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Larga es la noche (Odd Man Out - 1947)

  Unos quieren salvarse, otros quieren la recompensa...

  Magnífica película de género dramático y de nacionalidad británica, llevada al cine de una novela de F. L. Green. Un escritor nacido en Inglaterra. Publicó su primera novela en 1934 titulada "Julius Pentun". Su última obra fue "Ambush for the Hunter" publicada en 1953.

  Del guión se encargaron el mismo Green y R. C. Sherriff. Un escritor nacido igualmente en Inglaterra. Estudió en el New College de Oxford de 1931 a 1934. Primero escribió una obra de teatro para ayudar al Kingston Rowing Club con motivo de recaudar fondos. Estuvo nominado al Oscar por su guión adaptado en la película "Adios, Mr. Chips" ("Goodbye, Mr. Chips"-1939) protagonizada por Robert Donat y Greer Garson.

  "Larga es la noche" está dirigida por Carol Reed. Un director nacido en Londres. Las primeras películas de Carol Reed fueron muy dispares, desde dramas sociales como "El amor manda " ("Bank Holiday"-1938) a comedias hilarantes como "Cuidado con lo que haces" ("Climbing High"-1938). Su primera película importante fue "Las estrellas miran hacia abajo" ("The Stars Look Down"-1940) narra el ascenso del hijo idealista de un minero hasta un puesto en el gobirerno, y muestra una adusta autenticidad en las escenas de la bocamina. Luego dirigió una de las mejores películas británicas de propaganda bélica, "Hacia adelante" ("The Way Ahead"-1944).

  Tras la guerra Carol Reed realizó tres películas personales, que revelan un incierto fatalismo y una percepcion de la ironia trágica, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) narra las últimas horas de un nacionalista irlandés que huye a Belfast. "El idolo caido" ("The Fallen Idol"-1948), el hijo de un diplomático cree haber visto cometer un asesinato al único hombre al que aprecia. "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) que se desarrolla en la ciudad dividida de Viena, un ingenuo estsdounidense tiene que reconocer que su más viejo amigo es un malvado explotador y asesino. Las dos últimas pelìculas se basan en un guión de Graham Greene. "El tercer hombre" está considerada de inmediato como un clásico, alcanzan su punto culminante las mejores cualidades de Reed: su sensibilidad para las localizaciones y su arte para elegir y dirigir a los actores.

  Posteriormente, Carol Reed pareció perder el rumbo, " Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) resultó decepcionante y "Se interpone un hombre" ("The Man Between"-1953) parecia una cansada reiteración de "El tercer hombre". Solo en dos ocasiones dió sintomas de recuperar su buena forma, "Nuestro hombre en la Habana" (Our Man in Havana"-1959) volvió a reunirle con Green en una sarcástica comedia de espias con estilo y "Oliver"-1968, su alegre versión cinematográfica del musical dickensiano de Lionel Bart, que fue acogida con una bateria de premios de la Academia.

01/12/2020 19:00 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

Pasión de los fuertes (My Darling Clementine - 1946)

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       "¡Cuando se saca un arma es para matar!"

  Obra maestra del género de western y de nacionalidad estsdounidense llevada al cine de una novela de Stuart Lake. Un escritor nacido en Nueva York y muy conocido por sus libros sobre el Viejo Oeste. En 1931 su biografia sobre Wyatt Earp "Frontier Marshall" fue un éxito de ventas, y en 1939 fue llevada al cine con el mismo titulo protagonizada por Randolph Scott, y al igual pasó con "My Darling Clementine" unos años después.

  El guión corrió a cargo de Samuel G. Engel. Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Obtuvo el titulo de farmacólogo en la Facultad de Farmacia de Albany y fue propietario de una cadena de farmacias n Manhattan. En 1930 se mudó a Los Angeles y firmó un contrato como asistente de dirección para la Warner Bros y en 1933 fue contratado por la 20th Century Fox hasta 1962. Fue presidente del Sacren Producers Guild de 1955 a 1958 y fue fundamental en la promoción de productores de televisión donde formó parte en la Producers Guild of America.

  "Pasión de los fuertes" está dirgida por John Ford. Un director nacido en Maine (Estados Unidos). Un consumado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos han celebrado a Ford por su intenso carácter pictórico, plasmado no solo en los bellos paisajes de sus películas sobretodo el Monumental Valley de Arizona, si no también en los propios humanos, presentados de manera estética e icónica. También se ha elogiado su capacidad para comunicar mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al minimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solia ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal selecionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scotland"-1936) que no ponen de manifiesto la personalidad del director, están realizadas con una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las películas más memorables de Hollywood, "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939) demuestra su impresionante sentido de belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre en una memorable biografía, "La diligencia" ("Stagecoach"-1939) rescató el western que habia quedado relegado a la serie B. La pelìcula que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Riio Grande"-1950 antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("The Seachers"-1956) y "El hombre que mató a Liverty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) donde exponia la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  John Ford ya exploró los vacios ideológicos y exclusiones del western antes que los revisionistas del género posteriores a la época de auge de los grandes estudios. "El sargento negro" ("Sergeant Rutledge"-1960) aborda el racismo mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumn"-1964) adopta el pinto de vista de los indios americanos empujados a la desesperacción por el peligro de extinción. Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general los westerns basan sus fuerzas y vigor en la explotación de estereotipos, Liverty Valance deconstruye el mito del héroe/villano, respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el delor fisico que causa la violencia y que otros tienen que soportar Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus peliculas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra, se caeacterizan también por el patriotismo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento, "No eran imprescindibles" ("They Were Expendable"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanza de refuerzos ni de rescate. Es un himno inolvidable al valor, con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones.

  "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la guera de Secesión, enfrenta al aguerrido comandante de caballeria John Wayne, totalmente leal a su misión, con el médico del regimiento William Holden, que lamenta el sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega más allá de un duro choque de sensibilidades, para resolverse, al auténtico estilo fordiano con una pelea a puñetazos.

  John Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imagineria cuidadosamente diseñada. En su versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinbeck se evoca la pobreza y la ruina de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodaje en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió buen resultado en "El fugitivo" (The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las peliculas de Ford más celebradas son los temas célticos, y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evocan eficazmente la familia y la tradicción, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  La acción tiene lugar en Tombstone y alrededores en 1882. Y en donde el maestro del western nos cuenta la historia de Wyatt Earp, antiguo sheriff de Dodge City, convertido ahora en tratante de ganado junto a sus hermanos Virgil, Morgan y James. El asesinato de este por unos desconocidos hace que Wyatt se detenga en la ciudad y acepte el cargo de sheriff, deseoso de descubrir quien asesinó a su hermano y robó las reses que conducian a California. Les ayuda el médico John "Doc" Holliday, un hombre alcohólico y enfermo...

  Obra maestra del western. Si señor.  La película pues, toma numerosas licencias en relación a la historia, haciendo una apasionada descripción del viejo Oeste, salvaje y violento, en tránsito inevitable hacia el progreso, basado en el imperio de la ley, la convivencia en paz, la construcción de la iglesia y la implantación de la escuela. Wyatt Earp es un héroe que lucha contra la violencia, porque sueña con un Oeste convertido en un Edén.

  La película crea una atmósfera de sosiego, esperanza y poesia, que envuelve la epopeya de los que quieren hacer un Oeste de tierra habitable, floreciente y pacífica. No hay en esta historia ansias de venganza, sino anhelos de eliminar la violencia.

  La banda sonora corrió a cargo de Cyril J. Mockridge. Un compositor nacido en Londres. Pasó muchos años como compositor personal de la 20th Century Fox, trabajando frecuentememente cion los hermanos Alfred y Lionel Newman. Entre sus grandes éxitos como compositor caben de destacar peliculas como "Rio sin retorno" ("River of No Return"-1954) de Otto Preminger y "El hombre que mató a Liberty Vsalance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) de John Ford. También compuso el tema musical de la serie de televisión "Laramie"-1959 protagonizada por Robert Fuller.

  Y en esta espléndida historia épica subrayando el sentido épicco y lirico de los héroes que lucharon por transfoemar el Oeste salvaje en un paraiso. La música añadida incluye canciones como "My Darling Clementine" (que da totulo a la película), "Sombrero" y "Shall We Atthe River".

  La fotografía en blanco y negro fue obra dee Joseph MacDonald. Un director de fotografia nacido en México. Comenzó como asistente de cámara a principios de la década de 1920 y se convirtió en director de fotografía en 1940, pronto pues, comenzó a trabajar en producciones de Hollywood, principalmente en la 20th Century Fox. Fue el primer director de fotografía nacido en México, y solo segundo en general, después de León Shemroy en filmar una película en sistema Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marry a Millonaire"-1953), asi como el primer ditrector de fotografía nacido en México en filmar una película en Color Deluxe. En su extensa vida cinematográfica estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográdolo en tres deellas por "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958), "Pepe"-1960 y "El Yangtsé en llamas" ("The Sand Pebbles"-1966).

  Y en esta historia donde fue más que un famoso tiroteo acentuándo las sombras expresionístas que rodean el rostro de "Doc" Holliday, los contraluces idilicos y las luces crepusculares que evocan el ocaso del Oeste salvaje y el orto de un nuevo Oeste. Los gestos, las miradas y los silencios se convierten en recursos de extraordinaria expresividad en el marco de una narración visual muy poética.

  Son escenas memorables la del baile de Wyatt y Clementine, la visita de Wyatt a la tumba de James, la captura del viejo Clanton, condenado a vivir para conocer la amargura de su fracaso, y la escena romántica y lírica de la despedida.

  Magistrales tanto Henry Fonda, "Doce hombre sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como Victor Mature "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953) dando vida a Wyatt Earp y "Doc" Hollyday respectivamente (posiblemente el  mejor papel de Mature en su larga carrera cinematográfica), y entre los dos Linda Darnell, "Carta a tres esposas" ("A Letter to Three Wives"-1949) como Chihuahua.

  Y con ellos Cathy Downs, "Imperio del crimen" ("Panhandle"-1948) como Clementine; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959 como Old Man Clanton; Tim Holt, "El tesoro de Sierra Madre" ("Trasure of the Sierra Madre"-1948) como Virgil Earp; Ward Bond, "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) como Morgan Earp; John Ireland, "Espartaco" ("Spartacus"-1960) como Billy Clanton... 

  En definitiva: Una película culminante del género de western, en la que la simplcidad de las formas exalta la profundidad del contenido.   Matricula de Honor.

  "Pasión de los fuertes" estuvo en 1946 como una de las diez mejores películas de ese año por el National of Review.

  

 

 

 


 

 

19/11/2020 10:33 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Agente 007 contra el Dr. No (Dr.No - 1962)

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              En recuerdo de: Sean Connery

         "Mi nombre es Bond... James Bond".

  Magnifica película de género de acción de nacionalidad británica. Y todo un mito cinematográfico. Llevada al cine por un personaje creado por Ian Fleming. Un escritor y periodísta nacido en Londres. Se formó en las Universidades de Munich y Ginebra. Su primera novela protagonizada por el agente británico fue "Casino Royale", se publicó en 1952 y gozó de un considerable éxito comercial, le siguieron once novelas más y dos colecciones de relatos breves entre 1953 y 1966, cuyas tramas giran en torno a la figura de James Bond. Sus historias se encuentran entre los libros de ficción más vendidos de la historia, con más de siete millones de copias a lo largo de todo el mundo. También escribió la historia infantil "Chitty Chitty Bang Bang" llevada al cine en 1968 y protagonizada por Dick Van Dyke. En 2008, The Times lo situó decimocuarto en su lista de los 50 mejores escritores británicos desde 1945.

  El guión corrió a cargo de Richard Malbaum. Un productor y guionísta nacido en Nueva York. Entre sus muchos guiones para el cine ademas de varias peliculas de James Bond caben de destacar titulos como por ejemplo: "Infierno bajo cero" ("Hell Below Zero"-1954) y "Los asesinos del Kilimanjaro" ("Killers of Kilimanjaro"-1959). El segundo (o mejor dicho la segunda) fue Johanna Harwood. Una guionista nacida en Irlanda y al igual que Malbaum fue una asidua escritora de las películas de Bond, ademaás en su filmografia podemos encontrar titulos muy atractivos como es el caso de "Mr. Arkadin"-1955 de Orson Welles y "El amo de la selva" ("Call Me Bwana"-1963). Y el tercer guionista fue Barkely Mather. Un novelista nacido en Inglaterra y también asiduo colaborador en las peliculas de Bond, También trabajó en la televisión británica en series tan famosas como "Los vengadores" ("The Avengers"-1961-1969).

  "Agente 007 contra el Dr. No" está dirigida por Terence Young. Un director inglés aunque nacido en Shanghai (República de China). Terence Young es mundialmente conocido especialmente por dirigir tres películas de James Bond: "Agente 007 contra el Dr. No" (Dr. No"-1962), "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963) y "Operación Trueno" ("Thunderball"-1965). También se le ha reconocido el éxito de haber preparado a Sean Connery para el papel del superespia.

  Terence Young empezó codirigiendo el documental "Theirs Is the Glory"-1946, basado en la batalla de Arunhem, que tuvo lugar durante la 2ª Guerra Mundial y en la que él mismo participó como paracaidista del ejército británico. Se convirtió en un director solvente de películas británicas caballerescas pero duras,  como "Valley of Eagles"-1951, "Sesenta segundos de vida" ("The Red Beret"-1953) y "No hay tiempo para morir" ("No Time to Die-1958). En este periodo destaca "Serious Charge"-1959), un drama moderno sobre un vicario (Anthony Quayle), acusado de abusar de un adolescente.

  Después de sus películas sobre 007, Terence Young siguió con el género en "Triple Cross"-1966, película de espias de la 2ª Guerra Mundial y "Las flores del diablo" ("Poppies Are Also Flowers"-1966), con un curioso ataque contra las drogas. Contó con Audrey Hepburn en la película de suspense "Sola en la oscuridad" ("Watt Until Dark"-1967). Curiosamente veinte años antes cuando Audrey, tenia 16 años y era enfermera voluntaria, habia cuidado a Terence Young tras ser herido en la batalla de Arnhem.

  En los años 70 realizó una serie de coproducciones con Charles Bronson en las que destaca "Los secretos de la Cosa Nostra" ("The Valchi Papers"-1972), asi como peliculas kitsch y desenfrenadas, como "El hombre del Klan" ("The Klansmen"-1974) y "Lazos de sangre" ("Bloodline"-1979). Más tarde aparecerán en su carrera personajes poco recomendables: "Long Days"-1980 la autobiografía de Saddam Hussein, e "Inchon"-1982, sobre la Guerra de Corea que fue patrocinada por el lider de una secta, el reverendo Sun Miyung Moon.

  La acción pues tiene lugar en Londres, Jamaica y la isla caribeña de Creb Key (Cayo cangrejo), en 1961/62, a lo largo de unas semanas. Y nos cuenta un episodio de la vida de James Bond, agente secreto británico, eficaz, elegante, seductor, misógeno y violento. Es aficionado a bebidas y manjares refinados y atrae a las mujeres. Es un antihéroe, de talante personal egoista, amoral y machísta. Es enviado a Jamaica para investigar el asesinato del agente John Strangways y su secretaria, lo que le lleva a entrar en contacto con Jules No (Dr. No) de Spectra, una organización criminal internacional...

  La película contiene muchas de las constantes de la saga: violencia fisica, disparos mortales, violencia sofisticada, ritmo trepidante, útiles ingeniosos, persecuciones de coches, paisajes exóticos, villanos diábolicos, sexo sin amor y chicas de gran belleza. La película se ajusta con precisión al espíritu de la novela de Ian Fleming. Crea situaciones exageradas de gran peligro aparente, que resultan confortables y gratas. Luce una fina ingenuidad, que facilita la comprensión del relato y la personalidad del malvado, sus complices y la organización a la que sirven es cándida y naif.

  La escena más célebre es la de Ursula Andress saliendo del mar en bikini blanco con un gran cinto, como una Venus que emergre de las aguas. La escena fue homenajeada por Hellen Berry en "Muere otro dia" ("Die Another Day"-2002).

  La banda sonora fue obra de Monty Norman. Un compositor y cantante nacido en Inglaterra. En la década de 1950 y principios de los 60 fue cantante de grandes conjuntos musicales como los de Cyril Stapleton, Stanley Black y otros grandes. También cantó en varios  programas de variedades. Desde finales de la década de 1950 comenzó también a componer canciones para artistas como Cliff Richard Y Tommy Steele. También se hizo muy famoso por haber escrito la música de la primera película de James Bond.

  Y aqui, incluyendo el conocido "Tema de James Bond", al que se añaden fragmentos de  calypso, rock y composiciones melódicas como "Audio Bongo", "Under The Mango" y la del cierre, "Love At Last".

  La fotografía en color corrió a cargo de Ted Moore. Un director de fotografía nacido en Sudáfrica. Se mudó a Inglaterra a los 16 años de edad. En 1942 sirvió en la Royal Air Force durante la 2ª Guerra Mundial. Durante esta contienda se unió a la unidad de cine y comenzó a perfeccionar su oficio. Después de trabajar como operador de cámara en peliculas como "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951) y "El caballero negro" ("The Black Knight"-1954) entre otras, se le asignó el trabajo como director de fotografía para la pelicula "Angeles de acero" ("High Flight"-1957). En 1962 Terence Young le eligió para dirigir la fotografia de la primera película de James Bond. Más tarde haría seis peliculas más. Ganó un Oscar por "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seansons"-1966) conviertiéndose en el primeer sudafricano en ganar este premio.

  Y aqui, beneficiándose de los paisajes de Jamaica con una decoración excelente, lances espectaculares, espacios inverosímiles y unos colores realistas.

  Sensacional Sean Connery "Los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) (Oscar al Mejor actor secundario). Y aqui metido en el cuerpo de James Bond (el mejor Bond de todos). Y seguido por la espectacular Ursula Andress, "Cuatro tios de Texas" ("4 for Texas"-1963) metida en el "cuerpazo" de Honey Ryder.

  Y muy bien secundados por Joseph Wiseman, "¡Viva Zapara"! - 1952 como "Dr. No; Jack Lord, "La pequeña tierra de Dios" ("God’s Little Acre"-1958) como Felix Leiter; Bernard Lee, "Diamantes para la eternidad" ("Diamond Are Forever"-1971) como M; Louis Maxwell, "Panorama para matar" ("A View Kill"-1985) como Miss Moneypenny...

  En definitiva: Una película que se puede ver muchas veces. Una pelicula atrayente y muy grata a nuestros sentidos. Y sobre todo a los que nos gusta la acción y la aventura.  Sobresaliente.

  Ursula Andress logró el Globo de Oro como promesa femenina.

  A modo de anécdota. Sean Connery fue el primer protagonísta de esta saga ( y por supuesto el mejor).

  Estas fueron las siete peliculas en las que Connery interpretó a James Bond.

  "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No"-1962)

  "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963)

  "Goldfinger"-1964

  "Operación Trueno" ("Thunderball"-1965)

  "Sólo se vive dos veces" ("Yoy Only Live Twice"-1967)

  "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Force"-1971)

  "Nunca digas nunca jamás" (Never Say Never Again"-1983)

 

15/11/2020 09:41 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                        Sean Connery

                                 Ser James Bond

  El pasado 30 de octubre y a la edad de 90 años falleció a causa de un infarto de miocardio mientras dormia (aunque su salud en los últimos años esraba muy deteriorada) el célebre actor escocés Sean Connery.

  Si se hubiera impuesto la fidelidad a las novelas de Ian Fleming, Sean Connery no hubiera conseguido el papel de "Agente 007 contra Dr. No" ("Dr. No"-1962), Fleming describe a James Bond con el aspecto de Hoagy Carmichael e hizo saber su preferencia por Cary Grant o David Niven.

  Connery por aquel entonces era un lechero escocés de clase proletaria que se dedicó al espectáculo después de curtirse en el gimnasio, tenia el carisma de Bond y su físico, pero era un héroe sin clase para los años 60.

  Antes de hacer de Bond, Sean Connery habia actuado en películas policiacas británicas tales como: "Ruta infernal" ("Hell Drivers"-1957) y "La ciudad bajo el terror" ("The Frightened Ckity"-1961), había hecho también televisión en serio y habia degustado el estrellato junto a Lana Turner en "Brumas de inquietud" ("Another Time, Another Place"-1958).

  "Agente 007 contra el Dr. No" hizo de él una estrella, pero durante mucho tiempo solo como James Bond, con sus martinis agitados (no mezclados), tirando pullas a sus enemigos después de muertos y envolviéndo sus palabras con suaves tretas de maestro.

  También demostró su virilidad sib fisuras y su regodeo de si mismo, lo que le llevó a Alfred Hitchcock a contratarle para "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964) como el perverso millonario que obliga a Marnie a casarse con él. Bond continuó con "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963), "Goldfinger"-1964 y otras más, pero Connery finalmente rompió con él, no antes de hacer "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Forever"-1971) que recuerda más a la primera de las de Roger Moore que a la última del magnífico Bond de Connery. A pesar de que dijo que nunca más volveria a interpretar al agente con licencia para matar, volvió de nuevo a interpretarlo  de forma magistral y demostrando ser el verdadero y único James Bond en "Nunca digas nunca jamás" ("Never Say Never Again"-1983).

  Por otra parte, se propuso ponerse a prueba como actor en papeles como el soldado convicto de "La colina" ("The Hill"-1965) y como el hastido policia de "La ofensa" ("The Offence"-1973). Desde entonces siempre se mantuvo ocupado y siguió siendo una estrella, ganó un Oscar por "Los intocables de Elliot Ness" ("The Untouchables"-1987), pero a decir verdad ya no hizo películas que mereciesen la pena desde "El nombre de la rosa" ("Der Name der Rose"-1986).

  Aún asi, siguió pareciéndonos divertido en "Los inmortales" ("Highlander"-1976) y en "La roca" ("The Rock"-1996). Connery envejeció, pero con sus conquistas amorosas aún nos parecia que tenia la misma edad de cuando trabajó con Ursula Andress en "Agente 007, contra Dr. No", lo que resultaba interesante verle junto con Catherine Zeta Jones en "La trampa" ("Entrapment"-1999). Después le volvimos a ver en "Descubriendo a Forrester" ("Finding Forrester"-2000) y en su última aparición en la gran pantalla "La liga de los hombres extraordinarios" ("The League of Extraodinary Gentlemen"-2003) donde daba vida a Allan Quaterman.

  Thomas Sean Connery (Sean Connery) - Edimburgo (Escocia) - 25 - agosto - 1930 - Nasáu (Bahamas) - 30 - octubre - 2020.

                                    DESCANSE EN PAZ!!!


 

09/11/2020 19:16 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps-1956)

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          En recuerdo de : Rhonda Fleming

  Mientras la ciudad duerme, el asesino anda suelto...

  Interesantísima película de género de intriga y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Chales Einstein, y con un guión de Casey Robinson. Un guionísta, director y productor nacido en Sidney (Australia). Se graduó en la Universidad de Cornell a los 19 años y enseñó inglés brevemente antes de dedicarse al periodismo. En 1927 comenzó su carrera en Hollywood escribiendo los titulos de películas mudas. En 1930 se graduó en dirección, pero después de seis películas abandonó este campo para concentrarse en a escritura. Después de pasar la mayor parte de la década de 1930 y principio de la de 1940 trabajó en la Warner Bros, se mudó a MGM a mediados de 1940 y luego a la 20th Century Fox en la década de 1950. Se retiró en 1962 para regresar de nuevo a su pais de origen. Fue candidato al Oscar al mejor guión por "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935).

  "Mientras Nueva York duerme" está dirigida por Fritz Lang. Un director nacido en Viena (Austria). Ninguna obra encarna las ambiciones y curiosidades, los éxitos y sospechas del siglo XX, como las de Fritz Lang, sin embargo el cineasta más legendario del mundo de habla alemana fue también uno de los directores más infravalorados de Hollywood.

  En principio Fritz Lang es conocido sobre todo por sus magistrales contribuciones al expresionísmo alemán, pero paradojicamente tuvo que renunciar a la primera película manifiestamente expresionísta, "El gabinete del Doctor Caligari" ("Das Kabinett des Dr. Caligari"-1920), porque ya estaba contratado para realizar una secuela de "Las arañas"-1919, una película de acción y aventuras que había tenido mucho éxito. Por suerte el productor de "Las arañas" financió luego a Lang, la balada expresionísta "La muerte cansada" ("Der Müde Tod"-1921), lo que le valió la aclamación de toda Europa.

  En 1921 Lang y su segunda esposa la guionista Thea von Harbov, iniciaron una serie de peliculas sobre el personaje del doctor Mabuse. La película "El doctor Mabuse" ("Dr. Mabuse, der Spieler"-1922) y sus secuelas eran complejas peliculas de acción, repletas de espias, traiciones, persecuciones y artefactos raros, que se anticiparon en décadas a las de James Bond.

  El éxito permitió al matrimonio iniciar una adaptación expresionísta de la saga mitológica de Los Nibelungos en dos partes "Los Nibelungos 1ª parte: La muerte de Sigfrido"-1924 y "Los Nibelungos 2ª parte: La venganza de Krimilda"-1924,y después su proyecto más ambicioso, "Metrópolis"-1927. Realizada a lo largo de dos años,con la participación de miles de extras, "Metrópolis" era demasiado ambiciosa para tener éxiito, y su tésis política semimesiánica de colaboración entre las clases era demasiado confusa para ser apreciada. Pero su imaginería de la ciudad futurista llena de rascacielos, factorias a manera de Moloch y un sexy robot femenino llamado Maria, presentaba una imágen distópica de la sociedad y tan poderosa que quedó impresa en la conciencia colectiva y ha sevido de modelo al cine de ciencia-ficción desde entonces.

  El inevitable fracaso económico de "Metrópolis" impulsó a Lang a abandonar el expresionísmo en favor de proyectos más sencillos como "Una mujer en la luna" ("Frau im Mond"-1929), modesta película de ciencia-ficción, y "Los espias" ("Spione"-1928), una película de acción que anticipa los miedos de la Guerra Fria. El miedo era también el núcleo de "M, el vampiro de Dusseldorf" ("M"-1931), la extremecedora historia de un asesino de niñas llevado a juicio por una organización criminal, fue una de las primeras peliculas sobre asesinos en serie, exponía metafóricamente el miedo de los alemanes al futuro y constituía una descripción casi propfética del ascenso de los nazis al poder. 

  Este ascenso tuvo también consecuencias personales para Lang que se vió obligado a abandonar Alemania, dejando allí a su mujer ferviente miembro del partido nazi. Se trasladó entonces a Hollywood, donde su primera película estadounidense, "Furia" ("Fury"-1936), fue una curiosa reelaboración de "M, el vampiro de Dusseldorf") esta vez el acusado es inocente y la turba se presenta como cruel y equivocada.

  La carrera de Lang en Hollywood estuvo casi limitada a películas muchas veces de bajo presupuesto pero aún asi dejó una obra notable. La película de género negro "Solo se vive una vez" ("You Only Live Once"-1937) thrillers de guerra "El hombre atrapado" ("Man Hunt"-1941) y "Los verdugos también mueren" ("Hangmen Also Dié"-1943), y el oscuro misterio de espionaje "El ministerio del miedo" ("Ministry of Fear"-1944) exponen motivos como la sospecha, la delación y la paranoia.

  Después de la 2ª Guerra Mundial, Fritz Lang realizó thrillers con más complejidad psicológica, como "Perversidad" ("Scarlet Street"-1945) y "Más allá de la duda" ("Beyond Doubt"-1956). Regresó a Alemania donde antes de retirarse dirigió "Los crimenes del doctor Mabuse"-1960, que precedia la aparición de una sociedad vigilada. Resulta tentador valorar la importancia de la obra de Fritz Lang en la hostoria del cine alemán, pero esto reduce su importancia real. Sus continuas investigaciones sobre el abuso de poder trascienden las fronteras de un pais y tienen vigencia en todas partes.

  La acción pues, tiene lugar en Nueva York a lo largo de varias semanas del verano de 1955. Allí un misterioso asesino en serie de mujeres jóvenes y solas, al que la prensa llama "el asesino del lápiz de labios", mata a Jidith Felton, provocando el pánico entre las jóvenes de la ciudad. La muerte  por causas naturales del magnate Amos Kyne propietario y director de la corporación Kyne Inc., que ocupa 10 diarios y otras empresas, es el motivo por el cual pasa a ocupar su lugar Walter Kyne Jr., poco apto para los negocios. Crea el puesto de director ejecutivo del grupo y anuncia que designará para ocuparlo al profesional de la casa que consiga publicar en primicia la identidad del terrible asesino. La propuesta desencadena una lucha sin cuartel entre Mark Living, responsable de la  agencia de noticias, John Day Griffith director del diario "New York Sentinel", cabecera del grupo, y Harry Kritzer, director de la agencia gráfica. El joven Edward Mobley, galardonado con un Pulitzer,no participa en la contienda y apoya la candidatura de Griffith...

  La pelicula pues, suma drama, cine negro, suspense y critica social. Desarrolla dos lineas de acción simultáneas: el seguimiento del asesino, un psicópata joven, y el de la lucha competitiva de los tres profesionales que aspiran a ocupar el cargo de director ejecutivo del consorcio. La segunda linea ocupa la mayor parte del metraje y absorbe la acción central de la película. En ella Lang  compone un retrato ácido y despiadado de la ambición humana y de su capacidad de movilizar los rincones más oscuros y perversos del alma humana. El ambicioso no tiene reparo en prescindir de todas las normas éticas en beneficio de conseguir sus propios fines. Tras falsas apariencias de corrección, oculta el uso de recursos deshonestos, ilicitos, vergonzosos y punibles. La ambición moviliza actitudes agresivas, traicioneas, desleales y corruptas. La ambición reviste formas diferentes y se basa en motivos no siempre coincidentes. En unos casos se asienta en la codicia y el afán de acumular riquezas. En otros aspira a conseguir notoriedad y relieve social. En otros persigue satisfacer ansias de poder.

  La visión que Lang tiene de la vida humana es desesperanzada y pesimista, pero no lo es del modo absoluto. En su mundo siempre hace rendijas de luz, atisbos de esperanza y comportamientos de excepción razonables y justos. Algunos comentaristas de esta película sostienen que en ella se contienen elementos de denuncia de la delación y la agresión maccarthista (1950-56).

  El guión es rico en lances diversos que enriquecen el relato y le confieren una grata densidad. Los diálogos son agudos y expresivos. Las dos historias que avanzan en paralelo están bien ensambladas y adecuadamente jerarquizadas. La combinación de las mismas aporta sugerencias que dan profundidad a la presencia del mal al poner en situación de equivalencia la perversidad del asesino, y de los contendientes en la carrera por el principal cargo ejecutivo de la corporación.

  Se pueden observar algunas resonancias de "M, el asesino de Dusseldorf"-1931. Difumina intencionadamente los limites que separan el bien y el mal en beneficio de una ambigüedad que permite aumentar y profundizar el dramatismo de la pelicula y sus niveles de percepción por parte del público. Tampoco se separa con claridad la perversidad del asesino y su enfermedad psquíca.

  Se trata de una historia equilibrada y compleja (entrecruza con habilidad las acciones de los diversos protagonístas). Hace gala de una admirable economía de medios y combina con acierto momemntos de gran tensión y secuencias distendidas, como los encuentros de Ed y Nancy. El relato está punteado de ironía y humor (encuentros de Ed y Nancy, diálogos de Ed y Mildred, la figura de Living...). El final es coherente y verosimil, como corresponde a un buen trabajo. La película es una de las obras más apreciadas por Lang de su etapa americana.

  En opinión de algunos criticos es una de las películas indispensables del cine americano de los años 50.

  La banda sonora corrió a cargo de Herschel Burke Gilbert. Un prolífico director de orquesta nacido en Wisconsin. Con 15 años ya habia formado su propia banda de música para baile. Su música es conocida en los cinco continentes. Compuso canciones instrumentales durante las décadas de 1950 y 1960. Su trabajo en el cine incluyen películas tales como: "Carmen Jones"-1954 y "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt"-1956) entre otras.

  Y aqui, ofreciendo composiciones de fondo y acompañamiento que alternan grupos orquestales de cuerda y solos de piano, que no distraen la atención del espectador.

  La fotografía en blanco y negro fue dirogida por Ernest Laszlo. Un director de fotografía nacido en Budapest (Hungria), pero nacionalizado estadounidense. Emigró a Estados Unidos y comenzó a trabajar como operador de cámara en películas mudas comom"Alas" ("Wings"-1927). Entre 1927 y 1977, se desempeñó como un gran director de fotografía en más de 70 peliculas. Estuvo nominado en ocho ocasiones al Oscar ganándolo una vez por "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965). Fue miembro de la Sociedad Estadounidense de Cineastas y presidente de 1972 a 1974.

  Y aqui, adaptando la estética expresionísta alemana muy al gusto de Lang, pero en este caso la depura y estiliza para llevarla a un tono sobrio y austero que refuerza los parámetros ácidos y dramáticos del relato.

  Extraordinario reparto de actores y por supuesto muy bien todos ellos, comenzando por Dana Andrews, "Laura" - 1944 como Edward Mobley. Y seguido por Rhonda Fleming, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) como Dorothy Kyne; George Sanders, "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) como Mark Loving; Ida Lupino, El último refugio" ("High Sierra"-1941) como Mildred Donner; Thomas Mitchell, "La diligencia" ("Stagecoach"-1939) como Jon Day Griffith; Vicent Price, "Los crimenes del museo de cera" ("House of Wax"-1953) como Walter Kyne; Sally Forrest, "El hijo de Simbad" ("Son of Sinbad"-1955) como Nancy Liggett; Howard Duff, "Kramer contra Kramer"-1979 como el teniente Burt Kaufman. Y atención a John Drew Barrymore, "A sangre y fuego" ("Col ferro e col fuoco"-1962) como Robert Msanners. Magnifico reparto de grandes estrellas. Si Señor.

  En definitiva: Un gran clásico. Y muy recomendable para todos aquellos que les guste el cine negro con historias originales.  Sobresaliente.

  Como curiosidad: Esta película fue la penúltima de Lang en Estados Unidos. Su última película aunque también filmada ese mismo año fue "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt") también protagonizada por Dana Andrews.



01/11/2020 17:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                 Rhonda Fleming

                "Reina del Technicolor"

  El pasado dia 14 falleció a la edad de 97 años la mitica actriz estadounidense Rhonda Fleming. Ese mismo dia su secretaria particular lo confirmaba a la revista "Variety" la muerte de la actriz, acontecido en la ciudad californiana de Santa Mónica. Tenia 97 años y vivió su momento de esplendor en la década de los 50, cuando se convirtió en una de las "reinas del "Technicolor" junto a Maria Montez, Mauren O’Hara e Yvonne de Carlo.

  La melena pelirroja, una de sus películas se titulaba precisamente "La pelirroja y el vaquero" ("The Redhead and the Cowboy"-1951) junto a Glenn Ford, y sus intensos ojos verdes configuraron un ideal de exuberante belleza femenina muy acorde a aquellos tiempos glamourosos en el que el Technicolor y otros sistemas como el Color de Luxe de la Fox y el Warner Color, ganaron la batalla, provisionalmente, al cine en blanco y negro.

  Rhonda Fleming tenia sin duda menos presencia, talento y pedigrí que otros ilustres iconos de Hollywood que nos han dejado en este 2020, como Olivia de Havilland y Kirk Douglas, pero es una de esas actrices que define a la perfección toda una era del cine estadounidense combinando muy bien los titulos escapistas con algunas películas capitales del cine negro.

  Rhonda Fleming no tuvo una vida personal precisamente discreta, ya que pasó por el altar en seis ocasiones, y su filmografía ronda los 70 titulos entre largometrajes para el cine y unos cuantos episodios de series de televisión de diversa índole, de "Caravana" ("Wagon Train"-1957) a "Kung Fu"-1972 pasando por "El virginiano" ("The Virginian"-1962), "McMillan y esposa" ("McMillan & Wife"-1971) y "La mujer policia" ("Police Woman"-1974). Como otras tantas actrices y actores del viejo Hollywood,no se salvó de dedicar el otoño de su carrera a la televisión, el gran refugio profesional que acogió por igual a quien habia sido estrella como a presencias mas secundarias.

  En su cine en Technicolor destacan algunas películas como "Ligeramente escarlata" ("Slightly Scarlet"-1956), una película de serie B del prolífico Allan Dwan rodada en color y Cinemascope (en contra de la normativa del cine negro de entonces) que adapta una novela de James M. Cain. También fue buena actriz del cine del Oeste como:"El triunfo de Bufalo Bill" ("Pony Express"-1953), "El jugador" ("Tennessee’s Partner"-1955) del mismo Allan Dwan, "Alias Jesse James"-1959, un western cómico al estilo de Bob Hope y, sobre todo, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957), de John Sturges con Burt Lancaster y Kirk Douglas el primero como Wyatt Earp y el srgundo como "Doc" Holiday respectivamente.

  Hizo por supuesto varias películas de aventuras, el otro género del Technicolor de los años 50, como "Hong Kong"-1952, "Tropic Zone"-1953 en ambas formando pareja con Ronald Reagan, "Jivaro"-1954 un exotísmo amazónico junto a Fernando Lamas y el relato de piratas "El halcón dorado" ("TheGolden Hawk"-1952), y fue una cobriza Cleopatra en "La serpiente del Nilo" ("Serpent of the Nile"-1953), una película de bajo presupuesto del incombustible William Castle, rodada en los decorados que unas semanas antes Rita Hayworth habia encarnado a Salomé en la película homónima.

  Y en tiempos de coproduciones con Italia, protagonizó igualmente varios "péplums", a los que su registro y presencia se adaptaba como pez en el agua. "Semíramis esclava y reina" ("La cortigiana de Babilonia"-1954) y "La rebelion de los esclavos" ("La rivotta degli schiavi"- 1960). Tampoco faltó a la cita con el rudimentario 3-D de la época con "Infierno"-1953 con Robert Ryan, una historia de supervivencia en relieve y en pleno desierto.

  Todas las películas citadas fueron filmadas en color. Pero pese a su fotogenia cobriza, también brilló antes y después de convertirse en reina del Technicolor en películas en blanco y negro como "Recuerda" ("Spellbound"-1945), "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945), "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947), "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) y "El asesino anda suelto" ("The Killer is Loose"-1956), un repóquer en clave "noir" o de intriga sicológica dirigido por Alfred Hitchcock, Robert Siodmak, Jacques Tourner, Fritz Lang y Budd Boeticher, respectivamente, donde supo ser por igual mujer fatal y victima de las circunstancias.

  Participó en "The Buster Keaton Story"-1957 en el papel de una estrella del cine mudo de la que se enamora Keaton y que finalmente se casa con un noble europeo. Se interpretó a si misma en "Jerry Calamidad" ("The Patsy"-1964), de Jerry Lewis, y tuvo uno de sus últimos papeles en el disparatado agente 86" ("The Nude Bomb"-1980), discreta película de la popular serie televisiva "Superagente 86" ("Get Smart"-1965).

  Marilyn Louis (Rhonda Fleming) Los Angeles (Estados Unidos) - 10 - agosto-1923 - Santa Mónica (Estados Unidos) - 14 - octubre - 2020

                            ¡DESCANSE EN PAZ!

 

20/10/2020 09:48 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Roma, ciudad abierta (Roma cittá aperta - 1945)

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            No es dificil morir bien.

            Lo dificil es vivir bien.

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género bélico-dramático llevada al cine de una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio. El primero fue un productor y guionísta nacido en Roma. Comenzó su carrera como cineasta adaptando la vida de personajes históricos con películas en el periodo inmediatamente anterior a la 2ª Guerra Mundial. Tras la guerra, el advenimiento neorrealísta le acercó a personajes como Roberto Rossellini y Vittorio De Sica, con quienes colaboró en el guión de algunas de las principales películas de la época. También trabajó como productor. En 1949 fundó la productora Colonna Film en Roma. Estuvo nominado cuatro veces al Oscar.

  El segundo fue un escritor nacido en Nápoles. Comenzó en el cine en 1940 poniendo el guión a peliculas como "Lluvia de millones" ("Fortuna"-1940) donde aparecian actores españoles entre ellos Luis Prendes "La hora incógnita"-1964. Su último trabajo en el cine fue con "Il capitano nero"-1951 protagonizada por Steve Barclay y Marisa Merlini.

  Del guión se hicieron cargo el propio Amidei; Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini. Ganador de cuatro Oscar. A lo largo de su carrera dio vida a personajes y escenas que se han incorporado al imaginario colectivo cinematográfico. Más allá de los aportes estéticos de su obra en general, y esos personajes y ambientes externos a los que se han etiquetados como "fellineicos", una de sus películas "La Dolce Vita"-1960, tiene un impacto palpable y duradero en la cultura internacional al dar nombre a la figura de los paparazzi,esto basado en el nombre de uno de sus protagonístas, Paparazzo.

  El tercer guionísta y también director de la película fue Roberto Rossellini. Un cineasta nacido en Roma y uno de los más influyentes y controvertidos. Aunque a menudo se le considera una de las figuras claves del movimiento neorrealísta italiano,en realidad su carrera empezó bajo los auspicios del dictador Benito Mussolini. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió tres películas altamente propagandísticas: "La nave blanca" ("The white Ship"-1942), "Un piloto regresa" ("A Pilot Returns"-1942) y "El hombre de la cruz" ("The Man with the Cross-1943).

  No obstante, Rossellini alcanzó fama internacional con su aclamada triologia de guerra, una serie de películas que siguen el avance de las tropas aliadas desde Roma hasta Berlin, como crónicas del devastador impacto de la 2ª Guerra Mundial sobre la población civil y militar.

  La primera, "Roma,ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), considerada una obra maestra, se rodó principalmente en la ciudad de Roma con escasos recursos materiales, utilizando frecuentemente la luz natural. Estas condiciones unidas a una interpretación naturalista y al uso de expresiones coloquiales, dieron a la película un carácter profundamente documental.

  Las otras dos películas de la triología: "Paisá"-1946 y "Alemania año cero" ("Germany Year Zero"-1948), estaban más relacionadas con la estética neorrealísta de sus contemporáneos. Sin embargo los teóricos marxistas empezaron a distanciarse de Rossellini a partir de "Stromboli, tierra de Dios" ("Stromboli"-1950), la primera colaboración artística del director con la que luego seria su segunda esposa la actriz Ingrid Bergman.

  A pesar de la contraversia y de las fuertes criticas que rodearon sus películas, Rossellini seguia siendo un director prolífico e influyente. Algunas películas como "Europa 51"-1952 y "Te querré siempre" ("Voyage in Italy"-1954), ejercieron una profunda influencia en los criticos y directores de la nouvelle vague francesa como Jean-Luc Godard y en otros grande directores desde Federico Fellini hasta Martin Scorsese.

  Durante un periodo marcado por sus duficultades artisticas, asi como su divorcio con Ingrid Bergman, Rossellini rodó en la India una serie de documentales para la televisión. Posteriormente, cada vez se implicó más en las producciones televisivas. Cuando murió en 1977 había dirigido más de 50 películas.

  La acción pues, tiene lugar en Roma durante la ocupación  nazi en la ciudad entre el 8-IX-1943 y el 4-VI-1944. Y nos cuenta la historia de resistencia y la lucha de Guiseppina "Pina", una viuda temperamental, madre de un niño de 8 años. Su historia se cruza con la del partisano comunista Giorgio Manfredi, miembro de la Junta Superior de la Resistencia romana; la del cura Pietro Pellegrini rector de San Clemente, parroquia de la barriada, que asiste a partisanos y desertores alemanes; y la de Francesco, tipógrafo de una publicación clandestina, amante y novio de Pina. Aunque a decir verdad el verdadero protagonista de esta historia es el pueblo de Roma, representado por Pina, Giorgio, don Pietro, Francesco, Marcello, el sacristán, el brigada, los vecinos de Via Casitana, los niños, el niño cojo y todos los que sufren y luchan por la libertad...

  La película suma drama y guerra (2ª Guerra Mundial). Los personajes principales son imaginarios, aunque algunos están inspirados en personas reales. Pina es Teresa Gullace, que estando embarazada murió en manos de los nazis. Giorgio en la figura del jefe partisano Celeste Nergavile. Don Pietro, el cura Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis, a causa de su colaboración con la resistencia. Roma tras ser declarada ciudad abierta y desmilitarizada, fue ocupada por las fuerzas del ejército nazi y permaneció sometida durante 9 meses, hasta su liberación.

  La narración es espontánea, natural y sin artificios. Se filman personas reales en escenas conocidas. Participan actores profesionales (los principales) y no profesionales (vecinos, niños...). El relato destila sincerdad, verísmo y autenticidad. Rompe muchas de las convinciones narrativas al uso hasta entonces e impone cambios relevantes en la manera de mirar, explicar y narrar. A esta nueva manera de hacer cine la critica le llamará "neorrealísmo italiano".

  Para Rossellini, el neorrealìsmo más que una posición estética, es actitud ética: la del que quiere explicar con sinceridad y objetividad el sufrimiento del mundo. Su realísmo se apoya en la naturalidad del relato, que no incluye juicios morales de condena, en no suscitar odio, sino compasión y lástima por los torturadores, y en la reducción del dolor humano a niveles soportables para el espectador. La película logra una reconstrucción emocionante y creible de las atmósferas de opresión, abusos, impunidad, torturas, muerte y lucha, que se vivieron entonces.

  La película también exalta la solidaridad ciudadana, la fortaleza, la capacidad de resistencia y, sobre todo, la lucha por la dignidad y libertad. Formula, un homenaje a los héroes anónimos, la vida, la esperanza en las personas y en el futuro. Rechaza el racismo, la ideología nazi, las prácticas inhumanas, la violación de los derechos humanos, el consumo de drogas. Propone la tolerancia entre ideologías distintas y la colaboración entre ellas al servicio del bien común.

  La banda sonora fue obra de Renzo Rossellini. Un compositor, guionista y director nacido en Roma y hermano de Roberto. Estudió en Roma y se inició en el terreno de la ópera con cierta influencia de los posveristas Ottorino Respighi y Ricardo Zandonci. Entre sus obras destacan: "La guerra (1956), "Il vortice" (1958) y "Uno sguardo dal ponte"(1961). En 1970 estrenó en el Teatro Nacional de la Ópera de Paris "L’Annonce faite á Marie", sobre un drama de Paul Claudel. Compuso varias bandas sonoras para películas de su hermano: "Roma, ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), "Paisa"-1946, "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948) y "Francisco, juglar de Dios" ("Francesco, giullare di Dio"-1950).

  Y en esta historia plastificada en el tiempo, ofreciendo una inquietante partitura original de orquesta de metal, incluye 4 cortes de viento: el "Tema principal" (melodia de trompetas chillonas e insistentes bajos de tuba), el "Tema final" (sombrio, fúnebre y  desolador), el "Tema de la muerte" (breve descripción de la muerte por paro cardiaco) y el "Tema de la liberación" (esperanza combinada con alegria y dolor). Añade 2 fragmentos de música para piano, de Schubert, y pasajes de acompañamiento de música cubana, angloamericana y de jazz.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Ubaldo Arata. Un director de fotografía nacido en Ovada (Italia). Trabajó en más de un centenar de películas entre 1918 y su muerte en 1947. Ingresó en el cine en la época del cine mudo y trabajó prolificamente durante la década de 1920. Trabajó en la primera película sonora del cine italiano "La canción del amor" ("La canzone dell’ amore"-1930). Hasta la caida del fascismo, fue uno de los principales directores de fotografia italianos trabajando en películas de propaganda como: "Escipión el africano" ("Scipione l’ africano"-1937) y "De una misma sangre" ("Luciano Serra pilota"-1938). También trabajó en varias co-producciones con Gran Bretaña y Estados Unidos.

  Y en esta historia tremendamente dramática dandola un formato documentalísta que se ajusta a los parámetros de un cautivador, crudo y acerado realismo. Son escenas memorables la de Pina embarazada corriendo entre ráfagas de fusiles ametralladores, el asalto a la panaderia que acapara viveres, la tortura de Giorgio hasta que su rostro parece el de Cristo de la Pasión, los niños viendo la ejecución pública de un ciudadano, el despliegue de las fuerzas nazis para la detención de unos pocos sospechosos de colaborar con la Resistencia...

  Extraordinarios todos los actores encabezados por una maravillosa Anna Magnani, "El secreto de Santa Vittoria" ("The Secret of Santa Vittoria"-1969) dando vida a Pina. Y por un soberbio Aldo Fabrizi, "El ángel vestido de rojo" ("The Angel Wore Red"-1960) como Don Pietro. Y seguidos por Marcello Pagliero, "Paisá"-1946 como Giorgio; Francesco Grandjacquet, "El asesino" ("L’assassino"-1961) como Francesco; Giovanna Galletti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Ingrid; Maria Michi, "Salón Kitty"-1976 como Marina. Y sin olvidar a Vito Annichiarico, "Mañana será tarde" ("Domani é troppo tardi"-1950) como el pequeño Marcello.

  En definitiva: Pelicula de culto, considerada por algunos como esencial dentro de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Roma, ciudad abierta" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión. Y logró el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes.

  Como curiosidad: Roberto Rossellini usó prisioneros  de guerra alemanes como extras para añadirle un toque más realista a la película.

 

 

 

 


10/10/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace - 1944)

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  ¿Quereis decirme como murió?

  Oh, Mortimer no seas tan preguntón. Ese caballero murió porque bebió un vaso de vino que tenia veneno.

  ¿Y cómo tenia veneno en el vaso?

  Se lo pusimos en el vino porque se nota menos.

  En el té tiene un sabor muy especial...

  Obra maestra de género de comedia negra basada en la obra teatral de Joseph Kesselring. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Pasó la mayor parte de su vida en el teatro y sus alrededores. Después de dejar los estudios se incorporó a un grupo tearal amateur. Comenzó a trabajar como  dramaturgo independiente en 1933 su primer trabajo fue "Hay sabiduria en las mujeres". Pero se dió a conocer mundialmente por escribir "Arsénico por compasión", que fue un éxito en Broadway de 1939 a 1944 y también en otros paises.

  Del guión se hicieron cargo los hermanos gemelos Julius y Phillip Epstein. Nacieron en Nueva York y mundialmente conocidos por haber sido los guionístas de la mitica "Casablanca"-1942. Se graduaron en Artes y Letras y más tarde marcharon a Hollywood para trabajar en el cine en donde lograron grandes éxitos. Ambos trabajaron siempre juntos en los guiones. Pero Phillip falleció prematuramente de cáncer a los 42 años de edad. A partir de ahí Julius comenzó a trabajar en solitario.

  "Arsénico por compasión" está dirigida por Frank Capra. Un cineasta nacido en Sicilia (Italia). En una época en la que Hollywood apenas miraba fuera de sus estudios, Frank Capra creó una combinación única de reflexión social y comedia slapstick. Sus creaciones, populistas y humanistas, constructivas, rápidas y divertidas, figuran entre las películas más memorables de Hollywood, atesoradas con nostalgia y vueltas a ver de manera ritual, como auténticos clásicos de culto.

  Entre 1915 y 1926, Capra fue ascendiendo de extra a director de películas como "El hombre avión" (The Strong Man"-1926), "Sus primeros pantalones" ("Long Pants"-1927) y "Los tres papás" ("For the Love  of Mike"-1927), que le valieron un contrato con la Columbia Pictures. Hizo una transición impecable al sonoro con "Mujeres ligeras" ("Ladies of Leisure-1930) y "La mujer milagro" ("The Miracle Woman"-1931) y la productora le fue dando cada vez más libertad, que aprovechó para saltar de una escena a otra sin fundidos, mostrándose asi como un director maduro y experimentado.

  "La locura del dólar" ("American Madness"-1932) introdujo el tema favorito de Capra, la lucha de un individuo corriente contra una rigida empresa, en la que está en juego nada menos que el "sueño americano". Durante esta década realizó una serie de obras maestras. En "Sucedió una noche" ("It Happened One Night"-1934) resaltó los problemas de la Gran Depresión con un ritmo rápido que inició el género de la comedia screwall.

  Esta combinación de comedia loca y preocupación por los problemas sociales le valió su primer reconocimiento de la Academia al ganar los Oscar a la mejor película y mejor director. En "El secreto de vivir" ("Mr. Deeds Goes to Town"-1936), Capra se basó en el ¿que habría pasado si...?, para explorar temas similares, ganando su segundo Oscar. Comenzó a conocérsele por su desenfrenado optimísmo ante las dificultades.

  Donde mejor se aprecia este enfoque es en dos películas con Jean Arthur y James Stewart, la bella y cordial "Vive como quieras" ("You Can’t Toke It With You"-1938), que ganó una vez más los Oscar a la mejor película y director y "Caballero sin espada" ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939). "Juan Nadie" ("Meet John Doe"-1941), es tal vez la reflexión política más directa de Capra, que denuncia las mentiras y el cinismo de la prensa hasta que la acción popular conjunta desenmascara su maldad. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió una unidad de propaganda y realizó "The Battle of Britain"-1943), de la serie "Porqué luchamos" valioso documento histórico.

  Después  de dejar la Columbia, la siguiente película de Capra fue "Arsenico por compasión" ("Arsenic and Old Lace"-1944), fue menos característica, una comedia serewball disparatada y satírica que fue un tremendo éxito tanto de critica como de público. Y para compensar este gran éxito, Capra volvió a su característico idealísmo con "¡Qué bello es vivir!" (It’s a Wonderful Life"-1946), una conmovedora parábola de solidaridad y reconocimiento social dedicada a las piedras angulares del sueño americano, la familia, la amistad y la solidaridad. Pronto se convirtió en la película favorita de la Navidad en Estados Unidos.

  Para Capra fue también su último gran proyecto. La comedia romántica "El estado de la Unión" ("State of the Union"-1948) y "Aquí viene el novio" ("Here Comes the Groom"-1951), son divertidas pero carecen de la garra y relevancia de sus películas anteriores. Después de "Millonario de ilusiones" ("A Hole in the Head"-1959) y "Un gángster para un milagro" ("Pocketful of Miracles"-1961), Capra se retiró. Es fácil decir que su optimismo era ingenuo y sus personajes demasiado crédulos, pero en una época bastante cruel, sus películas aportaban fe, alivio y optimismo a ultranza. ¿Y por qué no?.

  Asi pues, el genial Capra nos lleva hasta una vieja casa de Brooklyn propiedad de las tias de Morty, en 1942, a lo largo de la noche de Halloween. Mortimer "Morty" Brewstor, es un famoso critico teatral y publicista, solterón empedernido que decide casarse con Elaine. Antes de salir de viaje de novios a las cataratas del Niágara, rinde una breve visita a sus tias Abby y Martha. Su presencia en la casa coincide con el estallido de un episodio de locura familiar que involucra al tio Teddy, a Jonathan, hermano de Morty, al médico Dr. Einstein, al Sr. Whiterspoon director de un centro de reposo para enfermos mentales y a otros... Morty reacciona con desconcierto y perplejidad contra los hechos que vive, mientras trata de mantener la calma y la cordura. Las tias son dos amables viejecitas, bondadosas, caritativas y compasivas, encargadas de ayudar a los ancianos solitarios. El tio Teddy sufre un trastorno de personalidad y cree que es el presidente Theodore Roosevelt...

  La película es una comedia negra con elementos de thriller, sobre la base de un sólido guión y  la acción pues se desarrolla a un ritmo vertiginoso. Se vuelca en el talento e ingenio a raudales de Capra, es una cascada de gags y un torbellino de humor alocado y disparatado. Construye una situación compleja dominada por la locura galopante de la familia. Para resolver la situación el protagonista dispone solo de unas pocas horas de la noche de Halloween, porque a la mañana siguiente ha de salir de viaje de luna de miel.

  Es interesante el contraste que se establece entre la rutinaria y complaciente vida burguesa de las tias y el terror y horror que se instala en la casa. Es efectiva la superposición a la trama principal de una segunda trama criminal, que extralimita las cosas y provoca numerosas ocasiones de crear lances de humor. Es acertada la actuación rica en gestos, posturas y expresiones faciales de "Morty", que sobreactúa lo justo para no perjudicar la consistencia del relato.

  A la acción principal se añaden elementos adicionales que potencian el humor negro. Cabe citar la situación de la casa de las tias junto al viejo cementerio de Brooklyn, inagurado en 1654, el recurso que los árboles del cementerio (sauces) sirven a la tias para elaborar el licor con el que agasajan a sus huéspedes solitarios; la semejanza del asesino Jonathan con Boris Karloff, la presencia del personaje como falso médico, etc. El licor mortal diluye arsénico, estrianica y una pizca de cianuro en extrato de bayas de saúco.

  La comicidad de la película se apoya, ademas, en elementos de farsa, servido por la locura del tio Teddy, su encarnación imitativa de la figura legendaria del presidente Theodore Roosevelt (presidente en 1901-1909), la confusión de la excavación de fosas de enterramiento con la de las exclusas del canal de Panamá, el grito "A la carga" ("Charge!") que Roosevelt hizo famoso en Saint John Hill, el interés del policia O’Hara por el teatro, la desesperación del taxista, etc.

  Se añaden otros recursos hilarantes, como la critica de los estereotipos burgueses y del matrimonio convencional, etc. Enriquecen la obra una brillante y eficaz puesta en escena, el acertado movimiento de los actores en el decorado único, la fluidez de los diálogos, la diferenciación de los personajes, la extraordinaria interpretación de Cary Grant, etc. La película está pensada y realizada para un pais que se halla inmerso en una durisima guerra (2ª Guerra Mundial) y para una población que necesita distraerse y reir. Dada la excepcionalidad de la situación, los estímulos necesarios, para ello han de ser más intensos que los habituales para obtener resultados similares.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena, pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a trasladarse a Estados Unidos. Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el motivo por lo que fue llamado a Hollywood. Era un maestro y un precursor del sello del cine estadounidense. Escribió composiciones para más de trescientas películas de la cuales una de las mas representativas fue "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939). Se estableció en Hollywood en 1925,cuando empezó el cine sonoro y consigo la música en las peliculas. Fue uno de los grandes compositores de bandas sonoras para obras maestras como "Casablanca"-1942. Estuvo nominado en 20 ocasiones al Oscar obteniéndolo en 3 por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyage"-1942) y Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui ofreciendo una partitura lúdica, mordaz y festiva, que apoya eficazmente el sentido de la acción. Incorpora variaciones de conocidas marchas fúnebres y nupciales. Añade un corte de la sonata para piano "A la turca" de Mozart, el "Coro de la boda" de Lohengrin (Wagner) y la canción popular "Home Sweet Home".

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Emigró a Estados Unidos en 1905, alli asistió a la escuela de Nueva York y comenzó a trabajar en la industria del cine como fotógrafo fijo. Después de su experiencia como asistente de laboratorio y de cámara, fue ascendido a camarógrafo de iluminación en 1917. Se mudó de Nueva York a Los Angeles en 1919 para continuar su carrera en la Warner Bros. Trabajó en más de 170 películas en varios estudios pero es mejor conocido por su trabajo en la Warner, con directores como Michael Curtiz y Howard Hawks en pelìculas como: "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) y "El sargento York" ("Sergeant York"-1941).

  Y aqui recreándose en largos y deslumbrantes planos generales y exaltando la visualidad mediante el uso del claroscuro, contraluces y potentes sombras.

  Extraordinario Cary Grant, "Charada"- ("Charade"-1963) como Mortimer. Y muy bien seguido por Priscilla Lane, "Sabotaje" ("Saboteaur"-1942) como Elaine; Raymond Massey, "El manantial" ("The Fountainhead" -1949) como Jonathan; Josephine Hull, "El invisible Harvey" ("Harvey"-1950) como Abby; Jean Adair, "El diablillo ya es mujer" ("Something in the Wind"-1947) como Martha; Peter Lorre, "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) como Einstein; John Alexander, "Winchester 73"-1950 como Teddy; James Gleason, "La noche del cazador" ("The Night Hunter"-1955) como el teniente Rooney; Corant Mitchel, "Caballero sin espada ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939) como el reverendo Harper...

  En definitiva: Maravillosa película de marcado humor nrgro, que se aleja de los cánones clásicos de la alta comedia estadounidense de los años 40 y principio de los 50. Una película imprescindible.  Matricula de Honor.

  Como curiosidad: La película se rodó en 1941 mientras todavia se representaba exitosamente la obra en los teatros. Cuando se terminaron las funciones se estrenó en el cine en 1944.

04/10/2020 08:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El diablo dijo no (Heaven Can Wait - 1943)

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  "Puedo asegurar que toda mi vida ha sido un contínuo delito"

   Muy entretenida película de género de comedia y de nacionalidad estadounidense, basada en la obra teatral de Leslie Bush- Fekete. Un dramaturgo y escritor nacido en Kecskemét (Austria-Hungria). Sus principio fueron como critico para la revista de teatro húngara Szinházi Elet. Más tarde también trabajó como periodista en Viena e informó, entre otras cosas, sobre los Juegos Olimpicos de 1936. Pero donde celebró su éxito como escritor de comedias teatrales fue en Budapest, Viena y Berlin en la década de 1930. En 1937 se trasladó a Estados Unidos donde escribió innumerables historias y guiones para pelìculas de Hollywood.

  Del guión se encargó Samson Raphaelson. Un guionista nacido en Nueva York. Fue el autor de la obra  "Day of Atonement", la cual fue adaptada al cine con el titulo de "El cantor de Jazz" ("The Jazz Songer"-1927), la primera pelicula hablada. Trabajó en nueve películas con Ernst Lubitsch, incluyendo "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise"-1932), "El bazar de las sospresas" ("The Shop around the Corner"-1940) y "El diablo dijo no" ("Heaven Can Wait"-1943). También colaboró con Alfred Hitchcock en "Sospecha" ("Suspicion"-1941). En 1977 el Gremio de Guionistas de Cine le concedió el Laurel Award  por una vida dedicada al cine.

  "El diablo dijo no" está dirigida por Ernst Lubitsch. Un cineasta nacido en Berlin (Alemania). Un alemán emigrado que alcanzó prestigio en el cine mudo, aportó un toque de romanticismo de la vieja Europa a sus comedias de Hollywood, sazonadas con una sofisticacción decididamente europea. Asi,cuando Nicole de Loiselle (Claudette Colbert) es alzada por Michael Brandon (Gary Cooper) en "La octava mujer de Barba Azul" ("Bluebeard’s Eighth Wife"-1938), los pies levantados llevan una serie de dobles sentidos, que se suman a la risa traviesa de una mujer de mundo que sabe exactamente lo que quiere.

  Los personajes de Lubitsch siempre inician sus amores perfectamente conscientes de los riesgos de una relación y de su carácter fugaz. El epitome de estas personas urbanas es "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise-1932), la historia de una relación entre dos ladrones estadounidenses y una heredera francesa. Es significativa la escena de seducción entre Lily (Miriam Hopkins) y Gaston Monescu (Herbert Marshall), donde ella se hace pasar por condesa y él por barón. Al final de la velada se dan cuenta que han pasado la mayor parte de la noche vaciando los bolsillos del otro, lo que demuestra que están hechos el uno para el otro: los dos son timadores de acción.

  Las películas de Lubitsch se caracterizan por su estilo visual elegante y sin fisuras. A pesar de ello, se las arregla para equilibrar lo serio con lo absurdo. Véase por ejemplo, la dilerante cena romántica con champán en "Ninotchka"-1939, donde Greta Garbo, interpreta a una luminosa heroina (en realida es una emisaria comunista enviada desde Rusia para vender joyas confiscadas en provecho del Gobierno) cuyos favores trata de conseguir un play boy utilizando la suntuosidad parisina, Lubitsch se arriesga a parecer sentimental, pero el público suplica más.

  ¿Quién puede negar el conmovedor impacto que provoca el sombrerito por el que Ninotchka suspira que se refleja en su rostro y en las palpitaciones de su corazón cuando se lo pone?. Y el ejemplar de "Ana Karenina"-1935 con el clavel rojo dentro quedará para siempre como simbolo del individuo tenaz y animoso que trata de expresar su romanticismo.

  La historia pues, tiene lugar en Nueva York a lo largo de 70 años (1872-1942) y brevemente en una mansión rústica de Kansas. Y en donde un tal Henry Van Cleve, de 70 años, muere con mala conciencia por la vida desordenada que ha llevado. Le pesan sus desvaneos de mujeriego, juerguista y calavera, y sus frecuentes infidelidades matrimoniales. Por ello se presenta espontaneamente en el vestíbulo del infierno, donde es recibido por un diablo vestido con corrección y elegancia, al que llaman Su Excelencia.

  Le ruega que cuente su vida para juzgar si merece o no la pena eterna. En el relato tienen papeles importantes su mujer Martha, su padre Randolph, su madre Bertha, su primo Albert y su abuelo Hugo.

  Henry es caballeroso, elegante, educado, cinico y vividor, Martha es atractiva, hermosa y cautivadora. Los padres son severos y estrictos. El abuelo es comprrensivo, liberal y el mejor amigo de Henry, Albert es soso y presumido...

  La pelicula suma comedia, drama, fantasia y romance. Es un trabajo rico en sutilezas ingeniosas y ocurrentes. El humor visual predomina sobre el verbal, a diferencia de películas anteriores del director. El discurso es menos sofisticado que el habitual de Lubitsch y mas natural y espontáneo. El humor es más americano (referencia al humor neoyorquino) y el tono que emplea es más sosegado y natural.

  La comicidad no se presenta de modo torrencial, sino que se adapta a las caracteristicas de un relato destinado a la contemplación sosegada y tranquila de las cosas. Los lances de humor son menos evidentes, más silenciosos y más sútiles. Los cambios no responden a decisiones caprichosas del director, sino a la necesidad objetiva de adaptar tonos, estilos y contenidos a una situación diferente, marcada por  la incorporación del pais a la 2ª Guerra Mundial. Pese al enorme esfuerzo de guerra que asume la población, el clima general que se vivia en la calle era de honda preocupación.

  En 1942 y 1943 el conflicto se veia incierto y dificil. Es por ello por lo que Lubitsch administró su humor de modo más amable, menos corrosivo y menos hiriente. Trató de hacerlo compatible con una historia de buenos sentimientos e ideas abiertas y tolerantes, que ensancharon y transmitieron sensación de fuerza y capacidad de resistencia.

  Las principales burlas se formulan con parodias del autoritarísmo, la intransigecia, las restricciones a la libertad y personajes que encarnan la imágen del enemigo, como Herman Goering. Con frecuencia, la ironia se basa en observaciones entrañablemente dmésticas (la cocina, el ama de casa, la conversación en la mesa, la disputa matrimonial). Los golpes de humor se presentan en ocasiones como una cálida critica familiar, en especial de las familias muy unidas con poco amor y escasa emoción.

  Mira con humor la arquitectura y la decoración del hogar (la casa que no cambia al ritmo de la ciudad, la gélida arquitectura a la manera de Le Corbusier y la decoración ultramoderna del vestíbulo del infierno). Extrae humor de la indulgencia que propone con la vida silenciosa y desordenada y de la censura condesciente de la infidelidad conyugal. No falta el humor basado en el absurdo disparate, como la comparación que un personaje hace de si mismo con un vestido.

  Lubitsch vuelca en el relato, tal vez con mayor intensidad que en otras ocasiones, sus obsesiones de siempre sobre los mitos que le preocupan, como el de don Juan, Fausto, Casanova, Romeo y Julieta, Tristán e Isolda, la mujer como madre, la muerte con rostro de mujer (mito griego de Perséfone o romano de Proserpine), el de Caronte, barquero de los muertos, etc. Pese a ser una película de lances más bien aislados y breves, presenta algunas escenas magníficas, como la de la libreria, la clase de la tutora, la conversación durante el desayuno del domingo, la disputa matrimonial por una tira cómica, la puerta cerrada, etc.

  La banda sonora fue obra de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Fue uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante su carrera la friolera de 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo el premio en 9 ocasiones, en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Fue el mayor de diez hijos. Comenzó a estudiar piano a la edad de 5 años. Ayudó a complementar los ingresos de su familia tocando en teatros y restaurantes. Entre sus películas premiadas se pueden citar: "La colina del adios" ("Love is a Many- Splendored Thing"-1955) y "Camelot"-1967.

  Y en esta historia irónica y tierna a la vez, recogiendo una partitura de acompañamiento festiva e irónica, con toques dramáticos, surrealístas y de canto a la vida. Añade cortes tradicionales del momento y tomados de la opereta de Franz Lehár "La viuda alegre". El tema principal está tomado de la versión instrumental para orquesta que Newman ofrece de la bellísima melodia "El vals  de la viuda alegre".

  De la fotografia en color se encargó Edward Cronjager. Un director de fotografía nacido en Nueva York, Cuya carrera abarcó desde la era del cine mudo hasta la década de 1950. Su primera película sonora fue "Nothing But the Truth"-1929 protagonizada por Richard Dix. Su trabajo abarcó más de 100 películas e incluso algún trabajo para la televisión hacia el final de su carrera. Filmó películas en blanco y negro en color e incluso llegó a utilizar el sistema Cinemascope por ejemplo en "Duelo en el fondo del mar" ("Beneath the 12-Mile Reef"-1953) protagonizada por Robert Wagner. Su última película fue ·Devil’s Partner"-1961 protagonizada por Edgar Buchanan.

  Y en esta historia de un Casanova arrepentido, mostrando las imágenes en un halo de irrealidad que se corresponde con la naturaleza de un relato que se narra desde el más allá. El predominio de los tonos grises y celestes y de los brillos refuerza las sensaciones de magia y sobrenaturalidad. Añade una breve y simpática secuencia de cabaret a cargo de las Ziegfeld Follies.

  Muy bien todo el reparto de actores elegidos aqui por el gran Lubitsch encabezado aqui por la bellisima Gene Tierney "Laura"-1944 y por el galán (de por aquel entonces) Don Ameche "Serenata argentina" (Down Argentine Way"-1940), ella como Martha y él como Henry.

  Y con ellos Charles Coburn "Los caballeros las prefieren rubias" ("Getlemen Prefer Blondes"-1953) como Hugo; Louis Colhen "Encadenados" (Notorious"-1946) como Randolph; Spring Byigton "Vive como quieras" ("You Can’t Take It with You"-1938) como Bertha; Allyn Joslyn "Sólo los ángeles tienen alas" (Only Angels Have Wings"-1939) como Albert...

  En definitiva: Una magnífica película intrascendente y muy divertida.  Sobresaliente.

  "El diablo dijo no" Obtuvo tres nominaciones al Oscar: Película, Director y Fotografia en color.

 

29/09/2020 06:39 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy - 1942)

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  "Soy un yanqui engreido. Yanqui hasta morir."

  Muy buena película de género biográfico-musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Robert Buckner y Edmund Joseph. El primero fue un guionista y escritor de cuentos nacido en Virginia. Estudió en la Universidad de Virginia y en la de Edimburgo y comenzó su carrera como profesional a los 20 años como corresponsal en Londres para el Nueva York  World. Se unió a la Warner Bros como escritor. Su primer trabajo fue con la película "En busca del oro" ("Golds Is Were You Find It"-1938). Tuvo un gran éxito con "Dodge City"-1939 protagonizada por Errol Flynn.

  En 1947 dejó la Warner y se mudó a la Universal Pictures alli escribió y produjo varias películas entre ellas "La legión de los condenados" ("Rouges Regiment"-1948), "Fren for All"-1949 y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951). Su último trabajo para el cine fue para la 20th Century Fox con el western "Del infierno a Texas" ("From Hell to Texas"-1958) de Henry Hathaway.

  Y en cuanto a Edmund Joseph. Otro guionísta nacido en Texas, que a pesar de haber comenzado en 1928 con la película "Forget Me Not", trabajó muy poco para el cine. Su último trabajo fue con "El código del amor" ("Sing Your Way Home"-1945) de Anthony Mann. En 1951 trabajó en un episodio de la serie televisiva "Front Page Detective"-1951-1952 protagonizada por Edmund Lowe.

  "Yanqui Dandy" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza, profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico, y el más destacado de todos ellos era Michael Curtiz.

  Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias de humor, cine negro... pero su punto fuerte eran las películas de acción, a las que infundia un contagioso brio, "Robin de los bosques" ("The Adventure of Robin Hood"-1938) sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolifico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó espectáculos biblicos al estilo de Cecil B. DeMille, en 1926 llegó a Estados Unidos ya con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihaly Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes, filmó más de 80 peliculas de la productora, entre ellas "20.00 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigada"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels With Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("Private Lives of Elixabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Michael Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte a los 75 años. Su última película fue el western "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961) protaginizado por John Wayne.

  La historia pues, que nos cuenta el maestro Curtiz tiene lugar en Washington, Nueva York y otras localidades de Estados Unidos entre 1878 y 1942. Alli George M. "Geo" Cohan hijo de Jerry y Nelie Cohan, actores de variedades, y hermano de Jessie. Los cuatro forman el grupo "The Four Cohan". George se asocia con el productor Sam Harris y se relaciona con Mary, aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de varieades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de "Yankee Doodlie Dandy". Su padre es de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Su madre es la espina dorsal de la familia, apoya a su marido y a sus hijos y garantiza la unidad del grupo artistico que forman los cuatro. Mary deja que "Geo" ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde el maestro curtiz desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, creando una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

  La película destila alegria, jovialidad y oprtunísmo. De ese modo crea el marco adecuado para transmitir sentimientos de cohesión social y exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se habia visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del pais en la 2ª Guerra Mundial. La película forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto bélico y del esfuerzo colectivo que este exigia. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador de Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó a la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del pais.

  La banda sonora fue obra de Heinz Roemheld. Un compositor nacido en Wisconsin. Fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad. Se graduó en el Wilwaukee College of Music a los 19 años y actuó en teatros para ganar dinero y pagarse sus estudios de piano en Europa. En 1920 se fue a Berlin, donde estudió con Hugo Kaun, Ferruccio Busoni y Egon Petri. Mientras estuvo alli, formó parte de la Filarmónica de Berlin.

  De regreso a Estados Unidos, se mudó a Los Angeles y se convirtió en un destacado compositor de cine. Anotó algunas escenas de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), aunque no fue acreditado en los titulos de crédito. Entre las más de 400 películas para las que compuso música se encuentran "El hombre invisible" ("The invisible Man"-1933), "Gentleman Jim"-1942 y "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947). Ganó un Oscar por "Yanqui Dandy" /("Yankee Doodle Dandy"-1942).

  Y en esta brillante historia reuniendo cortes de George Cohan, que acompaña con números de bailes espectaculares y de grata factura. Como musica añadida aporta canciones del momento y composiciones tradicionales como "Battle Hymm of the Republic" y "When Johnny Comes Marching Home". También se ofrecen en total fragmentos de unas 35 canciones diferentes, que se integran en el desarrollo de la historia y aportan elementos de progresión al relato.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigidanpor James Wong  Howe. Un director de fotografía nacido en Taishan (China). Trabajó en más de 130 películas. Se especializó en el uso de sombras y en el enfoque profundo, lo cual permite que tanto el primer plano como el lejano permanezcan enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo.

  Entre 1930 y 1940, fue uno de los grandes directores de fotografía más renombrados de Hollywood. Fue nominado en 10 ocasiones al Oscar y lo ganó en dos de ellas con "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto"-1955) y "Hud-1963. Nació en China pero su familia se trasladó en 1904 a Estados Unidos donde su padre habia conseguido un trabajo en el Ferrocarril Pacifico Norte.

  Y en esa sobresaliente biografía, construyendo una visualidad que prima la espectacularidad de los números de baile y la sinceridad de los pasajes referidos a la vida del protagonísta.

  Sensacional James Cagney, "Al rojo vivo" ("White Heat"-1949) dando vida a George M. Cohan, y en donde demostró sus grandes dotes para el baile.

  Y con el gran Cagney, Walter Huston, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treause of the Sierra Madre"-1948) y Roseamary De Camp, "A la luz de la luna" ("On Moonlight Bay"-1951) como Jerry  y Nellie Cohan, los padres de George; Joan Leslie, "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue"-1945) como Mary; Richard Whorf, "Luz en el alma" ("Christmas Holiday"-1944) como Sam Harris; Irene Manning, "Un gángster sin destino" ("The Big Shot"-1942) como Fay Templeton. Y sin olvidar  al pequeño Douglas Croft, "Abismos de pasión" ("Kings Row"-1942) como George M.Cohan a los 13 años.

  En definitiva: Una magnífica película que vale mucho la pena de ver y que goza de muy buena música, excelente coreografía, y la presencia "enorme" de un "gigante" de baja estatura que se llamó James Cagney. Sobresaliente.

  "Yanqui Dandy" logró tres Oscar en 1942: Actor (James Cagmey), Banda sonora nusical (Ray Heindorf y Heinz Roemheld) y Sonido (Nathan Levinson).

  Como anécdota: James Cagney se rompió una costilla durante una de las escenas de baile, pero siguió bailando hasta que terminaon de rodar la escena. (genio y figura).

20/09/2020 09:53 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.


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