Bienvenido a Pablo Cine

"He disparado a mi esposa, pero no podrás probarlo"...

Entretenido thriller (aunque no para tirar cohetes) de género de intriga con juicio por medio llevado al cine gracias a una historia del escritor y productor nacido en Illinios, Daniel Pyne "Doc Hollywood" un hombre donde practicamente ha desarrollado toda su carrera en la televisión y con series tan exitosas como por ejemplo: "Corrupción en Miami" ("Miami Vice"), donde llegó a escribir cerca de treinta guiones y teniendo como colaborador al tambien norteamericano Glenn Gers "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money") un guionista quizá muy poco conocido pero que tiene en su curriculum el haberse graduado en la mundialmente famosa Universidad de Yale y con unas excelentes calificaciones.

"Fracture" está dirigida por otro hombre también con comienzos en diversas series para la televisión americana, me refiero al texano Gregory Hoblit "La guerra de Hart" ("Hart’s war").

La acción nos mete pues en el cuerpo de dos personajes completamente opuestos y por supuesto con muy pocas cosas en común, uno un tal Ted Crawford, un ingeniero de mediana edad que el "tio" acaba de dispar a sangre fria a su esposa. El otro Willy Beachum un fiscal joven y ambicioso y cuya carrera está solamente empezando a despegar. Ambos pues, se encontrarán cara a cara en un camino digamos que su final puede convertirse en un auténtico desastre.

Entretenida historia sin más, como digo al principio ya que el planteamiento que nos hace Hoblit es más bien muy simple, puesto que la historia gira en torno a un asesinato, y en donde en el cual ya sabemos de antemano quien es el asesino, pero entretenida desde luego si es. Cuenta con unos momentos bastante buenos, vamos de esos de los que te suelen enganchar, pero, otros en cambio van haciendo agua por culpa de muchos agujeros que contiene la trama, y ahí es donde el bueno del director texano debería de haber dado su dó de pecho, para haberlo convertido en un thriller de muchos quilates, pero en fin, nadie es perfecto.

Perfecta eso si, es la fotografía en color supervisada por Kramer Morgenthau "El enviado" ("Godsend") un conocido director de fotografía nacido en Boston y con una nominación al Emmy, y aquí creando como digo unos perfectos fotogramas, sobre todo las escenas fotografiadas en escenarios exteriores y sobresaliendo las rodadas en la ciudad de Los Angeles.

Bastante amena la banda sonora llevada bajo la dirección de los hermanos canadienses Mychael y Jeff Danna "La boda del monzón" ("Monsoon Wedding") el primero y "Resident 2: Apocalípsis" el segundo, y en esta "fractura" aportando unos temas muy acordes con la historia y llevada con un buen ritmo, dandole por supuesto un poco más de emoción, cosa que de verdad le falta a la hora de la verdad, el tema "Suicide" es verdaderamente genial.

Y dejándome para el final, los actores, con Anthony Hopkins "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs") a la cabeza, un actor que no necesita presentación alguna, y en esta historia contada por Hoblit metido en el traje y empuñando un revólver, dispuesto a cometer un crimen digamos que super-perfecto de Ted Crawford un ingeniero que "asesina" a su esposa, un tipo despiadado, inteligente y muy calculador, y en donde todo hay que decirlo el personaje le sienta como un guante, extraordinario Hopkins, como tiene que ser.

Y a su lado, muy pegado a él Ryan Gosling "El diario de Noa" ("The Notebook") dando vida a Willy Beachum, un jóven y ambicioso ayudante del fiscal cuya carrera está empezando a despegar, y dispuesto a llevar el caso hasta el final, aunque como es de esperar le ocasionará más de un quebradero de cabeza para buscar la verdad. Un papel para mi, muy dificil pero llevado con buen pulso por este actor, aunque hay que reconocer que el "canibal" le eclipsa en algunos momentos. Y ya sabemos de antemano que, donde hay hombres siempre ronda alguna mujer, aunque solamente sea una y aqui nos encontramos a Embeth Davidtz "Fallen", en el papel de Jennifer Crawford, la mujer infiel "asesinada" a sangre fria por ese ingeniero de pelo cano, es decir por su flamante esposo.

En resumen, una película que contó con una buena base, pero que sin embargo no dió para ser una historia completa, contiene un buen argumento, pero rellenado con historias secundarias, y eso la verdad poco o muy poco nos interesa, lo mejor eso si, la presencia de Anthony Hopkins, colosal el "tio". Aprobado.

A modo de curiosidad, decir que, esta película fue la primera que se rodó en colaboración con New Line Cinema, compañía que fue comprada a mediados de los años 90 por el multimillonario Ted Turner, exacto el marido de la mítica Jane Fonda.

En recuerdo de: Dennis Hopper

"Si desde luego, todo el mundo quiere ser libre, si: Pero una cosa es hablar de ello y otra muy diferente es serlo. Es muy difícil ser libre cuando te compran y te venden en el mercado. Claro qué no les digas jamás que no son libres, por que entonces se dedicaran a matar y a mutilar para demostrar que lo son. Si, si, están todo el dia dale que dale que dale con la libertad individual y ven a un individuo libre, y se cagan de miedo..." 

Para mi no es una película destacable, pero si es yo diría todo un icono que define a una generación en la sociedad americana de finales de la década de los sesenta. Puesto que Dennis Hopper, que ya había destacado por su trabajo en unas cuantas películas de títulos de la más diversa filiación (hablo como actor), aquí sosprendió como realizador a propios y a extraños con este título que, aunque algo mediocre y a ratos grotesco (todo hay que decirlo), pero que, como digo bastante fundacional de las llamadas "películas de carretera".

La historia que nos cuenta Hopper nos lleva a un viaje de una generación, que hizo de sus tripas un inconformísmo de rebeldía, una historia mínima también es verdad pero que ayudó a vivir a quienes en Estados Unidos se les acumularon las huellas del 68 y sobre todo de la tragedia de Vietnam... Dos jóvenes, apodados Capitán América y Billy ganan mucho dinero con unas drogas que compran al sur de la frontera. Se sienten ricos y deciden llevar a la práctica una antigua ambición: visitar Nueva Orleans durante el Mardi Gras. Compran un par de motos y atraviesan el pais. Durante el trayecto, pasan por algunos iconos famosos del oeste americano, como el Monument Valley y Taos Pueblo. Paran en una comuna, se topan con un abogado pueblerino les ayuda a salir de la cárcel, se embarcan en un viaje psicodélico con un par de putas en un cementerio de Nueva Orleans, todo lo cual conduce a un estremecedor final...

Dennis Hopper pues, con esta película desafió a casi toda la sabiduría condicional de Hollywood. Es yo digo, una película hecha por y para jóvenes. La película está basada en un guión del escritor nacido en Texas Terry Southern "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Mocú" ("Dr. Strangelove"), un hombre que destacó por su satírico estilo de escribir y aqui también ayudado por el propio Hopper y Peter Fonda, también co-protagonísta del film.

Cuenta con escenas que aunque en ocasiones mal gestionadas y en algunos momentos con movimientos de cámara bastate erráticos, pero en cambio otras son muy dignas de ver, tal es el caso de la del carnaval y sobre todo la de la pesadilla de LSD, escenas de verdad muy meritorias a pesar de estar ambas rodadas en 16 mm.

Excelente la fotografía a cargo de Lazslo Kovacs "¿Qué me pasa, doctor?" ("What’s Up Doc?") un afamado director fotográfico nacido en Hungria, pero nacionalizado norteamericano con más de ochenta títulos en su palmarés, y aquí mostrándonos unos maravillosos exteriores sobre todo los del Monument Valley increible de verdad ver ese cielo con el sol a punto de ponerse.

Y atención a su sobresaliente banda sonora, ya que Hopper incorporó melodias de Jimi Hendirx, Bob Dylan, Hoyt Axton, Gerry Goffin, Mars Bonfire, destacando "Borton be Wild" y "Ballad of Easy Rider", temas candentes y que complacieron a todos los jóvenes de aquella generación.

Bien los actores, todos muy jóvenes por aquel entonces, comenzando por Peter Fonda "Los ángeles del infierno" ("The Wild Angels") metido en el cuerpo de Wyatt, más conocido como el Capitán América por su indumentaria y el color de su motocicleta, acompañado por Dennis Hopper "Camino de retorno" ("Backtrack") como Billy su díscolo y melenudo compañero. Pero en la cárcel se encuentran con George, si amigos mios ni más ni menos que al inmenso Jack Nicholson "Mejor...imposible" ("As Good As It Gets") un abogado alcohólico y juntos los tres secundarán su marcha metidos cada vez más adentro en el maldito mundo de las drogas. Excelentes las interpretaciones como digo de estos geniales y aqui jovencísimos actores.

En definitiva, una película con algunos momentos brillantes, con unos personajes que poco a poco se van ganando nuestra admiración. Pero que de todos modos es incapaz de disimular las carencias que presenta el guión, y la calidad de algunas de sus imágenes bastante descuidadas, quedando asi la historia como he dicho al principio algo mediocre. Aunque lo más importante es que Hopper nos cuenta la historia como si él mismo lo hubiese vivido, como a él le gustó, en una palabra.  Aprobado.

"Easy Rider" obtuvo dos nominaciones a los Oscar: Mejor actor de reparto (Jack Nicholson) y Mejor guión.

Como anécdota lo más escabroso de la película llegó durante el rodaje de las escenas en el café de Morganza, en Luisiana, donde paran a comer los tres protagonístas. Hopper insistió en usar a los habitantes del pueblo como actores, provincianos sin reservas para mostrar el asco que tenían a Hopper y compañía. Era precisamente eso lo que Hopper quería capturar. Para conseguirlo les invitó a decir lo que pensaban de ellos con la cámara rodando y para asegurarse de que los lugareños iban a sincerarse añadió a su comentario los detalles de como habían violado a una niña a las afueras del pueblo. Laszlo Kovacs, el director de fotografía, confesó que pasó mucho miedo durante el rodaje en ese café de Morganza.

Dennis Hopper

El último rebelde

El 28 de septiembre de 2009, los medios de comunicación informaron que Hopper había sido ingresado en un hospital de Nueva York por causas desconocidas con 73 años, fue trasladado en ambulancia portando una mascarilla de oxígeno y entubado a un hospital (sin especificar a cual) de Manhattan. El 2 de octubre recibió el alta médica tras recibir un tratamiento de hidratación.

El mismo dia 29 el representante del actor, dió un comunicado de que a Hopper le había sido diagnosticado un cáncer de próstata en estado avanzado.

El 23 de marzo de 2010 se confirmó que había perdido 45 kilos y era incapaz de mantener conversaciones largas.

Según unos informes debía asistir a los tribunales para solucionar el divorcio con su mujer, pero debido a la quimioterapia anticancerígena se tuvo que posponer. Su estado se calificó como terminal al ser su cuerpo incapaz de soportar los efectos secundarios del tratamiento.

Y finalmente su muerte se produjo el pasado 29 de mayo en su casa en la localidad de Venice.

Dennis Hopper nació en Dodge City en 1936.

A los 18 años fue contratado por los estudios Warner, de 1955 a 1965 haciendo papeles secundarios en importantes producciones, entre las que hay que destacar "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"-1955), de Nicholas Ray, "Gigante" ("Giant"- 1956), de George Stevens, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"- 1957), de John Sturges, "Del infierno a Texas" ("From Hell to Texas"-1958) y "Los cuatro hijos de Katie Elder" ("The Sons of Kate Elder"- 1965), las dos dirigidas por Henry Hathaway.

Tras protagonizar la interesante producción independiente ("Night Tide" 1961) de Curtis Harrington, siguió con los papeles secundarios hasta que a finales de los sesenta tiene gran éxito con "Buscando mi camino" ("Easy Rider"- 1969) que además de protagonizar, también la escribió y dirigió, resultando ser un tosco y mal rodado peculiar canto a la libertad, las drogas y la música rock. Esto le condujo al gran fracaso de "La última película" ("The Last Movie"- 1970), desastrosa historia de un rodaje, realizada en Latinoamérica con amplitud de medios, pero que por su incompetencia casi no pudo montarse y le obligó a permanecer inactivo gran parte de la década.

Volvió a ponerse en actividad gracias al éxito de "El amigo americano" ("Der Amerikanische Freund"- 1977) de Wim Wenders y ("Apocalypse Now"- 1979), de Francis Ford Coppola, dos de sus mejores películas, así como la buena recepción crítica de la historia de marginados "Caido del cielo" ("Out of the Blue"- 1980), que solamente dirigió.

Durante los ochentas hizo importantes papeles tambien de secundario entre los que sobresalen "La ley de la calle" ("Rumble Fish"- 1983), de Francis Ford Coppola, "Terciopelo azul" ("Blue Velvet"- 1986), de David Lynch, y "El caso de la viuda negra" ("Black Widow"- 1987), de Bob Rafelson. Mientras dirige dos irregulares policiacos de encargo "Colores de guerra" ("Colors"- 1988) y "Camino de retorno" ("Backtrack"- 1989) que también protagonizó aunque con el seudónimo de Alan Smithee, por estar en desacuerdo con el montaje de sus productores.

En los noventa prosiguió haciendo papeles secundarios en producciones sin el menor atractivo, entre las que solamente hay que destacar ("Red Rock West"- 1992), de John Dahl, y "Amor a quemarropa" ("True Romance"- 1993), de Tony Scott. Mientras que protagonizó la interesante ("Paris Trout"- 1991), de Stephen Gyllenhaal, y dirigió el excelente policiaco "Labios ardientes" ("The Hot Spot"- 1990), basado en una novela del especialísta Charles Williams, y la anodina comedia "Misión explosiva" ("Chasers"- 1994), y a la vez haciendo divertidos papeles de malo en "Máxima potencia" ("Speed"- 1994), de Jan de Bont, y ("Waterworld"- 1995), de Kevin Reynolds. Su última aparición en la gran pantalla fue con ("Americano" - 2005), de Kevin Noland.

"Con la muerte de Dennis Hopper, se disluye esta lista como el humo de un cigarro la ¿última? generación que ha mantenido vivo el otro sueño americano". (Rate This).

Dennis Hopper - Dodge City (Kansas) - 17 - mayo - 1936 - Venice Beach (California) - 29 - mayo - 2010

¡DESCANSE EN PAZ!

En recuerdo de: Antonio Ozores

"Si 40 grados a la sombra pero que "nos quiten lo bailao"...

Entretenida película auténtica "made in Spain" de género cómico y realizada con cuatro perras (como antes se decia) por el incombustible y veterano director madrileño Mariano Ozores (hermano de Antonio) "Una monja y un D. Juan" por citar una de las casi cien películas que obran en su historial cinematográfico.

Así pues, el bueno de Mariano nos lleva allá a los años 60 para meternos entre pecho y espalda una historia (bueno tres historias) sobre el calor y sus consecuencias, un calor que llega como todos los veranos sin avisar y marcando los termómetros cuarenta grados. Llega pués y los veraneantes se disponen a pasar con su familia las vacaciones estivales, aunque otros prefieren quedarse de "rodriguez" (esto se aplica al padre de familia que se queda solo en la ciudad trabajando mientras el resto de la familia se va de veraneo "pobre hombre" (ja, ja,ja).

Una película como digo entretenida, vamos de las que no se meten con nadie. Una película que explora tres situaciones (las tres historias) y en donde Mariano hace sacar a los actores su mejor vena cómica con un sensacional trio por supuesto, encabezado por José Luis López Vázquez "Atraco a las tres", seguido de Antonio Ozores "El astronauta" y acabando con Alfredo Landa "Los santos inocentes", estos pues al frente del reparto y que por supuesto tendrán ocasión de conocer a las clásicas y guapas turistas extranjeras..

Y empezamos por Jacinto (José Luis López Vázaquez) que al "pobre" se le presenta por delante una época larga y abrasadora, pues debe de quedarse en Madrid para sacar adelante el negocio, un gimnasio de barrio, aunque tiene más cuento que otra cosa y aprovecha la conyuntura para quedarse como he dicho al principio de "rodriguez" en la ciudad, mientras manda a su familia rumbo al lugar vacacional por aquel entonces de "moda": Benidorm.

En cambio Máximo (Alfredo Landa) decide llevarse a toda su parentela a la montaña para que respiren aire puro y disfruten de la naturaleza, incluido su suegra (jodio el "tio"), pués él dice: La playa no lo es todo en este pais".

Y por último nos encontramos a Evaristo (Antonio Ozores) que el muy "astuto" ha programado unas vacaciones algo más típicas: su destino es la playa, donde va con su mujer a disfrutar del sol y al mismo tiempo a alegrarse la vista con las bellezas nórdicas que pululan por la costa española. Y si señor, estos son nuestros tres protagonístas cada uno con su historia a las costillas.

Extraordinarios como siempre y en donde la carcajada es la reina de la película, ya que está sumamente asegurada. Pero atención que también nos encontramos a pesar de estos calores con Gracita Morales "Sor Citroen" metida en el desparpajo de Filomena la esposa de Evaristo un papel de verdad memorable la de esta estupenda y llorada actriz. Y completando este elenco veraniego pues también vemos a Julieta Serrano "Todos los hombres sois iguales" y a Perla Cristal "Celos, amor y Mercado Común", y "coño" hasta la también llorada y querida Laly Soldevilla "La escopeta nacional". Todos de verdad, verdaderamente geniales.

Muy bonita, como tiene que ser, la fotografía a todo color manejada con pericia por el también madrileño Vicente Minaya "Los gallos de la madrugada" y en donde nos muestra unas bonitas imágenes la mayoría tomadas en exteriores de Madrid y Benidorm y de los pueblos de la sierra madrileña de Villalba y Navacerrada.

Pegadiza en aquellos tiempos la banda sonora creada por los maestros Guillermo Teruel (creo que esta fué la única película a la que compuso música) y de José Torregrosa "Operación cabaretera", y en donde a la cantante y actriz francesa la idearon el tema musical del verano de 1976. Así "40 grados a la sombra" se convirtió gracias a esta pegadiza melodia, al que la actriz repetía una y otra vez con un marcado acento galo y un gran atractivo en el tema estrella del momento.

En definitiva, una entretenida película de las de "antes" España era más o menos así, con unos excelentes actores, jamás eso si, la podremos comparar con "Calle Mayor" o "Bienvenido Mr. Marshall", pero merece la pena tenerla al lado de estas dos obras maestras. Notable.

Como curiosidad la película recaudó más de 35 millones de las antiguas pesetas y disfrutaron con ella 1.710.348 espectadores (y los que te rondaré morena).

Antonio Ozores

"El hermano de José Luis"

El pasado dia 12 a la edad de 81 años y a consecuencia de una larga enfermedad, falleció en su casa de Madrid el actor Antonio Ozores.

Antonio Ozores nació en Burjasot (Valencia) y participó en más de ciento sesenta películas, doscientas obras de teatro y varias series de televisión y radio. Miembro de la quinta generación de actores, hijo, hermano, padre y tio de intérpretes y hermano del director Mariano Ozores. Antonio debutó en el cine en el año 1950 a las órdenes de Edgar Neville con la película "El último caballo".

Pertinaz secundario o coprotagonísta de sainetes y comedias, durante casi dos décadas acertó a componer con notable talento, un tipo cómico. Sus numerosísimas intervenciones en teatro, revista y cine le llevaron a una progresiva econimía gestual que se vería sustituida por una oralidad atropellada recordando por ejemplo a su hermano José Luis y al mexicano Mario Moreno "Cantinflas".

Muy popular por esta forma de hablar "rara", Ozores seguía en activo porque le gustaba decir, "siempre hará falta un señor mayor en una película". Tras siete décadas en la profesión, seguía recibiendo homenajes y premios, el último, el del Festival de Cine de Alicante, que le otorgó uno de esos galardones a toda una vida: "He trabajado muchísimo y quedamos pocos, porque todos se han muerto. Me dan homenajes, porque no estoy más que yo. Me da igual cómo vaya a ser recordado. Como no voy a estar, que piensen lo que quieran", decia.

Su última aparición en la gran pantalla fue en 1993, con "Pelotazo Nacional" con su hija Emma, y teniendo a su hermano Mariano como director. Antonio Ozores participó entre otras muchas películas en "Esa pareja feliz" dirigida por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, "La Lola nos lleva al huerto" tambien dirigida por su hermano Antonio Ozores, "Los tramposos" de Pedro Lazaga y "Los economicamente débiiles" tambien a las órdenes de Lazaga.

"Era un ser maravilloso" (Carmen Sevilla)

"Para mi, era tan grande como Groucho" (Concha Velasco)

"Era tronchante trabajar con Antonio" (José Sacristán)

Antonio Ozores Puchol - Burjasot (Valencia) - 24 - agosto - 1928 - Madrid - 12 - mayo - 2010

¡DESCANSE EN PAZ!

"Y al fin ya somos...Europeos"...

"Yo he sembrado semillas en terreno árido"... "pero tú le darás fertilidad"...

Una obra maestra se mire por donde se mire de género de cine negro, y basada en una famosa obra teatral, estrenada a principios de 1936 en Broadway por el escritor y también guionísta de películas, nacido en San Francisco, Charles Kenyon "Loca por la música" ("One Hundred Men and a Girl") por citar una de las cerca de ciento veinte películas que obran en su historial.

"El bosque petrificado" está dirigida por todo un artesano director y también actor nacido en Nueva York llamado Archibald L. Mayo, pero los buenos cinéfilos lo conocen por Archie Mayo "Una noche en Casablanca" ("A Night in Casablanca") y con un guión del propio Kenyon y de otro peso pesado del cine universal, me refiero al extraordinario director Delmer Daves, un hombre al cual le debemos esa joya del también cine negro titulada: "La senda tenebrosa" ("Dark Passage") tercera película protagonizada por la mítica pareja Bogart-Bacall.

El argumento pues trata sobre el secuestro de un bar de carretera en medio del desierto de Arizona por un tal Duke Mantee, un peligroso asesino y considerado el enemigo público número uno, un gángster perseguido sin tregua por la policia. Y en donde sus intentos por alcanzar la frontera mexicana le hace de capturar y mantener bajo su temible pistola a siete rehenes, mientras el cerco policial se va estrechando en torno a él...

Estupenda película, si señor, y estupendo el trabajo de Mayo a la hora de esbozar a unos personajes que quizá par mi, sea el mayor acierto de esta historia. Una película donde a decir verdad brilla por todo lo alto, una película con un ritmo narrativo tan vivaz como minimalísta y que, por supuesto ha pasado a la historia como un filme de enorme calidad.

Cuenta con escenas claustrofóbicas y la mayoría llenas de una inquietante atmósfera, sacudidas todas ellas con unos diálogos tan brillantes como conmovedores: "Mi problema es que pertenezco a una raza en extinción"... "Soy un intelectual"... diálogos sin desperdicio alguno.

Estupenda fotografía en blanco y negro (como tenia que ser), creada por el siciliano y después nacionalizado norteamericano Sol Polito que con "El sargento York" ("Sergeant York") logró la cima de Hollywood y en este bosque lejos del mundanal ruido logrando un trabajo con una fran profundidad a la hora de enfocar la cámara en un espacio sumamente ideal, para asi desarrollar y deleitarnos a la vez este conflicto dramático.

Admirable y muy positiva también la banda sonora dirigida por el compositor alemán Bernhard Kaun, un mítico músico nacido en Baden-Baden con la friolera de doscientas composiciones para películas en su haber, y en donde puso su punto final al cabo de casi treinta años en el mundo del cine con el maravilloso western "El vengador sin piedad" ("The Bravados"), y aquí cómo no, creando unas partituras llenas de gran energía y haciendo aún mucho más densa esa ya de por si supercargada atmósfera.

Y el plato fuerte de la película, los intérpretes, unos intérpretes por aquel entonces muy jóvenes todos y en donde comenzaron a forjar su carrera cinematográfica, comenzando por Leslie Howard, si amigos el Ashley de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind") dando vida al romántico Alan Squier un trotamundos que no tiene un rumbo fijo y aún menos claro a donde dirigirse.

Y con él... ¡atención! Bette Davis "¿Qué fue de Baby Jane?" ("What Ever Happened to Baby Jane?") cómo Gabrielle Maple la camarera del bar y quizá la única de todos los secuestrados que tiene un futuro por delante, una joven soñadora y en donde ha pasado casi toda su vida lejos de la civilización. Y Humphrey Bogart "El motín del Caine" ("The Caine Mutiny"), pensabais que iba a poner "Casablanca" ¿o me equivoco?, metido en la piel de Duke Mantee, ese criminal sádico y frio, acorralado en un remoto bar de América, de esa América más que profunda. Impresionate el trio de actores.

En definitiva, una maravilla del séptimo arte acrededora de una sumamente interesante historia, y en donde por supuesto que no deja indiferente a nadie.  Matrícula de Honor.

Como curiosidad, la productora se mostró reacia a que Bogart, interpretase a Mantee y hasta última hora pretendió que el papel lo interpretase Edward G. Robinson. Fue Howard quien insistió sobremanera, amenazando incluso con no llevar a cabo el proyecto. Cuando nació el hijo de Bogart este le puso por nombre Leslie Howard Bogart como recuerdo y homenaje a quien lanzó su carrera.

"He tenido frio"

"He pasado hambre"...

Mítica película de género dramático ambientada en el mundo del boxeo y basada en un relato del escritor y periodísta deportivo nacido en Michigan, Ring Lardner, un hombre que nunca escribió una novela, pero que es considerado por muchos críticos como uno de los mejores escritores de relatos breves de Estados Unidos. Y puesta en escena gracias a un guión muy bien trabajado por Carl Foreman "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone") un guionísta y al mismo tiempo productor nacido en Chicago y otra víctima más de la tristemente célebre "caza de brujas", llevada a cabo por el senador Joseph McCarthy.

"El idolo de barro" fue dirigida por  el realizador nacido en Montreal (Canadá) Mark Robson, al que sin duda alguna esta película le consagró como director de éxito, siete años más tarde volvió a tocar este mismo tema con "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall"), y donde se dió la circunstancia de que fué la última película del gran Humphrey Bogart.

La acción pues tiene lugar en diversas ciudades de Estados Unidos entre los años 1947-48 y Robson nos cuenta la historia de un tal Midge Kelly y de su hermano Connie, ambos de ascendencia irlandesa, y en donde se dirigen a California como buenamente pueden. Pero un dia en la carretera les recoge un boxeador y este le aconseja a Midge que se dedique al boxeo...

Estupenda película, si señor, y en donde el director canadiense se mueve como pez en el agua, dotando a la historia una acción de extraordinaria pujanza y creando una ambientación sin límites, advirtiéndonos al mismo tiempo lo que es lado oscuro del mundo del éxito en el boxeo, ese lado oscuro lleno de ambiciones sin límites, ciego y sin escrúpulos, como el protagonísta de la historia. Una película de verdad que es todo una parábola de los peligros del éxito y de la necesidad de conservar los pies sobre la tierra, y aceptar los consejos de quienes nunca juzgan al hombre por su fama o por su dinero.

Cuenta como es de suponer con escenas impactantes y algunas realmente culminantes, como por ejemplo: cuando Midge desfigura su propia esfigie representada en barro todavia fresco, y sobre todo la del combate final, verdadreamente brutal.

Excepcional interpretación la de Kirk Douglas "Espartaco" ("Spartacus"), metido en los guantes de Midge Kelly, ese boxeador que se castiga el cuerpo durante horas y más horas de entrenamiento para llegar a la cima, pero esa cima luego le introducirá en una peligrosa vorágine de ambición. Inmenso Douglas, dándolo todo. Y siguiendo su camino a trancas y barrancas Arthur Kennedy "Vidas borrascosas" ("Peyton Place"), como Connie Kelly su tullido hermano, y por supuesto realizando un gran trabajo como nos tiene acostumbrados este genial actor.

Y también nos encontramos a las bellísimas Ruth Roman "Tierras lejanas" ("The Far Country"), metida en el cuerpo de Emma Bryce, esa paciente esposa de Midge, y Lola Albright "Camino de Oregón" ("The Way West"), y cómo no a la rubia platino, aunque quizá poco conocida Marilyn Maxwell "Elección crítica" ("Critic’s Choice") y atención a Paul Stewart "Almas en la hoguera" ("Twelve O’Clock High") en el papel de Tommy Haley el manager conformísta de Midge, todos pues en verdadero estado de gracia.

Fabulosa la fotografia en blanco y negro a cargo de Franz Planer, un monstruo de la cámara nacido en la antigua Checoslovaquia con cerca de doscientas películas en su historial, y al cual le debemos ese precioso cuento de la Cenicienta moderna titulado "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday") y aqui demostrándonos su talento y creando unos poderosos y sombríos fotogramas, los que transcurren en los túneles de un polideportivo son autenticamente apoteósicos.

Solemne la banda sonora llevada bajo la dirección del mítico compositor nacido en Ucrania, Dimitri Tiomkin "Sólo ante el peligro" ("High Noon"), un hombre con tres Oscar en su haber y la friolera de quince nominaciones, y en este idolo de barro deleitándonos con unas composiciones llenas de emotividad, con solos de piano y de guitarras.

En definitiva, que nos encontramos ante una de las mejores películas de género pugilístico, una película llena de energía, y en donde Robson nos transmite un mensaje claro, pero que a la hora de la verdad parece que lo desconocemos. Una película altamente recomendable.  Sobresaliente.

"El idolo de barro" logró el Oscar al Mejor montaje (Harry Gestard), y obtuvo las siguientes nominaciones: Actor (Kirk Douglas), Actor de reparto (Arthur Kennedy), Guión adaptado, Banda sonora y Fotografía.

Cómo llegó el Padrino.

Y para poner punto y final a esta ya más que octogenaria Edición de los Oscar. Solamente me queda reseñar una sola cosa... cómo llegó hasta nosotros esta ficticia historia de una familia de la mafia siciliana asentada en Nueva York... cómo llegó este Padrino.

"La justicia, nos la dará don Corleone"...

Durante varias décadas, Hollywood ofreció una imágen muy tópica del mundo de la mafia. Desde que se pusieran de moda en la década de 1930 las películas de gángsters, inspiradas en su mayoría en la personalidad arrolladora de Al Capone, muy pocas cosas habían cambiado. Hasta que llegó "El Padrino", una obra cumbre del género, que revolucionó por completo la concepción que el cine había dado del mafioso hasta entonces. La película está basada en una extraordinaria novela escrita por Mario Puzo. El estudio Paramount, que inicialmente había rechazado al recibir un primer borrador, se hizo con los derechos de la obra inmediatamente después de que ésta se convirtiera en un éxito de ventas. Se barajaron los nombres de Peter Yates y Constantin Costa-Gavras como posibles directores, pero el estudio comprendió que lo ideal era ponerla en manos de un realizador que estuviese próximo al mundo de los italoamericanos.

Entonces pensaron en un joven cineasta que comenzaba a llamar la atención, Francis Ford Coppola. Este, que por entonces estaba atravesando una situación financiera bastante díficil, aceptó el proyecto encantado y se puso a trabajar en el guión con la colaboración delo propio Puzo. Tanto el autor como el director estuvieron completamente de acuerdo en darle el papel de don Vito Corleone a Marlon Brando. Sin embargo, el estudio no estaba dispuesto a soportar las excentricidades del actor.

La Paramount prefería contar con Laurence Olivier o George C. Scott para el papel. Coppola les envió entonces una prueba que llegó a rodar con Brando, maquillado como más tarde aparecería en el largometraje, y los directivos del estudio, que al principio ni le reconocieron, terminaron aceptando.

El resto del reparto fue compuesto por un grupo de jóvenes actores que se consagraron en Hollywood gracias a la película, y entre los que se encontraban Al Pacino, James Caan y Diane Keaton. La que peor suerte corrió fue Talia Shire, hermana del director, a la que éste puso en el papel de la hija de don Vito.

La producción comenzó en marzo de 1971. El equipo trabajó en un total de 120 localizaciones, que incluían diversos exteriores de Nueva York y Sicilia. Coppola cuidó en extremo toda la ambientación de la película, para evitar anacronísmos, y contó con un equipo de formidablers profesionales: Gordon Willis se encargó de crear una iluminación que aún se estudia en muchas escuelas de cine; Dean Tavoularis estuvo al frente del diseño de la producción, y Nino Rota compuso una banda sonora memorable.

En el mes de julio la cinta estaba finalizada. El éxito de "El Padrino" fue absoluto. La Paramount casi dobló las recaudaciones de su anterior triunfo, "Love Story", y Coppola, que había aceptado reducir su salario a cambio de cobrar una parte de los beneficios que diera la película, hizo una fortuna. La película fue la más vista de 1972 y ganó tres de los diez premios Oscar a los que había sido nominada: mejor película, actor y guión adaptado.

En 1974, la Paramount estrenó una segunda parte de la saga, realizada y protagonizada casi por los mismos artífices que la anterior, con la salvedad de que Robert De Niro sustituyó a Brando a la hora de recordar la juventud de don Vito Corleone. En 1990, y después de hacerse mucho de rogar, Coppola rodó "El Padrino III", con Al Pacino en el papel de un ya maduro Michael Corleone.

Mi agradecimiento a Larousse "El Cine", sin cuya autorización, nunca hubiese podido realizar este comentario.

Muchas Gracias, Amigos!!!

Como en años anteriores y siguiéndo la fiesta de esta "alfombra roja", que menos que comentar una gran película, y cómo no con su Oscar incorporado. Hay muchas y muy buenas, pero este año he querido tirar la casa por la ventana con una fascinante historia, con una película que posiblemente está entre las diez mejores de la historia del cine, su título:

El Padrino (The Godfather-1972)

"Si hubieras mantenido mi amistad, los que maltrataron a tu hija lo hubieran pagado con creces. Porque cuando uno de mis amigos se crea enemigos, yo los convierto en mis enemigos. Y a ese le temen"...

Una obra maestra, si señor, una película con mayúsculas de género dramático, de mafias, de crimenes y de hacer que uno se quite el sombrero.

"El Padrino" está sacada de una novela del escritor de origen italiano nacido en Nueva York y conocido como el literato de la mafia, especialmente por haber escrito esta novela, su nombre: Mario Puzo "Superman", pero mucho cuidado porque este hombre jamás tuvo contacto alguno con la mafia. Y llevada al cine con un guión del mismo Puzo y de su director Francis Ford Coppola "Cotton Club" ("The Cotton Club"), un camaleónico director nacido en Detroit con cinco Oscar en su palmarés y considerado como uno de los más grandes realizadores del siglo XX.

La historia se desarrolla en Nueva York en los últimos años de los cuarenta y centrándose concretamente en la vida de Don Vito Corleone jefe de una banda denominada las "Cinco Familias". Es un hombre de "honor" con un código moral propio: generoso con los amigos, a los que nunca niega un favor, e implacable con los enemigos. Y un buen dia de agosto donde se está celebrando la boda de su hija Connie, Don Vito es requerido para atender una serie de negocios, una serie de ofertas: "voy a hacerle una oferta que no podrá rechazar"...

Una maravilla de película, una película para mi, más que interesante y una historia que ha significado mucho para el cine mundial, porque se diga lo que se diga, es la quintaesencia del cine de gangster. Una película que revolucionó absolutamente la historia del cine, con un antes y un después, y es que de verdad Coppola nos muestra la historia de los Corleone, yo diría como una fábula épica de mafiosos, pero en el fondo, el alma de ese patriarca, el alma de ese padrino, es la de un hombre grande, tanto en edad como en sabiduría.

Cuenta con unas escenas todas ellas llenas de un gran realísmo y dramatísmo, escenas audaces, viscerales y majestuosas, escenas legendarias: la cabeza del caballo, el asesinato de Sonny, la superposición del soleado banquete de bodas frente a la corte de D. Corleone en el interior, y el deslumbrante final de asesinatos durante el bautizo de un nuevo Corleone, escenas grandiosas que ya están en el olimpo de la cinematografía mundial.

Como también están la mayoria de sus actores, empezando por posiblemente el mejor actor de todos los tiempos: Marlon Brando "La ley del silencio" ("On the Waterfoont") superando su aura mítica dando vida a Don Vito Corleone, D. Vito, o D. Corleone (tanto monta), ese gran lider, bárbaro, un hombre que situa la amistad, la lealtad y la familia en lo más alto de la lista de virtudes, que tiene un código de honor y decoro, que lo hace despreciar el tráfico de drogas, y que valora su palabra manteniéndose en una contigua moralidad sexual, si este es D. Vito Corleone, este es Marlon Brando, un hombre, un actor, una leyenda del séptimo arte.

Seguido de un buen elenco de jóvenes actores por aquel entonces, y en donde se convirtieron en auténticas estrellas, cómo Al Pacino "Pactar con el diablo" ("The Devil’s Advocate") como Michael Corleone un jóven que no está de acuerdo con las decisiones de su padre, pero cuando este es tiroteado por una familia rival, decide tomar venganza. Y a James Caan "Mickey ojos azules" ("Mickey Blue Eyes") metido en el cuerpo de Sonny el impulsivo hermano mayor.

Y tambien de "veteranos" de auténtico lujo, como es el caso  de Sterling Hayden "Atraco perfecto" ("The Killing") en el personaje de el corrupto capitán McClusky y Richard Conte "Llegaron a Cordura" ("They Came to Cordura") en el papel de Emilio Berzini el jefe mafioso de la familia Berzini. Pero hay más, mucho más, porque también nos deleitan con su presencia Robert Duvall "Un dia de furia" ("Falling Down") y Diane Keaton "Cuando menos te lo esperas" ("Something’s Gotta Give"), y no me olvido de John Cazale "El cazador" ("The Deer Hunter") y hasta Talia Shire, exactamente la esposa de "Rocky".

Y todos ellos "bailando" al compás de la banda sonora de un consumado compositor nacido en Milán, y que desarrolló una doble carrera tanto de compositor de bandas sonoras de cine, como de compositor de música clásica estoy hablando del oscarizado Nino Rota "El Gatopardo" ("Il Gattopardo") sin ir más lejos, y aqui como no, creando unas melodias profundamente italianas, más concretamente sicilianas y por supuesto de carácter romántico, y en donde su tema principal "Tema de amor" ("Pastoral siciliana") se convirtió en una de las canciones más grabadas de los primeros años setenta.

Extraordinaria para que todo quede en casa, la fotografía en color a cargo del neoyorkino Gordon Willis "Todos los hombres del presidente" ("All the President’s Men") un cineasta al que se le apodó "El principe de la oscuridad" por su aficción a la fotografía extremadamente oscura, y aquí no iba a ser menos, ya que su trabajo es impagable tanto en los interiores como en los exteriores, exteriores que fueron rodados en Las Vegas, Nueva York y Sicilia, como digo impagables, las localizaciones en la ciudad de los rascacielos fueron antológicas, ya que se tuvieron que tapar todas las antenas de televisión en el Bronx, Brooklin, Manhattan y Richmond, que es donde se desarrolla la mayor parte de la historia.

En definitiva, una película magistral, una película que merece su reputación sin reservas. Y en donde Coppola fijó buena parte de los fundamentos del cine de la década de los setenta con su maravillosa técnica de rodaje. Una película INDISPENSABLE.  Matrícula de Honor.

"El Padrino" logró tres Oscar en los siguientes apartados: Mejor Película, Mejor Actor (Marlon Brando) y Mejor Guión Adaptado (Francis Ford Coppola y Mario Puzo). Y obtuvo seis nominaciones más: Director, Actor de reparto (Al Pacino, James Caan y Robert Duvall), Banda sonora, Vestuario, Montaje y Sonido.

A modo de curiosidad, Marlon Brando no acudió a recoger el Oscar, ni siquiera fue a la ceremonia, aduciendo que Hollywood discriminaba a la población india. En su lugar recogió el Premio Sacheen Littefeather, una joven india, que más tarde sería conocida en la gran pantalla como la actriz californiana Maria Cruz.

En una alegoría perfecta de la lucha entre David y Goliat, los Oscar de este 2010 confirmaron la tendencia clara en Hollywod hacia el cine de bajo presupuesto, que despuntó con "Crash", continuó con "No es pais para viejos" ("No Country for Old Men") y se consolidó con "Slumdog Millonaire".

Este año, los Oscar no dejaron hueco tampoco para apuestas grandilocuentes e imperiantes. El fenómeno "Avatar", que se convirtió estas navidades en la película más taquillera de la historia, se quedó sin fuerzas ante una Academia que no se ha dejado deslumbrar por las cifras.

Sin embargo,  "En tierra hostil" ("The Hurt Locker"), una película pequeña de solamente quince millones de dólares de presupuesto y veinte de beneficios en taquilla, ha logrado desplazar del punto de mira mediático a la película que se supone marca la pauta de lo que será el futuro de Hollywood.

Asi pués, esta 82ª edición celebrada en la madrugada del dia 9 de marzo en el Teatro Kodak de Los Angeles, quedó así:

Mejor película: "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor director: (en este caso directora) Kathryn Bigelow por "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor actor principal: Jeff Bridges por Crazy Heart" ("Corazón rebelde")

Mejor actriz principal: Sandra Bullock por "The Blind Side" ("Un sueño posible")

Mejor actor de reparto: Christoph Waltz por "Inglourious Basterds" ("Malditos bastardos")

Mejor actriz de reparto: Mo’nique por "Precious"

Mejor guión original: Mark Boal por "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor guión adaptado: Geoffrey Fletcher por "Precious"

Mejor película de animación "Up" de Peter Docter & Bob Peterson

Mejor película de habla no inglesa: "El secreto de sus ojos" de Juan José Campanella

Mejor fotografía: Mauro Fiore por "Avatar"

Mejor banda sonora: Michael Giacchino por "Up"

Mejor canción: "The Weary Kind" de la película "A Crazy Heart" ("Corazón rebelde")

Mejor montaje: Bob Murawsky & Chris Innis por "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor dirección artística: Rick Carter, Robert Stromberg & Kim Sinclair por "Avatar"

Mejor diseño de vestuario: Sandy Powell por "The Young Victoria" ("La reina Victoria")

Mejor maquillaje: Barney Burman, Mindy Hall & Joel Harlow por "Star Trek" ("Star Trek XI")

Mejores efectos visuales: "Avatar"

Mejor sonido: "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor montaje de sonido: "The Hurt Locker" ("En tierra hostil")

Mejor película documental: "The Cove" de Louie Psihoyos

Mejor cortometraje de ficción: "The new tenants" de Joachim Back

Mejor cortometraje de animación: "Logorama" de Françoise Alaux & Herve de Crecy

Oscar honorario a toda su carrera profesional para: Lauren Bacall y Roger Corman.

Y como suelo decir todos los años y lo seguiré diciendo si Dios quiere: "Ni eran todos los que estaban, ni estaban todos los que tenian que ser"...

"Quiero dedicar este premio a las mujeres y hombres que arriesgan sus vidas en Irak, Afganistán y en el mundo entero. Y espero que vuelvan a casa sanos y salvos". Apuntaba una llorosa Bigelow tras recibir el Oscar.