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Un hombre llamado Caballo (A Man Called Horse - 1970)

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  "¿Cómo podeis comprar o vender el cielo. o el calor de la tierra?"

  Una película muy interesante de género de western, pero no es el típico western de duelos y tiroteos si no que es una historia más bien antropológica de supervivencia enmarcada eso si, dentro del contexto del lejano oeste americano. Basada en una novela de Dorothy M. Johnson. Una escritora nacida en Iowa. Su carrera como escritora comenzó a despegar en la década de 1930 cuando vendió su primer articulo a The Saturday Evening Post por 400 dólares.

  Entre 1956-60 enseñó escritura en la Universidad de Montana. En 2013 fue incluida en el Salón de la fama de Montana Cowboy y Western Heritage Center por el "Legacey Award" por sus notables contribuciones a la historia y cultura de Montana.

  El guión se le encargó a Jack DeWitte, "Sitting Bull, casta de guerreros" (Sitting Bull"-1954). Un escritor nacido en Arkansas y famoso por sus novelas la mayoría de temática western, y muchas de ellas llevadas no solamente al cine si no también a la televisión como por ejemplo la emblemática serie "Cheyenne"-1956.

  "Un hombre llamado Caballo" está dirigida por Elliot Silverstein. Un director nacido en Massachusetts. Sus comienzos fueron en la televisión donde estuvo por espacio de casi diez años con series muy famosas tales como: "Doctor Kildare" donde rodó 14 episodios. En 1965 dió el salto al cine con "La ingenua explosiva" ("Cat Ballou"), que cosechó un enorme éxito tanto de critica como de público. La película logró un Oscar al mejor actor (Lee Marvin) y cinco nominaciones. Aunque Silverstein no era un director prolífico, pero sus películas fueron siempre muy bien acogidas. Entre  sus palmarés cuenta con un Premio DGA honorario vitalicio que se le concedió en 1990. Actualmente vive en California retirado totalmente del cine.

  La acción nos lleva hasta el año 1843 y en donde un grupo de cazadores blancos es atacado, por los indios crows. Todos mueren, excepto el jefe del grupo, un jovén inglés que es tomado por un caballo y conducido prisionero ante el jefe de la tribu, que se lo regala a su madre como esclavo. En el poblado indio, un mestizo le alecciona sobre la forma de huir y, de este modo, se convierte en un guerrero más de los crows. En la primavera, este se encuentra acarreando carne cuando una joven india hermana del jefe, le ofrece agua. La vieja india golpea al blanco. La joven india le defiende y los dos acaban enamorándose...

  Una muy interesante película, si señor. No tanto por la acción tan característica que vemos en el género del western, si no porque el director nos habla de la libertad, de la eterna lucha entre indios y "blancos", del sentido de pertinencia a una comunidad, del maltrato deshumanizante, de las salvajes costumbres y ritos aborígenes, de la transformación de un ser humano influenciado por el contexto que le rodea, sobre la forzada apropiación de una cultura incivilizada, etc.

  Una película que como bien podemos ver, no es una historia que proponga ocasión intensa propia del clásico western, sino que es una oferta que se ocupa de mostrar cómo un hombre, en su lucha por sobrevivir, decide poco a poco apropiarse de una cultura ajena y desconocida, mutando y transformandose desde lo más íntimo de su existencia.

  Muy buena (buenísima) la fotografía en color y en formato 70mm., dirigida por Robert B. Hauser, "Soldado azul" ("Soldier Blue"-1970). Un director de fotografía nacido en Washington. Sus comienzos fueron en la televisión en series tan importantes como "Los intocables" y "Peyton Place". En 1971 debutó en el cine con "Las 24 horas de Le Mans" ("Le Mans") protagonizada por Steve McQueen. Estuvo nominado dos veces a los premios Emmy en 1963 y 1978.

  Y en esta historia sobre transformación de un ser humano, mostrándonos unas imágenes antológicas llenas de color con algunas escenas escalofriantes como la del juramento al Sol, una escena impagable que nunca pasará desapercibida. La película se rodó integramente en escenarios naturales concretamente en Durango (México).

  Sensacional la banda sonora creada  por Leonard Rosenman. Un compositor nacido en Nueva York. En sus inicios trabajó como profesor de piano y de música de cámara. En 1955, por recomendación de James Dean que era uno de sus alumnos, hizo su primera colaboración en el cine con "Al este del Eden" ("East of Eden"), que obtuvo un gran éxito. Sin embargo nunca obtuvo un Oscar, aunque estuvo nominado en dos ocasiones. Aunque su fama se debe a la música cinematográfica, fue también compositor de música clásica. En esta faceta una de sus obras más reconocidas es el Concierto para violín nº2", estrenado en 1977 en el Carnegue Hall.

  Y en este western antropológico y naturalìsta, deleitándonos con una sensacional música, con instrumentos de percusión haciendo aún más desgarradora esta historia de supervivencia. Hay algunos temas antológicos como por ejemplo: "Sioux Chants" y "Naming Sing" entre otros.

  Extraordinario Richard Harris, "El puente de Cassandra" ("The Cassandra Croosing"-1976), metido en la piel de John Morgan un acaudalado lord de Boston que se dedica a viajar por todo el mundo para dedicarse a sus aficciones, especialmente la caza, hasta que un dia es capturado por una tribu india. Y con Harris, Judith Anderson, "Rebeca" ("Rebecca"-1930) en el papel de "Cabeza de Búfala", la madre del primer jefe; Manu Tupou, "Hawaii"-1966, como "Mano Amarilla", el primer jefe de la tribu; Corinna Tsopei, "La playa" ("The Sweet Ride"-1968), como "Cierva Corredora", la hermana del primer jefe; Lina Marin, "Lo que importa es vivir"-1987, como "Rosa de Espina". Y muchos más y buenos secundarios nos encontramos en esta película pionera del nuevo western.

  Resumiendo: Una película que debe de juzgarse en relacción a la época y a las creencias arraigadas en el colectivo. Para mi, es una película revolucionaria que rescata la verdadera naturaleza de la fundación de un imperio que se resiste a la civilzación y que últimamente bombardeó y destruyó nada menos que la cuna de la civilización occidental.  Sobresaliente.

  Como era de esperar "Un hombre llamado Caballo" tuvo dos secuelas más: "La venganza de un hombre llamado Caballo" ("The Return of a Man Called Horse"-1976), dirigida por Irvin Kershner, y "El triunfo de un hombre llamado Caballo" ("Triumphs of a Man Called Horse"-1983), dirigida por John Hough, y las dos interpretadas por Richard Harris también. Lamentablemente ninguna de las dos superó a la primera.

  Como curiosidad, la escena del "Juramento al sol" que es el punto álgido de la película. En su rodaje fue imprescindible el trabajo desarrollado por el maquillador John Chambers, que creó un pecho prostásico con el que fue suspendido Richard Harris.

18/01/2017 18:47 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Moulin Rouge - 1952

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             En recuerdo de: Zsa Zsa Gábor

  El matrimonio es como una comida sosa con el postre al principio, y os aseguro que lo sé de buena tinta... (Zsa Zsa Gábor)

  Magnífica película de género biográfico-dramático y basada en una novela de Pierre La Mure. Un escritor nacido en Niza (Francia) y gracias a la novela "Moulin Rouge" se hizo famoso a nivel mundial, aunque también escribió otra biografía llevada al cine en 1955 sobre la vida de Cécile y Félix Mendelssohn compositores alemanes de música romántica.

  Del guión se hizo cargo Anthony Veiller, "Forajidos" ("The Killers"-1946). Un guionísta y productor nacido en Nueva York y con cerca de 50 películas en su historial cinematográfico. Se trasladó a Hollywood en 1930 y fue nominado al Oscar en dos ocasiones. Trabajó con los mejores directores y durante la Segunda Guerra Mundial trabajó con Frank Capra en varios documentales propagandísticos titulados "Porqué luchas".

  "Moulin Rouge" está dirigida por (que también colaboró en el guión como en la mayoría de sus películas) John Huston. Un director y guionísta nacido en Nevada. Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentemente desiguales. a lo largo de su carrera, sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra tan desigual, combinando películas en las que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodísta e incluso a formar parte de la caballería mexicana. En 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Borthes. Hizo su debut como director con "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de público y de critica, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948) que esbozó uno de sus temas favoritos; una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas, entre ellas "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951.

  Durante los años sesenta, perdió parte del favor de la critica, pero recuperó su prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972) una mirada comprensiva al mundo de los boxeadores, y su épica "El hombre que pudo reinar" (The Man Who Would Be King-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979) una parábola oscura y cómica sobre el pecado y la salvación. Su última película "Dublinenses: Los muertos" ("The Dead"-1987) rodada mientras Huston estaba conectado a un pulmón de acero en la última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias: basada en el relato corto de James Joyce, esta despedida emotiva brilla con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  La historia nos mete en la vida del pintor minusválido Tolouse-Lautrec, quien olvida sus penas bebiendo en el Moulin Rouge de Paris, alli dibuja lo que ve o lo que siente. Está convencido de que estará solo toda la vida. Pero un buen dia (o mejor dicho una noche) conoce a una bella joven necesitada también de ayuda. Se convierten en amantes pero pronto le llegan los rumores de su infidelidad. La echa de su casa e intenta seguir su vida, pero...

  Muy buena película de su género, si señor, casi rozando la obra maestra. Una película con una estética de gran belleza y muy cercana al rigor histórico, el gran Huston nos hace de ver ese Paris bohemio de finales del siglo XIX sirviéndonos un marco perfecto para así retratar la obra de un gran artísta: Tolouse-Lautrec.

  Excelente fotografía en un color claroscuro (como las noches de Pigalle), llevada bajo la supervisión de Oswald Morris, "El violinísta en el tejado" ("The Fiddler on the Roof"-1971). Un oscarizado director fotográfico nacido en Inglaterra. Asistió a la Escuela de Bishopshall y a una edad muy temprana le surgió su interés por el cine, y comenzó a trabajar en el Wembley Estudios haciendo recados a Michael Powell entre otros y sin cobrar dinero alguno. Su carrera fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, después de dejar el servicio militar se unió a los estudios Pinewood como asistente de cámara y poco más tarde como director. Fue miembro de la Real Sociedad Fotográfica y nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico en 1988.

  Y en esta gran historia parisina usando un color de forma desacostumbrada intentando retratar con él el mundo de los pintores impresionístas franceses. La secuencia inicial sigue siendo una maravilla de la fotografía cinematográfica. La película se rodó en Inglaterra pero nos da la impresión de haber sido rodada en aquel Paris de la época y dentro del mítico Molino Rojo, puesto que las escenas de cabaret están llenas de ritmo y de música que lo ha sabido captar a la perfección.

  Maravillosa la música creada por Georges Auric, "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953). Un compositor nacido en Francia. Fue un niño prodigio a los 15 años ya tenía su primera composición. A principios de los años 30 comenzó a escribir partituras para Cocteau escribiendo muchísimas bandas sonoras para películas francesas e inglesas. En 1962 dejó el cine para hacerse cargo de la Opera Nacional de Paris. Compuso dos ballets, y continuó escribiendo música, justo antes de su muerte.

  Y en este excelente "biopic" de Tolouse-Lautrec, haciendo gala de su monumental fama para mostrarnos una música con acorde a aquella época parisina. Sobresaliendo los temas "Bon Vivant Waltz" de Lamber Williamson, "Can-can" de Jacques Offenbach y "Chevalier de la Table Rouge" también de Lamber, entre otras.

  Sensacional José Ferrer, "El motín del Caine" ("The Caine Mutiny"-1954) metido en el tullido cuerpo de Toulouse-Lautrec un artista  que solamente encuentra diversión y amistad en el cabaret Moulin Rouge  de Paris. Al dejar aquella vistosa sala de fiestas deambula por las calles de Monmatre, recordando el accidente de infancia que le convirtió en un enano (un hombre con piernas de niño).

  Y con el gran Ferrer la recientemente fallecida Zsa Zsa Gábor, "Lili"-1953 como Jane Auril, la musa, amiga y confidente del pintor. Y competando protagonísmo Colette Marchand, "Par ordre du tsar" ("Las campanas no suenan"-1954) en el papel de Marie Charlet una joven chica despechada, y en donde Lautrec busca su amistad teniendo con ella al final una relación turbulenta.

  Y atención porque también nos encontramos en aquel Paris a Christopher Lee y Peter Cushing, efectivamente los dos "amigos" de la mítica "Drácula"-1958), los dos en un pequeño papel.

  En definitiva: Una extraordinaria película, no es una obra maestra pero muy poquito le falta. Una historia triste, llena de melancolía. Pero impresionante en sus papeles tanto Ferrer como Marchand. Una espectáculo visual por su fotografía y música que se completa con el magnífico trabajo del maestro John Huston.   Sobresaliente.

  "Moulin Rouge" logró dos Oscar: Dirección artística en color (Paul Sheriff y Marcel Vertés) y Diseño de vestusrio en color (Marcel Vertés), y obtuvo siete nominaciones incluida mejor película. La ganadora fué "El mayor espectáculo del mundo" (The Greatest Show on Earth") de Cecil B. DeMille.

  En 1928 se realizó una versión muda con el mismo título dirigida por Ewald André Dupont y protagonizada por Olga Tschechowa. Y en 2001 Baz Luhrmann dirigió otra con el mismo titulo protagonizada por Nicole Kidman. Aunque ninguna de las dos no tienen nada que ver con la de Huston.

 

 

10/01/2017 10:16 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                      Zsa Zsa Gábor

           La estrella de los nueve matrimonios

  El pasado 18 de diciembre falleció en Los Angeles y a la edad de 99 años la actriz Zsa Zsa Gábor.

  Sus comienzos fueron en los escenarios de Viena y fue coronada Miss Hungría en 1936. Nació en Budapest (Hungría) y en 1941 emigró a Estados Unidos y se convirtió en una actriz codiciada por su "instinto y estilo europeo". Su primer papel en el cine como actriz de reparto fue en "Lovely to Look" ("El amor nació en Paris"-1952). Más tarde actuó en la comedia "We’re Not Married!" ("No estamos casados"-1952) junto a Marilyn Monroe, en la obra maestra ("Touch of Evil" ("Sed de mal"-1958) de Orson Welles, y realizó uno de sus pocos papeles como protagonísta en Moulin Rouge"-1952, dirgida por John Huston, quien la describió como una actriz de gran mérito. Además de sus películas y apariciones en televisión, era más conocida por su serie de nueve matrimonios, incluyendo el magnate hotelero Conrad Hilton y el actor inglés George Sanders.

  Sus padres fueron Vilmor Gábor, militar, y Jenka Tilleman, joyera y mánager de artistas; su abuela Francesca Kande era propietaria de una joyería, Zsa Zsa Gábor era la segunda de tres hermanas Magda (1915-1997), Zsa Zsa y Eva (1919-1995), que también fue medianamente  famosa como actriz. Mujeres de gran belleza, las tres hermanas se movieron en el ambiente refinado de la alta sociedad estadounidense desde que abandonaron su Hungria natal.

  Zsa Zsa Gábor apareció en más de 30 películas y en populares series y shows de televisión, pero fueron su marcado acento húngaro, su carácter ocurrente y sus numerosos matrimonios, las razones por las que se mantuvo durante décadas como una personalidad célebre en Hollywood.

  Al igualn que sus hermanas, Zsa Zsa fue introducida por su madre en el mundo de los espectáculos de varietés; debutó en el club Femina de Viena y en 1936 ganó el concurso de Miss Hungría. Ese mismo año, durante otra de sus actuaciones en la capital austriaca, el popular tenor Richard Tauber le dió un papel (como soprano soubrette) en una opereta.

  En 1941 se mudó a Hollywood en busca de un futuro mejor, lejos de la Segunda Guerra Mundial que azotaba Europa. Le precedía con éxito su hermana Eva, quien había obtenido un papel en la película "Forced Landing"-1941. La guerra tocó de cerca a las hermanas Gábor: sus abuelos murieron en un bombardeo en Budapest en 1944, mientras que su madre consiguió huir a Estados Unidos graciasa la ayuda de un amigo de Magda, que era embajador de Portugal.

  El debut de Zsa Zsa en el cine no fue inmediato; se produjo diez años después de su llegada a América. Antes de conseguir papeles destacados en la gran pantalla, hizo apariciones en programas de radio y televisión en compañía de sus dos atractivas hrmanas. Las tres hermanas y su madre se hicieron habituales en los ecos de sociedad, pues acudían juntas a fiestas haciendo gala de su indudable belleza y chispeante carácter, al que contribuía su acento húngaro.

  El apogeo de la actriz en el cine fue durante la década de1950. Debutó de la mano del conocido director Mervin LeRoy en "Lovely to Look At" ("El amor nació en Paris"-1952), adaptación de la obra "Roberta", un musical de Broadway. Participó después en películas como "We’re Not Meried!" ("No estamos casados"-1952) junto a Ginger Rogers y Marilyn Monroe. en "The Story of Three Loves" ("Tres amores"-1953) de Vicente Minelli y en "El rey del circo" ("3 Ring Circus"-1954) junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En 1953, rodó en Europoa otra comedia, "El enemigo público nº 1" ("L’ennemi public nª 1") protagonizada por el cómico francés Fernandel.

  Seguramente su papel de mayor entidad (como coprotagonísta) fue junto a José Ferrer en la película "Moulin Rouge"-1952 de John Huston, biopic sobre el pintor Tolouse-Lautrec donde encarnó a la cantante Jane Aurit, amiga y musa del pintor. El mismo Huston llegaría a afirmar que Zsa Zsa era "como actriz, digna de crédito".

  Zsa Zsa sumó a su historial cinematográfico otros titulos ahora legendarios, "Lili"-1953, película musical protagonizada por Leslie Caron, y la obra maestra de Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958), con un brillante reparto que incluía a Charlton Heston, Janet Leigh, Marlene Dietrich y el propio Welles.

  Zsa Zsa llegó a trabajar en el cine hispano: encarnó a una española (Marinela) en la co-producción franco-española "Sangre y luces"-1954 junto al francés Daniel Gelin y varios actores españoles entre los que se encontraba Manuel Zarzo entre otros, esta película se presentó en el Festival de Cannes.

  También aceptó trabajos en producciones de serie B, eminentemente comerciales, rodó la película de ciencia-ficción "La reina del espacio exterior" ("Queen of Outer Space"-1958), en la película "The Girl  in the Kremlin"-1957 se codeó con Lex Barker, galán famoso por sus películas de Tarzán y que es ahora recordado en España por su matrimonio cin Tita Cervera.

  A partir de los años 60 su trabajo se centró en espectáculos y series de televisión, colaboró con el humorísta y presentador Bob Hope y tuvo papeles de estrella invitada en múltiples series de varias décadas como "Batman", "Bonanza", "Vacaciones ennel mar", "El principe de Bel Air", etc.. También grabó una versión televisiva de "Ninotchka" (obviamente muy inferior al clásico del cine protagonizado por Greta Garbo) y en 1972 encarnó a la bailarina y espia Mata Hari en la película de humor "Up The Front".

  Dotada de gran sentido del humor en su madurez llegó a parodiarse a si misma en breves papeles en "Pesadilla en Elm Street 3" ("A Night mare on Elm Street 3")-1987 y "Agarralo como puedas 2 1/2" ("The Naked Gun 2 1/2"-1991).

  Etiquetada como una socialité (celebridad) de la jet set hollywoodiense, lo que en cierta manera eclipsó su carrera como actriz, Zsa Zsa Gábor sumó nueve matrimonios, alcanzando en tales lides una gran experiencia y superando el récord de bodas de Elizabeth Taylor (casada ocho veces).

  Se casó por primera vez a los veinte años de edad (con un ninistro turco) y entre sus restantes maridos se contaron el magnate hotelero Conrad Hilton (con quien tuvo su única hija, Francesca) y  el actor George Sanders, de quien se divorció y que tiempo después se casaría con su hermana Magda.

  Estos fueron sus maridos:

  Burhan Asaf Belge (1937-1941, divorciados)

  Conrad Hilton (10 de abril de 1942 - 1947, divorciados)

  George Sanders (2 de abril de 1949 2 de abril de 1954, divorciados)

  Herbert Hutner (5 de noviembre de 1962-3 de marzo de 1966, divorciados)

  Joshua S. Cosden Jr. (9 de marzo de 1966 - 18 de octubre de 1967, divorciados)

  Jack Ryan (21 de marzo de 1975-24 deagosto de 1976, divorciados)

  Michael O’Hara (27 de agosto de 1976-1983, divorciados)

  Felipe de Alba (13 de abril de 1983-14 de abril de 1983, anulado)

  Fréderic Prinz von Anhalt (14 de agosto de 1986-hasta su fallecimiento)

  Zsa Zsa Gábor falleció debido a un ataque cardiaco en su hogar.

  Sári Gábor (Zsa Zsa Gábor) - Budapest (Hungría) - 6- febrero - 1917 - Los Angeles - 18 - diciembre - 2016.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!


06/01/2017 10:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Único testigo (Witness - 1985)

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          Un asesinato  con testigo accidental...

  Magnífica película de género de intriga policiaca con romance y drama incluidos. Basada en una historia de William Kelley, Earl W. Wallace y Pamela Wallace. Del guión se hicieron cargo Earl W. Wallace, "Si las paredes hablasen" ("It These Walls Could Talk"-1996). Un escritor nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron para la televisión en 1970 con episodios de la famosa productora CBS tales como: "La ley del revólver" ("Gunsmoke"). Entre sus palmarés se encuentra un Oscar al mejor guión original y un Premio WGA. También estuvo nominado para el Globo de Oro y al BAFTA. Y acompañado por William Kelley, "Poseidos" ("The Demon Murder Case"-1983). Un escritor también nacido en la ciudad de los rascacielos.

  "Único testigo" está dirigida por Peter Weir. Un director nacido en Sidney (Australia) y un representante del nuevo cine australiano", realizador de dramas y thrillers sobre personajes venidos de fuera que intentan comprender mundos nuevos y desconocidos para ellos, sentido de paisaje natural.

  Peter Weir encabezó como bien digo antes el "nuevo cine australiano" con un puñado de cortometrajes y thrillers, "Los coches que devoraron Paris" ("The Cars That Ate Paris"-1974), su debut  en el largometraje. Pero la obra que le dió a conocer entre el gran público fue la enigmática e inquietante "Picnic en Hanging Rock"-1975). El argumento, inspirado en hechos reales, se centra en un viaje escolar a la despoblada región central de Australia, en el curso del cual desaparecen misteriosamente varios alumnos, tal vez por cusas mágicas.

  En sus siguientes proyectos, protagonizados a menudo por personajes venidos de fuera que intentan comprender un mundo nuevo y deconocido para ellos, Weir volvería una y otra vez representar a la gente normal en situaciones raras o inusuales. Es el caso de "La última ola" ("The Last Wave"-1977), sobre la inmersión de un abogado en el folklore aborigen; "Gallipoli"-1981, historia de unos soldados australianos que luchaban en Turquía durante la Primera Guerra Mundial protagonizada por un joven Mel Gibson; y "El año que vivimos peligrosamente" ("The Year of Living Dangerously"-1982), sobre un periodísta en plena revuelta política en Indonesia.

  Dió el salto a Hollywood con "Único testigo" ("Witness"-1985), donde Harrison Ford interpretaba el papel de un policia obligado a esconderse en una comunidad amish. Después ha alternado películas menos convencionales y comerciales como "Sin miedo a la vida" ("Fearless"-1993) y "La costa de los msquitos" ("The Mosquito Coast"-1986) con películas pensadas para las masas como "El club de los poetas muertos" ("Dead Poets Society"-1989) y "El show de Truman" ("The Truman Show"-1998), esta última acerca de un hombre que su vida ha sido el tema de un programa televisivo de  gran audiencia.Weir ha adaptado también la novela de Patrick O’Brian, "Manster and Commander"-2003, película que le ha proporcionado la cuarta nominación al Oscar al mejor director.

  Su último trabajo hasta ahora ha sido "Camino a la libertad" ("The Way Back"-2010) basada en un libro de Slovonir Rawicz, donde unos prisioneros se escapan de un campo de concentración ruso en Siberia e intentan llegar hasta la India atravesando a pie el desierto de Gobi y la cordillera de Himalaya.

  La acción nos lleva hasta el estado de Pensilvania, allí una joven madre que vive dentro de la llamada comunidad amish, caracterizada por su sencillez, su austeridad, sus reticencias a adoptar una forma de vida moderna y su gran fe en la religión cristiana-anabtísta. Cuando ésta decide emprender un viaje junto a su pequeño hijo para visitar a un pariente lejano, nada le hacía pensar que su vida iba a dar un vuelco de 180 grados. El niño será el único testigo de un asesinato llevado a cabo en los baños de una estación en la que paran para hacer un transbordo. Un policia será el encargado de dar a luz al extraño caso. Pronto será consciente de que los asesinos, que saben que el niño ha presenciado el crimen y que él es el encargado de investigarlo, quieren acabar con sus vidas. Cuando decide acudir a la opaca comunidad cristiana tras un intento de homicidio, este se dará cuenta de que no es un lugar tan apacible como imaginaba...

  Muy buena película, si señor. Una película vendida como thriller pero que más bien es una historia costumbrista, un drama sobre el conflicto cultural y una de las películas más hermosas de la década de los años 80. Weir para mi, consiguió uno de sus trabajos más perfectos y depurados, una obra maestra que sigue oculta para muchos que se han quedado en su engañosa publicidad o como una simple curiosidad documental sobre la comunidad amish.

  Partiendo del sencillo y poco original planteamiento inicial, el director australiano imita al mínimo la trama policiaca optando por un tratamiento íntimo de  unos personajes aislados del mundo, geográfica, social y psicológicamente por distintos motivos. Y los actores saben captar esto a la perfección, con especial mención al protagonísta masculino.

  Brillante banda sonora de Maurice Jarre, "Doctor Zhivago"- 1965 (por citar otra de sus grandes obras). Un compositor nacido en Lyon (Francia). En 1946 debutó en la compañía Renaud-Barral, formando dúo con Pierre Boulez. Su carrera como compositor se inició en 1948 y en 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en toda Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora del largometraje "Hotel de los inválidos" ("Hótel des invalides"). En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine. Cuenta con tres Oscar a la mejor banda sonora y con cuatro nominaciones.

  Y en esta historia sobre el mundo de los amish dando rienda suelta a su pasión por los juguetes del momento, a saber los sintetizadores y la electrónica, como los amish no pueden oir música porque dicen que es un instrumento del diablo, Jarre tuvo la feliz idea de utilizar estos instrumentos etéreos y turbadores, los sintetizadores, para crear una partitura hermosísima e inolvidable, una de las obras maestras de los años 80 en las partituras concebidas y tocadas totalmente por aquel instrumento. Su sonido celestial que parece bajar a la tierra y mezclarse con los mortales va de perlas en escenas como la inicial cuando se acercan a la cámara los miembros de aquella comunidad y sobre todo en la escena de la "construcción del granero", una obra maestra musical que demuestra que los sintetizadores son también aptos para creaer melodias celestiales siempre claro está que el compositor esté inspirado.

  Muy buena como es de esperar tambieén la fotografía en color creada por John Seale, "El paciente inglés" ("The English Patient"-1996). Un director de fotografía también de origen australiano y ganador de un Oscar. Es un hombre al que se le ha considerado el Steve Spielberg de la cámara fotográfica puesto que la mayoría de sus películas han arrasado en taquilla, recaudando millones de dólares.

  Y en este debut de Weir en Hollywood creando unas imágenes en forma de semi-documental para asi buscar de esta manera un sentido más realísta. La película se rodó en su totalidad en escenarios naturales de Philadelphia concretamente en Pensylvania y Lancaster County.

  Y el plato fuerte, la soberbia interpretación (en el mejor momento de su carrera) de Harrison Ford, "A propósito de Henry" ("Regarding Henry"-1991) metido en el papel  de John Bock, un capitán de la policia encargado de proteger a un niño y a su madre por haber presenciado el pequeño un  brutal asesinato.

  Y con Ford, Kelly McGillis, "Un muchacho llamado Norte" ("North"-1993, como Rachel Lap la joven madre del niño, y Lukas Haas, "Perseguida" ("While She Was Out"-2008) interpretando al pequeño Samuel el "único testigo". Y en esta comunidad amish también nos encontramos a Danny Glover, "En tiempo de dragones" ("Age of the Dragons"-2011) como McFee, y al aquí debutante en la gran pantalla Viggo Mortensen, "Un método peligroso" ("A Dangerous Method"-2011) como Moses Hochleitner.

  Resumiendo: Una maravilla de película. Una película muy bien realizada, que nos permite entrar en un mundo muy cerrado, a través de un guión perfecto, de unas extraordinarias interpretaciones y como no de una maravillosa banda sonora.   Matrícula de Honor.

  "Único testigo" logró dos Oscar: Guión original (William Kelley, Pamela Wallace y Earl W. Wallace) y Montaje (Thom Noble).

  Como curiosidad: En la película no interviene ni un solo amish auténtico y tampoco se utilizó ninguna granja de verdad.

 

 

 

 

01/01/2017 20:11 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Un mundo perfecto (A Perfect World - 1993)

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        Sé como eres. Eres un buen hombre.

        No... pero tampoco soy el peor...

  Extraordinaria película de género policiaco aderezada con acción, drama y suspense. Escrita por John Lee Hancock, Un sueño perfecto" ("The Blind Side"-2009). Un escritor nacido en Texas. Sus inicios fueron como abogado pero a los cuatro años de ejercer esta carrera se vió atraido por el mundo del cine. Su debut tuvo lugar en 1991 como guionísta y director de la película "Romance dificil" ("Hard Time Romance"). Su último trabajo como director ha sido "El fundador" ("The Founder"2016) basada en la vida del fundador de la McDonald, cadena de comida rápida.

  "Un mundo perfecto" está dirigida por un hombre que no necesita presentación alguna en el mundo del cine me refiero al gran Clint Eastwood. Un cineasta nacido en San Francisco. Su pérfil de "Hombre sin Nombre" en el documental televisivo "The Man With no Name"-1977) le convirtió en una estrella internacional. La combinación de su mirada, su altura y su rostro impenetrable hizo de él un actor emblemático y le catapultó para convertirse en un artista completo.

  Aprendió el oficio de dirigir de dos maestros, Sergio Leone y Don Siegel, con los que trabajó de forma regular hasta su debut como director en "El seductor" ("The Berguiteg"-1971), película con la que siguieron "Escalofrio en la noche" ("Play Misty for Me"-1971), "Infierno de cobardes" ("Igh Plains Drifter"-1972), "Primavera en otoño" ("Breezy"-1973) y "Licencia para matar" ("The Eiger Sanction"-1975). Su primera obra maestra fue "El fuera de la ley" ("Outlaw Josey Wales"-1976), un western revisionísta estructurado en torno a un melodrama doméstico y una historia de venganza que analiza la guerra de Secesión.

  Es significativo que en esta película compartiera reparto con Sandra Locke su compañera fuera de la pantalla desde finales de los años setenta hasta los ochenta. Juntos ofrecieron trabajos memorables en "Ruta suicida" ("The Gaunflet"-1977), "Bronco Billy"-1980 e "Impacto súbito" ("Sudden Impact"-1983).

  A principios de los años ochenta, Clint Eastwood dirigió e interpretó"Firefox"-1982 y la mencionada "Impacto súbito", pero también trabajó exclusivamente detrás de la cámara por primera vez en "Bird"-1988. Siguió cruzando fronteras al realizar el drama "El aventurero de medianoche" ("Honkytonk Man"- 1982) y "El jinete pálido" ("Pale Rider"-1985) una segunda obra maestra del western. En 1992 ganó su primer Oscar almejor director por "Sin perdón" ("Inforgiven"). Continuó tratando los temas de la pérdida y la vejez en "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison"-1995), "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1996), "Deuda de sangre" ("Blood Work"-2002), "Space Cowboys"-2000, mezcla de aventura y ciencia-ficción. Volvió a situarse exclusivamente detrás de la cámara en "Banderas de nuestros padres" ("Flags of Our Fathers"-2006) y  su secuela "Cartas desde Iwo Jiwa" ("From Iwo Jiwa"-2006.

  En "Mistys River"-2003 presentó a Sean Penn y Tim Robins como bostonianos de clase obrera destruidos por un asesinato en el barrio. Posteriormente, "Million Dollar Baby"-2004 repitió la trayectoria premiada de "Sin perdón", aunque dejó menos huella en la historia del cine.

  La acción tiene lugar en Texas a lo largo de varias jornadas de uno de los primeros años 60 del siglo pasado, y en donde un preso se fuga de la prisión de Huntsville (Texas) junto con un compañero de presidio. Con orden de búsqueda y captura, sale en persecución de los evadidos el jefe de los rangers. A este le acompañan cuatro personas, dos rangers, un agente del FBI y una criminóloga. Para protegerse los dos fugitivos toman como rehén a un niño...

  Extraordinaria película, si señor. Una película que suma lirísmo, drama y thriller, con elementos de cine de carretera ("road movie") y por supuesto policiaco. El relato pues que nos presenta Eastwood va impregnado de melancolía y tristeza, de lirísmo y sutilezas, de humor e intemporabilidad, de complejidad y atención al detalle, de honestidad y respeto a los actores y como no al público. La historia lleva un ritmo pausado, es un trabajo personal, emocionante y vigoroso, evitando los sentimentalísmos anacrónicos y las moralinas impropias. La película para mi, representa relaciones con otras, y a las que el maestro rinde homenaje porque siente por ellas simpatía y admiración, como en el caso de "Raices profundas" ("Shane"-1953), "El aventurero de medianoche" ("Honkytonk Man"-1982) o "Los valientes andan solos" ("Lonely are the Brave"-1962).

  La película habla sobre todo de amor y camaradería. También habla de la maduración de un niño que en pocos dias descubre muchas cosas, de la importancia para los niños y adolescentes de los juegos, los disfraces, la diversión, el enfrentamiento y las atracciones de feria, de la transcendencia de los traumas de la infancia y sus secuelas, de la inconveniencia de los códigos morales que impiden juegos y entretenimientos del todo inocentes. Y rechaza el fanatísmo con especial al religioso y pseudoreligioso, las normas morales en fundamentos no relacionados de algunos agentes gubernamentales, el oportunísmo esagerado de algunos políticos, etc.

  La banda sonora está dirigida por Lennie Niehaus, "Gran Torino-2008. Un compositor nacido en Misuri. Estudió violín, oboe y fagot, antes de descubrir el saxofón. En 1951 se enroló en la big band de Jerry Wald y en 1954 en la orquesta de Stan Kenton donde permaneció hasta 1955. En los años 60 trabajó con Lalo Schifrin y comenzó a dedicar su tiempo a la composición de música para el cine y la televisión. En la década de los 80 se convirtió en uno de los compositores más preciados de Hollywood con una larga lista de bandas sonoras en películas de primera clase, destacando sus trabajos con Clint Eastwood.

  Y aquí aportando un tema espléndido, original de Eastwood ("Big Fran’s Baby"), de saxo y guitarra, que hace las veces de "leit motiv". Añade como música adaptada una relación de melodias de acompañamiento de los años 60 y anteriores, como "Ida Red", "Abilene", "South" y otras.

  La fotografía en color corrió a cargo de Jack N. Green, "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995). Un acreditado director de fotografía nacido en San Francisco. Al igual que Lennie Niehaus es un gran colaborador de Eastwood, cuenta en su haber una nominación al Oscar y al BAFTA. Fue miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía (ASC) desde 1992.

  Y en esta historia de "un padre perfecto" creando unas imágenes luminosas y realístas, mostrando preferencia por los espacios abiertos y los paisajes limpios y despejados. Las escenas de exteriores fueron rodadas en Brakettville, Huntville, Martindale y Austin (Texas), Birmingham (Alabama) y Beaufort (Carolina del Sur).

  Sensacional el mano a mano entre los dos protagonístas. Uno Clint Eastwood, como Red Garnett el jefe de los Rangers, que tiene la misión de capturar a los dos fugitivos cueste lo que le cueste. El otro Kevin Costner, "La otra hija" ("The New Daughter"-2009) como Robert "Butch" Haynes, un peligroso e inteligente asesino que se ha escapado de la cárcel.

  Y con ellos: Laura Dern, "Corazones solitarios" ("Lonely Hearts"-2006), como la criminóloga Sally Gerber; Keith Szarabajka, "El caballero oscuro" ("The Dark  Knight"-2008) como Terry Pugh el compañero de fuga de Robert. Y sin olvidarnos de T. J. Lowther, "Amor loco" ("Mad Love"-1995) como el pequeño Philip; y de Jennifer Griffin, "Vanilla Sky"-2001, como Gladys la madre del niño.

  En definitiva: Una película que para mi, es injusto que se le tenga olvidada en la filmografía de Clint Eastwood. El tiempo de seguro la pondrá en su sitio, y le hará una obra de culto a reivindicar... está por lo menos, entre sus cinco obras maestras. Y eso, viniendo de este cineasta, es decir mucho.   Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: En un principio, Robert  "Butch" Haynes era un fugitivo negro al que iba a dar vida Denzel Washington.

23/12/2016 19:09 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ultima llamada (Phone Booth - 2002 )

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  "¿No es gracioso?, oyes un teléfono sonando y podría ser cualquiera. Hay que responder cuando un teléfono suena, ¿no os parece?"...

  Muy entretenida a la vez que intensa película de género de suspense con un soberbio guión de Larry Cohen, "La serpiente voladora" ("Q: The Wingen Serpent"-1982). Un cineasta nacido en Nueva York y, muy conocido por sus películas de clase B la mayoría de terror y ciencia-ficción, allá entre 1970 y 1980. A partir de entonces se centró más en la escritura de películas, aunque en el 2006 volvió a dirigir la serie creada por Mick Garris: "Masters of Horror".

  "Ultima llamada" está dirigida por Joel Schumacher. Un destacado director nacido también en Nueva York. Joel Schumacher, diseñador de moda de profesión, tras crear diversos vestuarios para la televisión, escribió el guión de "Sparkh"-1976 y de "Un mundo aparte" ("Car Wash"-1976), dos pequeñas películas que causaron un profundo impacto en el cine afroamericano. En 1978 escribió "El mago" ("The Wiz"), adaptación en versión afroamericana del musical de Broadway "El mago de Oz".

  Su debut como director fue con "La increible mujer menguante" ("The incredible Shriking Woman"-1981), que tuvo una buena acogida. Luego, Schumacher dejó huella con el drama "St.Elmo, punto de encuentro" ("St.Elmós Fire"-1985), y los actores del Brat Pack: Emilio Estevez, Rob Lowe y Demi Moore, que representaban a unos jóvenes en crisis de madurez. Esto le permitió rodar otras películas de temática diferente, como la historia vampírica "Jóvenes ocultos" ("The Lost Boys"-1987), el thriller de ciencia-ficción "Linea mortal" ("Flatliners"-1990) y el drama "Elegir un amor" ("Dying Young"-1991).

  A principio de los años noventa, Schumacher se dejó la juventud para contar la historia de un hombre trastornado en "Un dia de furia" ("Felling Down"-1993) y rodar dos adaptaciones exitosas de John Grisham, "El cliente" ("The Client"-1994) y "Tiempo de matar" ("A Time to Kill"-1996). En 1995 dejó huella en la cultura pop con la exuberante "Batman Forever" y posteriormente con "Batman & Robin"-1997. Ambas películas generaron cierta controversia sobre la homosexualidad de Shumacher había "contaminado" una de las fábulas del cómic más queridas. En realidad, la serie estaba agotada y los excesos del director no fueron más que la cabeza de turco de una franquicia limitada.

  Desde entonces, Schumacher ha rodado la perturbadora "Asesinato en 8 mm" ("8 MM"-1999), las películas de bajo presupuesto "Tigerland"-2000 y "Ultima llamada" ("Phone Booth"-2002), una biopic sobre la periodísta irlandesa asesinada "Verónica Guerin"-2003 y la adaptación de "El fantasma de la Opera" ("The Phantom of the Opera"-2004). En 2007 volvió de nuevo con la pésima "El número 23" ("The Number 23"). Su último trabajo ha sido hasta la fecha "Bajo amenaza" ("Trespas"-2011) con Nicolas Cage y Nicole Kidman. Un thriller nominado a los Premios Razzie a la peor pareja en pantalla. La estrella de Schumacher creo que se está apagando.

  Asi pues, Schumacher nos lleva hasta Nueva York y nos mete en la vida de un asesor de publicidad de medio pelo y en plena luz del dia y despues de hacer una llamada en una cabina pública y colgar el teléfono, este vuelve a sonar. Sabe muy bien que esa llamada no tiene nada que ver con él, pero el instinto o la curiosidad le obliga a cogerlo... cuando este lo descuelga se ve a si mismo atrapado en un tortuoso juego... si se le ocurre colgar, le dice el interlocutor, será hombre muerto...

  No es una película vibrante que se diga en el sentido de que pasan cosas de forma continuada para evitar que uno se haga preguntas, sino que aquí la base  de toda la historia es la conversación entre los dos protagonístas y como las reacciones del publicísta, van siendo recibidas por parte del francotirador que ya ha acabado con anterioridad con otras dos personas por negar sus pecados y que en el fondo lo único que quiere es darle una lección. De hecho, para mi, la moraleja de esta película es bastante sencilla y se ve venir a lo largo, pero es que el guionísta sabe utilizar los ingredientes adecuados para que sea una conclusión lógica, el director hace gala de un sorprendente manejo de tensión en la que hay espacio tanto para la opresión evidente de los planos más cerrados ( a fin de cuentas, la acción se desarrolla en su totalidad en una cabina telefónica y sus alrededores) y así Scumacher puede utilizar con bastante soltura y acierto la pantalla dividida. Aunque personalmente, quizá hubiera prescindido de mostrar algunos personajes cuando mantiene una conversación telefónica con ellos.

  El guión lo escribió Larry Cohen, "La ambulancia" ("The Ambulance"-1990). Un director, productor y guionísta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como guionísta de series para la televisión. Más tarde se especializó en estudios de cine en el City College de Nueva York, es muy conocido por sus películas de serie B sobre todo de las de terror y ciencia-ficción.

  Cuenta con muy buenos diálogos lo que da a la película una enorme importancia, pero también es cierto que la interpretación de los protagonístas ayudan mucho a elevarlo aún más.

  La fotografía en color está llevada a las órdenes de Mattehew Libatique, "Cisne negro" ("Black Swan"-2010). Un director de fotografía nacido en Nueva York. Estudió sociología y comunicaciones y después se graduó en cinematografía en el AFI Conservatorio. Sus comienzos fueron con videos musicales y al poco tiempo realizó el cortometraje "Los protozoos" hasta  que en el 2000 logró su primer éxito con el  largometraje "Requiem por un sueño" ("Requiem for a Dream").

  Y en esta peligrosa llamada haciéndo con su cámara unos primeros planos sumamente inteligentes a pesar de que casi toda la trama se desarrolla en una cabina telefónica pública. Aunque la película tiene su desarrollo en Nueva York, en realidad está rodada en Los Angeles concretamente en Fifth Street, entre Broadway Street y Spring Street.

  La música a decir verdad ocupa un segundo plano pero no asi por ello logra mantener la tensión ambiental. Su creador fue Harry Gregson-Williams, "Domino"-2005. Un compositor nacido en Inglaterra y uno de los más codiciados de Hollywood. Comenzó su carrera como arreglísta del compositor Stanley Myers, y continuó su carrera componiendo sus primeras obras para el director Nicolas Roeg.

  Muy bien Collin Farrell (posiblemente en su mejor interpretación), "Desafio total" ("Total Recall"-2012) en el papel de Stu Shepard un ambicioso publicísta que se encuentra de repente atrapado en una cabina telefónica. Y con Farrell, Kiefer Stherland, "La sombra de la sospecha" ("The Sentine"-2006) como el francotirador que habla al otro lado del teléfono; Forrest Whitaker, "El último desafio" ("The Last Stand"-2013) como el capitán Ramey; Radha Mitchell, "Los sustitutos" ("Surrogates"-2009) como Kelly la esposa de Stu; Katie Holmes, "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money"-2008) como Pamela McFadden. Y un largo etc. de buenos secundarios.

  Resumiendo: Una película con buen ritmo trepidante a la vez que entretenida, con unos buenos diálogos y un guión que es de acero puro.   Notable.

  Como curiosidad el guionísta Larry Cohen le presentó este guión a Alfred Hitchcock en los años 60, pero fue desestimado por el mago del suspense por no tener una excusa fuerte.

 

14/12/2016 14:22 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Tiempos modernos (Modern Times - 1936)

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  "Tiempos modernos que se burlan de lo tierno y se alejan de lo eterno..."

  Obra maestra de género de comedia y sexto largometrje de Charles Chaplin. En ella interviene como actor, guionísta, compositor de música, productor y director.

  Chaplin nació en Londres. Además de ser el más célebre director de comedias mudas, también fue compositor, máxima estrella de cine y cofundador en 1919 del estudio United Artiss.

  Tras aprender el oficio de cómico en espectáculos itinerantes de vodevil, Chaplín see inició en el cine con comedias de los estudios Keystone. Pronto empezó a dirigir, y durante dos años realizó 26 películas de dos rollos en la compañia Essanay, "Charlot vagabundo" ("The Tramp"-1915), "Charlot músico ambulante" ("The Vagabond"-1916), y "Charlot imigrante" ("The imigrant"-1917) muestran sus rápidos progresos en el cine: su dominio de los recursos cómicos combinado con el patetísmo hacia que sus películas fueran a la vez divertidas y conmovedoras, rebeldes y tiernas.

  Poco a poco Chaplin introdujo en sus películas problemáticas éticas destacadas. Aunque esto no fue bien acogido por los críticos conservadores, encantó al público y él se convirtió en un héroe, símbolo de una emergente nación de inmigrantes. Consolidó así su popularidad con  obras maestras como "Vida de perro" ("A Dog’s Life"-1918).

  Luego redujo su ritmo de trabajo a una película cada varios años. Sus gags cuidadosamente coreografiados, su tacto emotivo y su atención a los detalles garantizaban un resultado brillante. Creó "Tiempos modernos" (Modern Times"-1936) y "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940), clásicos de todos los tiempos. Su medida comicidad, la originalidad de sus gags, la evocación de emociones mediante los movimientos más sútiles y su habilidad cinematográfica (sobre todo para jugar con los bordes del encuadre) llevaron a la comedia hasta sus límites. Su interés por temas como la conciencia de clase y la tolerancia daba transcendencia a sus películas. De esta manera,  cuando la popularidad de Chaplin declinó en los años cuarenta, su prestigio siguió creciendo.

  Por desgracia, el mundo no escuchó las satíricas y enérgicas advertencias antifascistas de "El gran dictador". Una campaña de difamación obligó a Chaplin a dejar Estados Unidos, y las pocas películas que hizo después, como "Candilejas" ("Limelight"-1952) tenían un tono reflexivo y conformísta. Afortunadamente, el legado de Chaplin, se sigue celebrando en todas partes.

  La acción tiene lugar en 1935, y en donde un obrero manual de una cadena de montaje de la Electric Sttel Corp pierde el juicio a causa del trabajo automatizado de la empresa, tras su recuperación busca nuevos trabajos (vigilante nocturno de unos almacenes, camarero, etc.). Un dia conoce casualmente a una muchacha huérfana y se enamoran...

  Otra obra maestra del gran Charlot, si señor. Una película que suma comedia, drama y romance. Chaplin incorpora registros sonoros, que limita a la música, canciones, voces de la radio y altavoces, estrépito de las máquinas, ruidos ambientales, estridentes y similares. No hay pues diálogos, de acuerdo con la concepción del realizador de que el cine es el arte de la pantomina. De ahí que localice la atención de la expresión corporal, los gestos, la visualidad y las imágenes. Por primera vez Chaplin deja oir su voz interpreta una antigua canción. Esta fue su última película sin diálogos sonoros.

  Chaplin presenta la organización moderna del trabajo como una realidad deshumanizada y desoladora. La incorporación masiva de la máquina a los procesos de producción convierte a los trabajadores en autómatas privados de la iniciativa, sentimientos y capacidad de pensar, y los condena a la demencian o la locura. Enfrentando al hombre y la máquina, constituye una sugerente sátira del maquinísmo y de la sociedad industrial.

  Chaplin pues, aporta una interesante descripción de la situación social durante la Gran Depresión. El paro, el consumo de drogas, la delincuencia, las desigualdades, se ven incrementadas por la crisis económica de Estados Unidos y sus repercusiones en el mundo entero. Añade referencias de películas anteriores, como "Metrópolis"-1927 y "Viva la libertad" ("A nous la liberté"-1931). Las imágenes futurístas de la fábrica se inspiran en la primera y las ansias de libertad de los protagonístas, en la segunda. Estos no son rebeldes ni revolucionarios: son dos personas poseidas por ansias de libertad y con aspiraciones burguesas (sueño de Chaplin).

  La música de Chaplin, nos ofrece una partitura vibrante y variada, que integra graciosos temas mecánicos, románticos y dramáticos. Añade una versión de la canción "Je cherche aprés Titine"  de Leo Daniderff compuesta en 1917, a cargo de Chaplin y otras como Prisioner’s Song" ("La canción del prisionero").

  La fotografía corrió a cargo de Roland Totherod, "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940). Un cámara habitual de Chaplin nacido en San Francisco. trabajó con él desde 1915 hasta 1940 en más de 90 películas. Y ayudado por Ira Morgan, The Cyclops"-1957. Un  director de fotografía nacido en California. Hizo la transición con éxito de la era del cine mudo a la edad del sonoro. Durante su larga carrera trabajó extensivamente para Monogram Pictures.

  Y en esta obra maestra presentando los dos una narración sobria, exenta de pintorequísmo, de la miseria, el paro y las secuelas del imperio de las máquinas. La película se rodó en Los Angeles (Hollywood Boulevard y Vine Street).

  Genial Charles Chaplin (como siempre) metido en el traje de un obrero metalúrgico que debido al fenétrico ritmo de trabajo acaba perdiendo la razón. Y con él gran Charlot uno de sus descubrimientos: Paulette Godard, "Los inconquistables" ("Unconquered"-1947) como la jóven huérfana que al final acaban los dos enamorándose. Sin olvidarnos de Henry Bergman, "Luces de la ciudad" ("City Lights"-1931) como el propietario del café; Chester Conkin, "El virginiano" ("The Virginian"-1929), como el mecánico.

  En definitiva: Una bellísima comedia satírica, sublime en todos los aspectos. Una de las mayores delicias jamás filmadas.   Matrícula de Honor.

  "Tiempos modernos" está considerada por la National Board of Review (NBR) como una de las mejores películas de la historia del cine.

  Como anécdota: A Chaplin se le acusó de plagio por copiar escenas de "A Nous le liberté" "Viva la libertad"-1931) de René Clair. Pero todo acabó con el Sr. Clair diciendo que en todo caso se sentiría honrado de que esto fuera así. Sabia decisión, esta película de Chaplin tiene evidentísimos puntos en común con la de Clair, pero también es cierto que es muy superior. (Al menos para un servidor).

06/12/2016 10:26 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Los siete magníficos (The Magnificent Seven - 1960)

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                 En recuerdo de : Robert Vaughn

  Los ancianos me dijeron que yo tenía un camino distinto.

  Mi camino  también es distinto. Mi camino, nuestro camino...vamos a pelear contra hombres malos. Probablemente...todos moriremos.

  Soberbia película y soberbio western, y una "magnífica" adaptación de la película japonesa "Los siete samurais" ("Seven Samurai"-1954) escrita por Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni y por su director Akira Kurosawa.

  Aquí el guión corrió a cargo de William Roberts, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"-1968). Un guionísta nacido en Los Angeles. Se graduó en la Universidad del Sur de California. Sus comienzos fueron para la televisión con la serie "Life with Father" ("Vivir con papá"-1953), una adaptación de la película de Michael Curtiz rodada en 1947.

  Y ayudado por Walter Bernstein, "Odio en las entrañas" ("The Molly Maguires"-1969). Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Estudió en el Dartmouth College. Su primer trabajo fue como critico de cine para un periódico de la universidad y en la que también formó parte en la Unión de jóvenes comunistas. Estuvo en la lista negra de Hollywood en la década de 1950.

  El tercero fue Walter Newman, "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951). Un guionísta nacido en Nueva York y con más de 50 películas en su historial cinematográfico y ganador de un Oscar. Sus últimos trabajos fueron para la televisión, aunque en 1975 volvió al cine con la oscarizada "Campeón" (Champ").

  "Los siete magnícos" está dirigida por John Sturges. un director nacido en Illinois. Comenzó su carrera en los talleres de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. estando de servicio en el Cuerpo Aéreo del Ejèrcito durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documentales, y tras volver a Hollywood realizó un largometraje, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946).

  Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción o dramas. En el thriller "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955), demostró lo que podía hacer con un buen guión y una gran estrella, Spencer Tracy. El enorme éxito de "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, reveló el talento de Sturges para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialístas de este género de Hollywood.

  Siguieron dos excelentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El último tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el western épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores, basándose en "Los siete samurais" ("Seven Samurai"-1954) de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México. Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963), un drama que transcurre en un campo de concentación durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas. En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Wyatt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood, fueron decepcionantes.

  La acción se desarrolla a lo largo de algo más de un año entre 1880-89, si bien la mayor parte de la acción se centra en las últimas cuatro semanas. Se desarrolla en una aldea rural mejicana próxima a la frontera y en una próspera población cercana a Texas. Esta tiene estación de tren y dispone de Casino, varios hoteles, cuadras para los caballos de los forasteros, comercio mayorista y minorísta y es sede de un mercado ganadero. La aldea, una vez al año, es asaltada por la banda de un bandido llamado Calvera, que roba las cosechas y atropella, viola, rapta y mata. Decididos a defenderse, los campesinos requieren los servicios de siete pistoleros profesionales, y asi acabar de una vez y para siempre con la banda de bandidos. La historia comienza...

  Magnífica película, si señor (y nunca mejor dicho). Una película que suma western, acción y drama. Son muchos los que consideran que con esta película comenzó el western crepuscular, tras la etapa del western clásico (1930-1960). La ambientación situa los hechos en la penúltima década del siglo XIX, en la que se impone el estado de derecho en el Oeste y emergen grandes cambios económicos, sociales y de orden público. El antiguo héroe del Oeste da paso a la figura decadente de personas desplazadas, angustiadas, y sin presente ni futuro. Los siete pistoleros a sueldo no tienen trabajo, carecen de perspectivas, pasan estrecheces y sufren síndrome de miedo y angustia. Algunos buscan tareas remuneradas tan simples y mal pagadas, como cortar leña, hacer de vaquero o trabajar como dependiente en una tienda de comestibles.

  La nostalgia del pasado y la melancolía del presente les impulsan a aceptar un trabajo de 4 a 6 semanas a cambio de la manuntención y 20 dólares de salario por todo el periodo. El precio habitual de estos servicios oscilaba entre 600 y 800 dólares. Los personajes conservan, pese a todo, el espíritu aventurero, el sentido de la ayuda a los demás, la conciencia del honor, la aficción al riesgo y la lucha, etc.. Para los forajidos corren malos tiempos. Perseguidos por la policia y los rurales, han reducido su actividad y pasan hambre. El jefe se siente decpcionado por los cambios sociales que le perjudican.

  El ritmo de la acción es pausado y tranquilo, aunque este extremo se ve disimulado por una banda sonora intensa y vigorosa llevada de la mano por Elmer Bernstein, "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961). Un compositor nacido en Nueva York. Empezó sus estudios con Aaron Cpland y luego ingresó en la Academia Juilliard. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar del mítico Glenn Miller. Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo de jazz y el sinfónico. Ganador de un Oscar compuso también música para la National Geographic.

  Y en esra historia donde hay siete razones para verla rompiendo con el ritmo tradicional para incorporarle un nuevo estilo. El tema principal, da aires épicos, es hermoso y pegadizo, la partitura larga (contiene 23 cortes), genera emociones que se adaptan a cada escena. Hay que destacar "Main Tittle and Calvera".

  La fotografía en color y en formato Panavisión corrió a cargo de Charles Lang Jr., "Charada" ("Charade"-1963). Uno de los camarógrafos más sobresalientes de la Edad de Oro de Hollywood nacido en Uthah. Pasó la mayor parte de  su carrera en la Paramount, donde contribuyó a la bien ganada reputación del estudio, por su estilo visual. Fué educado en la Escuela Secundaria Lincoln en Los Angeles, luego procedió a la Universidad del Sur de California para estudiar derecho. Sin embargo, cambió rápidamente sus planes de carrera y se unió a su padre, que por aquel entonces era técnico fotográfico. Lang era muy conocido en la industria como uno de los "hombres mejor vestidos" detrás de las cámaras.

  Y en esta historia siete veces magnífica prodigando los encuadres inferiores y realzando las marchas a caballo, además de construir entretenidas escenas de lucha, rodadas en escenarios naturales de Morelos (México) y en los platós de los Estudios Churubuscu también de la capital mexicana.

  Y aqui tenemos a esos siete magníficos encabezados por el "jefe": Yul Brynner, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Chris;y seguido de Steve McQueen, "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) como Vin; Charles Bronson, "Propiedad condenada" ("This Property is Condemend"-1966) como Bernardo;Robert Vaughn, "Bullit"-1968, como Lee; Brad Dexter, "Torpedo" ("Run Silent, Run Deep"-1958), como Luck; James Coburn, "La cruz de hierro" ("Cross of iron"-1977), como Britt y el joven Horts Bucholz, "Fanny"-1961, como Chico.

  Pero también nos encontramos aunque no como uno de los magníficos, pero si como un magnífico e inimitable Eli Wallach, "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966) como el bandido Calvera. Y entre tantos buenos y malos una mujer (como tiene que ser) y en este caso es la bellísima Rosenda Monteros, "Pampa salvaje" ("Savaje Pampas"-1966) como Petra, la joven que al final se quedará con Chico (uno de los supervivientes).

  En definitiva: Una obra maestra de género del western con una hermosa fotografía, una trepidante acción y una banda sonora espectacular. Una película para toda clase de espectadores en lo que a mi precer creo que la mayoría saldrán supercontentos.  Matrícula de Honor.

  "Los siete magníficos" estuvo nominada a la Mejor Banda Sonora. La ganadora fue "Exodo" ("Exodus") de Ernest Gold.

  Como anécdota: Akira Kurosawa, quedó tan impresionado de esta película que le  envió a John Sturges una espada ceremonial como regalo.

  "Los siete magníficos" ha tenido muchas secuelas tanto en el cine como en la televisión, aunque las más significativas fuero las del cine, estas fueron las mas famosas, pero sin llegar a la altura de la de Sturges.

  "El regreso de los siete magnificos" ("Retun of the Seven"-1966) con Yul Brynner repitiendo el papel de Chris y dirigida por Burt Kennedy; "La furia de los siete magníficos" ("Guns of the Magnificent Seven"-1969) con George Kennedy, dirigida por Paul Wendkos, y "El desafio de los siete magníficos" ("The Magnificent Seven Ride!"-1972) con Lee Van Cleff, dirigida por George McCowan. La banda sonora de las tres películas siguió siendo la de Elmer Bernstein.

  En 2016 Antoine Fuqua realizó un remake con Denzel Washington encabezando el reparto, pero lo mejor es pasar página.

 

 

01/12/2016 10:17 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                   Robert Vaughn

                   El último magnífico

  El pasado dia 22 falleció en su casa de Ridgefield (Connecticut) los 83 años de edad y a causa de una leucemia el actor Robert Vaughn.

  Vaughn fue un exitoso actor de cine y televisión, y famoso por haber interpretado a Napoleón Solo en la serie "El agente de C.I.P.O.L." ("The Man from U.N.C.L.E."), a Robert Webster en "Supermán III"-1983 y a Albert Stroller en la exitosa serie británica "Hustle".

  Vaughn fue hijo de Gerald Walter Vaughn, un locutor y de Marcella  Gaudel Frances, una actriz de teatro. Fue primo distante de la actriz Sydney Sweeney . Tenía ascendencia irlandesa, francesa y alemana.

  El 29 de junio de 1974 se casó con la actriz Linda Staab, ambos trabajaron juntos en la serie "The Protector". La pareja adoptó a un hijo, Cassidy en 1976  y a una hija Citlin Vaughn en 1981.

  Era muy buen amigo de los actores Jack Nicholson y del fallecido James Coburn. También fue muy amigo del fiscal  general Robert F. Kennedy hermano de John F. Kennedy.

  Tras realizar sus estudios de interpretación en Los Angeles comenzó pronto a destacar en algunas producciones menores y series de televisión tales como "El Zorro", interpretando en uno de sus capítulos a un agricultor. Hasta que comenzó a trabajar con Roger Corman, el rey de las películas B, y con el que protagonizó "Un cavernícola adolescente" ("Teenage  CaveMan"-1958). En 1959 tuvo un papel destacado en el western "Un buen dia para una ejecución" ("Good Day  for a Hanging"), dirigida por  Nathan Juran y protagonizada por Fred MacMurray. también apareció en capítulos de destacadas series de la época como: "El hombre de la frontera" o "Mike Hammer".

  En 1959 también trabajó con Paul Newman, en "La ciudad frente a mi" ("The Young Philadelphians"), dirigida por Vicent Sherman, donde tenía un papel destacado que le valió una nominación al Oscar como mejor actor secundario. También apareció en la serie "Alfred Hitchcock presenta", entre otras muchas.

  En 1960 volvió a las grandes producciones, porque fue uno de los escogidos por John Sturges para ser uno de "Los siete magnñificos" ("The Magnificent Seven"). En esta película interpreta a Lee, un pistolero que ha perdido el valor y que tiene que luchar para recuperarlo aunque le cueste la vida. Continuó siendo asiduo en las series y asi hizo apariciones en capítulos de éxito como: "Bonanza", "El virginiano" o "Los intocables". Su siguiente película fue "El gran espectáculo" ("The Big Show"-1961), un musical con la estrella de la MGM, la nadadora Esther Williams.

  En el año 1964 fue escogido para interpretar a Napoleón Solo, papel que le daría fama internacional en la serie "El agente de C.I.P.O.L.". La serie duró cuatro años, y en los que Vaughn los dedicó exclusivamente a trabajar en ella.

  En 1968 apareció de nuevo en una película importante: "Bullit" de Peter Yates, una gran película realizada para el lucimiento de su estrella protagonísta Steve McQueen y en la que Vaughn tenía un papel secundario.

  Al año siguiente fue uno de los protagonístas de la película bélica "El puente de Remagen" ("The Bridge at Remagen") de John Guillermin, superproducción bélica que contaba el intento aliado de apoderarse del puente alemán. En 1970 interpretó a Casca uno de los conspiradores que aesina a Julio César en la adaptación shakeasperiana que realizó Stuart Burge y en España se tituló "Asesinato de Julio César" (Julius Caesar"), para no confundirla con la versión de Mankiewicz.

  En la década de 1960 continuó trabajando en películas, compartiendo papeles con actores como David Niven o Terence Stamp, pero sin conseguir trabajar en películas de éxito, ni volver a conseguir la fama que había obtenido en la década anterior.

  En 1974 apareció en "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"), donde volvería a coincidir con John Guillermin y con grandes estrellas Steve McQueen y Paul Newman. En la segunda mitad de esta década volvió a las series, apareciendo en capítulos de "Colombo" y "La mujer policia".

  En 1977 protagonizó la película "Invasión de las estrellas" ("Starship Invasions") de Ed Hunt, una película de ciencia-ficción de bajo presupuesto. En 1980 volvió a la factoria Corman para realizar una versión de "Los siete samurais del espacio", titulada "Batalla más allá de la galaxia" (aunque a veces llamada también "Los siete magníficos del espacio").

  Entre ambas películas protagonizó diversos telefilmes y películas menores hasta que en 1981 apareció en "SOB", dirigida por Blake Edwards y protagonizada por William Holden y Julie Andrews entre otros.

  Luego apareció en la miniserie "Azules y grises" y recuperó el papel de Napoleón Solo para un telefilm en 1983. Tras protagonizar otros telefilmes, en uno de los cuales interpretaba al presidente Franklin Roosevett, volvió a la gran pantalla para ser el villano de "Supermán III" de Richard Lester.

  En los siguientes años apareció en distintas series de éxito tales como "Hotel" y finalmente obtuvo un papel en la última temporada de "El equipo A", interpretando al general Stockvell. En 1987, participó en la película "Misión en los Andes", junto a Erick Estrada, película dirigida por Luis Llosa.

  En la década de 1990 apareció en películas de poca importancia y protagonizó telefilmes sin trascendencia. Continuó siendo un asiduo de series importantes y se dejó ver en "Se ha escrito un crimen", "Walker", entre otras muchas. En 1998 apareció en varios capítulos de "Los siete magníficos" interpretando al juez Orvin Travis, en lo que era un homenaje, por ser el último de los siete magníficos vivo.

  En 2006 apareció como invitado en la popular serie "Law & Order" donde interpretó a Tate Speer en el episodio "Clock", más tarde volvió a aparecer en la serie  ahora interpretando a Walter Briggs, en el episodio "December Solstice".

  En 2012 apareció como invitado en varios episodios de la aclamada serie británica "Coronaction Street" donde interpretaba al empresario Milton Fanshaw.

  Waughn falleció el 11 de noviembre en Ridgefield (Connecticut), once dias antes de su 84 cumpleaños, a causa de una leucemia aguda..

  Robert Francis Vaughn (Robert Vaughn) - Nueva York - 22 - noviembre - 1932 - Ridgefield - 11 - noviembre - 2016

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

24/11/2016 18:55 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Te volveré a ver (I'll Be Seeing You - 1944 )

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  Ambos viviendo un secreto que cada uno tiene miedo a decir...

  Intenso melodrama basado en una obra radiofónica titulada "Double Furlough", que había sido emitida con las voces de James Cagney y Gertrude Lawrence. El guión corrió a cargo de Marion Parsonuet. un célebre guionísta nacido en Nueva Jersey. Sus inicios fueron para la televisión durante la década de los años 30 para pasar al cine un tiempo después y a él se le debe el guión de la mítica película "Gilda"-1946. En los años 50 volvió de nuevo a la televisión y su último trabajo fue un episdio de la exitosa "Bonanza"-1961.

  "Te volveré a ver"  está dirigida por William Dieterle. Un director nacido en Alemania pero nacionalizado estadounidense em 1937.

  Dieterle nacio en el seno de una familia judia. De niño su familia tuvo considerables problemas económicos, lo que le obligó a trabajar de carpintero y vendedor de chatarra. Pero pronto empezó a interesarse por la farándula y a los 16 años se unió a una compañía de teatro ambulante. Su apariencia y ambición le ayudaron a conseguir papeles en películas de producciones teatrales.

  En 1915 atrajo la atención de Max Reinhardt en Berlín, que le contrató como actor de sus películas. Empezó a actuar en películas alemanas en 1921 para ganar más dinero y rápidamente se convirtió en un popular actor de carácter.

  Dirigió su primera película en 1923, "Der Mensch am Wege", protagonizada por una joven Marlene Dietrich, luego continuó actuando durante varios años en películas como "Das Waschfiguren kabinett" y "Fausto", esta última dirigida por F.W. Murnau. En 1927 Dietrich y su esposa , crearon su propia productora, lo que le permitió dirigir más películas, como "Geschiecht in Fessein", en la que también interpretó el papel protagonísta.

  En 1930, Dieterle, debido a la amenaza del nazísmo en Alemania, emigró a Estados Unidos aprovechando una oferta de Hollywood para hacer versiones alemanas de películas estadounidenses. Dieterle se adaptó rápidamente al estilo de Hollywood y pronto estuvo dirigiendo películas originales. Tradujo ya su nombre al inglés: William Dieterle (su verdadero nombre era Wilhelm Dieterle), y adquirió la ciudadania estadounidense en 1937.

  La primera de estas películas fue "The Last Flight"-1931, basada en la novela autobiográfica de John Saunders, fue un éxito, también lo fueron "El taller de la moda" ("Fashion of 1934" -1934) o la policiaca "Fog over Frisco" ("Niebla sobre San Francisco"-1934) ambas protagonizadas por Bette Davis.

  Otras películas que dirigió durante los años 30, ahora ya con un mayor presupuesto fueron "Madame Du Barry A Midsummer Night’s Dream"-1935, que se inspiraba directamente en un montaje de Max Reinhardt, y una serie de películas que lo especializaron en el género de la película biográfica o biopic, "The Story of Louis Pasteur" (La tragedia de Luis Pasteur"-1935) y "The Life of Emile Zola" ("La vida de Emile Zola"-1937). Tras abandonar la Warner y tras haber realizado "Blockade" ("Bloqueo"-1938), película ambientada en la Guerra Civil Española, en United Artist, hizo "Juarez"-1939 y "The Hunchback of Notre Dame" ("Esmeralda, la zíngara"-1939.

  Durante los años 1940 los trabajos de Dieterle estuvieron dotados de un carácter más romántico y exuberante, y a varios criticos consideraron las películas de este periodo como sus mejores obras. Hay un valor esteficísta en sus obras que se adapta a cada prlicula, pero en el que se hace muy patente su tendencia a la abstracción. Algunas de estas películas son "The Devil and Daniel Webster" ("El hombre que vendió su alma"-1941), "Kismet" ("El principe mendigo"-1944), " I’ll Be Seeing You" ("Te volveré a ver"-1944), "Love Letters" ("Cartas a mi amada"-1945) y "Portrat of Jennie" ("Jennie"-1948.

  Dieterle continuó realizando películas en Estados Unidos durante los años 50, entre las que se encuentran "Ciudad en sombras" ("Dark City"-1950), "Salomé"-1953 con Rita Hayworth, "La senda de los elefantes" ("Elephant Walk"-1954) con Elizabeth Taylor y la película biográfca "Magic Fire" ("Fuego mágico"-1955), sobre el compositor Richard Wagner.

  También realizó varias películas en Alemania e Italia, pero hay que contar su fracaso de taquilla con "The Confession"-1964 protagonizada por Ginger Rogers.

  La historia transcurre en visperas de Navidad, cuando una frágil muchacha, obsesionada con la muerte de un hombre que quiso abusar de ella. Y un sargento del ejército traumatizado por la guerra. Ambos se encuentran en un tren camino a casa y pasan juntos las fiestas...

  Un sólido melodrama, si señor. Una película que exalta el valor de la familia como terapia ante el sufrimiento humano, como la pareja trastornada y como la hermana de ella.

  Muy bonita la banda sonora llevada de la mano de Daniele Amfitheatrof, "Cuando ruge la marabunta" ("The Naked Jungle"-1954). Un compositor nacido en Rusia. A los seis años comenzó a estudiar musica con su madre y en 1914 cuando contaba trece años de edad fue aceptado como estudiante por Ottorini Respighi en Roma (su familia emigró a Italia huyendo del régimen). En 1924 fue nombrado pianísta y director de la Sinfónica Augusteo de la capital italiana. En 1934 compuso su primera banda sonora. También aceptó un buen contrato con la Orquesta Sinfónica de Boston en 1938.

  Y en esta historia sencilla deleitándonos con una sublime música, sobresaliendo la melodía que da nombre al titulo de la película escrita por Sammy fain e Irving Kahal.

  Precisa y preciosa la fotografía creada por Tony Gaudio, "Robín de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938). Un director fotográfico nacido en Italia pero nacionalizado estadounidense. Fue el primero en crear un montaje de secuencia para una pelicula. Era el fotógrafo favorito de Bette Davis donde llegó a trabajar en 11 de sus películas. Ganó un Oscar y estuvo nominado en cinco ocasiones.

  Y en esta sencilla pero admirable historia de amor, haciéndonos de disfrutar con unas maravillosas imágenes y creando un ambiente envidiable tanto en los interiores como en los exteriores.

  Muy bien el elenco de actores elegidos aqui por Dieterle. Comenzando por Ginger Rogers, "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Business"-1952), como Mary una joven que ha sido condenada, pero que ahora disfruta de un permiso navideño. Seguida por Joseph Cotten, "Barreras de orgullo" ("The Bottom of the Bottle"-1956), como Zachary, un militar al que se le ha concedido la licencia a causa de un trauma bélico. Y junto a esta romántica pareja, la jovencita Shirley Temple, "Fort Apache"-1948 como Barbara la hermana de Mary, y otro jovencito John Derek, efectivamente el Josué de "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"-1956) y aqui como Dare Harris. Pero no hay que olvidar al extraordinario secundario Chill Wills, "El Alamo" ("The Alamo"-1960) como Swanson.

  Resumiendo: Una hermosa película aparentemente sencilla, que no obstante, encubre algunas dósis de complejidad y de sostenido fervor humano. Una película para disfrutarla.   Sobresaliente.

  Como curiosidad el director George Cukor rodó algunas escenas de esta película, pero su nombre no aparace en los títulos de crédito.

15/11/2016 09:49 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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