Bienvenido a Pablo Cine

  "El verdadero amor no es aquel que complace a la mirada, sino aquel que a pesar de las faltas, sigue latiendo en nuestro corazón"...

  Muy entretenida película de género dramático-romántico y basada en un guión bastante atractivo del estadounidense nacido en Illinios, Raynold Gideon "Cuenta conmigo" ("Stand by Me") y por el también norteamericano, este nacido en Long Beach, Bruce A. Evans "Un hombre, una mujer y un banco" ("A Very Big Withdrawal") dos guionístas y productores que se unieron en 1979 hasta que en el 2007 pusieron punto y final a su "matrimonio" cinematográfico con la película "Mr. Brooks" protagonizada por Kevin Costner.

  "Hecho en el cielo" la dirige el irregular, (aunque aquí logró hacer una de sus más bonitas y sentimentales historias de amor) Alan Rudolph "Pensamientos mortales" ("Mortal Thoughts"), un cineasta nacido en Los Angeles cuyas historias tienden a centrarse en personajes solitarios y excéntricos, y en las complicadas relaciones que mantienen con los demás. Se da la circunstancia que la mayoría de sus películas están escritas también por él mismo.

  La historia nos mete de lleno en el alma (no en el cuerpo) de un joven que muere por salvar la vida de una madre y de sus hijos, este va al Cielo y allí se enamora de una chica muy guapa. Pero cuando se reeencarnan y vuelven a la Tierra ya en (cuerpo y alma), les dan treinta años para encontrarse...

  Bonita película, si señor, bonita y muy entretenida, una película para mi quizá algo desconocida para muchos y en donde Rudoph nos cuenta muy bien lo que hay en la vida después de la muerte, lo que hay en el cielo y sobre todo en  la continuedad de esa vida es decir en la reencarnación en otro cuerpo. Es una película de historia rápida y directa. Cuenta con excelentes escenas, la mayoría plagadas de romanticísmo, cosa que por lo cual mantienen en vilo al espectador, y con un idílico cielo como parte de los escenarios de la trama.

  Escenarios realizados por una váliosa fotografía en color a cargo del canadiense Jan Kiesser "El Doctor T y las mujeres" ("Dr. T and the Women"), un afamado director fotográfico que a los cinco años se trasladó con sus padres a Los Angeles donde llegó a graduarse en la Universidad de California en dicha ciudad (UCLA), cuenta en su haber con tres premios Genie y un Emmy, y con más de cien trabajos tanto en el cine como en la televisión. Y en esta historia celestial demostrando su pericia, para mostrarnos unas bellísimas imágenes tando de exteriores como de interiores.

  Contiene una buena banda sonora del neoyorkino Mark Isham, "En el valle de Elah" (In the valley of Elah") un estupendo compositor ganador de un Emmy, y aquí utilizando un instrumento nuevo en la orquesta, para reproducir unos sonidos nunca oidos en bandas sonoras tradicionales, haciendo pués un efecto idóneo para esta historia poética con toques de ciencia-ficción, y atención al temazo del canadiense Neil Young "We Never Danced", una auténtica gozada.

  Como una gozada es también ver a la jovencísima por aquel entonces pareja protagonísta, el chico es Timothy Hutton "La caja Kovak" ("The Kovack box"), dando vida (y muerte) a Mike ese joven que pierde la vida tragicamente en un acto de buena fe, y como consecuencia de ello va al cielo y allí, conocerá a la chica, una preciosa chica llamada Annie, Kelly McGillis "Único testigo" ("Witness") de la cual se enamora y con la que hará una nueva vida en el cielo. Estupendos los dos, compenetrándose muy bien en sus respectivos papeles, cosa que por lo cual hace mucho más creible esta romántica historia. Ambos rodeados de un buen plantel de famosos secundarios, en donde tengo que destacar a Maureen Stapleton "Adictos al amor" ("Addicted to Love")  y a Don Murray "Un sombrero lleno de lluvia" ("A Hatful of Rain").

  En definitiva, una muy entretenida y bonita como digo al principio historia, que creo encantará a aquellos que gusten el cine romántico y de temas esotéricos, reencarnación y vidas pasadas.  Notable.

  A modo de curiosidad, hace unos años Kelly McGilles se confesó lesbiana, saliendo así del armario y cortándose la melena. Pienso que quizá por este motivo la actriz no terminó de triunfar del todo en este tipo de películas.

  "La gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir".

  Estupenda y a la vez muy interesante drama pasional y en donde se  combina el romance con el adulterio, y basada en una novela de Josephine Hurt, una escritora inglesa de origen irlandés nacida en Mullinger (Condado de Westmeath) y, co-fundadora de la Gallery Poest End Puetry Huur y del West End de Poesia, y entre sus libros más conocidos se encuentra además de "Damage" "Las raices del amor" ("The Routs of Love").

  "Herida" cuenta con un guión del dramaturgo y director de teatro y cine inglés David Hare "Las horas" ("The Hours"), un polifacético cineasta nacido en Sussex, fundador en 1982 de una compañía de cine llamada Cine Greenpoint y con un Premio BAFTA en su haber.

  La historia nos la relata de forma magistral Louis Malle "Atlantic City", un extraordinario director de cine francés nacido en Thumeries, con varias obras maestras en su extensa filmografía y, aunque en su época se desarrolló el célebre movimiento de la Nouvelle vague, este nunca perteneció, puesto que según el, quiso desarrollar su propio camino en paralelo, solo y con sus propias motivaciones. Y aquí en esta historia dramático-erótica nos mete de pleno en una peligrosa aventura de amor y sexo, en la que viven un hombre ya en edad madura y la joven prometida de su hijo. El es un miembro del Parlamento que, muy enamorado quiere dejarlo todo por ella, pero la chica no piensa igual y prefiere casarse con su hijo...

  Buenísima película, si señor, y en donde Louis Malle nos narra este apasionante romance de forma impresionante, puesto que la historia rezuma un tórrido erotísmo y una sensualidad sumamente desbordante. Una historia que de verdad nos demuestra cuán irracionales somos los seres humanos, cuando somos vencidos por el instinto carnal. Una historia sugerente y excitante, que algunos pueden pensar que esta trama puede resultar increible (que un padre abandone a su esposa y renuncie a su flamante carrera política, porque se ha enamorado de la prometida de su hijo y que esta se preste a hacer el amor con él), pienso que quizá lleven razón, pero la película es más que interesante, ya que explora con mucha autenticidad las relaciones humanas llevadas hasta más allá del límite. Y digo de verdad, que no necesitamos que el cine sea creible o no, para aproximarnos a la realidad. Cuenta con escenas sublimes y escabrosas a la vez, pero yo destacaría cuando el hijo descubre a su padre y a su novia haciendo el amor, y este impresionado, cae por el hueco de la escalera y se mata. Estremecedora y escalofriante escena, de verdad lo digo.

  Muy atractiva la banda sonora del polaco Zbigniew Preisner "Cuando un hombre ama a una mujer" ("When a Man Loves a Woman"), uno de los compositores más destacados de su generación y en esta estupenda historia, haciéndonos disfrutar de una música con aire clasicísta y con acordes pausados y profundos. El tema principal se inicia con un solo de piano, pasando luego a cuerdas y acabando con guitarras, excelente Preisner y ganándose un elogio internacional.

  Cómo igual de excelente para que no falte de nada la fotografía en color, supervisada por el cineasta británico nacido en Gales, Peter Biziou "En el nombre del padre" " ("In the Name of the Father"), y en donde nos ofrece unas imágenes con colores matizados, además de usar unos encuadres muy equilibrados con unos suaves movimientos de cámara. La escena de la escalera es todo un prodigio de encuadre singular, muy bien Biziou demostrando que el Oscar ganado por "Arde Mississippi" ("Mississippi Burning") no fue una casualidad.

  Magnífico el reparto de actores, encabezado por Jeremy Irons "La misión" ("The Mission") que se atrevió a desnudarse para meterse en el papel de Stephen Fleming, un alto cargo ministerial que durante una aburrida fiesta en una embajada, conoce a una joven experta en arte y, que se presenta como la nueva novia de su hijo, pero poco a poco las relaciones entre ambos se van haciendo más fuertes. La joven es Juliette Binoche "La huella del silencio" ("Bee Season") haciendo aquí su debut en Hollywood, y dando vida a Anna Barton, una mujer que intercambia su vida al conocer a un hombre mucho mayor que ella y padre de su prometido, y que no entiende muy bien, como puede pretender mantener relaciones con un padre y un hijo al mismo tiempo. Impresionantes los dos, derrochándo química por todos sus poros.

  Muy bien los secundarios de auténtico lujo ella, Miranda Richardson "Juego de lágrimas" ("The Crying Game"), como Ingrid Fleming la esposa de Stephen, él es, Rupert Graves "Un funeral de muerte" ("Death at a Funeral") metido hasta la muerte en el cuerpo de Martyn Fleming el hijo de ambos. Y atención a los nostálgicos, porque hace una breve aparición como la madre de Anna, Leslie Caron, si amigos la inolvidable "Lili".

  En definitiva, penúltima película del maestro francés Louis Malle, la última fue "Vania en la calle 42" ("Vanya 42and Street") dos años después, y en donde consiguió plasmar de forma magnífica todo un drama pasional, y el cual le brindó la oportunidad de explorar uno de sus temas preferidos, sexo, amor y pasión. Una película tan fácil de ver, como dificil de olvidar.  Sobresaliente.

  Miranda Richardson estuvo nominada como Mejor Actriz Secundaria, la estatuilla fue para Marisa Tomei por "Mi primo Vinny" ("Cousin Vinny").

                En recuerdo de: Ken Russell

  ¿Cuantas de ustedes habrán dicho alguna vez..."si estas paredes pudieran hablar..."?

    Bella y sensual película de género dramático basada en una novela del escritor inglés D. H. Lawrence (David Herbert Richards Lawrence) "La zorra" ("The Fox"), un hombre donde en su literatura expone una extensa reflexión acerca de los efectos deshumanizadores de la modernidad y la industrialización, abordando también en sus novelas cuestiones relacionadas con la sexualidad y el instinto humano.

      El guión corrió a cargo del escritor productor y activísta gay Larry Kramer "Horizontes perdidos" (Lost Horizon" - 1973), cineasta nacido en Bridgeport (Estados Unidos) licenciado en la Universidad de Yale y nombrado ayudante del presidente de la United Artist en 1965, cuando apenas tenía treinta años de edad. "Mujeres enamoradas" está dirigida por Ken Russell "La guarida del gusano" ("The Lair of the White Worm") y en donde nos cuenta una historia, pero no una historia cualquiera ni mucho menos, es una historia de amor, de amor sensual, romántico y atractivo. Es la historia de dos hermanas, una maestra la otra escritora, dos hermanas con caracteres opuestos allá al principio del siglo XIX, y en donde establecen unas relaciones amorosas con dos hombres, pero estos a la vez mantienen una extraña relación de amor-amistad, la historia pues entre estos cuatro personajes acabará en un inesperado desenlace...

    Bella y sensual película como digo al principio, una película muy bien realizada, pienso que quizá sea lo mejor de Russell o al menos la que tuvo más repercusión de cara al público. Una película valiente de las que te enganchan de principio a final, a pesar de su larga duración (130 minutos), puesto que te sumerge con un cierto aire hipnótico en una trama donde te explica de forma magistral las emociones y la filosofía sobre el amor de todos sus personajes, destilando al mismo tiempo una fatalidad, denuncia y provocación sumamente arrolladora. Contiene escenas mágníficas y poderosas que, pienso marcaron seguramente la diferencia en la cinematografía de por aquel entonces, e incluso en los tiempos de hoy. Magistral Russell, si señor.

    Como magistrales están sus cuatro protagonístas principales, encabezados por Glenda Jackson "El retorno del soldado" ("The Return of the Soldier" como Gudrun Brangwen, una mujer fria y calculadora, cautivadora y provocativa, pero sobre todo bella muy bella y rotunda. Muy pegado a ella Oliver Reed "Gladiator", metido en el personaje de Gerald Crich, un apuesto joven heredero de una gran fortuna y practicamente dueño y señor del negocio familiar. Y discutiendo con él tanto en lo divino como en lo humano Alan Bates "El hombre de Kiev" (The Fixer") dando vida a Rupert Birkin un personaje inconformísta, intelectual, rebelde, pero encantador en sus modales. Forma el cuarteto amoroso Jennie Linden "El abísmo del miedo" ("Nightmare") interpretando a Ursula Brangwen, hermana de Gudrun y enamorada de Rupert, aunque este mantiene relaciones con una joven perteneciente a la aristocracia. Soberbios y en estado de gracia los cuatro protagonístas.

     Extraordinaria la fotografía en color supervisada bajo las órdenes de Billy Williams "La sombra del lobo ("Shadow of the Wolf") un consumado cineasta nacido en Londres, y en donde sus comienzos fueron para la publicidad y fue allí donde entró en contacto con varios jóvenes directores entre los que se encontraban Ken Russell y John Schlesinger, en el 2009 fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico. Y aquí ofreciéndonos unas espléndidas imágenes tanto de exteriores como de interiores, la escena fotografiada entre Bates y Reed luchando ambos desnudos a la luz del fuego es antológica.

    Muy buena la banda sonora dirigida por el francés nacido en Roubaix Georges Delerue "Platton", un compositor que estudió en el conservatorio de Paris, y posteriormente entró en contacto con la nouvelle vague, convirtiéndose en uno de los músicos preferidos del director Françoise Truffaut, y en estas enamoradas mujers ofreciéndonos unas partituras llenas de poder y pasión.

    En definitiva, una apasionante película, llena de valentía y provocación, con una depurada puesta en escena, y, que a pesar del tiempo transcurrido hoy sigue siendo igual de provocadora que el dia de su estreno.   Sobresaliente.

     Glenda Jackson logró el Oscar a la Mejor Acrtiz, y la película obtuvo tres nominaciones: Director, Guión Adaptado (Larry Kramer) y Fotografía (Georges Delerue).

      A modo de curiosidad Glenda Jackson no estuvo presente en la entrega de los Oscar. La actriz que siempre se había declarado admiradora de Bette Davis y Joan Crawford, recibiría la felicitación de ambas estrellas.

                           Ken Russell

                      Visionario y atrevido

  El pasado 27 de noviembre fallecía a la edad de 84 años el siempre polémico y controvertido director británico Ken Russell. Un hombre cuya filmografía se caracterizó por una valentia y una revolucionaria visión en el tratamiento de temas tabú, como la sexualidad y la religión.

  Ken Russell cuyo verdadero nombre era Henry Kenneth Alfred Russell nació el 3 de julio de 1927 en Hampshire (Inglaterra). Después de pasar una temporada enrolado en la Marina, desempeñó los más diversos oficios: piloto, pintor, músico, bailarín, antes de llegar al cine, primero como actor y luego como fotográfo.

  Después de rodar algunos cortometrajes amateurs, es contratado por la cadena de televisión BBC y por fin tiene éxito con una larga serie de espectaculares biografías, entre las que destacan "Elgar (1962), "The Debussy Film" (1965), "The Bigger Dance in the World" (1966), "Dante’s Inferno" (1967) y "Song of Summer" (1968). Entre las que hace sus primeras películas: "French Dressing" (1964), una fallida comedia, y "Un cerebro de un billón de dólares" ("Billion Dollar Bran", 1967), última entrega de la serie protagonizada por el ex espia Harry Palmer y basada en novelas de Len Deighton.

  El éxito de "Mujeres enamoradas" ("Women in Love", 1969), personal adaptación de una novela de D. H. Lawrence, le permite volver con más medios e imaginación a sus enloquecidas biografías de artistas: Tekai Kouski en "La pasión de vivir" ("The Music Lovers", 1970), Henri Gaudier y Sophie Brzeska en "El mesias salvaje" ("Savaje Messiah", 1972), Gustav Mahler en "Una sombra en el pasado" ("Mahler", 1974), Franz Liszt en "Lisztomanía", 1975) y Rodolfo Valentino en "Valentino" (1977).

  Convertido en un director de moda, también rueda "Los demonios" ("The Devils", 1971), escandalosa versión de la novela anticlerical de Alduus Huxley, "El novio" ("The Buy Friend", 1971), un musical homenaje al coreógrafo Busby Berkeley, que es su mejor trabajo, y "Tommy" (1975), adaptación de la ópera-rock de Peter Townsend y The Who, con lo que crea la estética del video-clip.

  Su decadencia comienza en la década de los ochenta con el fracaso de "Viaje alucinante al fondo de la mente" ("Alfred States", 1980), historia de ciencia-ficción comenzada a rodar por el guionísta y autor de la novela Paddy Chayefsky, continuada por Arthur Penn y finalizada y firmada por él, "La pasión de China Blue" ("Crime’s of Passion", 1984), desafortunada mezcla de sexo y muerte con estructura policiaca, y "Guthic" (1986), sobre la famosa reunión entre lord Byron, Mary Shelley y Polidori que dió origen a la novela "Frankenstein".

  Entre sus últimas y decepcionantes producciones sólo se pueden citar "Salome’s Last Dance"(1988), sobre la asistencia del escritor Oscar Wilde al estreno londinense de la ópera "Salomé", de Richard Strauus, "The Rainbuw" "El arco iris, 1989), adaptación de la novela de D. H. Lawrence, "Puta" ("Whore", 1991), versión del monólogo teatral de David Ribes al servicio de la actriz Theresa Russell, y "Prisionero del honor" ("Prisioner of Honor", 1991), sobre el famoso caso Dreyfus y su época. Su último trabajo fue en el año 2006 con la película "La casa del terror" ("Trapped Ashes") un fallido divertimento terrorífico creado por Denis Bartok y en donde se narran varias historias, cada una contada por diferentes directores. Y el dia 27 de noviembre terminó la trayectoria desigual de un cineasta tan atrevido como controvertido, que hizo del exceso virtud, y abrió nuevas vias en el cine musical.

  "Su aportación a la televisión y al cine en este pais es absolutamente única"

                      ( Michael Winner realizador británico )

  Ken Russell, Hampshire (Inglaterra) - 3 - julio - 1927 - Hampshire (Inglaterra) - 27 - noviembre - 2011

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

  ¿Cómo vas a volver a bucear con una sola pierna?

   Cuando no sabía leer aprendí a hacerlo...

  Entretenida película de acción, con toques militares dramáticos y racistas a la vez y, basada en hechos reales.

  "Hombres de honor" está inspirada en la vida de Carl Brashear un hombre nacido en Kentucky, que luego sería el primer buzo negro de la marina de los Estados Unidos. Cuenta con un guión del californiano Scott Marshall Smith "Un golpe maestro" ("The Score"), un escritor graduado en la Universidad de Nueva York, que durante seis años ocupó la dirección del Marketing de Panavisión de Hollywood.

  La historia nos la relata George Tillman Jr. "Notorius", un notable director y productor nacido en Wisconsin y graduado en el Columbia College de Chicago donde se especializó en Cine y Video. La película pues se centra, como digo, en la vida de Carl Brashear un marino de color al que no deja que nada ni nadie se interponga en su camino, para lograr sus deseados sueños, pero se encontrará con muchos impedimentos, cosa que por lo cual y como bien prometió a su padre luchará por no terminar igual que él: trabajando el resto de su vida en una granja, y por tanto tendrá una batalla particular para conseguir ser el mejor de todos...

  Entretenida película, aunque hay que reconocer que es la típica historia americana de héroes haciendo hasta lo imposible con tal de conseguir sus propósitos, y por supuesto que al final logrará conseguirlos. Pero ya por el simple hecho de ser una historia biográfica, es para mi, un buen motivo de conocer la vida real de este personaje, el que su única obsesión es lograr el título de buzo de la marina estadounidense.

  Una historia que de verdad sosprende y emociona al mismo tiempo. Cuenta con escenas tanto emotivas como impactantes, y en donde cabe destacar la del final donde Carl debe de andar los doce pasos reglamentarios, para lograr su ansiado sueño, una escena de verdad impresionante y de una gran calidad humana. Y que decir de sus sólidos diálogos: "la diferencia entre yo y el predicador es que el predicador trabaja para Dios... y yo soy Dios"...

  Estupenda la fotografía a todo color, creada por el londinense Anthony B. Richmond "Siempre a tu lado" ("Someone Like You") un especialísta en películas de corte romántico, pero que aquí dió un giro a su carrera como director de fotografía, para crear unas imágenes sumamente excepcionales, la mayoría rodadas en escenarios naturales, concretamente en la Escuela Naval de Bayonne en Nueva Jersey.

  Bien como siempre la banda sonora del neoyorkino Mark Isham "La dalia negra" ("The Black Dahlia") un estupendo compositor ganador de un Premio Emmy y de un Premio Grammy y, aquí aplicándonos unos temas de corte épico, pero que prosigue con melodias dramáticas de lento desarrollo y aire militar, demostrando ser una vez más uno de los compositores más importantes hoy en dia de Hollywood.

  Sensacional el mano a mano entre el duo protagonísta: uno, Robert De Niro "Todos están bien" ("Everybudy’s Fine") metido en el uniforme de Billy Sunday, un oficial instructor, un hombre amargado, alcohólico y racísta, aunque luego al final y a pesar de su rudeza y complicidad apoyará a su mejor buzo para que consiga lo que siempre ha deseado, hacerse un lugar en la armada americana. El otro: Cuba Goodin Jr. "Marcados para morir" ("The Hit List") que está perfecto en el papel de Carl Brashear, un chico desconocido, humilde, pero de un gran tesón, porque tan pronto cumple la edad necesaria, se alista en la marina, pero por ser negro le relegan a la cocina, y más tarde demostrará que sirve para buscar nuevos y mejores horizontes.

  Muy bien los secundarios encabezado por la siempre bella y magnífica Charlize Theron "Hancock", como la perfecta esposa de Billy, una mujer firme y vulnerable pero sumamente explosiva, y por la aqui debutante Aunjanue Ellis "La víctima perfecta" ("The Resident") en el papel de Jo, la esposa de Carl, sin olvidarnos ni mucho menos del televisivo David Keith "Golpe a traición" ("One Last Score") y aqui haciendo de ese capitán comprensivo llamado Hartigan. Pero atención también a Carl Lumbly "Sólo un sueño" ("Just a Dream") el padre de Carl, en un brevísimo papel y muy poco diálogo pero con este sirve: "no vuelvas en mucho tiempo".

  En definitiva, no nos encontramos ante una obra maestra ni mucho menos, pero si ante una película donde se combina el estilo biográfico con la intriga militar, tocando todas las bases necesarias para ambos géneros. Tal vez no haya nada nuevo, pero la película para mi, resulta satisfactoria.   Notable.

  Como curiosidad Cuba Gooding Jr. no sólo debió aprender a utilizar un traje de casi 90 kilos de peso, si no que también necesitó aprender a manejar una prótesis especial creada por Susan Zwerman "Alarma nuclear" ("Broken Arrow").

    La aventura colonial se tiñó de acción y comedia con tres sargentos y un aguador hindú...

  Todo un clásico del cine de aventuras y probablemente una de las más famosas historias que Hollywood produjo en los años treinta alabando a los ingleses en trance de cargar con la responsabilidad del hombre blanco.

  La película está inspirada en un relato del escritor y poeta británico aunque nacido en Bombay, Rudyard Kipling, "Capitanes intrépidos" ("Captains Courageours") un hombre al que se le recuerda por ser el autor de cuentos infantiles y sobre todo por sus poemas sobre los soldados británicos en la India.

  La dirección corrió a cargo de George Stevens, "Raices profundas" ("Shane") un estupendo y consumado cineasta nacido en California, y en donde irrumpió en el mundo del cine como cámara trabajando en cortometrajes de Stan Laurel y Oliver Hardy (el gordo y el flaco). Y en donde llegó a conseguir a lo largo de su exitosa carrera como director dos Oscar y haber estado nominado en doce ocasiones.

  La historia que nos cuenta Stevens nos hace de trasladarnos a la India y nos mete en el traje de tres sargentos británicos de los lanceros imperiales, amigos inseparables, pero parece ser que el trio está a punto de desaparecer, ya que uno de sus componentes se dispone a casarse, lo cual es un destino peor que la muerte. Pero, afortunadamente, no tarda en surgir una terrible amenaza... y aqui comienza esta extraordinaria aventura.

  Nos encontramos pues, ante una estupenda película de acción, aventuras y amorios, y además con una trama más que interesante y en donde el gran George Stevens no escatimó en nada, ya que contó con un enorme presupuesto, dos millones de dólares de aquella época en la que se filmó. Cuenta como es de suponer con escenas sensacionales tanto de batallas como de humor, la del pozo de las serpientes fue incluso retomada por Steven Spielberg en su famosa "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raidersuf the Lust Ark") y hasta incluso Blake Edwards hizo una parodia, quizá en una de las escenas más culminantes de la película, en su divertida "El guateque" ("The Party") y es en la que el aguador herido de muerte, sube a lo alto de la torre para tocar por primera y última vez la trompeta y así avisar al ejército inglés. Y atención a los descacharrantes diálogos de estos tres militares inseparables: "Te voy a sacar el tuétano si no llenas de agua ahora mismo mi casco"...la verdad es que, este aguador llevaba el agua por largo que fuese el dia, porque no parecía conocer nunca el miedo.

  Muy bonita la fotografía en blanco y negro llevada bajo la dirección de Joseph H. August "Esmeralda la zíngara" ("The Hunchback of Notre Dame") un aclamado maestro fotográfico nacido en Colorado, co-fundador de la Sociedad Americana Cinematográfica y con dos nominaciones en su haber, la última a titulo póstumo por "Jennie" ("Portrait of Jennie) ya que falleció poco después de terminar su rodaje. Y en esta clásica historia de aventuras deleitándonos con unas asombrosas fotografías, la mayoría tomadas en escenarios naturales.

  Muy amena a la vez que muy bien ambientada la banda sonora, creada por un compositor que vió la luz en Connecticut y que no necesita presentación alguna, ya que es uno de los más importantes musicos de la historia del cine en Estados Unidos, hablo de Alfred Newman "Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") teniendo en su curriculum cuarenta y cinco nominaciones (si amigos habeis leido bien 45) un récord solamente compartido con John Williams y habiéndolos ganado en nueve ocasiones. Y aquí como digo al principio regalándonos un trabajo impecable.

  Pero la película no es solamente su espectacular fotografía y su excepcional musica, la película es también. Cary Grant, "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest"), Victor McLaglen, "El delator" ("The Informer") y Douglas Fairbanks Jr, "La conquista de un reino" ("The Exile") ambos dando vida a los sargentos Archibald Cutter, Mac MacChasney y Thomas Ballantine, esos tres inseparables camaradas que deberán cumplir una misión, la de desbaratar una rebelión impulsada por una peligrosa secta religiosa: los adoradores de la diosa Kali. Excelentes y sobrados los tres, y cada uno en sus respectivos puestos de combate. Pero además de estos tres colegas  del imperio nos encontramos a la bellísima (aunque sale muy poco) Joan Fontaine, si amigos, esa misma que todos estais pensando la inolvidable "Rebeca" de Alfred Hitchcock.

  Pero más de uno se preguntrán, ¿pero quies es Gunga Din?. Pues resulta que es Sam Jaffe "Los cañones de San Sebastián" ("La bataille de San Sebastian"), si señor, este es el personaje que da titulo a la película, un pequeño pero gran personaje un aguador hindú para más señas, cuyo mayor deseo es convertirse en un estupendo soldado, y gracias a él y surgiendo de entre los muertos toca una corneta por primera y última vez para avisar a las tropas británicas que les van a tender una emboscada. Este es "Gunga Din".   

  En definitiva, todo un clásico del cine de aventuras de los años treinta, y todo un espectáculo visual tanto por su acción, como por su comicidad. Pero sobre todo porque es una película de auténtica camaradería.    Sobresaliente.

  "Gunga Din" estuvo nominada al Oscar por su Mejor fotografía.

  "¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo."

  Como "Casablanca", "Gilda" fue una obra magistral que surgió de la improvisación. El estudio Columbia había comprado los derechos de una historia de E. A. Ellington que sirvió de base a la película. Pero cuando Charles Vidor comenzó a rodar, el guión no estaba ni siquiera terminado. Tanto el cineasta como el ya veterano deirector de fotografía Rudolph Maté tuvieron que improvisar muchas escenas, mientras varios guionístas intentaban escribir al menos dos páginas de guión al dia. Rita Hayworth se hizo con el papel principal sin llegar a imaginarse que sería el personaje que marcaría el resto de su carrera. La acompañaron dos actores no excesivamente populares, Glenn Ford y George MacReady. Y, aunque la acción de la historia se desarrollaba en Buenos Aires, ellos no salieron de los estudios de Columbia. el trabajo fue relativamente sencillo, aunque existieron pequeños incidentes.

  Rita, que ya estaba separada de Orson Welles, comenzó un apasionado romance con Glenn Ford. El dueño y señor del estudio, Harry Cohn, comenzó a sospechar que ocurría algo entre ellos y ordenó instalar en sus camerinos micrófonos ocultos para averiguar si aprovechaban los descansos del rodaje para mantener relaciones sexuales. El coreógrafo Jack Cole se encargó de preparar las sensuales actuaciones de Rita Hayworth, mientras que la cantante Anita Ellis le dobló la voz. En estas escenas, así como a lo largo de toda la película, Charles Vidor creó unas imágenes de un erotísmo, tan elegante como turbador, que no tardaría en crear un auténtico escándalo en casi todo el mundo. "Nunca hubo una mujer como Gilda" fue la frase comercial que se empleó para lanzar la película. El éxito fue espectacular. El mismo Cohn se quedó perplejo del buen resultado de la película. Con "Gilda" ocurrió algo poco común y es que se convirtió en un auténtico fenómeno social, hasta el punto que se montó una expedición a los Andes para enterrar en la cumbre una copia del largometraje con la intención de que sobreviviese en caso de una guerra atómica.

  Los temas musicales interpretados en "Gilda" (el sugerente "Put the Blame on Mame" y "Amado mio"), pasaron a ser éxitos indispensables en cualquier sala de fiestas que se preciase. No cabe duda de que el máximo gancho de la película fue Rita Hayworth, fotografiada más hermosa que nunca por Maté. La secuencia en la que se quita el guante y la posterior bofetada pasaron a convertirse en dos de los momentos clásicos de la historia del cine. En su época resultaron tremendamente provocativos y pusieron los pelos de punta a los sectores más conservadores de la sociedad. En España el "fenómeno" Gilda dividió de nuevo al pais. Por un lado, ciertos espectadores disfrutaban incrédulos ante la hermosura de aquella mujer, poco acostumbrados a tener oportunidades de ese tipo por la "cruzada moral" del régimen franquísta; por otro, los más conservadores se rasgaban las vestiduras ante tal "indecencia", llegando en algunos casos a acusar de "pecadores" a los que asistían a la proyección e incluso a apedrear las salas que la exhibían. El escándalo fue de tal dimensión que hasta propició el nacimiento de la Oficina nacional clasificadora de espectáculos, encargada de velar por el cumplimiento de los dictados católicos y patrióticos. El impacto que la obra de Vidor tuvo sobre la sociedad española quedó reflejado en la película de Francisco Regueiro "Madregilda".

Yo bailaba en Nueva York

¿Y tu novio también es de...?

¡Ese no es mi novio!

Pues la expresión de su cara dice que le gustaría serlo.

  Gilda: Tú me odias, ¿verdad?

   Johnny: No tienes idea hasta que punto.

   Gilda: El odio es una emoción muy intensa, ¿no lo has notado?. Muy intensa.

   Yo también te odio. De tal modo...que creo que voy a morir, cariño. Creo que voy a morir de odio.

  Mítica película de género negro y en donde un guante, una canción y sobre todo un bofetón, hicieron de ella todo un icono del cine universal.

  "Gilda" cuenta con un guión del norteamericano Marion Parsonnet "Odio y orgullo" ("My Forbidden Past") un escritor nacido en Nueva Jersey con muy pocas películas en su historial, puesto que donde más destacó fue en la televisión teniendo en su haber varios episodios de la multifamosa serie "Bonanza".

  El encargado de dirigir la historia fue Charles Vidor "El cisne" ("The Swan"), un director con una carrera irregular, nacido en Budapest y que al igual que algunos de sus colegas como Michael Curtiz y Alexander Korda formaron una nutrida comunidad húngara en Hollywod en la década de los años veinte.

  Asi pues, Vidor nos cuenta una historia magistral, una historia que surgió según dicen de la improvisación, pero que se conviertió en una película imprescindible. La acción nos lleva a Argentina, concretamente a Buenos Aires a finales de la II Guerra Mundial, para meternos de lleno en las conflictivas relaciones entre el propietario de un lujoso casino que sirve de tapadera a las actividades de un grupo nazi, su atractiva mujer, y su antiguo amante y al mismo tiempo el nuevo empleado del casino...

  Magistral película, si señor, y todo un icono del cine negro americano. Una película que ya forma parte por derecho propio de estar en la galería de obras maestras. Cuenta con escenas sublimes y jamás olvidadas por cualquier buen aficionado al cine, la famosa escena de la bofetada, el "striptease" de la protagonísta femenina, escenas de por si, escritas con letras de oro en las enciclopedias del cine mundial. Y que diálogos ¡vive Dios!. "Si fuera un rancho me llamaría Tierra de Nadie". "Las estadísticas demuestran que hay más mujeres en el mundo que cualquier otra...cosa". Diálogos de acero puro, diálogos para la historia.

  Como historia hicieron sus dos protagonístas principales: Rita Hayworth "Salomé" y Glenn Ford "Los cuatro jinetes del Apocalípsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse". Rita es Gilda, y Rita es sin duda la película, donde interpretó un personaje maravilloso, un personaje que le marcó de por vida. Nunca hubo ni habrá otra mujer en el cine como ella, porque está inmensa, y de una belleza extraordinaria. Creando un personaje de gran carácter, haciendo y deshaciendo todo a su antojo. Tiene lo que quiere en cada momento, y lo que es más, no parece tener remordimiento alguno a su mala conciencia. Un personaje de verdad dificil de asimilar, porque amigos mios, yo creo que Dios fué el que creó a Gilda.

  Gleen es Johnny Farrell, un tipo duro y apostador que parece incómodo bajo su traje, un aventurero en suma que toda su vida la ha dedicado a hacer trampas en el juego, y al final logra convertirse en el director de un casino de Buenos Aires, pero eso si, siempre vigilado por un tercer personaje. Este es George MacReady "Senderos de gloria" ("Paths of Glory") como Ballin Mundson el marido de Gilda y el dueño del casino, todo un cerebro de rostro impenetrable que lleva un bastón con estilete, y al que le gusta espiar a sus clientes y socios desde una habitación en la sala de apuestas. Los tres formando un triángulo amoroso haciendo avanzar aún más la trama.

  Una extraordinaria trama fotografiada magistralmente en blanco y negro por Rudolph Maté "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"), un reconocido director de cine y fotografía nacido en Hungría, y en donde desarrolló una cómoda andadura dentro del cine norteamericano a partir de la segunda mitad de la década de los años cuarenta. Con cerca de una treintena de títulos, y en esta soberbia historia creando unos fotogramas de verdadero maestro, porque será muy difícil que nadie pueda hacer un trabajo fotográfico tan asombroso con una actriz, como lo hizo este cineasta, plasmando las imágenes con una belleza tan excepcional como arrasadora.

  Y arrasadora es la música creada por el compositor estadounidense nacido en San Francisco, Hugo Friedhofer "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"), un compositor que comenzó a tocar el violonchelo a los 13 años de edad y acabando como uno de los grandes violonchelistas de la Orquesta Sinfónica Popular de California. Y aquí insertando fragmentos orquestales de factura vanguardista y aportando dos versiones exclusivamentes hechas para la Hayworth, una "Put Blame On Mame", una canción original donde Rita inicia un sugerente "striptease", la otra "Amado mio", un tema de época, el cual canta al final, sentada en la barra del bar y acompañada de una guitarra, repite esta vez con su propia voz, la otra fue doblada por la cantante canadiense Anita Ellis.

  En fin, una de las obras míticas del cine más renombradas, que sigue manteniéndose viva pese al paso del tiempo, haciendo de esto que no haya perdido ni un ápice de su encanto, sino más bien que lo ha ido adquiriendo con el paso de los años. Porque nunca hubo una mujer, como Gilda o lo que es igual, como Rita.  Matrícula de Honor.

  A modo de curiosidad, la crítica recibió escandalizada la película y se produjeron muchas anécdotas, sobre todo en la España de Franco, como la de pintar los enormes carteles que colgaban de los cines con la figura de la actriz alegando la inmoralidad del vestido de la misma, que enseñaba más que tapaba.

     "Lo más dificil pero esencial es amar la vida, amarla aún cuando se sufre, porque la vida lo es todo. La vida es Dios y amar la vida significa amar a Dios."

  Magnífica película y todo un clásico del cine histórico basada en una novela del genial escritor ruso León Tolstói "Ana Karenina", Tolstói está considerado como uno de los más grandes autores del realísmo de todos los tiempos.

  "Guerra y paz" cuenta con un guión elaborado por Bridget Boland "El prisionero" ("The Prisioner") Mario Camerini "Ulises" ("Ulisse") y Robert Westerby "Fuego sobre Africa" ("Fire Over Africa"). El primero un escritor nacido en Londres y quizá el menos conocido de los tres, pero no por ello cuenta con unos buenos guiones de películas en su haber. De segundo nos encontramos ante un cineasta nacido en Roma, más conocido como realizador que por escritor. Y por último al también inglés nacido en Londres escritor de novelas y célebre guionísta tanto de cine como de televisión.

  La historia nos la cuenta King Vidor "La pradera sin ley" ("Man Without a Star") un gran director nacido en Texas de origen húngaro, cinco veces nominado y mundialmente famoso por haber dirigido "Aleluya" ("Hallelujah!") la primera película sonora de la historia del cine.

  Vidor pues, nos lleva al año 1805 para meternos de lleno en la nobleza rusa, es el año en que Napoleón amenaza con invadir Rusia. Empieza así una larga guerra que pondrá a prueba el valor de esas familias nobles y aburguesadas más acostumbradas a la vida ociosa que a la vida bélica...

  Una buena película, si señor, aunque a decir verdad no de lo mejor del gran Vidor, pero para mí es de sobresaliente, porque el texano supo adapatar la novela con gran maestría, puesto que creo que era una tarea bastante complicada. La historia la podiamos clasificar en dos partes muy diferentes: la romántica y la histórica, la primera ambientada en la Rusia burguesa y la segunda con la guerra entre rusos y franceses como fondo. Cuenta con extraordinarias escenas, puesto que sus 200 minutos de duracción dan para todo, y en donde yo destacaría las escenas de masas todas ellas logradas con un gran realísmo.

  Escenas fotografiadas en un suntuoso color por el inglés Jack Cardiff "La reina de Africa" ("The African Queen"), uno de los pioneros del technicolor y galardonado con un Oscar honorario por su contribución al cine. Y en este drama de época moviéndose con la cámara entre las fastuosas escenas de baile y las enormes reconstrucciones de batallas, y además sacando todo el partido posible al formato VistaVisión.

  Bellísima la banda sonora llevada a cabo por el siempre eterno Nino Rota "El padrino" ("The Godfather"), y aquí creando un amplio repertorio sinfónico, lo cual yo destacaría por un lado los temas dramáticos en escenas como: "The battle of Austerlitz" ("La batalla de Austeritz") y "Exodus from Moscow" ("Huida desde Moscú") y por el otro, las melodias románticas centradas en el "Tema de Natasha", "Andrei y Natasha" y la famosa "Natasha’s Waltz" ("El vals de Natasha") para la impresionante escena del gran baile. A destacar también la pequeña sinfonía "The hunt" ("La caza"). Inmenso aquí el maestro milanés (como siempre) creando un estilo dentro de la tonalidad, muy acorde con su don innato de compositor de bandas sonoras cinematográficas.

  Excepcional el reparto de actores elegidos por el gran King Vidor. Con una bellísima Audrey Hepburn "Historia de una monja" ("The Nun’s Story") en el papel de Natasha, una joven guapa y simpática, descendiente de una aristocrática familia, aunque sus riquezas han tocado fondo, Henry Fonda "Fort Apache", como el conde Pierre Bezukov, heredero de una inmensa fortuna, pero con muchos problemas en la sociedad rusa, y Mel Ferrer "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table") metido en el personaje del principe Andrei, un hombre inteligente y erudito, aunque sumamente descontento de todo y de todos. Esto podriamos decir son los tres personajes centrales de la historia.

  Pero Vidor no se quiso quedar atrás para también poner de protagonístas a Vittorio Gassman "La escapada" ("Il sorpasso") en un papel a su medida el de Anatol Kuragin un donjuan canallesco, como digo un personaje que le va como anillo al dedo, John Mills "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"), Anita Ekberg "La dolce vita", May Britt "El baile de los malditos" ("The Young Lions"), Herbert Lom "El quinteto de la muerte" ("The Ladykillers") dando vida a Napoleón Bonaparte, quizá para mi, el personaje menos creible, pero no por ello deja de hacer un gran trabajo este excepcional actor británico.

  En definitiva, una intensa historia histórico-dramática repleta de aventuras espectaculares, intrigas emocionantes y un trágico romance, cuyo fondo es la invasión de Rusia por parte de las tropas napoleónicas.  Sobresaliente.

  "Guerra y paz" estuvo nominada en los siguientes apartados: Mejor director, fotografía en color y vestuario en color (Maria De Matteis).

  Como curiosidad Audrey Hepburn y Mel Ferrer eran marido y mujer en la realidad, ya que estuvieron casados desde 1954 hasta 1968.

   Esposa busca fantasmas para saber la verdad...

  Genial película de género dramático y toda una bella fantasía surrealísta onírica y a la vez psiconalítica dirigida por el también genial Federico Fellini, "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria").

  "Giulietta de los espíritus" cuenta con un guión de los italianos Tullio Pinelli, "Fellini, ocho y medio" ("Otto e mezzo") uno de los más conocido guionístas del cine italiano, nacido en Turin,  aunque sus comienzos los inició como abogado, tiempo después se asoció con Fellini y Roberto Rosselini, ayudado pues con Ennio Flaiano, "La noche" ("La notte") un también excelente escritor nacido en Pescara, aunque toda su carrera la desarrolló en Roma, en España se dió a conocer gracias a Luis García Berlanga que lo contrató para escribir el guión de "Calabuch". Y como tercer guionísta no podría faltar el de siempre  Federico Fellini (claro está), puesto que en la mayoría de sus películas (por no decir de todas) colabora en los guiones.

  Fellini pues, un hombre que no necesita presentación alguna, un director nacido en Rimini y considerado como uno de los protagonístas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro Oscar y galardonado en 1993 con otro honorífico, y nos cuenta aquí, en su primera película en color, una historia verdaderamente admirable: la vida de Giulietta Boldrini, una mujer que duda de la fidelidad y del amor de su marido, y esto le hace de acudir a sesiones espiritístas para buscar un consejo, o una verdad que le permita reconocer que aún siente cariño de su marido...

  No nos encontramos ante lo mejor del maestro de Rimini. Pero aún así, es una película entrañable y deliciosa, y además con uno de los aspectos más extraordinarios, ya que la historia es de una absoluta modernidad, si amigos mios, ya que, esos rostros, esas indumentarias y esas actitudes de los personajes, nunca parecen transnochadas. Porque la película se adelanta al tiempo, a su época mejor dicho, y es que Fellini ya había asimilado, y exagerado con afecto, las modas místicas de la era pop que florecían de aquella "nueva ola".

  Formidable la fotografía en color, llevada genialmente por uno de los directores más importantes de la fotografía en la época dorada del cine italiano, hablo de Gianni Di Vencuzo "Mujeres en Venecia" ("The Honey Pot"), un hombre fallecido prematuramente a la edad de 45 años (falleció en un accidente automovilístico), pero en su filmografía cuenta con verdaderas obras maestras, y aquí en esta primera película de Fellini en color, manejando la cámara como si fuese un ojo errático, pareciendo a veces extraviarse con sus incesantes entradas y salidas del cuadro, genial como digo la fotografía de este cineaste nacido en Teramo y fallecido en Roma..

  Correctísima la banda sonora a cargo de un hombre, que ya de por si, es todo un icono en la musica del cine universal, cómo lo fue, el oscarizado Nino Rota. "El gatopardo" ("Il Gattopardo"), como muestra, un compositor altamente dotado, nacido en Milán, profesor del Liceo Musical de Beri del que llegaría a ser director, y desarrollándo una doble carrera como compositor de bandas sonoras para el cine, y compositor de música clásica. Y en esta historia de espíritus y fantasmas ofreciéndonos unas estupendas partituras, dando así a la historia una ambientación llena de ritmo y armonía.

  Y el plato fuerte, la maravillosa interpretación de Giulietta Masina "La Strada", mujer y musa del gran Fellini, impresionante el papel de la "pequeña" Masina, metida en un personaje de universo onírico y surrealísta, esa Giulietta que se resiste a admitir que el amor de su marido que la profesa, ya forma parte de sus fantasías y que no duda en refugiarse en sus recuerdos y en las presencias y mensajes de sus seres queridos, ya estén vivos o muertos. Inmensa, si señor.

  Y con ella, todo un magnífico elenco de estrellas del cine italiano como: Sandra Milo, "El general de la Rovere" ("Il generale della Rovere"), en el papel de Suzy, una nociva mujer que solamente vive para el amor, Valentina Cortese, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contessa") dando vida a Valentina, y Mario Pisu, "La enfermera" ("L’Infermiera") metido en la piel de Giorgio el esposo de Giulietta, y atención a nustro José Luis de Vilallonga (Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s") como José el huésped español de Giorgio.

  Resumiendo, una gran película, puede que no sea la mejor de Fellini, pero si que nos encontramos ante una fascinante historia, densa, compleja y llena de claves y misterios. Porque nada es lo que parece, pero todo significa algo.  Sobresaliente.

  "Giulietta de los espíritus", estuvo nominada en el apartado de Mejor Vestuario (Piero Gherardi).

  "Giullietta es mi intérprete ideal, mi inspiradora, una presencia mágica en mi trabajo".

                                            (Federico Fellini)