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La caida del imperio romano (The Fall of the Roman Empire - 1964

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       En recuerdo de: Christopher Plummer

  "Solo se puede destruir a una gran nación cuando ella misma se ha destruido interiormemte".

  Superproducción de género histórico (Antigua Roma) y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión llevado a cabo por tres escritores: Ben Barzman, Basilio Franchina y Philip Yordan. Barzaman fue un guionísta y novelísta nacido en Toronto (Canadá). Fue miembro del Partido Comunista de Estados Unidos por lo que estuvo incluido en la lista negra poer el Comité de Actividades Antiamericanas. Tuvo que emigrar a Inglaterra donde allí colaboró en algunas películas. Tras su regreso a Estados Unidos y ya con la ciudadania norteamericana logró grandes éxitos con películas tales como: "La visita del rencor" ("The Visit"-1964) y "Los héroes de Telemark" ("The Heroes of Telemark"-1965).

  Franchina. Un director y periodísta nacido en Palermo (Sicilia). Sus comienzos fueron como asistente de dirección con Roberto Rossellini en "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948). Su primera película como director y a la vez como guionísta fue con  "La legión extranjera" ("Legione straniera"-1953). Su último trabajo fue con "Gostanzada Libbiano"-2000) dirigida por Paolo Welcome.

  Y en cuanto a Philip Yordan. Un guionísta y productor nacido en Chicago. Su actividad como guionísta abarcó desde 1940 hasta 1990, colaborando con los directores más importantes de Hollywood. Se estableció en España durante las décadas de 1960 y 1970, en este periodo colaboró con Samuel Bronston en todas sus películas rodadas aqui. También escribió y produjo varios "spaghetti westerns" como: "Capitán Apache" ("Captain Apache"-1971) y "El hombre de Rio Malo" ("Bed Man’s River"-1971) con Gina Lollobrigida. James Mason y Lee Van Cleef.

  "La caida del imperio romano" está dirigida por Anthony Mann. Un director nacido en San Diego (Estados Unidos). Se le ha considersado como uno de los mejores directores del western, pero también se le ha admirado como director de cine negro de los años cuarenta y de películas épicas de los sesenta como "El Cid"-1961.

  Mann nació en San Diego (California), pero una década más tarde su familia se mudó a Nueva York, donde fue actor de 1925 a 1936. Formó parte de la Neigborhood Playhouse Acting Company, en el Lower East Side de Manhattan. Durante un año también fue miembro de la New York Repertory Company. En 1933 debutó como director teatral, oficio que desempeñó hasta 1940.

  En 1941, Mann se trasladó a Hollywood, donde debutó en la dirección con la película "Dr. Broadway"-1942, que tuvo poco éxito. En esta primera época dirigió melodramas de bajo presupuesto y musicales para diversos estudios. Con el thriller de cine negro "Desesperado" ("Desperate"-1947) alcanzó el éxito que se repitió en sus siguientes pelìculas, coincidiendo con su fructífera colaboración con el cineasta John Alton. "La brigada suicida" ("T-Men"-1947) e "Incidente en la frontera" ("Border Incident"-1949) son películas de cine negro muy bien consideradas.

  El primer western de Anthony Mann fue "La puerta del diablo" ("Devil’s Doorway"-1950) una tragedia sobre el racismo y la intolerancia. Después de ver la pelìcula, James Stewart pidió a Mann le dirigiese en "Winchester 73"-1950. Hicireron juntos siete peliculas, entre ellas, "Horizontes lejanos" (Bend of the River"-1952), "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954) y "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955). El último western de Mann (ya sin Stewart) fue la estupenda "El hombre del Oeste" ("Man of the West"-1958) con Gary Cooper de protagonísta.

  Después de este triunfo, Mann se volvió menos prolífico. En 1959, tras un desacuerdo con Kirk Douglas, Mann dejó el rodaje de "Espartaco" (Spartacus"-1960). Empezó a rodar el western "Cimarrón"-1960, pero una vez más abandonó el proyecto debido a diferencias creativas con el productor, aunque su nombre figuró en los creditos de la pelìcula como director. Su último triunfo fue "El Cid"-1961, una película épica sobre el héroe medieval español.

  La acción pues, tiene lugar en Vindobona (actual Viena), Roma y otras localidades del Imperio Romano, en el año 180 D C. Alli el emperador Marco Aurelio (121-180 D C), filósofo, autor de la obra "Memorias", último de los "cinco emperadores buenos", llamado "El sabio", convoca en las proximidades de Vindobona a principes, embajadores y cónsules del Imperio para comunicarles su decisión de nombrar nuevo sucesor a su hijo adoptivo el general Flavio, enamorado de su hija Lucilla, en sustitución de su hijo biológico Cómodo. El anuncio no lo puede realizar porque muere envenenado por partidarios de Cómodo. Durante el reinado de éste se inicia el declive del Imperio, que se produjo hasta la caida de Roma (476 D C)...

  Marco Aurelio es prudente, sabio, enemigo de las obstentaciones y cree que el gobierno ha de estar al servicio del deber. Cómodo es aficionado a las luchas de gladiadores, caprichoso, egoísta y poco equilibrado. Flavio es considerado, leal, competente, buen militar y no ambiciona ser emperador a costa de su amigo y hermano adoptivo, Cómodo.

  La película suma aventuras, guerra e historia (Imperio Romano). Es todo un ejemplo emblemático de cine de espectáculo y una buena muestra de la visión megalómana del cine que tenia el productor independiente Samuel Broston.

  La realización a cargo de un excelente narrador como era Anthony Mann imprime a la historia un buen pulso narrativo, que retiene la atención del espectador. Crea además, un clima envolvente que se combina muy bien en el desarrollo de un relato trágico, ilustrativo del inicio de la decadencia de Roma. Los elementos dramáticos predominan sobre los de aventuras, en perjuicio del interés popular de la obra. El diseño de producción y la dirección artistica son esmerados, si bien se ven afectados por los afanes colosalìstas y espectaculares del productor. El foro romsano establece el record de construcción más grande realizado hasta entonces en el rodaje de una pelicula.

  La banda sonora corrió a cargo de Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se traslsdaron a San Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro"-1952, "O.K. Corral" de "Duelo de titanes" - 1957 o "The green leaves of summer" de "El Alamo"-1960. Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Nonn"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954) y "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958).

  Y en este inicio del declive romano, aportando una partitura de 16 cortes, que combina con melodias intimistas ("Obertura"), temas de amor ("The Fall of Love"), evocadoras ("Nocturno", "Morning"), refuerzo sonoros ("Persian Batle") y composiciones descriptivas ("Ballomar’s Barbarian Attack"). El tono general de la banda sonora es melancólico y nostálgico.

  La fotografia en color y formato 70 m/m fue dirigida por Robert Krasker. Un director de fotografía nacido en Egipto, pero su nacimiento se registró en Australia. Trabajó a lo largo de su carrera en más de 50 pelìculas algunas de ellas tan emblemáticas como: "Senso"-1954 de Luchino Visconti y "Trapecio" Trapeze"-1956 de Carol Reed. Logró un Oscar a la Mejor fotografia en blanco y negro por "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949).

  Y en esta historia de intrigas y pasiones romanas, ofreciéndo composiciones de gran belleza visual, referidas tanto a ambientes sombrios (interiores), como exteriores luminosos (Foro romano). Las imágenes sombrias se asocian al tema del fin de una civilización milenaria.

  La pelicula se rodó integramente en España . En escenarios naturales de Madrid (Las Matas) Manzanares el Real...), Valencia (Sagunto) y Segovia. Los interiores en los Estudios Samuel Bronston (Madrid).

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por Sofia Loren, "Dos mujeres" ("La ciociara"-1960) como Lucilla, seguida por Stephen Boyd, "Ben-Hur"-1960 como Livius; Alec Gunness, "Lawrence de Arabia" ("Lawrence of Arabia"-1962) como Marco Aurelio; James Mason, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) como Timonides; Christopher Plummer, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965) como Cómodo; Omar Sharif, "Doctor Zhivago"-1965 como Sohamus; John Ireland, "El político" ("All the King’s Men"-1949) como Ballomar; Anthony Quayle, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Verulus; Mel Ferrer, "Guerra y paz" ("War and Peade"-1956) como Cleander. También podemos ver a varios y buenos actores españoles entre ellos: Virgilio Texeira, "Agustina de Aragón"-1950 como Marcellus y Rafael Luis Calvo, "Mensajeros de paz"-1957 como Lentulus.

  En definitiva: Una muy buena película de su género y siempre a reivindicar, tanto como la figura de su gran director, el maestro Anthony Mann, mucho más que "el marido de Sara Montiel". Y con una banda sonora de gran belleza. Sobresaliente.

  "La caida del imperio romano" estuvo nominada al Oscar a la Mejor banda sonora. La ganadora fue "Mary Poppins.

  Como curiosidad: La ciudad de Roma se construyó en la localidad madrileña de Las Matas y está considerada como el mayor decorado (hasta ahora) construido al aire libre se llegaron a usar 170.000 bloques de cemento trabajando en ello 1.100 personas durante siete meses para confeccionar la obra.

20/02/2021 09:38 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                   Christopher Plummer

                    Una leyenda de Hollywood

  El pasado dia 5 y a la edad de de 91 años falleció el actor canadiiense Christopher Plummer. Era bisnieto del Primer ministro de Canadá John Abbot, nació el 13 de diciembre de 1929 en Toronto (Canadá), ciudad que abandonó para mudarse con su madre a Senneville, cerca de Montreal. De niño estudió para ser pianista, pero pronto nació en él el deseo de ser actor. Debido a esta aficción, en su juventud conoció a su compatriota, el pianista de jazz Oscar Peterson, al que le unió siempre una gran amistad. Para desarrollar su carrera teatral se unió a la Canadian Repertory Company en la que alcanzó cierta notoriedad en parte gracias a su dominio de fracés y del inglés. La actriz Eva Le Gallienne le ofreció su primera oportunidad de lucimiento en "The Constant Wife", según la pieza de William Somerset Maugham, en 1954. Al año siguiente estrenó "The Dark is Light Enough" y "The Lark y Medea", cuyas representaciones le llevaron hasta Paris.

  Dos años después se casó con Tommy Grimes con la que uvo una hija, la actriz Amanda Plummer. A su regreso de Paris, Sidney Lumet le contrató para la película "Sed de triunfo" ("Stage Struck"-1958), tras la cual se divorció y volvió al teatro, en el que interpretó papeles como Enrique II de Inglaterra en "Becket"(1962),donde un rey se enfrenta a su mejor amigo (Thomas Becket), con el que antaño habia compartido juergas.

  Después de contraer segundas nupcias en 1962 con Patricia Lewis, en 1964 su rostro se popularizó gracias al estreno de "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman Empire"-1964) donde encarnaba a un Cómodo corruptor que se siente traicionado, estaba más pendiente de organizar fiestas para el pueblo que de mantener a paz y que mostraba recelos a la hora de conceder la ciudadania romana a unos bárbaros (a los que más tarde les asesina a traición). Su composición de emprerador romano de carácter autoritario y chulesco le abrió las puertas para otros papeles. Etre ellos destacó el capitán Von Trapp de "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), un viudo con siete hijos cuya rigidez se desmorona al entrar en su vida la institutriz Maria (Julie Andrews), con la que llega a casarse y huir de Austria tras despedirse desus amigos en un festival de música donde entonaba la canción "Edelweiss". A pesar de su enfado ante la sustitición de su voz en las secuencias musicales, la película disparó su cotización gracias a su éxito comercial. A partir de entonces los directores le encomendaron personajes más o menos elegantes, a veces bondadosos, otros villanescos. Mientras tanto en 1967 se divorció de Patricia Lewis y en 1972 se vulve a casar con Elaine Taylor.

 Durante los setenta, combinó sus apariciones cinematográficas con las teatrales "Cyrano de Bergerac" (1974), se metió en el papel de Rudyark Kipling en "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Woold Be King"-1975) y heredó de David Niven el papel de Charles en "El regreso de la pantera rosa" ("The Return of the Pink Panther"-1975), bajo las órdenes de Blake Edwards. "En "Asesinato por decreto" ("Murder by Decree"-1979) pasó a engrosar la lista de actores que han encarnado a Sherlock Holmes en el cine.

  En los años ochenta centró su actividad profesional en el teatro, donde llegó a interpretar a Yago en "Otelo" (1982) y "Macbeth" (1988). También realizó algunas películas románticas como "En algún lugar del tiempo" ("Somewhere in Time"-1980) junto a Christopher Reeve y Jane Seymor, ofreció una interpretación magistral en la notable pelìcula histórica "Escarlata y negro" ("The Scarlet and the Black"-1983), basada en hechos reales, donde fue el ambicioso, cruel y sanguinario coronel y jefe de la SS en Roma Herbert Kappler, el cual mantenia una feroz rivalidad con un adversario muy particular: monseñor Hugh O’Flaherty (papel interpretado por Gregory Peck), oficial de alto rango de la Santa Sede, protector de refugiados, aliados y judios en la Italia ocupada por los nazis en 1943.

  A mediados de los años noventa "regresó" al cine con breves cometidos: el empresario de "Lobo" ("Wolf"-1994), el detective de "Eclipse total" ("Dolores Claiborne"-1995), el virólogo de "12 monos" ("12 Monkays"-1995). En 1997 ganó su segundo Tonny por "Barryomore" interpretación que junto a la realizada en la pelicula "El dilema" ("The Insider"-1999), inició una nueva etapa profesional. En efecto su papel de Mike Wallace, un reconocido periodista norteamericano (recientemete retirado) le valió varios premios de la critica cinematográfica, aunque no logró quedar candidato a los Oscar. 

  Hollywood empezó a reclamar sus servicios con mayor regularidad: lo reunió de nuevo con Julie Andrews en la versión televisiva de la pelicula "En el estanque dorado" ("On Golden Pond"-1981) donde interpretó a un hombre de la tercera edad que aprende a disfrutar de la compañia de su nieto, y tuvo también un papel en "Una mente maravillosa" ("A Beautiful Mind"-2001).

  Plummer volvió después al cine más pequeño e intimista con "Lucky Break"-2001, y "Ararat"-2002, donde interpretó el papel de un guardia de seguridad de un aeropuerto. En 2004 combinó las representaciones de "Rey Lear" con sus papeles cinematográficos como "Alejandro Magno" ("Alexander"-2004), la superproducción de Oliver Stone. A estas películas le siguieron "...Y que le gusten los perros" ("Must Love Dogs"-2005), "Plan oculto" ("Inside Man"-2006) donde hace de un banquero que se enriqueció gracias a los nazis, y que oculta su pasado, "Syriana"-2005  donde era un empresario con intereses en el petróleo, y "El nuevo mundo" ("The New World"-2005) donde interpretó a un capitán qur defiende la disciplina de los oficiales de a bordo durante la colonización de Virginia. 

  En 2008 publicó su autobiografia "In Spite of My Self" que fue bien recibida por la critica y el público. Entre sus últimos y notables trabajos, hay que citar "El imagnario del Doctor Parnassus" ("The Imaginarium of Doctor Parnassus"-2009) de Terry Gilliam, y "Principiantes" ("Beginners"-2010), donde dió vida a un jubilado viudo que desvela a su hijo que es homosexual. Por este trabajo ganó un Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario.

  En 2017 trabajó en la película "Todo el dinero del mundo" ("All the Money in the Word"-2017) de Ridley Scott, donde interpretaba al empresario Paul Getty, Plummer reemplazó a Kevin Spacey luego de que este fue denunciado por abusos sexuales, dado que Spacey ya habia filmado su parte y la película estaba terminada, fue necesario rodar nuevas escenas con Plummer para sustituirlo. Por su trabajo recibió nominaciones al Oscar, Globo de Oro y BAFTA.

  Christopher Plummer - Toronto (Canadá) - 13 - diciembre - 1929 - Weston (Estados Unidos) - 5 - febrero - 2021.

                             ¡DESCANSE E PAZ!

12/02/2021 18:32 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

La noche de la iguana (The Night of the Iguana-1964)

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  "Hombre y mujer. Amor y lujuria. Ruina y salvación... Una noche, todos se encuetran".

  Muy buena película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la fraternidad "Alphe Tau Omega", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York y ejerció diversos trabajos, y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematográfica de una de de sus novelas de éxito: "El zoo de cristal". Se confirmó dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hicieron cargo Anthony Veiller. Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Durante la 2ª Guerra Mundial trabajó con Frank Capra en varios documentales de propaganda. Se dió a conocer con la película "El extranjero" ("The Stranger"-1946) de Orson Welles. Y ese mismo año (aunque no acreditado) fue nominado al Oscar junto a John Huston y Richard Brooks por "Forajidos" ("The Killers"-1946).

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue John Huston. Un cineasta nacido en Nevada (Estados Unidos). Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentes desiguales. A lo largo de su carrera sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra desigual, combinando películas en las que se entregaba a fondo con otros proyectos a los que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodista e incluso formar parte de la caballeria mexicana. En 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Bros. Hizo su debut como director con "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y público. "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsquesa realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas entre ellas, "La jungla del asfalto" ("Te Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Durante los años sesenta, perdió el favor de la critica, pero recuperó prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972), una mirada al mundo de los boxeadores, y a su épica "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979), una parábola iscura y cómica sobre el pecado y la salvación.

  Su última película "Dublinenses"-1987, rodada mientras estaba conectado a un pulmón de acero en su última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias, basada en un relato de James Joyce, esta despedida emotiva brilló con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  La acción pues, tiene lugar en Virginia (Estados Unidos) y en México, en 1940 y en donde T. Lawrence Shannon, pastor episcopaliano, rector de la parroquia de San Jaime (Virginia), es acusado de seducir y violar a una menor. Por ese motivo y a causa de trastornos de conducta, es apartado del ministerio e internado en un centro psiquiátrico. Después de obtener el alta, encuentra trabajo como guia de una compañia de viajes turísticos en autocar, de bajo coste. La expedición que acompaña está formada por profesores de un colegio femenino de Texas, a los que se ha unido la alumna Charlotte Goodall, menor, caprichosa y voluble...

  La película se desarrolla como una suma de drama y thriller, que toca temas como el alcoholismo, el consumo de drogas, el suicidio, el paro, el subempleo, la homosexualidad femenina, la ninfomanía, la prostitución masculina y otros. Explora el complejo mundo de un espritu atormentado, angustiado y profundamente alterado por los problemas de diversa índole que ha tenido que afrontar recientemente y las frustraciones que han provocado en él.

  En un marco de desorientación y confusión, concluyen y se suman en su interior, deseos imperiosos, pero inviables, temores y miedos fundamentados, angustias psicopáticas, y la pulsión vehemente del apetito sexual. De poco sirve la búsqueda de mecanismos para dominar la concupiscencia basados en las antiguas prácticas del castigo fisico (andar sobre cristales rotos).

  No encuentra disponible los apoyos esperados: el de una persona angelical bloqueada por una pasión lesbiana reprimida. El desarrollo de los personajes y de las situaciones es acelerado y profundo.

  La tensión dramática sigue un crescendo que el director administra con pericia. Son destacadas las escenas del baño en el mar de Shanon y Charlotte, el baile de Charlotte en el bar de la playa con Pepe y Pedro, la crisis de ansiedad de Shanon, el sensual baño nocturno de Maxine con los dos muchachos en la playa...

  La banda sonora corrió a cargo de Benjamin Frankel. Un compositor nacido en Londres. Comenzó el aprendizaje de violín a muy temprana edad y a los 14 años sus dotes de piano atrajeron la atención de Victor Benham, que persuadió a sus padres para que le permitieran dedicarse exclusivamente a la música. A comienzos de los años 30 ya era muy conocido como arreglista y director musical en los teatros de Londres y en 1944 abandonó su actitud teatral, si bien mantuvo su interés por la música para el cine. También se convirtió en un reconocido compositor después de la 2ª Guerra Mundial. Fue nombrado Compositor del Año por la BBC en 1996 y de nuevo a comienzos de 2006. Entre sus partituras para el cine caben de destacar "Noche en la ciudad" ("Night and the City"-1950) y "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge"-1965).

  Y aqui, basándose en una partitura breve, de aires dramáticos y misteriosos. Consta de 10 temas, de entre los que destacan el "Tema principal", que se superpone a los créditos iniciales, "Ana Shanon", "Maxine y Shanon", "Las lavanderas de México" y "El largo baño de Shanon". Se añaden dos composiciones de aires mejicanos: "Mexicanerias" y "Cascadas", ambos a cargo de Pepito Villa.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Gabriel Figueroa. Un director de fotografía nacido en Ciudad de México. Fue una figura importante en la Época de Oro del cine mexicano. Además de trabajar con directoes mexicanos, también trabajó para Hollywood, con directores como John Ford y John Huston. Junto con Mario Moreno"Cantinflas" y Jorge Negrete fue fundador del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes y candidato al Oscar por "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964).

  Y aqui, sobresaliendo por el dominio del claroscuro, con composiciones de gran belleza plástica y creando al mismo tiempo una opresiva atmósfera. Las escenas naturales fueron rodadas en Mismaloya y Puerto Vallarta (México).

  Muy buenas y a la vez muy efectivas todas las interpretaciones comenzando por Richar Burton, "Cleopatra"-1963, dando vida a Lawrence Shannon, seguido por Ava Gardner, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contesse-1954) como Maxine Faulk; Deborah Keer, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953) como Hannah Jelkes; Sue Lyon, "Lolita"-1962 como Charlotte Goodall...

  En definitiva: Una magnífica película y con un portentoso final que es todo un poema, el poema de la vida. Sobresaliente.

  "La noche de la iguana" logró el Oscar al Mejor vestuario en blanco y negro (Dorothy Jeakins)

  A modo de curiosidad: La obra se estrenó en Broadway en 1961 con Bette Davis, Patrick O’Neil y Margaret Leighton.

05/02/2021 09:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El gatopardo (Il gattopardo - 1963)

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  "Hace falta que todo cambie, para que todo siga igual".

  Obra maestra de género dramático-histórico y de nacionalidad italiana, adaptada de la novela de el mismo título  de Giuseppe Tomasi di Langedusa, principe de Langedusa, escrito a partir de recuerdos de su bisabuelo, Giulio IV de Langedusa. El guión corrió a cargo de varios escritores y guionístas: Suso Cecfhi d’Amico. Una de las más famosas guionistas del cine italiano, nacida en Roma. Especialmente por sus guiones para Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Mario Monicelli y otros realizadores del neorrealísmo italiano. Era conocida como La Reina de Cineccittá. Otro fue Pasquale Festa Campanile. Un guionísta nacido en Melfi (Italia), también director de cine y muy conocido, sobre todo como un destacado exponente del género "comedia alli italiana".

  El tercero fue: Massimo Franciosa. Un guionista y director nacido en Roma. Esribió para 72 películas entre 1955 y 1991. También dirigió nueve películas entre 1963 y 1971. El cuarto fue: Enrico Medioli. Un guionísta nacido en Parma (Italia). Fue uno de los guionístas más conocidos de Italia. Coescribió siete películas con Visconti y trabajo con directores como Valerio Zurlini, Sergio Leone, Liliana Cavani, entre otros. Con Visconti logró una nominación al Oscar por "Los condenados" (·The Damned"-1969).

  El quinto y último al mismo tiempo director fue Luchino Visconti. Un cineasta nacido en Milán. Muy respetado como director de cine y teatro, nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculada al Partido Comunista italiano durante toda su vida. Al proceder de una familia aristocrática, sus películas a menudo manifestaban la lucha entre sus convinciones políticas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado"Obsessión" ("Ossessione"-1943), la adaptacion que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces", la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimieto cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalísta.

  Temáticamente. la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la pelicula influería en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales, muchos de los cuales eran pescadores locales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después que se enterrara el neorrealóismo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso como "El gatopardo"("Il gattopardo"-1963). "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960) significó un retorno al discurso social presagiado por sus primeras películas, aunque también subrayó su interes por la vida familiar rota y por los efectos de una decadencia social omnipotente.

  Las últimas películas de Visconti, suelen ser  oscuras, y a veces obsesivas, como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta Sicilia en la residencia familiar de Palermo y en el palacio de verano de los Salina en Donnafugatta, entre mayo de 1860 (desembarco de Garibaldi en Marsella) y septiembre de 1862 (tras la victoria en Aspromonte de las tropas del coronel Pallavicino sobre las revoluciones de Gribaldi). El principe siciliano Fabrizio Salina, consciente de los cambios que se imponen, acepta colaborar con la nueva burguesia, renunciar a algunos privilegios y hacer concesiones. apoya la participación de su sobrino preferido, Tancredi Falconeri, en la lucha armada liderada por Garibaldi, su boda con Angélica hija de un alcalde garibaldino enriquecido y sus aspiraciones politicas dentro del nuevo estado. Fabrizio de 45 años, es orgulloso, pragmático y conciliador. Tancredi, de unos 23 años, es ingenuo, apasionado y ambicioso...

  La película pues, suma drama, historia, romance y guerra. Focaliza la atención en la ocupación de Sicilia por Garibaldi en 1860, la celebración del plebisticio de incotporación al Reino de Piamonte-Cerdeña y la etapa de tensión hasta la victoria de Pallavicino sobre Garibaldi en 1862, que afianza la monarquia de Victor Manuel II.

  Fabrizio Salina encarna en su persona y en la representación que ostenta de la aristocracia, el crepúsculo de una era, el inicio de unos nuevos tiempos, la nostalgia del pasado y la incertidumbre sobre un futuro liberado y asentado sobre los principios del estado constitucional. La frase de Tancredi, repetida varias veces por Fabrizio ("Todo ha de cambiar para que todo siga igual") se revela como una expresión. Los propósitos de pacto con la burguesia sobre reparto de influencias y poder no evitarán la marginación de la aristocracia que se verá desplazada cada vez más del poder real.

  El protagonista, inmerso en un drama que comprende, pero que no puede evitar, cae en un estado de desazón e inquietud dominado por las obsesiones de la muerte, el envejecimiento, la pérdida de la juventud y el deterioro del vigor físico y la salud. Cree que los cambios inevitables se demorarán en Sicilia mucho tiempo (100 o más años).

  Su visión pesimista y desesperanzadora de Sicilia, los sicilianos, los leopardos y leones (aristócratas) y las hienas y chacales (burgueses), se da acompañada de inseguridades crecientes que ponen en tela de juicio sus opiniones iniciales. (De ahí que su estado de ánimo, sometido a tensión e incertidumbre, cada vez más se asemeje al de un gigante que se derrumba.

  La película desarrolla dos discursos paralelos: el explícito, que discurre a la vista de todos, elducurado y plagado de disimulos, y el interior, callado, oculto, silencioso y descarnado. No se expresa con palabras, sólo con gestos casi imperceptibles y referencias ambientales.

  El baile de despedida antes del regreso a Palermo tiene el valor de última gran celebración social de una era que muere y no volverá. El esplendor de la fiesta destila aires de despedida de los que se van y de bienvenida de los que llegan. La alegria aparente está trucada de  melancolía, añoranza y desgarro. Fabrizio constata que su tiempo ha pasado. El deseo que siente por Angélica topa con la barrera de 25 años de separación y con el muro, infranqueable para él, de las diferencias de clases.

  Pocas figuras de la aristocracia son tan eminentes como la del Principe de Salina en la hostoria del cine. Pocas figuras como la suya han sabido representar la nostalgia del pasado que se fue,la pena por la juventud perdida, el temor a la muerte y a la vejez inminentes y la desolación por el futuro de olvido que se impone.

  La banda sonora fue de Nino Rota. Un compositor de musica clásica y cinematográfica nacido en Milán. El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Es mayormente conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas de Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcadamente romántica, destacando especialmente sus secciones de madera y cuerda. También dominó a la perfección la composición para voz. Sus bandas sonoras de "La Strada"-1954, "La dolce vita"-1960, "Ocho y medio"-1963, "Amarcord"-1973 y "Casanova"-1976 rivalizan en fama con las que compuso para Luchino Visconti como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) entre otras. Lina Wertmüller "Amor y anarquia"-1973; René Clement, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y para "Romeo y Julieta"´-1968 de Franco Zeffirelli. Ganó un Oscar por "El padrino II" ("The Godfather II"-1974) compartido con Carmine Coppola.

  Y aqui, adaptando una vieja composición original, realizada durante la 2ª Guerra Mundial titulada "Sinfonia sopra una canzone d’amore". que gustó mucho a Visconti. De carácter sinfónico, contiene cortes adaptados a la acción ("Entrada de Angélica"), relatos personales ("Angélica") y composiciones singulares ("Finale"). También ofrece valses, polcas, mazurcas y un "galop" creados por rota. Adapta un vals inédito de Verdi ("Vals brillante") y añade dos fragmetos de "La Traviata" (Verdi) y uno de "Sonámbulo" (del siciliano Bellini).

  La fotografía en color y Cinemascope fue llevada a cargo por Giuseppe Rotunno. Un director de fotografía nacido en Roma. Colaboró con varios directores italianos célebres, entre ellos: Vittorio De Sica "Ayer hoy y mañana" ("Ieri, oggi, domeni"-1964) y Luchino Visconti en "Rocco y sus hermanos" ("Rocco ei suoi fratelli"-1960). Fué nominado al Oscar por "Empieza el espectáculo" ("All that Jazz"-1979). Fue el primer miembro no estdounidense admitido en la Sociedad Estadounidense de Cineastas en 1966.

  Y aqui, mostrándo con complaciencia la suntuosidad de los decorados y del vestuario. La magnificiencia de las fiestas y el esplendor del baile. Ofrece composiciones inspiradas en pinturas de Eugéne Delacrois (1798-1863) y William Hogarth (1697-1764).

  Colosal Burt Lancaster, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962) metido en  cuerpo y  alma en el personaje del Principe Fabrizio Salina. Y junto a él dos grandes del cine mundial el gran Alain Delon, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) y la bellísima Claudia Cardinale, "La pantera rosa" ("The Pink Panther"-1963), Delon dando vida a Tancredi Falconeri, el sobrino preferido de Fabrizio, Cardinale como Angélica Sedara, hija de un alcade garibaldísta.

  Y compartiendo estrellato en esta obra maestra de Visconti, unos secundarios de auténtico lujo del cine italiano, comenzando por Paolo Stopa, "Becket"-1964 como don Cologero Sedara, padre de Angélica; Rina Morelli, "El bello Antonio" ("Il bell Antonio"-1960) como Maria Stella Salina, esposa de don Fabrizio; Romolo Valli, "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971) como Perone, y atención que también nos encontramos y en una de sus primeras películas a Terence Hill, "Le llamaban Trinidad" ("Lo chiamavano Trinitá"-1970) como el conde Cavriaghi (aunque en los titulos de crédito aparece como Mario Girotti, su nombre de pila)...

  En definitiva: Una obra maestra absoluta y toda una lección suprema de cine, y con el baile más bello y mejor filmado de la Historia del Cine.   Matricula de Honor.

  "El gatopardo" estuvo nominada al Oscar al Mejor vestuario en color. Y logró la Palma de Oro en el Featival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Burt Lancaster y Claudia Cardinale volvieron a trabajar juntos trea años más tarde en "Los profesionales" ("The Professionals"-1966). Aunque en papeles muy distintos a "El gatopardo"

26/01/2021 11:12 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth -1962 )

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  "La gran diferencia entre la gente no está entre ricos y pobres o entre buenos y malos, sino entre los que supieron amar intensamente y los que jamás lo lograron porque no conocieron el amor". (Chance Wayne).

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una adaptación de Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Columbus (Estados Unidos). En 1930 estudió en la Universidad de Misuri-Columbus donde fue miembro de la Fraternidad "Alph Tau Omege", después marchó a Nueva Orleans donde escribió para la WPA y en 1947 escribió "Un tranvia llamado deseo". Más tarde marchó a Nueva York donde ejerció diversos trabajos y en 1943 se fue a Hollywood contratado por la MGM donde hizo la adaptación cinematohráfica de la novela de éxito "El zoo de cristal". Se confirmó  dos años más tarde con el éxito de "Un tranvia llamado deseo" puesta en escena por Elia Kazan que marcó el debut del joven Marlon Brando. Fue presidente del jurado del Festival de Cannes de 1976.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Richard Brooks. Un cineasta nacido en Filadelfia. Tuvo una carrera variopinta. Guionísta convertido en director ganó su único Osacar por el guión "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), si bien fue nominado por otras películas como director y guionísta.

  Aprovechó su experiencia como marine durante la 2ª Guerra Mundial para realizar, una serie de películas de acción cuya uníca fábrica es la plasmación sensible de la camaraderia masculina, buenos ejemplos de ello son las películas bélicas "Campo de batalla" ("Battle Circus"-1953) y "Hombres de infanteria" ("Take the High Groundi"-1953), asi ciomo los westerns revisionistas "La última caza" (The Last Hunt"-1956) y "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), donde se manifiesta su habilidad para delinear distintos tipos de hombres,

  No se le dió tan bien en el género dramático, incluyendo la película con la que debutó "Crisis"-1950, basada en un guión propio. El melodrama"La última vez que vi Paris" ("The Last Time I Saw Paris"-1954), con el tratamiento de una crisis matrimonial propio de Fitzgerald, carece de intensidad emocional.

  Richard Brooks consiguió sus mejores éxitos con dos adaptaciones de Tennessee Williams, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) y "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth"-1962), quizás porque en ellas aparecen el tipo de crisis en la vida de un hombre que el podia entender.

  "Lord Jim"-1965, una pelicula más ambiciosa, dió a Peter O’Toole la oportunidad de retomar, el enigmático moralismo expresado en su papel de T, E. Lawrence, Brooks confirmó a ese drama interior un entorno adecuadamente épico.  "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967), basada en la novela de Truman Capote, es un drama brutal sobre la vida real, mientras que "Buscando al señor Goodbar" ("Looking for Mr. Goodbar"-1977) hace un uso memorable de un material dificil pero muy atractivo para un público moderno.

  La acción pues, tiene lugar en Gulf Coast (Florida), ciudad natal de Chance Wayne, a lo largo de unos pocos dias de un verano. Y nos cuenta la historia de Chance, un apuesto y seductor, sin suerte en la vida, que ha trabajado en oficios infímos. Residió durante un tiempo en Hollywood para abrirse camino como actor en el mundo del cine. Tras innumerables fracasos, se dedica a trabajar ciomo gigoló de mujeres adineradas y solitarias. En Palm Beach ha conocido recientemente a Alejandra del Lago, una actriz de mediana edad, en plena decadencia profesional y personal a causa del alcohol y las drogas...

  La película muestra una sociedad dominada por el deseo, el sexo, la prostitución, la hipocresía, la codicia, los abusos de poder, la violencia doméstica y la corrupción. Como en otras novelas de T. Williams, la acción se ubica en una localidad del Sur de Estados Unidos, en el marco de una sociedad conservadora, clasísta y retrogada.

  La tensión dramática llena la película en un crescendo que culmina hacia el final en una sucesión de escenas violentas y desgarradoras, que ponen al descubierto la bajeza de las personas humanas amparadas en la venganza y la violencia inmisericorde (desfiguración del rostro de Chance).

  La narración hace uso de flashbacks para explicar hechos de los años de juventud de Chance, con referencia al inicio de la Guerra de Corea (1950-53), en la que participó, el amor juvenil de Chance y Heavenly, el embarazo de ésta y la expulsión del lugar por Tom "Boss" Finley, padre de la chica, cacique del lugar y alcalde del mismo.

  Son escenas destacadas la conversación telefónica de Alejandra con un critico de cine, la de Alejandra borracha en el bar del hotel y el mítico salto del cisne de Chance desde el trampolín de una piscina; El protagonísta se enfrenta a su pasado con deseos de redención en una ciudad donde muchos le odian y nadie le quiere, salvo Heavenly y la tia Nonnie.

  La banda sonora corrió a cargo de Robert Ambruster. Un compositor y director de orquesta nacido en Filadelfia. Después de estudiar con Constantin von Stranberg se convirtió en concertista de piano, luego se dedicó a la dirección y composición para la radio y más tarde para el cine y la televisión. Debutó como pianista con la Orquesta de Filadelfia a los ocho años. En su adolescencia comenzó a grabar rollos de piano para el Duo-Art de Aerolian Company. Durante la década de 1940 fue director de la NBC Hollywood Orchestra para muchos especiales benéficos. Entre sus grandes bandas sonoras para el cine caben de destacar: "Dos semanas en otra ciudad" ("Two Weeks In Another Twon"-1962), "Castillos en la arena" ("The Sandpiper"-1965) y "A quemarropa" ("Point Blank"-1967) entre otras.

  Y en esta tragedia de gran fuerza dramática, incluyendo solos de piano, melodias de viento y una composición orquestal romántica (escena del faro).

  La fotografía en color y formato Cinemascope fue dirigida por Milton R. Krssner. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Es muy recordado por su trabajo en la década de 1950 para la 20th Century Fox, donde fotografió muchas películas en color y Cinemascope, incluidas "Demetrius y los gladiadores" ("Demetrius and the Gladiators"-1954) y "Las lluvias de Ranchipur" ("The Rains of Ranchipur"-1955). Logró el Oscar a la Mejor fotografía en color por "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954).

  Y en esta historia de desengaños y sueños frustrados, moviendo la cámara con diligente suavidad y haciendo uso de una paleta de cremas y azules pálidos que realzan el dramatísmo de la acción.

  Sensacional Paul Newman, "El largo y cálido verano" ("The Long, Hot Summer"-1958) metido en el cuerpo de Chance Wayne, un fracasado aspirante a actor convertido en gigoló de mujeres maduras y adineradas. Y al lado de Newman la gran Geraldine Page, "Verano y humo" ("Summer and Smoke"-1961) dando vida a Alejandra del Lago, una estrella en decadencia.

  Y junto a ellos: Ed Begley, "Doce hombres sin piedad" ("12 Angry Men"-1957) como "Bob" Finley, el cacique del pueblo; Shirley Knight, "El color de la noche" ("Color of Night"-1994) como Heavenly, antigua novia de Chance e hija de "Bob"; Rip Torn, "Coma"-1978 comoThomas el hijo mayor de "Bob"; Mildred Dunnock, "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1975) como la tia Nonnie...

  En definitiva: Una película de grandes interpretaciones y extraordinario vigor dramático.  Matricula de Honor,

  Ed Begley logró el Oscar al Mejor actor de reparto.

  A modo de curiosidad: La película se estrenó en España el 18 de marzo de 1963.

 

 

22/01/2021 12:33 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Viridiana (1961)

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    Viridiana: "Yo no soy como usted, que tiene a su esposa".

    Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga".

  Otra  de las obras maestras del cine español y de género dramático llevada a la pantalla de una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelista, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo XIX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por varios especialistas y estudiosos de su obra como el mayor novelista español después de Cervantes.

  Del guión se encargaron Julio Alejandro. Un poeta y escritor nacido en Huesca, Fundamentalmente conocido por su labor como guionista de Luis Buñuel y considerado como uno de los mejores guionístas de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Eeliz Año amor mio". A principios de los años 80 regresó a España pasando sus temporadas entre Jaén y Madrid.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Luis Buñuel. Un cineasta nacido en Calanda (Teruel). En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director español causó sensación en Paris con "Un perro andaluz"-1929, creada en colaboración con Salvador Dali. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar una fina nube cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar.

  Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro"-1930, mucho más apólitica, sobre todo en su ataque a la iglesia católica. Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subvalorados melodramas en el que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos que se creian blasfemos. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal de Buñuel, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera"-1964 le siguió "Bella de dia"-1967, su película más retorcida. En ella un análisis freudiano contacta el deseo sexual con el capitalísmo, "El discreto encanto de la burguesia"-1972 realiza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad"-1974 y "Ese oscuro objeto del deseo"-1977, son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo.

  A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza y en la finca de don Jaime, tio de una chica llamada Viridiana allá en 1960. Esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por redección de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana, que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, idealísta y frágil. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficionado a la música de órgano. Jorge hijo biológico de don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película suma drama y análisis sociológicos. Enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en don Jaime a causa de su gran parecido que tiene con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de Viridiana se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos del tio.

  El idealismo y la ingenuidad de la joven novicia entran en conflicto con el espiritu materialistsa y utilitarista de su primo Jorge. La personalidad, las creecias y las actitudes de Viridiana se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perspectivas.

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convinciones. Como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestacciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdotes, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes, como el cuchillo que se dobla en forma de cruz, de fabricación nacional y de libre circulación en el mercado del momento. Una hoguera de objetos en desuso evoca, posiblemente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilía, abusos sexuales, intentos de violación, vouyerísmo, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...).

  Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, simbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enajenados, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan las metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, La paloma blanca muerta y desplumada es una premonición de la pérdida de la inocencia.etc.

  La banda sonora fue dirigida por Gustavo Pittaluga. Un compositor y director de orquesta nacido en Madrid. estudió derecho y al mismo tiempo música con el maestro Oscar Esplá. Tras la guerra civil se estableció en México y alli compuso bandas sonoras para varias peliculas de Luis Buñuel como "Los olvidados"-1950. En 1962 regresó del exilio y se estableció en Madrid, donde llevó una vida apartada de toda actividad pública.

  Y aqui, ofreciéndo fragmentos del "Aleluya" de Händel, de la "Misa de Requiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonia de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Sake Your Cares Away").

  La fotografía en blanco y nrgro fue obra de José Aguayo, Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con "Castañuela"-1945 de Ramón Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983 de Rafael Gil, la última, intervino en casi más de 120 películas. Destaca su colaboración con Juan de Orduña al principio de la posguerra en titulos miticos como: "Locura de amor"-1948 y "El ùltimo cuplé"-1957. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel en dos obras maestras que realizó en España "Viridiana"-1961 y "Tristana"-1970.

  Y aqui, componiendo unas imágenes evocadoras y sugestivas, que traen a la memoria, la vieja España negra. En varios pasajes se inspiró en grandes maestros de la pintura (Goya, Jean-François Millet y Da Vinci).

  Magistral el mano a mano entre dos monstruos del cine español: Francisco Rabal, "Llanto por un bandido"-1964 y Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1980. Rabal dando vida a Jorge y Rey a don Jaime, y entre los dos una gran Silvia Pinal, "Maribel y la exraña familia"-1960 metida en el cuerpo de Viridiana.

  Y atención a los secundarios de lujo como por ejemplo: José Calvo, "Carta de amor de un asesino" -1973 como don Amalio; Margarita Lozano, "Los Tarantos"-1963 como Ramona; José Manuel Martin, "El último viaje"-1974 como el Cojo; Joaquin Roa, "Jenaro, el de los 14"-1974 como don Ezequiel; Lola Gaos, "Tristana"-1970 como Enedina; Maria Isbert, "El bosque animado"-1987 como Beggar. Y para terminar Teresa (Teresita) Rabal, "Los buenos dias perdidos"-1975 como Rita, la niña.

  En definitiva: Una película de Buñuel segundo por segundo. Una película tan satánica como celestial. Una película  para verla una y mil veces más.  Matricula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de curiosidad: Fue la primera película que Buñuel rodó en España tras su marcha del pais en 1938. Se rodó en escenarios naturales de una finca de las afueras de Toledo y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

 

 


 

13/01/2021 18:18 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El cochecito (1960)

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  "Me dejarán el cochecito en la cárcel?"

  Obra maestra del cine de comedia-satírica y de nacionalidad española llevada al cine con un guión de Rsfael Azcona. Un escritor y guionísta nacido en Logroño y muy consideradp en el cine español con películas como: "El pisito"-1959, "Plácido"-1961 y "El verdugo"-1963, entre otras muchas joyas de nuestro cine. Comenzó como novelista y desde 1951 colaboró en revistas humorísticas como "La codorniz". Gracias al director itaiano Marco Ferreri entró en el mundo del cine, del que ya nunca abandonó.

  En 1999 reescribió su primera novela, "El pisito", que a todos los efectos, según el critico Juan A. Rios Carratalá. editor de la nueva edición es "a todos los efectos, un relato escrito basado en la película que a su vez, se inspiró en la novela de 1957". Es el guionista (hasta la fecha) con mayor número de Premios Goya (6) y nominaciones (12) en las categorias a Mejor guión original y Mejor guión adaptado, además del Goya de Honor que recibió en 1998.

  Asi pues, Ferreri nos lleva a Madrid en los meses de invierno de 1960 y nos mete en la vida de Don Anselmo, un jubilado de más de 70 años que vive en la casa de su hijo Carlos, un procurador de oficio, del cual depende economicamente. Don Anselmo comparte amistad con Lucas, que adquiere un cochecito a causa de su discapacidad motriz que le afecta...

  La película es una comedia dramática, muy bien pertrechada de elementos surrealistas, esperpénticos, negros e irónicos, que son presentados bajo la apariencia de un relato neorrealísta. Se muestra como personas con discapacidad pueden integrarse socialmente y desarrollar una vida saticfactoria. Explica que personas en situación de riesgo social pueden verse empujadas a la marginación y exclusión social por causas diversas (incomprensión familiar, insuficiencia de recursos, edad avanzada, dependencia económica, etc.).

  Explica que los picaros tienden a aprovecharse injustamente de la debilidad ajena para imponer sus intereses y obtener beneficios, que los ancianos tienen dificultades específicas de relación y comunicación que deben ser atendidas, que la indiferencia ante personas en situación de riesgo social  genera marginación, que las personas con discapacidad pueden crear entre ellas relaciones de exclusión, que la ciudad es un lugar muy apto para las actividades integradoras.

  No falta en la película la escena de una comilona (reúne a Alvárez, don Vicente y don Anselmo). Pueden verse criticas al régimen autoritario del pais y a su situación politica y económica en unos momentos de incertidumbre y cambio. Con todo, el objeto de la pelicula consiste en ofrecer, sobre tdo, un discurso de humor basado en lo ridiculo, grotesco y esperpéntico que acompaña con frecuencia a la condición humana.

  De la música se encargó Miguel Asins Arbó. Un compositor nacido en Barcelona. En 1944 ingresó por opsición en el Cuerpo de Directores del Ejército de Tierra con el número uno de su promoción. Se retiró del ejército con el grado de comandante, y pasó a ocupar la cátedra de acompañamiento en el Conservatorio de Música de Madrid. Compuso una multitud de géneros: orquesta, banda de música etc., contribuyendo eficazmente al incremento del repertorio  sinfónico valenciano (aunque nacido en Barcelona su carrera la desarrolló totalmente en Valencia) de estas agrupaciones, para el cine, música de cámara, canciones, etc..

  Para el cine compuso música en muchas y variadas películas donde hay que destacar: "Plácido"-1962, "El verdugo"-1963 y "La vaquilla"-1985 entre como digo oytras muchas mas. En 1950 ganó el Premio Nacional de Múica.

  Y aqui, aportando una partitura original para banjo y percusión, que hace crear un clima extraño y popular, muy acorde con la acción.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Juan Julio Baena. Un director de fotografia nacido en Alcazar de San Juan (Ciudad Real). Comenzó su carrera en el cine en 1959 con "Los golfos" de Carlos Saura y en 1960 con "El cochecito". Obtuvo la medalla del CEC a la mejor fotografia por "Búsqueda de las estrellas". Cuenta también en su haber con "La tia Tula" y "Con el viento solano" ambas de 1965. También trabajó para la televisión en 1968 en la serie "Cuentos y leyendas".

  Y aqui, recreándose con unos planos largos y distantes, que alejan los personajes del espectador y propician la no identificación  de éste con aquellos. De ese modo se establecen espacios abiertos a la ironía, la ridiculización y el sarcasmo. Con frecuencia se muestra a los discapacitados de espaldas y a cierta distancia. Abundan las tomas en exteriores de Madrid, que tienen gran valor documental (escolares de uniforme acompañados de dos monjas de la Caridad, visitas al cementerio, obras en la via pública, tráfico, etc.).

  Sensacional (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de Don Anselmo. Y con él otro grande de nuestro cine José Luis LópezVázquez, "Mi querida señorita"-1972 como Alvarito. Seguidos por: Pedro Porcel, "El sol en el espejo"-1963, como Carlos el hijo de Don Anselmo; Maria Luisa Ponte, "Moros y cristianos"-1987 como Matilde; José Lepe, "Plácido"-1961 como Lucas; Angel Alvárez, "El anacoreta"-1976 como Alvárez; Maria Isbert, "El primer divorcio"-1982 como Andrea; Chus Lampreave, "Volver"-2006 como Yolanda...

  En definitiva: Uno de los grandes clásicos del cine español (y europeo). Una feroz critica social y un impresionante trabajo del gran José Isbert. Matricula de Honor.

  "El cochecito" logró el Premio de la critica en el Festival de Venecia en 1960.

 

 

 

08/01/2021 09:39 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Un dia en Nueva York (On the Town - 1949)

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      Ellos pintan la ciudad con alegria

  Entretenidísima película de género musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Adolph Green, "Cantando bajo la lluvia" ("Singing’ in the Rain"-1952) y Betty Comden, "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955). Comden, una actriz y escritora nacida en Nueva York, al igual que Green, y ambos tuvieron una colaboración muy estrecha escribiendo guiones y canciones de algunos de los musicales más famosos del cine, y en películas mientras formaron parte de la unidad de producción de Arthur Freed en la MGM, en los años de mayor éxito del género. Mucha gente pensaba que la pareja eran matrimonio, pero únicamente eran colaboradores compartiendo un genio cómico único y sofisticado que les permitió, a lo largo de seis décadas producir algunos de los mayores éxitos de Hollywood y del circuito de Broadway.

  "Un dia en Nueva York" está dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly. Donen, un director nacido en Carolina del Sur. A Donen se le asocia con algunas de las películas más innovadoras de Hollywood de finales de los años cuarenta y cincuenta. Bailarin en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en los espectáculos teatrales de arte y luego en películas. Se le confió la puesta en escena de los números musicales de "Llévame a ver el partido" ("Take Me out ti the Ball Game"-1949), donde Kelly actiaba junto a Frank Sinatra.

  La primera película de Stanley Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly, que compartía la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, pero más viril y realista. "Un dia en Nueva York" también reutilizaba exteriores de la ciudad de Nueva York. Tras realizar "Bodas reales" ("Royal Wedding"-1951), con Fred Astaire, Stanley Donen dirigió de nuevo a Kelly en "Cantando bajo la lluvia" ("Singin ’ in the Rain"-1952). Considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actuación de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), fue un enérgico musical rural, con coreografía de Michael Kidd. Donen volvió a trabajar con Kelly y Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"´-1955), "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más comercial, permitió a Donen trabajar de nuevo con Fred Astaire. En "Juego de pijamas" ("The Pajama Game"-1957) compartió la dirección con George Abbott, que escribió y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscret"-1958), Stanley Donen volvió a compartir dirección con George Abbott en "Malditos yanquis" ("Damm Yankees!"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las peliculas románticas. Trabajó dos veces más con Cary Grant, en "Página en blanco" ("The Grass is Greener"-1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una road-movie con el romanticismo. Las últimas películas de Donen fueron manidas, y carentes de la energia cde sus primeros trabajos.

  Gene Kelly. Un actor y director nacido en Pensilvania. Fue el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac, y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz, ronca y melòdica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Broadway con "Pal Joey", de Rogers y Hart, y seguidamente marchó a Hollywood para aparecer junto a Judy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Gal"-1942). "Las modelos" ("Cover Girl"-1944) le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominado para el Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945).

  Gene Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin ’ in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Alway Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles. Su trabajo con Vincent Minnelli en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) no desmereció a las películas anteriores, aunque presentaba un mayor estilismo. "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956) dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un hilo conductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello, Dolly!"-1969, con Barbra Streisand fueron más convencionales. En 1951 fue galardonado con un Oscar especial por su carrera coreográfica. Fue el presentador ideal para la recipilación de grandes musicales realizados por la MGM, "Eráse una vez en Hollywood" ("That’s Entertaiment!"-1974) y sus secuelas.

  Asi pues, Donen y Kelly nos llevan hasta Nueva York a lo largo de las 24 horas (de 6 de la mañana a 6 de la mañana), de un dia de primavera de 1949. Y nos muestran la historia de tres marinos, Gabey, Chip y Ozzie, natuturales de pequeñas poblaciones del interior de Estados Unidos y que no conocen Nueva York y por supuesto quieren descubrirla y vivirla intensamente, durante esas 24 horas. Conocen a Ivy, ganadora de un concurso de belleza y estudiante de ballet; a Brunhilde "Hilde" taxista desenvuelta, y a Claire estudiante de antropología. Asi forman tres parejas: Hilde - Chip; Ivy-Gabey; y Claire - Ozzie, avidos de vivir y divertirse...

  La película suma musical, comedia y romance. El argumento es sencillo y esquemático, pero suficiente para sostener los números musicales. Las escenas rodadas en los exteriores de Nueva York confieren a la historia un brillo especial. La ciudad alegre y fascinante, se erige en protagonísta de la película.

  Las tres parejas recorren la ciudad: visitan la estatua de la Libertad, el Museo de Historia Natural, el Symphony Hall, el Rockefeller Center, el Metro, el Puente de Brooklyn, el puerto, Central Park, Wall Street, etc. La ciudad se presenta como un conjunto monumetal vivo, en el que florecen con esplendor la musica, el baile, la pintura, las finanzas, el progreso, la ciencia, la enseñanza, la alegria, etc. La visita nocturna muestra salas de fiestas abarrotadas, ambientes de diversión con música y baile y la presencia mayoritaria de una juventud que impone alrgria y sus ganas de vivir.

  Bajo la apariencia de una historia sencilla e inocente, la película apuesta a favor de la nueva cultura, los nuevos valores y las nuevas costumbres surgidas en los años de la 2ª Guerra Mundial y que se encuentra en proceso de generalización y consolidación. Muestra con complaciencia la figura de la mujer trabajadora, con iniciativa, independiente, libre de viejos prejuicios, que convive con los chicos en términos de igualdad, hace deporte (incluso atletismo) y es capaz de llevar la iniciativa.

  Entre bromas  y risas, el guión apoya con decisión los valores propios de los nuevos tiempos y la ruptura que suponen cin los viejos. La chica es la que elije al chico, no oculta la pulsión del deseo y sin remilgos al muchacho a hacer el amor en su casa.

  Se hacen varias referencias explicitas al australophitaus como el "Hombre erecto". La antropología muestra su interes por el cuerpo masculino y sus proporciones. Un erotismo sugerido, sútil y natural, informa los bailes. las letras de las canciones y el texto de un guión que pone en boca de Hilde estas palabras: "El queria ver vistas y yo se las he enseñsado todas".

  Se presentan en términos criticos los valores de los mayores, como la mercantilización de favores, atenciones y excepciones, hecho que lleva a hacer la parodia del proverbio segú el cual "Todo es posible en Nueva York". Critica la hipocresia de los mayores, la aficción desmesurada al alcohol de algunos de ellos, la codicia de la profesora anciana, la corteza de miras del empresario del taxi, la falta de perpectiva del científico, que cuida del dinosaurio, la ineficacia de la policia y sus reacciones desproporcionadas y desmesuradas.

  El humor, presente a lo largo de toda la película, se apoya en lances nada inocentes de lucha de sexos, transgresiones de las viejas convenciones sociales, ridiculización de las antiguas normas de conducta, etc. Se sirve de dos personajes cómicos, el policia poeta (antitésis del policia) y de la ingenuidad de una de las chicas (Pearce), bondadosa, comprensiva y timida. La película compone un canto gozoso y optimista de exaltación de la juventud, la gente trabajadora y sencilla, la alegria de vivir, la diversión y el buen humor, la amistad, el compañerísmo, el compolitísmo, la convivencia multirracial, el deporte, el deseo, el erotísmo, el beso, el sexo, la música, la danza, las canciones, el champán, la libertad y el amor.

  La banda sonora corrió a cargo de Leonard Bernstein, Roger Edens y Lennie Hayton, es brillante, alegre, festiva y cautivadora. Sobresalen las canciones "New York, New York", "My Place", "On the Town". etc.

  La fotografía a todo color fue obra de Harold Rosson. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en 1908 como actor. En 1920 hizo un contrato con Mary Pickford trabajando principalmente con su hermano Jack Pickford. En 1930 y ya como director de fotografía firmó con la MGM y dirigió algunas de las películas más populares de estos estudios como: "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939) y "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’ in the Rain"-1952). Después de una larga y exitosa carrera en Hollywood, se retiró en 1958. Pero salió brevemente de su retiro para hacer "El Dorado"-1966 protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

  Y aqui, moviendo la cámara con precisión, componiendo encuadres milimétricos y sirviéndose de un cromatismo saturado de gran efectísmo. Se beneficia de un decorado espectacular y de un vestuario elegante y sencillo, a tono con la sobriedad de los uniformes de la Marina. Algunas de las secuencias (persecuciones) se presentan a velocidad acelerada para incrementar los sentimientos de tensión y suspense. No falta por supuesto la escena neoyorquina de vértigo.

  Muy bien los tres marinos: Gene Kelly, "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) como Gabey; Frank Sinatra, "Como un torrente" (Some Came Running"-1958) como Chip y Jules Munshin, "La bella de Moscú" ("Silk Stockings"-1957) como Ozzie. Y muy bien las tres chicas por supuesto: Betty Garrett, "Mi hermana Elena" ("My Sister Eileen"-1955) como Esterhazy; Ann Miller, "Bésame, Kate" ("Kiss Me Kate"-1953) como Claire y Vera Ellen, "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954) como Ivy.

  En definitiva: Un espléndido musical humorístico, lleno de referencias implícitas al sexo y de ritmo frenético (a pesar de tener un solo dia). Una película para disfrutarla a tope.  Sobresaliente.

  "Un dia en Nueva York" logró el Oscar a la Mejor banda sonora.

  A modo de curiosidad: el musical fue estrenado en Broadway en el Adelph Theater el 28 de diciembre de 1944.


24/12/2020 11:04 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the SierraMadre - 1948)

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  "No he conocido a un buscador que haya muerto rico."

  Espectacular película de género de aventuras y de género estadounidense llevada al cine de una novela de Bruno Traven. Un actor y novelísta nacido en Alemania. Sus comienzos fueron como aprendiz de mecánico en 1901 cambió de domicilio y marchó a la Baja Sajonia donde hizo el servicio militar. En 1907 trabajó como actor en diversos teatros de provincias (en pequeños papeles). Marchó a México en 1924 donde se vió influido por la Revolución mexicana y en donde escribió sus primeras novelas. Desde México envió sus manuscritos que se traducieron en 44 idiomas. Es ampliamente conocido entre su grupo de amigos de México entre los que figuran Gabriel Figueroa, Tina Modott, Frida Kehlo y Esperanza López Mates (su primera traductora).

  Del guión se hizo cargo el mismo director es decir John Huston. Un cineasta nacido en Nevada (Estados Unidos). Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentememte desiguales. A lo largo de su carrera sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra desigual, combinando películas en las que se entregaba a fondo con otros proyectos a los que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodista e uncluso a formar parte de la caballeria mexicana, en 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Bros. Hizo su debut como director en "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

 

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y de público, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas entre ellas "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de critica y público. "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948), que esbozó uno de sus temas favoritos: una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores peliculas entre ellas, "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950)  y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951).

  Durante los años sesenta, perdió del favor de la critica, pero recuperó su prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972), una mirada compasiva al mundo de los boxeadores, y a su épica "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Would Be King"-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979), una parábola oscura y cómica sobre el pecado y la salvación.

  Su última película "Dublineses" ("TheDead"-1987), rodada mientras estaba conectado a un pulmón de acero en la última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias, basada en el relato de James Joyce, esta despedida emotiva brilló con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  Asi pues Huston nos lleva hasta Tampico (México), y mas concretamente a Sierra Madre y en el camino entre ambas localizaciones, a lo largo de 10 mese, entre febrero y diciembre de 1925. Alli Fred C. Dobbs, Bob Curtin y Howard, tres perdedores norteamericanos residentes en Tampico, que se conocen en el dormitorio municipal para indigegentes "El oso negro". Con el propósito de cambiar su suerte, deciden ir a las montañas en busca de oro. Dobbs es  de media edad, sin trabajo, es desconfiado, mezquino, paranoíco y vive a la deriva. Curtin es joven, ingenuo y honrado. Howard, viejo buscador de oro, tiene principios y es experimentado, sensato y conciliador...

  La película suma aventuras, drama, western y acción. Basicamente para mi, es una historia de aventuras, en la que estas no constituyen el fin último del relato, sino el medio através del cual Huston explora aspectos de la condición humana relacionados con la ambición, la codicia, la avaricia y el egoismo. Su estudio se plantea, sobre todo, cuando el ser humano se ve sometido a condiciones extremas, sean fisicas (deshidatración, fatiga, desnutrición...), psicológicas (desesperación, desamparo, soledad...) o emocionales (angustia, miedo...).

  Muestra como y en que medida la obtención del oro tiende en general, a impulsar afanes de posesión, acumulación y rapiña. Estas conductas en algunos casos se menifiestan como reflejo de estados de descontrol, aliencción o locura. La fascinación que, en general, el ser humano siente por el oro puede dar lugar a enfrentamientos, disputas y luchas cruentas, derivadas de pulsiones asociadas a la codicia.

  Los choques personales se plantean y resuelven en la película, por medio de un juego brillante de diálogos, que dibuja un cuadro complejo y rico en detalles de la psicología y de las interrelaciones de los personajes.

  Se analiza la camaraderia masculina y sus contrarios: el individualísmo, el egoísmo y las disputas que esterilizan la cohesión del grupo. Se construye un retrato no superado en otras peliculas de la figura del derrotado por la vida y del fracasado. Se explora con lucidez la mediocridad, mezquinidad, debilidades y miserias del ser humano. Se envulve la acción en una atmósfera desosegante.

  La película se apoya en un etraordinario guión que capta muy bien el espiritu de la novela original y lo traslada con eficacia a la pantalla. Destaca la magnifica dirección de actores, de los que Huston extrae soberbias interpretaciones.

  La banda sonora fue dirigida por Max Steiner. Un compositor nacido en Viena (Austria) (nacionalizado estadounidense). Se estableció en Hollywood en 1929 cuando empezó el cine sonoro, con obras maestras como "Lo que el viento se llevó" ("Gome Whit the Wind"-1939). Estuvo nominado al Oscar en 20 ocasiones obteniéndolo en 3 ocasiones por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942) y "Desde quete fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui ofreciéndo una partitura orquestal de tonos grandiculentes, que sabe aprovechar el lirismo de los solos (trompeta, armónica...), la emotividad del canto coral (escena del poblado) y el aire feativo de las melodias mejicanas. Tiene un formato de fanfarria el corte "En marcha".

  La fotografia en blanco y negro fue dirgida por Ted D. McCord. Un director de fotografía nacido en Indiana. Sus comienzos fueron como ayudante de laboratorio cuando contaba 17 años de edad. Su primera película acreditada como director de fotografía fue "Sacred and Profane Love"-1921. A principios de 1930 pasó breve periodos en la Universal, Columbia y RKO y finalmente se estableció en la Warner Bros. Estuvo nominado al Oscar por "Belinda" ("Johnny Belinda"-1948) y por "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1985).

  Y aqui creando una visualidad de composiciones muy bien construidas, aportando a las imágenes verismo y realismo clasicista y añadiendo algunas secuencias espectaculares.

  Magistral el trio protagonísta encabezado por  el actor fetiche de Huston es decir por Humphrey Bogart, "La condesa descalza" ("The Bareffot Contessa"-1954) como Dobbs, y seguido por (el padre del director) Walter Huston, "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942) como Howard, y por Tim Holt. "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942) como Curtin.

  Y muy bien secundados por: Bruce Bennett, "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) como Cody; Barton MacLane, "El último refugio" ("High Sierra"-1941) como Pat McCormick; Alfonso Bedoya, "La rosa negra" ("The Black Rose"-1950) como Gold Hat...

  En definitiva: Una de las obras cumbres de la cinematografia mundial, y de John Huston en particular.  Matricula de Honor.

  "El tesoro de Sierra Madre" logró 3 Oscar en 1948: Mejor director, Mejor Actor secundario (Walter Huston) y Mejor guión.

  Como curiosidad: En la pelicula John Huston hace un pequeño papel dirigido por Bogart, en el interpreta a un turista americano. Bogart se tomó muy en serio su trabajo, y le hizo repetir en numerosas ocasiones la escena. Las malas lenguas aseguraron que Bogart lo hizo con intenciones maliciosas.

 

 

 

 

 

 

10/12/2020 17:15 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Larga es la noche (Odd Man Out - 1947)

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  Unos quieren salvarse, otros quieren la recompensa...

  Magnífica película de género dramático y de nacionalidad británica, llevada al cine de una novela de F. L. Green. Un escritor nacido en Inglaterra. Publicó su primera novela en 1934 titulada "Julius Pentun". Su última obra fue "Ambush for the Hunter" publicada en 1953.

  Del guión se encargaron el mismo Green y R. C. Sherriff. Un escritor nacido igualmente en Inglaterra. Estudió en el New College de Oxford de 1931 a 1934. Primero escribió una obra de teatro para ayudar al Kingston Rowing Club con motivo de recaudar fondos. Estuvo nominado al Oscar por su guión adaptado en la película "Adios, Mr. Chips" ("Goodbye, Mr. Chips"-1939) protagonizada por Robert Donat y Greer Garson.

  "Larga es la noche" está dirigida por Carol Reed. Un director nacido en Londres. Las primeras películas de Carol Reed fueron muy dispares, desde dramas sociales como "El amor manda " ("Bank Holiday"-1938) a comedias hilarantes como "Cuidado con lo que haces" ("Climbing High"-1938). Su primera película importante fue "Las estrellas miran hacia abajo" ("The Stars Look Down"-1940) narra el ascenso del hijo idealista de un minero hasta un puesto en el gobirerno, y muestra una adusta autenticidad en las escenas de la bocamina. Luego dirigió una de las mejores películas británicas de propaganda bélica, "Hacia adelante" ("The Way Ahead"-1944).

  Tras la guerra Carol Reed realizó tres películas personales, que revelan un incierto fatalismo y una percepcion de la ironia trágica, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) narra las últimas horas de un nacionalista irlandés que huye a Belfast. "El idolo caido" ("The Fallen Idol"-1948), el hijo de un diplomático cree haber visto cometer un asesinato al único hombre al que aprecia. "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) que se desarrolla en la ciudad dividida de Viena, un ingenuo estsdounidense tiene que reconocer que su más viejo amigo es un malvado explotador y asesino. Las dos últimas pelìculas se basan en un guión de Graham Greene. "El tercer hombre" está considerada de inmediato como un clásico, alcanzan su punto culminante las mejores cualidades de Reed: su sensibilidad para las localizaciones y su arte para elegir y dirigir a los actores.

  Posteriormente, Carol Reed pareció perder el rumbo, " Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) resultó decepcionante y "Se interpone un hombre" ("The Man Between"-1953) parecia una cansada reiteración de "El tercer hombre". Solo en dos ocasiones dió sintomas de recuperar su buena forma, "Nuestro hombre en la Habana" (Our Man in Havana"-1959) volvió a reunirle con Green en una sarcástica comedia de espias con estilo y "Oliver"-1968, su alegre versión cinematográfica del musical dickensiano de Lionel Bart, que fue acogida con una bateria de premios de la Academia.

  La acción tiene lugar en una ciudad portuaria del norte de Irlanda (Belfast), a lo largo de unas 12 horas (de mediodia a medianoche) en torno a 1920 antes de  la independencia de Irlanda (1923). Y narra la historia de Johnny McQueen, lider de  una cédula del Sin Fein, organización independiente. Tras 6 meses en prisión hasta su huida y 6 meses de reclusión en casa de Kathlen Sullivan, Johnny planea un atraco para obtener fondos para la financiación del grupo. Cuenta con la ayuda de Nolan, Murphy y Pat...

  La película nos muestra un pueblo irlandés en el que el compañerismo, el sentido de la amistsd, la religiosidad y el catolicismo imformam el ambiente colectivo. Pese a ello. el temor a las represalias en tiempos de guerra hacen mella en el ánimo de muchos, incluidos los compañeros del atraco. La ciudad de Belfast, simbolo de Dublin, se erige en un protagonista activo y relevante de la película, a la que aporta un escenario magnífico de callejuelas estrechas, rincones sombrios, edificios abandonados y viviendas cerradas ante el despliegue militar.

  Herido a la salida de la fábrica y tras caer del coche en el que huia, se ve inmerso en un viacrucis de dolor fisico y moral. En su calvario se topa con personajes diversos que ante su situación reaccionan de diferente modo. Un mendigo pide dinero para revelar su paradero, el pintor Lucky quiere aprovechar su rostro para crear una obra maestra, un cochero le ayuda hasta que lo abandona en un rincón oculto, unos taberneros lo acogen con el cierre anticipado del establecimiento. El padre Tom quiere salvarle la vida y entregarlo a la policia.. Solo Kathleen le busca sin condiciones y con propósitos firmes.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Robert Krasker. Un director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto), pero su nacimiento se registró en Australia, viajó a Inglaterra en 1937 a través de estudios fotográficos en Paris y Dresde (Alemania), alli encontró trabajo gracias a Alexander Korda para sus estudios London Films, donde se convirtió en un operador de alto nivel de la cámara. Su primera película como director fue "El sexo débil" ("The Gentle Sex"-1943) dirigida por el actor Leslie Howard.

  Las películas de Krasker estuvieron fuertemente influidas por el cine negro y el expresionísmo alemán. Logró un Oscar por "El tercer hombre" ("The Third Men"-1949) dirigida por Carol Reed. Fue el primer director de fotografía australiano en ganar un Oscar.

  Y en esta angustiosa soledad de un fugitivo mostrando como si fuera un sueño expresionísta de sombras angustiosas, encuadres de abajo arriba inquietantes imágenes distersionadas en cámara subjetiva, de relojes que marcan la acción contrareloj (atraco, huida de la policia, etc.). Son escenas memorables la caida del coche y la escena final, de factura magistral. La lluvia intensa y el frio de nieve incrementan la desprotección de Jonnny.

  La banda sonora fue realizada por William Alwyn. Un compositor y director de orquesta nacido en Northampton (Inglaterra). Desde muy temprana edad mostró su interes por la música y comenzó a aprender el flautín. A los 15 años ingresó en la Royal Academy of Music de Londres. Años mas tarde trabajó como profesor de composición desde 1926  a 1955. Su producción musical ha sido muy variada y llegó a componer bandas sonoras para más de 70 películas desde 1941 a 1962 incluyendo titulos como "Los asesinos del Kilimanjaro" ("Killers of Kilimanjaro" -1959) protagonizada por Robert Taylor y "Sombras de dsospecha" ("The Naked Edge"-1961) que fue la última película del gran Gary Cooper.

  Y en esta huida sin destino ampliando con un gran dramatismo y suspense en cada una de las escenas.

  Sensacional James Mason, "Lolita"-1962 metido en el maltrecho cuerpo de Johnny McQueen. Y seguido por Robert Newton, "El pirata Barbanegra" ("Blackbeard the Pirate"-1952) como Lucky; Cyril Cusak, "La mujer indomable" ("The Taming of the Shrew"-1967) como Pat; F.J.McCormick, "La osa mayor y las estrellas" ("The Plough and the Stars"-1936) como Shell; William Hartnell, "El ingenuo salvaje" ("This Sporting Life"-1963) como Francie; Dan O’Herlihy, "Robocop"-1987 como Nolan; Kathleen Ryan, "Orgullo de raza" ("Captain Lightfoot"-1955 como Kathleen Sullivan...

  En definitiva: Una magnifica película y con un final sencillamente memorable. Sobresaliente

  "Larga es la noche" estuvo nominada al Oscar al Mejor montaje.

01/12/2020 19:00 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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