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FARRAH FAWCETT

"Un ángel"

El dia 25 de junio tras una larga batalla contra el cáncer y a los 62 años de edad, falleció en un hospital de Santa Mónica la actriz Farrah Fawecett considerada el símbolo sexual que marcó la década de los 70.

Mary Farraw Leni Fawcett, como era su verdadero nombre, nació en Corpus Christi (Texas) el 2 de febrero de 1947. Fue muy popular en los años 1970 y 1980 gracias a la serie de televisión "Los ángeles de Charlie" ("Charlie’s Angels") y llegó a ser considerada un icono de la cultura pop y una verdadera sex-symbol.

Hija de Pauline Alice, ama de casa, y de James William Fawcett, empresario petrolífero, desde pequeña demostró cualidades atléticas, formentadas por sus progenitores.

A finales de los 60 y a principios de los 70 se introdujo en el mundo de la publicidad aprovechando un físico exuberante. Entre ellos, especialmente populares en estados Unidos, fueron los anuncios de champú.

Sin embargo, el estallido de su fama a nivel mundial comenzó en septiembre de 1976, cuando fue contratada por Aaron Spelling para interpretar el papel de Jill Munroe en la serie de televisión "Los ángeles de Charlie", y posteriormente por su papel de Maud Saurid, en "¿Quién bailó ese vals conmigo?". La imágen de Farrah se convirtió en una de las más reproducidas a escala planetaria y la serie llegó a convertirse en un auténtico fenómeno sociológico.

La actriz, pese a ello, decidió abandonar la serie, siendo sustituida por Cheryl Ladd. Como habia firmado contrato con la productora de Spelling, al abandonar la serie fue demandada y perdió, lo que le obligó a participar en seis capítulos en temporadas posteriores, durante ese periodo su nombre apareció acreditado en la serie como Farrah Fawcett-Majors.

La fama alcanzada le facilitó la posibilidad de intentar triunfar en el mundo del cine. Sin embargo, y pese a protagonizar la película de ciencia-ficción "Saturno 3" ("Saturn 3"), dirigida por Stanley Donen y al lado de Kirk Douglas, su carrera cinematográfica no alcanzó las expectativas previstas. Entre los títulos posteriores en los que colaboró destacan "Extremities" (1986), dirigida por Robert M. Young y "Dr.T y las mujeres" ("Dr.T. and the Women") dirigida por Robert Altman, junto a Richard Gere.

Su carrera en televisión, por el contrario, fue más constante, protagonizando decenas de telefilmes y series a lo largo de dos décadas, que le valieron hasta tres nominaciones a los Premios Emmy. La actriz estuvo casada entre 1973 y 1982 con el actor Lee Majors, de quien tomó el apellido durante esa etapa, si bien de forma compuesta con el suyo (Fawcett-Majors). Tras su separación en 1979, se unió sentimentalmente al también actor Ryan O’Neal. De la unión nació su hijo Raymond en 1985.

El 4 de octubre de 2006 se reveló que Fawcett sufría de cáncer colorrectal, por lo que se sometió a cirugía y quimioterapia. Ante ello debió suspenderse indefinidamente una posible reunión de reparto original de "Los ángeles de Charlie", ampliamente deseada por sus admiradores.

Aunque Associated Press informó en el cumpleaños número 60 de la actriz que ya se había recuperado de la enfermedad, el 16 de mayo de 2007 se supo que se había encontrado un pólipo maligno en el mismo lugar donde había sido tratada. Los médicos optaron entonces por usar radioterapia interna, decidiendo Fawcett poco después viajar a Alemania para someterse a procedimientos con células madre, no practicables en Estados Unidos. Este tratamiento fue filmado por un programa de televisión.

Agotados los esfuerzos, el 5 de abril de 2009 Fawcett fue ingresada en un hospital de Los Angeles en estado crítico, y al dia siguiente Associated Press dejó saber que el cáncer había hecho ya metástasis en el higado, aunque no era esa la razón de su hospitalización. Según su médico, Lawrence Piro, en el tratamiento experimental al que se acogió la actriz en Europa "Fue sometida a una intervención menor que provocó una pequeña hemorragia en un músculo del área abdominal , causando una acumulación de sangre que le presionaba y le producía dolor. Fue un procedimiento sencillo".

Craig Nevius, el productor con el que trabajó en el documental "A wink and prayer" ("Un guiño, una oración"), mismo que narra su combate contra el terrible mal, ejerció como improvisado portavoz de la actriz: "Se está recuperando y pronto será dada de alta. Se siente muy bien. Su lucha continua... No se va a ir a ningún sitio por el momento. No está al borde de la muerte". Farrah "mantiene el buen ánimo con su habitual sentido del humor, y pronto será dada de alta". Por desgracia, semanas después la enfermedad evolucionó a la etapa final, falleciendo en el hospital Saint John, de Santa Mónica (California), el 25 de junio de 2009.

En una entrevista al diario Los Angeles Times publicada en mayo de 2009. Fawcett criticó a la prensa que se volcó freneticamente a hurgar sobre su salud. "Es mucho más fácil atravesar algo y lidiar con eso sin estar bajo un microscopio", dijo Fawcett admitiendo que ese factor agregó estrés a su vida. "Soy una persona privada (...). Hubiese sido bueno si hubiese podido avanzar y curarme y luego cuando decidiera salir al público. Hubiese estado bien", apuntó en su última entrevista publicada.

Mary Farrah Leni Fawcett (Farrah Fawcett) - Corpus Christi (Texas) - 2 - febrero - 1947 - Santa Mónica (California) - 25 - junio - 2009

¡DESCANSE EN PAZ!

"Escúchelos... las criaturas de la noche".

"¡Qué encantadora música componen!"...

Mítica película de género de terror, y una de las primeras versiones del no menos mítico vampiro, creado en 1897 por la pluma del célebre novelista nacido en Irlanda Brian Stoker, y que según se dice fue asesorado por un tipo de nacionalidad húngara llamado Herman Vambéry,  por lo visto muy aficionado a las historias vampirescas.

La primera versión data del año 1922 dirigida por F.W.Murnau "El pan nuestro de cada dia" ("City Girl") y titulada "Nosferatu el vampiro" ("Nosferatu"), y en 1930 con el comienzo del sonoro Tod Browning "La parada de los monstruos" (Freacks") dirigió a Lon Chaney en un papel de falso vampiro en "La casa del horror" ("London After Midnight"), y en donde practicamente con esta película se inició el verdadero cine de terror.

"Drácula" está dirigida por el ya mencionado Tod Browning un realizador nacido en Kentucky y uno de los pocos que pasó del cine mudo al sonoro sin apenas inmutarse, y con más  de sesenta películas en su historial, abarcando todos los géneros, aunque su fuerte por supuesto, fue el de terror.

La película fue escrita por el guionísta norteamericano  Garrett Fort, dándose la casualidad que ese mismo año también se atrevió con el guión de otra de las más famosas películas de la historia del cine, me refiero a "El Doctor Frankenstein") ("Frankenstein") protagonizada por Boris Karloff, y basada en una obra del dramaturgo nacido en Philadelphia John L. Baldeiston y por el irlandés Hamilton Deane, dos hombres muy vinculados a este género.

Así pues, Browning nos mete en una destartalada diligencia y nos conduce junto con un joven y elegante agente inmobiliario, y por unos parajes entre tinieblas por los Cárpatos al castillo del Conde Drácula, un ¿hombre? que infunde pánico a los vecinos de la aldea transilvana situada a sus pies...

Mítica película, como digo, que aunque muy buena, para mi es un pelín inferior a la versión que en 1958 realizó Terence Fisher con el mismo  titulo y protagonizada por otro actor maestro del género como es Christopher Lee. La película desde el punto de vista cinematográfico es pués prehistórica, pero conservando gran parte de su siniestra fascinación gracias a unos decorados cuyo principal escenario es una sala de estar lúgubre y llena de telarañas, y en donde aquí el director de Kentucky nos demuestra que era un especialísta consumado en el cine de terror, creando una atmósfera sobrecogedora y espeluznante. Y con escenas verdaderamente emblemáticas en la historia del cine, como por ejemplo: cuando Drácula se abre paso entre una cortina cubierta de telarañas y su sed de sangre se despierta al ver como su invitado se corta un dedo con el cuchillo del pan, y tres vampiras se abalanzan sobre el desprevenido infeliz, una escena de verdad, hipnotizante.

Excelente fotografía en blanco y negro (todavía no se había inventado el color, la primera fue en 1935) aunque como digo algo avejentada, pero hay que tener muy en cuenta el año de su producción (1931), y muy bien llevada por la cámara de un camarógrafo de origen checo llamado Karl Freund, un hombre que será recordado por su innovador talento creativo, y al que le debemos esa obra maestra del expresionísmo alemán titulada "Metrópolis". Y aquí creando una perfecta iluminación mediante unos sublimes puntos de luz dirigidos la mayoría a los ojos del malvado vampiro.

Magnífica la música, bueno super-magnífica, puesto que Browning no contó con ningún compositor de la época, si no que lo hizo con varias piezas de música clásica, como por ejemplo: de Schubert, Tchaikovsky y Wagner, el inicio de la película con un fragmento de "El lago de los cisnes" del compositor ruso, es ya de por sí antológico.

Y amigos, a taparse el cuello toca, porque de entre las tinieblas surge quizá el vampiro más famoso de la historia del  séptimo arte, Bela Lugosi "El ladrón de cadáveres" ("The Body Snatcher") mordiendo a todo lo que se le pone por medio, y metido hasta los colmillos y en un ataúd y enfundándose la capa del Conde Drácula (se dió la circunstancia de que el papel estaba destinado para Lon Chaney, pero su prematura muerte trastocó los planes del director y el papel fue a recaer a Lugosi, que precisamente había encarnado este personaje en Broadway, a partir de entonces y gracias al éxito logrado se encasilló en películas de terror), siendo todo un icono en la historia del cine de vampiros.

 Aterrorizados y muertos de miedo e incluso algunos con las huellas de sus dientes en el cuello, nos encontramos a un variopinto grupo de personajes, como por ejemplo: a Dwight Frye "El hombre invisible" ("The Invisible Man"), como ese pobre desgraciado agente inmobiliario llamado Renfeld que al final se transforma en un maniáco devorador de moscas, un papel que a decir verdad le roba muchas de las escenas al propio Lugosi. Y a una mujer (como tiene que ser) en esta casión a la olvidada Helen Chandler "La banda de Alexander" ("Alexander’s Ragtime Band"), dando vida a la encantadora Mina en su papel de frágil heroína. Y a un héroe (por supuesto) y este ni más ni menos que Edward Van Sloan "El acecho del fantasma" ("The Phanton Creps") y encarnando con energía al cazavampiros Abraham Van Helsing.

En fín, una mítica película, que su fuerza aún perdura, no es una obra maestra como "El Doctor Frankenstein" (Frankenstein"), pero si es para mi, una pieza imprescindible a la hora de catalogar películas de este género.  Sobresaliente.

Como curiosidad, mucho se ha comentado sobre la vida de Bela Lugosi, y más aún sobre su muerte diciendo que murió convencido de que era un vampiro, nada más lejos de la realidad. Bela Lugosi encasillado en personajes terroríficos acabó sometido a la vejación de tener que pasear su personaje de vampiro incluso en comedias de escasa capacidad humorística, pero jamás creyó ser tal personaje.

Se había convertido en un adicto a la morfina, eso si, ya que fracasó su tratamiento de desintoxicación, y falleció antes de poder terminar su contribución en la película de Ed Wood "Plan 9 del espacio exterior" ("Plan 9 From Outor Space"). Falleció el 16 de agosto de 1956 mientras su mujer estaba de compras de un ataque al corazón sentado en su sillón favorito,  mientras leia una copia de un guión para su nuevo trabajo, tambien dirigido por su amigo Wood.

Y yo no se lo que haría

si algún dia no me quisieses

porque si por amor se nace

cariño, por amor, por amor

también se muere...

Poderoso melodrama de género romántico, y nueva versión del mismo título realizada en 1920 por Frank Borzage "Los piratas del Caribe" ("The Spanish Main"). Esta nueva revisión está sacada de un guión de Clifford Odets, un escritor nacido en Philadelphia,  que todo su trabajo practicamente lo hizo para la televisión, pero al que le debemos la obra maestra de Hitchcock "Encadenados" (Notorius"), y juntamente con el neoyorkino Zachary Gold, quizá muy poco conocido, puesto que según creo solamente colaboró en cuatro películas, siendo esta la más conocida.

"De amor también se muere", está dirigida por todo un artesano en el género como es Jean Negulesco "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"), un maestro del melodrama nacido en Rumanía, pero nacionalizado norteamericano, y con más de cien películas en su libro de visitas, dándose la casualidad que la última la rodó integramente en España con el título de "En busca del amor" ("The Plasure Seekers"), y en donde nuestro gran Manolo Morán hace un cameo de su mítica "Manolo guardia urbano" (1956).

La acción nos traslada a Nueva York, allá por los años 30 y en donde Negulesco con una gran fuerza narrativa y por medio de un flash-backs, nos mete en la vida de Paul Buray recordando como empezó a tocar gracias a su aficción por la música y el apoyo de su madre, pero en contra de la opinión de su padre, y años más tarde llega a triunfar gracias a la ayuda de una mujer, y que al final se enamora de él, pero esto es solamente el comienzo de ese trágico final...

Poderoso melodrama, como digo al principio, si señor, y además delirantemente romántico, puesto que la historia está llena de grandes sentimientos, haciéndonos de sumergirnos en una vorágine realmente sublime, logrando de verdad una historia completamente redonda (sobre todo para el público femenino).

Contiene escenas verdaderamente realístas a la vez que desgarradoras, pero eso si, aderezadas con otras sencillamente románticas, y en donde como es de esperar las lágrimas hacen acto de su presencia (como digo, esta película podriamos catalogarla como "cine para mujeres".

Sensacional fotografía en un glorioso blanco y negro a cargo del californiano Ernest Haller, un pionero de la cámara que trabajó en cerca de 180 películas, y en donde muchas de las cuuales fue protagonizadas por Bette Davis como por ejemplo: "Jezabel" ("Jezebel") y aquí, y como ya es habitual en él, ofreciéndonos unas maravillosas tomas, sobresaliendo el inolvidable climax en una de las secuencias que tienen los protagonístas en la playa.

Soberbia la banda  sonora, todo un puntal en esta película, y llevada bajo la batuta mágica del maestro de maestros de origen alemán, pero estadounidense de nacionalidad y llamado ni más ni menos que Franz Waxman, un hombre que logró dos Oscar consecutivos, el primero en 1950 por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"), y el segundo en 1951 por "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"), para que veais de quien se trata, y en esta excepcional historia haciéndo de prolongar más el metraje gracias a unos extraordinarios fragmentos, tanto de Tchaikovsky, como de Dvorak (deleitándonos con su "Humoresque" de ahí su título original), y sin olvidarnos de Bizet con su "Carmen" y hasta incluso con la apasionante "Romanza de amor" de Richard Wagner, magifica toda pero con mayúsculas, de verdad que es para descubrirse.

Como para descubrirse también con los actores, encabezado por una excepcional Joan Crawford "Johnny Guitar", dando vida y hasta muerte a Helen Wright esa mecenas del violinísta que se enamora de él, se divorcia, cae en el alcoholísmo, y llega a suicidarse cuando comprende que él prefiere a la música antes que a ella, inmensa si señor, metida en un personaje tan rico, como envolvente, pero también tan desgarrador, como egoísta.

Y con ella, otro mito del séptimo arte John Garfield "Cuerpo y alma" ("Body and Soul"), un actor que fué victima de aquella maldita "caza de brujas", y en donde su carrera quedó vetada de por vida, muriendo a la edad de 39 años. Y aquí haciéndonos de disfrutar con su interpretación y llenando toda la pantalla, como Paul Boray ese violinista de origen humilde que logra el triunfo gracias a su tenacidad y esfuerzo, pero que por medio se interpondrá una mujer, una mujer tan frívola como caprichosa, sometiéndole dia a dia a una fuerte presión posesiva.

Pero también dan una buena réplica interpretativa, ota buena pareja de actores, ella Ruth Nelson "Mar de hierba" ("The Sea of Grass") como Esther, la madre de Paul, una mujer de mucho carácter que apoya a su hijo en todo, pero también le presiona para que olvide a esa tal Ellen, y él Oscar Levant "Un americano en Paris" ("An American in Paris"), ese pianísta llamado Sid Jeffers, fiel amigo y al mismo tiempo promotor de Paul (este actor es uno de los pocos actores que salen en pantalla sabiendo de verdad tocar el piano).

En definitiva,  un intenso y soberbio drama romántico de los años cuarenta, con una gran fuerza narrativa, y que aunque son historias pensadas en un público femenino, no por ello pueden ser disfrutadas por cualquier otro público, independiente por supuesto de este o de cualquier otro género.     Matrícula de Honor.

Como anécdota, la interpretación de John Garfield al violín, está doblada por Isaac Stern, un violinísta estadounidense considerado como uno de los mejores del siglo XX, como también lo volvió a hacer doblando a Topol, en la oscarizada "El violinísta en el tejado" ("The Fiddler on the Roof").

En recuerdo de: David Carradine

Los pecados no se redimen en la iglesia.

Se redimen en las calles...

Extraordinaria y maravillosa película de género dramático, y en donde Martin Scorsese "Infiltrados" ("The Departed") nos elabora con su llamativo talento, para mí, una verdadera obra maestra. "Malas calles" está basada en un guión del propio Scorsese y Mardik Martin un novelísta nacido en Irán (aunque nacionalizado norteamericano), que empezó como guionísta de corto-metrajes pero donde dió su auténtico "dó de pecho" fue con "Toro salvaje" ("Raging Bull") también como no del director neoyorkino.

La acción pues, nos traslada a Nueva York y concretamente al barrio Little Italy, para meternos en los cuerpos y en las almas de unos espabilados en el nivel internacional del crimen organizado, y concretamente en la vida de un tal Charley, un joven que vive en un mundo de vicio y que intenta ser tan religioso como puede, para redimir sus pecados. Pero no es tan fácil, ya que está completamente atrapado en la mafia, y en donde le será casi imposible (por no decir imposible del todo) de escapar de ese callejón sin salida...

Obra maestra para mi, si señor y en donde Scorsese elabora una magnífica historia llena de gran belleza, y creando al mismo tiempo una atmósfera que nunca será igualada a pesar de la carencia de medios con las que contó a la hora de rodar la película.

Cuenta con escenas verdaderamente antológicas y llevadas con un ritmo trepidante, como por ejemplo: la discusión en la sala apartada del bar o la pelea en el billar, y que decir de los diálogos, unos diálogos que ya son un emblema del cine de culto: "Es tu primo y lo debes pensar así, los locos necesitan ayuda y si no lo ayudo yo, quien si no?".

Admirable la fotografía en color, y haciéndose cargo de ella, otro profesional nacido en Nueva York y como no, amigo incondicional de Scorsese, y que tras el éxito de esta película lo volvió a contratar para la muy entretenida road-movie "Alicia ya no vive aquí" ("Alice Doesn’t Live Here Anymore"), que supuso el debut de la actriz Diane Ladd. Y en estas malas calles dando una auténtica demostración de talento deleitándonos con una imágenes asombrosas, sobre todo las rodadas en Nueva York y la de Los Angeles, la festividad religiosa de San Genaro, son escenas rodadas en escenarios naturales el mismo dia de su celebración.

Magnífica la banda sonora adaptada, para no desentonar con la fotografía, y en donde nos encontramos con auténticos mitos de la musica, ni más ni menos que a los fabulosos Eric Clapton, Bert Holland, Mick Jager, Keith Richard... y atención a los más nostálgicos del pop, puesto que al comienzo de la película "The Supremes" nos deleita el sentido del oido con su super-famosa canción "Be My Baby", inmejorable pero con mayúsculas.

Espléndidas las interpretaciones, destacando la pareja protagonísta, uno Harvey Keitel "Abierto hasta el amanecer" ("From Dusk Till Dawn"), como Charlie Cappa, ese gangster de poca monta sin futuro alguno, que cree que uno paga por sus pecados en la calle, no en la iglesia, pero que siempre acude a ella para expiar sus crimenes, el otro Robert De Niro "La misión" ("The Mission") dando vida a Johnny Boy, primo y al mismo tiempo el mejor amigo de Charlie, un tipo irresponsable, auto-destructivo, y para colmo de males endeudado con todo el mundo.

Y en medio de estos dos monstruos sagrados del séptimo arte, Amy Robinson (que por aquel entonces era la esposa de Scorsese), creo que esta fué la única película de esta actriz, ya que luego su carrera dió un giro total para dedicarse a la producción, su último trabajo ha sido hasta ahora "Julie & Julia" de Nora Ephron, y aquí metida en el cuerpo de Teresa, prima de ambos y por quien Charlie siente algo especial, pero ella no siente el más mínimo afecto por Johnny, y este pues no se atreve a intimar con ella, es otra de las muchas cruces que Charlie deberá de llevar a cuestas. Y por estas calles de Dios tambien nos encontramos al fenomenal David Carradine (como me iba a olvidar de él), y que a pesar que en la anterior película del director "El tren de Bertha" ("Boxcar Bertha") era el protagonísta principal, aquí aparece en un breve papel, pero eso si, bastante divertido el de Drunk, un borrachín que es victima de un asesinato.

En definitiva, una película que para mi, es más que una película sobre mafiosos, puesto que el director plasma muchas de sus vivencias personales. Una película de los años 70 y viéndola al cabo de casi cuarenta años sigue siendo tan extraordinaria o más, porque esto amigos mios, se mire por donde se mire es cine en estado puro.   Matrícula de Honor.

Como curiosidad esta película marcó también el encuentro entre Scorsese y De Niro, que iniciaron así una estrecha amistad que se ha traducido profesionalmente (hasta ahora), en nueve películas:

"Malas calles" ("Mean Streets"- 1973)

"Taxi driver" (1976)

"New York,New York" (1977)

"Toro salvaje" ("Raging Bull" - 1980)

"El rey de la comedia" ("The King of Comedy" - 1982)

"Uno de los nuestros" ("Goodfelles" - 1990)

"El cabo del miedo" ("Cape Fear" - 1991)

"Casino" (1999)

"I Heard You Paint Houses" (2010) (esta película está pendiente en la actualidad del título en español).

  DAVID CARRADINE

"Pequeño saltamontes"

El pasado dia 3 en un hotel de Bangkok fallecía  mientras rodaba su último proyecto, y en circunstancias un poco extrañas el actor norteamericano David Carradine, quizá el maestro más famoso de kung-fu de la historia del cine.

Artista, musico, escultor, escritor, compositor y sobretodo maestro de kung-fu, David era hijo del legendario actor fordiano John Carradine y presidiendo una familia de actores entre los que se encuentran sus hermanos Keith, Robert y Michael, su hija Kansas y sus sobrinas Ever Carradine y Martha Plimpton.

Nació en Hollywood y se educó en la Universidad Estatal de San Francisco, donde estudió teoria musical y composición.

Cuando componía música para la representación anual del Departamento de Teatro descubrió su pasión por los escenarios, por lo que se unió a una compañia que representaba a Shakespeare, asi que aprendió la profesión a la fuerza de paracticar. Tras dos años en el ejército encontró trabajo en Nueva York como artista comercial y más tarde adquirió fama en Broadway en "The Deporty" y en "The Royal Hunt of The Sun", interpretando a un principe azteca junto a Christopher Plummer, quien encarnaba al conquistador español.

Con esa experiencia regresó a Hollywood y aterrizó en la efímera serie de televisión "Shane" antes de lanzarse al estrellato junto a Barbara Henshey con la primera película para Hollywood de Martin Scorsese "El tren de Bertha" ("Boxcar Bertha"-1972). A ello siguió la serie de televisión de culto "Kung-fu", que catapultó a Carradine al estrellato durante los siguientes tres años, hasta que dejó la serie para dedicarse a su carrera cinematográfica. Carradine recibió el Premio del National Board of Film Review como Mejor Actor, y fue nominado al Globo de Oro por su representación de Woody Guthrie en la película de Hal Ashby "Esta es mi tierra" ("Bound for Glory"-1976).

Asi mismo, se ganó el aplauso de la crítica por sun trabajo como Cole Younger en el fim de Walter Hill "Foragidos de leyenda" ("The Long Riders"-1980), considerado por muchos su mejor interpretación. "Kung-fu" recibió también siete nominaciones a los Emmy en su primera temporada, incluyendo uno para Carradine en la categoria de Mejor Actor.

Además ganó el Premio del Público en la "Quincena del Realizador" del Festival de Cine de Cannes por su trabajo en "Americana" y fue nominado por segunda vez a los Globos de Oro por su papel secundario en "Norte y Sur" ("North and South"). Carradine prosiguió también con su devoción por la música, habiendo grabado alrededor de sesenta temas en diversos géneros musicales, y ha cantado en varias películas. Actualmente vivía en Los Angeles con su novia Anne, sus cuatro hijos, y sus tres perros.

Y el dia 3 de junio fue hallado muerto en una habitación del hotel Park Nai Lert en Bangkok. Aunque los medios locales inicialmente informaron que el actor se había suicidado ahorcándose en el servicio de la habitación del hotel, más tarde su agente afirmó que la muerte de Carradine se habría producido por causas naturales.

Informaciones posteriores indican que la muerte no fue por causas naturales ni tampoco suicidio, sino una muerte accidental por asfixia autoinfligida o con el fin de aumentar su estimulación sexual durante una masturbación (asfixia autoerótica).

"Era un loco genial"

(Quentin Tarantino)

"Estaba lleno de vida. Siempre quería trabajar"

(Chuck Binder)

David Carradine - Hollywood (California) - 8 - diciembre - 1936 - Bangkok (Thailandia) - 3 - junio - 2009)

¡DESCANSE EN PAZ!

Un fuera de la ley que, gracias al amor de una mujer logró cambiar el rumbo de su vida...

Entretenida aunque algo tambien rudimentaria película de género de western, sacada de una novela de Marvin H. Albert, un afamado novelísta nacido en Filadelfia y especializado en novelas tanto de crímenes como de aventuras, y muchas de ellas llevadas al cine, como por ejemplo: "Noche de titanes" ("Rough Night in Jericho") y argumentada con un sólido  aunque como digo algo rudimentario guión del norteamericano aunque nacido en México, Williams Bowers un escritor especializado en  guiones de género cómico, y uno de los favoritos del mítico actor Bob Hope "Alias Jesse Jamess", aunque aquí dió un giro total a su carrera.

La historia nos la cuenta todo un experto en la materia del western, como es el famoso director que abrió sus ojos por primera vez en Illinios, estoy hablando de John Sturges, un hombre que si no hubiese nacido nos habriamos quedado con las ganas de haber podido saborear "La gran evasión" ("The Great Escape"), por citar una de las muchas maravillas que obran en su curriculum particular.

La acción pues, nos traslada al viejo y salvaje oeste y en donde nos metemos en las vidas de varios personajes, pero sobre todo en la de un sheriff llamado Jack Waden que años atrás perteneció a una banda de asesinos, pero ahora se ve en la "obligación" de ayudar a escapar de la prisión a un antiguo compinche llamado Clint Hollister, pero este en lugar de agradecerselo, le jura odio eterno por haber huido con el botín en el último golpe que ambos hicieron, y no duda en enfrentarse con él, para recuperar el dinero, aún sabiendo que esto sea quizá lo último que hagan en su vida...

Como digo entretenido western, aunque por supuesto no está entre los mejores de Sturges, pero para mí posee un buen argumento gracias a la tensión emocional que demuestran la mayoría de sus personajes, aunque también hay que reconocer que hay momentos algo desquilibrados, cosa que por lo cual hace que la historia baje unos enteros, pero de todas formas el director de Illinios y gracias a su pericia narrativa, y ese toque intachable que suele dar a la mayoría de sus películas, logra sacarla adelante.

Cuenta con escenas bastante atrayentes, y como no llenas de acción, como por ejemplo, la del ataque de los indios, y por supuesto ese duelo final entre los dos "viejos amigos", y en donde deberán de zanjar su pasado en esa ciudad muerta.

Bonita fotografía en color, aunque hay que reconocer que las escenas diurnas superan en efectividad a las nocturnas, ya que para mi, en estas últimas se ven con gran descaro los decorados de esta historia, pero las que están rodadas en parajes naturales son verdaderamente asombrosas, y logradas gracias a la cámara de Robert Surtees, un célebre maestro fotográfico nacido en el estado de Kentucky  ganador de tres Oscar, y mundialmente famoso por haber sido uno de los participantes de la oscarizada e impresionante "Ben-Hur", y aquí como digo, que a pesar de que los decorados cantan un poco no es así, con las maravillosas escenas de los paisajes, sobresaliendo sobre todo aquellas que están rodadas en las célebres montañas Rocosas, portentosas imágenes, si señor.

Muy cuidada también la banda sonora de Fred Steiner, un célebre director de orquesta que tuvo sus comienzos en la radio, pero donde logró sus mayores éxitos fue en la televisión en la década de los sesenta, con series tan famosas como por ejemplo "El virginiano" ("The Virginian") y "Hawaii 5-0" ("Hawaii Five-0"), y en esta ciudad desértica dando un emotivo estilo con tonos melancólicos, haciendo así dar mayor impacto a las escenas de acción.

Dos colosos del séptimo arte frente a frente, el bueno Robert Taylor "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table") enfundándose la estrella de sheriff, y dando vida a ese tal Jack Wade, pero que anteriormente habia sido un destacado miembro de una célebre banda de forajidos y en donde tuvo la osadía de desaparecer sin dejar rastro, llevándose todo el dinero que obtuvieron en el último atraco.

El malo, el de "casi" siempre por aquel entonces, Richard Widmark "Dos cabalgan juntos" ("Two Rode Together") en un papel hecho a su medida, y en donde se encontraba como pez en el agua, el de Clint Hollister ese bandido al que Wade salva de morir en la horca, pero que nunca lo perdonará por haberse convertido en un desertor y querer recuperar al mismo tiempo todo el dinero que tiene escondido, un papel de verdad que va de menos a más.

Y con este duo de pesos pesados, una mujer (como tiene que ser) y aquí nos encontramos con Patricia Owens "Sayonara", como Peggy esa joven enamorada de Waden que va a contraer matrimonio con él, y así poder empezar una nueva vida y olvidar su oscuro pasado, pero nada más lejos que la realidad. Y atención a un secundario de auténtico lujazo, y creo que el único superviviente del célebre "Rat Pack", el clan Sinatra, me refiero al inmortal Henry Silva "El vengador sin piedad" (The Bravados").

Resumiendo, un western bastante entretenido no es de los mejores de Sturges, hay que reconocerlo, pero que de verdad merece la pena de verse de allá para cuando, porque también hay que reconocer que no todos los dias podemos ver a Taylor y a Widmark dándose una buena paliza en una "ciudad muerta". Notable.

Como curiosidad, cuando le entregaron el guión a Sturges y al leerlo en el primer actor que pensó fue en Richard Widmark, puesto que quedó sumamente satisfecho cuando dos años atrás lo tuvo bajo sus órdenes en "El sexto fugitivo" ("Backlash").

"Entonces cristianos, morireis"

"Id los dos a vuestro reino".

Así, con estas palabras de el emperador Calígula, terminaba "La túnica sagrada" ("The Robe").

Y con estas mismas, comenzaba "Demetrius y los gladiadores".

Una excelente secuela de género biblico, aunque muy lejos de su antecesora, quizá no solamente por su temática, mucho más atrayente que esta, sino además porque tenía la vitola de haber sido la primera película de la historia filmada con el sistema del Cinemascope.

"Demetrius y los gladiadores", fue escrita por el mismo guionísta que su antecesora, es decir por el neoyorkino Philip Dunne, un hombre donde practicamente toda su carrera la desarolló en los estudios de la 20th Century Fox, aunque no con muchas peliculas en su haber, pero si, con algunas obras maestras como por ejemplo: "Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley"). Y dirigida por Delmer Daves, un excelente artesano californiano y capaz de atreverse con todo, pero donde más cómodo se encontraba era en el género del western, como lo demostró en la solvente "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree").

Así pues, Daves nos lleva a la Roma de Calígula para seguir contándonos las andanzas de la famosa y milagrosa túnica de Cristo, que tras la ejecución de Marcelo y Diana, el apóstol Pedro se la confia a Demetrius. Este es reclutado como gladiador, y cuando piensa que su amada ha fallecido reniega de su fe, y se convierte en Tribuno, a la vez que en protegido y amante de la famosa Mesalina...

Como digo, una excelente historia, que si bien no obtuvo la misma aceptación que la primera, si cosechó unos nada despreciables resultados económicos.

La película, está rodada con todo lujo de medios, presentando eso si, un menor fondo religioso que su antecesora, destacándose más hacia el denominado cine de aventuras. Contando con escenas verdaderamente espectaculares, sobre todo las de la lucha entre los gladiadores en el circo romano. Y que años más tarde las tuvieron muy en cuenta tanto Stanley Kubrick para "Espartaco" ("Spartacus"), como Ridley Scott en su oscarizada "Gladiator".

Lujosa y brillante fotografía llevada a cargo por el maestro Milton Krasner (tambien usó el sistema Cinemascope), un neoyorkino con más de ciento sesenta películas en su historial, pero donde verdaderamente dió su "dó de pecho" fue con "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"), otra emblemática película, puesto que también fue la primera en filmarse en Cinemascope fuera de Estados Unidos, y aquí como digo haciendonos de participar en una fenomenales secuencias de luchas y llevadas al mismo tiempo con un realísmo asombroso.

Como asombrosa es su banda sonora, aquí si que no hay más remedio que descubrirse, llevada bajo la célebre batuta de no menos célebre y mítico compositor nacido en Alemania, pero nacionalizado norteamericano, ganador de dos Oscar, y con doce nominaciones en su haber, su nombre: Franz Waxman "Un lugar en el sol" ("A Place In the Sun"), y en donde tiene su máximo apogeo con los sobrecogedores coros cantando el "Gloria", en su secuencia inicial en honor de Marcelo y Diana, vibrante e intensa, si señor.

Atractivo y a la vez muy interesante el elenco de actores, todos auténticas primeras estrellas del cine mundial, encabezadas por Victor Mature, un actor a decir verdad un poco desigual, pero que a pesar de todo gozó de una gran popularidad en la década de los cincuenta, y precisamente en películas de este género, pero llegó incluso a interpretar al legendario Doc Holliday en la obra maestra de John Ford "Pasión de los fuertes" ("My Darling Clementine"), y aquí al igual que en "La túnica sagrada", dando vida a Demetrius, ese antiguo esclavo griego que reniega el cristianísmo, pensando que la joven a quien ama ha fallecido, por la tremenda impresión que le produjo al querer ser violada por varios gladiadores, y buscando al mismo tiempo y desesperadamente esa túnica para ofrecersela al mismisimo emperador.

Y haciéndo con él, el amor al mismo tiempo que la guerra, la siempre extraordinaria e inigualable Susan Hayward "¡Quiero vivir! ("I Want to Live!") como Mesalina, esa dibólica y sensual mujer que cambia por completo la vida de Demetrius, y que su ambición de poder sin reparar en nada ni en nadie, la lleva hasta ser la mismísima emperatriz de Roma.

Y con ellos, nos encontramos al siempre eficaz Michael Rennie "Las lluvias de Ranchipur" ("The Rains of Ranchipur"), también repitiendo personaje como en la antecesora, es decir encarnando al apóstol Pedro, y a otras dos auténticas bellezas, una a la aquí jovencísima Debra Paget "Los diez mandamientos" ("The Ten Commandments"), como Lucia la joven amada del gladiador Demetrius, y a la maravillosa y magnífica Anne Bancroft, si amigos mios aquella señora Robinson que nos hizo saltar de la butaca cuando nos mostró sus espléndidas piernas en "El graduado" ("The Graduate"). Y atención a Jay Robinson "El favorito de la reina" ("The Virgin Queen"), metido en el diabólico y loco cuerpo de Calígula, que uno al verle aparecer no sabe si reir o llorar, sorprendente la interpretación de este apenas conocido actor, de verdad.

En definitiva, una excelente continuación, no llegó a tener el éxito como la primera, pero no por ello deja de ser una interesante historia, una historia llena de acción, amor y color, que consigue entretener haciendo a todos y a todas de pasar un buen rato, disfrutando de un cine que por desgracia ya no se hace ni por asomo.  Notable.

A modo de curiosidad, la película contó con un presupuesto de cuatro millones de dólares. Y se estrenó en Estados Unidos el mismo año de su producción es decir en 1954, todo un verdadero record.

"Los dos están demasiado quemados por el sol como para tocarse, y mucho menos hacer el amor. Pero están decididos a ello"...

Muy bonita película y hermosísima historia a la vez de género de comedia romántica, y sacada de un guión admirablemente escrito por el periodísta, novelísta, y por supuesto guionísta nacido en Chicago, aunque se instaló muy joven en Inglaterra, su nombre: Frederic Raphael, que dos años antes subió al podium para recoger su Oscar correspondiente, logrado por la magistral y oscarizada "Darling", de John Schlesinger.

Y llevada al cine por uno de los directores más talentosos que ha dado Hollywood, estoy hablando de un hombre nacido en Carolina del Sur, y que a pesar de tener "solamente" una treintena de películas en su haber, fue el encargado de ponerse detrás de las cámaras, para rodar quizá uno de los mejores musicales de la historia del cine, su nombre: Stanley Donen, el musical: "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain").

Y con él, nos vemos inmersos en una de las mejores comedias de los 60, contándonos las idas y venidas de una joven pareja que se conocieron en un viaje por Europa, hace más de doce años...

Muy bonita película, si señor, y como digo una de las mejores de aquella década, y en donde el formidable Donen, y a través de unos esplédidos flash-backs, nos va mostrando una road-movie, en una historia de amor en un único y largo viaje a través del sur de Francia, entre una pareja sumamente original, ella una vulgar pero bellísima corista, él un famoso arquitecto, y en donde hay que decir verdad la carcoma del tiempo les ha dejado una más que importante huella..

Una película de verdad, que para mi, todo pero absolutamente todo, irradia grandeza, y en donde el director nos muestra en todo su esplendor como de verdad se conlleva un proceso de enamoramiento y su posterior decadencia entre dos personas que para bien, o para mal, están destinadas a vivir juntos.

Cuenta con bellísimas escenas y algunas de ellas llenas de gran ternura (no es de sosprender que los actores mantuvieran un romance durante el rodaje), y como es de esperar con unos diálogos sumamente inteligentes "¿Qué clase de personas se pasan horas y horas sin nada que decirse?". "Los matrimonios".

Y por si esto fuese poco aderezada con unos maravillosos parajes naturales a todo color, tanto de Sant- Tropez, como de Niza, gracias a la magistral cámara del británico Christopher Challis "Chitty Chitty Bang Bang", un insigne director de fotografía con más de setenta largometrajes en su curriculum, y en donde dió comienzo su carrera trabajando en varias películas del famoso duo de directores ingleses Michael Powell y Emeric Pressburger. Y aquí como digo, deleitándonos con unos soberbios paisajes rodados todos en escenarios naturales de la Costa Azul.

Pero si preciosa es la fotografía, tampoco se queda a la zaga su banda sonora, obra de otro monstruo sagrado de la musica, su nombre: Henry Mancini "Charada" también de Donen ( se dá la casualidad de que en mi anterior comentario "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"), la banda sonora también era obra de él), normal ya que este hombre siempre estaba presente en los grandes acontecimientos. Y en esta road-movie, haciendonos gozar de pleno, y en donde verdaderamente se luce sobretodo es en la melancólica melodia de los títulos de crédito, que precisamente su nombre da titulo a la película, unos títulos de crédito magistrales por cierto, y creados por un famoso diseñador neoyorkino que saltó a la fama mundial por su trabajo en la primera película del famoso y mítico agente secreto James Bond, me refiero a: "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No").

Y llegamos a ese matrimonio tan singular, como peculiar, y tan peculiar, como carismático, él: Albert Finney "Bajo el volcán" ("Under the Volcano"), un famoso arquitecto llamado Mark, y que por culpa de ese ascenso en la escala social, ve como conlleva a una disminuición de su matrimonio, y ella: Audrey Hepburn "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"), como Joanna, que ni siquiera el nacimiento de su hijo logra quitarle el aburrimiento y la rutina diaria de un matrimonio venido a menos. Inigualables, los dos, Finney demostrándo que el Oscar logrado por "Tom Jones", no fue una casualidad, y de Audrey que vamos a decir, demostrándo como siempre lo bella que es a la par que elegante, la diseñadora de los modelos que luce en la película, fueron obra de la célebre Mary Quant.

Pero también andaban por la Rivera francesa algunas caras muy famosas y conocidas, como por ejemplo la inglesa Eleanor Bron "Mujeres enamoradas" ("Women in Love"), y el francés Claude Dauphin "Abril en Paris" ("April in Paris"), y hasta la bellísima y tambien eterna Jacqueline Bisset "El despertar del amor" ("The Fine Art of Love").

En definitiva, una bella y elegante historia de amor (y desamor), con un fuerte componente nostágico, y en donde Donen da todo un recital sobre el matrimonio, un recital tan brillante como realista. Una película, que hay que verla para valorarla. Matrícula de Honor.

"Dos en la carretera", logró la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Y estuvo nominada al Oscar al Mejor guión adaptado (Frederic Raphael).

Como curiosidad, la película tuvo un presupuesto de 4 millones de doláres, logrando  12 millones en el primer año de exibición en salas cinematográficas.

"Recoged las rosas mientras podais.

Largos no son los dias de Vino y Rosas.

De un nebuloso sueño,

surge nuestro sendero,

y se pierde en otro sueño"...

Impresionante y a la vez desgarradora película y sin duda alguna y junto a "Dias sin huella" ("The Lost Weekend") de Billy Wilder, la mejor historia realizada sobre el escabroso tema del alcoholísmo.

"Dias de vino y rosas" está basada en un telefilme realizado en 1958 por John Frankenheimer "Siete dias de mayo" ("Seven Days in May") por citar una de sus inimitables películas, e interpretado por Cliff Robertson "Charly" y Piper Laurie "El buscavidas" ("The Hustler").

Esta historia nos la cuenta el productor, guionísta y sobre todo director nacido en Oklahoma, Blake Edwards, si amigos el padre de "La pantera rosa" ("The Pink Panther"), y gracias también a un estupendo guión del texano J. P. Miller, un destacado dramaturgo con tres nominaciones al Premio Emy, y que alcanzó la gloria gracias a esta película (el telefilme también es obra suya) por supuesto, aunque también obra en su poder la contundente "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages") también de Frankenheimer.

Así pues, el aquí incomparable Edwards nos mete en lo que a priori parece ser una divertida de sus muchas comedias que obran en su haber, para después finalizar en un terrible drama. Un terrible drama sobre el descenso a los infiernos de un matrimonio de clase media americana. El un relaciones públicas de una gran empresa y ella, una secretaria de la misma, ambos se conocen, contraen matrimonio y comienzan una vida feliz, especialmente tras el nacimiento de una preciosa niña. Pero, a partir de ahora la historia es cuando verdaderamente cambia su destino...

Impresionante película, si señor, y en donde Edwards no escatima en nada para mostrarnos lo que verdaderamente es el alcoholísmo en toda su dimensión y miseria, y mostrándonos unas escenas tan terribles como desgarradoras, tan desgarradoras como crueles, tan crueles como la vida misma. Imponente Edward, pero en todos los sentidos. La escena en el vivero buscando el protagonísta la botella de alcohol, rebuscando maceta por maceta, destrozándolo todo, una escena que ya ha pasado a los anales de la historia del cine dramático. Y que decir de los diálogos: "Nos hemos convertido en unos borrachos. Esa el la única razón de que me hayan echado de cinco empleos en un año". Increibles como auténticos, de verdad.

Como increible son las imágenes en blanco y negro llevadas de la mano del californiano Philp Lathrop, un fiel colaborador de Edwards, pero en su haber también cuenta con grandes películas, como por ejemplo: "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid") y en esta impactante historia mostrándonos unas imágenes verderamente soberbias y duras a la vez, pero también conmovedoras.

Y aderezada con una magistral banda sonora de otro magistral maestro, estoy hablando del mítico Henry Mancini, otro asiduo colaborador del director y con casi trescientas partituras de películas en su haber, aunque solamente con un Oscar en sus vitrinas, precisamente lo logró en esta película, y aquí consiguiendo el hombre aliviar un poco con sus melodias las realístas imágenes que estamos viendo en la pantalla.

Soberbias la interpretaciones de ese matrimonio llevados a la locura por culpa de una maldita botella de licor. El, Jack Lemmon "El apartamento" ("The Apartment") en su primera incursión cinematográfica en el campo del drama, dando vida a ese joven ejecutivo de relaciones públicas llamado Joe Clay, un hombre con problemas con la bebida, puesto que lo utiliza como via de escape a sus problemas laborales. Inmenso nadie se creia que Lemmon pudiese meterse en este papel de tan grandes dimensiones dramáticas. Ella, Lee Remick "Chantaje a una mujer" ("Experiment in Terror"), dando muerte a Kirsten Arneson, esa bella mujer a quien apasiona el chocolate, pero que una vez casada, esa pasión la cambia por el alcohol, no encontrando la necesaria fuerza de voluntad para dejarlo, y seguir los pasos de su marido. Extraordinaria y bellísima, incluso despeinada y con una botella de ginebra en la mano, o lo que es peor, en la boca.

Y junto a ellos, un eterno secundario de lujo, el incomparable Charles Bickford "Duelo al sol" ("Duel in the Sunn"), dando vida y muerte a Ellis Arnesen, padre de Kirsten, ese hombre de nacionalidad sueca, dueño de un vivero que decide ayudarles trayéndolos a su casa para trabajar en el campo, y afiliándoles a una asociación de "alcohólicos anónimos", consiguiéndo aparentemente que dejen la bebida para siempre, pero... Grandiosos los tres, en unas actuaciones portentosas en verdadero estado puro.

En definitiva, una impactante historia sobre el alcoholísmo y sus terribles consecuencias, y en donde de hay que reconocer fue una verdadera lástima que el genial Blake Edwards no hiciese más películas dramáticas. Una película completamente IMPRESCINDIBLE. Y con un final... Matrícula de Honor.

"Dias de vino y rosas", logró el Oscar a la Mejor canción, obra del formidable como digo Henry Mancini, canción que da título a la película "Days of Wine and Roses".

Tanto Jack Lemmon, como Lee Remick, estuvieron nominados como mejores actores principales. Premios que fueron a recaer a Gregory Peck por "Matar un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird") y a Anne Bancroft por "El milagro de Ana Sullivan") ("The Miracle Worker"), además también estuvo nominada al mejor diseño de vestuario (Don Feld).

En recuerdo de: Natasha Richardson

"Una mujer condenada a realizar un trabajo deshonroso, en medio de una terrible vorágine"...

Interesante y correcta película a la vez, aunque sin embargo pienso que podía haber sido mucho mejor, y dirigida por el californiano nacido en Berkeley, James Ivory "La copa dorada" ("The Golden Bowl"), un director que aparentemente todas sus películas son muy parecidas, pero que a la hora de la verdad unas se quedan más cortas que otras. Y esta para mí, se encuentra entre estas últimas, pero que correcta y algo interesante si es, de verdad.

"La condesa rusa", está basada en un guión del japonés Kazuo Ishiguro un novelísta que aunque nacido en Nagasaki a los seis años se trasladó con su familia a Londres donde allí fijaría su residencia definitiva, y con películas tan notables en su haber, como por ejemplo: "Lo que queda del dia" ("The Remains of the Day"), también de Ivory.

Este pues, nos traslada a la ciudad de Shangai, allá por el año 1936 y en donde en dicha ciudad corren muy malos tiempos, ya que las intrigas políticas y la ocupación japonesa con el célebre y sangriento bombardeo a la ciudad, los dramas personales se van enmarcando en toda una inmensa vorágine humana a causa tanto de los judios europeos, como de los rusos exiliados y como no, con los japoneses dedicados a los más miserables negocios...

Muy buenas algunas de sus escenas y con una colosal ambientación, aquí si que se ve muy bien ese gusto estético que siempre ha tenido Ivory a la hora de elaborar esta clase de historias, donde hay que destacar sobre todo las escenas de las bayonetas, aunque también a decir verdad, para mi, le faltan diria que un poco de emoción, pero Ivory es así, y así hay que aceptarlo.

Excelente, para mi lo mejor de la película, la fotografía en color a cargo del australiano Christopher Doyle "Eros", un hombre que practicamente todo su trabajo lo ha realizado para directores orientales, como por ejemplo: Wong Kar-wai y Zhang Yuan, teniendo en sus vitrinas el Premio a la Mejor Fotografía de Cine de Asia, logrado en el año 1983. Y aquí deleitándonos con unas magníficas tomas dando la sensación de encontrarnos en ese Shangai de los años 30, una ciudad donde la mayoría de antes de la guerra los restos están rodeados de modernos rascacielos e inmensas y luminosas luces de neón, una como digo excelente ambientación, lo mejor de la película, si señor.

Bonita, pero tampoco para tirar cohetes, ya que algunas veces está carente de ritmo, me refiero a la banda sonora del compositor norteamericano nacido en Massachusetts, Richard Robbins "Place Vandôme", y en esta condesa rusa, ofreciéndonos un buen ramillete de melodias (aunque como bien digo, algunas carentes de ritmo), pero si nos podemos encontrar, o mejor oir, con algunas composiciones de jazz, como por ejemplo: "Mood Indigo" del mítico Duke Ellington, y hasta incluso el célebre "Carnaval" (Opus 9) del inigualable Robert Schuman.

Y atención a los actores, que aunque hay que reconocer no están a su altura ni mucho menos, si es interesante ver juntas al clan Redgrave, es decir a Vanessa, a su hermana Lyn, y a su hija Natasha. Aunque los protagonístas de esta historia son la pareja formada por el inglés Ralph Fiennes "El jardinero fiel" ("The Constant Gardener"), metido en el cuerpo de Tood Jackson, un ex-diplomático ciego, con un pasado traumático, y que está a vuelta de todo, para así enterrar de una vez y para siempre ese pasado que lo atormenta dia tras dia.

Y, la bellísima y tristemente desaparecida Natasha Richardson "El pico de las viudas" ("Widows’ Peak"), dentro del alma de esa tal Sofia Belinskya, una joven y bella condesa rusa pero ya en sus horas bajas, y que sobrevive a salto de mata, como dama de compañia (o prostituta ocasional), en clubes nocturnos, solamente para poder mantener a su extensa y abigarrada familia. Y acompañándoles en la aventura nos encontramos con un extraordinario plantel de auténticos secundarios, entre ellos como bien digo un poco más arriba, la madre de Natasha, la gran e inimitable Vanessa Redgrave "La casa de los espíritus" ("The House of the Spirits"), y a su hermana Lynn Redgrave "Algo casi perfecto" ("The Next Best Thing"), y sin olvidar al gran actor japonés Hiryuki Sanada "El último samurai" ("The Last Samurai").

En fín, una correcta película, pudo haber sido toda una maravilla (aunque suene a tópico), ya que el bueno de Ivory desperdició una tremenda y gran historia, pero que le faltó algo de épica, quedándose corto el espectáculo. Pero como ya he dicho, y lo dicen, el cineasta californiano, así nació, y así  pienso que morirá. Aprobado.

Como anécdota, esta fue la última película producida por el indio Ismail Merchant, un productor con seis Oscar en su haber, y más de cincuenta películas producidas.