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Nos miran - 2002

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  ¿Quién no esconde algún terror infantil? ¿Ven los niños cosas que nosotros no vemos? ¿Y si el otro lado te obliga a hacer lo que no quieres? ¿Existen seres que nos miran desde el otro lado?

  Muy interesante película española de género de terror -intriga - policiaca.

  "Nos miran" cuenta con un guión de Jorge Guerricaechevarría (Guerrica), "Celda 21"-2009. Un escritor nacido en Asturias concretamente en Avilés y, uno de los guionístas más prolíficos del cine español. Ganador de un Premio Goya y finalísta en tres ocasiones, ha sido guionísta y co-guinísta de muchas de las películas de Alex de la Iglesia y Daniel Monzón. También escribió para Pedro Almodóvar la película "Carne trémula"-1997.

  La historia nos la cuenta el aquí debutante director (hasta el momento su único largometraje) nacido en Orense, Norberto López Amado. Un nobel cineasta que comenzó en el medio cinematográfico rodando los cortometrajes "El espíritu de la luna"-1993, "El tiempo perdido"-1997 y "La mirada del ángel"-1998. En 2010 rodó el documental biográfico sobre el arquitecto Norman Foster, "¿Cuánto pesa su edificio, señor Foster?" y el polémico telefilme "Vuelo 8714", sobre el vuelo accidentado en el aeropuerto de Barajas (Madrid) de 2008.

  Asi pues, López Amado nos mete en el cuerpo de un policia, de reconocido prestigio que se enfrenta posiblemente al caso más inquietante de su carrera. La desaparición de un importante empresario que esconde tras de si un misterio. Un misterio mucho mayor del que está dispuesto aceptar. Pronto va descubriendo que todos aquellas personas que un dia se marcharon sin dejar rastro, esconden un terrible secreto relacionado con los terrores e inquietudes de su propio pasado...

  Una excelente película, como bien digo. Y una buena muestra de cine de género, yo diría que con una eficacia plenamente probada puesto que la historia te atornilla a la butaca, te asusta cuando te lo esperas y te ofrece algún punto interesante de reflexión.

  A priori la película se podría decir que es como un "remake" de la también española "Los otros"-2001 y de la norteamericana "El sexto sentido" ("The Sixth Sense"-1999). Y aunque todas las comparaciones son odiosas, de verdad que esta película merece la pena y más teniendo en cuenta que el director gallego hizo aquí su debut para la pantalla grande.

  Buena la fotografía en un color claroscuro para dar un mejor clima de suspense creada por Néstor Calvo, "Los años bárbaros"-1998. Un buen director de fotografia nacido en Soria, y se formó en el The National Film and Television School de Beaconsfield (Inglaterra). Y en esta historia de digamos intriga sin fín, creando una misteriosa atmósfera de suspense que rodea al espectador de principio a final y con una puesta en escena deliberadamente fria y distante, tanto en las escenas de interiores como en la de exteriores rodadas casi todas en Madrid con lo cual hace de crear un gran ambiente gracias a ese ritmo pausado que logra hacer con su estupenda cámara.

  Meláncolica pero muy acertada la banda sonora a cargo de Bingen Mendizábal, "Secretos del corazón"-1997. Un compositor nacido en Vitoria. En su juventud comenzó tocando el violín y llegó a formar parte del grupo de rock vasco Hertzainak. Pero fue el director Juanma Bajo Ulloa el hombre fundamental en su carrera y el que le introdujo en el mundo del cine. Y en este sugerente terror ambiental creando una buena ambientación musical a base de instrumentos de cuerda, de percusiones y de elementos electrónicos que se conjugan para conseguir ese ambiente de oscuridad y misterio necesario para narrar la historia. En el piano y en la música electrónica fue ayudado por el también compositor Borja Ramos.

  Estupendos todos los actores encabezado por un perfecto Carmelo Gómez, "El portero"-2000, metido en el cuerpo de Juán García, un inspector de policía que ha de enfrentarse a uno de los casos más inquieantes de toda su carrera de policia, seguido por la siempre solvente Iciar Bollain, "La noche del hermano"-2005, como Julia la esposa de Juán. Y con ellos Francisco Algora, "Rojo sangre"-2004, dando vida a Muñoz, compañero del policia (en un papel muy breve pero también muy interesante). Y los niños Manuel Lozano, "Historia de un beso"-2002 y Carolina Petterson, "Los fantasmas de Goya"-2006, en los papeles de Alex y Laura, sus hijos. Sin olvidarnos de Margarita Lozano, "La mitad del cielo"-1986 en el papel de Luisa, la madre, y por supuesto de Karra Elejalde, "Marujas asesinas"-2001 como el inspector Medina, y que decir de el italiano Massimo Ghini, "El misterio de la villa" ("Up at the Villa"-2000) dando vida a José, el hermano de Juán.

  En definitiva: No es ni mucho menos una obra maestra del género. pero si es una película más que interesante y en donde el debutante director nos demuestra que también en España se puede hacer buen cine de thriller y de terror.   Notable.

  Como curiosidad. La escena final en donde Laura (Carolina Petterson) saluda a "nadie", el guionísta Guerriachevarría, decidió incluirla en el guión, pues le ocurrió una situación parecida con una hija suya en uno de sus viajes.

 

 

 

 

20/07/2014 10:43 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo -1966)

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            En recuerdo de: Eli Wallach

  "¿Sabes qué tu cara se parece a la de uno que vale 2.000 dólares?

  Si, pero tú no te pareces al que los va a cobrar".

  Ultima entrega de la espléndida triología del dólar realizada por Sergio Leone, la primera fue: "Por un puñado de dólares" ("Per un pugno di dollari"-1964), la siguió: "la muerte tenía un precio" ("Per quel che dollaro"-1965) para completarla con esta tercera extraordinaria historia.

  "El bueno, el feo y el malo" está basada en una historia de Luciano Vincenzoni, "Turin negro" ("Torino nera"-1972), (también co-guionísta de la película). Un  guionísta italiano (todo el equipo técnico es italiano), nacido en Treviso y uno de los más apreciados escritores de películas en Italia donde se le conocía como "el doctor de los guiones). Sus comienzos fueron como estudiante de derecho en las ciudades de Roma y Padua y en 1954 debutó en el cine y su fama le llegó de la mano de Leone el cual le mandó escribir los guiones de la famosa triología. Pero Vincenzoni también escribió películas de bastante éxito para directores como: Mario Monicelli, Pietro Germi o Giuseppe Tornatore entre otros.

  El guión como digo fue escrito por Luciano y por supuesto por Leone. Pero hubo dos más uno fue: Agenore Lucrocci, "I ragazzi della via Paal" ("Los muchachos de la calle Paul"-1935). Un escritor nacido en Brescia y considerado como uno de los grandes de la comedia italiana. Sus primeros pasos fueron como escritor para obras de teatro y de historietas de humor. Además de un centenar de películas en su haber como guionísta llegó a trabajar como actor en "La terrazza" ("La terraza"-1980) de Ettore Scola. El otro guionísta fue: Furio Scapelli, "Tiempo de matar" ("Tempo di uccidere"-1989). Un laureado escritor, dibujante y periodísta nacido en Roma y en donde trabajó para varios periódicos de la sátira y, desde 1966 llegó a ser miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias.

  La historia nos la cuenta como bien he dicho al principio, Sergio Leone, "El coloso de Rodas" ("Il Colosso di Rodi"-1961). Un estupendo y formidable director también nacido en la capital de Italia que además era guionísta y productor de la mayoría de sus películas. Leone desde muy jóven entró en el mundo del cine con 20 años ya fue actor y asistente de dirección de la obra maestra de Vittorio de Sica, "Ladrón de bicicletas" ("Ladri di biciclette"-1948). Después co-dirigiría (aunque en algunas no estaría en los titulos de crédito) grandes superproduciones norteamericanas rodadas en Europa. Y a partir de aquí comenzó a rodar películas propias y más a su gusto personal y gracias a él, el western volvió a primera línea cinematográfica ya que últimamente este género estaba muy olvidado, se podría decir que Leone fue el creador del famoso "spaghetti western.

  La trama nos lleva allá en plena Guerra de Secesión y allí nos mete en la vida de tres cazadores de recompensas que se lanzan a la búsqueda de un tesoro que ninguno de los tres truhanes pueden localizar sin la ayuda de los otros dos...

  Una gran película, si señor. Una obra maestra. Y todo un máximo exponente del spaghetti-western, puesto que el gran Sergio Leone la dirige con una maestría inigualable gracias a su estilo habitual. Una película maravillosa y épica ya que es un western puro al mejor estilo de los grandes de Hollywood. Cuenta con unas escenas dignas de obra maestra. Escenas memorables llenas de acción y emoción y cómo no con algunas pizcas de humor. Y que decir de las de batalla, soberbias. La escena final es todo una maravilla, impresionante, capaz de poner los pelos de punta a cualquier aficionado al cine guste el género que guste. Y que decir de los diálogos con frases por ejemplo: ""Ya te he dicho, cabo...vas a hacer un ruido estrepitoso cuando caigas".

  Escenas filmadas a todo color (rodadas en el desierto de Almeria) por Tonino Delli, "El nombre de la rosa" ("Der Name der Rose"-1986). Un director de fotografía nacido en Roma. Sus comienzos fueron en los estudios de Cinecitta a los 16 años de edad como asistente de camarógrafo, más tarde comenzó su trabajo como director e incluso llegó a colaborar en 1952 en la primera película italiana en color "Totó a color" dirigida por Steno. Cuenta en su haber con cuatro premios David de Donatello y en 2005 fue reconocido por la American Society of Cinematographers con un premio a su gran trayectoria cinematográfica. Y en esta obra crepuscular del western mostrándonos unos primeros planos verdaderamente geniales que hacen de zambullirnos y disfrutar con ese trio de cazarrecompensas al son de una maravillosa musica.

  Musica compuesta por otro grande del cine como lo es Ennio Morricone, "Cinema Paradiso"-1988. Un compositor y director de orquesta nacido también en la ciudad eterna, mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora dr más de 500 películas y series de televisión. Morricone comenzó tocando la trompeta apenas era un niño en la Academia Nacional de Santa Cecilia. Y fue Sergio Leone el que le requirió para que fuese el compositor de todas sus películas. Cuenta en su haber dos premios Grammy a parte de muchos y famosos premios más. En 2007 recibió el Oscar honorífico, además ha sido nominado al Oscar cinco veces en la categoría de Mejor banda sonora original. Y en esta irrepetible historia en busca de un tesoro deleitándonos con su musica inigualable y aunque han intentado imitarlo ciento de veces nadie lo ha conseguido. La verdad es que Morricone nunca decepciona y siempre hace lo correcto para que su banda sonora haga que las escenas alcancen ese ritmo frenético al que nos tiene acostumbrados.

  Y la guinda a esta impresionante tarta cinematográfica: el trio protagonísta. El bueno (siempre) Clint Eastwood, "Gran Torino"-2008), en el papel de Jack "el rubio" el único de los tres que conoce el nombre inscrito en la tumba donde se esconde el tesoro. El feo (como siempre) Eli Wallach, "El cerebro" ("Le cerveau"-1969) como Tuco que sabe que ese tesoro se encuentra escondido en un cementerio. Y, El malo (casi siempre) Lee Van Cleef, "1997: Rescate en Nueva York" ("Escape from New York"-1981) metido en el uniforme del malvado Sentencia, un hombre que no duda en matar mujeres y niños para conseguir su meta: "el tesoro". Impecables e impagables el trio de actores protagonístas elegidos por el maestro Leone.

  Pero aún caben más en esta magnífica película ambientada en el Oeste, tales como: Aldo Giuffré, "La guapa y su fantasma" ("Questi fantasmi"-1967) dando vida al alcohólico capitán de la Unión, Liugui Pistilli, "La cola del escorpión" ("La coda dello scorpione"-1971), metido en el hábito del padre Pablo. Y hasta una mujer tiene cábida en esta historia de hombres y no es otra que: Rada Rassimov, "El gato de nueve colas" ("Il gatto a nove code"-1971)., dando vida a Maria.

  En definitiva: Todo un broche de oro para una inolvidable triología. Una gran película que marca a fuego el género y en gran medida la cinematografía universal. Una obra maestra en todos los sentidos. Una película muy recomendable a todo amante del buen cine, porque "El bueno, el feo y el malo" forma ya parte de la historia del cine.  Matrícula de Honor.

  A modo de anécdota, gran parte de la película fue rodada en el desierto de Tabernas (Almería). En el Parque Natural de Cabo de Gata-Nijar se construyó un poblado de imitación de los del lejano Oeste. Además de esta película, también Leone dirigió las otras dos de la triología. Otras escenas también se rodaron en España, concretamente en la ciudad burgalesa de Carazo, en el Espacio Natural de los Sabinares de Arlanza.

 

 

 

10/07/2014 20:18 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                      Eli Wallach

                         El "feo" de Hollywood

  El pasado 24 de junio y a la edad de 98 años falleció el legendario actor Eli Wallach.

  Nacido en Brookyn (Nueva York) en una familia judia pero hizo de vaquero, de don de la mafia, de timador, de bandolero mexicano, de viejecito encantador. De lo que fuera porque Eli Wallach nunca dejó de trabajar, de afrontar personaje secundario tras personaje secundario, para acabar convertido tras actuar en más de 150 películas y series de televisión en un mito del cine, al que se homenajeó en 2010 con un Oscar honorífico más que merecido. Solo con su Tuco de "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, ilbrutto, il cattivo"-1966) y su don Altobello en "El padrino III" ("The Godfather III"-1990) tendrá un hueco guardado en la gloria cinematográfica. Eli Wallach supo hacer carrera con un rostro singular, con sus actuaciones pegadas al método y con su gran sabiduría a la hora de escoger proyectos según envejecía.

  Eli Herschel Wallach nació en Brooklyn en una familia de inmigrantes polacos el 7 de diciembre de 1915. era uno de los pocos judios - poseian una tienda de dulces - en un barrio predominantemente italiano (puede que por ello encarnara tan bien a tantos de ellos en la pantalla). Tras graduarse en Historia en la Universidad de Austin, volvió a Nueva York donde dió rienda suelta al gusanillo que le habia picado en la interpretación: empezó a estudiar actuación y a aparecer en algunas obras al mismo tiempo, pero la Segunda Guerra Mundial, y su incorporación a filas, detuvo esa proposición. al acabar el conflicto bélico entró en el mítico Actors Studio - Wallach ya conocía el método de Lee Strasberg - y en sus aulas coincidió con Marlon Brando, Montgomery Clift, Sidney Lumet o Marilyn Monroe las temporadas que la actriz se sumergía en el método Strasberg. También coincidió con otra estupenda intérprete, Anne Jackson con la que se casó en 1948 y con la que ha vivido hasta su último dia. Mientras, empezaba una espectacular carrera teatral con su aparición en obras como "La casa de té de la luna de agosto" ("The Teahouse of the August Moon") o "Escala en Hawai" ("Mister Roberts"), y en 1951 ya ganó un Tomy por su trabajo en "La rosa tatuada" ("The Rose Tattoo") de Tennesse Williams.

  Con todo, tardó en saltar al cine por su amor al teatro (rechazó el personaje con el que Frank Sinatra ganó el Oscar en "De aquí a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953) por estrenar en los escenarios "Camino real", de Williams, dirigido por Elia Kazan), y cuando lo hizo, debutó bajo la dirección de su amigo Kazan en la controvertida "Baby Doll"-1956, con la que fue candidato al Globo de Oro, Wallach entró en racha: "The Lineup"-1958, de Don Siegel, "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), de John Sturges, "Vidas rebeldes" ("The Misfits"-1961) - la famosa película maldita junto a Clark Gable, Marilyn Monroe y Montgomery Clift -, "La conquista del oeste" ("How the West Was Won"-1962), "La bahía de las esmeraldas" ("The Moon Sprinners"-1964), "Lord Jim"-1965, "Como robar un  millón y..." ("How to Steal a Million"-1966) ambas con Peter O´Toole, y en el cierre de la triología del dólar de Sergio Leone, el bandolero mexicano Tuco en "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto,il cattivo"-1966), rodada en Almería. Con Leone no volvería a hablarse tras su desencuentro en la preproducción de "Agáchate maldito" ("Giú la testa"-1971).

  El actor hizo decenas de apariciones en televisión - ganó un Emmy en 1961 y fue candidato a cuatro más, los últimos en 2007 y 2010 por sus apariciones en "Studio 60" y "Enfermera Jackie" - pero el público le recuerda por el cine, por títulos como "El oro de MacKenna" ("MacKenna’s Gold"-1969), "Permiso para amar hasta medianoche" ("Cinderella Liberty"-1973), "Falso testimonio" ("Zig Zag"-1970), "Juventud pervertida" ("The People Nevel Door"-1970), "Joe, el loco" ("Crazy Joe"-1974). Amigo de Steve McQueen, participó en su última película, "Cazador a sueldo" ("The Hunter"-1980). Intimo de Clint Eastwood le reservó un papel en "Mystic Rivers"-2003.

  Durante decádas se ha mantenido en el cine con presencias en "Otra ciudad, otra ley" ("Tough Guys"-1986), "Los dos Jakes" ("The Two Jakes"-1990), "El padrino III" ("The Godfather III"-1990) - espectacular su muerte, la de don Altobello comiendo cannolis en la ópera mientras ve "Cavallería rusticana" -, "El juego del poder" ("Ecoute vóir..."-1979), "La noche y la ciudad" ("Night and the City"-1992), "Más que amigos" ("Keeping the Faith"-2000), "Vacaciones" ("The Holiday"-2006) (estupendo su papel de viejo guionísta desencantado).

  En 1995 encarnó al padre de Antonio Banderas en "Two much", de Fernando Trueba, y en 2010 apareció en dos películas más: "El escritor" ("The Ghots writer") y "Wall Street 2: el dinero nunca duerme" ("Wall Street 2: Money Never Sleeps"). Cinco años antes, Wallach publicó su autobiografía, "The good, the bad and me: in my anecdotage", en la que contaba como casi muere en el rodaje de la películs de Leone... y casi pierde las cuerdas vocales al beber ácido en la misma filmación. Nunca fue candidato al Oscar, aunque recibió el honorífico, ni tampoco ganó muchos premios (además de los mencionados, un Bafta), sin embargo, jamás le hicieron falta para ser una estrella. Como dijo en The Times en 1997: "Amo actuar".

 Eli Herschel Wallach (Eli Wallach) - Brooklyn (Nueva York) - 7 - diciembre - 1915 - Nueva York - 24 - junio - 2014

                                 ¡DESCANSE EN PAZ!

 

01/07/2014 11:25 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Marruecos (Morocco - 1930)

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   "Será mejor que se vaya me está empezando a caer bien".

  Muy entretenida película (aunque no lo mejor de su director) de género dramático combinado con acción y romanticísmo.

  "Marruecos" es una adaptación de la obra de teatro "Amy Jolly" del escritor franco-alemán Benno Vigny, "El hombre perdido" ("Der Verlorene"-1951), entre otras. Un como digo escritor y director franco-alemán que trabajó de manera irregular en el cine francés.

  Del guión se hizo cargo Jules Furthman, "El sueño eterno" ("The Big Sleep"-1946). Un escritor nacido en Chicago que durante la Primera Guerra Mundial escribió varios artículos con el nombre de Stephen Fox. para después ser uno de los guionístas preferidos del director Josef Von Sternberg al igual que de Howard Hawks.

  La película la dirige Jodef Von Sternberg, "Una aventurera en Macao" ("Maccao"-1952). Un cineasta nacido en Viena aunque como es de suponer nacionalizado estadounidense. Sus inicios fueron en 1925 y sus trabajos se convirtieron en un fenómeno de critica y de taquilla. Sternberg obtuvo dos nominaciones a los Oscar, y en su historial cinematográfico puede presumir de haber sido el director que descubrió a la gran Marlene Dietrich.

  La historia se centra en la relación  de una cantante de night-club con un soldado de la Legión Extranjera en tierras norteafricanas concretamente en la ciudad de Mogador. Pero la intrusión de un rico europeo que está a punto de conseguir la compañía  pero no el amor de la cantante , hace que ésta se de cuenta de la intensidad de sus sentimientos hacia el legionario...

  Una buena película, si señor (aunque como digo no lo mejor del director vienés), pero es una historia muy interesante, puesto que consigue deleitarnos en muchos de sus grandes momentos y, con unas maravillosas escenas. Que decir de la última escena de la película, una escena de una belleza visual sobresaliente. Una escena mítica ya para el recuerdo.

  Escenas fotografiadas en un extraordinario blanco y negro por el norteamericano nacido en Illonois, Lee Garmes, "El gran pescador" ("The Big Fisherman"-1959). Un oscarizado director fotográfico que durante su larga carrera profesional trabajó con los mejores directores de Hollywood. Su primer trabajo fue como asistente en el departamento de pintura de Thomas H. Ince Studios, pero pronto se convirtió en un espléndido camarógrafo a tiempo completo llegando a convertirse en uno de los primeros defensores de la tecnología de video. Y en esta aventura de amor por excelencia mostrándonos unas magníficas imágenes y con una tecníca inmejorable, tanto las rodadas en los exteriores como la de los interiores rodadas en los estudios Paramount. Muy bueno Garmes, con nominación incluida.

  Muy amena la música de Karl Hajos, "Fatalidad" ("Dishonored"-1931). Un compositor húngaro nacido en Budapest que de joven emigró a Hollywood a finales del cine mudo llegando a trabajar en más de un centenar de películas, con una variedad de directores y estudios. Y en esta entretenida historia y teniendo el desierto africano como fondo romántico, aportando una partitura muy sensual que culmina en las canciones que interpreta la protagonista femenina de las que hay que destacar: "Quand l’ amour meurt" ("Cuando el amor muere"), "Give Me the Man" ("Déme el Hombre") y "What Am I Bid" ("Lo que me ofrecen").

  Dos monstruos sagrados del cine universal, Ella: Marlene Dietrich, "Pánico en la escena" ("Stage Fright"-1950) como Amy Jolly una cantante de cabaret que viaja de Paris a Marruecos con el propósito de olvidar un pasado turbulento. El: Gary Cooper, "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959) metido en el uniforme de Tom Brown, un rudo legionario que se hace amigo y protector de Amy y así con su energía siempre intenta acallar a quienes obstaculizan que ella pueda dar inicio de sus canciones. Pero al final acabarán enamorándose el uno del otro. Y con ellos otro grande del cine, Adolphe Menjou, "La hija del embajador" ("The Ambassador`s Daugther"-1956) dando vida a Monsieur LeBassiere, un rico pintor francés soltero empedernido de mediana edad, pero que también se ha enamorado de Amy.

  Pero en esta historia de aventuras y romances también podemos ver a Ulrich Haupt, "La máscara de hierro" ("The Iron Mask"-1929) como el adjunto del cabaret marroquí, Eve Southern, "El Gaucho" ("The Gaucho"-1927) en el papel de Madame, Juliette Copton, "Sacrificio de amor" ("West Ward Passage"-1932) dando vida a Dolores, Emilie Chautard, El diablo se divierte" ("The Devil’s in Love"-1933) como el General.  Y todos cumpliendo de maravilla sus respectivos papeles tal y como quiso el maestro Sternberg. 

  Resumiendo: Una excelente película que a pesar de no ser demasiado intensa ni profunda, no por ello deja de ser una gran historia, puesto que para mi tiene grandes momentos tanto de acción como de romance, lo cual hace de convertirla en una película recomendable y mucho más para aquellos a los que gusten la canciones de Marlene.   Notable.

  "Marruecos" obtuvo cuatro nominaciones: Director, Actriz (Marlene Dietrich), el Oscar se lo llevó Marie Dressier por "La fruta amarga" ("Min and Bill"), Dirección Artísica y Fotografía.

  Como curiosidad, Marlene Dietrich se aprendió el papel foneticamente ya que apenas tenía conocimientos de inglés.

 

26/06/2014 13:37 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Me casé con una bruja (I married a Witch-1942)

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              Ningún hombre puede resistirse!

  Muy entretenida y a la vez original película de género de comedia romántica y aderezada como el título lo dice con algo de brujería, basada en una novela de  Thorne Smith, "Una pareja invisible" ("Topper"-1937). Un escritor norteamericano nacido en Maryland y muy conocido por sus novelas escritas con un tinte sobrenatural y lleno de fantasía.

  El guión corrió a cargo de Robert Pirosh, "Un dia en las carreras" ("A Day at the Reces"-1937). Un veterano guionísta nacido en Baltimore cuyos comienzos fueron colaborando con el joven por aquel entonces director George Seaton antes de graduarse en el Baltimore City College. En 1954 se puso incluso detrás de las cámaras para dirigir "El valle de los reyes" ("Valley of the Kings") pelicula de aventuras ambientada en Egipto y protagonizada por Robert Taylor y Eleanor Parker.

  "Me casé con una bruja" está dirigida por René Clair (también co-guionísta), "Las puertas de las Lilas" ("Porte des Lilas"-1957). Un cineasta y escritor nacido en Paris y miembro de la Academia Francesa en la que ocupó la silla nº19. Se crió en el barrio parisino de Les Halles y estudió en el Lycée Louis-le-Grand. Su primera película sonora fu "Bajo los techos de Paris" ("Sous les toits de Paris"-1930) y fue a raiz de ahí cuando sería reconocido a nivel internacional por el público y la critica. En 1974 fue presidente del jurado del Festival de Cannes.

  La historia pues, nos mete en el cuerpo de una tal Jenniffer, una bruja que sale de su encierro para intentar amargarle la existencia a otro tal Wallace Wooley, un candidato a gobernador a punto de casarse con una dama de la alta sociedad y descendiente de los responsables de la quema de Jenniffer en el Salem del lejano siglo XVII...

  Segunda película de las cuatro realizdas en Hollywood por el maestro René Clair, las otras tres fueron: "La llama de Nueva Orleans" ("The Flame of New Orleans"-1941), "Sucedió mañana" ("It Happened Tomorrow"-1944) y "Diez negritos" ("And Then There None"-1945).Como digo una muy divertida película. Una comedia que desarrolla una historia de brujería sazonada con toques fantásticos que dan pie a numerosos lances de humor. Su relato es más bien sencillo pero muy ingenioso, puesto que Clair era considerado como un maestro en este tipo de cine, ya que incorpora humor, ironía, picardía y sutilezas dentro de un estilo natural, cálido y próximo, combinando al mismo tiempo melancolía y farsa en un marco alocado e hilarante.

  Muy bien fotografiada en blanco y negro por Ted Tetzlaff, "Encadenados" ("Notorious"-1946) Un oscarizado director fotográfico nacido en Los Angeles que, después de servir en la Segunda Guerra Mundial como comandante se convirtió en director de cine, donde llegó a conseguir un Oscar y a dirigir más de una veintena de películas en la década 1947-57 sobre todo de cine negro clásico. Y en este clásico de los años 40, mostrándo con su estupenda cámara unas fotografías de muchos quilates, la mayoría rodadas en exteriores concretamente en las ciudades de Boston y Salem (lugares donde se desarrolla la trama), esta última muy bien ambientada recreando la época de los años de la masacre.

  Muy amena la musica de Roy Webb, "La mujer pantera" ("Cat People"-1942). Un compositor nacido en Nueva York que antes de trasladarse a Hollywood dirigió una orquesta en Broadway y, una vez en la meca del cine trabajó como director musical para la RKO Pictures, llegando a poner musica a más de doscientas obras. Entre su curriculum cinematográfico se encuentra el haber sido uno de los compositores de la primera película en formato Cinerama, "Esto es Cinerama" ("This Is Cinerama"-1952). Y en esta entretenida y jovial película aportando una partitura alegre y burlona que se compenetra con insertos de composiciones operísticas al mismo tiempo que con canciones tradicionales y patrióticas. Atención al tema "The Battle Cry of Fredom". Una canción escrita por George Frederick Root durante la guerra civil americana.

  Y el mayor acierto del director parisino: su protagonísta femenina, Veronica Lake, "La dalia azul" ("The Blue Dahlia"-1946). Una actriz injustamente olvidada que para mi debería de estar en el Olimpo de todos los aficionados al buen cine. Y aqui metida en el ¿cuerpo? de Jenniffer que tras ser quemada en la hoguera en el siglo XVII lanza una maldición sobre su acusador y a partir de entonces todos sus descendientes serán infelices en sus matrimonios. Y uno de ellos es el extraordinario Fredric March, "La torre de los ambiciosos" ("Executive Suite"-1954) metido en el elegante traje de Wallace Wooley, un candidato a gobernador que se encuentra preparando su boda con su presumida prometida Estella. A la que da vida una jovencísima Susan Hayward, "El jardín del diablo" ("Garden of Evil"-1954). Un papel que aunque secundario llegó a demostrar su gran talento para que un  tiempo después llegase a convertirse en una estrella de la cinematografía universal.

  Pero en esta encantadora comedia de "brujas que haberlas haylas" también andaban por allí otros secundarios de auténtico lujo tales como: Robert Benchley, "Desde aquel beso" ("You’ll Never Get Rich"-1941) como el Dr. Dudley, Cecil Kellaway, "Francisco de Asis" ("Francis of Assis"-1961), en el papel de Daniel, Elizabeth Patterson, "Pal Joey"-1957), en el simpático papel de Margaret.

  Resumiendo: Una muy entretenida película. Y en donde la quimica que derrocha la pareja protagonísta y al igual que sus "ingenuos" pero encantadores efectos especiales hacen de ella una historia de obligado visionado para cualquier cinéfilo.   Notable.

  "Me casé con una bruja" estuvo nominada al Oscar como Mejor Banda Sonora.

  Esta película no hay que confundirla con "Me enamoré de una bruja" ("Bell, Book and Candie"-1958), dirigida por Richard Quine y protagonizada por James Stewart, Kim Novak y Jack Lemmon.

 

 

 

10/06/2014 10:59 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Marcelino, pan y vino -1954

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  Marcelino: ¿qué hacen las madres?

  Cristo: dar, Marcelino, siempre dar.

  M: ¿y qué dan?

  C: dan todo, se dan a si mismas. Dan a sus hijos sus vidas y le dan sus ojos, hasta quedarse viejas y arrugadas.

  M: ¿y feas?

  C: feas no, Marcelino. Las madres nunca son feas.

  Muy bonita película de género dramático-religioso y podría decirse que todo un clásico del cine español.

  "Marcelino, pan y vino" está basada en un cuento de José María Sánchez Silva, "Historias de mi calle"-1954. Un escritor nacido en Madrid y muy famoso por sus obras para el público infantil. Sus primeros pasos fueron como escritor en la revista La Tierra. Durante la Guerra Civil permaneció en la zona republicana y en 1939 comenzó a trabajar como periodísta en el diario Arriba, donde llegó a se subdirector. Junto con José Luis Sáenz de Heredia, fue autor de la película "Franco: ese hombre"-1964, biografía en la que colaboró el mismo dictador con el beneplácito de éste.

  El guión está escrito por el mismo Sánchez Silva ayudado por Ladislao Vajda (también director de la película). Como digo Ladislao Vajda, "Carne horca"-1953 se hizo cargo de la dirección. Un cineasta nacido en Budapest que trabajó en diferentes paises como España, Portugal, Reino Unido e Italia entre otros, fue una pieza clave en el panorama cinematográfico español durante los años 40 y 50, y fue nominado en una ocasión para el Oso de Oro de Berlín y en varias ocasiones para la Palma de Oro. Fue jurado en el Festival de Cannes en 1958. La mayoría de la filmografía de Vajda gozó de un gran favor popular de critica. Y en la actualidad su obra está siendo valorada de nuevo y se le considera como uno de los nombres importantes de la cinematografía europea.

  La historia nos lleva allá al siglo XIX a un pueblecito castellano, y en donde un niño recién nacido es abandonado a las puertas de un convento de frailes franciscanos. Tras bautizarlo, los frailes le ponen por nombre Marcelino y se encargan de su educación. Pasados unos años, el niño es ya el centro de la vida cotidiana del convento. Un dia descubre en el desván una imágen de Cristo crucificado. Marcelino se compadece de ese hombre con los brazos abiertos y le ofrece un pedazo de pan, que el hombre acepta. Mantienen conversaciones y en las semanas siguientes el niño le lleva siempre algo de pan y vino. El niño confiesa el deseo de conocer a su madre, que está en el Cielo y que nunca ha conocido...

  Un bonito cuento, si señor, porque la historia es un cuento, un cuento contado por un fraile que baja al pueblo a visitar a una niña enferma.

  Una película entrañable y creo que difícil de olvidar por todos los españoles, no es una obra maestra, pero si es una película muy intimísta. Una película cuya narración desborda emociones dramáticas aunque sin perder en varias ocasiones cierto carácter humorístico que deviene de las travesuras propias de un niño de cinco años. Cuenta con escenas memorables algunas de ellas cargadas de un gran dramatísmo y otras como digo con un cierto aire de comicidad, pero sobre todo tiernas muy tiernas. Atención a la escena en la cual el niño descubre por primera vez la imágen del Cristo.

  Buena fotografía en blanco y negro creada por Enrique Guerner (Henrich Gartner), "Los últimos de Filipinas"- 1945. Un estupendo director fotográfico nacido en Radautz ciudad del antiguo imperio austro-húngaro. Y cuyos comienzos fueron en la industria del cine alemán en 1915. en 1937 se nstaló en España donde rápidamente se hizo un hueco gracias en parte, a la carencia de técnicos con experiencia en el cine sonoro de nuestro pais. Fue en esa época cuando se nacionalizó español por recomendación expresa de Franco.

  Y en este drama religioso con niño incluido mostrándonos con su soberbia cámara unas imágenes filmadas algunas de ellas con un filtro especial que se asemejan como si de un lienzo se tratara, tal como ya las ofreciera la sublime "Jennie" ("Portrait of Jennie"-1948) de William Dieterle, llenas de grandiosos cielos y unos decorados fielmente retratados y sombras casi físicas, la sombra que proyecta la escalera en realidad está dibujada en el suelo.

  La música corrió a cargo de Pablo Sorozábal, "María, matrícula de Bilbao"-1960. Un compositor nacido en San Sebastián. Comenzó a estudiar Teoría Musical en la Academia de Música de su ciudad natal, para pasar más tarde a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián, cuando solamente contaba 17 años de edad. Años más tarde y para ampliar sus estudios viajó a Alemania. Llegó a ser director de la Orquesta Sinfónica de Madrid. El tema principal "Canción de Marcelino" se publicó en varios paises y ocasiones y cuya canción cantaron en italiano los famosos cantantes Renato Carosone y Gigliola Cinquetti, años más tarde.

  Magnífico Pablito Calvo, "Mi tio Jacinto"-1956 (posiblemente el mejor actor infantil del cine español), dando vida a Marcelino, ese niño que es abandonado a las puertas de un convento franciscano, y deciden hacerse cargo de él, y así crece junto a ellos entre travesuras y el cariño de todos los frailes. Que son ni más ni menos: Rafael Rivelles, "El beso de Judas"-1954, el Padre Superior, Antonio Vico, "La ironía del dinero"-1957, Fray Puerta, Juan Calvo, "Calabuch"-1956, Fray Papilla, Mariano Azaña, "Isidro el labrador"-1964, Fray Malo, Juanjo Menéndez, "Pecados conyugales"-1968, Fray Mudo, Joaquín Roa, "Viridiana"-1961, Fray Talán (a todos los frailes el niño les ponía un apodo). Y muchos más, aunque mención aparte tengo que reseñar a Isabel de Pomés, "Salto a la gloria"-1959, en el papel de la madre de Manuel el amigo "invisible" de Marcelino. Y a dos grandes del cine internacional: José Nieto, "El puente de los suspiros"-1964, metido en el uniforme del  guardia civil y Fernando Rey, "Un marido de ida y vuelta"-1957, en el papel del fraile que baja al pueblo a visitar a una niña enferma.

  Extraordinario el reparto de actores aqui elegidos por el gran Vajda.

  En definitiva: No voy a decir que nos encotramos ante una obra maestra, pero si se trata de una película muy sobresaliente, excelentemente interpretada, dirigida y fotografiada, con un toque expresionísta que le viene muy bien a la historia. Una película religiosa muy dulce y emotiva, que toca sutilmente el tema de la muerte.   Sobresaliente.

  "Marcelino, pan y vino" logró en 1955 el Oso de Plata en el Festival de Berlín. Y Pablito Calvo tuvo una mención especial en el Festival de Cannes ese mismo año.

  Como curiosidad, Pablito Calvo y Ladislao Vajda llegaron a trabajar juntos en las siguientes películas: "Un ángel pasó por Brooklyn"-1957, "Mi tio Jacinto"-1956 y "Marcelino, pan y vino"-1954.

  En 1991 el italiano Luigi Comancini hizo un remake con el niño Nicoló Paolucci y con los españoles Fernando Fernán Gómez como el Padre Superior y Alfredo Landa, Fray Papilla, pero a decir verdad no logró el éxito esperado a pesar de las buenas intenciones de todos.

02/06/2014 18:25 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird-1962)

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  Hijo, hay muchas cosas feas en este mundo. Me gustaría poder evitar que las vivieras, pero no es posible...

  Toda una obra maestra de género dramático judicial y, que parece haber sido rodada en estado de gracia de todo el equipo, tanto técnico como artístico.

  "Matar a un ruiseñor" está basada en la novela homónima de Harper Lee, ganadora del Premio Pulitzer en 1960 y de obligatoria lectura en algunas vivencias noeteamericanas.

  Del guión se hizo cargo Horton Foote, "De ratones y hombres" ("Of Mice and Men"-1992). Un dramaturgo y guionísta norteamericano cuyos comienzos fueron como actor después de estudiar en el Pasadena Playhouse durante un año (1931-32). Cuenta entre sus palmarés con un Premio Pulitzer y dos Oscar, el primero por esta película y el segundo por "Gracias y favores" ("Tender Mercies"-1982).

  La historia nos la cuenta Robert Mulligan, "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961). Un cineasta nacido en Nueva York y, adscrito al movimiento del nuevo cine estadounidense y más concretamente a la llamada "generación de la televisión", junto a Stanley Kramer y Robert Altman entre otros. Sus comienzos fueron como empleado para la cadena de televisión CBS y allí fue donde se forjó. En 1960 dirigió su primera película para la gran pantalla, y se puede decir que la mayoría de sus obras plantean casi siempre una revisión crítica, aunque no exenta de valores éticos y épicos de la historia reciente de su pais.

  La historia pues, es más o menos así: Mulligan nos lleva a un pequeño pueblo de Alabama en la década de los años 30. Allí un abogado defiende en un juicio a un hombre de color acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto él, Atticus Finch, el hombre más respetable de la ciudad. Su compasiva y valiente defensa de un inocente le granjea enemistades, pero le otorga el respeto y la admiración de sus dos hijos, huérfanos de madre...

  Una obra maestra en todos los sentidos, posiblemente la obra cumbre de Robert Mulligan puesto que supo sacar perfectamente la adaptación de la novela sobre la vida en el profundo sur de los Estados Unidos durante la Gran Depresión de 1929, vista a través de los ojos de unos niños. Una película que nos relata la historia inolvidable de un hombre y su empeño por defender la justicia, aún con el riesgo de perder el respeto y la consideración de los vecinos de esa pequeña ciudad del racísta sur norteamericano.

  Cuenta con escenas como es de suponer llenas de gran tensión y emoción, la mayoría desarrolladas durante el juicio. Yo destacaría aquella en donde el acusado de color relata al abogado todo lo ocurrido sobre la violación de la joven blanca, con unos diálogos escalofriantes.

  La película podriamos decir que se divide en dos partes muy opuestas. La primera nos describe por medio de una gran ambientación la cotidiana vida de los vecinos del pueblo sureño, pero aqui como digo dotado de una ambientación como solamente pueden hacerlo los grandes maestros. Donde hay más cine en cinco minutos que en toda la carrera de cientos de "cineastas" actuales. Y en la segunda digamos parte es cuando empiezan a ocurrir sucesos que rompen la calma de ese "tranquilo" pueblo.

  Fascinante la música de Elmer Berstein, "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960). Un extraordinario compositor nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en la Academia Juillard allí empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar del mítico Glenn Miller. Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo jazzistico y el sinfónico, llegando a componer también la música para la National Geographic. Ganó un Oscar por la película "Millie una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967) y estuvo nominado en diez ocasiones.

  Y en esta inolvidable película mostrándonos una de las bandas sonoras con mayor sensibilidad de la historia del cine. El tema principal, que se apunta ya en los maravillosos titulos de crédito con que se inicia la película, nos refleja el mundo infantil a través de cuyos ojos se desarrolla la trama, con música de flautas y un solo de piano. Bellísima de verdad.

  Estupenda la fotografía en blanco y negro creada gracias a la cámara de Russell Harlan, "Rio Bravo"-1959. Un afamado maestro de la fotografía nacido en Los Angeles y en donde sus primeros pasos fueron como actor y especialísta de cine y, a principio de 1930 comenzó como asistente de cámara, hasta que en 1937 hizo su primer largometraje. Estuvo nominado en seis ocasiones. Y en esta imprescindible película haciendo gala de su gran maestría para mostrarnos unas imágenes impecables, todas rodadas en interiores, la mayoría en un plató al aire libre y en donde se reproduce una parte de la localidad natal de la autora de la novela, concretamente en Monroville (Alabama) y otras escenas en los platós de los estudios Universal.

  Pero el plato fuerte de este descomunal banquete cinematográfico está en sus actores con un soberbio y posiblemente en el papel de su vida Gregory Peck, "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), metido hasta el infinito en el personaje de Atticus Finch un sencillo abogado viudo y padre de dos hijos que está dispuesto a defender a un hombre de color acusado injustamente de la violación de una joven blanca del pueblo. Y al mismo tiempo tendrá que hacer frente al racísmo y a los prejuicios de todo ese pueblo y, enseñará a sus hijos el verdadero sentido de la vida y de la justicia. Soberbio Gregory Peck, como digo en el papel de su vida.

  Y en este formidable alegato antirracísta también nos encontramos a Mary  Badham, "Propiedad condenada" ("This Property is Condemned"-1966) como Scout, y a Phillip Alford, "El valle de la violencia" ("Shemandoah"-1965) como Jem, los dos hijos de Atticus. Pero aún hay más en este pequeño pueblo de Alabama tales como: John Megna, "Canción de cuna para un cadáver" ("Hush...Hush, Sweet Charlote"-1964) en el papel de Dill Harris, Brock Peters, "Pánico en el estadio" - ("Two-Minute Warning"-1976) metido en el cuerpo de Tom Robinson el hombre de color acusado de violación, Frank Overton, "La verdadera historia de Jesse James" ("The True Story of Jesse James"-1957) metido en el uniforme del sheriff Heck Tate. Y atención y haciendo aqui su debut cinematográfico a Robert Duvall, "Un dia de furia" ("Falling Down"-1998) en el papel de Boo Radley un discapacitado psiquico pero de un gran corazón.

  En definitiva: Una obra maestra. Todo una maravilla de película, desde su comienzo hasta su desenlace final, y con un pulso narrativo constante que desemboca en momentos imborrables. Cine del bueno y sin apelativos.   Matrícula de Honor.

  "Matar a un ruiseñor" logró tres Oscar en 1962: Mejor Actor (Gregory Peck), Mejor Guión Adaptado (Horton Foote) y Mejor Dirección Artística (Alexander Golitzen, Henry Bumstead y Oliver Emert). Además obtuvo cinco nominaciones.

  Como curiosidad, el apellido Finch significa jilguero. Este era el apellido de soltera de la madre de Harper Lee, autora de la novela, matar a un ruiseñor, significa matar a un ser inocente e indefenso.

    

22/05/2014 11:24 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Muerte en Venecia (Morte a Venezia-1971)

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  De la muerte nadie que volviese de ella podría decir que vale la pena, pues no se tiene vivencia alguna de la muerte. Salimos de las tinieblas y entramos en las tinieblas. Entre esos dos instantes hay muchas experiencias, vivencias, pero no vivimos en el principio ni en el fin, ni en el nacimiento ni la muerte; ninguno de los dos tiene carácter subjetivo; en tanto procesos, caen enteramente en el terreno de lo objetivo. (Thomas Mann)

  Obra maestra de género dramático. Y una adaptación de la obra homónima de Thomas Mann. Un escritor alemán nacido en Lübeck (nacionalizado estadounidense), considerado uno de los escritores europeos más importantes de su generación. Premio Nobel de Literatura en 1929 principalmente por su novela "Los Buddenbrook".

  "Muerte en Venecia" cuenta con un guión de Nicola Badalucco, "La caida de los dioses" ("La caduta degil dei"-1969). Un escritor nacido en Milán, graduado en la Universidad de Palermo, y cuyos comienzos fueron como periodísta para más tarde hacerse critico de cine. Y en 1969 comenzó su carrera como escritor, trabajando con directores italianos como: Mauro Bolognini, Giuliano Montaldo, Damiano Damiani y Luchino Visconti.

  Y es precisamente Luchino Visconti (que también colaboró en el guión), "El gatopardo" (Il gattopardo"-1963), el encargado de dirigir esta sublime obra. Un cineasta también nacido en Milán y uno de los cineastas más reconocidos a nivel internacional. Desde muy joven se vinculó en la ópera (convirtiéndose en una de sus pasiones), pero en 1935 al trasladarse a Paris y gracias a Coco Chanel y al realizador Jean Renoir se metió de lleno en el cine, aunque sin dejar en ningún momento la ópera donde llegó a trabajar en la Scala de Milán, la Ópera de Paris y en el Covent Garden de Londres.

  La historia nos lleva a principios del siglo XX y nos mete de lleno en la vida de un compositor alemán de delicada salud y cuya última obra acaba de fracasar, llega a la ciudad de Venecia a pasar el verano. Allí en la ciudad de los canales se sentirá profundamente atraido por un joven y angelical adolescente, sentimiento que le irá consumiendo mientras la decadencia también alcanza a la ciudad en forma de epidemia...

  Una obra maestra del gran Visconti, si señor. Una película en la que el director milanés nos muestra de manera magistral los últimos dias en Venecia de un compositor y su búsqueda incansable de la belleza (en este caso a través de la figura de un adolescente). Y es que de verdad pocas veces en la historia del cine, una historia logra una unión tan perfecta entre música, fotografía, ambientación y sentido literario. Es para mi probablemente una de las pocas películas que hacen honor al libro.

  Cuenta con escenas bellísimas destilando en cada uno de sus planos una fuerza enormemente poética y con una puesta en escena brillante y barroca.

  Bellísimas escenas salidas gracias a la cámara de Pasqualino de Santis, "Crónica de una muerte anunciada" ("Cronaca di una morte anunciata"-1987). Un director de fotografía y operador de cámara nacido en Fondos (Italia), de joven asistió al Centro Experimental de Cinematografía en Roma y, en 1950 debutó en el cine como asistente de cámara. Cuenta entre sus palmarés con un Oscar por la película "Romeo y Julieta" ("Romeo and Juliet"-1968. Y en esta obra de arte del cine italiano mostrándonos con un ritmo lento, pausado, calmado, reposado como el romper de las olas en la orilla o el del agua que transita los canales de Venecia. Unas fotografías llenas de una fuerza poética que destilan en cada uno de sus planos, unos planos que no han perdido nada de su fuerza visual con el paso de los años.

  Imágenes de verdad suntuosas y de gran belleza plástica rodadas en escenarios naturales de la ciudad de Venecia (Plaza de San Marcos, Teatro la Fenice, Palacio Ducal, Lido...), en Bolzano y los Dolomitas, y los interiores en los Estudios Cinecitta de Roma.

  Maravillosa la musica de Gustav Mahler. Un compositor nacido en Bohemia (República Checa) 1860-1911. Y considerado uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera en las primeras décadas del siglo XX. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878 se hizo cargo como director de varias orquestas de ópera europeas. De entre sus obras cabe destacar sus nueve sinfonias terminadas (diez si se incluyen los bosquejos de la "Décima"), y varios ciclos de canciones o lieder, donde sus principales canciones son: "Lieder eines fahrenden Gesellen" ("Canciones de un compañero de viaje"). Y en esta hermosa y delicada historia, Visconti se jugó una gran baza en la banda sonora sumando cortes de la 3ª y 5ª sinfonia, además añadiendo fragmentos de la opereta "La viuda alegre" de Franz Lehár, de una canción popular napolitana ("La risita"), de "Canción de cuna" de Modest Petrovich Musorgski y de la composición para piano "Para Elisa" de Bethoven.

  Una música de verdad que deja de ser reducto de los melómanos más exquisitos, y pasa a ser patrimonio de la humanidad, gracias al aristocrático Luchino Visconti.

  Soberbio Dirk Bogarde, "A las nueve de cada noche" ("Our Mother’s House"-1967) metido en el atormentado cuerpo de Gustav Von Aschenbach, un prestigioso compositor que llega a Venecia para descansar e intentar rehacerse de la crisis personal y artística en que se halla sumido. Bellísima (como siempre) Silvana Mangano, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949) como la madre de Tadzio, papel interpretado por Björn Andresen, "Pelikaanimies"-2004), un adolescente de belleza turbadora y ambigua, y en el que el compositor se siente inmediatamente atraido.

  Y con ellos Marisa Berenson, "Barry Lyndon"-1975, Mark Burns, "Atraco a falda armada" ("Bullseye!"-1990), Romolo Valli, "El jardín de los Finzi Contini" ("Il giardino de los Finzi-Contini"-1971).

  Resumiendo: Una obra cumbre del arte cinematográfico. Una película que va mucho más allá de disfrutar. Y la grandiosa música de Mahler hace el resto.   Matrícula de Honor.

  "Muerte en Venecia" estuvo nominada al Oscar al Mejor vestuario (Piero Tosti).

  Como curiosidad: Björn Andresen era un desconocido, fue elegido tras un largo proceso de audiciones que se registraron en el documental "Alla ricerca di Tadzio" ("A la búsqueda de Tadzio"-1970).

  "Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a seducirla o morir."

 

 

12/05/2014 10:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Máscara (Mask-1985)

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  "La verdadera Belleza o Fealdad de una persona, se observa en su Corazón."

  Excelente película de género dramático basada en un hecho real, y puesta en escena gracias a un guión de Anna Hamilton Phelan, "Gorilas en la niebla" ("Gorillas in the Mist"-1988). Y dirigida por Peter Bogdanovich, "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Un hombre nacido en Nueva York, que además de ser director es critico cinematográfico que entrevistó a docenas de directores, incluido Orson Welles, que después de la muerte del genio apareció al fin un grueso tomo sobre su obra, "The is Orson Welles" ("Ciudadano Welles"), construido durante muchos años de diálogos con el director americano, y corregido por este.

  La historia nos mete en la vida de un chico que sufre una grave enfermedad que le ha producido una terrible deformación en el cráneo, lo que le da un aspecto monstruoso. A pesar de ello, es un joven muy inteligente y cariñoso...

  Muy buena película de género dramático, si señor. Una película que a priori puede parecer una historia mas basada en hechos reales, pero no es cierto. Es una película que tiene su fuerza en las discriminaciones que recibe una persona y la manera en las que los repele, con furia, pero con mucha inteligencia sobre todo. Y en donde el director neoyorkino nos muestra esa escoria humana como es el odio, la ignorancia y por encima de todo una discriminación sin razón alguna. Pero también nos muestra las bondades mas puras, como el amor, la perseverancia y la razón de ser, todo verdaderamente narrado de una forma totalmente real.

  Hermosa película de verdad, en todos los sentidos, mostrándonos la triste verdad de hoy en dia. Cuenta como es de esperar con magníficas escenas, la mayoria muy tristes, pero hay una de la cual tengo que destacar, es la de los espejos en la atracción de feria, cuando el chico se mira en uno de ellos y ve un rostro más humano y normal...

  Formidable la fotografía en color dirigida por Laszlo Kovacs, "Mis dobles, mi mujer y yo" ("Multiplicity"-1996). Un influyente camarógrafo nacido en Hungria con más de sesenta películas en su haber. Y en el año 2002 recibió el premio a la trayectoria de la Asociación estadounidense "American Society of Cinematographers". Y en este excelente drama basado en hechos reales mostrándonos unas imágenes impagables gracias también a los efectos de maquillaje creados por Michael Westmore, "Rocky V"-1990, y Zoltan Elek, "Independence Day"-1996. Y sobresaliendose también en los exteriores rodados intrgramente en la ciudad californiana de Azusa.

  Inmejorable la banda sonora compuesta por Dennis Ricotta, "El carnaval de las tinieblas" ("Something Wicked This Way Comes"-1983). Un compositor de ascendencia italiana, con muy pocas películas en su historial puesto que casi todo su trabajo lo hizo para la televisión, contando con series muy exitosas sobre toto en los Estados Unidos, como por ejemplo: "Simon & Simon"-1981-1995. Y aquí deleitándonos con temas del musico de rock y compositor nacido en Michigan, Bob Seger. Se iban a haber utilizado temas de Bruce Springsten para la banda sonora, pero por un desacuerdo final, las canciones fueron quitadas y sustituidas por temas del mencionado Seger.

  Fenomenal el reparto de actores elegidos por Bogdanovich, con una Cher, "Hechizo de luna" ("Monstruck"-1987) posiblemente en el mejor papel de  su carrera, dando vida a Florence Dennis la madre de ese joven que sufre una grave enfermedad. Una madre que lo proteje en exceso. Una mujer con un estilo de vida muy poco convencional, pero que está dispuesta a conseguir por todos los medios que su hijo tenga las mismas oportunidades que cualquier otra persona normal y corriente.

  Y junto a la gran Cher, Sam Elliot, "Cuando eramos soldados" ("We Were Soldiers"-2002) en el papel de Gar el compañero motorista de Florence.Y que decir del joven Eric Stottz, "El efecto mariposa" ("The Butterfly Effect"-2004), metido en cuerpo y alma en el personaje de Rocky, un chico con los típicos baches de la adolescencia, pero además, tiene un problema añadido: sufre una terrible enfermedad que ha desfigurado su cara. Pero en "Máscara"también podemos ver a Richard Dysart, "El jinete pálido" ("Pale Rider"-1985), Laura Dern, "Yo soy Sam" ("I Am Sam"-2001). Y hasta al fordiano Harry Carey Jr. "Centauros del desierto" ("The Seachers"-1956). Y atención y en un pequeño papel nos encontramos también a Nick Cassavetes, efectivamente el que más tarde realizaría la bellísima "El diario de Noa" ("The Notebook"-2004).

  En definitiva: Una película que nos abre el corazón y nos hace sentir empatía. Con un final muy triste a la vez que muy emotivo. Una película inolvidable.   Sobresaliente.

  "Máscara" logró el Oscar al Mejor Maquillaje (Michael Westmore y Zoltan Elek).

  Como anécdota: la película como he dicho está basada en hechos reales concretamente en la historia real de Roy L. "Rocky" Dennss, un niño con una rara enfermedad conocida como lionitis. Su madre donó su cuerpo al centro médico de UCLA para que cu caso fuera estudiado.

 

01/05/2014 09:38 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Mejor imposible (As Good as It Gets -1997)

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                              (Melvin)

  Puede que yo sea la única persona sobre la faz de la tierra que sepa que eres la mujer más fantástica de la tierra. Puede que yo sea el único que aprecie lo asombrosa que eres en cada una de las cosas que haces y en cómo eres con Spencer... Spens, y en cada uno de los pensamientos que tienes y en cómo dices lo que quieres decir y en cómo casi siempre quieres decir algo que tiene que ver con ser sincero y bueno. Y creo que la mayoría de la gente se pierde eso de ti, y yo les observo preguntándome cómo pueden verte traerles su comida y limpiar sus mesas y no captar que acaban de conocer a la mujer más maravillosa que existe.

  y el hecho de que yo si lo capté me hace sentir bien conmigo mismo.

  Magnífica pelicula de género de comedia basada en una historia del galardonado Marc Andrus, "La casa de mi vida" ("Life as a House"-2001). Un guionísta nacido en Los Angeles graduado en la Universidad de California. Tiempo después marchó a Nueva York y fue allí donde se le ocurrió escribir el guión de esta película que de principio serían Kevin Kline, Ralph Fiennes y Holly Hunter el trio protagonísta de la historia. Pero fue James L. Brooks, que al colaborar con Andrus, dió un pequeño giro a la película con respecto al trio protagonísta, ya que también se hizo cargo de la dirección.

  James L. Brooks, "Aprendiendo a vivir" ("I’ll Do Anything"-1994). Un cineasta nacido en Nueva Jersey y, mundialmente conocido por su trabajo en la serie de animación "Los Simpson". Un hombre que comenzó sus trabajos en televisión comomo aprendiz en el noticiero de la CBS. Y en 1969 realizó la serie televisiva "Room 222", hasta que en 1983 se pasó a la gran pantalla con la exitosa "La fuerza del cariño" ("Terms of Endearment").

  La historia nos mete en la vida de un escritor de novelas románticas que vive solo en Nueva York. Un hombre que padece trastorno obsesivo-compulsivo, algo que lo hace intratable para el resto de la sociedad. Solamente hay una persona con él en su dia a dia: una camarera. Pero un buen dia un vecino gay le pide que cuide a su perro, desde ese momento su vida empezará a cambiar...

  Excelente película, si señor. Una película que combina perfectamente. Una comedia muy sana con momentos de realidad. No es digamos una superproducción, es una película sencilla pero como digo muy efectiva, puesto que el director gracias a su talento nos cuenta una muy bonita historia, haciéndonos de deleitarnos en cada pequeño detalle, gracias también a su elenco espledoroso.

  Cuenta con estupendas escenas, la mayoría de ellas sumamente divertidas consiguiendo arrancarnos una buenas carcajadas, sobretodo cuando el personaje masculino principal está en pantalla. Y con unos diálogos sin desperdicio alguno: "Perdón, olvidé prtesentaros: Carol la camarera, Simón el marica"...

  Personaje interpretado por el genial Jack Nicholson, "El resplandor" ("The Shining"-1980). Un actor capaz de transmitir cualquier sensación al espectador con un simple arqueo de cejas. Y en esta divertidísima comedia metido en el fabuloso personaje (mejor imposible) de Melvin Udall, un tipo obsesivo y maniático. Un hombre que es uno de los seres más desagradables y desagradecidos que una persona pueda tener por vecino. Y dándole buena réplica helen Hunt, "Náufrago" ("Cast Away"-2000), como Carol Connelly, una camarera y madre soltera a quien lo atiende dia tras dia en el restaurante donde suele almorzar. Y formando el magistral trio interpretativo, Greg Kinnear, "Cuando eramos soldados" ("We Were Soldiers"-2002), en el papel de Simon Bishop, su vecino, un prometedor artista plástico gay, que sufre constantemente su homofobia.

Pero en esta imprescindible y deliciosa comedia también nos encontramos a Cuba Goodning Jr. que ya venía con su Oscar bajo el brazo por su película "Jerry Maguire"-1996), y aqui metido en el personaje de Frank Sachs como el amigo y agente de Simon. Y la veterana Shirley Knight, "Llueve sobre nuestro corazón" ("the Rain People"-1969) en el papel de Beverly Connelly, la madre de Carol. Y atención que también tiene mucho que decir (o de ladrar mejor dicho).

  Estupenda la fotografía en color a cargo de John Bailey, "El turista accidental" ("The Accidental Tourist"-1988). Un director de fotografía nacido en Missouri y, en donde consiguió una trayectoria artística destacada, desde que fuera alumno de la Graduate School of Cinema de la Universidad de California. Y fue allí donde despertó su interés tanto por la dirección fotográfica como por la de actores. Es un hombre que suele dar gran importancia a la composición y al encuadre. Y en esta entrañable historia mostrándonos unas imágenes sensacionales y espléndidas de la ciudad de Nueva York, haciendo de calar al público por su estética y armoniosa decoración en los fotogramas de interiores.

  Muy buena la banda sonora. Muy emotiva y conmovedora a cargo del maestro nacido en Alemania,  Hans Zimmer, "El rey Arturo" ("King Arthur"-2004). Un galardonado compositor, pionero en la integración de musica electrónica y arreglos orquestales tradicionales. En la actualuidad es considerado como uno de los compositores mas sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la critica como "el omnipresente Zimmer" por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador de algunos de sus múltiples discípulos. Y en esta inolvidable comedia deleitándono nuestro sentido del oido con sus sonidos melódicos y sugerentes que resultan hermosos y acertados en su acompañamiento de la acción. Genial Zimmer, si señor.

  Resumiendo: No se trata de una obra maestra (aunque muy poquito le falta). Pero si es una joya de película, cuya historia trata con gran sinceridad y acierto el dificil tema de las relacciones humanas entre personas que aparentemente no tienen nada o casi nada en común  Sobresaliente.

  "Mejor imposible" logró dos Oscar en 1997: Mejor Actor (Jack Nicholson) y Mejor Actriz (Helen Hunt). Y estuvo nominada en los siguientes apartados: Película, Actor secundario (Greg Kinnear), Guión original, Banda sonora (comedia) y Montaje (el año 1997 fue el año de "Titanic").

  Como curiosidad: Jack Nicholson toca en el piano "A Iways look on the bright of life", famosa canción que los Monty Python interpretaron en "La vida de Brian" ("The Life of Brian"-1979).

 

 

 

 

20/04/2014 19:49 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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