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Orgullo y prejuicio (Pride and Prejudice-2005)

10/12/2014 18:01 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ninotchka - 1939

  ¿Me da sus maletas, madame?

¿Por qué?

¿Por que lleva las maletas de otros?

Es mi trabajo, madame

Eso no es un trabajo

Es una injusticia social

Depende de la propina, madame...

  "Greta rie"...

  Esta es la frase con la cual se lanzó esta entretenida y lograda película de género de  comedia basada en una novela de Melchior Lengyel, "Ser o no ser" ("To Be or to Be"-1942). Un escritor, dramaturgo y guionísta cinematográfico nacido en Hungria. us comienzos fueron como periodísta en Budapest y, su primera obra de teatro la escribió en 1907 donde llegó a convertirse en un éxito en todo el mundo. Se trasladó a Hollywood en 1937 regresando a Europa en 1960 estableciéndose en Roma. En 1963 recibió el Gran Premio de Roma por sus obras literarias.

  El guión corrió a cargo por tres grandes guionistas el primero: Charles Brackett, "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Biulevard"-1950). Un novelísta y productor cinematográfico nacido en Nueva York. En 1915 se graduó en el Williams College y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. En los años treinta se trasladó a Hollywood y empezó a trabajar como guionísta para la gran pantalla. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y entre 1949 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Cuenta en su haber con tres Oscar y uno honorífico por su conjunto de su carrera. El segundo fue obra de Walter Reisch, "Viaje al centro de la tierra" ("Journey to the Center of the Earth"-1959). Un guionísta y dircctor nacido en Viena cuyos primeros pasos fueron en el teatro tradicional al mismo tiempo que escribía guiones para el cine. En 1937 marchó a Hollywood y fue contratado por la MGM escribiendo guiones para las estrellas mas importantes de dicha productora. Y el tercero fue un hombre que no necesita presentación alguna en el mundo del cine, su nombre: Billy Wilder, "El apartamento" ("(The Apartment"-1960). Un cineasta de origen austro-húngaro. Su primer trabajo fue como cronísta en el periódico Juranek, más tarde marchó a Paris y en 1934 se trasladó a Estados Unidos. Como guionísta escribió 60 películas y como director realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Oscar tras haber sido nominado en 21 ocasiones. En una entrevista publicada en 1952 Wilder enumeró sus diez películas favoritas:

1. "El acorazado Potemkin" ("Broneo sets Potyumkin"-1924)

2. "Avaricia" ("Greed"-1924)

3. "Varieté"-1925

4. "La quimera del oro" ("The Gold Rush"-1928)

5. "Y el mundo marcha" ("The Crowd"-1924)

6. "La gran ilusión" ("La Grande Illusion"-1937)

7. "El delator" ("The Informer"-1935)

8. "Ninotchka"-1939

9. "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946)

10. "Ladrón de bicicletas" ("Ladri di biciclette"-1948).

29/11/2014 20:35 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Niebla en el pasado (Random Harvest-1942)

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  "Hay un estanco allí en la esquina."

  Asi comienza esta espléndida película de género dramático-romántico, basada en una novela de James Hilton, "Horizontes perdidos" ("Lost Horizon"-1937) (por ejemplo). Un famoso escritor nacido en Inglaterra que encontró el éxito de la literatura a muy temprana edad. Varios de sus libros fueron best-sellers internacionales e inspiraron exitosas películas como esta por ejemplo.

  Cuenta con un guión escrito tanto por George Froeschel, "Scaramouche"-1952). Un escritor, periodista y abogado nacido en Viena y, una vez acabada la carrera de derecho se dedicó a escribir novelas. En 1936 emigró a Estados Unidos donde trabajó como periodísta en una editorial de Chicago. Sus esfuerzos por encontrar trabajo en Hollywood no tuvieron éxito hasta 1939 cuando fue contratado por la MGM. El segundo co-guionista fue Arthur Wimperis, "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"-1942). Otro famoso escritor nacido en Londres. Sus comienzos fueron como ilustrador, para un tiempo después convertirse en libretísta y letrísta de comedias musicales. A partiir de 1930 fue cuando se dedicó a escribir para películas británicas y más tarde para el cine de Hollywood. Y el tercero fue, en este caso tercera, Claudine  West, "Adios Mr.Chips"" ("Goodbye Mr. Chips"-1939). Una guionísta nacida en Nottingham (Inglaterra). En 1929 la contrató la MGM. Y contando en su haber dos nominaciones a los Oscar.

  "Niebla en el pasado" está dirigida por Mervin Le Roy, "El puente de Waterloo" ("Waterloo Bridge"-1940). Un aclamado director y productor nacido en San Francisco. La infancia de Le Roy fue bastante dificil dejó el colegio a los doce años y empezó a actuar en el vodevil y, en 1919 decidió probar suerte en Hollywood animado por un primo suyo donde comenzó como empleado de departamento de vestuario y en 1930 debutó como director contratado por la Warner Brothers, En 1938 abandonó estos estudios para pasar a la MGM donde estuvo más como productor que como director. En los años 50 se pasó a las super-producciones. Le Roy fue un cineasta que nunca perdió de vista lo que el público quería encontrar en las películas.

  La acción nos mete en la vida de un militar británico que sufre de amnesia, este se fuga de un hospital psiquiátrico y conoce a una mujer con la que emprenderá una nueva vida, casándose y probando fortuna como escritor. después de varios años de feliz convivencia, este deja su feliz hogar en el campo y se traslada a la ciudad para intentar vender uno de sus libros. Pero tras un accidente de tráfico recupera su memoria y su antigua personalidad, olvidándose completamente de su esposa...

  Espléndido melodrama como bien digo al principio. Una película conmovedora que reúne todos los elementos de drama y romance. Una historia que podriamos dividirla en dos partes (incluso yo diria que tres). La primera podemos asistir al encuentro entre ambos protagonístas: un hombre amnésico que no sabe que hacer y donde dirigirse y de pronto se encuentra con una maravillosa y a la vez protectora mujer que se encargaría de velar por él. En esa supuesta segunda parte, donde a raiz de ese encuentro fortuito comienzan unas relaciones y nos ofrecen la parte más feliz en donde la pareja contrae matrimonio y fruto de ese matrimonio tienen un hijo. Pero...nos encontramos con una tercera parte... Una historia que conmueve, si señor, pero eso si, sin buscar la lágrima fácil.

  Cuenta con una magnífica fotografía en blanco y negro creada por Joseph Ruttenberg, "Gigi"-1958. Un dirctor de fotografía nacido en Rusia concretamente en San Petersburgo, a los diez años emigró con su familia a Estados Unidos donde comenzó como reportero gráfico en el periódico Boston Globe. En 1915 dejó este trabajo para incorporarse en la Fox Film Corporation de Nueva ork y, en 1917 debutó como director fotográfico en una película muda.

  Y en esta romántica historia haciendo gala de su veteranía para mostrarnos unos fotogramas en un glorioso blanco y negro que parecen hoy como un sueño envuelto en una niebla que difumina la memoria del personaje principal masculino, rodada integramente en los parajes de la brumosa y bella Escocia.

  Muy amena a la vez que exquisita la musica creada por el oscarizado Herbert Stothart, "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Un compositor y director de orquesta nacido en Wisconsin. Sus comienzos fueron en la Universidad de Wisconsin Madison donde más tarde llegó a dar clases como profesor. Tiene en su haber el haber compuesto parte de la música de la famosísima opereta "Rose-Marie", que más tarde fue llevada al cine en dos ocasiones.

  Y en esta película con alarde de virtuosísmo emocional, creando una música romántica siguiendo los patrones de la época con abundancia de violines. Hay pues, temas corales, sacros y románticos que son los más determinantes, pero también algunos de corte militar y dramáticos. El tema principal es de gran belleza.

  Cuenta como protagonístas con una pareja estelar de por aquel entonces. El: Ronald Colman, "Si yo fuera rey" ("It I Were King"-1938) dando vida a Charles un oficial que había luchado durante la Primera Guerra Mundial y termina en un hospital psiquiátrico al ser encontrado en estado de amnesia total y, tras huir de dicho hospital es ayudado por Ella: que no es otra que Greer Garson, "El valle del destino" ("The Valley of Decision"-1945) metida en el cuerpo de Paula una cantante y bailarina además de ser una mujer bella y generosa que le hace cuanto puede por sacarlo adelante.

  Y con esta extraordinaria y famosa pareja de actores podemos ver a unos secundarios de auténtico lujo tales como: Susan Peters, "El signo de Aries" ("The Sing of the Ram"-1948) como la joven Kitty, Philip Dorn, "Nunca te olvidaré" ("Remember Mama"-1948) en el papel del Dr. Benet, Henry Travers, "Que bello es vivir" ("It’s Wonderful Life"-1946) como el Dr. Sims.

  En definitiva: Una película que creo que a algunos les encantará, a otros quizas no tanto. Pero no creo que a nadie le moleste. Porque para mi.  es puro cine de aquella época espledorosa de los grande estudios de Hollywood.   Sobresaliente.

  "Niebla en el pasado" tuvo siete nominaciones a los Oscar en 1942, incluyendo Pelicula,  Director, Actor (Ronald Colman, Actriz secundaria (Susan Peters)

  Como curiosidad ese mismo año Greer Garson logró el Oscar a la Mejor actriz por su interpretación en "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver").

15/11/2014 10:06 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Niágara - 1953

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  El otro dia vi por primera vez Niágara... Y algo me dejé allí...

  Muy interesante a la vez que intrigante película de género melodramático aderezada con una buena dósis de intriga.

  Cuenta con un guión escrito por dos antiguos socios del director Billy Wilder: Walter Reisch, "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944). Un veterano director y guionísta nacido en Viena. Sus comienzos fueron como ayudante de Alexander Korda y en 1937 marchó a Hollywood contratado por la MGM donde llegó a escribir guiones para películas con las más grandes estrellas femeninas de dichos estudios: Greta Garbo, Hedy Lamarr, Vivien Leigh, etc.etc., y en 1947 adquirió la ciudadania estadounidense. Y ayudado por Richard Breen, "Los blues de Pete Kelly" ("Pete Kelly Blues"-1955). Otro veterano escritor nacido en Chicago cuyos principios fueron como escritor independiente. Tras su paso por la Marina de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial comenzó a escribir para el cine. Ganador de un Oscar fue también presidente del Gremio de Guionístas durante un año 1952-1953.

  "Niágara" está dirigida por todo un maestro de Hollywood como lo fue Henry Hathaway, "Alaska, tierra de oro" ("North Alaska"-1960). Un cineasta nacido en Sacramento (California). Sus comienzos fueron como asistente de dirección de Victor Fleming. Más tarde lo contrató la Paramount para dirigir unos cuantos westerns de bajo presupuesto (serie B). Hathaway fue un director que le resultó imposible moverse solamente en un género. Y en donde demostró a partir de los años cuarenta que era capaz de asumir los compromisos más dispares y hacer de ellos obras en las que la eficacia del espectáculo estuviera garantizada.

  La historia pues que nos cuenta el director californiano nos lleva a la ciudad de Niágara famosa por sus no menos famosas cataratas. Alli un joven matrimonio compuesto por Polly y Ray pretenden pasar su luna de miel. Al instante de llegar conocen a otra pareja vecina formada por Rose y George. Esta última forma un matrimonio singular, ya que mientras ella posee una tremenda sensualidad, él, de edad algo avanzada, ha pasado una larga temporada en un hospital de veteranos de guerra. Durante una visita a las cataratas Rose es sorprendida por Polly en brazos de un joven. Estos planean asesinar a George y realizar las acciones necesarias para que la muerte parezca un suicidio. Pero...

  "Niágara" ha sido definida como un tórrido melodrama pasional. Puesto que catapultó a Marilyn Monroe, quieen aparece en esta película extraordinariamente bella y prococativa, especialmente en la famosa escena en la que baila y se contonea en un ajustado vestido rojo. El impacto que causó la sensualidad de Marilyn en esta película fue tal que cierta revista señaló, que en "Niágara" había dos obras maestras de la naturaleza: las cataratas y la Monroe.

  Escenas filmadas en un magnífico technicolor por Joseph McDonall, "¡Viva Zapata!"-1952. Un extraordinario camarógrafo nacido en México y, en donde comenzó como ayudante de cámara a principios de 1920, para convertirse en director fotográfico en la década dec1940 donde empezó su trabajo en la meca del cine, contratado por la 20th Century Fox. La mayoría de sus películas están firmadas como Joe McDonald.

  Y en esta como bien digo tórrida historia melodrámatica mostrándonos unos espléndidos fotogramas y dando a la historia un cromatísmo muy diferente del propio del cine negro, pero a todas luces muy acertado. Ya  que McDonald se sirve de sombras para explicar la inquietud e incertidumbre de todos los personajes. Presenta pues, unos planos picados que para mi son antológicos en varias escenas singulares todas como ese aire brumoso que llena el escenario de las cataratas refuerza  visualmente la atmósfera de la película. Rodada integramente en la ciudad de Niágara con algunas escenas filmadas en los estudios de la Fox.

  Muy lograda la banda sonora a cargo de Sol Kaplan, "El espia que surgió del frio" ("The Spy Who Came in from the Cold"-1965). Un prolífico compsitor de cine y televisión nacido en Filadelfia, trabajó como un exitoso pianista de concierto en el Carnegie Hall en 1941. Más tarde se pasó a escribir musica de películas. Su carrera cinematográfica se vió interrumpida en la década de 1950 por la tristemente "caza de brujas" creada por el senador Joseph McCarthy.

  Y en esta historia llena de pasiones y emociones creando una partitura de acompañamiento de carácter dramático, con lo cual contribuye a crear una atmósfera de intriga, temor y tensión. Añade la canción "Kiss" ("Besoss") que interpreta Marilyn con una (como bien dije al principio) fuerte carga de sensualidad.

  Magistral el reparto de actores los elegidos aqui por Hathaway (aunque hubo sus mas y sus menos en esa elección). Sobresaliendo una increiblemente bella Marilyn Monroe, "Rio sin retorno" ("River of Return"-1954) (por citar otros de sus grandes filmes). Y aquí metida en sus ajustados y ceñidos vestidos dando vida a Rose esa mujer sensual, seductora y atractiva que desborda erotísmo y carnalidad allá por donde vaya. Junto a ella otro mitico del séptimo arte: Joseph Cotten, "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943) dando via a George esposo de Rose, un hombre atormentado por los celos además de estar enfermo tras su particiación en la guerra de Corea y su paso por un hospital para enfermos mentales.

  Con ellos otro matrimonio compuesto por la no menos bella y atractiva Jean Peters, "La mujer pirata" ("Anne of the Indies"-1951) en el papel de Polly una joven que junto a su esposo hacen un viaje de luna de miel (aunque algo tardio a la ciudad de las cataratas). Una mujer sobria seria y formal y muy enamorada de su esposo, que no es otro que Casey Adams, "Verano y humo" ("Summer and Smoke"-1961) como Ray un exitoso ejecutivo de ventas de seguros, pero muy ingenuo y de luces limitadas.

  Fenomenal el cuarteto interpretativo. Aunque como bien he dicho la mirada del espectador casi siempre está centrada en el personaje de Rose...y lo que se trae entre manos. No debo de olvidar a dos secundarios que aunque con pequeños papeles también tienen mucho que decir y sobre todo de hacer en esta historia. Uno es Richard Allan, "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows of Kilimanjaro"-1952, interpretando a Patrick el joven amante de Rose, el otro: Denis O’Dea, "Mogambo"-1953 como el inspector Starkey. Los dos muy concentrados en sus respectivos personajes.

  En definitiva: Una película que aunque no tiene la vitola de obra maestra. No por ello deja de ser una historia muy bien narrada además de sumamente entretenida. Y por supuesto de visión obligada, puesto que todo invita a ello.  Sobresaliente.

  Como curiosidad Henry Hathaway pensó en principio en James Mason para interpretar el papel de George. Y en cuanto al de Polly la productora contrató a Anne Baxter, pero se dió la casualidad de que Jean Peters por aquel entonces era una de las "favoritas" (más tarde se casaría con él) de Howard Hughes. Y ya se sabe donde hay patrón no manda marinero.

                                   MARILYN.

  La simple mención de su nombre evoca imágenes del icono del glamour de Hollywood por excelencia. Fue una auténtica diva de curvas voluptuosas y sonrisa fresca y sexy que la hacían encantadoramente sensual. Fue, también, una pionera abriendo camino en el mundo del cine para el resto de actrices que años más tarde siguieron sus pasos. Ha sido, y sigue siendo, un símbolo sexual a nivel internacional, conocida y querida por todo el mundo durante más de medio siglo.

 

07/11/2014 18:22 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

No me mandes flores (Send Me No Flowers-1964)

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 "El deseo de tomar medicamentos es tal vez la característica más importante que distingue al hombre del animal."

  Agradable y muy lograda película de género de comedia romántica, tercera y última de las protagonizadas por el "matrimonio" Hudson-Day, las otras dos fueron: "Confidencias a medianoche" ("Pillow Talk"-1959) y "Pijama para dos" ("Lover Come Back"-1961).

  "No me mandes flores" está escrita con un guión de Julius J. Epstein, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958). Un oscarizado  y longevo guionísta nacido en Nueva York y hermano gemelo del también guionísta Philip Epstein a ellos le debemos el guión de la mítica "Casablanca"-1942. Después de sus estudios universitarios  marcho a Hollywood donde comenzó a escribir guiones en 1939 y en su primera película: "Las hermanas" protagonizada por Errol Flynn y Bette Davis fue nominado al Oscar. En 1952 falleció su hermano una pérdida que Julius sentiría toda la vida pero siguió escribiendo y recibiendo premios a lo largo de su extensa carrera.

  La pelicula la dirige Norman Jewison. Un director y productor nacido en Toronto (Canadá), realizador de grandes éxitos mundiales. Se graduó en la Universidad de su ciudad natal, después de servir en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial, hizo su debut como director en 1962. Pero fue a principios de los años 70, cuando le llegó su gran éxito con "El viollinísta en el tejado" ("The Fiddler on the Roof"-1971) donde retrató a modo de musical y con un excelente sentido del humor la vida de un pueblo judio en Ucrania en plena época zarísta. En 1981fue reconocido como Oficial de la Orden de Canadá y, en 1998 fundó el Centro canadiense de cine en las ciudades de Toronto y Ontario. En 2004 publicó su autobiografía titulada: "This Terribles Business Has Been Good to Me", algo asi como ("Esta terrible profesión ha sido buena conmigo").

  La historia que nos cuenta Jewison nos mete de pleno en la vida de un matrimonio: ella una alegre ama de casa y él: un hipocandriaco a más no poder que un buen dia escucha a su médico por curiosidad y por error discutir la inminente muerte de un paciente, creyendo que la pobre victima es él mismo. Este obtiene la ayuda de su mejor amigo y vecino para encontrar un nuevo esposo para su mujer, que pronto será viuda...

  Una divertida, alegre y elegante comedia, si señor. Una película en la que en la década de los sesenta los estudios de la Universal encontraron un filón en este tipo de historias de comedia romántica a todo color rodadas en ambientes de cierto lujo y amablemente satíricas. Es pues una película con una buena dósis de carcajadas llena de un humor fino y agudo y, con momentos memorables gracias también a unos diálogos sumamente chispeantes.

  Muy bonita y como digo a la vez que lujosa fotografía a todo color llevada de la mano por Daniel L. Fapp, "West Side Story"-1961 (por ejemplo). Un extraordinario director fotográfico nacido en Kansas City. Hizo su debut en 1941 al sustituir a Ottis Garrett y, a partir de ahí su carrera subió como la espuma trabajando en más de ochenta películas a lo largo de treinta años como camarógrafo.

Y en esta lujosa comedia con un hipocondriaco por medio, haciendo gala de su buen hacer para mostrarnos unas fotografias más que excelentes sabiendo aprovechar de maravilla el color y el formato panorámico, la mayoría de las escenas están rodadas en los platós de la Universal donde se creó un magnífico ambiente con arreglo a la historia que nos cuenta el director canadiense.

  Muy amena y pegadiza la banda sonora creada por Frank De Vol, "El gran McLintock" ("McLintock!"-1963). Un compositor y arreglísta nacido en Virginia, a los 14 años de edad se hizo miembro del Musican’s Union y, a partir de la década de los 40 comenzó a escribir arreglos para muchos e importantes cantantes entre ellos: Sarah Vaughan y Vic Damone. También es muy conocido por sus temas televisivos musicales tales como: "Mis adorables sobrinos" ("Family Affair"-1966) y "La tribu de los Brady" ("The Brady Bunch"-1969).

  Y aqui aportando unas bonitas melodias con acorde al desarrollo de esta lujosa comedia. La canción "Send Me Flowers" cantada por Doris Day en los títulos de crédito está compuesta por Hal David y Burt Bacharach ambos fueron autores de númerosos éxitos musicales en la década de los 60. 

  Estupendas las interpretaciones formada por el matrimonio protagonísta. Él: Rock Hudson, "Himno de batalla" ("Battle Hymm"-1957) dando vida a George, ese obseso hipocondriaco que se cree portador de todas las enfermedades llegando hasta de creer que le quedan dos dias de vida por culpa de un mal entendido,. Ella: Doris Day, "No os comais las margaritas" ("Please Eat the Daisies"-1960) como Judy la esposa de George esa alegre y y guapa ama de casa que tiene que aguantar un dia si y otro también las "enfermedades" de su también guapo marido, hasta que un buen dia... (los dos en su mejor momento artístico).

  Pero atención al tercero en discordia Tony Randall,  "Detective con rubia" ("The Alphabet Murders"-1965) metido en el pellejo de Arnold el vecino de ambos, ese buen hombre que está dispuesto a ayudar a su amigo pero que por desgracia no resulta tal esa ayuda ya que se enfrenta a la pérdida que le acecha trasegando un martini tras de otro, fabuloso el tio en un papel a su medida.

  Y que decir de Paul Lynde, "Un beso para Birdie" ("Bye Bye Birdie"-1963) que da vida al señor Akins un descacharrante vendedor de tumbas que "adora a la gente". Y de Edward Andrews, "Ansiedad trágica" ("Tension at Table Rock"-1966) enfundándose la bata del doctor Ralph. Sin olvidarnos de Clint Walker, "Doce del patíbulo" ("The Dirty Dozen"-1967) en el papel de Bert Power un antiguo pretendiente de Judy.

  En definitiva: Una estupenda comedia romántica al uso de la calidad y del buen gusto de todos y muy fácil de digerir, Una película que para mi es recomendable para toda la familia.  Sobresaliente.

  A modo de curiosidad tanto Rock Hudson como Tony Randall nunca se llevaron bien fuera de los platós en ninguna de las tres peliculas protagonizadas por ambos. Según cuentan todo era a raiz de sus estaturas ya que Hudson media 1, 95 y Randall 1,73. Pero eso si lo disimulaban muy bien durante los rodajes. Genios y figuras.

28/10/2014 09:38 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El estrangulador de Rillington Place (Rillington Place-1971)

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           En recuerdo de: Richard Attenborough

  ¿Qué sucedió con las mujeres en el nº10 de Rillington Place?

  Inmejorable película de género terror policiaco basada en una novela de Ludovic Kennedy, un escritor nacido en Edimburgo (Escocia) y muy conocido principalmente por su reexamen de casos reales tales como esta historia y la del secuestro del hijo de Charles Lindbergh, asi como por su papel en la abolición de la pena de muerte en el Reino Unido.

  El guión corrió a cargo de Clive Exton, "El guerrero rojo" ("Red Sonja"-1985). Un guionísta de cine y principalmente de televisión nacido en Londres y, en donde sus primeros años los pasó en el ejército británico. Se hizo muy famoso por sus guiones de Agatha Christie. Después de pasar diez años en Hollywood y de haber trabajado en muchas películas (aunque en la mayoría su nombre no salía en los títulos de crédito) regresó a Inglaterra en 1986 y fue allí donde encontró que el negocio de la televisión había cambiado radicalmente a través de la producción independiente, como Brian Eastman, para quien escribió la mayoría de los episodios del famoso detective Hércules Poirot.

  "El estrangulador de Rillington Place" fue la segunda película sobre estranguladores  y también basada en hechos reales  que dirigió Richard Fleischer la primera fue "El estrangulador de Boston" ("The Boston Strangler"-1968) protagonizada por Tony Curtis y Henry Fonda.

  Fleischer un magnífico cineasta nacido en Nueva York y, en donde una de sus características fue su versatilidad para tratar distintos géneros cinematográficos. Su gran oportunidad le llegó en 1942 cuando la RKO lo escogió para dirigir una serie de documentales y películas animadas a las que llamó "Flicker Flashbacks". En 1946 debutó como director de cine y poco después ganó un Oscar como productor. En 1954 sería elegido por Walt Disney para dirigir la exitosa "20.000 leguas de viaje submarino" ("20.000 Leagues Under the Sea") protagonizada por Kirk Douglas y James Mason entre otros. En 1993 escribió su autobiografía con el título "Jost Tell Me When to Cry" donde describía las dificultades que tuvo con actores, guionístas y productores. Aunque de estilo anecdótico y humorístico, actores como Charlton Heston lo nombraron como uno de los libros de referencia para saber como funciona por dentro la industria del cine.

Richard Fleischer está considerado como un director de estrellas.

  Así pues, el maestro neoyorkino nos lleva hasta la ciudad de Londres en plena posguerra y es alli donde un joven matrimonio  encuentran una casa en el nº10 de Rillington Place, es una bonita vivienda cuyo vecino del piso interior resulta ser de lo más inquietante. Pero lo que desconocen ambos es su terrible historial de asesinatos en serie de mujeres mediante gas y sus posteriores actos necrófilos, impulsos criminales que la joven esposa acabará reavivando en su mente...

  Una auténtica joya del cine criminal. Una película que es un grandioso retrato de un psicópata aparentemente inofensivo. la película mantiene una tensión angustiosa en un entorno cada vez más claustrofóbrico hasta el triste final, a la vez que se hace una crítica al funcionamiento de la justicia y de la pena de muerte, que a modo de interés sería abolida en Gran Bretaña tras la ejecución real del presunto asesino.

 Magnífica la fotografía en un color claroscuro creada por Denys Coop, "El rapto de Bunny Lake" ("Bunny Lake is Missing"-1965). Un reconocido director de fotografía nacido en Inglaterra (en algunas de sus películas se le acredita como Denys N.Coop) y, cuyos comienzos en el cine fueron como aprendiz de Freddie Young. En 1979 ganó el Oscar por "Supermán" en el apartado de efectos visuales. Además de este Oscar también fue galardonado con un BAFTA, y en donde se ganó la reputación de ser uno de los mejores directores de fotografía en blanco y negro de su generación.

  Y en este jardín de los horrores mostrándonos unos fotogramas espeluznantes a la vez que desgarradores, con unos tonos apagados y sombríos haciéndonos de trasladar a una deprimente ambientación, gracias a una extraordinaria puesta en escena que bebe tanto feísmo como suciedad. La película está rodada donde se cometieron los asesinatos reales.

  La banda sonora corrió a cargo de John Dankworth, "Sábado noche, domingo mañana" ("Saturday Night and Sunday Morning"-1960). Un compositor de jazz, saxofonísta y clarinetísta nacido en Essex (Inglaterra). A los 17 años obtuvo una plaza para estudiar en la Royal Academy of Music de Londres y, con 22 años fue elegido "musico del año". Durante su dilatada carrera trabajó con numerosos musicos de fama mundial como Nat King Cole y Ella Fitzgerald entre otros. En 1959 actuó en Estados Unidos junto a su orquesta de jazz donde actuaron junto a Duke Ellington, que se convirtió en uno de sus mejores amigos.

  Y en esta historia de asesinatos en serie dirigiendo con su varita mágica una partituras con acorde a las escenas que estamos viendo, musica pausada, lenta e inquietante creando un climax de tensión y terror y por supuesto haciendo que a esta historia no le falte de nada.

  Magníficos todos los actores encabezado por un sensacional Richard Attenborough, "Plan siniestro" ("Séance on a Wet Afternoon"-1964) metido en el diábolico cuerpo de John Reginald Christie, un hombre de apariencia bormal e inofensiva, con buenos modales, de carácter tranquilo e incluso amable, y sobre todo inteligente que se dedica a embaucar a inocentes  y supersticiosas mujeres a las que somete a su voluntad, haciéndose pasar por un curandero mágico.

  Y muy bien arropado tanto por John Hurt, "El hombre elefante" ("Elephant Man"-1980) como Timothy Evans, un obrero en paro golfo, mentiroso y analfabeto. Y por Judy Geeson, "El circo del crimen" ("Berserk!"-1967) dando vida y muerte a Beryl Evans, la joven y guapa esposa de Timothy. Sin olvidarnos de la televisiva y premiada Pat Heywood, "Romeo y Julieta" ("Romeo and Juliet"-1968) en el papel de Ethel la atormentada esposa del asesino.

  Resumiendo: Una película dura y sin concesiones no apta para todos los gustos, pero para mi personalmente es un gran acercamiento al tema de los asesinos en serie, por lo que creo que es altamente recomendable especialmente para los amantes de este género.   Matrícula de Honor.

  A modo informativo. Esta película es la verdadera historia de un asesino en serie, un expolicia llamado John Reginald Christie, que conmocionó Gran Bretaña a finales de los años 40. Un hombre llamado Timothy Evans fue acusado del asesinato de su mujer, embarazada de una niña, Christie, el verdadero asesino fue uno de los testigos principales del juicio y, tras cometer perjurio, Evans fue condenado a la horca. Tiempo más tarde, Christie mató a su mujer, temeroso de que sacara la verdad a la luz. Cuando la policia llegó a su casa en el 10 de Rellington Place, descubrió los cuerpos de numerosas mujeres, escondidas en distintos lugares de la casa. El psicópata se confesó culpable de todas las muertes, incluida la de su esposa. El terrible error judicial que se cometió con Evans precipitó a la abolición de la pena de muerte en Gran Bretaña.

 

 

20/10/2014 19:37 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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             Richard Attenborough

            Actor de corazón, director de cabeza

  El pasado 24 de agosto falleció a los 89 años de edad (le faltaban 5 dias para los 90) el prolífico actor, director y productor inglés Richard Attenborough.

  Creció en el College House del campus de la University College de Leicester de donde su padre era el director. Era el mayor de tres hermanos. Durante la Segunda Guerra Mundial sus padres adoptaron a dos chicas refugiadas judias, procedentes de las zonas de  conflicto.

  Cursó estudios en Leicester y en la Real Academia de Arte Dramático. En 1941 comenzó a trabajar en el teatro, con lo que consiguió su debut en el cine un año después con una película de propaganda: "Sangre, sudor y lágrimas" ("In Which We Serve"-1942) de David Lean Y Noël Coward.

  El éxito como actor le llegaría en 1947 con uno de los clásicos emblemáticos del cine británico de la década: "Historia de un cobarde" ("The ManWithin"-1947) de Bernard Knowles, sobre una novela de Granam Greene. El papel de cobarde realizado en esta película casi le dejó encasillado para siempre en su personaje, cuyos rasgos emocionales se perpetuaron, y se demuestran a ratos en cada una de sus películas posteriores en que actuó, mezclando la cobardía y la inseguridad con la adulación y una fuerte personalidad.

  Estos dos papeles, unidos al del asesino adulador de "Brighton, parque de atracciones" ("Brighton Rock"-1947), le encasillaron en ese tipo de personajes en el cine inglés hasta "Asuntos privados" ("A Private Progress"-1956) de John Boulting, con lo que dió un salto decisivo en su carrera como actor, , convirtiéndose en estrella, y ampliando su registro hacia el melodrama negro, el drama comprometido y/o costumbrísta y el cine de aventuras.

  Pero antes, Attenborough había ido ganando solidez en su estilo interpretativo en titulos como: "A vida o muerte" ("Stairwai to Heaven"-1946), de Michael Powell junto a David Niven y Flora Robson, el clásico melodrama negro "The Lost People"-1953 de Virgil Vogel, o la superproducción biográfica-histórica "The Magic Box"-1951, que supuso su primera colaboración con el director John Boulting.

  En 1959 secundó a Peter Sellers en otra exitosa película dirigida por Boulting "Estoy bien, Jack" ("I’m AllRight Jack"), y al año siguiente coproduce y protagoniza "Amargo silencio" ("The Angoy Silence") de Guy Green, retratando el drama del mundo obrero en las figuras de varios mineros rurales. En 1962 repite con Sellers en una comedia inolvidable: "Juego para dos" ("Only Two Can Play"), en la que también destacaba una deliciosa Mai Zetterling. Ya en 1963 aparece en el cine norteamericano como secundario de lujo con una película que se convierte casi inmediatamente en hito: "La gran evasión" ("The Great Scape") de John Sturges, y luego participa en titulos de interés como "El vuelo del Fénix" ("The Flight of the Phoenix"-1965) de Robert Aldrich,  al lado de James Stewart, Hardy Kruger y Peter Finch, "El Yang-Tse en llamas" ("The Sand Pebbles"-1966), de Robert Wise, en compañía de Steve McQueen y Candice Bergen, o la aparatosa y convencional pero no desdeñable "El extravagante Dr. Dolittle" ("Doctor Dolittle"-1967) de Richard Fleischer, en un reparto que lideraba el gran Rex Harrison.

  En 1964 realiza la que resulta ser su mejor creación de la década en una película convertida hoy dia en emblemática del cine inglés: "Plan siniestro" ("Séance on a Wet Afternoon") de Bryan Forbes, brillando sobre las actuaciones, por otro lado de Kim Stanley y Nannette Newman, luego sobresale en una pequeña comedia británica "Los pecados de la Sra. Blossom" ("The Bliss of Mrs. Blossom"-1969), y ya en 1971, rueda también en Inglaterra la película que despide su carrera como actor protagonísta, siendo para muchos su mejor interpretación, se trata de "El estrangulador de Riltington Place" ("Riltignton Place"-1971), de Richard Fleischer, basada en hechos reales. A mediados de los 70 colabora con Otto Preminger en dos titulos de distinto signo: "Rosebud"-1975 supone un fracaso de critica y público absoluto, pero "El factor humano" ("The Human Factor"-1979) es recibida con mayor entusiasmo y todavía se ve con satisfación. Por último, en 1975 secunda a John Wayne, Mel Ferrer y Leslie Anne Down en el extoso thriller "Branigan", de Douglas Hickox.

  También destacable como director, su debut en este campo se da con una comedia satirico-musical: "¡Oh, qué guerra tan bonita!" ("Oh, What a Lovely Wart"-1969), que contó con un impresionante desfile de estrellas del cine británico y de Hollywood. A esta siguieron tres titulos de notable valia: "El joven Winston" ("Young Winston"-1972) sobre los años de juventud de Winston Churchill, donde Attenborough sobresale como director de actores (en este caso Robert Shaw y Anne Brancoft entre otros), "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"-1977), la ultima superproducción de grandes estrellas internacionales como Sean Connery, Michael Caine, Robert Redford y Liv Ullmann entre muchos otros), dedicada a la Segunda Guerra Mundial, y "Magic" ("Magia"-1978), thriller sobrenatural que contiene una de las mejores creaciones de Anthony Hopkins.

  No obstante, su consagración como realizador no llegó sino con "Gandhi"-1982, ambiciosa superproducción angloamericana cuyos preparativos y rodaje llevaron al director nueve años de su vida, coronada por un inmenso y merecido éxito en los cines de todo el mundo y, por ser galardonada con ocho premios Oscar en Hollywood. Sus siguiente empeños continuaron en primera linea de calidad y reconocimiento: el musical adaptado directamente de Broadway "A Chorus Line"-1985, "Grita Libertad" ("Cry Freedom"-1987), sobre el Apartheid (sistema de segregación racial que existió en Sudáfrica) y protagonizado por Denzel Wanshington y Kevin Kline, el fresco biográfico que catapultó a la fama a Robert Downey Jr. "Chaplin"-1992, y una especie de biografía del escritor C.S.Lewis que roza el calificativo de obra maestra: "Tierras de penumbra" ("Shadowlands"-1993), con Anthony Hopkins y Debra Winger. Sin embargo, en 1999 dejó una obra bienintencionada pero menor: "Buho gris" ("Grey Owl"). tras su actuación en una poderosa incomprendida película del maestro hindú Satyajit Ray "Jugadores de ajedrez" ("The Chess Players"-1977), Attenborough dejó la interpretación por un tiempo, hasta su retorno con una de las películas más taquilleras de la historia del cine: "Parque Jurásico" ("Jurassic Park"-1993), de Steve Spielberg, y con un fácil remake al año siguiente del clásico navideño de 1947 "Milagro en la calle 34" )"Miracle on 34th Street"-1994). Sus ultimas interpretaciones a destacar pertenecen a las películas "Hamlet"-1996 de Kenneth Branagah, quizá la versión definitiva de William Shakespeare, y "Elizabeth"-1998.

  Richard Samuel Attenborough - Cambridge (Inglaterra) - 29 - agosto - 1923 - Londres - 24 - agosto -2014

                               ¡DESCANSE EN PAZ!

16/10/2014 10:38 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Novecento (1900) - 1976

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  Y vino el verano, el calor es sofocante, nacieron dos niños a pocos metros de distancia. Han nacido en el campo. ¡Oh burla del destino!. Uno es el hijo del amo el otro un bastardo campesino...

  Una obra maestra del cine italiano y posiblemente una de las mejores películas de la historia del cine de género dramático-histórico (a pesar de las muchas críticas que ha tenido en su contra).

  "Novecento" fue escrita por tres guionístas, el primero: Franco Arcalli, "El último tango en Paris" ("Last Tango in Paris"-1973). Un escritor y director nacido en Roma, considerado como uno de los escritores mas originales y talentosos del cine italiano gracias a su estilo de edición que se caracteriza por cortes secos y rezagados. Sus comienzos fueron como actor en un pequeño papel a las órdenes de Luchino Visconti, luego comenzó su carrera como escritor. Y a partir de ahí comenzó una carrera plagada de éxitos trabajando con los mejores ditectores de Italia. Su muerte le llegó quizá en su mejor momento dejando muchos ptoyectos inconclusos, el más famoso de ellos fue el de "Apocalypse Now", quien sabe si en sus manos se hubiera convertido en una película completamente diferente.

  El segundo co-guionísta fue Giuseppe Bertolucci, "La luna"-1979. Un escritor y también director de cine nacido en Parma (Italia). Se inició en el mundillo del cine ayudando a su hermano mayor Bernardo. Fue miembro del jurado en el Festival de cine de Venecia en el año 2000.

Y el tercero fue precisamente y al mismo tiempo director de la película Bernardo Bertolucci, "El último emperador" ("The Last Emperor"-1987). Un oscarizado cineasta también nacido en Parma como su hermano. Estudió en la Universidad de Roma donde se ganó una cierta fama como poeta, y se inició en el cine realizando cortometrajes en 16mm. En 1961 hizo de ayudante de dirección en "Accatone" y un año después se entrenaba como director. El cine de este maestro se caracteriza por su esmerado uso de la cámara y del montaje, y por supuesto del trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas.

  Así pues, el gran Bernardo nos lleva en esta "historia-rio" a la Italia de 1900 (Verdi ha muerto). Y nos mete en las tierras de la familia Berlinghieri donde se produce un doble acontecimiento. ha nacido Alfredo, heredero de las mismas, y minutos antes lo ha hecho Olmo, nieto mayor del campesino Leo Dalco. Los abuelos, amigos-enemigos, lo celebran. Ambos niños crecen juntos, educados cada uno en su mundo. el padre de Alfredo intenta modernizar la agricultura, pero una tormenta destruye las cosechas. Leo Dalco muere sentado en la tierra el abuelo Berlinghieri se suicida en el establo.

  1918, al término de la Primera Guerra Mundial ambos amigos se encuentran y corren algunas aventurillas sexuales juntos. Pero Olmo se casará con una maestra progresista, Anita, Alfredo se enamorará de Ada, una ciudadana librepensadora y fascista. La familia Berlinghieri va cayendo en manos de las decisiones de Attila, un fascista amante de la prima Regina. Tras morir su padre, Alfredo hereda la posesión, se casa con Ada y se deja dominar por Attila. Alfredo, con todo, se niega a abrazarse al fascismo como los restantes propietarios. Los fascistas queman la Casa del pueblo y a todos los ancianos que se hallaban dentro.

  Anita muere a dar a luz a su hija y Olmo debe huir acusado de asesinato del que ha sido autor Attila, quien sube la escala social al apoderarse de la propiedad de la signora Pioppi, a la que ha asesinado. Ada se hunde paulatinamente por los estupefacientes y termina abandonando al débil Alfredo,

  El 25 de abril de 1945 cae la República de Mussolini y, con Olmo al frente, los campesinos invaden el valle, ahuyentan a los fascistas y juzgan a Alfredo y al capataz. La muerte del capataz es sentenciada y Alfredo seguirá vivo. Hasta los 80 años Olmo y Alfredo continuarán su lucha son amigos-enemigos...

  Una obra maestra, si señor. Y en donde el relato digamos que Bertilucci lo divide en cuatro etapas, que tienen lugar en cada una de las cuatro estaciones del año: La infancia de Alfredo y Olmo se presenta en verano, la adolescencia en otoño, la madurez en invierno y la vejez en primavera. Una película pues, que suma drama, historia, romance y guerra.

  Cuenta con escenas de un gran realísmo y, que al mismo tiempo causan una fuerte impresión como por ejemplo: el sacrificio del cerdo, el lanzamiento de excrementos a Attila, la represalia de éste, el acompañamiento al cementerio de los muertos en el incendio de la Casa del Pueblo, el asesinato de un niño, los suicidios, la muerte violenta de un gato, el obrero que se corta una oreja y se la entrega a su patrón, etc.

  Excepcionales escenas filmadas por Vittorio Storaro, "Dick Tracy"-1990. Uno de los más destacados directores del cine moderno nacido en Roma. Sus principios fueron estudiando fotografía a los 11 años, comenzando los estudios formales de cinematografía en la italiana Escuela Nacional de Cine, a los 18 años. Después trabajó como operador de cámara durante algunos años. Su primera película fue en el año 1968. Ha trabajado con muchos directores de cine destacados con Bertolucci ha tenido una larga colaboración. Hoy dia es considerado como un maestro de la dirección de fotografía en el cine.

Y en esta gran epopeya histórica presentándonos una narración visual muy cuidada y atractiva y de gran perfeción tanto en las filmadas en interiores de los estudios Cinecittá de Roma como la de los exteriores la mayoría de ellas rodadas en los alrededores de la ciudad italiana de Parma, lugar de nacimiento de Bertolucci.

  Vibrante y apoteósica la banda sonora creada por Ennio Morricone, "La misión" ("TheMission"-1986). Un mundialmente conocido compositor y director de orquesta nacido en Roma. Un hombre con más de 20 películas galardonadas. Comenzó a tocar la trompeta cuando era un niño y lo estudió en la Academia de Santa Cecilia a la edad de nueve años. Ha recibido dos premios Grammy. dos Globos de Oro, cinco BAFTA y entre otros muchos más el Premio de Musica Polar en 2010, considerado como el Nobel de la música. En 2007 recibió el Oscar honorífico "por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine", además de ser nominado al Oscar en cinco ocasiones. Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.

  Y en este memorable fresco del siglo XX logrando una de las bandas sonoras más bonitas de la historia del cine, haciendo uso de violines, grupos de cuerda y de cuerda de metal, solos de ocarina, voz, coros, etc. . La melodia central tiene formato de himno de exaltación y glorificación. va acompañada de cortes incidentales, que resaltan en centralización y preminencia. Añade el canto "Giovinezza" ("Juventud") que fue el himno del partido fascista de Mussolini entre 1924 y 1943. Fabuloso Morricone. Fabuloso y sin Oscar.

  Como fabuloso es el reparto de actores en esta monumental historia de Italia, encabezado por un francés y un norteamericano: El primero: Gérad Depardieu, "Germinal"-1993, como Olmo Dalco un bracero airado y luchador, con madera de lider que encabeza los movimientos de los trabajadores de la finca en donde trabaja. El segundo: Robert De Niro, " "Taxi Driver"-1976 en el papel de Alfredo un hombre muy rico que lleva una vida despreocupada y relajada hasta que, a la muerte de su padre que se ve obligado a asumir las funciones de patrón.

  Pero en esta historia sobre el comunísmo y fascísmo italiano nos encontramos  nada más ni nada menos que al  magnífico Donald Sutherland, "Space Cowboys"-2000 metido en el sanguinario cuerpo de Attila Mellanchini, el capataz de la finca un hombre que realiza toda clase de abusos e injusticias contra los campesinos como agresiones y arrestos.

  Y que decir de Dominique Sanda, "Una habitación en la ciudad" ("Une chambre en ville"-1982), en el papel de Ada, la mujer de Alfredo, y de Stefanía Sandrelli, "La cena"-1998, en el papel de Anita, la esposa de Olmo, y de la veterana y mítica Alida Valli, "El grito" ("Il grido"-1957) metida en el cuerpo de la signora Pioppi. Y atención a dos monstruos sagrados del cine de Hollywood: Burt Lancaster, Trapecio" ("Trapeze"-1956) y Sterling  Hayden, "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956). El primero como Alfredo Berlinghieri el patriarca de la familia y abuelo de Alfredo, el segundo como Leo Dalco el abuelo de Olmo. Impresionante el elenco interpretativo con el que contó el maestro de Parma.

  En definitiva: Una obra maestra en todos los sentidos. Una película fundamental para comprender la historia de Italia, en el fundamental siglo XX y, que por supuesto supone, todo un homenaje de su director, al  Partido Comunísta de Italia y sobre todo al proletariado de todo el mundo.   Matricula de Honor.

  "Novecento" logró en 1976 el Bodil Awards (Dinamarca) a la Mejor película europea. El premio Sindicato Italiano de Periodístas de Cine. Y el premio Sant Jordi a la mejor interpretación /Robert De Niro).

  Como curiosidad: Su larguísima duración originó que en algunos paises, como Estados Unidos, se montó un largometraje reducido en 195 minutos de duración. en otros, como ocurrió en España, se comercializó a través de las salas de cine mediante dos películas. La duración total de la película en la actuialidad es de 6 horas y 15 minutos, que se rodaron durante once meses. Ahora bien, la versión española, consiste en dos largometrajes que alcanzan las 5 horas y 25 minutos.

07/10/2014 10:44 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Mi desconfiada esposa (Designing Woman-1957)

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        En recuerdo de: Lauren Bacall

  "Mike y yo seguimos juntos, ya no discutimos y cuando lo hacemos solo es por una semana o dos"...

  Logradísima película de género de comedia romántica y basada en un guión del norteamericano nacido en Nueva York, George Wells. "Llévame a ver el partido" ("Take Me Out To the Ball Game"-1949). Un estupendo escritor de comedias y musicales. Hijo del bailarín Billy K.Wells, estudió en la Universidad de su ciudad natal y comenzó como escritor para la radio que le valió para ser contratado por la MGM en 1943. Pronto adquirió una gran reputación por su excelente toque y la inventativa en la comedia ligera y musicales.

  "Mi desconfiada esposa" está dirigida por un hombre considerado el padre de los musicales y nacido en Chicago, me refiero a Vicente Minnelli, "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951). Un cineasta que una vez graduado buscó una oportunidad en el mundo de la farándula y de ahí comenzó en un largo listado de trabajos relacionados todos con el mundo del teatro. Fue asistente de fotografía, ayudante de producción, etc., hasta que llegó a ser director de escenarios en el Radio Music Hall de Nueva York. En 1937 dió su salto definitivo al cine, primero con la Paramount y después con la MGM donde alcanzó la fama mundial.

  Y en esta deliciosa comedia con ritmo de baile, desfile de moda y boxeo nos cuenta una historia tan lograda como romántica. La vida de una pareja tan singular como carismática. El, un periodísta deportivo que conoce en una noche de juerga a Ella, una elegante y sofisticada diseñadora de modas. A pesar de que a la mañana siguiente él no recuerda nada, tropieza con ella otra vez y se enamoran sin remisión. Tras un breve romance terminan contrayendo matrimonio...

  Como digo una elegante y sensacional película puesto que el gran Minnelli era un director que reinó emtre los años cincuenta y sesenta tanto en el musical como en la comedia y por supuesto en el melodrama, gracias a suntuosas películas en color y realizadas en Cinemascope (un sistema que él como sucedió con Otto Preminger, Nicholas Ray o Richard Fleischer), utilizó con gran maestría.

  La película para mi es digamos una inconfesa versión de "La mujer del año" ("Woman of the Year"-1942) dirigida por George Stevens e interpretada por Spencer Tracy y Katharine Hepburn. Allí asistimos al enfrentamiento entre dos periodístas: él de prensa deportiva y ella cronísta social. En esta ocasión él sigue siendo reportero de deportes, pero ella encarna a una figurinísta de modas. Pero en ambos casos, no obstante, se trata de reflejar la batalla de los sexos. Minnelli era un elegantón y esta historia rezuma sofisticación, delicadez y caballerosidad, sin que ello impida poner en la picota hábitos yankis y costumbres conyugales con incisiva fuerza.

  Cuenta con escenas memorables, deliciosa es la escena en que el protagonísta masculino mariposea burlándose del afeminado coreográfo.Escenas pues magníficas, deliciosas y memorables filmadas con la cámara de John  Alton, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958). Un mítico director de fotografía nacido en Hungría, pero con una larga y extensa carrera en Estados Unidos. Sus comienzos fueron allá en 1920 en Los Angeles primero como ayudante de laboratorio y luego como operador de cámara. Fue en 1947 cuando se asoció con el director Anthony Mann y entre los dos realizaron una película de acción titulada "La brigada suicida" ("T-Men"-1947) y los contrató ña MGM.

Y en esta ocurrente como graciosa historia haciendo uso de su buen hacer para mostrarnos unas imágenes en color y Cinemascope la mayoria rodada en los escenarios naturales de Chicago, Boston y Nueva York, asi como en el Bervely Hills Hotel de San Francisco. Y en cuanto a las interiores filmadas en los platós de los estudios MGM de California.

  La banda sonora corrió a cargo de otro grande de Hollywood: André Previn, "Irma la dulce" ("Irma la Douce"-1963). Un oscarizado compositor nacido en Berlín (Alemania) (aunque  como la mayoría nacionalizado estadounidense). En 1938 a la edad de 9 años emigró con su familia a Estados Unidos huyendo del régimen nazi. En 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres. Y en esta comedia que todo el buen aficionado al cine debe de visionar ofreciéndonos una partitura colorísta de tonos ligeros y festivos, que culmina con la canción "Music Is Better Than Words" de Seth MacFarlane y añadiendo la balada "There’Il Be Some Changes Made" con musica de Benton Overstreet y letra de William Blackstone.

  Sensacional el reparto de actores empezando por la magnífica pareja protagonísta. Ella: Lauren Bacall, "El mundo es de las mujeres" ("Womana`s World"-1954) radiante y de una belleza sublime. Y aquí encarnando maravillosamente su papel: el de Marilla una sofisticada diseñadora de modas. El: Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) en el papel de Mike un periodista deportivo y algo juerguista. Soberbios los dos destilando química por todos sus poros.

  Y con ellos unos secundarios que valen su peso en oro y en estado de gracia como por ejemplo: Dolores Gray, "El sexo opuesto" ("The Opposite Sex"-1956) metida en el papel de Lori, una sexy corísta. Y Tom Helmore, "Un hombre en la red" ("The Man in the Net"-1959) como Zachary, el director comercial, pero todas las miradas (aunque no es un galán ni mucho menos) van para Mickey Shaugnessy, "Alaska tierra de oro" ("North to Alaska"-1960) en el descacharrante papel de Maxi, un boxeador sonado y por si fuera poco el tio duerme con los ojos abiertos. Personajes de verdad, descritos de modo soberbio.

  En definitiva: Una película que bajo la batuta del maestro Minnelli sirve para mostrarnos a dos auténticas estrellas (Lauren y Peck) desarrollando una historia de tintes románticos (pero nada empalagosa) que entreteniene de manera excepcional de principio a final con sencillos pero super-efectivos enredos. Una película altamente recomendable.  Sobresaliente.

  "Mi desconfiada esposa" logró el Oscar al Mejor guión original: George Wells.

  Como curiosidad, el guión se escribió pensando en Grace Kelly en la que hubiera sido su última aparición en el cine. El galán iba a ser James Stewart y la modelo bailarina Cyd Charisse. En cuanto a la dirección se le ofrecieron en primera instancia a Joshua Logan.

 

29/09/2014 10:54 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                     Lauren Bacall

                              "La Señora de Bogart"

  El pasado 12 de agosto falleció en su casa de Nueva York como consecuencia de un derrame cerebral la mitica actriz del Hollywood dorado Lauren Bacall.

  El verdadero nombre de Lauren era Betty Joan Weinstein Perske, nació el 16 de septiembre de 1924 (contaba pues 89 años de edad).

  Lauren Bacall inició su carrera en el teatro, y después empezó a trabajar en el cine, llegando a participar en unas cuarenta películas, entre las que hay que destacar los clásicos de cine negro como por ejemplo: "Tener y no tener" ("To Have and Have Not"-1944), "El sueño eterno" ("The Big Sleep"-1946), "La senda tenebrosa" ("Dark Passage"-1947) y "Cayo Largo" ("Key Largo"-1948), asi como otras películas de géneros diversos como: "Cómo casarse con un millonario" ("How to Marry Millonaire"-1953), "Mi desconfiada esposa" ("Desingning Woman"-1957), "Harper, investigador privado" ("Harper"-1966), "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express"-1974) y "El amor tiene dos caras" ("The Mirror Has Two Faces"-1996).

  Sus interpretaciones la hicieron acrededora de múltiple premios, entre ellos un premio del Sindicato de Actores, un Globo de Oro y dos Tony. Por su trayectoria profesional recibió el Oscar honorífico, así como el premio Cecil B.DeMille, el César honorífico y el Premio Donostia.

  Lauren Bacall nació del matrimonio formado por dos emigrantes judios afincados en el Bronk: William Perske (nacido en 1889 como Wulf Perski en Polonia, y fallecido en Estados Unidos en 1982) y Natalie Wenstein-Baccal (nacida en 1901 en Rumanía como Natalie Wenstein, fallecida en Estados Unidos en 1972). Su madre se cambió el apellido primero por Weinstein-Baccal y luego por Bacall. Lauren emplearía el segundo apellido materno. Un detalle singular de la actriz es que era prima hermana de Shimon Peres, el 9º presidente de Israel, ya que el padre de ella y el padre de Shimon eran hermanos.

  A los 15 años ingresó en la American Academy of Dramatic Arts (Academia de Artes Dramáticas). Para costearse sus estudios trabajó como modelo y acomodadora en un cine. En 1941, a los 17 años, apareció en la portada de una prestigiosa revista de moda, "Harper’s Bazar", que fascinó al director Howard Hawks. Este pidió a su secretaria que pidiese referencias sobre la joven modelo, pero por una confusión en la secretaria convocó directamente a Lauren a una cita en Los Angeles. Cuando Hawks la conoció se decepcionó a pesar de su rotunda fotogenia, Lauren era una jovencita más bien tímida, de voz nasal. Debidamente adiestrada, la incipiente actriz dió un tono más grave a su voz, debutó en Broadway en 1942, y dos años después debutó en el cine por todo lo alto: Hawks la incluyó en un elenco junto al consagrado Humphrey Bogart y la catapultó al estrellato.

  La primera película de Bacall se convirtió instantemente en un clásico: fue "Tener y no tener" ("To Have and Have Not"-19444), de Howard Hawks, en la que apareció junto a Humphrey Bogart. De este rodaje se cuenta que en las primeras escenas Bacall estaba tan nerviosa que temblaba y agachaba la cabeza. Su mirada de soslayo, producto de los nervios, terminó convirtiéndose en un signo de personalidad: aumentaba el magnetísmo de su fotogenia y le daba mayor ambigüedad. Lauren Bacall repitió con Bogart en otras tres magistrales películas: "The Big Sleep" ("El sueño eterno"-1946), "Dark Pasage" ("La senda tenebrosa"-1947) y "Kayo Largo" ("Key Largo"-1948.

  Aunque su historial en el cine es relativamente corto, en parte por su criterio colectivo, Lauren Bacall abordó géneros diversos. En 1953 actuó junto Marilyn Monroe y Betty Grable en la comedia "How to Marry a Millonaire" ("Como casarse con un millonario"). Con gran éxito de critica y taquilla. Más tarde protagonizó el melodrama "Written on the Wind" ("Escrito sobre el viento"-1956), junto a Rock Hudson, Dorothy Malone y Robert Stack, bajo la dirección de Douglas Sirk. En el año 1966 colaboró con Paul Newman en "Harper, investigador privado" ("Harper").

  Convertida en una vieja gloria de la época dorada de Hollywood, a partir de la década de 1970 fue espaciando sus trabajos. En 1974 participó en la superproducción de intriga "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express") con Ingrid Bergman y muchas otras estrellas, en 1976 trabajó con John Wayne en la última película de éste: "El último pistolero" ("The Shootist").

  En 1942, hizo su debut en Broadway con "Johnny 2x4" una obra en tres actos de Rowland Brown. En esta interpretó un papel de reparto estando la dirección a cargo de Anthony Brown.

  Los trabajos de Bacall en Broadway incluyeron "Good bye Charlie" en 1959, "Cactus Flower" en 1965 y "Applause" en 1970. Esta última obra era una adaptación de la película "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950), que había protagonizado Bette Davis, quien vió la actuación de Bacall y la elogió diciendo que ella era la única actriz apropiada para tal personaje.

  Ya en 1971 Lauren Bacall protagonizó "Woman of the Year", y en el West End de Londres encabezó en 1985 el cartel de "Dulce pájaro de juventud", famosa obra de Tennesee Williams.

  En 1996 hizo su última intervención teatral con "Waiting the Wings".

  Entre sus trabajos más recientes figuran "Misery"-1990 con James Caan y Kathy Bates (que ganó un Oscar), "Pret-a porter"-1994 de Robert Altman, "Diamonds"-1999, dos películas de Lars von Trier, "Dogville-2003 y "Manderlay"-2005, y otra rodada en Palma de Mallorca, "El celo"-1999 de Antoni Aloy con la participación de Harvey Keitel.

  Lauren Bacall fue nominada al Oscar como Mejor actriz de reparto por su papel en "The Mirror Has Two Faces" ("El amor tiene dos caras"-1996), película dirigida por Barbra Streisand, pero fue derrotada por Juliette Binoche por su papel en "El paciente inglés" ("The English Patient"). Finalmente fue premiada con un Oscar honorífico a su carrera en 2009.

  Lauren Bacall se casó con Humphrey Bogart, ya divorciado y de 45 años de edad en 1945, teniendo Lauren apenas 20 años, y siguió a su lado hasta la muerte del actor en 1957. La relación comenzó entre bambalinas, estableciéndose una gran afinidad entre ambos actores y 18 meses después ya eran esposos. De la unión con Bogart nacieron dos hijos: el productor de noticias Stephen Bogart y Leslie Bogart.

  Su segundo esposo fue también el actor Jason Robards Jr. (desde 1961 hasta su divorcio en 1969). Se divorció ocho años después debido a problemas de alcoholísmo por parte del actor. De esta unión nació un varón, quien sería el actor Sam Robards.

  Y la mañana del 12 de agosto de 2014, falleció como consecuencia de un derrame cerebral.

  Betty Joan Weinstein Perske (Lauren Bacall) - Nueva York - 16 - septiembre - 1924 - Nueva York - 12 - agosto - 2014

                                           ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

 

20/09/2014 10:33 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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