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Conspiración de silencio (Bad Day at Black Rock - 1955)

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  "Un mal dia lo tiene cualquiera"...

  Obra maestra de género de intriga - racismo y de nacionalidad estadounidense, baada en un  relato corto "Bad Day  at Hondo" de Howard Brestim. Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Regis Hign School en 1932 y comenzó a trabajar como escritor para programas de radio. En 1946 escribió esta novela que más tarde fué llevada al cine con todos los honores. Otra de sus novelas también llevada a la pantalla grande fue "Plactinum High School"-1960 protagonizada por Mickey Rooney.

  Del guión se hizo cargo Millard Kaufman. Un guionísta y también novelísta nacido en Baltilmore. Se graduó en la Batilmore City College y finalmente en la Universidad Johns Hopkins. Se alistó en la Infanteria de Marina en 1942 sirviendo en Guadalcanal. En 1949 escribió el guión para el cortometraje "Regtime Bear", que fue la primera aparición del famoso pesonaje Mr. Magoo. Fue nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en 1955 con "Hombres de Infanteria" ("Take the High Ground!".

  "Conspiración de silencio" está dirigida por John Sturges. Un cineasta nacido en Illinois. Comenzó su carrera en el taller de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. Estando de servicio en el Cuerpo del Ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documantales, y tras volver a Hollywood realizó una película, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946). Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción y dramas como se dió el caso de su obra maestra "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955) donde demostró lo que podia hacer con un buen guión y una buena estrella Spencer Tracy.

  Siguieron y con enorme éxito "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, donde reveló su talento para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialistas en este género de Hollywood.

  Su carrera siguió con dos exclentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El últino tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el wester épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores. Basándose en "Los siete samurais ("Seven Samurai"-1954), de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México.

  Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) drama que transcurre en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas.

  En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Watt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood fueron decepcionantes.

  La acción pues, tiene lugar en un dia de 1945, acabada la Segunda Guerra Mundial y nos narra la historia de un veterano militar llamado John J. Maccreedy, un ciudadano de Los Angeles que se desplaza al pueblo de Black Rock para hablar con un granjero japonés-estadounidense, llamado Kamoko, a quien quiere comunicar que su propio hijo falleció tratando de salvarle la vida en Italia durante la contienda. Pero lo que Maccredy desconoce, aunque tendrá la oportunidad de ir descubriendo todo sobre la marcha, es que dicho hombre fue asesinado a causa de los prejuicios que el bombardeo de Pearl Harbor despertó entre los lugareños, practicamente en uno de ellos: Reno Smith que además fue rechazado en la oficina de reclutamiento del ejército de Estados Unidos, cuando quiso alistarse para combatir contra los japoneses...

  Extraordinaria película. Si señor. Y en donde Sturges nos muestra como las actitudes racistas y xenófabas pueden desencadenar tragedias personales y colectivas, injustas y rigurosamente punibles. Los prejuicios y la intolerancia que los informan no tieen sentido, carecen de justificación, se alimentan de odio y engendran odio, inseguridad y angustia.

  Se muestra una comunidad en la que el imperio de la ley ha sido desplazado por grupos de granujas a las órdenes del tal Reno, un desalmado que mantiene a los convencinos sometidos a su capricho y aislados del exterior. Pero la presencia de ese forastero desestabiliza el precario equilibrio de dominación y sometimiento que rige al amparo del miedo. Su lucidez, astucia, valentia y su rechazo del miedo, ponen en evidencia la debilidad del impostor.

  La banda sonora fue dirigida por Andre Previn. Un  compositor nacido en Berlin (Alemania). En 1938 su familia emigró a Estados Unidos huyendo del régimen nazi y en 1943 consiguió la nacionalidad estadounidense. En 1948 comenzó su carrera estableciéndose en Los Angeles y durante bastante tiempo trabajó en el departamento musical de la MGM, dirigido por Arthur Freed. A finales de 1950 grabó discos como pianista de jazz colaborando con Shelly Mcnne y Benny Carter.

  En 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres. Su carrera en Hollywood se concentró en la composición de numerosas películas musicales. Fue nominado al Oscar en numerosas ocasiones, lográndolo en cuatro de ellas por "Gigi"-1958, "Porgy & Bess"-1959, "Irma la dulce"-1963 y "My Fair Lady"-1964.

  Y en este maldito dia en un pueblo americano, mostrándo una música que suena con fuerza y solemnidad, interpretada por una orquesta de viento y percursión.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por William C. Mellor. un director de fotografía nacido en Missouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con George Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959), donde logró sendos Oscar y con William Wellman en  "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, como por ejemplo "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y en varios musicales de la MGM.

  Y en esta historia llena de prejuicios e intolerancias, haciendo uso de encuadres excelentes, escenas nocturnas iluminadas con sabiduria, un discreto recurso a la "noche americana", planos medios bien centrados en la pantalla Cinemascope y los travellings excepcionales de la  presentación del tren.

  Sensacional Spencer Tracy, "Lanza rota" ("Broken Lance"-1954) en el papel de John Macreedy. Y seguido por otro sensacional Robert Ryan, "La colina de los diablos de acero" ("Men in War"-1957), como Reno Smith.

  Y acompañandoles un elenco de grandes y magníficos actores tales como: Lee Marvin, "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), como Hector David; Ernest Borgnine, "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), como Coley Trimble; Dean Jagger, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), como Tim Horn; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959, como Doc Velie; John Erickson, Fuego verde" ("Green Fire"-1954), como Peter Wirth. Y por supuesto que no podría faltar una mujer y en este caso se trata de la bellísima Anne Francis, "Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle"-1955), y aqui dando vida a Liz Wirtz, la hermana de Peter. 

  Resumiendo: Una obra maestra de su género. Ua película dotada de grandes virtudes que convence y emociona. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

 "Conspiración de silencio" estuvo nominada al Oscar en tres apartados: Director, Actor (Spencer Tracy) y Guión.

  A modo de curiosidad: Ernest Borgnine que en  esta película tiene un papel secundario, ese mismo año logró el Oscar al mejor actor por su interpretación en "Marty".

06/07/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

La strada - 1954

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  "Creo que he realizado esta película porque me he enamorado de esa niña-viejita un poco loca y un poco santa, de ese payaso despreñado, ridiculo y tierno que he llamado Gelsomina y que aún hoy, consigue llenarme de melancolía cuando oigo el sonido de su trompeta". (Federico Fellini).

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género dramático con un guión de Tullio Pinelli. Un guionísta nacido en Turin (Italia). Trabajó inicialmente como abogado mientras escribia teatro, su obra "Los padres etruscos" le valió un contrato para el cine que cambió su vida. Trabajó con Fellini y Rossellini en "El amor de 1948", adaptación de "La voz humana" de Jean Cocteau, película donde añadió "El milagro", donde inicialmente el mismo Fellini actuaba cono San José. En 1949 adaptó "El molino del Po" de Alberto Lattuada y "La Estepa" basada en una obra de Antón Chejov.

  Pinelli supo captar y trasladar al guión las ideas de Fellini. Trabajó en ocho películas con Pietro Germi entre 1951 y 1972, con Mario Monicelli y con Vittorio de Sica en "El jardin de los Finzi Contini"-1971.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini (Italia). La valoración de Fellini ha fluctuado con el paso del tiempo reconocido mundialmente en los años sesenta como uno de los grandes maestros, su obra ha sido acusada recientemente de ser demasiado sentimental e inusual, poco eficaz, carente de orientación politica y excesivamente preciosísta desde el punto de vista visual.

  Aquellas cualidades de sus películas que en determinado momento parecieron audaces y novedosas (la celebración de los inadaptados y los parias, el paso del realísmo a la fantasia y viceversa y la presentación de la decadencia y de la criminalidad sin condenarlas) tienden a verse hoy ensombrecidas por aquellas que, en otro tiempo parecian más tranquilizadoras y tradicionales: el compromiso con la  narrativa y la caracterización, la transmisión de las emociones, el optimísmo subyacente y el amor por el mundo del espectáculo y el artificio.

  Fellini accedió a la industria del cine a principio de los cuarenta como guionísta y actor ocasional. Sus primeras películas como director mostraban ya sus preocupaciones, pero lo que hoy se denomina estilo Fellini se fue perfeccionando a lo largo de tres obras maestras consecutivas, "La strada"-1954, "Almas sin conciencia" (Il bidone"-1955 y "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria"-1957), quizá su mejor película. En las tres participó su esposa la actriz Giulietta Masina.

  Estas películas, extrañas pero totalmente accesibles son visualmente imaginativas y poseen una rica textura, combinando la excentridad inquebrantable con una atractiva simplicidad y una generosidad de espiritu. Los argumentos de las tres películas son deptimentes. La primera presenta el personaje interpretado por Masina como una muchacha ingenua a la que su madre vende a un forzudo protagonizado por Anthony Quinn, él la maltrata y la rechaza, y sólo descubre su verdadero valor cuando ella muere. La segunda es la historia picaresca de una banda de estafadores itinerantes, disfrazados de sacerdotes, que roban a los pobres. En ella Masina hizo un papel secundario poco lucido de ama de casa, pero en la tercera protaginizó a una ingenua prostituta, cuyos sueños de amor y de felicidad se enfrentan sin cesar a la tristeza y a la mala suerte.

  El estilo propio de Fellini eleva estas películas por encima del realísmo, casi hasta el rango de cuento de hadas, con brillos exteriores, una composición estilizada, un reparto de actores secundarios rico y a veces grotesco, partituras fascinantes y distintivas compuestas por Nino Rota y las increibles interpretaciones de Masina. Su climax dramáticos transcienden su pesimismo inmediato para convertirse en experiencias profundamente conmovedoras para el espectador, catárticas más epifanias que tragedias.

  "La dolce vita"-1960, que confirmó y consolidó el prestigio internacional de Fellini, es brillante, elegante y sigue siendo relevante por sus excepticos valores frente a una sociedad que se aleja de sus valores más esenciales. Su rasgo más característico sigue siendo su postura de objetividad total, como el enorme Cristo que vuela por encima de Roma. Pero se detecta una fuerte confianza en si mismo, nueva en este director, una especie de taquigrafía metodológica que parece sugerir que Fellini sabia ya que se había consolidado y que podría permitirse asumir el papel de maestro, ostentoso y menos riguroso. Con "8 1/2"-1963 volvió la vista hacia dentro; a pesar de su habitual maestria de estilo, parece mostrar su atisbo de autoindulgencia, un intento de convertir el bloqueo de un director en una crisis existencial.

  Se podria decir que el fuerte sentimiento que tenia Fellini de si mismo como autor acabó apoderándose de él después de 1963: "Satiricón"-1969 y "Casanova de Fellini"-1976 parecen un momumento a su orgullo desmedido. Sus películas posteriores son todas dignas de verse, pero solo "Amarcord"-1973 es realmente imprescindible. Fellini no temia que le tacharan de iluso, pero nunca consiguió superar el nivel de las tres películas realizadas antes que "La dolce vita".

  Asi pues, el maestro italiano nos lleva a un lugar de Italia en los primeros años de la posguerra, y nos cuenta la historia de una muchacha, llamada Gelsomina, que es vendida por su madre a un forzudo actor de circo, llamado Zampanó, el cual la trata con rudeza, agresiones verbales y abusos. Ella lo soporta todo con resignación, mientras huye de la realidad a través de sus sueños. En un circo coinciden con un funambulísta, alegre, jovial, excentrico, amable y respetuoso, que entabla amistad con Gelsomina y provoca los celos de Zampanó...

  La película se centra en la descripción de dos personajes contrapuestos, unidos por el azar, que viven en un carromato montado sobre una vieja motocicleta.

  El se gana la vida haciendo un número ciecense de fuerza: es presuntuoso, agresivo, irascible y brabucón. Ella, mucho mas joven, es sencilla, inocente, ingenua, generosa y pacífica, pese a que su vida está marcada por la violencia. Cuando nace en ellos un atisbo de amor, este no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad de marginación, desarriego y miseria, que se enmarca en la insolización de la pobreza de Italia tras la Segunda Guerra Mundial.

  La tragedia de los protagonístas y de quienes le rodean, es marcada con un lirismo sorprendente y con toques de humor. La asociación de poesia y tragedia constituye el rasgo más sobresaliente de la pelìcula. La playa es el lugar de encuentro, recreo, refugio y despedida, en el que los personajes buscan ayuda, reposo, trabajo y amor.

  La banda sonora fue creada por Nino Rota. Un compositor nacido en Milán. Estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari, del que llegaría a ser director. Ganó una beca para estudiar en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Ricardo Muti. El estilo de Nino Rota, neorromántico, queda inscrito dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos. Entre sus bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El Padrino II"-1974 por la que logró el codiciado Oscar, puesto que fué nominado en numerosas ocasiones.

  Y aqui, creando una melodia central presentando una progresión sorprendente: Gelsomina la balbucea fragmentariamente al principio la completa gracias al funambulísta (que la interpreta con un violín de miniatura), la repite con la trompeta de Zampanó y al final suena en formato orquestal, de recuerdo y homenaje.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Otello Martelli. Un director de fotografía nacido en Roma. Asiduo colaborador de Roberto Rossellini, Federico Fellini y Vittorio De Sica entre otros. Aunque especialmente fue colaborador habitual de Fellini desde 1950 con películas como: "La strada"-1954 y "La dolce vita"-1960.

  Y aqui, extrayendo el rostro de Giulietta Masina con expresiones antológicas, en tomas tan expresivas como fugaces. Presenta además travellings que subrayan el sentimiento de estar siempre en camino hacia un destino incierto y sin fin.

  Soberbias las interpretaciones de la pareja protagonísta comenzando por Giulietta Masina, "Las noches de Cabiria" (Le notti di Cabiria"-1957), metida en el cuerpo de Gelsomina. Y Anthony Quinn, "Lawrence de Arabia"-1962, en el papel de Zampanó. Y con ellos otro grande del cine internacional Richard Basehart, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958), como el funambulísta.

  En definitiva: Una obra maestra del neorrealísmo italiano. Una película para revisar una y otra vez por todo lo que contiene. Una película Imprescindible.

  "La strada" logró el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa.

 

 

   


01/07/2020 09:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Traidor en el infierno (Stalagat 17 - 1953)

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  "Si os vuelvo a ver, finjamos que nunca nos hemos conocido."

  Entretenida película de género bélico-carcelario y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Donald Bevan y Edmund Trzcinski. El primero un dramaturgo nacido en Massachusetts. También fue caricatulísta en el famoso restaurante neoyorquino Sardi durante más de 20 años, y redactor en el New York Times de Nueva York. El segundo otro damaturgo nacido en Nueva York. Fue miembro de la 8ª Fuerza Aérea, su avión fue derribado cuando sobrevolaba territorio alemán y fue enviado al campo de prisioneros Luft Stalag 17 B. Fue cuando al acabar la guerra escribió junto a Bevan sus peripecias ocurridas en este campo de prisuoneros. (Los dos tuvieron un pequeño papel en esta película).

  Del guión se hicieron cargo Edwin Blum. Un guionísta nacido en Atlantic City (Estados Unidos), aunque se crió en San Francisco. En 1933 se mudó a Los Angeles con la esperanza de hacer su carrera de guionísta en Hollywood. Inicialmente fue empleado como escritor anónimo y asistente de Ernest Pascal. En 1938 fue contratado por la 20th Century Fox y más tarde por Columbia, MGM y Paramount Pictures. Su primer trabajo como guionísta fue en la película "Las nuevas aventuras de Tarzán" ("The New Aventures of Tarzan"-1935) y su último trabajo en el cine fue con "Pisa a fondo" ("Gung Ho"-1986) dirigida por Ron Howard.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Uno de los mejores directores y guionístas que jamás haya tenido Hollywood, resumió en cierta ocasión en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hibiera gustado ver". Wilder se encuentra en algunas de las imágenes y las frases mas memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos transvestidos en "Con faldas y a lo loco ("Some Like It Hot"-1959) o el convincente retrato de Fred McMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939).

  Billy Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eléctricos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus películas se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda pparecer extraño en un director tan asociado con las comedias, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias si huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria- Hungria que más tarde se anexionaría Polonia, Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wilder descubrió su interes por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris donde debutó como director en "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934).

  Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine alli, convirtiéndose en un notable guionísta de películas. Quiza debido a que el inglés no era su lengua materna a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clásicas entre ellas, "Ninotcka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941).

  Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett. La colaboración con el escritor de novela negra Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar su primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Idemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración de voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intimos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir titulos de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera J. A. L. Diamond "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Diamond y Wilder colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. Asi como en las comedias sublimes "Con faldas y a lo loco" (Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte del reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impidió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti!"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  La acción pues, tiene lugar en el campo de concentración Stalag 17, situado en Alemania, cerca del Danubio, durante los dias 24-26 de diciembre de 1944. El narrador es Clarence Harvey Cook, ayudante de Sefton. El lider del barracón es Hoftman, el jefe de información es Price, el bufón es Harry Shapiro, el ganso es Stanilas "Chimpancé" Kasava, el mudo es Joey. El sargento nazi se llama Schulz y el coronel es von Scherbach...

  La película suma los géneros de comedia, drama, suspense y guerra. Deriva hacia la comedia negra y transforma en farsa la situación de los prisioneros retenidos por los nazis. El campo está destinado a sargentos, reúne a unos 600 prisioneros de guerra, que distribuye en 8 barracones de 75 personas cada uno. Explica las condiciones de vida de los prisioneros: comida horrible, duchas en letrinas, trato cruel y caprichoso. El suspense se apoya en la identificaxión del espia nazi infiltrado. La acción corresponde a la Segunda Guerra Mundial. Wilder establece un correcto equilibrio entre el drama y comedia, tensión y humor, desgracia e hilaridad. Desvela que la guerra es una fuente rica de humor negro, que será utilizada en películas posteriores como por ejemplo: "M.A.S.H."-1970 de Robert Altman.

  La obra es para mi, una de las grandes películas sobre prisioneros de guerra de la Segunda Guerra Mundial "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957), "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). El humor de Wilder no anula ni rebaja el vigor del drama, realiza su fuerza lacerante. No se mofa del dolor, enseña a sobrellevarlo (en Auschwitz perdió parte de su familia). No renuncia a la memoria, desea potenciarla.

  La película lleva la huella del realizador: cita melómanas (Wagner), actores de cine (Clark Gable), cinéfilas "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940), "Lo que el viemto se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), "Infierno en las nubes" ("Flying Leathernecks"-1951), coches singulares (vehículo del CICR), trenes y estaciones (Frankfort).

  Basa la comicidad en personajes arquetipicos (el cinico, el bufón, el cartero...), artilugios curiosos (destiladora), el ingenio personal que burla controles (antena de radio), extrañas maneras de encender una cerilla (barba, gabán). Añade planos de humor visual (gestualidad de "chimpancé). Se burla del autoritarísmo, la crueldad, las órdrnes caprichosas, la vanidad, la mentira y las simulaciones).

  La banda sonora corrió a cargo de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es internacionalmente conocido por sus trabajos para el género musical, y con películas tan emblemáticas como por ejemplo: "La novia de Frankestein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" (Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959. Waxman  también fundó el Festival de Musica de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aquí ofrecéndo una brillante partitura original que complementa con variaciones sobre el tema "Wen Johnny Cames Marching Home Again".

  La fotograia en blanco y negro la dirigió Ernest Laszló. Un director de fotografía nacido en Hungria (pero como todos nacionalizado estadounidense). Durante toda su carrera dirigió más de 60 películas, y muy conocido por sus frecuentes colaboraciones con los directores Robert Aldrich y Stanley Kramer. Fue miembro de la Sociedad Estadounidense de Cinematigráfos, y presidente de 1972 a 1974. También fue miembro activo de la Alianza Internacional de Empleados de Teatro. Emigró a Estados Unidos y comenzó como camarógrafo en películas mudas como "Alas" ("Wings"-1927) y en 1947 lo hizo como director de fotografía. Logró un Oscar por su pelìcula "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965) de Stanley Kramer.

  Y aqui, haciendo uso de un sugestivo blanco y negro, sirviéndose de un trabajo de cámara sobrio y eficaz, presentando encuadres inquietantes (rostro de Joey, fango) y ofreciéndo con deleite imágenes de humor visual (botas del coronel).

  Muy bien William  Holden, "Grupo salvaje" ("The Wild Bounch"-1969), bordando el papel de Sefton. Y seguido por Don Taylor, "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), como Dunbar; Gil Strafton, "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956), como Cooky; Richard Erdman, "Objetivo: Birmania" ("Objetive: Burma!"-1945), como Hoffman; Peter Graves, "Aterriza como puedas" ("Airplane!"-1980), como Price; Harvey Lembeck, "Escándalo en la playa" ("Beach Party"-1963), como Harry Shapiro; Robert Strauss, "La tentación vive arriba" (The Seven Year Itch"-1955), como Kasava. Y atención a Otto Preminger, exactamente el director de grandes obras maestras como por ejemplo "Laura"-1994, y aqui metido en las botas del coronel von Scherbach.

  En definitiva: No es de lo mejor del gran Wilder pero de seguro pasareis un buen rato viéndola. Notable.

  William Holden logró el Oscar al Mejor actor, y la película obtuvo dos nominaciones más: Director y Actor secundario (Robert Strauss). Fue el año de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953)


 

 


24/06/2020 16:21 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

¡Viva Zapata! - 1952

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  Porfirio Diaz: "Mis niños... tengan paciencia."

  Emiliano Zapata: "Nosotros no comemos tortilla de paciencia, si no de maiz".

  Muy buena película de género dramático-biográfico (revolución mexicana) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Edgcumb Pichon. Con un sólido guión de John Steinbeck. Un escritor nacido en California. Se graduó en la Escuela Secundaria de Salinas en 1919 y estudió literatura en la Universidad de Stanford. En 1929 escribió su primera novela "La copa de Oro", una historia de ficción histórica basada en la vida del pirata Henry Morgan. En 1939 escribió "Las uvas de la ira", considerada su obra maestra. La novela la adaptó John Ford para una película protagonizada por Henry Fonda "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) ganadora de dos Oscar. En 1952 publicó "Al este del Edén" que lo llevó al cine Elia Kazan, "Al este del Eden" ("Esat of Eden"-1955), con James Dean y con un Oscar a la mejor actriz secundaria. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1962 por su "escritura realísta e imaginativa, combinando el humor simpático y la aguda percepción social".

  "¡Viva Zapata!" está dirigida por Elia Kazan. Un cineasta nacido en Estambul (Turquia), nacionalizado estadounidense.

  En la posguerra, el teatro de Broadway, con sus representaciones pioneras de la vida psicosexual, ejerció una profunda influencia en el cine de Hollywood, de lo que buena pparte se debe a Elia Kazan. Su adaptación de la obra teatral de Tennessee Williams "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) inaguró la tradición de dramas adultos a pequeña escala, en blanco y negro, que también sirvieron a la industria en su era de recesión económica posterior a la guerra.

  Durante el resto de la década, explotó con gran éxito de critica este género. "Un rostro en la multitud" ("A Face in the Crowd"-1957) aborda un tema muy respetado en Estados Unidos: el populísmo sureño, basado en el culto de la personalidad del statu quo blanco, anglosajón y protestante del Este. "Baby Doll"-1956 combina una mirada cínica y cómica sobre la mojigatería sexual con las estilizaciones neorrealístas propias del realísmo europeo.

  "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass"-1961) recrea eficazmente para el cine las intensas meditaciones del dramaturgo William Inge sobre los problemas sexuales del Medio Oeste, y en concreto los efectos paralizantes sobere las mujeres del denominado "doble estandar". La película anticipó casi una década el inicio de la tradición del cine artístico estadounidense durante el renacimiento de Hollywood y la creación de un tipo diferente de películas para mujeres.

  Convocado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, Elia Kazan delató a otros comunistas de la industria cinematográfica, una indicación que Hollywood nunca le perdonó del todo.

  Elia Kazan tiene otras películas que excavan en la vista del realísmo social europeo y el teatro artístico: "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets"-1950), en el que un personaje blanco hace de negro, "¡Viva Zapata!"-1952, "Al este del Eden" ("East of Eden"-1955) y "Rio salvaje" ("Wild River"-1960), que trata el inevitable descontento ante el progreso social y el cambio generacional. Incluso los proyectos más convencionales de Kazan manifiestan una maestria y una sofisticación intelectual que los hace superar el mero entretenimiento.

  Asi pues, Kazan nos lleva hasta el Sur de Méjico, entre 1909 y 1919. Y nos relata la historia de Emiliano Zapata, lider del movimiento campesino que reclama las tierras propias ocupadas por los terratenientes. Ante el fracaso de las gestiones pacíficas, se erige en uno de los cabecillas de la insugerencia ante el presidente Porfirio Diaz, despótico y tiránico. En marzo de 1911 se incorpora con los suyos a las fuerzas maderístas, que junto con las de Pancho Villa provocan la caida de Diaz. El nuevo presidente Francisco Madero, es asesinado (1913) por el general Victoriano Huertas que se proclama presidente. El desarrollo de la guerra lleva a Huertas al exilio (1914) y Venustiano Carranza, jefe de una facción revolucionaria, ocupa la presidencia, desde la derrota a Villa (1915) y busca la muerte de Zapata...

  La película exalta la figura de Emiliano Zapata, honesto, leal y sincero, que lucha por los suyos, sin querer nada a cambio. El propósito de Zapata de obtener la devolución a los campesinos de las tierras que les fueron arrebatadas fracasa ante Porfirio Diaz, Madero y Huertas, por lo que se ve obligado a mantener la lucha.

  La película muestra la revolución de Zapata como una lucha por la libertad de trabajar las propias tierras y la paz de vivir sin riesgos de perder la vida a manos de sicarios de los poderosos. La figura del héroe sobresale por su valentia y su amor por Josefa, su esposa con la que comparte momentos de gloria y de penuria.

  La banda sonora corrió a cargo de Alex North. Un compositor nacido en Chester (Estados Unidos). Estudió en la Julliard School of Music de Nueva York siguiendo sus estudios en Rusia. A su vuelta a Estados Unidos compuso música teatral para varios autores, entre los que se encontraban Elia Kazan, que le daría la oportunidad de hacer su estreno en el cine.

  Compuso una gran partitura para la película "2001: Una odisea del espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968), pero la descartó para luego incluir música clásica de Richard y Johan Straus, y otros. Coincidiendo con el 25 aniversario de la película, salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith, dirigiendo a la National Philarmonic Orchestra de Londres.

  Fue candidato al Oscar en 14 ocasiones, pero no se le concedió ninguno. sin embargo, en la entrega de los Oscar de 1985, se le concedió un Oscar honorífico en reconocimiento a sus desatacadas bandas sonoras.

  También fue creador de la música de una de las series más famosas de la televisión: "Hombre rico, hombre pobre" ("Rich Man, Poor Man"-1976) y de la canción "Unchained melody", bastante recordada y utilizada como fue en la película "Ghost"-1990.

  Yen este relato de un lider revolucionario, noble y generoso aportando una partitura de profundo dramatísmo que incluye canciones populares, como "Valentina", "Las mañanitas" y otras.

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Joseph MacDonald. Un director de fotografía nacido en Méjico. Sus comienzos fueron como asistente de camarográfo a principio de 1920 y en 1940 se convirtió en director fotográfico comenzando en la 20th Century Fox. Por lo general fue el primer director nacido en Méjico y el segundo en filmar una película en Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marry a Millonaire"-1953), el primero fue Leon Shamroy con "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953).

  Yen esta gran aventura reflexiva desarrollando una narración de singular belleza, con primeros planos psicológicos, sombras expresionístas, preferencia por los claroscuros y movimientos de gran precisión.

  Magistral la interpretación de Marlon Brando, "La ley del silencio" ("On the Waterfront"-1954) metido en el cuerpo de Emiliano Zapata. Y  extraordinario como siempre Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), como Eufemio Zapata, hermano de Emiliano. Y entre los dos la excelente y bellísima Jean Peters, "Niágara"-1953,como Josefa la esposa de Emiliano.

  Y muy destacables también Joseph Wiseman, "En nombre de la ley" ("Lawman"-1971), como Fernando Aguirre, un personaje al que siempre acompaña la muerte; Arnold Moss, "El reinado del terror" ("Reign of Terror"-1949), como don Nacio; Alan Reed, "Desayuno con diamantes" (Breakfas at Tiffany’s"-1961, como Pancho Villa; Frank Silveira, "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955), como Victoriano Huerta...

  Resumiendo: Una película con interpretaciones soberbias, sobresaliente fotografía, un guión que es de acero puro, magistral banda sonora y una inmejorable dirección.  Matrícula de Honor.

  "¡Viva Zapata!" obtuvo cinco nominaciones y Anthony Quinn logró el Oscar al mejor actor de reparto.

  A modo histórico Emiliano Zapata Salazar (Emiliano Zapata) nació en Annecuilco, Morelos (México) el 8 de agosto de 1875 y murió asesinado en Chinameca, Morelos (México) el 10 de abril de 1919.

18/06/2020 08:43 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

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                          Angela / George

  George: Te amo, Te he amado desde el primer momento en que te vi. Incluso creo que te amaba antes de verte.

  Angela: Y me  preguntabas porque te había invitado esta noche. Te diré porqué. Yo también te amo y me asusta, pero es maravilloso.

  George: Maravilloso estando juntos, poder abrazarte, mirarte, estrecharte contra mi. Pero que sucederá la próxima semana, durante el verano. Te amaré muchísimo más y te irás.

  Magnífica película (aunque le falta un pelín para obra maestra) de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en la novela "Una tragedia humana" de Theodore Dreiser. Un novelísta nacido en Indiana. A los 15 años se trasladó a Chicago y asistió durante un año a la Universidad de Indiana, y más tarde comenzó a trabajar como reportero del Chicago Daily Globe. Su primera novela fue "Sister Carrie" ("Nuestra hermana Carrie"). Sus últimas novelas "El baluarte"-1946 y "El estoico"-1947, aparecieron postumamente ya que falleció en 1945.

  El guión fue escrito por Michael Wilson. Un guionista nacido en Oklahoma. Se graduó en la Universidad de Berkeley y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones. Fue incluido en la lista negra del cine de Hollywood por ser comunísta, por lo que tuvo que emigrar a Europa hasta 1950 que volvió de nuevo a Estados Unidos. Fue nominado en varias ocasiones al Oscar, ganándolo en 1957 por "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"). Con Wilson colaboró en el guión Harry Brown. Un novelista nacido en Portland. Su primer trabajo fue con el documental "The True Glory"-1945, dirigido por Carol Reed y ese mismo año escribió "Un paseo bajo el sol" ("A Walk in the Sun"-1945) protagonizada por Dana Anrews. Su última novela llevada al cine (con un guión de Leigh Brackett) fue "El Dorado"-1966, interpretada por John Wayne y Robert Mitchum bajo la direción de Howard Hawks.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un director nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director de las cuales lo ganó en dos ocasiones, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoría de mejor película.

  Cada una de las películas de Stevens llevan su sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953), un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños ganaderos contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de los actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones.

  Es posible que George Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio: fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir  cortos de comedia a principio de los años treinta.

  Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Tarkington sobre las pretensiones sociales. Más adelante, Stevens demostró lo que podría hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936), dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide  de su fama. Luego realizó "Olivia" ("Quality Street"-1937), "Señorita en desgracia" ("A Damsel in Distress"-1937) y "Ardid femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la Segunda Guerra Mundial, George Stevens se unió al Cuerpo de Comunicaciones del Ejército de Estados Unidos, y firmó dramáticas escenas de guerra, como la liberación del campo de concentración de  Dachau. 

  Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift. Después realizó con James Dean "Gigante" "Giant"-1956) que le proporcionó el Oscar al mejor director. Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos, le impidieron hacer más películas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  La acción nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novísima autopista que enlaza la ciudad con las vias que llevan al Medio Oeste, una localidad indeterminada del Medio Oeste, Kansas City y Warsaw City y alrededores, entre marzo y septiembre de 1950 o 1951. Alli nos encontramos a un joven solitario, de familia humilde llamado George Eastman. Este abandonó la casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres trabajadores asalariados de la Bethel Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago y comenzó a trabajar como subalterno en un hotel, para después dirigirse al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le dé un buen trabajo. George es  ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Conoce a Alice Tripp y comienza una relación con ella, Alice es compañera de trabajo, y también conoce a Angela Wickers de 18 años esta es de familia adinerada...

  La película pues, suma romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que focaliza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentimientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos. Reclama a los actores y actrices que presten gran atención a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonístas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase trabajadora, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo a otro es practicamente imposible. Quienes lo intenten corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras evocan y se añaden representaciones explícitas de la misma, con el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo. Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores.

  Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha producido el cine. Junto a "Raices profundas" (Shane"-1953) y "Gigante" ("Giant"-1956) conforman los que algunos han venido a llamar la "triología de la familia" de George Stevens.

  La película habla de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la soledad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc. Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad. Condena la pena de muerte.

  La banda sonora estuvo dirigida por Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (pero nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es mundialmente conocido principalmente por sus trabajos para el género musical. Fue el compositor de peliculas muy emblemáticas tales como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959 y "La canción de Theresienstadt" durante la Segunda Guerra Mundial. Waxman también fundó el Festival de Música de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos, como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui ofreciéndonos una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa" de Livigstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Misouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con Geroge Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place inthe Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of nne Frank"-1959) donde lograría sendo Oscar y con William Wellman en "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, incluido "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y varios musicales de la MGM.

  Y aqui componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros constrastados, sombras densas y encuadres desquilibrados. Constrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean a Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake (California). Y los interiores en los platós de los estudios Paramout Picture (Hollywood).

  Sobresaliente el trio protagonista: Montgomery Clift, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity""-1953), como George Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" "Butterfield 8"-1960), como Angela Vickers; y Shelley Winters, "La noche del cazador" (The Night of the Hunter"-1955), como Alice Tripp.

  Y con ellos: Anne Revere, "La barrera invisible" ("Gentleman’s Agreement"-1947), como Hannah Eastman; Keefe Braselle, "Venga tu sonrisa" ("Bring  Your Smile Along"-1955), como Earl Eastman. Y atención a Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954), aunque la mayoría le conocerán por ser el protagonísta de la famosa serie de televisión, "Ironside"-1967, y aqui en el papel del fiscal Frank Marlowe.

  En definitiva: Todo un clásico con mayúsculas. Y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Sobresaliente.

  "Un lugar en el sol" logró 6 Oscar en 1951: Director, Guión (Michael Wilson y Harry Brown), Banda sonora (Frank Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Melllor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeck).

  Como curiosidad: la película fue estrenada en plena histeria de la "caza de brujas" y los nombres de la actriz Anne Revere y del guionista Michael Wilson fueron añadidos a la lista negra.

10/06/2020 17:23 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.

Eva al desnudo (All About Eve- 1950)

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                  Eva / Addison

  Addison: Que yo te quiera se me antoja ahora como algo inverosímil, pero quizá sea esa precisamente la razón. Eres una persona inverosímil, Eva. Y yo también, eso tenemos en común; junto con el desprecio por la humanidad, incapacidad para amar y ser amados e insaciable ambición y talento. Nos merecemos el uno al otro. ¿Estás escuchándome? Pues contesta.

  Eva: si, Addison.

  Addison: ¿Y te das cuenta y estás conforme en lo que eres solamente mia?

  Si, Addison.

  Addison: Entonces a dormir, y buena suerte esta noche.

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense basada en el relato "The Wisdom Of Eve" (1946), de Mary Orr. Una escritora nacida en Nueva York. Estudió en la Universidad de Syraccuse y en la Academia Estadounidense de Arte Dramático de Manhattan. Su novela más exitosa fue precisamente "All About Eve" que se publicó ese mismo año en la revista "Cosmopolitan". Y en 1951 esa misma revista publicó una secuela titulada "Más sobre Eva".

  El guión fue escrito por el mismo directpr de la película es decir por Joseph L. Mankiewicz. Un cineasta nacido en Pensilvania. Antes de dirigir pasó mas de quince años trabajando como guionísta y productor en Hollywood, donde escribió muchas de las películas más destacadas de los años 30 y,  produjo para diversos directores, como George Cukor en "Historias de Filadelfia" (The Philadelphia Story"-1940). Su primer intento como director fue con "El castillo de Dragonwyck" ("Dragonwyck"-1946), una película demasiado efectísta, lastrada también por un mal reparto y unas interpretaciones mediocres.

  la primera gran película de Mankiewicz fue "Cartas a tres esposas" ("A Lefter the Three Wives"-1949) que desarrolló a partir de un relato que encontró en una revista femenina sobre una mujer fatal soltera que roba el marido a una de sus tres mejores amigas. La película trasciende con creces el tema y deslumbra con observaciones perspicaces sobre las clases sociales.

  Sus personajes, elaborados con gran detalle, cobran vida con un diálogo cortante bajo la experta dirección de Mankiewicz. La pelicula también proporciona algunas interesantes reflexiones sobre el desarrollo de la cultura de masas, los trastornos que provoca la guerra, la cultura constante y el feminísmo. El resto de su producción es notablemente variada, con una serie de películas instruidas y atractivas, aunque destaquen desde el punto de vista visual. Mankiewicz alcanzó fama por supervisar las últimas etapas de uno de los desastres más notables de Hollywood "Cleopatra"-1963, donde demostró que no era un maestro del espectáculo a gran escala.

  El medio en que mejor se desenvolvía era la comedia de costumbres ingeniosa, un género que dominó como nadie "Carta a tres esposas" es sin duda una obra de arte pero, "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) no tiene rival. Este drama entre bastidores ofrece una reflexión oscura y pesimísta sobre la farsa y la celebridad y sobre las maneras de conseguirlas.

  Aunque había más de Broadway que de Hollywood, la película parece un comentario algo perverso sobre la industria a la que estaba unido Mankiewicz, un intelectual educado por la Ivy League. Posiblemente se muestra resentido con el cine comercial y su obsesión con las estrellas, guionístas y directores.

  La acción pues, tiene lugar en Nueva York y su presente narrativo se situa en 1949-50. Entre presente y pasado recoge observaciones de unos tres años. La joven Eva Harrington, admiradora de la veterana actriz de teatro Margo  Channing, es presentada por su amiga Karen, esposa del dramaturgo Lloyd Richards. Eva pronto se gana la confianza de Margo, lo que le permite relacionarse con el critico teatral Addison DeWitte, el director de escena Bill Simpson y la asistenta Birdie. Margo, de 40 años, actriz veterana, enamorada de su trabajo, gran profesional, es caprichosa, envidiosa y dominante. Eva, que es joven, ambiciosa, falsa y manipuladora, oculta un pasado oscuro. Addison es vanidoso, cinico y carece de escrúpulos. Bill, casado con Margo, es el "alter ego" del realizador. Se insinúa la homosexualidad de Eva y Addison.

  La película combina drama y sátira social. La trama se focaliza en investigar y descubrir toda la verdad sobre Eva. La narración se pone en boca de Karen, Margo y, sobre todo, Addison. Los recuerdos y punto de vista cada uno de ellos se presentan a través de un hábil juego de siete flashbacks, característico del método de trabajo de Mankiewicz.

  El guión es incisivo, sútil y brillante. Incorpora muchos diálogos, como le gusta al director, que los presenta bien construidos, condensados y desarrollados con fluidez y sentido del humor. Los caracteres están bien definidos y hábilmente matizados. La puesta en escena es elegante, atractiva y eficaz.

  Explora temas esencialmente humanos como la ambición, el amor, la amistad, los celos, la hipocresia, el cinísmo, la deslealtad, la infidelidad, la traición. Estudia los efectos que ejercen sobre las personas el paso del tiempo y la edad. Analiza con seriedad y rigor, los mecanismos del éxito en el teatro, en el cine de Hollywood (abundan las referencias veladas a la meca del cine), en el mundo y en la historia.

  Potencia la tensión mostrando la acción (lo que se dice, se hace...) y la correspondiente reacción (lo que se piensa, se cree, se acepta...). Este recurso se hace particularmente patente en la secuencia de la entrega del premio Sarah Siddons: mientras el presentador habla de las virtudes y méritos de Eva Harrington, se intercalan planos con los rostros incrédulos y renuentes de sus amigos (Margo, Karen, Addison). La secuencia central de la película es, posiblemente, la de la fiesta de cumpleaños de Bill, donde Margo estalla emocionalmente, presa de ira y celos.

  La película constituye un homenaje al teatro y al cine, por su argumento y por los numerosos detalles que al mismo dedica Mankiewicz: referencias, indicaciones, alusiones, etc. . La decoración y el vestuario evocan el teatro.

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Y uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante toda su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvon el premio en cuatro ocasiones:en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros directores fue muy fructífea. Estas fueron sus cuatro pelìculas ganadoras del Oscar: "La banda de Alexander" ("Alexander’s Ragtime Band"-1938), "Tin Pan Alley"-1940, "La canción de Bernardette" ("The Song of Bernardette"-1943) y "Llámame Señora" ("Call Me Madam"-1953).

  Y aqui aportando una partitura de 23 cortes originales, de melodias intimístas y una fanfarria dedicada al teatro. La fiesta de cumpleaños incorpora piezas melancólicas, reflejo del estado de ánimo de Margo. Añade dos composiciones ajenas: "Sueño de amor" 1 y 2 de Listz y "Beau Soir", de Debussy.

  De la fotografía en blanco y negro se hizo cargo Milton Krasher. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en 1930 y en 1950 fue contratado por la 20th Century Fox donde estuvo practicamente hasta su retirada en 1976. Entre sus casi 100 trabajos para el cine solamente ganó un Oscar y fue con "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954), una de las primeras películas rodadas en Cinemascope.

  Y aquí ofreciéndonos una narración realista, equilibrada y clasicísta, de magnífica composición y excelente dibujo, ajena a los modos expresionístas. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan, San Francisco y Connectuicut, y en los platós de la 20th Century Fox en Los Angeles.

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por una soberbia Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes"-1941) metida en el cuerpo de Margo Channing. Y seguida muy de cerca por la bellísima Anne Baxter, "Yo confieso" ("I Confess"-1953), como Eva Harrington; George Sanders, "Rebeca" ("Rebecca"-1940), como Addison DeWitt; Celeste Holm, "Alta sociedad" ("High Society"-1956), como Karen Richards; Gary Merrill, "Al borde del peligro" ("Where the Sidewalk Ends"-1950), como Bill Simpson; Thelma Ritter, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962), como Birdie Coonan. Y atención aunque en un breve papel a una jovencísima Marilyn Monroe, "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y aqui como Miss Casswell...

  En definitiva: Una obra maestra sobre el mundo del teatro de Broadway. Y una de las mejores películas de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Eva al desnudo"  logró 6 Oscar en 1950: Película, Director, Actor secundario (George Sanders), Guión (Joseph L. Mankiewicz), Sonido (Thomas T. Moulton) y vestuario en blanco y negro (Edith Head y Charles Le Maire).

02/06/2020 08:22 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love and a Time to Die - 1958)

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     En recuerdo de:  John Gavin

  "Vivimos en un mundo donde nos escondemos para hacer el amor..."Pero la violencia es practicada a plena luz del dia".

  Obra maestra de género bélico con drama y romance incluido y de nacionalidad estadounidense, basada de una novela de Erich Maria Remarque. Un escritor alemán nacido en Osnabrück. Participó en la Primera Guerra Mundial, hecho en el cual se inspiró para escribir su máxima obra literaria "Sin novedad en el frente" (1929), historia en la que describe con implacable claridad y cálida compasión el sufrimiento provocado por dicha guerra.

  En 1932, abandonó Alemania y se instaló en un principio en el cantón del Tesino (Suiza). En 1939 emigró a los Estados Unidos, junto con su primera esposa Ilse Jutta Zambona, con la que se casó y divorció dos veces. Ambos se nacionalizaron estadounidenses en 1947. Al año siguiente regresó a Europa. En 1958 se casó con la actriz Paulette Godard y permaneció casado hasta su muerte en 1970.

  A Erich Maria Remarque se le considera como uno de los más famosos enemigos del nazismo. En 1933, muchas de sus obras fueron destruidas durante las quemas públicas de libros que llevaron a cabo los nazis en Alemania entre el 10 de mayo y el 21 de junio.

  Estas fueron sus novelas llevadas al cine: "Sin novedad en el frente" ("All Quiel on the Western Front"-1930), "Tres camaradas" ("Three Comrades"-1938) y "Tiempo de amar, tiempo de morir" ("A Time to Love and Time to Die"-1958). En 1979 se hizo otra versión de "Sin novedad en el frente" para la Televisión dirigida por Delbert Mann.

  Del guión se hizo cargo Orin Jannings. Un guionísta nacido en Nueva York y dada su prematura muerte solamente cuenta en su historial guiones para seis películas. La primera en 1949 titulada "Mr. Soft Touch" protagonizada por Glenn Ford, y la última "The Gene Krupa Story"-1959) con Sal Mineo en el papel del legendario bateria de jazz Gene Krupa.

  "Tiempo de amar, tiempo de morir" está dirigida por Douglas Sirk. Un director nacido en Hamburgo (Alemania), pero nacionalizado estadounidense.

  Hijo de padres daneses, Douglas Sirk empezó como director teatral. Dirigió su primera película alemana "Zwei Genis"-1934, y durante algún tiempo trabajó en la industria cinematográfica nazi. Pero su segunda esposa era judia y la pareja abandonó Alemania para trasladarse a Hollywood. Tras cambiar su nombre por Douglas Sirk (su verdadero nombre era Hans Detlef Sierck), dirigió su primera película en Estados Unidos "El verdugo de Hitler ("Hitler’s Madman"-1943), un drama sobre el asesinato del lider nazi Reinhard Heydrich en Checoslovaquia.

  Con todas las películas que Douglas Sirk realizó en Hollywood durante esta primera época fueron piezas de género ligeras. En "Su gran deseo" ("All I Desiré"-1953), se puede detectar un indicio de su cine posterior. Se trata  de un melodrama en el que Barbara Stanwyck agita las aguas de un pueblecito que dejó diez años atrás al regresar a él.  Sirk triunfó con "Obsesión" ("Magnificent Obsesion"-1954), un drama en el que la conducta iresponsable de un plaboy malcriado (Rock Hudson) provoca la muerte de un hombre mejor que él. Arrepentido busca la solución en las buenas acciones y se enamora de la viuda del muerto (Jane Wiman). Este emparejamiento estelar se repitió en "Solo el cielo lo sabe" ("All that Heaven Allows"-1955), donde Wyman interpreta a una viuda que inicia un idilio con un joven jardinero a pesar de la oposición de la familia.

  La obra maestra de Douglas Sirk "Escrito sobre el viento" ("Written on the Wind"-1956), donde los neuróticos hijos de un rico petrolero enredan a un amigo de la infancia, interpretado por Rock Hudson, en sus embrollos sentimentales. Su última película en Hollywood, "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959), fue un gran éxito comercial y una demostración de su capacidad para convertir un material de serial radiofónico en cine sutilmente elaborado, Lana Turner hace amistad con una mujer afroamericana y su hija, dándoles trabajo como sirvientas. Pero se desata la tragedia cuando la hija empieza a hacerse pasar por blanca.

  Las películas de Douglas Sirk fueron elogiadas por los jovenes e iconoclastas criticos franceses de "Cahiers du Cinema", y su cine fue ganando relevancia con el tiempo; por ejemplo, se puede apreciar su influencia en la obra del director alemán Rainer Warner Fassbinder.

  Asi pues,  y aqui en su penúltima película, Douglas Sirk nos lleva hasta el comienzo de la primavera de 1944 en el frente ruso de Alemania (sin mayores especificaciones) y en la pequeña ciudad de Werden (Renania del Norte), durante algo más de un mes, con especial referencia a los 21 dias de permiso del soldado Ernst Graeber. Este se reecuentra inesperadamente con Elizabeth, hija única de 20 años, del médico de cabecera de su familia, el Dr. Kause. En Werden, Ernst se relaciona con su antiguo condiscípulo Oscar Binding, con su antiguo maestro el profesor Polhmann y con los militares de la enfermeria Hermann, Boetcher, Reuter y otros. Ernst tiene 24 años, lleva algo más de dos años sin visitar Werden y es honesto, sincero, susceptible y algo ingenuo. En el frente su mejor amigo es Immerman. Elizabeth es de carácter fuerte, tiene gran sentido de la dignidad y del amor propio, trabaja en una planta de confección de capotes militares, se encuentra sola y vive preocupada por su padre, deportado a un campo de concentración y condenado a trabajos forzados por haber manifestado que pensaba que Alemania no podía ganar la guerra...

  La película suma drama, romance y guerra. Desarrolla una narración realista, que se apoya en el uso de contrastes y antitésis (amor/odio, muerte / primavera, horror / ternura...), en un estilo fluido y ligero, con unos diálogos naturales (alejados de la farragosidad de la novela) y una portentosa visualidad. Crea una atmósfera trágica que con variación de matices informa todo el metraje. El espacio en el que tirne lugar la acción principal se presenta derruido por las bombas, convertido en formas fantasmagóricas, distorsionadas y fragmentadas por lo que transforman en un lugar de congoja y pesadillas.

  Douglas Sirk incorpora a esta historia numerosos signos de la muerte. Practicamente toda la ciudad de muerte. Lo hace por medio de elementos anteriores a la guerra (caballo disecado), amenazas ciertas (Gestapo), personas ocultas en lugares inhóspitos, dibujos en las paredes del refugio (bombas que caen sobre personas indefensas), ceremonias fúnebres (comitiva de entierro), sonido y efectos de los bombardeos (traje en llamas de una mujer) etc.

  La presencia singular de la muerte se convierte en un fenómeno masivo en la casa del comisario político del lugar, cuyas paredes muestran los bustos disecados de multitud de gamos, cornamentas de ciervos sacrificados y escopetas de caza.

  La película compone un magnifico recital de imágenes, planos y sugerencias visuales, que constituyen uno de sus principales valores. No son composiciones caprichosas, ni ocurrencias gratuitas, ni artifices innecesarios. Ponen de manifiesto parte de una realidad que no se expresan bien solo con palabras e imágenes. La descripción de la barbarie de una guerra se ha de hacer con imágenes, palabras, sonidos inusuales (como el roce de un alambre sobre las cuerdas de un piano roto) y la puesta en tensión de la invitación y la imaginación del espectador. Lo imaginable, lo inconcebible de una guerra se ha de explicar con la metodología que el director despliega en la película.

  Es magnífico el juego de imágenes, planos y sonidos con los que se describe lo que fue la casa de los padres de Ernst y la infancia feliz del niño. Magnífica también la descripción elíptica, emotiva y desgarrada de las escenas de la estación del tren. Combinan los vidrios rotos de la cristalera, las formas cortantes y agresivas de sus restos y la cruz que dibujan los listones que los sostienen. En una de ellas la cruz se superpone a la que guarda el descanso de un soldado en combate. Algunos objetos fisicos (caja de puros) y algunas referencias gráficas (lobos que se alimentan de despojos humanos) hielan el alma. 

  La seriedad y el rigor del tema no impiden la presencia del humor envuelto siempre en objetivaciones grotescas, como el peso (90 kg) de Alma Boettcher, la fijación fetichísta por las mujeres muy gordas, las referencias a cocodrilos y los relatos autobiográficos de Reuter, siempre sin final.

  La banda sonora corrió a cargo de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria) y muy especializado en películas de corte histórico. Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño un gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Alli, el compositor Marcel Dupré le aconsejó mudarse a Paris, cosa que hizo en 1932. En 1934, su amigo el compositor Arthur Honneger, lo introduzco en la musica cinematográfica. Se trasladó a Londres para perfeccionar su arte y alli, su amigo y compatriota Alexander Korda lo llevó a Hollywood para participar en la música de la película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940). Permaneció en California por el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas.

  Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1960.

  Y aqui sumando lirismo y un fuerte dramatismo, describiendo con emoción la fatiga y la desmoralización de la tropa en "La marcha", la intensidad del amor en "Their last Night" y la patética melancolía en "A Time to Die". Añade además una canción, "A Time to Love", que en el restaurante "El Germania" canta una vocalísta no acreditada.

  La fotografia en color y formato Cinemascope (creo que es la única pelicula de Sirk en este formato), corrió a cargo de Russell Metty. Un director de fotografía nacido en Los Angeles. Un musico que compuso muchas de las grandes bandas sonoras salidas de Hollywood en las décadas de 1940, 1950 y 1960. En 1961 obtuvo el Oscar a la mejor fotografía por "Espartaco". Entre las 150 películas en las que trabajó son especialmente recordadas: "Escrito sobre el viento" ("Written on the Wind"-1956); "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958), "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959); "Vidas rebeldes" (The Misfits"-1961) y "Sierra prohibida" ("The Appaloosa"-1966).

  Y aqui, creando combinaciones de planos que aúnan brevedad, dinamismo, profundidad emocional y fuerza descriptiva.  La película se rodó en escenarios naturales de Atelier Spandau (Berlin) y en las proximidades de dicha ciudad, y los interiores en los estudios Universal de Los Angeles.

  Extraordinario y en su primer papel como protagonísta John Gavin, "Psicosis" ("Psycho"-1960), dando vida a Ernst Graeber, un soldado alemán que combate en el frente ruso y, que obtiene un permiso  para volver a Alemania. Y junto a él Liselotte Pulver, "Uno, dos, tres" ("One, Two, Three"-1961), como Elizabeth Kruse, una joven alemana con la que Ernst inicia un bello romance.

  Con ellos, Keenan Wynn, "El oro de McKenna" ("MacKenna’s Gold"-1969), como Reuter; Jock Mahoney, "Un dia de furia" ("A Day of Fury"-1956), como Immerman; Don DeFore, "Demasiado tarde para lágrimas" ("Too Late for Tears"-1949), como Hermann  Boettecher. Y en breves papeles nos encontramos a Klaus Kinski, "Fitzcarraldo"-1982, como un teniente de la Gestapo y a un jovencísimo Jim Hutton, "Boinas verdes" ("The Green Berets"-1968), como el soldado Hirschland.

  En definitiva: Una obra maestra de su género. Una película humana y tan real como la vida misma. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

  "Tiempo de amar, tiempo de morir" estuvo nominada al Oscar al Mejor sonido.

 

  Como curiosidad: El escritor de la novela Erich Maria Remarque tiene un breve pero importante papel en esta película concretamente el del profesor Polhmann.


27/05/2020 16:53 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                      John Gavin

                 Actor y Diplomático

  El dia 9 de febrero de 2018 (perdón por el retraso), falleció a la edad de 86 años el actor y dipolmático estadounidense John Gavin.

  Nacido en una familia adinerada con ascendencia mexicana por parte de madre (Delia Diana Pablos) e irlandesa por parte de padre (Herold Ray Goldenor), realizó sus estudios en la Universidad de Stanford, en donde se graduó con una especialización en historia económica de Latinoamérica. Tras finalizar sus estudios, ingresó en el Ejército, donde fué asignado al área de inteligencia de la Armada de Estados Unidos y sirvió tres años como oficial en la Guerra de Corea, a bordo del portaaviones USS Princenton (CV-37).

  Tras cumplir el servicio militar y con la mente de convertirse en dipolmático luego de estudiar leyes, se ofreció para un puesto técnico en una película sobre la Armada, pero el director lo rechazó y lo incentivó a dedicarse a la actuación.

  Sin estar del todo convencido, firmó su primer contrato con la Universal Pictures (puramente para experimentar) y con la intención de probar carrera como actor (por un año solamente). Luego dijo que aunque sus ideas iban para un lado completamente distinto en ese momento Hollywood "le abrió los ojos".

  La Universal apostó fuerte por él  y le dió el papel protagonísta en una de las películas más vistosas que había producido por aquel entonces el estudio "Tiempo de amar, tiempo de morir" ("A Time to Love and Time to Die"-1958), por la cual ganó el Globo de Oro a la nueva estrella del año. Posteriormente formó parte de "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959, "Psicosis" ("Psycho"-1960) de Alfred Hitchcock, la película histórica "Espartaco" ("Spartacus"-1960) en la que interpretaba a Julio César, "La calle de atrás" ("Back Street"-1961), junto a Susah Hayward y el musical "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967). A su vez participó en series televisivas protagonizando la serie "Destry"-1964.

  Durante los setenta realizó giras teatrales participando en los musicales "The Fantastickc" y "Seesam", el cual tambien protagonizó en Broadway. En 1971 fue electo presidente del Sindicato de Actores de Cine, cargo que ocupó hasta 1973 cuando fue derrotado en la reelección por Dennis Weaver.

  En el área diplomática, en 1961, fue nombrado asesor especial del secretario general de la OEA (Organización de los Estados Americanos). En 1981, abandonó la producción de un musical en Broadway antes de comenzar los ensayos al ser designado por el presidente Ronald Reagan embajador de Estados Unidos en México. Durante su gestión hubo momentos muy tensos en las relaciones entre ambos paises y parte de la prensa mexicana lo acusaba de ser "inservible a México y su pueblo". Finalmente, Gavin renunció en abril de 1986.

  Se casó con la actriz Cicely Evans en 1957, con quien tuvo dos hijas y se divorció en 1965. En 1974, contrajo matrimonio con Constance Towers, quien tenía dos hijos de su anterior matrimonio.

  John Anthony Golenor (John Gavin) - 8 - abril - 1931 - Los Angeles (Estados Unidos) - 9 - febrero - 2018 - Beverly Hills, California (Estados Unidos).

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

22/05/2020 10:13 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Pasajero 57 (Passanger 57 - 1992)

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  El es un policia mal hablado, mal encarado y con malos modos...

  Entretenida, sin más, película de género de acción y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de Stewart Raffill y Dan Gordon. El primero, un guionísta y director nacido en Inglaterra. Comenzó en la industria del cine como supervisor y finalmente como dueño de su propia compañía, y en donde alquilaba animales para sus películas y programas de televisión tales como: "El león" ("The Lion"-1962), "El teniente Robinson" ("L. t. Robinson Crusoe, U.S.N."-1967) y como director hizo su debut con "El tierno guerrero" ("The Tunder Warrior"-1971).

  En cuanto a Dan Gordon, otro escritor y guionista nacido en Estados Unidos, concretamente en California. Como guionísta ha escrito películas como por ejemplo: "Wyatt Earp"-1994 y "Huracán Carter" ("The Hurrican"-1999), entre otras. Es co-fundador del Instituto Zaki Gordon (761), una escuela de cine en Sedona (Arizona) y también es  miembro del Gremio de Directores de América desde 1985.

  Del guión se hicieron cargo el propio Gordon y ayudado por David Loughery. Un guionísta nacido en Chicago. Con una veintena de películas en su haber, ha sabido ponerse a la altura de los mejores guionístas de Hollywood con películas como: "Star Trek V: La última frontera" ("Star Trek V: The Final Frontier"-1989), "Los tres mosqueteros" ("The Three Musketeers"-1993) y "Asalto al tren del dinero" ("Money Train"-1995).

  "Pasajero 57" está dirigida por Kevin Hooks. Un actor y director nacido en Filadelfia. Con 10 años, Kevin protagonizó el aclamado "J T "-1969 en el episodio titulado "Chldren’s Hour". Más tarde apareció en  la exitosa serie "Sounder"-1972. También interpretó para la televisión al jugador de baloncesto Morris Thorpe en "The White Shadows" que se emitió entre 1978 y 1981, y en 1986 protagonizó la comedia para la cadena ABC "Afterschool Specials". Para el cine como director cabe destacar películas como "Fugitivos encadenados" ("Fled"-1996) y "Black Dog"-1998.

  La acción pues, nos lleva hasta un tal Charles Rane que está considerado uno de los más peligrosos terrorístas del mundo, y va custodiado por agentes federados. Rane es trasladado a Los Angeles en avión para ser juzgado por los crimenes cometidos. A pesar de las medidas de seguridad, Rane consigue liberarse y se hace con el mando del avión, pero no cuenta que en el mismo avión, sentado en el asiento número 57, viaja John Cutter, un especialísta en lucha antiterrorísta...

  Tipica y tópica película de acción a mayor gloria de su protagonista, y en donde no cabe exigir otra cosa que no sea el puro entretenimiento. Contiene algunas buenas escenas de acción, para que en resumidas cuentas no llegue uno a aburrirse, hay que decir que algunas de ellas están muy bien logradas.

  Buena fotografía en color llevada a cargo de Mark Irwin. Un director de fotografía nacido en Toronto (Canadá). Estudió ciencias políticas en la Universidad de Waterloo y cinematografía en la Universidad de York. Es ampliamente conocido por sus primeras colaboraciones con David Cronenberg en películas como: "Tensión en el circulo" ("Fast Company"-1979), "Scanners"-1981, "Videorama"-1983, "La zona muerta" ("The Dead Zone"-1983) y "La mosca" ("The Fly"-1986).También ha sido colaborador habitual para varios directores tales como: Wes Crawen, Todd Philips y los hermanos Farrelly. Ha trabajado principalmente en los géneros de cine de terror y comedia. Ha recibido hasta la fecha cuatro veces el Premio CSG a la mejor fotografía y una nominación al Premio Genie.

  Y en esta entretenida historia (aunque nada del otro mundo), mostrando una buena fotografía en color, y con algunas buenas escenas de acción y algo también de humor, aunque hay que decir que con el paso del tiempo ha perdido algo de dinamísmo, pero en mi opinión te da lo que le pides, entretenimiento sin más.

  La banda sonora corrió a cargo de Stanley Clarke. Un compositor nacido en Filadelfia. Asistió a la Academia Musical de su ciudad natal y más tarde a la Universidad de las Artes. De principio pretendia convertirse en el primer músico de color de la Orquesta de Filadelfia, hasta que conoció al pianísta de jazz Chick Corea y en 1973 fundaron la banda Return Forever. En 1981 se unió al mitico Paula McCarteny donde tocó dos años con él. Y en 1987 fue cuando se pasó a la música de cine y televisión. Su primer trabajo fue un episodio de la exitosa serie "Kung-Fú", y su primera banda sonora para la pantalla grande fue con la película "Book of Love"-1990, una comedia juvenil dirigida por Robert Shaye. Su último trabajo hasta la fecha ha sido con la película "Undercover Brother 2"-2019 de Leslie Small. Cuenta en su haber con tres Premios Grammy.

  Y en este oportuno pasajero, haciendo uso de su buena profesionalidad para mostrarnos una agradable música ambiental y variada de temas y estilos, con cálidas melodias de acompañamiento, junto a temas de acción.

  En cuanto a los actores pues, todos en sus respectivos puestos, aunque el que sobresale es su principal pritagonísta es decir Wesley Snipes, "La trampa del asesino" ("The Contractor"-2007), metido en el cuerpo de ese pasajero 57 que es lo mismo que John Curter todo un especialísta en lucha contra el terrorísmo. Y dándole buena réplica Bruce Payne, "Operación Aurora" ("Aurora: Operation Intercept"-1995), como Charles Rane, un peligroso terrorísta con el que Curter se las trae "tiesas" con él.

  Y con ellos en el avión: Tom Sizemore, "Presencias misteriosas" ("The Intruders"-2015), como Delvecchio; Bruce Greenwood, "Trece dias" ("Thirteen Days"-2000), como Stuart Ritchie; Alex Datcher, "El experto" ("The Expert"-1995), como Marti Slayton; Elizabeth Hurley, "Al diablo con el diablo" ("Bedazzled"-2000), comoSabrina Ritchie...

  En definitiva: Una película entretenida y poco más, hecha expresamente para lucimiento de su protagonísta que disfruta de lo lindo dando patadas a diestro y siniestro. Y bueno como diria aquel vas a pasar un rato entretenido y al poco tiempo te olvidas de ella. Aprobado.

  A modo de curiosidad: El proyecto original del guión situaba la acción por la noche, pero se decidió que la historia sucediera durante el dia para ahorrar dinero. 

 

12/05/2020 16:34 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Los comancheros (The Comanchers - 1961)

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          En recuerdo de: Stuart Whitman

         La ley... Los sin ley... Los amantes.

  Muy buena y a la vez divertida película de género de western y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Paul Wellman. Un escritor y periodísta nacido en Oklahoma, y muy conocido por sus novelas sobre el salvaje oeste, la mayoria de ellas llevadas al cine tales como: "La novia de acero" ("The Iron Misteress"-1952) protagonizada por Alan Ladd;"Apache"-1954, con Burt Lancaster y "Jubal"-1956 con Glenn Ford, entreo otras más.

  Del guión se hicieron cargo James Edward Grant. Un escritor y guionísta nacido en Chicago con más de 50 películas en su historial. Sus comienzos fueron en 1936 con "Grandes ojos marrones" ("Big Brown Eyes") con Cary Grant. Fue uno de los máximos colaboradores de John Wayne trabajando con él en una docena de películas, entre ellas: "Hondo"-1953, "El Alamo"-1960 y "El gran McLintock!"-1963.

  El segundo guionísta fue Clair Huffaker. Un escritor nacido en Utah, y muy especializado en novelas del oeste, muchas al igual que su compatriota Grant, llevadas al cine. Sirvió en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial y al finalizar la contienda se trasladó a Europa por una temporada. Entre sus novelas llevadas a la pantalla grande caben de destacar "Rio Conchos"-1964, "Estrella de fuego" ("Flaming Star"-1960) y "!00 rifles"-1969. También escribió para la televisión donde cabe de destacar algunos episodios la exitosa serie "Lawman"-1958-1962.

  "Los comancheros" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria), pero nacionalizado estadounidense.

  Los directores de confianza profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituciéndole sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico. Y el más destacado de todos ellos ese era Michael Curtiz. Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias, de terror, cine negro..., pero su punto fuerte eran las películas de acción y aventuras, a las que infundía un contagioso brio. "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó películas biblicas al estilo de Cecil B. DeMille. En 1926 llegó a Estados Unidos, y con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihály Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes filmó más de 80 películas de la productora, entre ellas: "20.000 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing2-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigde"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels Whit Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1949), "Yanky Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" (Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942 con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Michael Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte, a los 75 años.

  Asi pues, el maestro Curtiz, aqui en su última pelìcula, nos lleva al año 1843, y en donde el capitán Jack  Cuter, un "ranger" de Texas, captura a un tal Paul Regret, un jugador que habia matado al hijo de un juez. De camino a Luisiana, donde Cutter debe entregar al prisionero, paran en un rancho que es atacado por una banda de delincuentes llamados "los comancheros". El grupo, liderado por un antiguo oficial del ejército conferderado, vende armas y alcohol a los indios comanches. Este suceso obliga a Cutter y Regret a unir sus fuerzas de manera inesperada. En un momento de la escaramuza Regret consigue huir a caballo, pero en lugar de dejar a su captor abandonado, regresa con refuerzos de los "rangers", que consiguen rechazar el ataque. Ya como aliados, Cutter y Regret mantienen nuevos enfrentamientos con los comancheros y los indios. Durante estas refriegas, Regret se reencuentra con Pilar Graile, una misteriosa mujer, hija del cabecilla comanchero...

  Excelente película con el coctel habitual del cine de su director, mezclando habilmente la aventura, el western clásico, con una buena dósis de humor y por supuesto mucha acción. Un western pues, rodado con mucho oficio que nos ofrece todo aquello que nos gusta del género.

  La fotografía en color y formato Cinemascope fue dirigida por William H. Clothier. Un director de fotografía nacido en Illinois. Ingresó en la industria del cine, por medio de la Warner Bros, su primera pelìcula fué "Alas" ("Wings"-1927). Entre 1933 y 1938, trabajó en España, donde fue encarcelado durante la Guerra Civil española. Fue teniente coronel de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

  En 1955 filmó "El zorro de los océanos" ("The Sea Chase") su primer proyecto como dirctor de fotografía con John Wayne y Lana Turner. Con Wayne colaboró en 21 películas. incluyendo: "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) de John Ford. Se retiró con la película "Ladrones de trenes" ("The Train  Robbes") de Burt Kennedy.

  Y en esta buena muestra del western, mostrándos unas escenas con maravillosos paisajes, rodados en escenarios naturales de Utah y Arizona.

  De la banda sonora se hizo cargo el extraordinario Elmer Bernstein. Un compositor nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron estudiando con Aaron Copland y luego ingresó en la Academia Julliand. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y actuar también en la banda militar de Glenn Miller.

  Sus inicios en la música cinematográfica fueron como discipulo de Jerome Moross, Alex North y del propio Aaron Copland. Sus composiciones cinematográficas altenan el estilo jazzístico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodias muy recordadas, como "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960) o "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). Ganó un Oscar por "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967), de las diez ocasiones en que fue nominado. Compuso para Michael Jackson en su video-clip "Thriller" para hacer la música de miedo que oimos en este (no referido a la canción "Thriller" que fue compuesta por Rod Temperton.

  Y en esta despedida del gran Curtiz, el también gran Bernstein hace de destilar una música como en tantas de sus composiciones, y como en tantas de las bandas sonoras escritas para el western, dándole optimísmo, alegría, euforia y vitalidad, perfectamente ajustadas al cine de planos generales.

  Sensacional el reparto de actores encabezado por John Wayne "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) metido en el cuerpo de Jake Cutter, un ranger de Texas que debe de llevar a cabo una dificil y arriesgada misión. Y con él, Stuart Whitman, "Rio Conchos"-1964, en el papel de Paul Regret, un jugador por el al que Cutter debe de llevar ante el juez para juzgarlo y llevarlo a horca, pero que al final se harán amigos inseparables. Y con ellos Ina Balin, "Desde la terraza" ("From the Terrace"-1960), como Pilar Graile, la hija del cabecilla comanchero; Nohemich Persoff, "El viaje de los malditos" ("Voyage of the Damnet"-1976), como Graile, el padre de Pilar. Y atención a otro grande del cine, que, aunque en un breve pero gran papel y llenando por si solo esta gran pantalla en Cinemascope, me refiero a Lee Marvin, "A quemarropa" ("Point Black"-1967), dando vida a Tully Crow. Y no podian faltar dos fijos en este tipo de género como son: Bruce Cabot, "El gran Jack" ("Big Jack"-1971), como el mayor Henry, y el hijo de Wayne es decir Patrick Wayne, "El Alamo"-1960) y aqui como Tobe...

  En definitiva: Una gran película . Y todo un gran epitafio para el maestro Michael Curtiz con todo el aroma y sabor que destilan los westerns clásicos. Sobresaliente.

  Como curiosidad: El comanchero es una figura real del oeste americano, ya que es una palabra que elude a aquellos bandidos del oeste que se aprovechaban de los indios comanches vendiéndoles armas y alcohol.

 


06/05/2020 10:47 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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