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Tiempos modernos (Modern Times - 1936)

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  "Tiempos modernos que se burlan de lo tierno y se alejan de lo eterno..."

  Obra maestra de género de comedia y sexto largometrje de Charles Chaplin. En ella interviene como actor, guionísta, compositor de música, productor y director.

  Chaplin nació en Londres. Además de ser el más célebre director de comedias mudas, también fue compositor, máxima estrella de cine y cofundador en 1919 del estudio United Artiss.

  Tras aprender el oficio de cómico en espectáculos itinerantes de vodevil, Chaplín see inició en el cine con comedias de los estudios Keystone. Pronto empezó a dirigir, y durante dos años realizó 26 películas de dos rollos en la compañia Essanay, "Charlot vagabundo" ("The Tramp"-1915), "Charlot músico ambulante" ("The Vagabond"-1916), y "Charlot imigrante" ("The imigrant"-1917) muestran sus rápidos progresos en el cine: su dominio de los recursos cómicos combinado con el patetísmo hacia que sus películas fueran a la vez divertidas y conmovedoras, rebeldes y tiernas.

  Poco a poco Chaplin introdujo en sus películas problemáticas éticas destacadas. Aunque esto no fue bien acogido por los críticos conservadores, encantó al público y él se convirtió en un héroe, símbolo de una emergente nación de inmigrantes. Consolidó así su popularidad con  obras maestras como "Vida de perro" ("A Dog’s Life"-1918).

  Luego redujo su ritmo de trabajo a una película cada varios años. Sus gags cuidadosamente coreografiados, su tacto emotivo y su atención a los detalles garantizaban un resultado brillante. Creó "Tiempos modernos" (Modern Times"-1936) y "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940), clásicos de todos los tiempos. Su medida comicidad, la originalidad de sus gags, la evocación de emociones mediante los movimientos más sútiles y su habilidad cinematográfica (sobre todo para jugar con los bordes del encuadre) llevaron a la comedia hasta sus límites. Su interés por temas como la conciencia de clase y la tolerancia daba transcendencia a sus películas. De esta manera,  cuando la popularidad de Chaplin declinó en los años cuarenta, su prestigio siguió creciendo.

  Por desgracia, el mundo no escuchó las satíricas y enérgicas advertencias antifascistas de "El gran dictador". Una campaña de difamación obligó a Chaplin a dejar Estados Unidos, y las pocas películas que hizo después, como "Candilejas" ("Limelight"-1952) tenían un tono reflexivo y conformísta. Afortunadamente, el legado de Chaplin, se sigue celebrando en todas partes.

  La acción tiene lugar en 1935, y en donde un obrero manual de una cadena de montaje de la Electric Sttel Corp pierde el juicio a causa del trabajo automatizado de la empresa, tras su recuperación busca nuevos trabajos (vigilante nocturno de unos almacenes, camarero, etc.). Un dia conoce casualmente a una muchacha huérfana y se enamoran...

  Otra obra maestra del gran Charlot, si señor. Una película que suma comedia, drama y romance. Chaplin incorpora registros sonoros, que limita a la música, canciones, voces de la radio y altavoces, estrépito de las máquinas, ruidos ambientales, estridentes y similares. No hay pues diálogos, de acuerdo con la concepción del realizador de que el cine es el arte de la pantomina. De ahí que localice la atención de la expresión corporal, los gestos, la visualidad y las imágenes. Por primera vez Chaplin deja oir su voz interpreta una antigua canción. Esta fue su última película sin diálogos sonoros.

  Chaplin presenta la organización moderna del trabajo como una realidad deshumanizada y desoladora. La incorporación masiva de la máquina a los procesos de producción convierte a los trabajadores en autómatas privados de la iniciativa, sentimientos y capacidad de pensar, y los condena a la demencian o la locura. Enfrentando al hombre y la máquina, constituye una sugerente sátira del maquinísmo y de la sociedad industrial.

  Chaplin pues, aporta una interesante descripción de la situación social durante la Gran Depresión. El paro, el consumo de drogas, la delincuencia, las desigualdades, se ven incrementadas por la crisis económica de Estados Unidos y sus repercusiones en el mundo entero. Añade referencias de películas anteriores, como "Metrópolis"-1927 y "Viva la libertad" ("A nous la liberté"-1931). Las imágenes futurístas de la fábrica se inspiran en la primera y las ansias de libertad de los protagonístas, en la segunda. Estos no son rebeldes ni revolucionarios: son dos personas poseidas por ansias de libertad y con aspiraciones burguesas (sueño de Chaplin).

  La música de Chaplin, nos ofrece una partitura vibrante y variada, que integra graciosos temas mecánicos, románticos y dramáticos. Añade una versión de la canción "Je cherche aprés Titine"  de Leo Daniderff compuesta en 1917, a cargo de Chaplin y otras como Prisioner’s Song" ("La canción del prisionero").

  La fotografía corrió a cargo de Roland Totherod, "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940). Un cámara habitual de Chaplin nacido en San Francisco. trabajó con él desde 1915 hasta 1940 en más de 90 películas. Y ayudado por Ira Morgan, The Cyclops"-1957. Un  director de fotografía nacido en California. Hizo la transición con éxito de la era del cine mudo a la edad del sonoro. Durante su larga carrera trabajó extensivamente para Monogram Pictures.

  Y en esta obra maestra presentando los dos una narración sobria, exenta de pintorequísmo, de la miseria, el paro y las secuelas del imperio de las máquinas. La película se rodó en Los Angeles (Hollywood Boulevard y Vine Street).

  Genial Charles Chaplin (como siempre) metido en el traje de un obrero metalúrgico que debido al fenétrico ritmo de trabajo acaba perdiendo la razón. Y con él gran Charlot uno de sus descubrimientos: Paulette Godard, "Los inconquistables" ("Unconquered"-1947) como la jóven huérfana que al final acaban los dos enamorándose. Sin olvidarnos de Henry Bergman, "Luces de la ciudad" ("City Lights"-1931) como el propietario del café; Chester Conkin, "El virginiano" ("The Virginian"-1929), como el mecánico.

  En definitiva: Una bellísima comedia satírica, sublime en todos los aspectos. Una de las mayores delicias jamás filmadas.   Matrícula de Honor.

  "Tiempos modernos" está considerada por la National Board of Review (NBR) como una de las mejores películas de la historia del cine.

  Como anécdota: A Chaplin se le acusó de plagio por copiar escenas de "A Nous le liberté" "Viva la libertad"-1931) de René Clair. Pero todo acabó con el Sr. Clair diciendo que en todo caso se sentiría honrado de que esto fuera así. Sabia decisión, esta película de Chaplin tiene evidentísimos puntos en común con la de Clair, pero también es cierto que es muy superior. (Al menos para un servidor).

06/12/2016 10:26 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Los siete magníficos (The Magnificent Seven - 1960)

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                 En recuerdo de : Robert Vaughn

  Los ancianos me dijeron que yo tenía un camino distinto.

  Mi camino  también es distinto. Mi camino, nuestro camino...vamos a pelear contra hombres malos. Probablemente...todos moriremos.

  Soberbia película y soberbio western, y una "magnífica" adaptación de la película japonesa "Los siete samurais" ("Seven Samurai"-1954) escrita por Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni y por su director Akira Kurosawa.

  Aquí el guión corrió a cargo de William Roberts, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"-1968). Un guionísta nacido en Los Angeles. Se graduó en la Universidad del Sur de California. Sus comienzos fueron para la televisión con la serie "Life with Father" ("Vivir con papá"-1953), una adaptación de la película de Michael Curtiz rodada en 1947.

  Y ayudado por Walter Bernstein, "Odio en las entrañas" ("The Molly Maguires"-1969). Un guionísta y productor nacido en Nueva York. Estudió en el Dartmouth College. Su primer trabajo fue como critico de cine para un periódico de la universidad y en la que también formó parte en la Unión de jóvenes comunistas. Estuvo en la lista negra de Hollywood en la década de 1950.

  El tercero fue Walter Newman, "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951). Un guionísta nacido en Nueva York y con más de 50 películas en su historial cinematográfico y ganador de un Oscar. Sus últimos trabajos fueron para la televisión, aunque en 1975 volvió al cine con la oscarizada "Campeón" (Champ").

  "Los siete magnícos" está dirigida por John Sturges. un director nacido en Illinois. Comenzó su carrera en los talleres de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. estando de servicio en el Cuerpo Aéreo del Ejèrcito durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documentales, y tras volver a Hollywood realizó un largometraje, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946).

  Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción o dramas. En el thriller "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955), demostró lo que podía hacer con un buen guión y una gran estrella, Spencer Tracy. El enorme éxito de "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, reveló el talento de Sturges para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialístas de este género de Hollywood.

  Siguieron dos excelentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El último tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el western épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores, basándose en "Los siete samurais" ("Seven Samurai"-1954) de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México. Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963), un drama que transcurre en un campo de concentación durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas. En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Wyatt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood, fueron decepcionantes.

  La acción se desarrolla a lo largo de algo más de un año entre 1880-89, si bien la mayor parte de la acción se centra en las últimas cuatro semanas. Se desarrolla en una aldea rural mejicana próxima a la frontera y en una próspera población cercana a Texas. Esta tiene estación de tren y dispone de Casino, varios hoteles, cuadras para los caballos de los forasteros, comercio mayorista y minorísta y es sede de un mercado ganadero. La aldea, una vez al año, es asaltada por la banda de un bandido llamado Calvera, que roba las cosechas y atropella, viola, rapta y mata. Decididos a defenderse, los campesinos requieren los servicios de siete pistoleros profesionales, y asi acabar de una vez y para siempre con la banda de bandidos. La historia comienza...

  Magnífica película, si señor (y nunca mejor dicho). Una película que suma western, acción y drama. Son muchos los que consideran que con esta película comenzó el western crepuscular, tras la etapa del western clásico (1930-1960). La ambientación situa los hechos en la penúltima década del siglo XIX, en la que se impone el estado de derecho en el Oeste y emergen grandes cambios económicos, sociales y de orden público. El antiguo héroe del Oeste da paso a la figura decadente de personas desplazadas, angustiadas, y sin presente ni futuro. Los siete pistoleros a sueldo no tienen trabajo, carecen de perspectivas, pasan estrecheces y sufren síndrome de miedo y angustia. Algunos buscan tareas remuneradas tan simples y mal pagadas, como cortar leña, hacer de vaquero o trabajar como dependiente en una tienda de comestibles.

  La nostalgia del pasado y la melancolía del presente les impulsan a aceptar un trabajo de 4 a 6 semanas a cambio de la manuntención y 20 dólares de salario por todo el periodo. El precio habitual de estos servicios oscilaba entre 600 y 800 dólares. Los personajes conservan, pese a todo, el espíritu aventurero, el sentido de la ayuda a los demás, la conciencia del honor, la aficción al riesgo y la lucha, etc.. Para los forajidos corren malos tiempos. Perseguidos por la policia y los rurales, han reducido su actividad y pasan hambre. El jefe se siente decpcionado por los cambios sociales que le perjudican.

  El ritmo de la acción es pausado y tranquilo, aunque este extremo se ve disimulado por una banda sonora intensa y vigorosa llevada de la mano por Elmer Bernstein, "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961). Un compositor nacido en Nueva York. Empezó sus estudios con Aaron Cpland y luego ingresó en la Academia Juilliard. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar del mítico Glenn Miller. Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo de jazz y el sinfónico. Ganador de un Oscar compuso también música para la National Geographic.

  Y en esra historia donde hay siete razones para verla rompiendo con el ritmo tradicional para incorporarle un nuevo estilo. El tema principal, da aires épicos, es hermoso y pegadizo, la partitura larga (contiene 23 cortes), genera emociones que se adaptan a cada escena. Hay que destacar "Main Tittle and Calvera".

  La fotografía en color y en formato Panavisión corrió a cargo de Charles Lang Jr., "Charada" ("Charade"-1963). Uno de los camarógrafos más sobresalientes de la Edad de Oro de Hollywood nacido en Uthah. Pasó la mayor parte de  su carrera en la Paramount, donde contribuyó a la bien ganada reputación del estudio, por su estilo visual. Fué educado en la Escuela Secundaria Lincoln en Los Angeles, luego procedió a la Universidad del Sur de California para estudiar derecho. Sin embargo, cambió rápidamente sus planes de carrera y se unió a su padre, que por aquel entonces era técnico fotográfico. Lang era muy conocido en la industria como uno de los "hombres mejor vestidos" detrás de las cámaras.

  Y en esta historia siete veces magnífica prodigando los encuadres inferiores y realzando las marchas a caballo, además de construir entretenidas escenas de lucha, rodadas en escenarios naturales de Morelos (México) y en los platós de los Estudios Churubuscu también de la capital mexicana.

  Y aqui tenemos a esos siete magníficos encabezados por el "jefe": Yul Brynner, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Chris;y seguido de Steve McQueen, "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) como Vin; Charles Bronson, "Propiedad condenada" ("This Property is Condemend"-1966) como Bernardo;Robert Vaughn, "Bullit"-1968, como Lee; Brad Dexter, "Torpedo" ("Run Silent, Run Deep"-1958), como Luck; James Coburn, "La cruz de hierro" ("Cross of iron"-1977), como Britt y el joven Horts Bucholz, "Fanny"-1961, como Chico.

  Pero también nos encontramos aunque no como uno de los magníficos, pero si como un magnífico e inimitable Eli Wallach, "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo"-1966) como el bandido Calvera. Y entre tantos buenos y malos una mujer (como tiene que ser) y en este caso es la bellísima Rosenda Monteros, "Pampa salvaje" ("Savaje Pampas"-1966) como Petra, la joven que al final se quedará con Chico (uno de los supervivientes).

  En definitiva: Una obra maestra de género del western con una hermosa fotografía, una trepidante acción y una banda sonora espectacular. Una película para toda clase de espectadores en lo que a mi precer creo que la mayoría saldrán supercontentos.  Matrícula de Honor.

  "Los siete magníficos" estuvo nominada a la Mejor Banda Sonora. La ganadora fue "Exodo" ("Exodus") de Ernest Gold.

  Como anécdota: Akira Kurosawa, quedó tan impresionado de esta película que le  envió a John Sturges una espada ceremonial como regalo.

  "Los siete magníficos" ha tenido muchas secuelas tanto en el cine como en la televisión, aunque las más significativas fuero las del cine, estas fueron las mas famosas, pero sin llegar a la altura de la de Sturges.

  "El regreso de los siete magnificos" ("Retun of the Seven"-1966) con Yul Brynner repitiendo el papel de Chris y dirigida por Burt Kennedy; "La furia de los siete magníficos" ("Guns of the Magnificent Seven"-1969) con George Kennedy, dirigida por Paul Wendkos, y "El desafio de los siete magníficos" ("The Magnificent Seven Ride!"-1972) con Lee Van Cleff, dirigida por George McCowan. La banda sonora de las tres películas siguió siendo la de Elmer Bernstein.

  En 2016 Antoine Fuqua realizó un remake con Denzel Washington encabezando el reparto, pero lo mejor es pasar página.

 

 

01/12/2016 10:17 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                   Robert Vaughn

                   El último magnífico

  El pasado dia 22 falleció en su casa de Ridgefield (Connecticut) los 83 años de edad y a causa de una leucemia el actor Robert Vaughn.

  Vaughn fue un exitoso actor de cine y televisión, y famoso por haber interpretado a Napoleón Solo en la serie "El agente de C.I.P.O.L." ("The Man from U.N.C.L.E."), a Robert Webster en "Supermán III"-1983 y a Albert Stroller en la exitosa serie británica "Hustle".

  Vaughn fue hijo de Gerald Walter Vaughn, un locutor y de Marcella  Gaudel Frances, una actriz de teatro. Fue primo distante de la actriz Sydney Sweeney . Tenía ascendencia irlandesa, francesa y alemana.

  El 29 de junio de 1974 se casó con la actriz Linda Staab, ambos trabajaron juntos en la serie "The Protector". La pareja adoptó a un hijo, Cassidy en 1976  y a una hija Citlin Vaughn en 1981.

  Era muy buen amigo de los actores Jack Nicholson y del fallecido James Coburn. También fue muy amigo del fiscal  general Robert F. Kennedy hermano de John F. Kennedy.

  Tras realizar sus estudios de interpretación en Los Angeles comenzó pronto a destacar en algunas producciones menores y series de televisión tales como "El Zorro", interpretando en uno de sus capítulos a un agricultor. Hasta que comenzó a trabajar con Roger Corman, el rey de las películas B, y con el que protagonizó "Un cavernícola adolescente" ("Teenage  CaveMan"-1958). En 1959 tuvo un papel destacado en el western "Un buen dia para una ejecución" ("Good Day  for a Hanging"), dirigida por  Nathan Juran y protagonizada por Fred MacMurray. también apareció en capítulos de destacadas series de la época como: "El hombre de la frontera" o "Mike Hammer".

  En 1959 también trabajó con Paul Newman, en "La ciudad frente a mi" ("The Young Philadelphians"), dirigida por Vicent Sherman, donde tenía un papel destacado que le valió una nominación al Oscar como mejor actor secundario. También apareció en la serie "Alfred Hitchcock presenta", entre otras muchas.

  En 1960 volvió a las grandes producciones, porque fue uno de los escogidos por John Sturges para ser uno de "Los siete magnñificos" ("The Magnificent Seven"). En esta película interpreta a Lee, un pistolero que ha perdido el valor y que tiene que luchar para recuperarlo aunque le cueste la vida. Continuó siendo asiduo en las series y asi hizo apariciones en capítulos de éxito como: "Bonanza", "El virginiano" o "Los intocables". Su siguiente película fue "El gran espectáculo" ("The Big Show"-1961), un musical con la estrella de la MGM, la nadadora Esther Williams.

  En el año 1964 fue escogido para interpretar a Napoleón Solo, papel que le daría fama internacional en la serie "El agente de C.I.P.O.L.". La serie duró cuatro años, y en los que Vaughn los dedicó exclusivamente a trabajar en ella.

  En 1968 apareció de nuevo en una película importante: "Bullit" de Peter Yates, una gran película realizada para el lucimiento de su estrella protagonísta Steve McQueen y en la que Vaughn tenía un papel secundario.

  Al año siguiente fue uno de los protagonístas de la película bélica "El puente de Remagen" ("The Bridge at Remagen") de John Guillermin, superproducción bélica que contaba el intento aliado de apoderarse del puente alemán. En 1970 interpretó a Casca uno de los conspiradores que aesina a Julio César en la adaptación shakeasperiana que realizó Stuart Burge y en España se tituló "Asesinato de Julio César" (Julius Caesar"), para no confundirla con la versión de Mankiewicz.

  En la década de 1960 continuó trabajando en películas, compartiendo papeles con actores como David Niven o Terence Stamp, pero sin conseguir trabajar en películas de éxito, ni volver a conseguir la fama que había obtenido en la década anterior.

  En 1974 apareció en "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"), donde volvería a coincidir con John Guillermin y con grandes estrellas Steve McQueen y Paul Newman. En la segunda mitad de esta década volvió a las series, apareciendo en capítulos de "Colombo" y "La mujer policia".

  En 1977 protagonizó la película "Invasión de las estrellas" ("Starship Invasions") de Ed Hunt, una película de ciencia-ficción de bajo presupuesto. En 1980 volvió a la factoria Corman para realizar una versión de "Los siete samurais del espacio", titulada "Batalla más allá de la galaxia" (aunque a veces llamada también "Los siete magníficos del espacio").

  Entre ambas películas protagonizó diversos telefilmes y películas menores hasta que en 1981 apareció en "SOB", dirigida por Blake Edwards y protagonizada por William Holden y Julie Andrews entre otros.

  Luego apareció en la miniserie "Azules y grises" y recuperó el papel de Napoleón Solo para un telefilm en 1983. Tras protagonizar otros telefilmes, en uno de los cuales interpretaba al presidente Franklin Roosevett, volvió a la gran pantalla para ser el villano de "Supermán III" de Richard Lester.

  En los siguientes años apareció en distintas series de éxito tales como "Hotel" y finalmente obtuvo un papel en la última temporada de "El equipo A", interpretando al general Stockvell. En 1987, participó en la película "Misión en los Andes", junto a Erick Estrada, película dirigida por Luis Llosa.

  En la década de 1990 apareció en películas de poca importancia y protagonizó telefilmes sin trascendencia. Continuó siendo un asiduo de series importantes y se dejó ver en "Se ha escrito un crimen", "Walker", entre otras muchas. En 1998 apareció en varios capítulos de "Los siete magníficos" interpretando al juez Orvin Travis, en lo que era un homenaje, por ser el último de los siete magníficos vivo.

  En 2006 apareció como invitado en la popular serie "Law & Order" donde interpretó a Tate Speer en el episodio "Clock", más tarde volvió a aparecer en la serie  ahora interpretando a Walter Briggs, en el episodio "December Solstice".

  En 2012 apareció como invitado en varios episodios de la aclamada serie británica "Coronaction Street" donde interpretaba al empresario Milton Fanshaw.

  Waughn falleció el 11 de noviembre en Ridgefield (Connecticut), once dias antes de su 84 cumpleaños, a causa de una leucemia aguda..

  Robert Francis Vaughn (Robert Vaughn) - Nueva York - 22 - noviembre - 1932 - Ridgefield - 11 - noviembre - 2016

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

24/11/2016 18:55 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Te volveré a ver (I'll Be Seeing You - 1944 )

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  Ambos viviendo un secreto que cada uno tiene miedo a decir...

  Intenso melodrama basado en una obra radiofónica titulada "Double Furlough", que había sido emitida con las voces de James Cagney y Gertrude Lawrence. El guión corrió a cargo de Marion Parsonuet. un célebre guionísta nacido en Nueva Jersey. Sus inicios fueron para la televisión durante la década de los años 30 para pasar al cine un tiempo después y a él se le debe el guión de la mítica película "Gilda"-1946. En los años 50 volvió de nuevo a la televisión y su último trabajo fue un episdio de la exitosa "Bonanza"-1961.

  "Te volveré a ver"  está dirigida por William Dieterle. Un director nacido en Alemania pero nacionalizado estadounidense em 1937.

  Dieterle nacio en el seno de una familia judia. De niño su familia tuvo considerables problemas económicos, lo que le obligó a trabajar de carpintero y vendedor de chatarra. Pero pronto empezó a interesarse por la farándula y a los 16 años se unió a una compañía de teatro ambulante. Su apariencia y ambición le ayudaron a conseguir papeles en películas de producciones teatrales.

  En 1915 atrajo la atención de Max Reinhardt en Berlín, que le contrató como actor de sus películas. Empezó a actuar en películas alemanas en 1921 para ganar más dinero y rápidamente se convirtió en un popular actor de carácter.

  Dirigió su primera película en 1923, "Der Mensch am Wege", protagonizada por una joven Marlene Dietrich, luego continuó actuando durante varios años en películas como "Das Waschfiguren kabinett" y "Fausto", esta última dirigida por F.W. Murnau. En 1927 Dietrich y su esposa , crearon su propia productora, lo que le permitió dirigir más películas, como "Geschiecht in Fessein", en la que también interpretó el papel protagonísta.

  En 1930, Dieterle, debido a la amenaza del nazísmo en Alemania, emigró a Estados Unidos aprovechando una oferta de Hollywood para hacer versiones alemanas de películas estadounidenses. Dieterle se adaptó rápidamente al estilo de Hollywood y pronto estuvo dirigiendo películas originales. Tradujo ya su nombre al inglés: William Dieterle (su verdadero nombre era Wilhelm Dieterle), y adquirió la ciudadania estadounidense en 1937.

  La primera de estas películas fue "The Last Flight"-1931, basada en la novela autobiográfica de John Saunders, fue un éxito, también lo fueron "El taller de la moda" ("Fashion of 1934" -1934) o la policiaca "Fog over Frisco" ("Niebla sobre San Francisco"-1934) ambas protagonizadas por Bette Davis.

  Otras películas que dirigió durante los años 30, ahora ya con un mayor presupuesto fueron "Madame Du Barry A Midsummer Night’s Dream"-1935, que se inspiraba directamente en un montaje de Max Reinhardt, y una serie de películas que lo especializaron en el género de la película biográfica o biopic, "The Story of Louis Pasteur" (La tragedia de Luis Pasteur"-1935) y "The Life of Emile Zola" ("La vida de Emile Zola"-1937). Tras abandonar la Warner y tras haber realizado "Blockade" ("Bloqueo"-1938), película ambientada en la Guerra Civil Española, en United Artist, hizo "Juarez"-1939 y "The Hunchback of Notre Dame" ("Esmeralda, la zíngara"-1939.

  Durante los años 1940 los trabajos de Dieterle estuvieron dotados de un carácter más romántico y exuberante, y a varios criticos consideraron las películas de este periodo como sus mejores obras. Hay un valor esteficísta en sus obras que se adapta a cada prlicula, pero en el que se hace muy patente su tendencia a la abstracción. Algunas de estas películas son "The Devil and Daniel Webster" ("El hombre que vendió su alma"-1941), "Kismet" ("El principe mendigo"-1944), " I’ll Be Seeing You" ("Te volveré a ver"-1944), "Love Letters" ("Cartas a mi amada"-1945) y "Portrat of Jennie" ("Jennie"-1948.

  Dieterle continuó realizando películas en Estados Unidos durante los años 50, entre las que se encuentran "Ciudad en sombras" ("Dark City"-1950), "Salomé"-1953 con Rita Hayworth, "La senda de los elefantes" ("Elephant Walk"-1954) con Elizabeth Taylor y la película biográfca "Magic Fire" ("Fuego mágico"-1955), sobre el compositor Richard Wagner.

  También realizó varias películas en Alemania e Italia, pero hay que contar su fracaso de taquilla con "The Confession"-1964 protagonizada por Ginger Rogers.

  La historia transcurre en visperas de Navidad, cuando una frágil muchacha, obsesionada con la muerte de un hombre que quiso abusar de ella. Y un sargento del ejército traumatizado por la guerra. Ambos se encuentran en un tren camino a casa y pasan juntos las fiestas...

  Un sólido melodrama, si señor. Una película que exalta el valor de la familia como terapia ante el sufrimiento humano, como la pareja trastornada y como la hermana de ella.

  Muy bonita la banda sonora llevada de la mano de Daniele Amfitheatrof, "Cuando ruge la marabunta" ("The Naked Jungle"-1954). Un compositor nacido en Rusia. A los seis años comenzó a estudiar musica con su madre y en 1914 cuando contaba trece años de edad fue aceptado como estudiante por Ottorini Respighi en Roma (su familia emigró a Italia huyendo del régimen). En 1924 fue nombrado pianísta y director de la Sinfónica Augusteo de la capital italiana. En 1934 compuso su primera banda sonora. También aceptó un buen contrato con la Orquesta Sinfónica de Boston en 1938.

  Y en esta historia sencilla deleitándonos con una sublime música, sobresaliendo la melodía que da nombre al titulo de la película escrita por Sammy fain e Irving Kahal.

  Precisa y preciosa la fotografía creada por Tony Gaudio, "Robín de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938). Un director fotográfico nacido en Italia pero nacionalizado estadounidense. Fue el primero en crear un montaje de secuencia para una pelicula. Era el fotógrafo favorito de Bette Davis donde llegó a trabajar en 11 de sus películas. Ganó un Oscar y estuvo nominado en cinco ocasiones.

  Y en esta sencilla pero admirable historia de amor, haciéndonos de disfrutar con unas maravillosas imágenes y creando un ambiente envidiable tanto en los interiores como en los exteriores.

  Muy bien el elenco de actores elegidos aqui por Dieterle. Comenzando por Ginger Rogers, "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Business"-1952), como Mary una joven que ha sido condenada, pero que ahora disfruta de un permiso navideño. Seguida por Joseph Cotten, "Barreras de orgullo" ("The Bottom of the Bottle"-1956), como Zachary, un militar al que se le ha concedido la licencia a causa de un trauma bélico. Y junto a esta romántica pareja, la jovencita Shirley Temple, "Fort Apache"-1948 como Barbara la hermana de Mary, y otro jovencito John Derek, efectivamente el Josué de "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"-1956) y aqui como Dare Harris. Pero no hay que olvidar al extraordinario secundario Chill Wills, "El Alamo" ("The Alamo"-1960) como Swanson.

  Resumiendo: Una hermosa película aparentemente sencilla, que no obstante, encubre algunas dósis de complejidad y de sostenido fervor humano. Una película para disfrutarla.   Sobresaliente.

  Como curiosidad el director George Cukor rodó algunas escenas de esta película, pero su nombre no aparace en los títulos de crédito.

15/11/2016 09:49 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Trapecio (Trapeze - 1956)

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  Triple salto mortal y sin red, sobre el vacio, arriesgándolo todo...

  Memorable y estupenda película de género circense, con romance incluido, basada en una novela de Max Catto, "Fuego escondido" ("Fire Down Below"-1957), (por ejemplo). Un dramaturgo y novelísta nacido en Manchester (Inglaterra) y en donde escribió novelas de aventuras y dramas durante más de cuatro décadas, también escribió bajo el seudónimo de Simón Kent Diez y varias de sus obras fueron adaptadas al cine. Gran parte de su obra ha sido traducida en varios idiomas.

  Del guión se ocuparon James R. Webb, "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958). Un escritor nacido en Denver y graduado en la Universidad de Stanfordn en 1930. Durante esa década trabajó como guionísta en varias revistas nacionales. Ganó un Oscar por "La conquista del Oeste" ("How the West Was Won"-1962). Y ayudado por Ben Hecht, "Encadenados" ("Notorious"-1946). Un vonelista y dramaturgo nacido en Nueva York y llamado "el Shakespeare de Hollywood". Fue el primer guionísta de cine que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima de muchos de los casi 90 guiones que escribió lo fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de 1940 y principio de 1950. El boicot fue una respuesta al apoyo de Necht al movimiento sionísta de Palestina, llegando a llamarse uno de los barcos de aprovisionamiento a Palestina en honor a él.

  "Trapecio" está dirigida por Carol Reed. Un director nacido en Londres. Sus primeras películas fueron muy dispares, desde dramas sociales como "El amor manda" ("Bank Hollyday"-1938), a comedias hilarantes como "Cuidado con lo que haces" ("Climbing High"-1938). Su primera obra importante, "Las estrellas miran hacia abajo" ("The Stars Look Down"-1940), narra el ascenso del hijo idealísta de un minero hasta un puesto en el gobierno, y muestra una adusta autenticidad en las escenas en la bocamina. Luego dirigió una de las mejores películas británicas de propaganda bélica, "Hacia adelante" ("The Way Ahiad"-1944.

  Tras la guerra Carol Reed realizó tres películas personales, que revelan en cierto fatalísmo y una percepción de la ironía trágica, "Larga es la noche" ("Odd Man Out"-1947) narra las últimas horas de un nacionalísta irlandés que huye a Belfast. En "El idolo caido" ("The Fallen idol"-1948), el hijo de un diplomático cree que ha visto cometer un asesinato al único hombre que aprecia. En "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949), que se desarrolla en la ciudad dividida de Viena, un ingenuo estadounidense tiene que reconocer que su más viejo amigo es un malvado explotador y asesino. Las dos últimas películas se basan en un guión de Graham Greene. En "El tercer hombre" considerada como un clásico, alcanzan su punto culminante las mejores cualidades de Reed: su sensibilidad para las localizaciones y su arte para elegir y dirigir a los actores.

  Posteriormente, Reed pareció perder el rumbo, "Desterrado de las islas" ("Outcast of the Islands"-1952) resultó decepcionante y "Se interpone un hombre" ("The Man Betwen"-1953) parecía una cansada relación de "El tercer hombre". Solo en tres ocasiones dió sintomas de recuperar su buena forma, "Trapecio" (Trapeze"-1956), una fenomenal  historia de acróbatas, "Nuestro hombre en la Habana" ("Our Men in Havana"-1959) volvió a reunirle con Greene en una sarcástica comedia de espias y con estilo. Y "Oliver"-1968, su alegre versión cinematográfica del musical dickensiano de Lionel Bart, que fue acogida con una bateria de premios de la Academia.

  La historia nos lleva hasta un circo de Paris y nos mete en la vida de todos sus artistas, pero son tres los que sobresalen: Mike Ribble que había sido uno de los pocos trapecistas capaces de hacer el triple salto mortal. Sin embargo tras sufrir un accidente con el trapecio, se vió obligado a trabajar como tramoyista y siempre apoyado en un bastón; Tino, el hijo del gran Orsini, lo busca para que le enseñe a ejecutar el triple salto, y entre los dos desgraciadamente se interpone Lola, cuyo único afán es triunfar en el circo sirviéndose de su belleza...

  Para mi una de las mejores películas de este género, puesto que Carol Reed acertó al filmar una historia de forma diferente, varias veces se habían filmado con sus personajes con el circo como fondo, y otras veces se filmaron personajes y circo en paralelo, pero aqui el cineasta inglés consiguió una historia filmando a los personajes y al circo de forma entrelazada, de forma que todo está intercomunicado.

  La música a cargo de Malcom Arnold, "Atraco en las nubes" ("A Prize of Gold"-1955). Un compositor nacido en Northampton (Inglaterra), fue uno de los cpmpositores británicos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Comenzó su carrera como trompetísta profesional, pero alrededor de los treinta años decidió dedicarse exclusivamente a la composición. Compuso más de quinientas obras, tanto de música clásica como documental y cinematográfica (obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora por "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957). Fue uno de los más polémicos compositores del siglo XX, debido a su estilo neoromántico y neoclásico que ya había sido practicamente alejado al pasado y sus consiguientes roces con la critica especializada.

  Y en este triple salto mortal incluyendo pasajes de "El Danubio Azul" de Strauss, y la marcha militar "Los gladiadores" y los maravillosos temas de "Tema de amor" y "Tema de Lola".

  Magnífica la fotografía en color y en formato Cinemascope de Robert Krasker, "El Cid"-1961. Un magistral director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto). Viajó a Inglaterra en 1937 y allí se encontró con Alexander Korda, y se convirtió en operador de cámara en los estudios London Films propiedad de Korda. El trabajo de Krasker fue fuertemente influenciiado por el cine negro y el expresionísmo alemán. Aunque nació en Egipto su nacimiento fue registrado en Perth (Australia Occidental) fue el primer director de fotografía australiano en ganar un Oscar, el segundo lo ganaría en 1980.

  Y en esta sensacional historia de extraordinarios trapacistas creando unas escenas llenas de acción y emoción usando de maravilla el formato Cinemascope para crear un ambiente circense logradísimo, con las miserias internas de ese mundillo de artistas.

  Sensacionales todos los actores pero sobresaliendo el gran Burt Lancaster, "El hombre de Alcatraz" ("Bridman of Alcatraz"-1962) metido en el tullido cuerpo de Mike Ribble, un veterano trapecista que se tuvo que retirar de la actividad circense tras un accidente que le provocó una seria lesión. Y con Lancaster otro grande de Hollywood, Tony Curtis, "El estrangulador de Boston" ("The Boston Strangler"-1968) como Tino Orsini un joven acróbata que viaja hasta Paris para encontrar a Mike y que le desvele los secretos de la que fue su especialidad: el triple salto mortal. Y junto a estos dos monstruos sagrados del séptimo arte, Gina Lollobrigida, "La mujer más guapa del mundo" ("La donna piu bella del mondo"-1955), en el papel de Lola una joven bellisima y sensual, pero también ambiciosa y ansiosa de protagonísmo provocando fricciones entre Mike y Tino. Sensacional el trio amoroso de esta historia.

  Pero también nos encontramos en las pistas de este circo a otra belleza internacional, me refiero a Katy Jurado, "Lanza rota" ("Broken Lance"-1954) como Rosa y a otro secundario de lujo Thomas Gomez, "Cayo Largo" ("Key Largo"-1948) como Bouglian.

  En definitiva: Una estupenda película, con una historia muy sólida con un triángulo amoroso impecable y potente. Una película, que es como el circo pero sin olor a circo y viendo lo más espectacular del mismo: el TRAPECIO.    Matrícula de Honor.

  Burt Lancaster recibió en 1956 el Oso de Plata al Mejor actor en el Festival de Berlín.

  Como curiosidad: Burt Lancaster trabajó como acróbata en un circo hasta que una lesión (al igual que en la película) le obligó a abandonar esta profesión.  

06/11/2016 10:09 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Cenizas y diamantes (Popiól I Diament - 1958)

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                       En recuerdo de: Andrezj Wajda

  Como una antorcha incandescente que arde esparces a tu alrededor centellas crepitantes.

  ¿Sabes al menos, si ardiendo eres más libre, o si aceleras el desastre de todo lo que fue tuyo?

  ¿Si sólo quedará de ti un puñado de cenizas dispersado por la tempestad, o si hallará en lo más profundo de las cenizas un diamante estrellado promesa y prueba de victoria eterna?

                (Cyprian Norwid)

  El título de la película proviene de este poema.

  Estupenda película de género bélico-dramático y adaptada de la novela "Ashes and Diamond" (1948) de Jerzy Andrejewski. Un escritor nacido en Varsovia (Polonia) y en donde comenzó a escribir cuentos desde muy joven. En 1936 publicó su primer libro con el título de "Droji nieniknione" ("Caminos inevitables"). A pesar de que se le consideró en numerosas ocasiones entre los favoritos al Premio Nobel de Literatuira, nunca le fue concedido. En septiembre de 2006, se le concedió póstumamente el rango de Comandante de la Orden Polonia Restituta de manos del presidente Lech Kaczyviski.

  Del guión se hicieron cargo el propio Andrezejewski y el director de la película.

  "Cenizas y diamantes" pues está dirigida por Andrzej Wajda. Un cineasta nacido en Suwalki (Polonia) y considerado como uno de los más relevantes de la Escuela Polaca de Cine. tras la Segunda Guerra Mundial estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia antes de entrar en la Escuela Nacional de Cine de Lódz.

  A comienzos de los noventa fue elegido senador y director artístico del Teatro Powszchny de Varsovia y el el 2000 fue galardonado con un Oscar Honorífico por sus numerosas contribuciones al mundo del cine, Wajda donó el premio a la Universidad Jaguelónica de Cracovia. En febrero de 2006 recibió un Oso de Oro Honorífico por toda su carrera en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

  La acción pues, tiene lugar en una indeterminada ciudad polaca de provincias durante unas escasas 24 horas, comprendidas entre el 8 de mayo de 1945 (rendición alemana en Reims) y el 9 de mayo de 1945. Alli Maciek Chemieki y su compañero Andrze, del partido nacionalísta, tuenen órdenes de matar al líder comunísta local Szczuka, antiguo combatiente de la guerra civil española. Tras el fracaso de la operación, Maciek se refugia en el Hotel Metropol, donde entabla conversación con una joven camarera llamada Krystyna...

  Muy buena película. si señor. durante los primeros minutos uno tiende a pensar que, con el fin de entender mejor lo que ocurre y por que ocurre, debiera pensar previamente con algo de profundidad la peculiar conyuntura política de Polonia de la época. Sin embargo, mas tarde, uno también comprende que, en última instancia y como sucede también con el neorrealísmo italiano, el gran valor de esta historia es que transciende la crónica histórica (de gran importancia por si misma) para desembocar en los "eternos" dilemas del hombre. El ejemplo, una vez mas, que cuanto mas local, mas universal.

  Asi pues, el estilo visual de Wajda se convierte en el mejor cómplice para su atormentado relato. Un estilo barroco con reminisciencias expresionístas, lleno de atmósferas asfixiantes a partir de un uso muy marcado de la profundidad de campo y con tendencia a buscar imágenes simbólicas, como caballos blancos o cruces boca abajo.

  Estupendas imágenes por cierto, realizadas por Jerzy Wojcick, "Madre Juana de los Angeles" ("Matka Joanna od Aniolów"-1961). Un director de fotografía nacido en Nowy Sacz (Polonia). Se ganó la fama internacional en la escuela de cine polaco como co-creador de los mayores éxitos de los años 50 y 60 del cine de su pais. Es profesor de arte cinematográfico. En 1981-1982 enseño el arte de la cinematografía en el Departamento de Radio y Televisión de la Universidad de Silesia y en 1984 en la Escuela de Cine de Lodz.

  Y en este retrato del primer Wajda, mostrándonos una magníficas imágenes en blanco y negro y haciéndonos sumergir en una noche prolongada de luces inquietantes y desoladoras, construidas con focos localizados que rompen las tinieblas del escenario, que dibujan espacios angustiosos, caóticos y espectrales. En este contexto las imágenes adquieren gran fuerza y una sobresaliente capacidad de impresionar al espectador, como ocurre en la escena del interior de la iglesia o en los espacios abiertos de la huida de la realidad.

  La banda sonora corrió a cargo de Filip Nowak. Un compositor nacido en Wielkopolskie (Polonia)  con un sólo titulo en su haber cinematográfico. Y en este auténtico diamante polaco aportando melodias sencillas a cargo de instrumentos solitarios, como la flauta de las escenas iniciales o el saxo posterior, que complementa con intervenciones puntuales a cargo de pequeños conjuntos instrumentales. En todos los casos, la música es melancólica y triste y, en ocasiones, aporta tonos trágicos y desgarrados, acompañados de figuras fantasmagóricas y primeros planos del rostro de los personajes principales.

  Muy bien los actores comenzando por Zbigniew Cybulski, "El manuscrito encontrado en Zaragoza" ("Rekopis znaleziony w Saragossie"-1965) como Maciek Chelmieki, un joven que milita en un grupo ultranacionalísta y que recibe el encargo de asesinar a un lider comunísta. Seguido de Ewa Krzanowska, "Faraón"-1966 como Krystina, una joven  que en pocas horas se enamora de Chelmieki; Maclaw Zastrenska, "Poscig"-1954, como Szczuca, el comunista al que quiern asesinar.

  En definitiva: Una muy buena película cargada de tensión desde la primera a la última escena con un desodador desenlace cargado de lirísmo y para mi, una de las mejores películas polacas de todos los tiempos.   Sobresaliente.

  "Cenizas y diamantes" logró en 1959 el Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia y ese mismo año estuvo nominada al premio BAFTA a la mejor película y actor extranjero (Zbigniew Cybulski).

  Como curiosidad: En una entrevista acompañando el lanzamiento en 2010 de la triología de la guerra en inglés, de la cual "Cenizas y diamantes" es la tercera parte, Wajda dijo que preguntó a Cybulski, que interpretaba a Macieek, si había visto a James Dean. Este respondió que si, y estuvo de acuerdo en que convendría desarrollar su estilo de actuación en la película. Cybulski al igual que Dean, murió joven en un accidente ferroviario.

01/11/2016 09:47 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                         Andrzej Wajda

        Máximo exponente de la Escuela de Cine polaca

  El pasado dia 9 falleció en su casa de Varsovia a los 90 años de edad y a causa de una insuficiencia respiratoria el cineasta polaco Andrzej Wajda.

  Wajda ha sido una de las figuras de la escuela polaca de cine, autor de obras de contenido político y sobre la historia de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial, participó en política como senador.

  Hijo de un funcionario polaco que murió en la Segunda Guerra Mundial, Wajda se incorporó con su padre al movimiento de resistencia cuando aún era un adolescente. Tras la guerra estudió pintura y luego cine en la Escuela Nacional Superior de Cine, Televisión y Teatro León Schiler de Lódz. Trabajando con uno de los mejores directores polacos de la época, Aleksander Ford, Wajda fue evolucionando hasta dirigir su primera película, "Generación" ("Pokoleine"-1955), una película antibélica que contó  con el actor Zbrgniew Cybuski, y un joven Román Polanski. Con Cybuski volvió a rodar "Kanal"-1957, de tema parecido a "Cenizas y diamantes" ("Popiól I Diament"-1958). Tras la muerte de su viejo amigo Cybulski, dirigió "Todo está a la venta"-1969.

  En la década de los setenta, con trabajos como "La tierra de la gran promesa" ("Ziemia obiecana"-1975), Wajda adoptó, cada vez un tonp más político y realizó dos películas apoyando al sindicato Solidaridad, "El hombre de mármol" ("Cziowiek marmuru"-1977) y "El hombre de hierro" ("I’ Homme de fer"-1981). Esta última, en la que aparecía Lech Walesa, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Los constantes conflictos de Wajda con el Gobierno le llevaron a exiliarse a francia, pero siguió trabajando con regularidad.

  Tras la caida del comunísmo en Polonia en 1989, Wajda volvió a casa y renaudó su carrera cinematográfica al tiempo que participaba de forma más directa en la política como senador. A diferencia de trotamundos como Kzyszfof Kieslowski, Wajda rara vez salía de Plolonia para realizar sus películas, aunque los temas cada vez eran más diversos. En 1999 le concedieron un Oscar honorífico. Luego dirigió "Zemsta" ("La venganza"-2002), que le volvió a reunir con Polanski por primera vez  desde que trabajaran juntos a principio de los años cincuenta. Su último trabajo y ya con 90 años de edad fue "Powidoki"-2016.

  Andrezj Wajda -Suwalki (Polonia)-6-marzo-1926-Varsovia (Polonia)-9-octubre-2016

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

                                    

  "Nunca pensamos que viviriamos para la caida de la Unión Soviética y ver Polonia como un pais libre."

                                              (Andrezj Wajda)

 

 

25/10/2016 18:16 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Toma el dinero y corre (Take the Money and Run-1969)

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  "¡Mamá! 1Mamá! ¡El universo se expande!"

  "¡Calla niño! Esto es Brooklyn y Brooklyn no se expande!"

  Estupenda película de género de comedia y "ópera prima" de ese genio del cine llamado Woody Allen.

  El guión como es de esperar corrió a cargo del mismo Allen aunque ayudado por su amigo de la infancia y compañero de escuela Mickey Rose, "Bananas"-1971. Un escritor y guionísta nacido en Brooklyn (Nueva York). Fue criado por su madre soltera. En la escuela conoció a Allen y se convirtió en su mejor amigo. Se matriculó en la Universidad de Nueva York y allí obtuvo la licenciatura de cine.

  "Toma el dinero y corre" está dirigida como no por Woody Allen. Un cineasta nacido en Brooklyn (Nueva York) y un prolífico rey de la comedia.

  Woody Allen se ha convertido en un icono del cine, tanto por su estilo como por su habilidad interpretativa única. Pese a que Manhattan ha sido el escenario donde han desarrollado su actividad generaciones de músicos, diseñadores, urbanìstas, novelístas y políticos, en la actualidad la isla es famosa por constituir el  marco de casi todas las películas de este director. Al dejar su impronta en este singular paisaje, Woody Allen ha aportado su propia mitología a los barrios, monumentos, equipos deportivos y tejido social de la metrópolis, especialmente a los enrarecidos entornos del Upper East Side.

  Sus películas muestran el estereotipo del judio neoyokino culto, irreligioso y en ascenso en la escala social que Allen encarna y a la vez trasciende. El humor de Woody Allen parte de la comunidad judia estadounidense, y sus afinidades y hábitos.

  Nacido en Brooklyn (Nueva York) con el nombre de Allen Konigsberg, escogió el apodo de "Woody" de adolescente y lo adoptó como su nombre legal en 1952. Comenzó contando chistes a los 15 años de edad y al cabo de un par de años las emisoras comerciales ya se los compraban para que los utilizaran otras estrellas como Boob Hope y Danny Kaye. Allen también actuó como humorísta en varios clubes, donde perfiló el oficio y su manejo de los tiempos antes de trabajar en televisión.

  Su primer guión cinematográfico en solitario fue llevado a la pantalla por Cliver Donner bajo el título "¿Qué tal, Pussycat?" ("¿Qué tal, gatita?"-1965). El siguiente paso fue co-dirigir junto a Senkinchi Taniguchi "El número uno" ("Wat’s Up, Tager Lily?-1966) y finalmente pudo dirigir en solitario: "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Run"-1969). Desde entonces Woody Allen ha realizado practicamente una película anual durante casi cuarenta años, de las que gran parte se han convertido en iconos de culto. Sus titulos resultan tan conocidos como su propio nombre y tanto sus ingeniosos chistes como sus temáticas argumentales han entrado en la leyenda del cine. A parte de su fecundo trabajo como realizador, ha hecho apariciones estelares (o ha presentado su voz) en películas de otros directores.

  La historia pues, tiene lugar en el verano de 1968 en donde Virgil Starkwell, nacido en un barrio marginal de Baltimore, en el seno de una familia muy modesta, este es un joven inadaptado, que tiene obsesión por el dinero y las mujeres y es aficionado a tocar el violonchelo. Louise es una muchacha dulce, guapa, generosa y pura, que tuvo unos padres adoptivos autoritarios. De soltera trabajó como empleada doméstica de la limpieza...

  Muy buena película, si señor. La historia cuenta con la ayuda de la voz en "of" del narrador, a la manera de un falso documental sobre la vida de un delincuente torpe y con mala suerte. Allen intercambia entrevistas a los padres, profesor de música, psquiatra, etc. El relato está concebido como una yuxtaposición de viñetas saturadas de "gags", sobre todo de humor visual.

  Cuenta con unos diálogos sumamente ingeniosos, ácidos e irónicos. Y el narrador nos explica los hechos en un tono de rigor y seriedad, que constrasta con el tono desmedido y burlesco de las imágenes. Este hecho da lugar a una situación de pugna entre la verdad oficial (narrador) y la auténtica verdad (imágenes), que potencia la ironía y la comicidad.

  Allen combina parodias y guiños de simpatia dirigidos a realizadores, actores, actrices y películas: Chaplin, Keaton, Hermanos Marx, Fritz Lang, etc. incluye referencias a "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) de Charles Chaplin, "Pistoleros de agua dulce" ("Monkey Business"-1931) de Norman Z. McLeood, "El hotel de los lios" ("Room Service"-1938) de William A. Seiter, y otros incorpora parodias de "Soy un fugitivo" ("Am Fugitive From a Chain Gang"-1932) de Mervyn Le Roy, "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"-1967) de Stuart Rosenberg, "Un hombre y una mujer" (""Un homme et une femme"-1966) de Claued Lelouch, etc. .Caricaturiza el cine de gángsters de la Warner de los años 30. La película pues, contiene constantes de su filmografía posterior, como las obsesiones del protagonísta, los paseos por el Central Park, la familia autoritaria y  la atención preferente que se presta a las desventuras, improvistos y contratiempos.

  La banda sonora, rítmica, moderna y colrísta corrió a cargo de Marvin Hamilisch, "El golpe" ("The Sting"-1973). Un compositor, pianísta y director de orquesta nacido en Nueva York y uno de los once artistas en ganar los cuatro premios fundamentales del espectáculo estadounidense: Gremmy, Emmy, Tony y Oscar. Se inició como pianísta de Barbra Streisand y arreglando composiciones de cantantes de la época y posteriormente colaboró con Quincy Jones y Liza Minelli.

  Y aquí nos ofrece como tema principal la composición "Soul Bossa Nova", que interpreta Hamilisch con su orquesta.

  De la fotografia en color y blanco y negro Allen contó con Lester Shorr. Un camarógrafo nacido en Nueva York concretamente en Brooklyn (como veis todo el equipo nació en la ciudad de los rascacielos), y cuyos trabajos fueron unicamente para la televisión destacando la archifamosa "Bonanza"-1959-1960 que trabajó en la friolera de 31 episodios. Y en esta "opera prima" del director, cuidando sobre todo el humor visual y el complemento visual del humor verbal. Fue un trabajo entretenido, ágil y muy grato de ver, porque cuenta con algunos "gags" excelentes. Los exteriores fueron rodados en San Francisco y en la prisión de San Quintín.

  Y en cuanto a los actores pues todos excelentes y en sus puestos respectivos encabezado por Woody Allen, metido en el personaje de Virgil Starkwell un incompetente atracador. Seguido por Janet Margolin, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979) como Louise; Marcel Hillaire, "Zafarrancho en el casino" ("The Honeywonn Machine"-1961) como Fritz el director; Jacqueline Hyde, "Danzad, danzad, malditos" ("They Shoot Horses Don’t They?"-1969) como Miss Blair.

  En definitiva: Una estupenda película que vale mucho la pena verla, sobretodo para observar como fue el comienzo de un genio.  Sobresaliente.

  Como curiosidad, la película tuvo un presupuesto de 1,5 millones de dólares, y se estrenó el 18 de agosto de 1969 en Manhattan (Nueva York).

 

23/10/2016 10:17 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Tristana - 1970

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  "Soy tu padre y tu marido, y hago de uno u otro según me convenga".

  Obra maestra de género dramático e inspirada en una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelísta, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria.

  Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realísta del siglo XX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por diversos especialístas y estudiosos de su obra como el mayor novelísta español después de Cervantes.

  Pérez Galdós fue desde 1897 académico de la Real Academia Española y llegó a ser propuesto al Premio Nobel de Literatura en 1912. Aunque, salvo en su juventud, no mostró especial aficción por la política, aceptó su designación como diputado en varias ocasiones y por distintas circunscripciones.

  Del guión se hicieron cargo, el propio director es decir Luis Buñuel, y Julio Alejandro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor y poeta nacido en Huesca, y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Buñuel y considerado uno de los mejores guionístas de México, y su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz Año, amor mio".

  "Tristana" está dirigida como bienn he dicho antes por Luis Buñuel. Un director nacido en Calanda (Teruel) y padre del surrealísmo cinematográfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado en colaboración con Salvador Dalí. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealista por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subuclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesía pot mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera" (Le journal d’une femme de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual con el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesia" ("Le charme discret de la bourgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte"-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinacuón de los surrealistas por el fetichismo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba inmponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La historia nos lleva hasta la ciudad española de Toledo. Allí al morir los padres de una joven llamada Tristana es confiada a un tal don Lope, un don Juan en declive cuya época ya ha pasado, incapaz de aceptar su caducidad como seductor, don Lope la seduce y Tristana se convierte en su amante desde los 19 años hasta los 21 pero ella, considerada por él como su hija y su mujer, le pide que la deje estudiar música y arte para poder independizarse. Tristana se enamora de Horacio, un pintor que también siente lo mismo por ella, y acaba yéndose con él a Madrid. Tristana sufre un cáncer de rodilla y como consecuencia tienen que amputarle una pierna. Horacio se desinteresa por ella y Tristana vueve a Toledo y se casa con don Lope. Este enferma. Victima de una crisis nocturna, llama a Tristana para que le ayude. Tristana finge llamar por teléfono al doctor antes de abrir la ventana, cuando está nevando, para así acelerar la muerte de don Lope...

  Nueve años después de la escandalosa "Viridiana"-1961, Buñuel volvió a adaptar otra obra de su admirado Galdós. Una película que a priori parece una de sus obras menores, pero para mi es toda una obra maestra. La película explora las diferencias de intereses y de carácter de los protagonistas principales. Cuenta con escenas memorables: la del partido de fútbol de los muchachos sordomudos, la de la boda envuelta en aires fúnebres y eróticos y a destacar el valor simbólico del sordomudo como persona con más capacidades de percepción (visión, audición e inteligencia) que la burguesia.

  La música de Frederic Chopin, aporta "Estudio revolucionario", una composición temperamental e iracunda, a cargo de Tristana, que sugiere su fuerza, su capacidad de lucha, su voluntad indomable, su furia y sus deseos de triunfo sobre la opresión. A través de la composición Tristana proclama que, pese a los golpes de la vida y la sociedad, conserva la entereza, la capacidad de la lucha y los propósitos de victoria.

  La fotografía en color corrió a cargo de José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con la película "Castañuela"-1945, de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, la última, intervino en casi 120 películas. Destacando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en titulos míticos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor"-1948, "El último cuplé"-1957. Asi como con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregular carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel.

  Y en esta magnifica adaptación de un clásico de la literatura española aportando una narración aústera, estilizada y sobria de gran fuerza expresiva. Transmitiendo a las imágenes sentimientos de opresión, oscuridad, explotación y lucha tenaz. La película  se rodó en su totalidad en la maravillosa ciudad de Toledo. (mi ciudad natal).

  Formidables todos los actores con una gran interpretación de Fernando Rey, "Diario de invierno"-1988, interpretando a don Lope, posiblemente en uno de sus mejores papeles de su exitosa carrera. Espléndida Catherine Deneuve, "La chica del tren" ("Le fille du Rer"-2009) en el papel de Tristana esa joven mujer indomable y víctima a la vez, maravillosa la actriz francesa, y completando el trio el italiano Franco Nero, "Cartas a Julieta" ("Latters to Juliet"-2010) dando vida a Horacio, un pintor enamorado de Tristana.

  Pero no hay que olvidarnos de la gran Lola Gaos, "Viridiana-1961 como Saturna y de otro estupendo secundario Antonio Casas, "Los ángeles del volante"-1957, como don Cosme.

  En definitiva: Una obra maestra del cine español, con un final redentor y libertario, puesto que los flasbacks que aparecen significan la muerte de dos personas, por una parte la fisica de don Lope y la espiritual de Tristana. Una película Matrícula de Honor.

  "Tristana" estuvo nominada en 1970 como mejor película de habla no inglesa. La ganadora fue "Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha" ("Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto") de Elio Petri (cosas de la Academia digo yo).

  Como curiosidad: "Tristana" supuso la vuelta a España de Buñuel, por segunda y última vez, tras el escándalo de "Viridiana".

 

 

14/10/2016 23:14 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Toro salvaje (Raging Bull - 1980)

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  Jake: Bésame las mejillas

  Vickie: Por qué?

  Jake: Por que si tu les das un beso mejorarán...

  Obra maestra del género de boxeo basada en la historia de Jake la Motta, con un guión de Paul Schrader, "La costa de los mosquitos" ("The Mosquito Coast"-1986). Un director y guionísta nacido en Michigan. Fue educado en una escuela calvinista que le marcaría profundamente en su manera de sentir en toda su obra. No vió una película hasta los 18 años. En 1975 escribió junto a su hermano el primer guión y un año después Martin Scorsese le mandó escribir su primera película "Taxi Driver". A partir de entonces su relación profesional y su amistad se hizo patente hasta que en 1999 rompieron toda esa larga y fructífera relación.

  El segundo guionísta fue Mardik Martin, "Malas calles" ("Mean Streets"-1973). Un guionísta nacido en Irán. unque su familia era adinerada Mardik huyó del pais para evitar el servicio militar y llegó a Nueva York. Allí sin dinero tuvo que ponerse a lavar platos en un restaurante para pagarse los estudios en la Universidad de la NYU, donde conoció a su compañero de estudios Martin Scorsese en 1961. Los dos formaron una estrecha amistad y trabajaron en los primeros proyectos de Scorsese.

  "Toro salvaje" está dirigida por el ya mencionado Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito en cada proyecto y sus películas no sean del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado la valoración pública del director que la de cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de genialidad pero también sintomas de exceso artístico. El  recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo. Este rasgo de reconocer fundamentalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos espectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar. En este sentido, Scorsese puede resultar algo pomposo.

  El hecho de que sepa reconocer la fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico sugiere que se trata de una mente cuidadosamente organizada en torno al fotograma, no solo como medio para contar historias, si no también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explican que la obra del director neoyorkino, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a sus actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de la cámara en celebridades. Ha recibido el premio a toda una vida del American Film Institute (Instituto del Cine Estadounidense), tiene seis nominaciones a los Oscar al mejor director de las cuales ganó una por su película "Infiltrados" ("The Departed"-2006), cinco premios Emmy y seis Globos de Oro (cinco como director y uno como guionista).

  La historia se desarrolla durante 23 años  entre 1941 y 1964, y Scorsese nos explica la historia del boxeador Jake la Motta, un personaje solitario, violento y maltratador de instintos primarios, inseguro y ególatra, vulgar e infantil. Forma pareja con Irma y luego con Vickie de 16 años. Cuenta durante muchos años con el apoyo de su hermano casado con Leonore.

  La historia pues, nos narra en un largo flashback, el comienzo de Jake cuando se prepara para intervenir en un "show" en el Barbizan Plaza Teatro de Nueva York en 1964. Entonces arranca el flashback que nos situa en 1941. La narración es minuciosa y rica en detalles, algunos de los cuales Scorsese los destaca mediante la inserción de breves planos de proximimidad. "Toro salvaje" más que una película de boxeo, es una película que desarrolla una exploración fundamentada y lúcida sobre los celos patológicos de un personaje frágil e inseguro, que tiene mal resueltas sus relaciones con las mujeres y el entorno. Se ha dicho que la narración define tres ámbitos de relación diferente: la vida en el ring, la vida real en familia y la vida familiar soñada o idealizada. Esta última se presenta a través de las películas domésticas que recogen en color los eventos familiares más gratos (celebraciones, aniversarios, bodas...). En contraste con este nivel, la vida familiar real está llena de problemas, fricciones, disputas, malos tratos, ira, violencia y sentimientos de culpabilidad. La vida en el ring hace funciones de compensación de infelicidad e insatisfacción familiar, y de medio a través del cual se accede a la explación y la redención de culpas...

  La banda sonora aporta una excelente seleción de temas que confieren la historia: fuerza, vibración y emoción. Destacan los cortes de "Cavalleria rusticana", de Pietro Mescagni, y los extractos de temas populares, como "Mona Lisa" (Nat "King" Cole), "Frenesi" (Artie Shaw), y "By By Baby" (Marilyn Monroe), y otros de Ella Fitzgerald, Renato Carosone y Ray Charles.

  La fotografía corrió a cargo de Michael Chapman, "Taxi Driver"-1976. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como operador de cámara y como director de fotografía se hizo famoso por colaborar en un par de ocasiones con Martin Scorsese. El estilo de Chapman tiende hacia altos contrastes y el uso agresivo de colores fuertes. También es muy hábil en la creación de movimientos de cámara de forma rápida y la improvisación en el set.

  Y en este Toro del Bronx rodada en blanco y negro con algunas secuencias en color, componiendo una descripción impresionante y perturbadora de los combates de boxeo, con oportunos subrayados a cámara lenta. Ante los estallidos de violencia doméstica, la cámara queda inmóvil al objeto de captar la intensidad del momento sin añadidos ni refuerzos. El ritmo de las imágenes se torna vertiginoso en los momentos culminantes.

  Las escenas de exteriores fueron rodadas en Los Angeles (San Pedro, Olympic Auditorium) y Nueva York (Qeens, Bronx...). Y las interiores en los platós de Colver Studios de Hollywood.

 

Soberbio Robert De Niro, "Condenado"- 2002,  metido en el personaje (y nunca mejor dicho) de Jake la Motta un joven boxeador que su único sueño es convertirse en campeón de los pesos medios. Y con el gran De Niro, un formidable Joe Pesci, "Mi primo Vinny" ("My Cousin Vinny"-1992), como Joey el hermano y entrenador de Jake; Cathy Mariarty, "Locos de Alabama" ("Crazy in Alabama"-1999), como Vickie la joven esposa de Jake; Theresa Saldana, "La noche antes" ("The Night Before"-1988) como Leonore, la esposa de Joey; Frank Vincent, "Una banda de cuidado"-2000), como Salvy; Nicholas Colosanto, "La trama" ("Family Polot"-1976), como Tommy Como; Mario Gallo, "King-Kong"-1976, como Mario.

  En definitiva: Una obra maestra del género, una de las mejores películas de los años 80. Una película sencillamente prodigiosa. Matrícula de Honor.

  "Toro salvaje" logró dos Oscar en 1980: Mejor actor (Robert De Niro) y Mejor montaje (Thelma Schoonmaker) y obtuvo ocho nominaciones.

  Como curiosidad: El rodaje se inició en abril de 1979 y terminó en diciembre del mismo año, tras cuatro meses de interrupción para que De Niro engordara 30 Kg.

02/10/2016 10:52 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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