dirigir una producción todavia más exigente. La película ofrece un retrato atractivo, aunque simplista de uno de los colonialístas más misteriosos del siglo XX.

  Luego Lean se dedicó a un proyecto de una mayor complejidad cultural e intelectual, la Revolución Rusa con "Doctor Zhivago"-1965. Al optar por centrarse en el romance de la novela, Lean apenas analizó las turbulencias politicas y culturales de la época. Demasiado limitado a un punto concreto, la película no consige evocar la vastedad de Rusia y su gran diversidad, lo cual supone un decepcionante contraste con la exitosa combinación que hizo Lean del Cinemascope y de los impresionantes exteriores en la citada "Lawrence de Arabia".

  La incapacidad de David Lean para ver más allá de los clichés culturales incluso más evidente en "Pasaje a la India" ("A Passage to India"-1984), cuyo impresionante pictorialísmo no oculta las actuaciones de un reparto lleno de celebridades. Si la novela critica como hoy dia se define como "orientalísmo", la película de Lean potencia esos estereotipos.

  "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daugther"-1970) no consigue integrar el romance fracasado entre la joven Rosy Ryan y un joven oficial británico en una evocación convincente de los problemas de Irlanda.

  El David Lean internacional fue precedido por obras notables, su detallada puesta en escena y su hábil fotografía comviertieron en clásicos las películas "Cadenas rotas" ("Great Exceptations"-1946) y "Oliver Twist"-1948, mientras que el dominio de si mismo que constituye la quintaesencia de la moralidad burguesa nunca se ha plasmado de una forma más vivida que en "Breve encuentro" ("Brief Encounter"-1945).

  Asi pues, el maestro Lean nos lleva hasta Rusia (Moscú, Yuriatin, Varikino y otras localidades) entre 1905 y 1925. La historia se hace en los años 50, a más de 25 años de desenlace. Alli Yuri Zhivago un joven médico moscovita, contrae matrimonio con Tonya Gromeko poco antes del inicio de la 1ª Guerra Mundial (1914-18). Con motivo de un servicio profesional en el domicilio de Victor Komarovsky, conoce a Larissa "Lara" Fedorovina. Al comenzar la Guerra es movilizado y destinado a un hospital de campaña, donde trabaja Lara como voluntaria de la Cruz Roja. Lara se casa con Pavel "Pasha" Antipov, un joven idealísta revolucionario. A Zhivago le profesa gran afecto y le ayuda su hermanastro Yevgraf Zhivago...

  Yuri es idealísta, soñador, poeta, sensible, falto de voluntad y reacio a tomar decisiones. Lara es joven, independiente, atractiva, práctica y resistente. Victor es un abogado simpático y oportunísta, pragmático y sin principios. Tonya es comprensiva, sacrificada y constante en sus cosas. Pavel se entrega con fanatísmo al servicio de la Revolución.

  La banda sonora fue dirigida por Maurice Jarre. Un compositor nacido en Lyon (Francia). Su carrera como compositor se inició en 1948, con la música para el espectáculo "Le Gardien  do Tombe" de Franz Kafka. Poco más tarde pasó a desempeñar la dirección musical del Teatro Nacional Popular de Paris (1951-1963). En 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora con el documental "Hotel de los inválidos" ("Hôtel des Invalides"-1952).

  El reconocimiento mundial le vino una década más tarde, cuando fue contratado para componer la banda sonora de la épica "Lawrence de Arabia"-1962, de David Lean, con la que ganó un Oscar a la mejor banda sonora original y que se convertiría en uno de los temas más conocidos de todos los tiempos. De su colaboración con Lean también surgieron obras como las bandas sonoras de  "Doctor Zhivago"-1965 y "Pasaje a la India" ("A Passage to India"-1984), que le reportaron dos Oscar más en la misma categoria, asi como "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"-1970). En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine.

  Entre sus bandas sonoras para otras películas caben destacar "El dia más largo" ("The Longest Day"-1962), "Los profesionales" ("The Professionals"-1966) y "El hombreque pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975), entre otras muchas más.

  Y en esta historia imortal, ofreciéndo una partitura de 15 cortes. Destacando el tema de amor "Somewehere My Love" ("Tema de Lara"), que alcanzó gran popularidad y todavia se recuerda con simpatia. Se hizo muy famosa la adaptación de Ray Coniff. Añade también el "Preludio Op.23" de Rachmaninoff.

  La fotografia en color y Cinemascope fue dirigida por Frederick Young. Un camarógrafo nacido en Londres. Sus inicios fueron en el cine mudo ya en 1922 apareció su nombre en los créditos de la película "Rob Roy" como asistente de camarógrafo, asi estuvo hasta 1928. Con el estallido de la 2ª Guerra Mundial se trasladó a Hollywood y al finalizar la contienda fue contratado por la MGM. En la década de 1950 logró su primera nominación al Oscar por "Invanhoe"-1952. Trabajó con los más destacados directores como: John Ford en "Mogambo"-1953, George Cukor en "Cruce de destinos" ("Bhowani Junction"-1956), Vincente Minnelli en "El loco de pelo rojo" ("Lust  for Life"-1956) y King Vidor en "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959) entre otros. En sus últimos años se dedicó a escribir una autobiografía titulada "Seventy Light Years:An Autobiography" publicada en 1999.

  Y en este clásico imperecedero, creando composiciones estilizadas de sobrio clasicísmo, haciendo uso de espejos, simbolos visuales y encuadres de detalle (balalaica). Emplea el paisaje como elemento de exaltación de la naturaleza y de elevación del tono épico del relato. Contiene escenas memorables, como la carga de los cosacos contra un grupo de manifestantes, el viaje en tren a Yuriatin, el trato que recibe el anarquísta condenado a trabjos forzados, etc.

  Magistrales todos los actores encabezados por un inmenso Omar Sharif, "La noche de los generales" ("The Night of the Generals"-1966) metido en el cuerpo de Yuri Zhivago. Y seguido por la extraordinaria Julie Christie, "Darling"-1965 en el papel de Lara; Geraldine Chaplin, "La madriguera"-1969 como Tonya; Rod Steiger, "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967) como Komarovsky; Alec Gunnes, "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) como Yevgraf Zhivago; Tom Courtenay, "Operación Crossbow" ("Operation Crossbow"-1965) como Pasha Antipov; Siobhan Mckenna, "Rey de reyes" ("King of Kings"-1961) como Anna; Ralph Richardson, "La mujer de paja" ("Woman  of Straw"-1964) como Alexander; Rita Tushingam, "La trampa" ("The Trap"-1966) como la chica (la hija de Yuri y Lara)...

  En definitiva: Tengo que reconocer que David Lean nos dejó una de las más hermosas películas de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Doctor Zhivago" logró 5 Oscar en 1965: Mejor guión adaptado (Robert Bolt), Mejor dirección artistica (John Box, Terry Marsh y Dario Simon), Mejor fotografía en color (Freddie Young), Mejor banda sonora (Maurice Jarre) y Mejor vestuario en color (Phyllis Dalton).

  Como curiosidad: La película se rodó en escenarios naturales de España (Soria, Madrid, Guadix y Granada), Canadá (Alberta) y Finlandia. Tuvo un presupuesto de 11 millone de dólares.

02/03/2021 11:07 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

La caida del imperio romano (The Fall of the Roman Empire - 1964

20210222093353-the-fall-of-the-roman-empire-119848702-large.jpg

       En recuerdo de: Christopher Plummer

  "Solo se puede destruir a una gran nación cuando ella misma se ha destruido interiormemte".

  Superproducción de género histórico (Antigua Roma) y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión llevado a cabo por tres escritores: Ben Barzman, Basilio Franchina y Philip Yordan. Barzaman fue un guionísta y novelísta nacido en Toronto (Canadá). Fue miembro del Partido Comunista de Estados Unidos por lo que estuvo incluido en la lista negra poer el Comité de Actividades Antiamericanas. Tuvo que emigrar a Inglaterra donde allí colaboró en algunas películas. Tras su regreso a Estados Unidos y ya con la ciudadania norteamericana logró grandes éxitos con películas tales como: "La visita del rencor" ("The Visit"-1964) y "Los héroes de Telemark" ("The Heroes of Telemark"-1965).

  Franchina. Un director y periodísta nacido en Palermo (Sicilia). Sus comienzos fueron como asistente de dirección con Roberto Rossellini en "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948). Su primera película como director y a la vez como guionísta fue con  "La legión extranjera" ("Legione straniera"-1953). Su último trabajo fue con "Gostanzada Libbiano"-2000) dirigida por Paolo Welcome.

  Y en cuanto a Philip Yordan. Un guionísta y productor nacido en Chicago. Su actividad como guionísta abarcó desde 1940 hasta 1990, colaborando con los directores más importantes de Hollywood. Se estableció en España durante las décadas de 1960 y 1970, en este periodo colaboró con Samuel Bronston en todas sus películas rodadas aqui. También escribió y produjo varios "spaghetti westerns" como: "Capitán Apache" ("Captain Apache"-1971) y "El hombre de Rio Malo" ("Bed Man’s River"-1971) con Gina Lollobrigida. James Mason y Lee Van Cleef.

  "La caida del imperio romano" está dirigida por Anthony Mann. Un director nacido en San Diego (Estados Unidos). Se le ha considersado como uno de los mejores directores del western, pero también se le ha admirado como director de cine negro de los años cuarenta y de películas épicas de los sesenta como "El Cid"-1961.

  Mann nació en San Diego (California), pero una década más tarde su familia se mudó a Nueva York, donde fue actor de 1925 a 1936. Formó parte de la Neigborhood Playhouse Acting Company, en el Lower East Side de Manhattan. Durante un año también fue miembro de la New York Repertory Company. En 1933 debutó como director teatral, oficio que desempeñó hasta 1940.

  En 1941, Mann se trasladó a Hollywood, donde debutó en la dirección con la película "Dr. Broadway"-1942, que tuvo poco éxito. En esta primera época dirigió melodramas de bajo presupuesto y musicales para diversos estudios. Con el thriller de cine negro "Desesperado" ("Desperate"-1947) alcanzó el éxito que se repitió en sus siguientes pelìculas, coincidiendo con su fructífera colaboración con el cineasta John Alton. "La brigada suicida" ("T-Men"-1947) e "Incidente en la frontera" ("Border Incident"-1949) son películas de cine negro muy bien consideradas.

  El primer western de Anthony Mann fue "La puerta del diablo" ("Devil’s Doorway"-1950) una tragedia sobre el racismo y la intolerancia. Después de ver la pelìcula, James Stewart pidió a Mann le dirigiese en "Winchester 73"-1950. Hicireron juntos siete peliculas, entre ellas, "Horizontes lejanos" (Bend of the River"-1952), "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954) y "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955). El último western de Mann (ya sin Stewart) fue la estupenda "El hombre del Oeste" ("Man of the West"-1958) con Gary Cooper de protagonísta.

  Después de este triunfo, Mann se volvió menos prolífico. En 1959, tras un desacuerdo con Kirk Douglas, Mann dejó el rodaje de "Espartaco" (Spartacus"-1960). Empezó a rodar el western "Cimarrón"-1960, pero una vez más abandonó el proyecto debido a diferencias creativas con el productor, aunque su nombre figuró en los creditos de la pelìcula como director. Su último triunfo fue "El Cid"-1961, una película épica sobre el héroe medieval español.

  La acción pues, tiene lugar en Vindobona (actual Viena), Roma y otras localidades del Imperio Romano, en el año 180 D C. Alli el emperador Marco Aurelio (121-180 D C), filósofo, autor de la obra "Memorias", último de los "cinco emperadores buenos", llamado "El sabio", convoca en las proximidades de Vindobona a principes, embajadores y cónsules del Imperio para comunicarles su decisión de nombrar nuevo sucesor a su hijo adoptivo el general Flavio, enamorado de su hija Lucilla, en sustitución de su hijo biológico Cómodo. El anuncio no lo puede realizar porque muere envenenado por partidarios de Cómodo. Durante el reinado de éste se inicia el declive del Imperio, que se produjo hasta la caida de Roma (476 D C)...

  Marco Aurelio es prudente, sabio, enemigo de las obstentaciones y cree que el gobierno ha de estar al servicio del deber. Cómodo es aficionado a las luchas de gladiadores, caprichoso, egoísta y poco equilibrado. Flavio es considerado, leal, competente, buen militar y no ambiciona ser emperador a costa de su amigo y hermano adoptivo, Cómodo.

  La película suma aventuras, guerra e historia (Imperio Romano). Es todo un ejemplo emblemático de cine de espectáculo y una buena muestra de la visión megalómana del cine que tenia el productor independiente Samuel Broston.

  La realización a cargo de un excelente narrador como era Anthony Mann imprime a la historia un buen pulso narrativo, que retiene la atención del espectador. Crea además, un clima envolvente que se combina muy bien en el desarrollo de un relato trágico, ilustrativo del inicio de la decadencia de Roma. Los elementos dramáticos predominan sobre los de aventuras, en perjuicio del interés popular de la obra. El diseño de producción y la dirección artistica son esmerados, si bien se ven afectados por los afanes colosalìstas y espectaculares del productor. El foro romsano establece el record de construcción más grande realizado hasta entonces en el rodaje de una pelicula.

  La banda sonora corrió a cargo de Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se traslsdaron a San Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro"-1952, "O.K. Corral" de "Duelo de titanes" - 1957 o "The green leaves of summer" de "El Alamo"-1960. Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Nonn"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954) y "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958).

  Y en este inicio del declive romano, aportando una partitura de 16 cortes, que combina con melodias intimistas ("Obertura"), temas de amor ("The Fall of Love"), evocadoras ("Nocturno", "Morning"), refuerzo sonoros ("Persian Batle") y composiciones descriptivas ("Ballomar’s Barbarian Attack"). El tono general de la banda sonora es melancólico y nostálgico.

  La fotografia en color y formato 70 m/m fue dirigida por Robert Krasker. Un director de fotografía nacido en Egipto, pero su nacimiento se registró en Australia. Trabajó a lo largo de su carrera en más de 50 pelìculas algunas de ellas tan emblemáticas como: "Senso"-1954 de Luchino Visconti y "Trapecio" Trapeze"-1956 de Carol Reed. Logró un Oscar a la Mejor fotografia en blanco y negro por "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949).

  Y en esta historia de intrigas y pasiones romanas, ofreciéndo composiciones de gran belleza visual, referidas tanto a ambientes sombrios (interiores), como exteriores luminosos (Foro romano). Las imágenes sombrias se asocian al tema del fin de una civilización milenaria.

  La pelicula se rodó integramente en España . En escenarios naturales de Madrid (Las Matas) Manzanares el Real...), Valencia (Sagunto) y Segovia. Los interiores en los Estudios Samuel Bronston (Madrid).

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por Sofia Loren, "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960) como Lucilla, seguida por Stephen Boyd, "Ben-Hur"-1960 como Livius; Alec Gunness, "Lawrence de Arabia" ("Lawrence of Arabia"-1962) como Marco Aurelio; James Mason, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) como Timonides; Christopher Plummer, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) como Cómodo; Omar Sharif, "Doctor Zhivago"-1965 como Sohamus; John Ireland, "El político" ("All the King’s Men"-1949) como Ballomar; Anthony Quayle, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Verulus; Mel Ferrer, "Guerra y paz" ("War and Peade"-1956) como Cleander. También podemos ver a varios y buenos actores españoles entre ellos: Virgilio Texeira, "Agustina de Aragón"-1950 como Marcellus y Rafael Luis Calvo, "Mensajeros de paz"-1957 como Lentulus.

  En definitiva: Una muy buena película de su género y siempre a reivindicar, tanto como la figura de su gran director, el maestro Anthony Mann, mucho más que "el marido de Sara Montiel". Y con una banda sonora de gran belleza. Sobresaliente.

  "La caida del imperio romano" estuvo nominada al Oscar a la Mejor banda sonora. La ganadora fue "Mary Poppins.

  Como curiosidad: La ciudad de Roma se construyó en la localidad madrileña de Las Matas y está considerada como el mayor decorado (hasta ahora) construido al aire libre se llegaron a usar 170.000 bloques de cemento trabajando en ello 1.100 personas durante siete meses para confeccionar la obra.

20/02/2021 09:38 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

20210214093830-mv5botvingm5nzutywnjoc00odzklweyodatnjgzndg4zdhlmtizxkeyxkfqcgdeqxvymtkxnjuynq-.-v1-sx624-cr0-0-624-351-al-.jpg

                   Christopher Plummer

                    Una leyenda de Hollywood

  El pasado dia 5 y a la edad de de 91 años falleció el actor canadiiense Christopher Plummer. Era bisnieto del Primer ministro de Canadá John Abbot, nació el 13 de diciembre de 1929 en Toronto (Canadá), ciudad que abandonó para mudarse con su madre a Senneville, cerca de Montreal. De niño estudió para ser pianista, pero pronto nació en él el deseo de ser actor. Debido a esta aficción, en su juventud conoció a su compatriota, el pianista de jazz Oscar Peterson, al que le unió siempre una gran amistad. Para desarrollar su carrera teatral se unió a la Canadian Repertory Company en la que alcanzó cierta notoriedad en parte gracias a su dominio de fracés y del inglés. La actriz Eva Le Gallienne le ofreció su primera oportunidad de lucimiento en "The Constant Wife", según la pieza de William Somerset Maugham, en 1954. Al año siguiente estrenó "The Dark is Light Enough" y "The Lark y Medea", cuyas representaciones le llevaron hasta Paris.

  Dos años después se casó con Tommy Grimes con la que uvo una hija, la actriz Amanda Plummer. A su regreso de Paris, Sidney Lumet le contrató para la película "Sed de triunfo" ("Stage Struck"-1958), tras la cual se divorció y volvió al teatro, en el que interpretó papeles como Enrique II de Inglaterra en "Becket"(1962),donde un rey se enfrenta a su mejor amigo (Thomas Becket), con el que antaño habia compartido juergas.

  Después de contraer segundas nupcias en 1962 con Patricia Lewis, en 1964 su rostro se popularizó gracias al estreno de "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman Empire"-1964) donde encarnaba a un Cómodo corruptor que se siente traicionado, estaba más pendiente de organizar fiestas para el pueblo que de mantener a paz y que mostraba recelos a la hora de conceder la ciudadania romana a unos bárbaros (a los que más tarde les asesina a traición). Su composición de emprerador romano de carácter autoritario y chulesco le abrió las puertas para otros papeles. Etre ellos destacó el capitán Von Trapp de "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), un viudo con siete hijos cuya rigidez se desmorona al entrar en su vida la institutriz Maria (Julie Andrews), con la que llega a casarse y huir de Austria tras despedirse desus amigos en un festival de música donde entonaba la canción "Edelweiss". A pesar de su enfado ante la sustitición de su voz en las secuencias musicales, la película disparó su cotización gracias a su éxito comercial. A partir de entonces los directores le encomendaron personajes más o menos elegantes, a veces bondadosos, otros villanescos. Mientras tanto en 1967 se divorció de Patricia Lewis y en 1972 se vulve a casar con Elaine Taylor.

 Durante los setenta, combinó sus apariciones cinematográficas con las teatrales "Cyrano de Bergerac" (1974), se metió en el papel de Rudyark Kipling en "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Woold Be King"-1975) y heredó de David Niven el papel de Charles en "El regreso de la pantera rosa" ("The Return of the Pink Panther"-1975), bajo las órdenes de Blake Edwards. "En "Asesinato por decreto" ("Murder by Decree"-1979) pasó a engrosar la lista de actores que han encarnado a Sherlock Holmes en el cine.

  En los años ochenta centró su actividad profesional en el teatro, donde llegó a interpretar a Yago en "Otelo" (1982) y "Macbeth" (1988). También realizó algunas películas románticas como "En algún lugar del tiempo" ("Somewhere in Time"-1980) junto a Christopher Reeve y Jane Seymor, ofreció una interpretación magistral en la notable pelìcula histórica "Escarlata y negro" ("The Scarlet and the Black"-1983), basada en hechos reales, donde fue el ambicioso, cruel y sanguinario coronel y jefe de la SS en Roma Herbert Kappler, el cual mantenia una feroz rivalidad con un adversario muy particular: monseñor Hugh O’Flaherty (papel interpretado por Gregory Peck), oficial de alto rango de la Santa Sede, protector de refugiados, aliados y judios en la Italia ocupada por los nazis en 1943.

  A mediados de los años noventa "regresó" al cine con breves cometidos: el empresario de "Lobo" ("Wolf"-1994), el detective de "Eclipse total" ("Dolores Claiborne"-1995), el virólogo de "12 monos" ("12 Monkays"-1995). En 1997 ganó su segundo Tonny por "Barryomore" interpretación que junto a la realizada en la pelicula "El dilema" ("The Insider"-1999), inició una nueva etapa profesional. En efecto su papel de Mike Wallace, un reconocido periodista norteamericano (recientemete retirado) le valió varios premios de la critica cinematográfica, aunque no logró quedar candidato a los Oscar. 

  Hollywood empezó a reclamar sus servicios con mayor regularidad: lo reunió de nuevo con Julie Andrews en la versión televisiva de la pelicula "En el estanque dorado" ("On Golden Pond"-1981) donde interpretó a un hombre de la tercera edad que aprende a disfrutar de la compañia de su nieto, y tuvo también un papel en "Una mente maravillosa" ("A Beautiful Mind"-2001).

  Plummer volvió después al cine más pequeño e intimista con "Lucky Break"-2001, y "Ararat"-2002, donde interpretó el papel de un guardia de seguridad de un aeropuerto. En 2004 combinó las representaciones de "Rey Lear" con sus papeles cinematográficos como "Alejandro Magno" ("Alexander"-2004), la superproducción de Oliver Stone. A estas películas le siguieron "...Y que le gusten los perros" ("Must Love Dogs"-2005), "Plan oculto" ("Inside Man"-2006) donde hace de un banquero que se enriqueció gracias a los nazis, y que oculta su pasado, "Syriana"-2005  donde era un empresario con intereses en el petróleo, y "El nuevo mundo" ("The New World"-2005) donde interpretó a un capitán qur defiende la disciplina de los oficiales de a bordo durante la colonización de Virginia. 

  En 2008 publicó su autobiografia "In Spite of My Self" que fue bien recibida por la critica y el público. Entre sus últimos y notables trabajos, hay que citar "El imagnario del Doctor Parnassus" ("The Imaginarium of Doctor Parnassus"-2009) de Terry Gilliam, y "Principiantes" ("Beginners"-2010), donde dió vida a un jubilado viudo que desvela a su hijo que es homosexual. Por este trabajo ganó un Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario.

  En 2017 trabajó en la película "Todo el dinero del mundo" ("All the Money in the Word"-2017) de Ridley Scott, donde interpretaba al empresario Paul Getty, Plummer reemplazó a Kevin Spacey luego de que este fue denunciado por abusos sexuales, dado que Spacey ya habia filmado su parte y la película estaba terminada, fue necesario rodar nuevas escenas con Plummer para sustituirlo. Por su trabajo recibió nominaciones al Oscar, Globo de Oro y BAFTA.

  Christopher Plummer - Toronto (Canadá) - 13 - diciembre - 1929 - Weston (Estados Unidos) - 5 - febrero - 2021.

                             ¡DESCANSE E PAZ!

12/02/2021 18:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

La noche de la iguana (The Night of the Iguana-1964)

20210207165326-the-night-of-the-iguana-216395089-large.jpg

  "Hombre y mujer. Amor y lujuria. Ruina y salvación... Una noche, todos se encuetran".

  Muy buena película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la fraternidad "Alphe Tau Omega", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York y ejerció diversos trabajos, y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematográfica de una de de sus novelas de éxito: "El zoo de cristal". Se confirmó dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hicieron cargo Anthony Veiller. Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Durante la 2ª Guerra Mundial trabajó con Frank Capra en varios documentales de propaganda. Se dió a conocer con la película "El extranjero" ("The Stranger"-1946) de Orson Welles. Y ese mismo año (aunque no acreditado) fue nominado al Oscar junto a John Huston y Richard Brooks por "Forajidos" ("The Killers"-1946).

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue John Huston. Un cineasta nacido en Nevada (Estados Unidos). Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentes desiguales. A lo largo de su carrera sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra desigual, combinando películas en las que se entregaba a fondo con otros proyectos a los que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodista e incluso formar parte de la caballeria mexicana. En 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Bros. Hizo su debut como director con "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y público. "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsquesa realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas entre ellas, "La jungla del asfalto" ("Te Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Durante los años sesenta, perdió el favor de la critica, pero recuperó prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972), una mirada al mundo de los boxeadores, y a su épica "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979), una parábola iscura y cómica sobre el pecado y la salvación.

  Su última película "Dublinenses"-1987, rodada mientras estaba conectado a un pulmón de acero en su última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias, basada en un relato de James Joyce, esta despedida emotiva brilló con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  La acción pues, tiene lugar en Virginia (Estados Unidos) y en México, en 1940 y en donde T. Lawrence Shannon, pastor episcopaliano, rector de la parroquia de San Jaime (Virginia), es acusado de seducir y violar a una menor. Por ese motivo y a causa de trastornos de conducta, es apartado del ministerio e internado en un centro psiquiátrico. Después de obtener el alta, encuentra trabajo como guia de una compañia de viajes turísticos en autocar, de bajo coste. La expedición que acompaña está formada por profesores de un colegio femenino de Texas, a los que se ha unido la alumna Charlotte Goodall, menor, caprichosa y voluble...

  La película se desarrolla como una suma de drama y thriller, que toca temas como el alcoholismo, el consumo de drogas, el suicidio, el paro, el subempleo, la homosexualidad femenina, la ninfomanía, la prostitución masculina y otros. Explora el complejo mundo de un espritu atormentado, angustiado y profundamente alterado por los problemas de diversa índole que ha tenido que afrontar recientemente y las frustraciones que han provocado en él.

  En un marco de desorientación y confusión, concluyen y se suman en su interior, deseos imperiosos, pero inviables, temores y miedos fundamentados, angustias psicopáticas, y la pulsión vehemente del apetito sexual. De poco sirve la búsqueda de mecanismos para dominar la concupiscencia basados en las antiguas prácticas del castigo fisico (andar sobre cristales rotos).

  No encuentra disponible los apoyos esperados: el de una persona angelical bloqueada por una pasión lesbiana reprimida. El desarrollo de los personajes y de las situaciones es acelerado y profundo.

  La tensión dramática sigue un crescendo que el director administra con pericia. Son destacadas las escenas del baño en el mar de Shanon y Charlotte, el baile de Charlotte en el bar de la playa con Pepe y Pedro, la crisis de ansiedad de Shanon, el sensual baño nocturno de Maxine con los dos muchachos en la playa...

  La banda sonora corrió a cargo de Benjamin Frankel. Un compositor nacido en Londres. Comenzó el aprendizaje de violín a muy temprana edad y a los 14 años sus dotes de piano atrajeron la atención de Victor Benham, que persuadió a sus padres para que le permitieran dedicarse exclusivamente a la música. A comienzos de los años 30 ya era muy conocido como arreglista y director musical en los teatros de Londres y en 1944 abandonó su actitud teatral, si bien mantuvo su interés por la música para el cine. También se convirtió en un reconocido compositor después de la 2ª Guerra Mundial. Fue nombrado Compositor del Año por la BBC en 1996 y de nuevo a comienzos de 2006. Entre sus partituras para el cine caben de destacar "Noche en la ciudad" ("Night and the City"-1950) y "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge"-1965).

  Y aqui, basándose en una partitura breve, de aires dramáticos y misteriosos. Consta de 10 temas, de entre los que destacan el "Tema principal", que se superpone a los créditos iniciales, "Ana Shanon", "Maxine y Shanon", "Las lavanderas de México" y "El largo baño de Shanon". Se añaden dos composiciones de aires mejicanos: "Mexicanerias" y "Cascadas", ambos a cargo de Pepito Villa.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Gabriel Figueroa. Un director de fotografía nacido en Ciudad de México. Fue una figura importante en la Época de Oro del cine mexicano. Además de trabajar con directoes mexicanos, también trabajó para Hollywood, con directores como John Ford y John Huston. Junto con Mario Moreno"Cantinflas" y Jorge Negrete fue fundador del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes y candidato al Oscar por "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964).

  Y aqui, sobresaliendo por el dominio del claroscuro, con composiciones de gran belleza plástica y creando al mismo tiempo una opresiva atmósfera. Las escenas naturales fueron rodadas en Mismaloya y Puerto Vallarta (México).

  Muy buenas y a la vez muy efectivas todas las interpretaciones comenzando por Richar Burton, "Cleopatra"-1963, dando vida a Lawrence Shannon, seguido por Ava Gardner, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contesse-1954) como Maxine Faulk; Deborah Keer, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953) como Hannah Jelkes; Sue Lyon, "Lolita"-1962 como Charlotte Goodall...

  En definitiva: Una magnífica película y con un portentoso final que es todo un poema, el poema de la vida. Sobresaliente.

  "La noche de la iguana" logró el Oscar al Mejor vestuario en blanco y negro (Dorothy Jeakins)

  A modo de curiosidad: La obra se estrenó en Broadway en 1961 con Bette Davis, Patrick O’Neil y Margaret Leighton.

05/02/2021 09:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El gatopardo (Il gattopardo - 1963)

20210131100116-il-gattopardo-293022739-mmed.jpg

  "Hace falta que todo cambie, para que todo siga igual".

  Obra maestra de género dramático-histórico y de nacionalidad italiana, adaptada de la novela de el mismo título  de Giuseppe Tomasi di Langedusa, principe de Langedusa, escrito a partir de recuerdos de su bisabuelo, Giulio IV de Langedusa. El guión corrió a cargo de varios escritores y guionístas: Suso Cecfhi d’Amico. Una de las más famosas guionistas del cine italiano, nacida en Roma. Especialmente por sus guiones para Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Mario Monicelli y otros realizadores del neorrealísmo italiano. Era conocida como La Reina de Cineccittá. Otro fue Pasquale Festa Campanile. Un guionísta nacido en Melfi (Italia), también director de cine y muy conocido, sobre todo como un destacado exponente del género "comedia alli italiana".

  El tercero fue: Massimo Franciosa. Un guionista y director nacido en Roma. Esribió para 72 películas entre 1955 y 1991. También dirigió nueve películas entre 1963 y 1971. El cuarto fue: Enrico Medioli. Un guionísta nacido en Parma (Italia). Fue uno de los guionístas más conocidos de Italia. Coescribió siete películas con Visconti y trabajo con directores como Valerio Zurlini, Sergio Leone, Liliana Cavani, entre otros. Con Visconti logró una nominación al Oscar por "Los condenados" (·The Damned"-1969).

  El quinto y último al mismo tiempo director fue Luchino Visconti. Un cineasta nacido en Milán. Muy respetado como director de cine y teatro, nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculada al Partido Comunista italiano durante toda su vida. Al proceder de una familia aristocrática, sus películas a menudo manifestaban la lucha entre sus convinciones políticas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado"Obsessión" ("Ossessione"-1943), la adaptacion que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces", la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimieto cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalísta.

  Temáticamente. la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la pelicula influería en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales, muchos de los cuales eran pescadores locales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después que se enterrara el neorrealóismo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso como "El gatopardo"("Il gattopardo"-1963). "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960) significó un retorno al discurso social presagiado por sus primeras películas, aunque también subrayó su interes por la vida familiar rota y por los efectos de una decadencia social omnipotente.

  Las últimas películas de Visconti, suelen ser  oscuras, y a veces obsesivas, como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta Sicilia en la residencia familiar de Palermo y en el palacio de verano de los Salina en Donnafugatta, entre mayo de 1860 (desembarco de Garibaldi en Marsella) y septiembre de 1862 (tras la victoria en Aspromonte de las tropas del coronel Pallavicino sobre las revoluciones de Gribaldi). El principe siciliano Fabrizio Salina, consciente de los cambios que se imponen, acepta colaborar con la nueva burguesia, renunciar a algunos privilegios y hacer concesiones. apoya la participación de su sobrino preferido, Tancredi Falconeri, en la lucha armada liderada por Garibaldi, su boda con Angélica hija de un alcalde garibaldino enriquecido y sus aspiraciones politicas dentro del nuevo estado. Fabrizio de 45 años, es orgulloso, pragmático y conciliador. Tancredi, de unos 23 años, es ingenuo, apasionado y ambicioso...

  La película pues, suma drama, historia, romance y guerra. Focaliza la atención en la ocupación de Sicilia por Garibaldi en 1860, la celebración del plebisticio de incotporación al Reino de Piamonte-Cerdeña y la etapa de tensión hasta la victoria de Pallavicino sobre Garibaldi en 1862, que afianza la monarquia de Victor Manuel II.

  Fabrizio Salina encarna en su persona y en la representación que ostenta de la aristocracia, el crepúsculo de una era, el inicio de unos nuevos tiempos, la nostalgia del pasado y la incertidumbre sobre un futuro liberado y asentado sobre los principios del estado constitucional. La frase de Tancredi, repetida varias veces por Fabrizio ("Todo ha de cambiar para que todo siga igual") se revela como una expresión. Los propósitos de pacto con la burguesia sobre reparto de influencias y poder no evitarán la marginación de la aristocracia que se verá desplazada cada vez más del poder real.

  El protagonista, inmerso en un drama que comprende, pero que no puede evitar, cae en un estado de desazón e inquietud dominado por las obsesiones de la muerte, el envejecimiento, la pérdida de la juventud y el deterioro del vigor físico y la salud. Cree que los cambios inevitables se demorarán en Sicilia mucho tiempo (100 o más años).

  Su visión pesimista y desesperanzadora de Sicilia, los sicilianos, los leopardos y leones (aristócratas) y las hienas y chacales (burgueses), se da acompañada de inseguridades crecientes que ponen en tela de juicio sus opiniones iniciales. (De ahí que su estado de ánimo, sometido a tensión e incertidumbre, cada vez más se asemeje al de un gigante que se derrumba.

  La película desarrolla dos discursos paralelos: el explícito, que discurre a la vista de todos, elducurado y plagado de disimulos, y el interior, callado, oculto, silencioso y descarnado. No se expresa con palabras, sólo con gestos casi imperceptibles y referencias ambientales.

  El baile de despedida antes del regreso a Palermo tiene el valor de última gran celebración social de una era que muere y no volverá. El esplendor de la fiesta destila aires de despedida de los que se van y de bienvenida de los que llegan. La alegria aparente está trucada de  melancolía, añoranza y desgarro. Fabrizio constata que su tiempo ha pasado. El deseo que siente por Angélica topa con la barrera de 25 años de separación y con el muro, infranqueable para él, de las diferencias de clases.

  Pocas figuras de la aristocracia son tan eminentes como la del Principe de Salina en la hostoria del cine. Pocas figuras como la suya han sabido representar la nostalgia del pasado que se fue,la pena por la juventud perdida, el temor a la muerte y a la vejez inminentes y la desolación por el futuro de olvido que se impone.

  La banda sonora fue de Nino Rota. Un compositor de musica clásica y cinematográfica nacido en Milán. El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Es mayormente conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas de Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcadamente romántica, destacando especialmente sus secciones de madera y cuerda. También dominó a la perfección la composición para voz. Sus bandas sonoras de "La Strada"-1954, "La dolce vita"-1960, "Ocho y medio"-1963, "Amarcord"-1973 y "Casanova"-1976 rivalizan en fama con las que compuso para Luchino Visconti como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) entre otras. Lina Wertmüller "Amor y anarquia"-1973; René Clement, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y para "Romeo y Julieta"´-1968 de Franco Zeffirelli. Ganó un Oscar por "El padrino II" ("The Godfather II"-1974) compartido con Carmine Coppola.

  Y aqui, adaptando una vieja composición original, realizada durante la 2ª Guerra Mundial titulada "Sinfonia sopra una canzone d’amore". que gustó mucho a Visconti. De carácter sinfónico, contiene cortes adaptados a la acción ("Entrada de Angélica"), relatos personales ("Angélica") y composiciones singulares ("Finale"). También ofrece valses, polcas, mazurcas y un "galop" creados por rota. Adapta un vals inédito de Verdi ("Vals brillante") y añade dos fragmetos de "La Traviata" (Verdi) y uno de "Sonámbulo" (del siciliano Bellini).

  La fotografía en color y Cinemascope fue llevada a cargo por Giuseppe Rotunno. Un director de fotografía nacido en Roma. Colaboró con varios directores italianos célebres, entre ellos: Vittorio De Sica "Ayer hoy y mañana" ("Ieri, oggi, domeni"-1964) y Luchino Visconti en "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960). Fué nominado al Oscar por "Empieza el espectáculo" ("All that Jazz"-1979). Fue el primer miembro no estdounidense admitido en la Sociedad Estadounidense de Cineastas en 1966.

  Y aqui, mostrándo con complaciencia la suntuosidad de los decorados y del vestuario. La magnificiencia de las fiestas y el esplendor del baile. Ofrece composiciones inspiradas en pinturas de Eugéne Delacrois (1798-1863) y William Hogarth (1697-1764).

  Colosal Burt Lancaster, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962) metido en  cuerpo y  alma en el personaje del Principe Fabrizio Salina. Y junto a él dos grandes del cine mundial el gran Alain Delon, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y la bellísima Claudia Cardinale, "La pantera rosa" ("The Pink Panther"-1963), Delon dando vida a Tancredi Falconeri, el sobrino preferido de Fabrizio, Cardinale como Angélica Sedara, hija de un alcade garibaldísta.

  Y compartiendo estrellato en esta obra maestra de Visconti, unos secundarios de auténtico lujo del cine italiano, comenzando por Paolo Stopa, "Becket"-1964 como don Cologero Sedara, padre de Angélica; Rina Morelli, "El bello Antonio" ("Il bell Antonio"-1960) como Maria Stella Salina, esposa de don Fabrizio; Romolo Valli, "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971) como Perone, y atención que también nos encontramos y en una de sus primeras películas a Terence Hill, "Le llamaban Trinidad" ("Lo chiamavano Trinitá"-1970) como el conde Cavriaghi (aunque en los titulos de crédito aparece como Mario Girotti, su nombre de pila)...

  En definitiva: Una obra maestra absoluta y toda una lección suprema de cine, y con el baile más bello y mejor filmado de la Historia del Cine.   Matricula de Honor.

  "El gatopardo" estuvo nominada al Oscar al Mejor vestuario en color. Y logró la Palma de Oro en el Featival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Burt Lancaster y Claudia Cardinale volvieron a trabajar juntos trea años más tarde en "Los profesionales" ("The Professionals"-1966). Aunque en papeles muy distintos a "El gatopardo"

26/01/2021 11:12 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth -1962 )

20210125095931-sweet-bird-of-youth-960939686-large.jpg

  "La gran diferencia entre la gente no está entre ricos y pobres o entre buenos y malos, sino entre los que supieron amar intensamente y los que jamás lo lograron porque no conocieron el amor". (Chance Wayne).

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una adaptación de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la Fraternidad "Alph Tau Omege", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y en 1947 escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York donde ejerció diversos trabajos y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematohráfica de la novela de éxito "El zoo de cristal". Se confirmó  dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Richard Brooks. Un cineasta nacido en Filadelfia. Tuvo una carrera variopinta. Guionísta convertido en director ganó su único Osacar por el guión "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), si bien fue nominado por otras películas como director y guionísta.

  Aprovechó su experiencia como marine durante la 2ª Guerra Mundial para realizar, una serie de películas de acción cuya uníca fábrica es la plasmación sensible de la camaraderia masculina, buenos ejemplos de ello son las películas bélicas "Campo de batalla" ("Battle Circus"-1953) y "Hombres de infanteria" ("Take the High Groundi"-1953), asi ciomo los westerns revisionistas "La última caza" (The Last Hunt"-1956) y "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), donde se manifiesta su habilidad para delinear distintos tipos de hombres,

  No se le dió tan bien en el género dramático, incluyendo la película con la que debutó "Crisis"-1950, basada en un guión propio. El melodrama"La última vez que vi Paris" ("The Last Time I Saw Paris"-1954), con el tratamiento de una crisis matrimonial propio de Fitzgerald, carece de intensidad emocional.

  Richard Brooks consiguió sus mejores éxitos con dos adaptaciones de Tennessee Williams, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) y "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth"-1962), quizás porque en ellas aparecen el tipo de crisis en la vida de un hombre que el podia entender.

  "Lord Jim"-1965, una pelicula más ambiciosa, dió a Peter O’Toole la oportunidad de retomar, el enigmático moralismo expresado en su papel de T, E. Lawrence, Brooks confirmó a ese drama interior un entorno adecuadamente épico.  "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967), basada en la novela de Truman Capote, es un drama brutal sobre la vida real, mientras que "Buscando al señor Goodbar" ("Looking for Mr. Goodbar"-1977) hace un uso memorable de un material dificil pero muy atractivo para un público moderno.

  La acción pues, tiene lugar en Gulf Coast (Florida), ciudad natal de Chance Wayne, a lo largo de unos pocos dias de un verano. Y nos cuenta la historia de Chance, un apuesto y seductor, sin suerte en la vida, que ha trabajado en oficios infímos. Residió durante un tiempo en Hollywood para abrirse camino como actor en el mundo del cine. Tras innumerables fracasos, se dedica a trabajar ciomo gigoló de mujeres adineradas y solitarias. En Palm Beach ha conocido recientemente a Alejandra del Lago, una actriz de mediana edad, en plena decadencia profesional y personal a causa del alcohol y las drogas...

  La película muestra una sociedad dominada por el deseo, el sexo, la prostitución, la hipocresía, la codicia, los abusos de poder, la violencia doméstica y la corrupción. Como en otras novelas de T. Williams, la acción se ubica en una localidad del Sur de Estados Unidos, en el marco de una sociedad conservadora, clasísta y retrogada.

  La tensión dramática llena la película en un crescendo que culmina hacia el final en una sucesión de escenas violentas y desgarradoras, que ponen al descubierto la bajeza de las personas humanas amparadas en la venganza y la violencia inmisericorde (desfiguración del rostro de Chance).

  La narración hace uso de flashbacks para explicar hechos de los años de juventud de Chance, con referencia al inicio de la Guerra de Corea (1950-53), en la que participó, el amor juvenil de Chance y Heavenly, el embarazo de ésta y la expulsión del lugar por Tom "Boss" Finley, padre de la chica, cacique del lugar y alcalde del mismo.

  Son escenas destacadas la conversación telefónica de Alejandra con un critico de cine, la de Alejandra borracha en el bar del hotel y el mítico salto del cisne de Chance desde el trampolín de una piscina; El protagonísta se enfrenta a su pasado con deseos de redención en una ciudad donde muchos le odian y nadie le quiere, salvo Heavenly y la tia Nonnie.

  La banda sonora corrió a cargo de Robert Ambruster. Un compositor y director de orquesta nacido en Filadelfia. Después de estudiar con Constantin von Stranberg se convirtió en concertista de piano, luego se dedicó a la dirección y composición para la radio y más tarde para el cine y la televisión. Debutó como pianista con la Orquesta de Filadelfia a los ocho años. En su adolescencia comenzó a grabar rollos de piano para el Duo-Art de Aerolian Company. Durante la década de 1940 fue director de la NBC Hollywood Orchestra para muchos especiales benéficos. Entre sus grandes bandas sonoras para el cine caben de destacar: "Dos semanas en otra ciudad" ("Two Weeks In Another Twon"-1962), "Castillos en la arena" ("The Sandpiper"-1965) y "A quemarropa" ("Point Blank"-1967) entre otras.

  Y en esta tragedia de gran fuerza dramática, incluyendo solos de piano, melodias de viento y una composición orquestal romántica (escena del faro).

  La fotografía en color y formato Cinemascope fue dirigida por Milton R. Krssner. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Es muy recordado por su trabajo en la década de 1950 para la 20th Century Fox, donde fotografió muchas películas en color y Cinemascope, incluidas "Demetrius y los gladiadores" ("Demetrius and the Gladiators"-1954) y "Las lluvias de Ranchipur" ("The Rains of Ranchipur"-1955). Logró el Oscar a la Mejor fotografía en color por "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954).

  Y en esta historia de desengaños y sueños frustrados, moviendo la cámara con diligente suavidad y haciendo uso de una paleta de cremas y azules pálidos que realzan el dramatísmo de la acción.

  Sensacional Paul Newman, "El largo y cálido verano" ("The Long, Hot Summer"-1958) metido en el cuerpo de Chance Wayne, un fracasado aspirante a actor convertido en gigoló de mujeres maduras y adineradas. Y al lado de Newman la gran Geraldine Page, "Verano y humo" ("Summer and Smoke"-1961) dando vida a Alejandra del Lago, una estrella en decadencia.

  Y junto a ellos: Ed Begley, "Doce hombres sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como "Bob" Finley, el cacique del pueblo; Shirley Knight, "El color de la noche" ("Color of Night"-1994) como Heavenly, antigua novia de Chance e hija de "Bob"; Rip Torn, "Coma"-1978 comoThomas el hijo mayor de "Bob"; Mildred Dunnock, "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1975) como la tia Nonnie...

  En definitiva: Una película de grandes interpretaciones y extraordinario vigor dramático.  Matricula de Honor,

  Ed Begley logró el Oscar al Mejor actor de reparto.

  A modo de curiosidad: La película se estrenó en España el 18 de marzo de 1963.

 

 

22/01/2021 12:33 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Viridiana (1961)

20210118104840-viridiana-949637046-large.jpg

    Viridiana: "Yo no soy como usted, que tiene a su esposa".

    Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga".

  Otra  de las obras maestras del cine español y de género dramático llevada a la pantalla de una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelista, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialistas y estudiosos de su obra como el mayor novelista español después de Cervantes.

  Del guión se encargaron Julio Alejandro. Un poeta y escritor nacido en Huesca, Fundamentalmente conocido por su labor como guionista de Luis Buñuel y considerado como uno de los mejores guionístas de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Eeliz Año amor mio". A principios de los años 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creada en colaboración con Salvador Dali. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apólitica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica. Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera"-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 realiza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza y en la finca de don Jaime, tio de una chica llamada Viridiana allá en 1960. Esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por redección de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana, que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, idealísta y frágil. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficionado a la música de órgano. Jorge hijo biológico de don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película suma drama y análisis sociológicos. Enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en don Jaime a causa de su gran parecido que tiene con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de Viridiana se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos del tio.

  El idealismo y la ingenuidad de la joven novicia entran en conflicto con el espiritu materialistsa y utilitarista de su primo Jorge. La personalidad, las creecias y las actitudes de Viridiana se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perspectivas.

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convinciones. Como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestacciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdotes, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes, como el cuchillo que se dobla en forma de cruz, de fabricación nacional y de libre circulación en el mercado del momento. Una hoguera de objetos en desuso evoca, posiblemente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilía, abusos sexuales, intentos de violación, vouyerísmo, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...).

  Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, simbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enajenados, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan las metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, La paloma blanca muerta y desplumada es una premonición de la pérdida de la inocencia.etc.

  La banda sonora fue dirigida por Gustavo Pittaluga. Un compositor y director de orquesta nacido en Madrid. estudió derecho y al mismo tiempo música con el maestro Oscar Esplá. Tras la guerra civil se estableció en México y alli compuso bandas sonoras para varias peliculas de Luis Buñuel como "Los olvidados"-1950. En 1962 regresó del exilio y se estableció en Madrid, donde llevó una vida apartada de toda actividad pública.

  Y aqui, ofreciéndo fragmentos del "Aleluya" de Händel, de la "Misa de Requiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonia de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Sake Your Cares Away").

  La fotografía en blanco y nrgro fue obra de José Aguayo, Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última, intervino en casi más de 120 películas. Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos miticos como: "Locura de amor"-1948 y "El ùltimo cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos obras maestras que realizó en España "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, componiendo unas imágenes evocadoras y sugestivas, que traen a la memoria, la vieja España negra. En varios pasajes se inspiró en grandes maestros de la pintura (Goya, Jean-François Millet y Da Vinci).

  Magistral el mano a mano entre dos monstruos del cine español: Francisco Rabal, "Llanto por un bandido"-1964 y Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1980. Rabal dando vida a Jorge y Rey a don Jaime, y entre los dos una gran Silvia Pinal, "Maribel y la exraña familia"-1960 metida en el cuerpo de Viridiana.

  Y atención a los secundarios de lujo como por ejemplo: José Calvo, "Carta de amor de un asesino" -1973 como don Amalio; Margarita Lozano, "Los Tarantos"-1963 como Ramona; José Manuel Martin, "El último viaje"-1974 como el Cojo; Joaquin Roa, "Jenaro, el de los 14"-1974 como don Ezequiel; Lola Gaos, "Tristana"-1970 como Enedina; Maria Isbert, "El bosque animado"-1987 como Beggar. Y para terminar Teresa (Teresita) Rabal, "Los buenos dias perdidos"-1975 como Rita, la niña.

  En definitiva: Una película de Buñuel segundo por segundo. Una película tan satánica como celestial. Una película  para verla una y mil veces más.  Matricula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de curiosidad: Fue la primera película que Buñuel rodó en España tras su marcha del pais en 1938. Se rodó en escenarios naturales de una finca de las afueras de Toledo y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

 

 


 

13/01/2021 18:18 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


Counter

Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris