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Un rostro de mujer (A Woman's Face - 1941)

  "La belleza de una mujer la mayoría de las veces está en su...interior."

  Memorable película de género melodramático y adaptada de una obra de teatro del dramaturgo Francis de Cruisset. Un dramaturgo y novelísta nacido en Bruselas. Y con un guión de Donald Ogden Srtewart, "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940). Un escritor y guionísta nacido en Ohio. Estudió en la Universidad de Yale. Al finalizar la Primera Guerra Mundial se instaló en Nueva York, donde comenzó a escribir novelas satíricas. Este tipo de novelas iban acordes al gusto de la época. Poco a poco se fué ganando reputación en el mundo del cine gracias a sus diálogos con chispa. En 1975 escribió su autobiografía titulada: "By a Stoke of Luck".

  A Donald le ayudó en el guión Elliot Paul, "Rapsodia azul" ("Rapsody in Blue"-1945). Un periodísta nacido en Massachusetts. Se graduó en la Escuela Secundaria Malden. Estuvo de corresponsal en la Guerra Civil Española y de allí se inspiró para escribir "Vida y Muerte de un pueblo español" donde fué muy bien recibida en Estados Unidos. Paul se burló del puritanísmo hipócrita de Hollywood en un libro satírico publicado en 1942, aunque tuvo problemas con la censura injusta del Código Hays.

  "Un rostro de mujer" está dirigida por George Cukor. Un director nacido en Nueva York. Un hombre de dramas elegantes, director de actores capaz de obtener interpretaciones deslumbrantes, en especial de las estrellas femeninas. Podría parecer un cumplido equívoco decir de un director que lo que más se recuerda de sus películas son las interpretaciones, pero George Cukor, especialmente conocido por sacar lo mejor de actrices temperamentales, le gustaba que le consideraran el director de actores por antonomasia.

  George Cukor fue además uno de los directores más sútiles y más cultos de Hollywood, con un don para rodar perfectas escenas de diálogos y para preservar la escena de obras teatrales y novelas. Su "David Copperfield"-1935, sigue siendo la mejor versión de la obra de Dickens que ha hecho Hollywood. Y aunque no fue del todo capaz de convertir a Leslie Howard y Norma Shearer (que sumaban 82 años entre los dos) un "Romeo y Julieta" ("Romeo & Juliet"-1936), es díficil imaginar otro director que pudiera simplemente intentarlo.

  La confianza con que Cukor manejaba reparto de grandes estrellas se hizo evidente por primera vez en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight"-1933), un sublime intento de recrear el éxito de la multiestelar "Gran Hotel" ("Grand Hotel"-1932) de Edmund Goulding, donde sobresale una soberbia actuación cómica de Joan Harlow. Este raro talento para mantener contentos unos egos frágiles, sin perturbar el entarimado de una narración colectiva hizo de él candidato ideal para "Mujeres" ("The Woman"-1939), que consiguió milagrosamente mostrar lo mejor de Norma Sheare, Rosalind Russell, Joan Crawford, Paulette Goddar y Joan Fontaine. Por la misma razón, no cabe duda de que el emocionante espectáculo tan habilmente manejado por Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939) habria tenido mucho menos peso emocional si Cukor no hubiera estado allí para motivar y arrancar una interpretación tan completa a Vivian Leigh.

  Cukor dirigió dos veces a Greta Garbo y cuatro a Joan Crawford, pero la actriz con la que tuvo la asociación más fructífera fue con Katharine Hepburn. Su estilo frágil e insolente solo se traducía en un éxito de taquilla de vez en cuando pero él más que ningún otro director, era capaz de sacar su lado humano más vulnerable sin comprometer su autoridad. También exoplotó su versatilidad utilizándola en la adaptación literaria de "Las cuatro hermanitas" ("Little Woman"-1933), en la sofisticada comedia "Vivir para gozar" ("Holiday"-1938) y en rarezas como "La gran aventura de Silvia" ("Sylvia Scarlett"-1935), donde aparecía disfrazada de chico.

  "La costilla de Adán" (Adam´s Rib"-1949) es la mejor de las películas de Katharine con Spencer Tracy; pero su mejor colaboración fue "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940) donde el personaje de Tracy Lord (Katharine) exibe una inolvidable mezcla de hielo y fragilidad. En esta película, Cary Grant y James Stewart respondieron al toque de Cukor con matices y sutilezas nunca vistos. Con él, incluso actores secundarios experimentados como Roland Young y John Holliday, que no podían hacer una mala interpretación aunque quisieran, mejoraban algunos puntos.

  Las mejores obras de Cukor se caracterizan también por la precisión no ostentosa de la cámara, los decorados, la iluminación y la composición eran siempre tan perfectos como poco aparentes. Para él, la buena dirección era invisible. Por ejemplo, en sus manos "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), básicamente un melodrama teatral, se convirtió en pura elegancia, con un detallísmo suntuoso e interpretaciones, magnéticas, de Ingrid Bergman y Charles Boyer. Y todo sin afectar el propósito narrativo. Sigue siendo un thriller estremecedoramente bueno.

  El hundimiento del sistema de estudios dejó a Cukor sin más opción que las películas de prestigio, caras y seguras. La producción lujosa, , los grandes presupuestos y las atractivas estrellas no bastaron para convertir "My Fair Lady"-1964 o "El pájaro azul" (The Blue Bird"-1976) en proyectos dignos de su talento, aunque su comunicaión instintiva con las actrices arrancó un buen trabajo de Marilyn Monroe en "El multimillonario" ("Let’s Make Love"-1960). Dadas las circustancias, poco importaba que "Ricas y famosas" ("Rich and Famous"-1981) fuera una fallida puesta al dia de "Vieja amistad" ("Old Acquaintence"-1943) de Vicent Sherman; lo importante es que Cukor, con 82 años, aún estaba allí para dirigirla.

  Asi pues, la historia que nos cuenta el maestro Cukor nos lleva hasta Estocolmo (Suecia) y Forssa (Finlandia) a lo largo de unos dos años entre 1940-41 y en donde una mujer llamada Anna Holm, soltera, resentida, amargada y frustrada tiene desfigurada desde los 5 años una parte del rostro a causa de un accidente doméstico. Desde los 16 años se dedica al chantaje, liderando una banda de delincuentes al mismo tiempo que es propietaria de un refugio rural que explota como restaurante. Las conversaciones de los clientes facilitan información útil para planear acciones delictivas. Es una mujer inteligente y hábil, tiene madera de lider, padece algunas secuelas fisicas debido al accidente (un cierto grado de fotofobia, una cierta inestabilidad que le hace tropezar con frecuencia...) y secuelas psiquicas (soledad, resentimiento, odio...).

  La película suma drama, drama psicológico, suspense y trhiller. Está narrada en flashbacks, que recogen las declaraciones de los testigos del juicio que tiene lugar en los Tribunales de Estocolmo contra Anna como presunta autora de un homicidio. Dividida en dos partes, la película explora los efectos de la soledad en el comportamiento humano y las relaciones que se dan entre los defectos fisicos que afectan a la aparienciia personal, su interiorización y las cadenas de reacciones de compensación, superación o rechazo que generan. La primera parte del relato presenta una descripción del mundo interior de la protagonísta, de sus reacciones psicológicas y de sus actitudes generales. Cukor compone una explicación psicológica que esquematiza los procesos y de manera que la explicación sea inteligible para el público. Con intenciones explicativas y dramáticas carga las tintas en el dibujo de las disfunciones psicológicas, sin excederse y sin comprometer el equilibrio conjunto de la película.

  La segunda parte queda separada por un lapso de tiempo de dos años, según no los explica en los diálogos. El salto temporal, que puede pasar desapercibido al espectador, cierra la presentación del personaje y la complejidad de su mundo interior y exterior, para dar paso al nudo del relato, en el que la atención se centra, sobre todo, en la evolución del personaje y sus cambios de calidad y percepción. La evolución se observa en el marco de un contexto de tensión y conflicto, que alimenta situaciones de notable dramatísmo.

  Varias líneas dramáticas convergen hacia un momento culminante, de intensa y prolongada emoción. Le acompaña una rápida sucesión de planos tomados desde varias posiciones y distancias. La música de fondo cesa para dar paso a sonidos ambientados (viento, cascada, campanillas...). Para mi este es el momento mágico en el que uno olvida que es espectador.

28/03/2017 18:44 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ulises (Ulisse-1954)

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  "Malditos seais griegos profanadores, y tu Ulises mil veces maldito, que la ira de Neptuno caiga sobre todos vosotros."   (Casandra)

  Magnífica película de género de aventuras mitológicas y para mi, el mejor "peplium" italiano de la historia, y basada en "La Odisea" (siglo IX antes de Cristo), de Homero.

  El guión fue escrito por el mismo director es decir Mario Camerini. Ayudado por Franco Brusati, "Romeo y Julieta" ("Romeo and Juliet"-1968). Un guionísta, director y dramaturgo nacido en Milán. Estudió en Italia, Suiza e Inglaterra y se graduó en derecho y ciencias políticas. Posteriormente a finales de los años 40, se trasladó a Roma donde colaboró con los mejores directores de la época. A finales de los 50 comenzó a escribir también para el teatro. Sus comedias siempre han sido interpretadas por algunos de los más grandes actores italianos. El tercer guionísta fue Ennio Concini, "Divorcio a la italiana" ("Divirzio all’ italiana"-1961). Un guionísta de cine y televisión nacido en Roma. Fué un autor especialmente fructífero con más de 150 guiones en su haber de los más diversos géneros, desde la épica histórica y literaria, el mitológico y el terror, desde el melodrama a la comedia italiana. es considerado como el padre del floreciente género de ficción italiano. Fué el único escritor italiano que colaboró con Stanley Kubrick. El cuarto fue (hubo siete guionistas en total), Ben Hecht, "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1957). Un director, dramaturgo y novelísta nacido en Nueva York y llamado "el Shakespeare de Hollywood". Fue el primer guionísta que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima que muchos de los guiones que escribió lo fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de los años 40 y principio de los 50. El boicot fue una respuesta al apoyo activo de Hecht al movimiento sionísta de Palestina. El sexto fue Ivo Perilli, "Barrabás" ("Barabba"-1961). Un director y escritor nacido en Roma. Después de dirigir su primera película como director (que por cierto fue muy desafortunada), continuó con la escritura de guiones, para varios directores. Fue un hombre muy activo en los programas de la dell’EIAR y luego en la RAI, en espectáculos de variedades y en vodevil. Y el séptimo y último (pienso que ninguna película haya tenido tantos guionístas), fué Irwin Shaw, "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958). Un escritor nacido en Nueva York. Un hombre que incursionó en diferentes géneros: drama, novela, cuento y guiones, tanto radiales como cinematográficos. Recibió numerosos premios, incluyendo el O. Henry 1944 por "Walking Wounded" y tres Playboy Awards.

  "Ulises" está dirigida por Mario Camerini. Un director nacido en Roma. Un cineasta sensible, con melancolía irónica y un estilo suave y elegante. Repetidamente premiado en Venecia, realizó sus mejores obras en los años treinta, estableciéndose como uno de los realizadores más importantes de la época. Durante la Primera Guerra Mundial fue oficial de francotiradores. Acabada la contienda regresó a Roma donde volvió a trabajar como guionísta. Su primera película fue "Jolly"-1923 y su última "Don Camilo e i Giovanni d’ogg"-1972. A lo largo de estos 50 años Camerini dirigió y escribió 45 películas, y a sus órdenes tuvo los actores italianos más famosos de la época incluyendo un jovencísimo Vittorio De Sica.

  La acción tiene lugar entre los siglos XIII y XI A. de C. en la travesia por el mar entre Troya e Itáca. El poema de Homero se basa en escritos y tradicciones anteriores, que recoge y funde en un texto de gran valor. Mezcla referencias históricas y legendarias. Se considera cierta la existencia de Troya, de la que se conoce la ubicación. Parece probada su destrucción y despoblamiento a causa del asedio y toma de la misma con motivo de una guerra entre griegos y troyanos. La causa de la guerra sería el rapto de la princesa griega Helena por el principe troyano Paris. "La Odisea" narra el accidentado viaje de regreso a casa de Ulises, tras diez años de guerra. La película adapta con notable identidad el texto de Homero.

  La historia pues, suma los géneros de aventuras histórico - mitológico y por supuesto "peplum". Divide la narración en cuatro cuadros: visita a la tierra de Cires, instancia en el Reino de los feacios, peripecias en la isla de los Cíclopes y episodio de las sirenas. La narración hace uso del "flasback" para explicar la recuperación de la memoria de Ulises durante su paso por la tierra de los feacios. Cada cuadro se ajusta a una estética y a un cromatísmo diferente: en el primero se hace uso de un tono burlón y fantasioso y de un cromatísmo abigarrado (rojo, azules y verdes);  en el segundo, la narración adquiere una dimensión irónica y temible, mientras los espacios y el cromatísmo divienen progresivamente opresivos; en el tercero subraya el ritmo visual de la acción, que tiene lugar en un espacio cerrado y tenebroso; y en el cuarto se explora la dualidad del protagonísta, ante el hogar y aficcionado al riesgo, en el marco de un juego de luces y colores sombríos.

  "Ulises preparó el terreno y facilitó el rodaje de "Hércules" ("Labois of Hercules"-1958) y el desarrollo posterior del género "peplum". capta y reproduce el aire milenario, dramático y fantástico de "La Odisea", de la que constituye la adaptación al cine más celebrada. Las escenas de lucha localizan la atención en la fuerza, agilidad y habilidad del protagonísta, cuya grandeza se subraya mostrándo su superioridad sobre las manifestaciones de los dioses (imágen de Hércules, maldición de Casandra, etc.). El guión en suma construye un relato sencillo, razonable y simpático.

  La banda sonora está dirigida por Alessandro Cicognini, "Pan, amor y fantasía" ("Pane, amore e fantasia"-1953). Un compositor nacido en Pescara (Italia). De joven recibió una formación en el Conservatorio de Milán. Cuando contaba 27 años compuso la ópera "Donna lombarda", inspirada en una popular balada italiana. A partir de entonces centró sus actividades en componer partituras para el cine, colaborando a menudo con cineastas como Vittorio De Sica y Alessandro Blasetti. Su estilo se ha descrito como tardío-romántico, y se caracterizó por la inmediatez y el catchiness (documentos históricos).

  Y en este viaje hacia Itáca ofreciéndonos unos cortes muy notables ("Ulises, "Penélope"), a los que añade fragmentos de gran fuerza descriptiva, ("Isla de los Cíclopes, "Canto de las sirenas"), entre otras.

  La fotografía en color se le fué recomendada a Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios Vilagrahg allá por el año 1908. En 1941 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una exitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks, "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

 

  Y en esta épica y grandiosa odisea griega ofreciéndonos un hábil uso de la luz como de las sombras, con un brillante cromatísmo y acertado despliegue visual. Los interiores fueron rodados en Roma, en los estudios Ponti-De Laurentiis. Y los exteriores, en los lugares considerados entonces como aquellos presentados en los viajes de Ulises con varias solvedades. Debido a un terremoto no se pudo rodar en Itaca.

  Inmenso Kirk Douglas, "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el heróico cuerpo de Ulises (el mejor Ulises de la historia del cine), ese guerrero griego que navegará durante diez largos años, teniendo que superar terribles dificultades antes de llegar a su palacio de Itaca. Y con el insuperable Douglas, la bellísima Silvana Mangano, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949), como Penélope, la fiel y sufrida esposa de Ulises y también en el papel de la misteriosa Circe (interpreta dos papeles muy diferentes, aunque su belleza es la misma), y Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Antinoos, uno de los pretendientes de Penélope.

  Y con estas tres estrellas del cine universal, también nos encontramos con unos secundarios de muchos quilates del cine italiano como por ejemplo: Franco Interlenghi, "Padres e hijos" ("Padri e figli"-1957) como Telémaco el hijo de Ulises y Penélope; Rossana Podestá, "Helena de Troya" ("Helen of Troy"-1956), se dá la casualidad de que en esta película interpreta el papel de Helena la reina griega raptada por Paris, y que desencadenó la guerra entre griegos y troyanos), pero en esta de "Ulises" interpretando a Nausica la hija del rey de los feacios; Elena Zareschi, "A sangre y fuego" ("Col ferro e col fuoco"-1962) como Casandra. Y a tener en cuenta a un aqui desconocido Umberto Silvestri, "El conformísta" ("Il conformista"-1970) interpretando al cíclope Polifemo.

  Resumiendo: Una gran película de aventuras, de las de siempre, con ese toque aventurero directo y simple que marcó toda una generación de películas y que, un servidor de ustedes, echa en falta en las producciones de hoy en dia (al menos, en muchas). Todo un buen ejemplo de ese cine de evasión que ves, disfrutas y encima se te queda grabado en la memoria bien en forma de Polifemo borracho, de héroe vestido de mendigo o de un caballo de Troya muy bien hecho. Y decidme, ¿que más se le puede pedir a una película de aventuras?. Pues eso... Sobresaliente.

  "Ulises" fue la película más taquillera en Italia de la temporada 1954-1955.

  Como anécdota: El director Georg Wilhei Pabst se iba a hacer cargo de la dirección de la película, pero al final solamente se encargó de la fase preparatoria.

22/03/2017 11:02 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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          Y como punto y final a esta gran fiesta de los Oscar, un comentario más sobre esta extraordinaria y oscarizada película como es: "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985).

            "Yo tenía una granja en Africa..."

                              

  "Yo tenía una granja en Africa...", así comienza la novela autobiográfica de la escritora danesa Isak Dinesen, cuyo verdadero nombre era Karen Blixen, que sirvió de inspiración a "Memorias de Africa". Se trata de una hermosa historia de amor que fue protagonizada por dos de los actores más populares de las últimas décadas, Meryl Streep y Robert Redford. Con una fotografía muy hermosa y una banda sonora que invita al romance, la película obtuvo siete premios Oscar sobre 11 nominaciones, entre ellos los de mejor película y director, y fué el quinto titulo más taquillero de 1985, por detrás de "Regreso al futuro" ("Back to the Future"), "Rambo 2" ("Rambo: First Blood Part II"), Rocky IV" y "El color púrpura" ("The Color Purple"). Al cineasta Sidney Pollack le fascinaba la personalidad de Isak Dinesen, por lo que estuvo leyendo diversas obras referidas a esta autora antes de comenzar la producción. El guionísta Kurt Luedtke hizo un magnífico trabajo al mezclar escritos de la propia Dinesen, con el que dió título a la película, con otras obras como Isak Dinesen: The Life of a Storyteller, de Judith Thurman, y Silence Will Speak, de Errol Trzebinski, para construir el guión de la película. Cuando finalmente quedó listo, a Pollack le pareció que nadie mejor que Meryl Streep podía interpretar a esta mujer. el papel principal masculino se le concedió a su buen amigo Robert Redford, al que ya había dirigido en otras ocasiones. Al realizador le pareció fundamental rodar la película en los escednarios naturales en los que transcurre la acción. Hasta intentó llevar las cámaras a la auténtica plantación que había poseidp la novelísta en Africa. Sin embargo por problemas burocráticos se tuvo que conformar con otros paisajes de Kenya.

  En enero de 1985, después de intensos preparativos el equipo empezó a rodar en Africa. El trabajo se prolongó hasta el mes de junio y fué bastante díficil. El clima africano les jugó más de una mala pasada. Porque peor que las altas temperaturas fué la época de las lluvias torrenciales, que mantuvo paralizada la producción durante varios dias. En Kenya surgieron también algunos problemas inesperados. Las autoridades de la región tenían prohibido terminantemente el uso de animales salvajes en espectáculos de cualquier tipo. Eso motivó que Pollack tuviera que solicitar un águila, tres perros y cinco leones, que fueron trasladados desde California. Otra curiosidad fue la manera en la que afrontó el director una secuencia en la que, según el guión, las plantas de café de la finca de la protagonísta habían florecido. Para conseguir el efecto, Pollack ordenó colocar un poco de espuma de afeitar sobre cada planta, lo que resultó una labor terriblemente lenta. Menos gracia tuvo para los integrantes del equipo un brote de malaria que dejó en cama a muchos de ellos. No obstante, a pesar de que las condiciones del rodaje en Africa no siempre fueron favorables, Sidney Pollack tuvo la oportunidad de rodar unas imágenes realmente espectaculares, que, sin duda, ningún otro decorado hubiera podido igualar.

  El estreno de "Memorias de Africa" produjo mucha expectación, sobre todo por ver juntos en pantalla a Meryl y Redford. Y pese a la larga duración de la película (160 minutos), al público le encantó, por supuesto, sobre todo a la audiencia femenina, lo que hizo resurgir en Hollywood durante los siguientes años la temática de corte abiertamente romántico.

         "Denys me había dado una brújula "para seguir el rumbo" dijo, pero más tarde comprendí que navegábamos con rumbos distintos."

 

    

 

 

17/03/2017 10:13 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y como en años anteriores (siempre digo lo mismo). Pues comentar una buena película y a ser posible oscarizada, hay muchas y muy buenas por supuesto y a veces es difícil su elección. Este año y después de visualizar algunas me he decido por una y muy buena por cierto (al menos para mi y para la Academia), su título:

         Memorias de Africa (Out of Africa - 1985)

  "Y cuando veo que no puedo seguir soportándolo, aguanto aún un momento más y entonces sé que puedo soportar cualquier cosa."

  Obra maestra de género de aventuras con romance incluido y basada en hechos reales

  La historia está inspirada en la obra homónima de Isak Dinesen. Una escritora nacida en Dinamarca. Si bien ya había publicado algunos trabajos con diversos seudónimos, pero después de acabar la Segunda Guerra Mundial y retornar a su carrera literaria comenzó a usar su verdadero nombre. "Memorias de Africa" fué sin duda la que le catapultó a la fama a nivel mundial basada practicamente en su autobiografía.

  El guión corrió a cargo de Kurt Luedtke, "Ausenciaa de malicia" ("Absence of Malice"-1981). Un escritor nacido en Michigan y gran colaborador del director Sydney Pollack. Antes de convertirse en guionísta fue reportero de un periódico, llegando a alcanzar el rango de editor ejecutivo del prestigioso periódico Detroit Free Press.

  "Memorias de Africa" está dirigida por Sydney Pollack. Un actor y director nacido en Indiana. Empezó su carrera como actor trabajando en televisión entre 1959 y 1962. Luego continuó interpretando pequeños papeles en sus propias películas e importantes papeles de reparto en obras como : "Maridos y mujeres" (Husbands and Wives"-1992) de Woody Allen, o en "Eyes Wide Shut"-1999, de Stanley Kubrick. A principios de los años sesenta pasó a dirigir capitulos de programas de televisión como "La hora de Alfred Hitchcock" (1962-1963).

  Su primer largometraje fue "La vida vale más" ("The Slender Thread"-1965), un drama de suspense social con Sydney Poitier y Anne Bancroft. Anunciaba el tono que adoptaría su carrera en la dirección: mensaje de fondo envuelto en entretenimiento con meritorias y premiadas interpretaciones de las estrellas de Hollywood. En "Propiedad condenada" ("This Property is Condermned"-1966) contó con Robert Redford. Los dos amigos hicieron siete películas juntos, entre ellas "Las aventuras de Jeremiah Johnson" "Jeremiah Johnson"-1972), "Tal como eramos" ("The Way We Were"-1973), "Los tres dias del cóndor" ("Three Days of the Condor"-1975), "El jinete eléctrico" ("The Electric Horseman"-1979) y "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985), por la que ganó un Oscar al mejor director.

  Pollack ha dirigido a muchas otras estrellas de Hollywood: Jane Fonda como bailarina de maratón en "Danzad, danzad malditos" ("They Shoot Horses, Don’t They?"-1969). Al Pacino como un piloto de carreras en "Un instante, una vida" ("Bobby Deerfield"-1977), Paul Newman y Sally Field en "Ausencia de malicia" ("Absence of Malice"-1981), un drama de ética periodística, Tom Cruise en La tapadera" ("The Firm"-1983) y otros. Una de sus películas más elogiadas, fue la comedia "Tootsie"-1982, que presentaba a Dustin Hoffman en el papel de un actor que se viste de mujer para participar en una serie de televisión. Pollack se dejó convencer por Hoffman para interpretar el personaje protagonísta. Los dos discutieron dentro y fuera de la pantalla dutante todo el rodaje pero aún asi lograron sendas nominaciones al Oscar.

  Asi pues, Pollack nos lleva hasta principios del siglo XX y en donde una joven llamada Karen contrae matrimonio de conveniencia con el barón Blixen, un mujeriego empedernido. Ambos se instalan en Kenia con el propósito de explotar una plantación de café. Entre los dos nace un apasionado amor por la tierra y por las gentes del lugar. Pero también ella se enamora perdidamente de Denys Finch-Hatton, un hombre aventurero y romántico, un personaje digamos que a la antigua usanza, que ama la libertad por encima de todas las cosas...

  Una obra maestra, si señor. Y en donde Pollack combina con gran equilibrio el melodrama romántico intimísta con el aroma al cine de aventuras. Una película que es puro romanticísmo épico, revestido con indudable aroma clásico imperecedero, con un ritmo sereno y de momentos contemplativos. Y todo esto combinado con una puesta en escena prodigiosa donde se combinan unos bellísimos escenarios africanos, atomizados por una extraordinaria fotografía a todo color.

  Fotografía creada por David Watkin, "Carros de fuego" ("Chariots of Fire"-1981). Un innovador director de fotografía nacido en Inglaterra. Fue uno de los primeros fotógrafos cinematográficos en experimentar el uso de la luz de rebote como una fuente de luz suave. Sus comienzos fueron en la Unidad de Cine del Ferricarril del Sur en 1948 como asistente de cámara y en 1950 escaló las filas hasta llegar a ser director de fotografía. Antes de fallecer en 2008 escribió dos autobiografías concretamente en 1998 publicadas el mismo año de su muerte.

  Y en esta historia memorable africana haciéndo uso de su gran prestigio y en donde el continente africano nunca estuvo también retratado. Los exteriores fueron rodados en su totalidad en las colinas de Ngong Hills ubicadas al sudoeste de Nairobi. Y los interiores en unos inmensos platós construidos a 20 kilómetros de la misma ciudad.

  Maravillosa la banda sonora compuesta por el maestro John Barry, "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves"-1990), (por citar otra de sus obras maestras). Un compositor nacido en Inglaterra. De pequeño quedó inflenciado por las películas que veia en el cine, al mismo tiempo que daba clases de composición a cargo de Francis Jackson, organísta de la catedral de York. La orquestación de Berry combina en su mayoria las trompetas con las cuerdas creando así un sonido facilmente reconocible. Su música normalmente realza la respuesta del público a la hora de ver sus películas. Entre sus palmarés cuenta con cinco Oscar y el haber sido el compositor de la mayoria de las películas de la saga de James Bond.

  Y en esta historia a la altura de los mejores clásicos mostrándonos una música que fue todo un best-sellers a nivel mundial, con unas melodias maravillosas y que a pesar de que es una historia de amor que transcurre en Africa el compositor quitó todo el color local africano para centrarse en el aspecto amoroso y escribir unos temas al cual más bellos siguiendo con su creencia de que no hay que aburrir al público con la repetición siempre del mismo leimotiv. La melodía principal nos remite directamente al tema central de "La gran ruta hacia China" pero hay dos temas más de refinadísima inspiración que nos devuelve al John Barry de sus años dorados: el "Karen’s Theme y sobre todo el "Alone in the Farm". También nos deleita con el "Concierto para clarinete K.622" de Mozart, cuya presencia en la película es meramente anecdótica y espectaculares fragmentos que acompañan los pasos por el continente africano como "Flying over Africa" y Karen’s Journey".

  Extraordinaria la pareja protagonísta ella: Meryl Streep, "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995), como Karen y él: Robert Redford, "Una proposición indecente" ("Indecent Proposal"-1993), como Denys. Y con la sensacional pareja romántica y aventurera Klaus Maria Brandauer, "La casa Rusia" ("The Russia House"-1990) como el barón Hans Bliken.

  Pero también nos encontramos en esta inolvidable historia a Michael Kitchen, "Un abril encantador" ("Enchanted April"-1992) como Berkeley; Malick Bowens, "La marcha" ("The Mach"-1990) como Farah; Rachel Kempson, "El pequeño Lord" ("Little Lord Fauntteroy"-1980) como Lady Belfield y hasta al veterano Leslie Phillips, "Rafi, un rey de peso" ("King Ralph"-1991) como Sir Joseph Byrne.

  En definitiva: Una peícula imprescindible y redonda hasta limites pocas veces alcanzados en el cine de este género. Una película...Matrícula de Honor.

  "Memorias de Africa" logró 7 Oscar en 1985: Película, Director, Guión, Fotografía, Banda sonora, Dirección artísica (Stephen Grimes y Josie MacAvin) y Sonido (Chris Jenkins, Gary Alexander, Larry Stensvold y Peter Handford).

  Como anécdota: A Audrey Hepburn le ofrecieron el papel de Karen Blixen pero lo rechazó por motivos personales, y finalmente fue Meryl Streep la que interpretó el papel (se da la curiosidad que Meryl era 20 años más joven que Audrey).

  La película contó con un presupuesto de 31 millones de dólares, y consiguió recaudar solamente en Estados Unidos más de 87 millones de dólares.

10/03/2017 17:58 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Otro año mas y ya van 89 y en donde la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas volvió a entregar en el Dolby Theatre de Hollywood más conocido como el Kodak Theatre volvió a abrir sus puertas para hacer la entrega de esta ya casi nonagenaria edición de los premios Oscar.

  Y estos fueron los elegidos en este año de 2017. Pero no si antes haber tenido un pequeño percance a la hora de elegir la mejor película puesto que los actores Warren Beatty y Faye Dunaway encargados de abrir el sobre del mejor film ganador se lo dieron a "La La Land", cuando en realidad la ganadora era ""Moonlight". Pero en fín todo quedó en una anécdota más que sumar a otras tantas muchas que ha habido y habrá en esta noche mágica del cine.

  Y estos fueron los ganadores, que como siempre ni son los que erstán ni están o los que son.

  Mejor Película: "Moonlight" de Barry Jenkins

  Mejor Director: Damien Chazelle poor: "La La Land"

  Mejor Actor: Casey Affleck por : "Manchester frente al mar" ("Manchester by the Sea")

  Mejor Actriz: Emma Stone por : "La La Land"

  Mejor Actor de reparto: Mahershala Ali por : "Moonlight"

  Mejor Actriz de reparto: Viola Davis por : "Fences"

  Mejor Guión original: "Manchester frente al mar" ("Manchester by the Sea") (Kenneth Lonergan)

  Mejor Guión adaptado:  "Moonligth" (  Barry Jenkis)

  Mejor Película de habla no inglesa: "El viajante" ("The Salesman") de Asghar Farhedi (Irán)

  Mejor Pelicula de animación: "Zootrópolis" ("Zootopia") de Byron Howard, Rich Moore & Jared Bush

  Mejor Fotografía: "La La Land" (Linus Sandgren)

  Mejor Montaje: "Hasta el último hombre" ("Hacksaw Ridge" ) de Mel Gibson

  Mejor Vestuario: "Animales fantásticos y dónde encontrarlos" ("Fantastic, Beasts and Where to Find Them") de David Yates

  Mejor Maquillaje: "Escuadrón suicida"  ("Suicide Squad") de David Ayer

  Mejor Banda Sonora: "La La Land" (Justin Hurwitz)

  Mejor Canción" "City of Stars" ("La La Land")

  Mejores Efectos visuales: "El libro de la selva" ("The Jungle Book") de John Debney

  Mejor Diseño de producción: "La llegada" ("Arrival") de Denis Villeneuve

  Mejor Montaje de sonido: "La llegada" ("Arrival") de Denis Villeneuve

  Mejor Mezcla de sonido: "Hasta el último hombre" ("Hacksaw Ridge" de Mel Gibson

  Mejor Documental: "O.J.: Made in América"  de Ezra Edelman

  Mejor Cortometraje de ficción: "Sing" ("¡Canta!") de Garth Jennings

  Y esto es todo mis queridos amigos esperemos al año que viene para volver de nuevo a ver pisar a los famosos por esa anciana alfombra roja.

07/03/2017 10:00 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El hombre elefante (The Elephant Man - 1980)

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                 En recuerdo de: John Hurt

  "¡No soy un animal! ¡Soy un ser humano! ¡Soy... un... un hombre!"

   

  Magnífica película de género dramático-biográfico, basada aunque libremente en la información que sobre J . Merrick aportan dos obras: "The Elephant Man and Other Reminiscences" (1923), de Frederick Treves, y "The Elephant Man, a Study in Human Dignity" (1971), de Ashley Montagu. El guión pues no tiene relación con la obra de teatro "The Elephant Man" (1979), ni con otras creacciones de ficción.

  El guión fue escrito por Christopher De Vore, "Frances"-1982. Un escritor con solamente tres películas en su historial, aunque todas lograron un gran éxito cinematográfico a nivel de critica y de público. Le ayudó Eric Bergren, "Tempestad en la llanura" ("The Dark Wind"-1991). Un guionísta nacido en Pasadena. Estudió artes  teatrales en la Universidad del Sur de California y ayudó a De Vore a escribir los guiones de sus tres películas. En 1981 se puso detrás de la cámara para dirigir el cortometraje "They Have not Seen This", basado en su propio guión. El tercer guionísta fue el mismo director es decir David Lynch.

  "El hombre elefante" pues está dirigida por David Lynch. Un director nacido en Montana. Un innovador creador de dramas enigmáticos que provocan la impresión de adentrarse en una pesadilla circular y surrealísta. Con sus narraciones sus películas no se explican, se experimentan: a este director nunca se le han dado bien las palabras, es más un filósofo preverbal que un evangelísta, pregunta en lugar de dar respuestas.

  Personaje obsesivo, tardó más de seis años en completar su primer proyecto "Cabeza borradora" ("Eraserhead"-1977), surrealísta, romántica y dura, es una película profundamente perturbadora. Realizada en blanco y negro sobre una banda sonora industrial, no es de extrañar que se convirtiera en un clásico de culto. Los elogios cosechados por la biopic "El hombre elefante" (" The Elephant Man"-1980), igual de deprimente que la anterior pero basada en hechos reales, y de nuevo rodada en blanco y negro, parecieron allanarle el camino hacia proyectos a gran escala al estilo de Hollywood, pero la superproducción de ciencia-ficción "Dune"-1987 no satisfizo las expectativas.

  "Terciopelo azul" ("Blue Velvet"-1986) constituye un antidoto despiadado contra los dramas juveniles de la década de 1950: explora la extorsión, la decadencia sexual y la violencia espoleada por las drogas que se esconden bajo un pueblo paradisiaco. "Corazón salvaje" ("Wild at Heart"-1990), la road-movie en tributo a Elvis Presley que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, completaría su fijación por los personajes provincianos de Estados Unidos.

  "Carretera perdida" ("Lost Highway"-1997), con su creciente despreocupación por la lógica narrativa y sus saltos del realísmo a la violencia gore o a la alucinación surrealísta en el espacio de unas pocas escenas, refleja a David Lynch más fébril. Paranoica y noir, esta película es la versión lynchiana del free jazz. Con la ayuda de una impresionante banda sonora a cargo de David Bowie y Trent Reznor, "Carretera perdida" sumerge al espectador en el universo del director.

  De modo muy similar, "Mulholland Drive"-2001, supo atraer al público, pero el momento de gloria habia pasado y Lynch decidió tocar otras teclas como internet, la animación o el video digital. No obstante, "Inland Empire"-2006 - en la que las vidas de los actores empiezan a reflejar la de los personajes que interpretan - es todavia una película extremadamente autorreflexiva, más espeluznante que nunca.

  La acción tiene lugar en Londres a lo largo de seis años (1884-1890). Y en donde el médico cirujano Frederick Treves acude a una barraca de la feria donde J. Merrick "el hombre elefante" es exibido al público por dinero. Un tal Bytes lo tiene a su cargo y lo explota como medio de subsistencia. Treves conviene con él la liberación de Merrick para ingresarlo en el Hospital de Londres. A Frederick le mueven razones humanitarias pero también profesionales. Descubre con sospresa que Merrick tiene un conciente intelectual normal y una sensibilidad también normal...

  La película pues, suma drama, historia, biopic, critica social y enfermedad. Y en donde Lynch formula un alegato a favor de las personas desiguales, en especial de los que son de modo más aparente. La historia expone una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, sino en las capacidades de las personas afectadas. Estableciendo una definición de belleza basada en cualidades del espíritu (respeto, tolerancia, simpatía, solidaridad, afecto...). Y muestra como las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactivan cuando se constata su humanidad e indefensión. No asusta la fealdad, sino la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar el ejercicio de sus capacidades. Porque nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris, "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974). Un compositor nacido en Nueva Jersey. Sus comienzos fueron en 1968 con la película "Los productores" ("The Producers") que también fue la primera película de Mel Brooks, después seguiría componiendo musica para muchas de sus películas. Tiene también en su haber el haber sido el único compositor que consiguió filmar a los Ramones en 1974.

  Y aquí ofreciéndonos una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, con el que glosa la satisfación de Merrick ante el avance de su integración social.

  La fotografia en blanco y negro y en formato Cinemascope se la debemos a Freddie Francis, "Un lugar en la cumbre" ("Room at the Top"-1959). Un cineasta nacido en Londres. Comenzó como operador de cámara donde trabajó en muchas películas de practica. Después de servir en el ejército y a su regreso a la vida civil pasó diez años también como operador pero trabajando con grandes directores como John Huston. Debutó como director de fotografia con la película "La salamandra de oro" (Gold in Salamander"-1950) en colaboración con Oswald Morris.

  Y en este drama profundo creando composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebrístas. Haciendo uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes. Con proyecciones de sombras, rincones sombrios, contraluces inquietantes y juegos de claroscuro que evoca el cine de terror de la Hammer (en el que Francis trabajó de joven). Los exteriores de la película se rodaron en escenarios reales de Londres y los interiores en los platós de Lee Internacional Studios (Wembley y Londres) y de Shapperton Studios (Surrey, Inglaterra).

  Sensacionales tanto Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991), en el papel del doctor Frederick Treves, como John Hurt, "Infierno en Alabama" ("Jayne Mansfield’s Car-2012) en el papel de John Merrick, "el hombre elefante". Y muy bien acompañados de la siempre extraordinaria Anne Bancroft, "El graduado" ("The Graduate"-1967), en el papel de Madge Kendal, una famosa actriz, y por el estupendo John Gielgud, "Carros de fuego" ("Chariots of Fire"-1981) en el papel de Carr Gomm el administrador del hospital. Sin olvidarnos de Hannah Gordon, "La familia Cropton" ("Spring and Port Wine"-1970), como Ann, la esposa de Frederick y de Fredie Jones, "El secreto de la pirámide" ("Young Sherlock Holmes-1985), como Bytes..

  En dedinitiva: Una obra maestra del cine de su género. Una pelicula impresionante, conmovedora, triste y melancólica. Pero también esperanzadora y rica en sugerencias humanitarias. Una película... Matrícula de Honor.

  "El hombre elefante" estuvo nominada en ocho apartados, incluyendo, película, director y actor (John Hurt). Este fue el año de "Gente corriente" ("Ordinary People") de Robert Redford.

  Como curiosidad científica, la enfermedad que padecia Merrick según los diagnósticos actualizados hablan del síndrome de Proteo, una enfermedad congénita, poco común, progresiva e incurable, identificada y descrita por el Dr. Michael Cohen en 1979.

 

27/02/2017 18:20 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                     John Hurt

                Versátil y talentoso

  El pasado 25 de enero falleció a los 77 años de edad y a causa de un cáncer de páncreas el actor inglés John Hurt.

  John Hurt estudió en Kent y en Londres. trabajó como tramoyísta en el Lincoln Repertory y estudió en la Saint Martin School antes de obtener una beca para el Royal Academy of Dramatic (RADA). En ese momento, Hurt debutó en distintas compañías de teatro , realizando obras de distintos autores como William Shakespeare o Cristopher Marlowe. Sus obras más importantes se produjeron en la compañía del Teatro Royal Shakespeare Company y debutó profesionalmente en el Wert End en 1962 y obtuvo el Premio de la Crítica por "The Dwarfs", de Harold Pinter. Trabajó en montajes teatrales como "The Caretaker", gtambién de Pinter, "Travesties", de Tom Stoppard, y "Un mes en el campo", de Iván Turgéner.

  En televisión empezó a trabajar en 1961 y actuó en papeles notables como el de Calígula en "Yo, Claudio"-1976 y como Raskoinikov en "Crimen y castigo", aunque fue su interpretación de Quentin Crisp en la miniserie de la BBC "The Naked Civil Servant" que lo llevó a hacerse merecedor del BAFTA al mejor actor de televisión, papel que repitió en 2010 en "An Englshman in New York".

  En 1966 dió vida a un joven Richard Rich en la galardonada película "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seansons"), la historia de Tomas Moro que ganó seis Oscar y siete BAFTA en 1967. Se dió a conocer internacionalmente por las películas "Midnight Express" ("El expreso de medianoche"-1978) y "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980), interpretando a Joseph Merrick en esta última bajo la dirección de David Lynch. Por sendas películas ganó dos BAFTA y recibió dos nominaciones a los Oscar al mejor actor de reparto y mejor actor respectivamente.

  En 1978 protagonizó la película animada "Wetership Down" basada en la novela homónima de Richard Adams, dió voz a Hazel, y fue este uno de sus papeles en películas animadas más recordados. En 1979, en "Allien: el octavo pasajero" ("Allien"), de Ridley Scott, tuvo una actuación como miembro del reparto, en el papel de Kane. La impactante escena de su muerte, cuando una criatura extraterrestre incubada en su cuerpo sale al exterior, es aún hoy dia recordada como una escena de las más memorables del cine de ciencia - ficción.

  En 1980 participó en la fallida superproducción "La puerta del cielo" ("Heaven’s Gate"), de Michael Cimino, pero cuatro años después recuperó pujanza en el cine al protagonizar "1984", junto a Richard Burton, basada en la novela homónima de George Onwell. Esta película cosechó muy buenas criticas y un buen resultado en taquilla. Después, bajo la producción de Jim Henzon, realizó la famosa serie de televisión "The Storyteller", conocida en España como "El cuentacuentos", que se estrenó en 1988. La trama se basaba en un viejo narrador de cuentos, interpretado por el propio Hurt, que se sentaba a la luz de una chimenea junto a su perro parlante (una marioneta) a contar historias fantásticas basadas en distintos mitos y leyendas.

  Al inicio  de la década de 1990 protagonizó la película de Roger Corman "Frankenstein Unbound" ("La resurrección de Frankenstein" -1990), y luego de secundario en películas muy reconocidas en taquilla como "Rob Roy, la pasión de un rebelde" ("Rob Roy"-1995), de Michael Caton-Jones, "Contact"-1997 de Robert Zemeckis y "La mandolina del capitán Corelli" ("Captain Corelli’s Mandolin"-2001) de John Madden, junto a Nicolas Cage y Penélope Cruz. Estos exítos comerciales recompensaron al actor tras el fracaso de otra película anterior, "Ellas también se deprimen" ("Even Cowgirls Get the Blues"-1993), de Gus van Sant. En 2000 fue muy aclamado por su actuación en el West End de Londres en la obra teatral "La última cinta de Krapp", de Samuel Beckett.

  En 2001 participó en "Harry Potter y la piedra filosofal" (""Harry Potter and the Sorcere’s Stone"), dando vida a Garrick Ollivander, propietario de la tienda especializada en creación de varitas mágicas "de mayor calidad en el mundo mágico", quien posee la habilidad de encontrar la varita ideal para cada cliente que acude a su tienda, recordando cada una de las varitas que ha vendido en su vida. Es quien revela a Potter la relación entre Lord Voldemort y su cicatriz en forma de rayo.

  En 2009 confirmó su regreso para la saga, donde una vez más interpretaría al mismo personaje en la última entrega: "Las reliquias de la muerte", 2010 y 2011, nueve años después de su primera participación en la serie cinematográfica.

  En 2007, durante el rodaje de la pelicula "Los crímenes de Oxford", del director español Alex de la Iglesia, el actor anunció que participaría a las órdenes de Steven Spielberg en "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"-2008), donde interpretó al profesor Harold Oxley.

  En 2011 participó en dos películas destacadas "Melancolia" ("Melancholia") de Lars von Tier y la película de espionaje "Tinker Soldier Spy" ("El topo") de Tomas Alfredson. Uno de sus últimos trabajos fue en "Jackie"-2016, película sobre Jackie Kennedy protagonizada por Natalie Portman.

  En 2015 se le diagnosticó un cáncer de páncreas. Al morir, Hurt tenía tres películas sin estrenar, en etapa de post-producción y estaba en plena filmación de otra obra sobre la figura de Winston Churchill.

  John Vicent Hurt (John Hurt) - Derbyshire (Inglaterra) - 22 - enero- 1940 - Norfolk (Inglaterra) - 25 - enero 2017

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

17/02/2017 10:23 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una mujer marcada (Butterfield 8-1960)

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  "Las demostraciones de riqueza me dejan fria..."

  Sobresaliente película de género dramático basada en una obra de John O’Hara. un escritor nacido en Pensilvania. Sus comienzos fueron como reportero para unos periódicos, tiempo después se trasladó a Nueva York y allí empezó a escribir cuentos para varias revistas. En 1934 publicó su primera novela la cual fue aclamada por la crítica. después de la guerra (Segunda Guerra Mundial) escribió varios guiones y novelas incluyendo "Ten North Frederick" ("10 calle Frederick") que en 1958 fue llevada al cine interpretada por Gary Cooper que por cierto fue su última película. Y en donde O’Hara ganó el National Book Arward en 1956.

  El guión se le fué encargado a Charles Schnee, "Cautivos del mal" ("The Bad an the Beautiful"-1952). Un oscarizado escritor nacido en Bridgeport (Connecticut). Comenzó estudiando leyes pero lo abandonó para convertirse en guionísta a mediados de 1940, elaborando guiones para varias películas tanto de cine negro como melodramas sociales. A mediados de los años 50 también lo hizo como productor pero finalmente volvió a lo suyo es decir a la escritura de guiones.

  Schenee también fue ayudado por John Michael Hayes, "Atrapa a un ladrón" ("To Catch a Thief"-1955). Otro oscarizado guionísta nacido en Worcester (Massachusetts). De corta edad ya se interesó por el mundo de la radio y hasta llegó a ganar un concurso escribiendo historias radiofónicas para la Crosley Corporation de su ciudad natal. Más tarde y después de acabar la guerra marchó a California para volver a escribir series radiofónicas. Su éxito trajo consigo una invitación de la Universal Studios para escribir guiones cinematográficos, donde llegó a ser el máximo colaborador de Alfred Hitchcock.

  "Una mujer marcada" está dirigida por Daniel Mann. Un director de cine y televisión nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como actor de teatro, desde niño asistió a la Escuela de Niños Profesionales de Nueva York y a la Casa de Juegos de la Vecindad. Entró en el cine en 1952 (cuando tenía 40 años de edad), como director, mostrándo un instinto muy pequeño para la dinámica visual pero un oido excelente para los diálogos. La mayoría de sus películas fueron adaptaciones teatrales como por ejemplo: "Vuelve, pequeña Sheba" ("Come Back, Little Sheba"-1952) y "La casa de té de la luna de agosto" ("The Teahouse of the August Moon"-1956).

  Así pues, Mann nos cuenta una historia basada en hechos reales: la vida de Gloria Wandrous, una modelo y prostituta de lujo de la agencia Butterfield 8 (título original de la película). Tiene 25 años y es muy atractiva, de ojos seductores y sensuales. Oculta algunos traumas del pasado y que la llevan a asistir a la consulta de un psiconalísta y disimular un espíritu atormentado del que intenta huir con ayuda del alcohol, lleva una vida disipada y de lujo y su aficción es la velocidad. Dispone de un coche deportivo un Sunbean Alpine, de color rojo y capota negra, que paga a plazos. Desde la infancia tiene amistad con un antiguo compañero de clase, un musico, arreglísta y compositor, que está enamorado de ella, pero esta tiene un buen cliente (un amante mejor dicho)), un joven licenciado en derecho, es además un alto ejecutivo de un próspero negocio financiero, propiedad del padre de su mujer... esta es la vida de Gloria... la de la "mujer marcada" es otra historia...

  Una historia, bastante convencional y un tanto previsible. La película se hizo como un trabajo de encargo, que el director resolvió con gran empeño, muy buena imaginación y agudeza enriqueciendo así el texto con referencias a marcas históricas de alta costura (Reis & Fabrizio), la denuncia del culto a las apariencias de la presumida sociedad neoyorkina, referencias cultas y de arte (Van Gogh y Rubens), la exploración visual del mundo para ricos de las noches de Nueva York, escenas singulares (tiro al plato) y por qué no algún toque de humor. Para mi, el objetivo principal de la película, es que ofrece al público un relato de entretenimiento basado en emociones fuertes, superficiales y espectaculares.

  La banda sonora fué dirigida por Bronislaw Kaper, "Marcado por el odio" ("Composer"-1956). Un compositor nacido en Varsovia (Polonia) (aunque nacionaizado estadounidense). Un hombre que compuso música en Alemania, Francia y por supuesto en Estados Unidos. Compuso música para decenas de películas desde los años 30 hasta los 70. También es recordado por haber compuesto conocidos standards de jazz y también trabajó en Broadway. Ganador de un Oscar y nominado en dos ocasiones a la mejor banda sonora y una a la mejor canción.

  Y aquí ofreciéndonos una hermosa partitura jazzitistíca, extensa, variada y muy ajustada a las incidencias de la historia. Corre a cargo de una orquesta de viento, cuerdas, percusión y piano, que encomienda la melodía a los clarinetes y el violín alternativamente. El acompañamiento se apoya en pianos y bajos profundos de gran efectivísmo. El ritmo es pausado, envolvente y sensual. Destacan los temas dedicados a "Gloria", "Steve" y el tema de amor, de gran sencillez.

  La fotografía en metrocolor y formato Cinemascope se la debe a Joseph Ruttenberg, "Luz que agoniza" ("Gastight"-1944). Un director de fotografía nacido en Rusia. A la edad de diez años su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Boston. Su primer trabajo fue en el periódico Boston Globe como fotoperiodísta, pero en 1915 lo dejó para trabajar con la Fox Corporation en Nueva York y así entró en el mundo del cine. Dos años más tarde realizó su primera película muda, y en lo que sería una carrera notablemente extensa. En 1934 se trasladó a Hollywood donde fue invitado a unirse a la Sociedad Americana  de Cinematografía.

  Ruttenberg fue ayudado por Charles Harten. Un camarógrafo nacido en California y con tan solo cinco películas en su historial, puesto que la mayoría de su trabajo fue para la televisión, aunque a decir verdad tampoco hizo mucho para la pequeña pantalla.

  Y aquí presentando los dos una notable secuencia inicial saturada de blancos y luces dispersas, que evocan con acierto y brillantez el sueño, el olvido y la desmemoria de la protagonísta. Esta luce unos cabellos intensamente negros que contrastan y dan vigor al cromatísmo general.

  Los exteriores fueron rodados totalmente en Nueva York, y los interiores en los platós de Filmways (Nueva York).

  Bellísima y extraordinaria Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) dando vida a Gloria Wandrous, una modelo de Nueva York, de moral un tanto dudosa. Y con la gran Liz, Laurence Harvey, "El Alamo" ("The Alamo"-1960) como Weston Liggett un millonario y cliente asiduo de Gloria que finalmente acaban enamorándose, y Eddie Fisher (por aquel entonces esposo de Elizabeth Taylor), "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956) y aqui como Steve Carpenter, un músico y antiguo compañero de Gloria y enamorado de ella en secreto.

  Pero también nos encontramos en este gran melodrama a Dina Merrill, "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages"-1961) como Emily Liggett, la esposa de Weston y Mildred Dunnock, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959) como la Sra. Wandrous, la madre de Gloria.

  En definitiva: Una buena película de género dramático. Una película que al igual que muchos trabajos de Mann se le nota un aire teatral pero no cansa nunca, si no todo lo contrario porque la historia está muy bien llevada con unos grandes diálogos y el buen hacer de los protagonístas.  Sobresaliente.

  Elizabeth Taylor logró el Oscar a la Mejor actriz. La película además estuvo nominada a la mejor fotografía en color.

  A modo biográfico. La película está basada en los últimos dias de la modelo Starr Faithfull nacida el 27 de enero de 1906 y fallecida el 6 de junio de 1931 de muerte misteriosa por ahogamiento cuando contaba 25 años de edad.

 

09/02/2017 19:32 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Cantando bajo la lluvia (Singin'in the Rain - 1952 )

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          En recuerdo de: Debbie Reynolds

    Cosmo, recuérdeme que le suba el sueldo.

    Jefe, súbame el sueldo."

  Mítica película de género musical y toda una obra maestra se mire por donde se mire.

  El guión corrió a cargo de Betty Canden, "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949). Una actriz y guionísta nacida en Nueva York. Especializada en musicales, fue dos veces nominada al Oscar y ganó siete premios Tony, (tres al mejor musical, dos a la mejor banda sonora, uno al mejor compositor, y uno al mejor libro musical). Toda su carrera estuvo vinculada con Adolph Green (el segundo guionísta del film). Un letrista y dramaturgo nacido en el Bronx. escribió los guiones y canciones de algunos de los más famosos musicales cinematográficos en particular con la MGM en los años de mayor éxito del género. Mucha gente pensaba que Adolph y Betty estaban casados, pero unicamente eran colaboradores compartiendo un genio cómico y sofisticado que los permitió, a lo largo de seis décadas, producir algunos de los mayores éxitos de Hollywood y del circuito de Broadway.

  "Cantando bajo la lluvia" está dirigida por dos especialistas del género. Uno: Stanley Donen. Un cineasta nacido en Columbia (Carolina del Sur) y conocido como "el rey de los musicales de Hollywood". De principio se asoció con algunos de los musicales más innovadores de Hollywood de finales de los años cuarenta y cincuenta. Bailarín, en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en espectáculos teatrales de este y luego en películas.  Se le confió a Donen la puesta en escena de los números musicales de "Take Me Out the Ball Game" (Llévame a ver el partido-1949), donde Kelly actuaba con Frank Sinatra.

  La primera película de Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly que compartía la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, pero más viril y realísta. "Un dia en Nueva York" también reutilizaba los exteriores de la ciudad de los rascacielos. Tras realizar "Bodas reales" ("Royal Wedding"-1951), con Fred Astaire, Donen dirigió de nuevo con Kelly "Cantando bajo la lluvia" ("Sing¡in’in the Rain"-1952). Considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actuación de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954) fue un magnífico musical rural, con coreografía de Michael Kidd. Donen volvió a trabajar con Kelly y Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955). "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más convencional permitió a Stanley Donen trabajar de nuevo con Astaire. En "The Pajama Game" ("Juego de pijamas"-1957) compartió la dirección con George Abbott, que escribió y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscreet"-1958). Donen volvió a compartir la dirección con George Abbot en "Malditos yanquis" ("Damm Yankees"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las películas románticas, trabajó dos veces más con Cary Grant, en "Página en blanco" ("The Grass is Grener-1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una "road movie" con el romanticísmo. Las últimas películas de Donen son manidas, carentes de la energía y frescura de sus primeros trabajos.

  El otro fue Gene Kelly (como era de esperar). Un cineasta nacido en Pensilvania y, toda una leyenda del baile. Kelly fué el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y su estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac, y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz ronca y melódica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Broadway en "Pal Joey" de Rogers y Hart, y seguidamente marchó a Hollywood para aparecer junto a Judy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Gal"-1942). "Las modelos" ("Cover Girl"-1944) le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominado al Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945).

  Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas tan innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles. Su trabajo con Vicente Minnelli, en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951), no desmereció a las películas anteriores, aunque presenteba un mayor estilísmo. "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956) dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un hilomconductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello Dolly!"-1969 con Barbra Streinsand, fueron más convencionales. En 1985 fue galardonado con un Oscar Especial de la Acaemia por su carrera cinematográfica. Fue el presentador ideal para la recopilación de grandes musicales por la MGM, "Erase una vez en Hollywood" ("Thast’s Entertainment"-1974) y sus secuelas.

  La acción tiene lugar en Hollywood, a partir de 1927, durante el rodaje de la película muda "El caballero duelísta", al mismo tiempo en las salas de cine se estrena con gran éxito la película semisonora "El cantor de jazz" (la primera película hablada de la historia del cine). Es cuando el productor decide suspender el rodaje y reconvertirlo en sonoro. El preestreno de la película es un auténtico fracaso a causa de los fallos del sonido, la voz rídicula de la protagonísta y unos diálogos muy malos. El productor, el realizador, el protagonísta y un amigo de este deciden convertir la película en un musical. Con esta historia se cruza la del protagonísta desde sus inicios como cantante...

  Una joya del cine musical y toda una obra maestra, si señor. Una película que suma musical, comedia, romance y cine dentro del cine. Añade una descripción sucinta pero eficaz del nacimiento del cine sonoro y el impacto que esto produce en Hollywood.

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Nacio Herb Brown, "La melodia de Broadway" ("The Broadway Melody"-1929). Un compositor nacido en Nuevo México y muy famoso por sus canciones para el cine y teatro musical entre 1920 y 1950. En 1928 fue contratado por la MGM para escribir canciones para el nuevo cine sonoro componiendo musica para las películas más exitosas de dicho estudios.

  Brown fue ayudado por otro mitico compositor: Arthur Freed, "Yolanda y el ladrón"-1945. Un letrista y productor nacido en Carolina del Sur. En 1939 después de trabajar (sin acreditar) como productor asociado en "El mago de Oz", se convirtió en jefe de producción de MGM ayudándo asi a elevar el estudio. también ayudó a formar las carreras de numerosas estrellas incluyendo Gene Kelly, Frank Sinatra, Esther Williams, Cyd Charisse etc.etc.. Y fué el encargado de llevar a Fred Astaire a sus estudios puesto que este era exclusiva de la RKO.

  En 1970 dejó la MGM después de fracasar durante casi una década para llevar al cine su proyecto de ensueño. una película biográfica de Irving Berlin, "Say it With Music".

  Y en esta lluvia toda llena de ritmo y alegria ofreciéndonos una partitura fascinante, de ritmos y melodias románticas y pegadizas. Son memorables "Broadway Melody" y "Make’ Em Lough". Las canciones son de los últimos años 20 o de los primeros 30, como "Singin ’in the Rain" (1929), "The Wedding of the Painted Doll" (1929), "You Were Meant for Me" (1929, "Beautifui Girl" (1933), etc.. Son de 1952 los narreglos, el falso plagio "Make’ Em Lough" ("¡Hazlos reir!") y "Moses". El tema principal de la banda sonora es la melodía "Make’ Em Lough" un divertido plagio de Cole Porter titulado "Be a Clown".

  Sensacional (como tenia que ser) la fotografía a todo color dirigida por Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios de Vilagrahg allá por el año 1908. En 1914 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una esxitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

  Y si en esta obra maestra hay dos directores y dos compositores no es de dudar de que también trabajen dos fotógrafos. asi pues, el segundo fue John Alton, Agente especial" ("The Big Combo"-1955). Un director de fotografía nacido en Hungría. Comenzó en la década de 1920 en Los Angeles, primero como ayudante de cámara. Posteriormente se trasladó a Francia con Ernst Lubitsch para rodar una película y finalmente se quedó en los estudios Paramount Pictures a cargo de la sección de cámaras. Alton era un especialísta en la velocidad con la cámara lo cual determinaba la iluminación en el set de filmación. A principio de 1960 se retiró casi definitivamente de su actividad, sin embargo regresó para realizar su única contribución a la televisión: el episodio piloto de la exitosa serie "Misión : Imposible", lanzada en 1966

  Y en esta historia donde todo es cine creando una narración visual de cromatísmo intenso y vibrantes (propio de los años 50) composiciones imaginativas y ambientes fantásticos y fascinantes, que definen la estética visual de la película, rodada en Grauman’s Chinese Theater (Hollywood) y en MGM Studios (Culver City) Los Angeles.

  Sensacional el trio protagonísta de este gran banquete musical, encabezado por Gene Kelly, en el papel de Don Lockwood, un idolo del cine mudo un tipo extrovertido y fanfarrón, seguido de Donald O’Connor, "Luces de candilejas" ("There’s No Business Like Show Business"-1954), en el papel de Cosmo Brown, un buen tipo amigo íntimo de Don, un personaje sencillo, ocurrente y lúcido. Y del brazo de estos dos galanes, una jovencísima Debbie Reynolds (19 años), "Adios Charlie" ("Goodbye Charlie"-1964) en el papel de Katty Selden, una corísta muy joven, guapa, ambiciosa, pero también muy ingenua.

  Y muy cerquita de ellos Jean Hagen, "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) como Lina Lamont, la reina del cine mudo pero con una voz de falsete que causa risa; Millard Mitchell, "Almas en la hoguera" ("Twelve O’Clock High"-1949), como R.F. Simpson el productor, un gran hombre, inteligente, sabe escuchar pero también cambiar de criterio. Y atención porque también nos encontramos con Cyd Charisse, "Brigadoon"1954 apareciendo en en el doble papel de ángel y demonio en el número "Broadway Melodia", que le valió después el papel de protagonísta junto a Fred Astaire en "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953). Y hasta también tiene un huequecito una leyenda viva del cine me refiero a Rita Moreno, efectivamente la Anita de la oscarizada "West Side Story"-1961.

  En definitiva: Una obra maestra del cine musical. Y que al hacer este comentario me viene a la memoria que alguién dijo una vez que el mundo del cine, y el resto del mundo, era mucho mejor gracias a "Cantando bajo la lluvia".  Matrícula de Honor.

  "Cantando bajo la lluvia" estuvo nominada en dos apartados: Actriz secundaria (Jean Hagen) y banda sonora. La película ganadora ese año fue "El mayor espectáculo del mundo" ("The Greatest Show on Eath").

  Como curiosidad: El guión fue escrito después de las canciones, y los guionístas tuvieron que adaptarse a ellas para crear el guión.


02/02/2017 19:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                 Debbie Reynolds

        "La sonrisa más dulce de Hollywood"

  Debbie Reynolds nació en El Paso (Texas), era la segunda hija de Raymond Francis Reynolds y de Maxine N. Harman. A los 16 años ganó el concurso de belleza de Miss Burbank, y un contrato cinematográfico y de este modo adquirió el nombre con el que se dió a conocer en el mundo del cine.

  De principio apareció en pequeños papeles en dos películas de la Warner y, posteriormente, firmó un contrato con la MGM, donde participó en las películas "Three Little Words" ("Tres palabritas"-1950) protagonizada por Fred Astaire y Red Skelton, "Two Weeks with Love"-1950 protagonizada por Jane Powell y Ricardo Montalban, donde recibió muy buenas criticas, y "Mr. Imperium"-1951, con Lana Turner.

  En contra de la opisición inicial de Gene Kelly y de su falta de habitualidad para el claqué, Debbie coprotagonizó con apenas 19 años "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952), junto al mismísimo Kelly y Donald O’Connor. Se cuenta que Gene Kelly empezó el rodaje tratando a Debbie con desprecio por su inexperiencia, y Fred Astaire al verla se ofreció a ayudarla. La joven actriz se esforzó en las coreografías para cumplir las expectativas, y tras doce horas de trabajo para rodar el baile de "Good Murning" le sangraban los pies.

  "Cantando bajo la lluvia", está ambientada hacia 1930, en la época de transición entre el cine mudo y el sonoro, y Debbie Reynolds interpreta a una actriz que dobla la voz y las canciones de una diva del cine mudo de voz deficiente, y en una curiosa paradoja, Debbie en realidad fue doblada en las canciones por dicha actriz. "Cantando bajo la lluvia" fue un éxito de taquilla (recaudó casi el triple de lo que costó), fue nominada a dos premios Oscar y con el tiempo su prestigio ha ido a más.

  Debbie protagonizó muchas películas y grabó discos, con algunas canciones que fueron un éxito "Tammy" incluida en su película "Tammy, la muchacha salvaje" ("Tammy and the Bachelos"-1957), donde trabajó con Leslie Nielsen. Varios de sus temas entraron en el Billboad (una revista semanal estadounidense especializada en dar listas de éxitos musicales). Durante una década (hacia 1965-75) ofreció recitales en el Hotel Riviera de Las Vegas, con un ritmo de trabajo (dos sesiones por noche todos los dias de la semana) que calificó de "extenuante".

  En 1963, participó en la superproducción "La conquista del Oeste" ("How the West was Won"), dentro de un rutilante reparto: Henry Fonda, Gregory Peck, John Wayne, Lee J. Cobb, Carroll Baker, James Stewart, Karl Maldem... En 1966 protagonizó la comedia musical "Dominique" ("The Singing Nun"), de Henry Koster, junto a Ricardo Montalban y Katharine Ross. En 1960, hizo un cameo en la popular película "Pepe", protagonizada por Cantinflas.

  Su papel protagonísta en la película musical de Charles Walters, "Molly Brown, siempre a flote" ("The Unsinkable Molly Brown"-1964) le proporcionó una candidatura al Oscar, que perdió ante Julie Andrews por "Mary Poppins". Debbie Reynolds encarnaba a una heroína real Margaret Brown, una pasajera del Titanic que ayudó en el salvamento de numerosas victimas del  naufragio. Décadas después, en 1989, la actriz recuperó el argumento de la película en un montaje teatral.

  Hasta 2013 siguió apareciendo en películas y series de televisión, era una de las pocas actrices de la Edad de Oro de la MGM que todavía seguía en activo, al igual que Jane Powell, Rita Moreno. Leslie Caron, Dean Stocwell, Angela Lasbury, Russ Tamblyn y June Lockhart.

  En 1992, hizo un cameo en la taquillera película "El guardaespaldas" ("The Bodyguard") protagonizada por Kevin Ciostner y Whitney Houston, y en 1966 protagonizó "Mother" junto a Albert Brooks, y recibió una nominación al Globo de Oro.

  En 1998 interpretó por primera vez a la abuela Aggie en la saga de películas para la televisión "Halloweentown", de Disney Chanel. Fueron cuatro producciones que se mantuvieron entre 1998 y 2006. Se mantuvo cercana al colectivo gay, y participó en dos películas muy destacadas. En 1997, en la exitosa comedia "In &Out", protagonizada por Kevin Kline, y en el 2013 en "Behind the Candelabra", película sobre el excéntrico pianista Liberace protagonizada por Michael Douglas y Matt Damon, el cual encarnó a la madre de Liberace. En el 2010, fue juez invitada en el concurso televisivo "Ru Paul’s Drag Race".

  En el 2000, puso su voz en la película infantil de animación "Rugarts en Paris: La película" y en el 2001 tuvo un papel en el célebre telefilme "These Old Bronds"("Esas chicas fabulosas") con Shirley McLaine, Elizabeth Taylor, Joan Collins... Esta producción supuso el reencuentro de Debbie con Elizabeth Taylor, con quien había vivido una sonada enemistad décadas antes, cuando la Taylor vivió un idilio con su marido, Eddie Fisher, que desembocó en divorcio.

  Desde 1999 hasta el 2006, Debbie Reynolds interpretó el papel de la madre de Grace, Bobbie Adler, en la serie de la NBC "Will & Gren". Debbie estuvo casada tres veces. Con el popular cantante Eddie Fisher se casó en 1955 y se divorció en 1959, Fisher la abandonó para casarse con Elizabeth Taylor, lo que causó uno de los mayores escándalos de la época. De este matrimonio habían nacido dos hijos: la actriz Carrie Fisher (conocida por su papel de la Princesa Leia en la saga "La guerra de las galaxias") nacida en 1956 y Todd Fisher nacido en 1958.

  Posteriormente, Debbie se casó con Harry Karl, un magnate del calzado, en 1960, aunque se separaron en 1973, este matrimonio resultó ser desastroso, debido a los problemas con el juego de Karl. Finalmente, Debbie Reynolds se casó con Richard Hamlett en 1984, pero se divorciaron en 1994.

  Durante su carrera, Debbie fue candidata una vez al Oscar a la mejor actriz, cinco veces a los Globos de Oro y una vez a los Emmy.

  En 2015 recibió el Premio a la Trayectoria en las Screen Actois Guild Awards.

  El 23 de diciembre de 2016, su hija Carrie sufrió un infarto masivo al miocardio, durante un vuelo que la trasladaba de Londres a Los Angeles, Debbie declaró que su hija se encontraba estable. Finalmente cuatro dias después del ataque al corazón, el 27 de diciembre, Carrie Fisher falleció a la edad de 60 años. Al dia siguiente, el 28 de diciembre, se informó acerca del ingreso de Debbie al hospital, a causa de un accidente cerebrovascular, y su fallecimiento ese mismo dia, la mítica actriz contaba 84 años de edad.

  Mary Francis Reynolds (Debbie Reynolds) - El Paso (Texas) - 1 - abril - 1932 - Los Angeles - 28 - diciembre - 2016

                             ¡DESCANSE EN PAZ!

28/01/2017 17:40 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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