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Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth -1962 )

  "La gran diferencia entre la gente no está entre ricos y pobres o entre buenos y malos, sino entre los que supieron amar intensamente y los que jamás lo lograron porque no conocieron el amor". (Chance Wayne).

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una adaptación de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la Fraternidad "Alph Tau Omege", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y en 1947 escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York donde ejerció diversos trabajos y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematohráfica de la novela de éxito "El zoo de cristal". Se confirmó  dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Richard Brooks. Un cineasta nacido en Filadelfia. Tuvo una carrera variopinta. Guionísta convertido en director ganó su único Osacar por el guión "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), si bien fue nominado por otras películas como director y guionísta.

  Aprovechó su experiencia como marine durante la 2ª Guerra Mundial para realizar, una serie de películas de acción cuya uníca fábrica es la plasmación sensible de la camaraderia masculina, buenos ejemplos de ello son las películas bélicas "Campo de batalla" ("Battle Circus"-1953) y "Hombres de infanteria" ("Take the High Groundi"-1953), asi ciomo los westerns revisionistas "La última caza" (The Last Hunt"-1956) y "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), donde se manifiesta

 

22/01/2021 12:33 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Viridiana (1961)

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    Viridiana: "Yo no soy como usted, que tiene a su esposa".

    Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga".

  Otra  de las obras maestras del cine español y de género dramático llevada a la pantalla de una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelista, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialistas y estudiosos de su obra como el mayor novelista español después de Cervantes.

  Del guión se encargaron Julio Alejandro. Un poeta y escritor nacido en Huesca, Fundamentalmente conocido por su labor como guionista de Luis Buñuel y considerado como uno de los mejores guionístas de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Eeliz Año amor mio". A principios de los años 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creada en colaboración con Salvador Dali. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apólitica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica. Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera"-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 realiza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza y en la finca de don Jaime, tio de una chica llamada Viridiana allá en 1960. Esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por redección de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana, que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, idealísta y frágil. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficionado a la música de órgano. Jorge hijo biológico de don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película suma drama y análisis sociológicos. Enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en don Jaime a causa de su gran parecido que tiene con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de Viridiana se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos del tio.

  El idealismo y la ingenuidad de la joven novicia entran en conflicto con el espiritu materialistsa y utilitarista de su primo Jorge. La personalidad, las creecias y las actitudes de Viridiana se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perspectivas.

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convinciones. Como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestacciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdotes, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes, como el cuchillo que se dobla en forma de cruz, de fabricación nacional y de libre circulación en el mercado del momento. Una hoguera de objetos en desuso evoca, posiblemente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilía, abusos sexuales, intentos de violación, vouyerísmo, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...).

  Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, simbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enajenados, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan las metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, La paloma blanca muerta y desplumada es una premonición de la pérdida de la inocencia.etc.

  La banda sonora fue dirigida por Gustavo Pittaluga. Un compositor y director de orquesta nacido en Madrid. estudió derecho y al mismo tiempo música con el maestro Oscar Esplá. Tras la guerra civil se estableció en México y alli compuso bandas sonoras para varias peliculas de Luis Buñuel como "Los olvidados"-1950. En 1962 regresó del exilio y se estableció en Madrid, donde llevó una vida apartada de toda actividad pública.

  Y aqui, ofreciéndo fragmentos del "Aleluya" de Händel, de la "Misa de Requiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonia de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Sake Your Cares Away").

  La fotografía en blanco y nrgro fue obra de José Aguayo, Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última, intervino en casi más de 120 películas. Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos miticos como: "Locura de amor"-1948 y "El ùltimo cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos obras maestras que realizó en España "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, componiendo unas imágenes evocadoras y sugestivas, que traen a la memoria, la vieja España negra. En varios pasajes se inspiró en grandes maestros de la pintura (Goya, Jean-François Millet y Da Vinci).

  Magistral el mano a mano entre dos monstruos del cine español: Francisco Rabal, "Llanto por un bandido"-1964 y Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1980. Rabal dando vida a Jorge y Rey a don Jaime, y entre los dos una gran Silvia Pinal, "Maribel y la exraña familia"-1960 metida en el cuerpo de Viridiana.

  Y atención a los secundarios de lujo como por ejemplo: José Calvo, "Carta de amor de un asesino" -1973 como don Amalio; Margarita Lozano, "Los Tarantos"-1963 como Ramona; José Manuel Martin, "El último viaje"-1974 como el Cojo; Joaquin Roa, "Jenaro, el de los 14"-1974 como don Ezequiel; Lola Gaos, "Tristana"-1970 como Enedina; Maria Isbert, "El bosque animado"-1987 como Beggar. Y para terminar Teresa (Teresita) Rabal, "Los buenos dias perdidos"-1975 como Rita, la niña.

  En definitiva: Una película de Buñuel segundo por segundo. Una película tan satánica como celestial. Una película  para verla una y mil veces más.  Matricula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de curiosidad: Fue la primera película que Buñuel rodó en España tras su marcha del pais en 1938. Se rodó en escenarios naturales de una finca de las afueras de Toledo y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

 

 


 

13/01/2021 18:18 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El cochecito (1960)

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  "Me dejarán el cochecito en la cárcel?"

  Obra maestra del cine de comedia-satírica y de nacionalidad española llevada al cine con un guión de Rsfael Azcona. Un escritor y guionísta nacido en Logroño y muy consideradp en el cine español con películas como: "El pisito"-1959, "Plácido"-1961 y "El verdugo"-1963, entre otras muchas joyas de nuestro cine. Comenzó como novelista y desde 1951 colaboró en revistas humorísticas como "La codorniz". Gracias al director itaiano Marco Ferreri entró en el mundo del cine, del que ya nunca abandonó.

  En 1999 reescribió su primera novela, "El pisito", que a todos los efectos, según el critico Juan A. Rios Carratalá. editor de la nueva edición es "a todos los efectos, un relato escrito basado en la película que a su vez, se inspiró en la novela de 1957". Es el guionista (hasta la fecha) con mayor número de Premios Goya (6) y nominaciones (12) en las categorias a Mejor guión original y Mejor guión adaptado, además del Goya de Honor que recibió en 1998.

  Asi pues, Ferreri nos lleva a Madrid en los meses de invierno de 1960 y nos mete en la vida de Don Anselmo, un jubilado de más de 70 años que vive en la casa de su hijo Carlos, un procurador de oficio, del cual depende economicamente. Don Anselmo comparte amistad con Lucas, que adquiere un cochecito a causa de su discapacidad motriz que le afecta...

  La película es una comedia dramática, muy bien pertrechada de elementos surrealistas, esperpénticos, negros e irónicos, que son presentados bajo la apariencia de un relato neorrealísta. Se muestra como personas con discapacidad pueden integrarse socialmente y desarrollar una vida saticfactoria. Explica que personas en situación de riesgo social pueden verse empujadas a la marginación y exclusión social por causas diversas (incomprensión familiar, insuficiencia de recursos, edad avanzada, dependencia económica, etc.).

  Explica que los picaros tienden a aprovecharse injustamente de la debilidad ajena para imponer sus intereses y obtener beneficios, que los ancianos tienen dificultades específicas de relación y comunicación que deben ser atendidas, que la indiferencia ante personas en situación de riesgo social  genera marginación, que las personas con discapacidad pueden crear entre ellas relaciones de exclusión, que la ciudad es un lugar muy apto para las actividades integradoras.

  No falta en la película la escena de una comilona (reúne a Alvárez, don Vicente y don Anselmo). Pueden verse criticas al régimen autoritario del pais y a su situación politica y económica en unos momentos de incertidumbre y cambio. Con todo, el objeto de la pelicula consiste en ofrecer, sobre tdo, un discurso de humor basado en lo ridiculo, grotesco y esperpéntico que acompaña con frecuencia a la condición humana.

  De la música se encargó Miguel Asins Arbó. Un compositor nacido en Barcelona. En 1944 ingresó por opsición en el Cuerpo de Directores del Ejército de Tierra con el número uno de su promoción. Se retiró del ejército con el grado de comandante, y pasó a ocupar la cátedra de acompañamiento en el Conservatorio de Música de Madrid. Compuso una multitud de géneros: orquesta, banda de música etc., contribuyendo eficazmente al incremento del repertorio  sinfónico valenciano (aunque nacido en Barcelona su carrera la desarrolló totalmente en Valencia) de estas agrupaciones, para el cine, música de cámara, canciones, etc..

  Para el cine compuso música en muchas y variadas películas donde hay que destacar: "Plácido"-1962, "El verdugo"-1963 y "La vaquilla"-1985 entre como digo oytras muchas mas. En 1950 ganó el Premio Nacional de Múica.

  Y aqui, aportando una partitura original para banjo y percusión, que hace crear un clima extraño y popular, muy acorde con la acción.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Juan Julio Baena. Un director de fotografia nacido en Alcazar de San Juan (Ciudad Real). Comenzó su carrera en el cine en 1959 con "Los golfos" de Carlos Saura y en 1960 con "El cochecito". Obtuvo la medalla del CEC a la mejor fotografia por "Búsqueda de las estrellas". Cuenta también en su haber con "La tia Tula" y "Con el viento solano" ambas de 1965. También trabajó para la televisión en 1968 en la serie "Cuentos y leyendas".

  Y aqui, recreándose con unos planos largos y distantes, que alejan los personajes del espectador y propician la no identificación  de éste con aquellos. De ese modo se establecen espacios abiertos a la ironía, la ridiculización y el sarcasmo. Con frecuencia se muestra a los discapacitados de espaldas y a cierta distancia. Abundan las tomas en exteriores de Madrid, que tienen gran valor documental (escolares de uniforme acompañados de dos monjas de la Caridad, visitas al cementerio, obras en la via pública, tráfico, etc.).

  Sensacional (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de Don Anselmo. Y con él otro grande de nuestro cine José Luis LópezVázquez, "Mi querida señorita"-1972 como Alvarito. Seguidos por: Pedro Porcel, "El sol en el espejo"-1963, como Carlos el hijo de Don Anselmo; Maria Luisa Ponte, "Moros y cristianos"-1987 como Matilde; José Lepe, "Plácido"-1961 como Lucas; Angel Alvárez, "El anacoreta"-1976 como Alvárez; Maria Isbert, "El primer divorcio"-1982 como Andrea; Chus Lampreave, "Volver"-2006 como Yolanda...

  En definitiva: Uno de los grandes clásicos del cine español (y europeo). Una feroz critica social y un impresionante trabajo del gran José Isbert. Matricula de Honor.

  "El cochecito" logró el Premio de la critica en el Festival de Venecia en 1960.

 

 

 

08/01/2021 09:39 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Un dia en Nueva York (On the Town - 1949)

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      Ellos pintan la ciudad con alegria

  Entretenidísima película de género musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Adolph Green, "Cantando bajo la lluvia" ("Singing’ in the Rain"-1952) y Betty Comden, "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955). Comden, una actriz y escritora nacida en Nueva York, al igual que Green, y ambos tuvieron una colaboración muy estrecha escribiendo guiones y canciones de algunos de los musicales más famosos del cine, y en películas mientras formaron parte de la unidad de producción de Arthur Freed en la MGM, en los años de mayor éxito del género. Mucha gente pensaba que la pareja eran matrimonio, pero únicamente eran colaboradores compartiendo un genio cómico único y sofisticado que les permitió, a lo largo de seis décadas producir algunos de los mayores éxitos de Hollywood y del circuito de Broadway.

  "Un dia en Nueva York" está dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly. Donen, un director nacido en Carolina del Sur. A Donen se le asocia con algunas de las películas más innovadoras de Hollywood de finales de los años cuarenta y cincuenta. Bailarin en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en los espectáculos teatrales de arte y luego en películas. Se le confió la puesta en escena de los números musicales de "Llévame a ver el partido" ("Take Me out ti the Ball Game"-1949), donde Kelly actiaba junto a Frank Sinatra.

  La primera película de Stanley Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly, que compartía la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, pero más viril y realista. "Un dia en Nueva York" también reutilizaba exteriores de la ciudad de Nueva York. Tras realizar "Bodas reales" ("Royal Wedding"-1951), con Fred Astaire, Stanley Donen dirigió de nuevo a Kelly en "Cantando bajo la lluvia" ("Singin ’ in the Rain"-1952). Considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actuación de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), fue un enérgico musical rural, con coreografía de Michael Kidd. Donen volvió a trabajar con Kelly y Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"´-1955), "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más comercial, permitió a Donen trabajar de nuevo con Fred Astaire. En "Juego de pijamas" ("The Pajama Game"-1957) compartió la dirección con George Abbott, que escribió y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscret"-1958), Stanley Donen volvió a compartir dirección con George Abbott en "Malditos yanquis" ("Damm Yankees!"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las peliculas románticas. Trabajó dos veces más con Cary Grant, en "Página en blanco" ("The Grass is Greener"-1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una road-movie con el romanticismo. Las últimas películas de Donen fueron manidas, y carentes de la energia cde sus primeros trabajos.

  Gene Kelly. Un actor y director nacido en Pensilvania. Fue el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac, y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz, ronca y melòdica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Broadway con "Pal Joey", de Rogers y Hart, y seguidamente marchó a Hollywood para aparecer junto a Judy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Gal"-1942). "Las modelos" ("Cover Girl"-1944) le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominado para el Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945).

  Gene Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin ’ in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Alway Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles. Su trabajo con Vincent Minnelli en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) no desmereció a las películas anteriores, aunque presentaba un mayor estilismo. "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956) dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un hilo conductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello, Dolly!"-1969, con Barbra Streisand fueron más convencionales. En 1951 fue galardonado con un Oscar especial por su carrera coreográfica. Fue el presentador ideal para la recipilación de grandes musicales realizados por la MGM, "Eráse una vez en Hollywood" ("That’s Entertaiment!"-1974) y sus secuelas.

  Asi pues, Donen y Kelly nos llevan hasta Nueva York a lo largo de las 24 horas (de 6 de la mañana a 6 de la mañana), de un dia de primavera de 1949. Y nos muestran la historia de tres marinos, Gabey, Chip y Ozzie, natuturales de pequeñas poblaciones del interior de Estados Unidos y que no conocen Nueva York y por supuesto quieren descubrirla y vivirla intensamente, durante esas 24 horas. Conocen a Ivy, ganadora de un concurso de belleza y estudiante de ballet; a Brunhilde "Hilde" taxista desenvuelta, y a Claire estudiante de antropología. Asi forman tres parejas: Hilde - Chip; Ivy-Gabey; y Claire - Ozzie, avidos de vivir y divertirse...

  La película suma musical, comedia y romance. El argumento es sencillo y esquemático, pero suficiente para sostener los números musicales. Las escenas rodadas en los exteriores de Nueva York confieren a la historia un brillo especial. La ciudad alegre y fascinante, se erige en protagonísta de la película.

  Las tres parejas recorren la ciudad: visitan la estatua de la Libertad, el Museo de Historia Natural, el Symphony Hall, el Rockefeller Center, el Metro, el Puente de Brooklyn, el puerto, Central Park, Wall Street, etc. La ciudad se presenta como un conjunto monumetal vivo, en el que florecen con esplendor la musica, el baile, la pintura, las finanzas, el progreso, la ciencia, la enseñanza, la alegria, etc. La visita nocturna muestra salas de fiestas abarrotadas, ambientes de diversión con música y baile y la presencia mayoritaria de una juventud que impone alrgria y sus ganas de vivir.

  Bajo la apariencia de una historia sencilla e inocente, la película apuesta a favor de la nueva cultura, los nuevos valores y las nuevas costumbres surgidas en los años de la 2ª Guerra Mundial y que se encuentra en proceso de generalización y consolidación. Muestra con complaciencia la figura de la mujer trabajadora, con iniciativa, independiente, libre de viejos prejuicios, que convive con los chicos en términos de igualdad, hace deporte (incluso atletismo) y es capaz de llevar la iniciativa.

  Entre bromas  y risas, el guión apoya con decisión los valores propios de los nuevos tiempos y la ruptura que suponen cin los viejos. La chica es la que elije al chico, no oculta la pulsión del deseo y sin remilgos al muchacho a hacer el amor en su casa.

  Se hacen varias referencias explicitas al australophitaus como el "Hombre erecto". La antropología muestra su interes por el cuerpo masculino y sus proporciones. Un erotismo sugerido, sútil y natural, informa los bailes. las letras de las canciones y el texto de un guión que pone en boca de Hilde estas palabras: "El queria ver vistas y yo se las he enseñsado todas".

  Se presentan en términos criticos los valores de los mayores, como la mercantilización de favores, atenciones y excepciones, hecho que lleva a hacer la parodia del proverbio segú el cual "Todo es posible en Nueva York". Critica la hipocresia de los mayores, la aficción desmesurada al alcohol de algunos de ellos, la codicia de la profesora anciana, la corteza de miras del empresario del taxi, la falta de perpectiva del científico, que cuida del dinosaurio, la ineficacia de la policia y sus reacciones desproporcionadas y desmesuradas.

  El humor, presente a lo largo de toda la película, se apoya en lances nada inocentes de lucha de sexos, transgresiones de las viejas convenciones sociales, ridiculización de las antiguas normas de conducta, etc. Se sirve de dos personajes cómicos, el policia poeta (antitésis del policia) y de la ingenuidad de una de las chicas (Pearce), bondadosa, comprensiva y timida. La película compone un canto gozoso y optimista de exaltación de la juventud, la gente trabajadora y sencilla, la alegria de vivir, la diversión y el buen humor, la amistad, el compañerísmo, el compolitísmo, la convivencia multirracial, el deporte, el deseo, el erotísmo, el beso, el sexo, la música, la danza, las canciones, el champán, la libertad y el amor.

  La banda sonora corrió a cargo de Leonard Bernstein, Roger Edens y Lennie Hayton, es brillante, alegre, festiva y cautivadora. Sobresalen las canciones "New York, New York", "My Place", "On the Town". etc.

  La fotografía a todo color fue obra de Harold Rosson. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en 1908 como actor. En 1920 hizo un contrato con Mary Pickford trabajando principalmente con su hermano Jack Pickford. En 1930 y ya como director de fotografía firmó con la MGM y dirigió algunas de las películas más populares de estos estudios como: "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939) y "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’ in the Rain"-1952). Después de una larga y exitosa carrera en Hollywood, se retiró en 1958. Pero salió brevemente de su retiro para hacer "El Dorado"-1966 protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

  Y aqui, moviendo la cámara con precisión, componiendo encuadres milimétricos y sirviéndose de un cromatismo saturado de gran efectísmo. Se beneficia de un decorado espectacular y de un vestuario elegante y sencillo, a tono con la sobriedad de los uniformes de la Marina. Algunas de las secuencias (persecuciones) se presentan a velocidad acelerada para incrementar los sentimientos de tensión y suspense. No falta por supuesto la escena neoyorquina de vértigo.

  Muy bien los tres marinos: Gene Kelly, "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) como Gabey; Frank Sinatra, "Como un torrente" (Some Came Running"-1958) como Chip y Jules Munshin, "La bella de Moscú" ("Silk Stockings"-1957) como Ozzie. Y muy bien las tres chicas por supuesto: Betty Garrett, "Mi hermana Elena" ("My Sister Eileen"-1955) como Esterhazy; Ann Miller, "Bésame, Kate" ("Kiss Me Kate"-1953) como Claire y Vera Ellen, "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954) como Ivy.

  En definitiva: Un espléndido musical humorístico, lleno de referencias implícitas al sexo y de ritmo frenético (a pesar de tener un solo dia). Una película para disfrutarla a tope.  Sobresaliente.

  "Un dia en Nueva York" logró el Oscar a la Mejor banda sonora.

  A modo de curiosidad: el musical fue estrenado en Broadway en el Adelph Theater el 28 de diciembre de 1944.


24/12/2020 11:04 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the SierraMadre - 1948)

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  "No he conocido a un buscador que haya muerto rico."

  Espectacular película de género de aventuras y de género estadounidense llevada al cine de una novela de Bruno Traven. Un actor y novelísta nacido en Alemania. Sus comienzos fueron como aprendiz de mecánico en 1901 cambió de domicilio y marchó a la Baja Sajonia donde hizo el servicio militar. En 1907 trabajó como actor en diversos teatros de provincias (en pequeños papeles). Marchó a México en 1924 donde se vió influido por la Revolución mexicana y en donde escribió sus primeras novelas. Desde México envió sus manuscritos que se traducieron en 44 idiomas. Es ampliamente conocido entre su grupo de amigos de México entre los que figuran Gabriel Figueroa, Tina Modott, Frida Kehlo y Esperanza López Mates (su primera traductora).

  Del guión se hizo cargo el mismo director es decir John Huston. Un cineasta nacido en Nevada (Estados Unidos). Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentememte desiguales. A lo largo de su carrera sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra desigual, combinando películas en las que se entregaba a fondo con otros proyectos a los que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodista e uncluso a formar parte de la caballeria mexicana, en 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Bros. Hizo su debut como director en "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

 

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y de público, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas entre ellas "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y público. "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores peliculas entre ellas, "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950)  y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Durante los años sesenta, perdió del favor de la critica, pero recuperó su prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972), una mirada compasiva al mundo de los boxeadores, y a su épica "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979), una parábola oscura y cómica sobre el pecado y la salvación.

  Su última película "Dublineses" ("TheDead"-1987), rodada mientras estaba conectado a un pulmón de acero en la última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias, basada en el relato de James Joyce, esta despedida emotiva brilló con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  Asi pues Huston nos lleva hasta Tampico (México), y mas concretamente a Sierra Madre y en el camino entre ambas localizaciones, a lo largo de 10 mese, entre febrero y diciembre de 1925. Alli Fred C. Dobbs, Bob Curtin y Howard, tres perdedores norteamericanos residentes en Tampico, que se conocen en el dormitorio municipal para indigegentes "El oso negro". Con el propósito de cambiar su suerte, deciden ir a las montañas en busca de oro. Dobbs es  de media edad, sin trabajo, es desconfiado, mezquino, paranoíco y vive a la deriva. Curtin es joven, ingenuo y honrado. Howard, viejo buscador de oro, tiene principios y es experimentado, sensato y conciliador...

  La película suma aventuras, drama, western y acción. Basicamente para mi, es una historia de aventuras, en la que estas no constituyen el fin último del relato, sino el medio através del cual Huston explora aspectos de la condición humana relacionados con la ambición, la codicia, la avaricia y el egoismo. Su estudio se plantea, sobre todo, cuando el ser humano se ve sometido a condiciones extremas, sean fisicas (deshidatración, fatiga, desnutrición...), psicológicas (desesperación, desamparo, soledad...) o emocionales (angustia, miedo...).

  Muestra como y en que medida la obtención del oro tiende en general, a impulsar afanes de posesión, acumulación y rapiña. Estas conductas en algunos casos se menifiestan como reflejo de estados de descontrol, aliencción o locura. La fascinación que, en general, el ser humano siente por el oro puede dar lugar a enfrentamientos, disputas y luchas cruentas, derivadas de pulsiones asociadas a la codicia.

  Los choques personales se plantean y resuelven en la película, por medio de un juego brillante de diálogos, que dibuja un cuadro complejo y rico en detalles de la psicología y de las interrelaciones de los personajes.

  Se analiza la camaraderia masculina y sus contrarios: el individualísmo, el egoísmo y las disputas que esterilizan la cohesión del grupo. Se construye un retrato no superado en otras peliculas de la figura del derrotado por la vida y del fracasado. Se explora con lucidez la mediocridad, mezquinidad, debilidades y miserias del ser humano. Se envulve la acción en una atmósfera desosegante.

  La película se apoya en un etraordinario guión que capta muy bien el espiritu de la novela original y lo traslada con eficacia a la pantalla. Destaca la magnifica dirección de actores, de los que Huston extrae soberbias interpretaciones.

  La banda sonora fue dirigida por Max Steiner. Un compositor nacido en Viena (Austria) (nacionalizado estadounidense). Se estableció en Hollywood en 1929 cuando empezó el cine sonoro, con obras maestras como "Lo que el viento se llevó" ("Gome Whit the Wind"-1939). Estuvo nominado al Oscar en 20 ocasiones obteniéndolo en 3 ocasiones por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942) y "Desde quete fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui ofreciéndo una partitura orquestal de tonos grandiculentes, que sabe aprovechar el lirismo de los solos (trompeta, armónica...), la emotividad del canto coral (escena del poblado) y el aire feativo de las melodias mejicanas. Tiene un formato de fanfarria el corte "En marcha".

  La fotografia en blanco y negro fue dirgida por Ted D. McCord. Un director de fotografía nacido en Indiana. Sus comienzos fueron como ayudante de laboratorio cuando contaba 17 años de edad. Su primera película acreditada como director de fotografía fue "Sacred and Profane Love"-1921. A principios de 1930 pasó breve periodos en la Universal, Columbia y RKO y finalmente se estableció en la Warner Bros. Estuvo nominado al Oscar por "Belinda" ("Johnny Belinda"-1948) y por "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1985).

  Y aqui creando una visualidad de composiciones muy bien construidas, aportando a las imágenes verismo y realismo clasicista y añadiendo algunas secuencias espectaculares.

  Magistral el trio protagonísta encabezado por  el actor fetiche de Huston es decir por Humphrey Bogart, "La condesa descalza" ("The Bareffot Contessa"-1954) como Dobbs, y seguido por (el padre del director) Walter Huston, "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942) como Howard, y por Tim Holt. "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942) como Curtin.

  Y muy bien secundados por: Bruce Bennett, "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) como Cody; Barton MacLane, "El último refugio" ("High Sierra"-1941) como Pat McCormick; Alfonso Bedoya, "La rosa negra" ("The Black Rose"-1950) como Gold Hat...

  En definitiva: Una de las obras cumbres de la cinematografia mundial, y de John Huston en particular.  Matricula de Honor.

  "El tesoro de Sierra Madre" logró 3 Oscar en 1948: Mejor director, Mejor Actor secundario (Walter Huston) y Mejor guión.

  Como curiosidad: En la pelicula John Huston hace un pequeño papel dirigido por Bogart, en el interpreta a un turista americano. Bogart se tomó muy en serio su trabajo, y le hizo repetir en numerosas ocasiones la escena. Las malas lenguas aseguraron que Bogart lo hizo con intenciones maliciosas.

 

 

 

 

 

 

10/12/2020 17:15 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Larga es la noche (Odd Man Out - 1947)

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  Unos quieren salvarse, otros quieren la recompensa...

  Magnífica película de género dramático y de nacionalidad británica, llevada al cine de una novela de F. L. Green. Un escritor nacido en Inglaterra. Publicó su primera novela en 1934 titulada "Julius Pentun". Su última obra fue "Ambush for the Hunter" publicada en 1953.

  Del guión se encargaron el mismo Green y R. C. Sherriff. Un escritor nacido igualmente en Inglaterra. Estudió en el New College de Oxford de 1931 a 1934. Primero escribió una obra de teatro para ayudar al Kingston Rowing Club con motivo de recaudar fondos. Estuvo nominado al Oscar por su guión adaptado en la película "Adios, Mr. Chips" ("Goodbye, Mr. Chips"-1939) protagonizada por Robert Donat y Greer Garson.

  "Larga es la noche" está dirigida por Carol Reed. Un director nacido en Londres. Las primeras películas de Carol Reed fueron muy dispares, desde dramas sociales como "El amor manda " ("Bank Holiday"-1938) a comedias hilarantes como "Cuidado con lo que haces" ("Climbing High"-1938). Su primera película importante fue "Las estrellas miran hacia abajo" ("The Stars Look Down"-1940) narra el ascenso del hijo idealista de un minero hasta un puesto en el gobirerno, y muestra una adusta autenticidad en las escenas de la bocamina. Luego dirigió una de las mejores películas británicas de propaganda bélica, "Hacia adelante" ("The Way Ahead"-1944).

  Tras la guerra Carol Reed realizó tres películas personales, que revelan un incierto fatalismo y una percepcion de la ironia trágica, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) narra las últimas horas de un nacionalista irlandés que huye a Belfast. "El idolo caido" ("The Fallen Idol"-1948), el hijo de un diplomático cree haber visto cometer un asesinato al único hombre al que aprecia. "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) que se desarrolla en la ciudad dividida de Viena, un ingenuo estsdounidense tiene que reconocer que su más viejo amigo es un malvado explotador y asesino. Las dos últimas pelìculas se basan en un guión de Graham Greene. "El tercer hombre" está considerada de inmediato como un clásico, alcanzan su punto culminante las mejores cualidades de Reed: su sensibilidad para las localizaciones y su arte para elegir y dirigir a los actores.

  Posteriormente, Carol Reed pareció perder el rumbo, " Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) resultó decepcionante y "Se interpone un hombre" ("The Man Between"-1953) parecia una cansada reiteración de "El tercer hombre". Solo en dos ocasiones dió sintomas de recuperar su buena forma, "Nuestro hombre en la Habana" (Our Man in Havana"-1959) volvió a reunirle con Green en una sarcástica comedia de espias con estilo y "Oliver"-1968, su alegre versión cinematográfica del musical dickensiano de Lionel Bart, que fue acogida con una bateria de premios de la Academia.

  La acción tiene lugar en una ciudad portuaria del norte de Irlanda (Belfast), a lo largo de unas 12 horas (de mediodia a medianoche) en torno a 1920 antes de  la independencia de Irlanda (1923). Y narra la historia de Johnny McQueen, lider de  una cédula del Sin Fein, organización independiente. Tras 6 meses en prisión hasta su huida y 6 meses de reclusión en casa de Kathlen Sullivan, Johnny planea un atraco para obtener fondos para la financiación del grupo. Cuenta con la ayuda de Nolan, Murphy y Pat...

  La película nos muestra un pueblo irlandés en el que el compañerismo, el sentido de la amistsd, la religiosidad y el catolicismo imformam el ambiente colectivo. Pese a ello. el temor a las represalias en tiempos de guerra hacen mella en el ánimo de muchos, incluidos los compañeros del atraco. La ciudad de Belfast, simbolo de Dublin, se erige en un protagonista activo y relevante de la película, a la que aporta un escenario magnífico de callejuelas estrechas, rincones sombrios, edificios abandonados y viviendas cerradas ante el despliegue militar.

  Herido a la salida de la fábrica y tras caer del coche en el que huia, se ve inmerso en un viacrucis de dolor fisico y moral. En su calvario se topa con personajes diversos que ante su situación reaccionan de diferente modo. Un mendigo pide dinero para revelar su paradero, el pintor Lucky quiere aprovechar su rostro para crear una obra maestra, un cochero le ayuda hasta que lo abandona en un rincón oculto, unos taberneros lo acogen con el cierre anticipado del establecimiento. El padre Tom quiere salvarle la vida y entregarlo a la policia.. Solo Kathleen le busca sin condiciones y con propósitos firmes.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Robert Krasker. Un director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto), pero su nacimiento se registró en Australia, viajó a Inglaterra en 1937 a través de estudios fotográficos en Paris y Dresde (Alemania), alli encontró trabajo gracias a Alexander Korda para sus estudios London Films, donde se convirtió en un operador de alto nivel de la cámara. Su primera película como director fue "El sexo débil" ("The Gentle Sex"-1943) dirigida por el actor Leslie Howard.

  Las películas de Krasker estuvieron fuertemente influidas por el cine negro y el expresionísmo alemán. Logró un Oscar por "El tercer hombre" ("The Third Men"-1949) dirigida por Carol Reed. Fue el primer director de fotografía australiano en ganar un Oscar.

  Y en esta angustiosa soledad de un fugitivo mostrando como si fuera un sueño expresionísta de sombras angustiosas, encuadres de abajo arriba inquietantes imágenes distersionadas en cámara subjetiva, de relojes que marcan la acción contrareloj (atraco, huida de la policia, etc.). Son escenas memorables la caida del coche y la escena final, de factura magistral. La lluvia intensa y el frio de nieve incrementan la desprotección de Jonnny.

  La banda sonora fue realizada por William Alwyn. Un compositor y director de orquesta nacido en Northampton (Inglaterra). Desde muy temprana edad mostró su interes por la música y comenzó a aprender el flautín. A los 15 años ingresó en la Royal Academy of Music de Londres. Años mas tarde trabajó como profesor de composición desde 1926  a 1955. Su producción musical ha sido muy variada y llegó a componer bandas sonoras para más de 70 películas desde 1941 a 1962 incluyendo titulos como "Los asesinos del Kilimanjaro" ("Killers of Kilimanjaro" -1959) protagonizada por Robert Taylor y "Sombras de dsospecha" ("The Naked Edge"-1961) que fue la última película del gran Gary Cooper.

  Y en esta huida sin destino ampliando con un gran dramatismo y suspense en cada una de las escenas.

  Sensacional James Mason, "Lolita"-1962 metido en el maltrecho cuerpo de Johnny McQueen. Y seguido por Robert Newton, "El pirata Barbanegra" ("Blackbeard the Pirate"-1952) como Lucky; Cyril Cusak, "La mujer indomable" ("The Taming of the Shrew"-1967) como Pat; F.J.McCormick, "La osa mayor y las estrellas" ("The Plough and the Stars"-1936) como Shell; William Hartnell, "El ingenuo salvaje" ("This Sporting Life"-1963) como Francie; Dan O’Herlihy, "Robocop"-1987 como Nolan; Kathleen Ryan, "Orgullo de raza" ("Captain Lightfoot"-1955 como Kathleen Sullivan...

  En definitiva: Una magnifica película y con un final sencillamente memorable. Sobresaliente

  "Larga es la noche" estuvo nominada al Oscar al Mejor montaje.

01/12/2020 19:00 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Pasión de los fuertes (My Darling Clementine - 1946)

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       "¡Cuando se saca un arma es para matar!"

  Obra maestra del género de western y de nacionalidad estsdounidense llevada al cine de una novela de Stuart Lake. Un escritor nacido en Nueva York y muy conocido por sus libros sobre el Viejo Oeste. En 1931 su biografia sobre Wyatt Earp "Frontier Marshall" fue un éxito de ventas, y en 1939 fue llevada al cine con el mismo titulo protagonizada por Randolph Scott, y al igual pasó con "My Darling Clementine" unos años después.

  El guión corrió a cargo de Samuel G. Engel. Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Obtuvo el titulo de farmacólogo en la Facultad de Farmacia de Albany y fue propietario de una cadena de farmacias n Manhattan. En 1930 se mudó a Los Angeles y firmó un contrato como asistente de dirección para la Warner Bros y en 1933 fue contratado por la 20th Century Fox hasta 1962. Fue presidente del Sacren Producers Guild de 1955 a 1958 y fue fundamental en la promoción de productores de televisión donde formó parte en la Producers Guild of America.

  "Pasión de los fuertes" está dirgida por John Ford. Un director nacido en Maine (Estados Unidos). Un consumado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos han celebrado a Ford por su intenso carácter pictórico, plasmado no solo en los bellos paisajes de sus películas sobretodo el Monumental Valley de Arizona, si no también en los propios humanos, presentados de manera estética e icónica. También se ha elogiado su capacidad para comunicar mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al minimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solia ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal selecionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scotland"-1936) que no ponen de manifiesto la personalidad del director, están realizadas con una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las películas más memorables de Hollywood, "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939) demuestra su impresionante sentido de belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre en una memorable biografía, "La diligencia" ("Stagecoach"-1939) rescató el western que habia quedado relegado a la serie B. La pelìcula que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Riio Grande"-1950 antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("The Seachers"-1956) y "El hombre que mató a Liverty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) donde exponia la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  John Ford ya exploró los vacios ideológicos y exclusiones del western antes que los revisionistas del género posteriores a la época de auge de los grandes estudios. "El sargento negro" ("Sergeant Rutledge"-1960) aborda el racismo mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumn"-1964) adopta el pinto de vista de los indios americanos empujados a la desesperacción por el peligro de extinción. Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general los westerns basan sus fuerzas y vigor en la explotación de estereotipos, Liverty Valance deconstruye el mito del héroe/villano, respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el delor fisico que causa la violencia y que otros tienen que soportar Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus peliculas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra, se caeacterizan también por el patriotismo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento, "No eran imprescindibles" ("They Were Expendable"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanza de refuerzos ni de rescate. Es un himno inolvidable al valor, con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones.

  "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la guera de Secesión, enfrenta al aguerrido comandante de caballeria John Wayne, totalmente leal a su misión, con el médico del regimiento William Holden, que lamenta el sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega más allá de un duro choque de sensibilidades, para resolverse, al auténtico estilo fordiano con una pelea a puñetazos.

  John Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imagineria cuidadosamente diseñada. En su versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinbeck se evoca la pobreza y la ruina de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodaje en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió buen resultado en "El fugitivo" (The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las peliculas de Ford más celebradas son los temas célticos, y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evocan eficazmente la familia y la tradicción, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  La acción tiene lugar en Tombstone y alrededores en 1882. Y en donde el maestro del western nos cuenta la historia de Wyatt Earp, antiguo sheriff de Dodge City, convertido ahora en tratante de ganado junto a sus hermanos Virgil, Morgan y James. El asesinato de este por unos desconocidos hace que Wyatt se detenga en la ciudad y acepte el cargo de sheriff, deseoso de descubrir quien asesinó a su hermano y robó las reses que conducian a California. Les ayuda el médico John "Doc" Holliday, un hombre alcohólico y enfermo...

  Obra maestra del western. Si señor.  La película pues, toma numerosas licencias en relación a la historia, haciendo una apasionada descripción del viejo Oeste, salvaje y violento, en tránsito inevitable hacia el progreso, basado en el imperio de la ley, la convivencia en paz, la construcción de la iglesia y la implantación de la escuela. Wyatt Earp es un héroe que lucha contra la violencia, porque sueña con un Oeste convertido en un Edén.

  La película crea una atmósfera de sosiego, esperanza y poesia, que envuelve la epopeya de los que quieren hacer un Oeste de tierra habitable, floreciente y pacífica. No hay en esta historia ansias de venganza, sino anhelos de eliminar la violencia.

  La banda sonora corrió a cargo de Cyril J. Mockridge. Un compositor nacido en Londres. Pasó muchos años como compositor personal de la 20th Century Fox, trabajando frecuentememente cion los hermanos Alfred y Lionel Newman. Entre sus grandes éxitos como compositor caben de destacar peliculas como "Rio sin retorno" ("River of No Return"-1954) de Otto Preminger y "El hombre que mató a Liberty Vsalance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) de John Ford. También compuso el tema musical de la serie de televisión "Laramie"-1959 protagonizada por Robert Fuller.

  Y en esta espléndida historia épica subrayando el sentido épicco y lirico de los héroes que lucharon por transfoemar el Oeste salvaje en un paraiso. La música añadida incluye canciones como "My Darling Clementine" (que da totulo a la película), "Sombrero" y "Shall We Atthe River".

  La fotografía en blanco y negro fue obra dee Joseph MacDonald. Un director de fotografia nacido en México. Comenzó como asistente de cámara a principios de la década de 1920 y se convirtió en director de fotografía en 1940, pronto pues, comenzó a trabajar en producciones de Hollywood, principalmente en la 20th Century Fox. Fue el primer director de fotografía nacido en México, y solo segundo en general, después de León Shemroy en filmar una película en sistema Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marry a Millonaire"-1953), asi como el primer ditrector de fotografía nacido en México en filmar una película en Color Deluxe. En su extensa vida cinematográfica estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones lográdolo en tres deellas por "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958), "Pepe"-1960 y "El Yangtsé en llamas" ("The Sand Pebbles"-1966).

  Y en esta historia donde fue más que un famoso tiroteo acentuándo las sombras expresionístas que rodean el rostro de "Doc" Holliday, los contraluces idilicos y las luces crepusculares que evocan el ocaso del Oeste salvaje y el orto de un nuevo Oeste. Los gestos, las miradas y los silencios se convierten en recursos de extraordinaria expresividad en el marco de una narración visual muy poética.

  Son escenas memorables la del baile de Wyatt y Clementine, la visita de Wyatt a la tumba de James, la captura del viejo Clanton, condenado a vivir para conocer la amargura de su fracaso, y la escena romántica y lírica de la despedida.

  Magistrales tanto Henry Fonda, "Doce hombre sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como Victor Mature "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953) dando vida a Wyatt Earp y "Doc" Hollyday respectivamente (posiblemente el  mejor papel de Mature en su larga carrera cinematográfica), y entre los dos Linda Darnell, "Carta a tres esposas" ("A Letter to Three Wives"-1949) como Chihuahua.

  Y con ellos Cathy Downs, "Imperio del crimen" ("Panhandle"-1948) como Clementine; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959 como Old Man Clanton; Tim Holt, "El tesoro de Sierra Madre" ("Trasure of the Sierra Madre"-1948) como Virgil Earp; Ward Bond, "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) como Morgan Earp; John Ireland, "Espartaco" ("Spartacus"-1960) como Billy Clanton... 

  En definitiva: Una película culminante del género de western, en la que la simplcidad de las formas exalta la profundidad del contenido.   Matricula de Honor.

  "Pasión de los fuertes" estuvo en 1946 como una de las diez mejores películas de ese año por el National of Review.

  

 

 

 


 

 

19/11/2020 10:33 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Agente 007 contra el Dr. No (Dr.No - 1962)

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              En recuerdo de: Sean Connery

         "Mi nombre es Bond... James Bond".

  Magnifica película de género de acción de nacionalidad británica. Y todo un mito cinematográfico. Llevada al cine por un personaje creado por Ian Fleming. Un escritor y periodísta nacido en Londres. Se formó en las Universidades de Munich y Ginebra. Su primera novela protagonizada por el agente británico fue "Casino Royale", se publicó en 1952 y gozó de un considerable éxito comercial, le siguieron once novelas más y dos colecciones de relatos breves entre 1953 y 1966, cuyas tramas giran en torno a la figura de James Bond. Sus historias se encuentran entre los libros de ficción más vendidos de la historia, con más de siete millones de copias a lo largo de todo el mundo. También escribió la historia infantil "Chitty Chitty Bang Bang" llevada al cine en 1968 y protagonizada por Dick Van Dyke. En 2008, The Times lo situó decimocuarto en su lista de los 50 mejores escritores británicos desde 1945.

  El guión corrió a cargo de Richard Malbaum. Un productor y guionísta nacido en Nueva York. Entre sus muchos guiones para el cine ademas de varias peliculas de James Bond caben de destacar titulos como por ejemplo: "Infierno bajo cero" ("Hell Below Zero"-1954) y "Los asesinos del Kilimanjaro" ("Killers of Kilimanjaro"-1959). El segundo (o mejor dicho la segunda) fue Johanna Harwood. Una guionista nacida en Irlanda y al igual que Malbaum fue una asidua escritora de las películas de Bond, ademaás en su filmografia podemos encontrar titulos muy atractivos como es el caso de "Mr. Arkadin"-1955 de Orson Welles y "El amo de la selva" ("Call Me Bwana"-1963). Y el tercer guionista fue Barkely Mather. Un novelista nacido en Inglaterra y también asiduo colaborador en las peliculas de Bond, También trabajó en la televisión británica en series tan famosas como "Los vengadores" ("The Avengers"-1961-1969).

  "Agente 007 contra el Dr. No" está dirigida por Terence Young. Un director inglés aunque nacido en Shanghai (República de China). Terence Young es mundialmente conocido especialmente por dirigir tres películas de James Bond: "Agente 007 contra el Dr. No" (Dr. No"-1962), "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963) y "Operación Trueno" ("Thunderball"-1965). También se le ha reconocido el éxito de haber preparado a Sean Connery para el papel del superespia.

  Terence Young empezó codirigiendo el documental "Theirs Is the Glory"-1946, basado en la batalla de Arunhem, que tuvo lugar durante la 2ª Guerra Mundial y en la que él mismo participó como paracaidista del ejército británico. Se convirtió en un director solvente de películas británicas caballerescas pero duras,  como "Valley of Eagles"-1951, "Sesenta segundos de vida" ("The Red Beret"-1953) y "No hay tiempo para morir" ("No Time to Die-1958). En este periodo destaca "Serious Charge"-1959), un drama moderno sobre un vicario (Anthony Quayle), acusado de abusar de un adolescente.

  Después de sus películas sobre 007, Terence Young siguió con el género en "Triple Cross"-1966, película de espias de la 2ª Guerra Mundial y "Las flores del diablo" ("Poppies Are Also Flowers"-1966), con un curioso ataque contra las drogas. Contó con Audrey Hepburn en la película de suspense "Sola en la oscuridad" ("Watt Until Dark"-1967). Curiosamente veinte años antes cuando Audrey, tenia 16 años y era enfermera voluntaria, habia cuidado a Terence Young tras ser herido en la batalla de Arnhem.

  En los años 70 realizó una serie de coproducciones con Charles Bronson en las que destaca "Los secretos de la Cosa Nostra" ("The Valchi Papers"-1972), asi como peliculas kitsch y desenfrenadas, como "El hombre del Klan" ("The Klansmen"-1974) y "Lazos de sangre" ("Bloodline"-1979). Más tarde aparecerán en su carrera personajes poco recomendables: "Long Days"-1980 la autobiografía de Saddam Hussein, e "Inchon"-1982, sobre la Guerra de Corea que fue patrocinada por el lider de una secta, el reverendo Sun Miyung Moon.

  La acción pues tiene lugar en Londres, Jamaica y la isla caribeña de Creb Key (Cayo cangrejo), en 1961/62, a lo largo de unas semanas. Y nos cuenta un episodio de la vida de James Bond, agente secreto británico, eficaz, elegante, seductor, misógeno y violento. Es aficionado a bebidas y manjares refinados y atrae a las mujeres. Es un antihéroe, de talante personal egoista, amoral y machísta. Es enviado a Jamaica para investigar el asesinato del agente John Strangways y su secretaria, lo que le lleva a entrar en contacto con Jules No (Dr. No) de Spectra, una organización criminal internacional...

  La película contiene muchas de las constantes de la saga: violencia fisica, disparos mortales, violencia sofisticada, ritmo trepidante, útiles ingeniosos, persecuciones de coches, paisajes exóticos, villanos diábolicos, sexo sin amor y chicas de gran belleza. La película se ajusta con precisión al espíritu de la novela de Ian Fleming. Crea situaciones exageradas de gran peligro aparente, que resultan confortables y gratas. Luce una fina ingenuidad, que facilita la comprensión del relato y la personalidad del malvado, sus complices y la organización a la que sirven es cándida y naif.

  La escena más célebre es la de Ursula Andress saliendo del mar en bikini blanco con un gran cinto, como una Venus que emergre de las aguas. La escena fue homenajeada por Hellen Berry en "Muere otro dia" ("Die Another Day"-2002).

  La banda sonora fue obra de Monty Norman. Un compositor y cantante nacido en Inglaterra. En la década de 1950 y principios de los 60 fue cantante de grandes conjuntos musicales como los de Cyril Stapleton, Stanley Black y otros grandes. También cantó en varios  programas de variedades. Desde finales de la década de 1950 comenzó también a componer canciones para artistas como Cliff Richard Y Tommy Steele. También se hizo muy famoso por haber escrito la música de la primera película de James Bond.

  Y aqui, incluyendo el conocido "Tema de James Bond", al que se añaden fragmentos de  calypso, rock y composiciones melódicas como "Audio Bongo", "Under The Mango" y la del cierre, "Love At Last".

  La fotografía en color corrió a cargo de Ted Moore. Un director de fotografía nacido en Sudáfrica. Se mudó a Inglaterra a los 16 años de edad. En 1942 sirvió en la Royal Air Force durante la 2ª Guerra Mundial. Durante esta contienda se unió a la unidad de cine y comenzó a perfeccionar su oficio. Después de trabajar como operador de cámara en peliculas como "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951) y "El caballero negro" ("The Black Knight"-1954) entre otras, se le asignó el trabajo como director de fotografía para la pelicula "Angeles de acero" ("High Flight"-1957). En 1962 Terence Young le eligió para dirigir la fotografia de la primera película de James Bond. Más tarde haría seis peliculas más. Ganó un Oscar por "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seansons"-1966) conviertiéndose en el primeer sudafricano en ganar este premio.

  Y aqui, beneficiándose de los paisajes de Jamaica con una decoración excelente, lances espectaculares, espacios inverosímiles y unos colores realistas.

  Sensacional Sean Connery "Los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) (Oscar al Mejor actor secundario). Y aqui metido en el cuerpo de James Bond (el mejor Bond de todos). Y seguido por la espectacular Ursula Andress, "Cuatro tios de Texas" ("4 for Texas"-1963) metida en el "cuerpazo" de Honey Ryder.

  Y muy bien secundados por Joseph Wiseman, "¡Viva Zapara"! - 1952 como "Dr. No; Jack Lord, "La pequeña tierra de Dios" ("God’s Little Acre"-1958) como Felix Leiter; Bernard Lee, "Diamantes para la eternidad" ("Diamond Are Forever"-1971) como M; Louis Maxwell, "Panorama para matar" ("A View Kill"-1985) como Miss Moneypenny...

  En definitiva: Una película que se puede ver muchas veces. Una pelicula atrayente y muy grata a nuestros sentidos. Y sobre todo a los que nos gusta la acción y la aventura.  Sobresaliente.

  Ursula Andress logró el Globo de Oro como promesa femenina.

  A modo de anécdota. Sean Connery fue el primer protagonísta de esta saga ( y por supuesto el mejor).

  Estas fueron las siete peliculas en las que Connery interpretó a James Bond.

  "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No"-1962)

  "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963)

  "Goldfinger"-1964

  "Operación Trueno" ("Thunderball"-1965)

  "Sólo se vive dos veces" ("Yoy Only Live Twice"-1967)

  "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Force"-1971)

  "Nunca digas nunca jamás" (Never Say Never Again"-1983)

 

15/11/2020 09:41 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                        Sean Connery

                                 Ser James Bond

  El pasado 30 de octubre y a la edad de 90 años falleció a causa de un infarto de miocardio mientras dormia (aunque su salud en los últimos años esraba muy deteriorada) el célebre actor escocés Sean Connery.

  Si se hubiera impuesto la fidelidad a las novelas de Ian Fleming, Sean Connery no hubiera conseguido el papel de "Agente 007 contra Dr. No" ("Dr. No"-1962), Fleming describe a James Bond con el aspecto de Hoagy Carmichael e hizo saber su preferencia por Cary Grant o David Niven.

  Connery por aquel entonces era un lechero escocés de clase proletaria que se dedicó al espectáculo después de curtirse en el gimnasio, tenia el carisma de Bond y su físico, pero era un héroe sin clase para los años 60.

  Antes de hacer de Bond, Sean Connery habia actuado en películas policiacas británicas tales como: "Ruta infernal" ("Hell Drivers"-1957) y "La ciudad bajo el terror" ("The Frightened Ckity"-1961), había hecho también televisión en serio y habia degustado el estrellato junto a Lana Turner en "Brumas de inquietud" ("Another Time, Another Place"-1958).

  "Agente 007 contra el Dr. No" hizo de él una estrella, pero durante mucho tiempo solo como James Bond, con sus martinis agitados (no mezclados), tirando pullas a sus enemigos después de muertos y envolviéndo sus palabras con suaves tretas de maestro.

  También demostró su virilidad sib fisuras y su regodeo de si mismo, lo que le llevó a Alfred Hitchcock a contratarle para "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964) como el perverso millonario que obliga a Marnie a casarse con él. Bond continuó con "Desde Rusia con amor" ("From Russia Whit Love"-1963), "Goldfinger"-1964 y otras más, pero Connery finalmente rompió con él, no antes de hacer "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds Are Forever"-1971) que recuerda más a la primera de las de Roger Moore que a la última del magnífico Bond de Connery. A pesar de que dijo que nunca más volveria a interpretar al agente con licencia para matar, volvió de nuevo a interpretarlo  de forma magistral y demostrando ser el verdadero y único James Bond en "Nunca digas nunca jamás" ("Never Say Never Again"-1983).

  Por otra parte, se propuso ponerse a prueba como actor en papeles como el soldado convicto de "La colina" ("The Hill"-1965) y como el hastido policia de "La ofensa" ("The Offence"-1973). Desde entonces siempre se mantuvo ocupado y siguió siendo una estrella, ganó un Oscar por "Los intocables de Elliot Ness" ("The Untouchables"-1987), pero a decir verdad ya no hizo películas que mereciesen la pena desde "El nombre de la rosa" ("Der Name der Rose"-1986).

  Aún asi, siguió pareciéndonos divertido en "Los inmortales" ("Highlander"-1976) y en "La roca" ("The Rock"-1996). Connery envejeció, pero con sus conquistas amorosas aún nos parecia que tenia la misma edad de cuando trabajó con Ursula Andress en "Agente 007, contra Dr. No", lo que resultaba interesante verle junto con Catherine Zeta Jones en "La trampa" ("Entrapment"-1999). Después le volvimos a ver en "Descubriendo a Forrester" ("Finding Forrester"-2000) y en su última aparición en la gran pantalla "La liga de los hombres extraordinarios" ("The League of Extraodinary Gentlemen"-2003) donde daba vida a Allan Quaterman.

  Thomas Sean Connery (Sean Connery) - Edimburgo (Escocia) - 25 - agosto - 1930 - Nasáu (Bahamas) - 30 - octubre - 2020.

                                    DESCANSE EN PAZ!!!


 

09/11/2020 19:16 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps-1956)

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          En recuerdo de : Rhonda Fleming

  Mientras la ciudad duerme, el asesino anda suelto...

  Interesantísima película de género de intriga y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Chales Einstein, y con un guión de Casey Robinson. Un guionísta, director y productor nacido en Sidney (Australia). Se graduó en la Universidad de Cornell a los 19 años y enseñó inglés brevemente antes de dedicarse al periodismo. En 1927 comenzó su carrera en Hollywood escribiendo los titulos de películas mudas. En 1930 se graduó en dirección, pero después de seis películas abandonó este campo para concentrarse en a escritura. Después de pasar la mayor parte de la década de 1930 y principio de la de 1940 trabajó en la Warner Bros, se mudó a MGM a mediados de 1940 y luego a la 20th Century Fox en la década de 1950. Se retiró en 1962 para regresar de nuevo a su pais de origen. Fue candidato al Oscar al mejor guión por "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935).

  "Mientras Nueva York duerme" está dirigida por Fritz Lang. Un director nacido en Viena (Austria). Ninguna obra encarna las ambiciones y curiosidades, los éxitos y sospechas del siglo XX, como las de Fritz Lang, sin embargo el cineasta más legendario del mundo de habla alemana fue también uno de los directores más infravalorados de Hollywood.

  En principio Fritz Lang es conocido sobre todo por sus magistrales contribuciones al expresionísmo alemán, pero paradojicamente tuvo que renunciar a la primera película manifiestamente expresionísta, "El gabinete del Doctor Caligari" ("Das Kabinett des Dr. Caligari"-1920), porque ya estaba contratado para realizar una secuela de "Las arañas"-1919, una película de acción y aventuras que había tenido mucho éxito. Por suerte el productor de "Las arañas" financió luego a Lang, la balada expresionísta "La muerte cansada" ("Der Müde Tod"-1921), lo que le valió la aclamación de toda Europa.

  En 1921 Lang y su segunda esposa la guionista Thea von Harbov, iniciaron una serie de peliculas sobre el personaje del doctor Mabuse. La película "El doctor Mabuse" ("Dr. Mabuse, der Spieler"-1922) y sus secuelas eran complejas peliculas de acción, repletas de espias, traiciones, persecuciones y artefactos raros, que se anticiparon en décadas a las de James Bond.

  El éxito permitió al matrimonio iniciar una adaptación expresionísta de la saga mitológica de Los Nibelungos en dos partes "Los Nibelungos 1ª parte: La muerte de Sigfrido"-1924 y "Los Nibelungos 2ª parte: La venganza de Krimilda"-1924,y después su proyecto más ambicioso, "Metrópolis"-1927. Realizada a lo largo de dos años,con la participación de miles de extras, "Metrópolis" era demasiado ambiciosa para tener éxiito, y su tésis política semimesiánica de colaboración entre las clases era demasiado confusa para ser apreciada. Pero su imaginería de la ciudad futurista llena de rascacielos, factorias a manera de Moloch y un sexy robot femenino llamado Maria, presentaba una imágen distópica de la sociedad y tan poderosa que quedó impresa en la conciencia colectiva y ha sevido de modelo al cine de ciencia-ficción desde entonces.

  El inevitable fracaso económico de "Metrópolis" impulsó a Lang a abandonar el expresionísmo en favor de proyectos más sencillos como "Una mujer en la luna" ("Frau im Mond"-1929), modesta película de ciencia-ficción, y "Los espias" ("Spione"-1928), una película de acción que anticipa los miedos de la Guerra Fria. El miedo era también el núcleo de "M, el vampiro de Dusseldorf" ("M"-1931), la extremecedora historia de un asesino de niñas llevado a juicio por una organización criminal, fue una de las primeras peliculas sobre asesinos en serie, exponía metafóricamente el miedo de los alemanes al futuro y constituía una descripción casi propfética del ascenso de los nazis al poder. 

  Este ascenso tuvo también consecuencias personales para Lang que se vió obligado a abandonar Alemania, dejando allí a su mujer ferviente miembro del partido nazi. Se trasladó entonces a Hollywood, donde su primera película estadounidense, "Furia" ("Fury"-1936), fue una curiosa reelaboración de "M, el vampiro de Dusseldorf") esta vez el acusado es inocente y la turba se presenta como cruel y equivocada.

  La carrera de Lang en Hollywood estuvo casi limitada a películas muchas veces de bajo presupuesto pero aún asi dejó una obra notable. La película de género negro "Solo se vive una vez" ("You Only Live Once"-1937) thrillers de guerra "El hombre atrapado" ("Man Hunt"-1941) y "Los verdugos también mueren" ("Hangmen Also Dié"-1943), y el oscuro misterio de espionaje "El ministerio del miedo" ("Ministry of Fear"-1944) exponen motivos como la sospecha, la delación y la paranoia.

  Después de la 2ª Guerra Mundial, Fritz Lang realizó thrillers con más complejidad psicológica, como "Perversidad" ("Scarlet Street"-1945) y "Más allá de la duda" ("Beyond Doubt"-1956). Regresó a Alemania donde antes de retirarse dirigió "Los crimenes del doctor Mabuse"-1960, que precedia la aparición de una sociedad vigilada. Resulta tentador valorar la importancia de la obra de Fritz Lang en la hostoria del cine alemán, pero esto reduce su importancia real. Sus continuas investigaciones sobre el abuso de poder trascienden las fronteras de un pais y tienen vigencia en todas partes.

  La acción pues, tiene lugar en Nueva York a lo largo de varias semanas del verano de 1955. Allí un misterioso asesino en serie de mujeres jóvenes y solas, al que la prensa llama "el asesino del lápiz de labios", mata a Jidith Felton, provocando el pánico entre las jóvenes de la ciudad. La muerte  por causas naturales del magnate Amos Kyne propietario y director de la corporación Kyne Inc., que ocupa 10 diarios y otras empresas, es el motivo por el cual pasa a ocupar su lugar Walter Kyne Jr., poco apto para los negocios. Crea el puesto de director ejecutivo del grupo y anuncia que designará para ocuparlo al profesional de la casa que consiga publicar en primicia la identidad del terrible asesino. La propuesta desencadena una lucha sin cuartel entre Mark Living, responsable de la  agencia de noticias, John Day Griffith director del diario "New York Sentinel", cabecera del grupo, y Harry Kritzer, director de la agencia gráfica. El joven Edward Mobley, galardonado con un Pulitzer,no participa en la contienda y apoya la candidatura de Griffith...

  La pelicula pues, suma drama, cine negro, suspense y critica social. Desarrolla dos lineas de acción simultáneas: el seguimiento del asesino, un psicópata joven, y el de la lucha competitiva de los tres profesionales que aspiran a ocupar el cargo de director ejecutivo del consorcio. La segunda linea ocupa la mayor parte del metraje y absorbe la acción central de la película. En ella Lang  compone un retrato ácido y despiadado de la ambición humana y de su capacidad de movilizar los rincones más oscuros y perversos del alma humana. El ambicioso no tiene reparo en prescindir de todas las normas éticas en beneficio de conseguir sus propios fines. Tras falsas apariencias de corrección, oculta el uso de recursos deshonestos, ilicitos, vergonzosos y punibles. La ambición moviliza actitudes agresivas, traicioneas, desleales y corruptas. La ambición reviste formas diferentes y se basa en motivos no siempre coincidentes. En unos casos se asienta en la codicia y el afán de acumular riquezas. En otros aspira a conseguir notoriedad y relieve social. En otros persigue satisfacer ansias de poder.

  La visión que Lang tiene de la vida humana es desesperanzada y pesimista, pero no lo es del modo absoluto. En su mundo siempre hace rendijas de luz, atisbos de esperanza y comportamientos de excepción razonables y justos. Algunos comentaristas de esta película sostienen que en ella se contienen elementos de denuncia de la delación y la agresión maccarthista (1950-56).

  El guión es rico en lances diversos que enriquecen el relato y le confieren una grata densidad. Los diálogos son agudos y expresivos. Las dos historias que avanzan en paralelo están bien ensambladas y adecuadamente jerarquizadas. La combinación de las mismas aporta sugerencias que dan profundidad a la presencia del mal al poner en situación de equivalencia la perversidad del asesino, y de los contendientes en la carrera por el principal cargo ejecutivo de la corporación.

  Se pueden observar algunas resonancias de "M, el asesino de Dusseldorf"-1931. Difumina intencionadamente los limites que separan el bien y el mal en beneficio de una ambigüedad que permite aumentar y profundizar el dramatismo de la pelicula y sus niveles de percepción por parte del público. Tampoco se separa con claridad la perversidad del asesino y su enfermedad psquíca.

  Se trata de una historia equilibrada y compleja (entrecruza con habilidad las acciones de los diversos protagonístas). Hace gala de una admirable economía de medios y combina con acierto momemntos de gran tensión y secuencias distendidas, como los encuentros de Ed y Nancy. El relato está punteado de ironía y humor (encuentros de Ed y Nancy, diálogos de Ed y Mildred, la figura de Living...). El final es coherente y verosimil, como corresponde a un buen trabajo. La película es una de las obras más apreciadas por Lang de su etapa americana.

  En opinión de algunos criticos es una de las películas indispensables del cine americano de los años 50.

  La banda sonora corrió a cargo de Herschel Burke Gilbert. Un prolífico director de orquesta nacido en Wisconsin. Con 15 años ya habia formado su propia banda de música para baile. Su música es conocida en los cinco continentes. Compuso canciones instrumentales durante las décadas de 1950 y 1960. Su trabajo en el cine incluyen películas tales como: "Carmen Jones"-1954 y "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt"-1956) entre otras.

  Y aqui, ofreciendo composiciones de fondo y acompañamiento que alternan grupos orquestales de cuerda y solos de piano, que no distraen la atención del espectador.

  La fotografía en blanco y negro fue dirogida por Ernest Laszlo. Un director de fotografía nacido en Budapest (Hungria), pero nacionalizado estadounidense. Emigró a Estados Unidos y comenzó a trabajar como operador de cámara en películas mudas comom"Alas" ("Wings"-1927). Entre 1927 y 1977, se desempeñó como un gran director de fotografía en más de 70 peliculas. Estuvo nominado en ocho ocasiones al Oscar ganándolo una vez por "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965). Fue miembro de la Sociedad Estadounidense de Cineastas y presidente de 1972 a 1974.

  Y aqui, adaptando la estética expresionísta alemana muy al gusto de Lang, pero en este caso la depura y estiliza para llevarla a un tono sobrio y austero que refuerza los parámetros ácidos y dramáticos del relato.

  Extraordinario reparto de actores y por supuesto muy bien todos ellos, comenzando por Dana Andrews, "Laura" - 1944 como Edward Mobley. Y seguido por Rhonda Fleming, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) como Dorothy Kyne; George Sanders, "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) como Mark Loving; Ida Lupino, El último refugio" ("High Sierra"-1941) como Mildred Donner; Thomas Mitchell, "La diligencia" ("Stagecoach"-1939) como Jon Day Griffith; Vicent Price, "Los crimenes del museo de cera" ("House of Wax"-1953) como Walter Kyne; Sally Forrest, "El hijo de Simbad" ("Son of Sinbad"-1955) como Nancy Liggett; Howard Duff, "Kramer contra Kramer"-1979 como el teniente Burt Kaufman. Y atención a John Drew Barrymore, "A sangre y fuego" ("Col ferro e col fuoco"-1962) como Robert Msanners. Magnifico reparto de grandes estrellas. Si Señor.

  En definitiva: Un gran clásico. Y muy recomendable para todos aquellos que les guste el cine negro con historias originales.  Sobresaliente.

  Como curiosidad: Esta película fue la penúltima de Lang en Estados Unidos. Su última película aunque también filmada ese mismo año fue "Más allá de la duda" ("Beyond a Reasonable Doubt") también protagonizada por Dana Andrews.



01/11/2020 17:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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