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Hasta siempre!!!

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                 Rhonda Fleming

                "Reina del Technicolor"

  El pasado dia 14 falleció a la edad de 97 años la mitica actriz estadounidense Rhonda Fleming. Ese mismo dia su secretaria particular lo confirmaba a la revista "Variety" la muerte de la actriz, acontecido en la ciudad californiana de Santa Mónica. Tenia 97 años y vivió su momento de esplendor en la década de los 50, cuando se convirtió en una de las "reinas del "Technicolor" junto a Maria Montez, Mauren O’Hara e Yvonne de Carlo.

  La melena pelirroja, una de sus películas se titulaba precisamente "La pelirroja y el vaquero" ("The Redhead and the Cowboy"-1951) junto a Glenn Ford, y sus intensos ojos verdes configuraron un ideal de exuberante belleza femenina muy acorde a aquellos tiempos glamourosos en el que el Technicolor y otros sistemas como el Color de Luxe de la Fox y el Warner Color, ganaron la batalla, provisionalmente, al cine en blanco y negro.

  Rhonda Fleming tenia sin duda menos presencia, talento y pedigrí que otros ilustres iconos de Hollywood que nos han dejado en este 2020, como Olivia de Havilland y Kirk Douglas, pero es una de esas actrices que define a la perfección toda una era del cine estadounidense combinando muy bien los titulos escapistas con algunas películas capitales del cine negro.

  Rhonda Fleming no tuvo una vida personal precisamente discreta, ya que pasó por el altar en seis ocasiones, y su filmografía ronda los 70 titulos entre largometrajes para el cine y unos cuantos episodios de series de televisión de diversa índole, de "Caravana" ("Wagon Train"-1957) a "Kung Fu"-1972 pasando por "El virginiano" ("The Virginian"-1962), "McMillan y esposa" ("McMillan & Wife"-1971) y "La mujer policia" ("Police Woman"-1974). Como otras tantas actrices y actores del viejo Hollywood,no se salvó de dedicar el otoño de su carrera a la televisión, el gran refugio profesional que acogió por igual a quien habia sido estrella como a presencias mas secundarias.

  En su cine en Technicolor destacan algunas películas como "Ligeramente escarlata" ("Slightly Scarlet"-1956), una película de serie B del prolífico Allan Dwan rodada en color y Cinemascope (en contra de la normativa del cine negro de entonces) que adapta una novela de James M. Cain. También fue buena actriz del cine del Oeste como:"El triunfo de Bufalo Bill" ("Pony Express"-1953), "El jugador" ("Tennessee’s Partner"-1955) del mismo Allan Dwan, "Alias Jesse James"-1959, un western cómico al estilo de Bob Hope y, sobre todo, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957), de John Sturges con Burt Lancaster y Kirk Douglas el primero como Wyatt Earp y el srgundo como "Doc" Holiday respectivamente.

  Hizo por supuesto varias películas de aventuras, el otro género del Technicolor de los años 50, como "Hong Kong"-1952, "Tropic Zone"-1953 en ambas formando pareja con Ronald Reagan, "Jivaro"-1954 un exotísmo amazónico junto a Fernando Lamas y el relato de piratas "El halcón dorado" ("TheGolden Hawk"-1952), y fue una cobriza Cleopatra en "La serpiente del Nilo" ("Serpent of the Nile"-1953), una película de bajo presupuesto del incombustible William Castle, rodada en los decorados que unas semanas antes Rita Hayworth habia encarnado a Salomé en la película homónima.

  Y en tiempos de coproduciones con Italia, protagonizó igualmente varios "péplums", a los que su registro y presencia se adaptaba como pez en el agua. "Semíramis esclava y reina" ("La cortigiana de Babilonia"-1954) y "La rebelion de los esclavos" ("La rivotta degli schiavi"- 1960). Tampoco faltó a la cita con el rudimentario 3-D de la época con "Infierno"-1953 con Robert Ryan, una historia de supervivencia en relieve y en pleno desierto.

  Todas las películas citadas fueron filmadas en color. Pero pese a su fotogenia cobriza, también brilló antes y después de convertirse en reina del Technicolor en películas en blanco y negro como "Recuerda" ("Spellbound"-1945), "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945), "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947), "Mientras Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) y "El asesino anda suelto" ("The Killer is Loose"-1956), un repóquer en clave "noir" o de intriga sicológica dirigido por Alfred Hitchcock, Robert Siodmak, Jacques Tourner, Fritz Lang y Budd Boeticher, respectivamente, donde supo ser por igual mujer fatal y victima de las circunstancias.

  Participó en "The Buster Keaton Story"-1957 en el papel de una estrella del cine mudo de la que se enamora Keaton y que finalmente se casa con un noble europeo. Se interpretó a si misma en "Jerry Calamidad" ("The Patsy"-1964), de Jerry Lewis, y tuvo uno de sus últimos papeles en el disparatado agente 86" ("The Nude Bomb"-1980), discreta película de la popular serie televisiva "Superagente 86" ("Get Smart"-1965).

  Marilyn Louis (Rhonda Fleming) Los Angeles (Estados Unidos) - 10 - agosto-1923 - Santa Mónica (Estados Unidos) - 14 - octubre - 2020

                            ¡DESCANSE EN PAZ!

 

20/10/2020 09:48 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Roma, ciudad abierta (Roma cittá aperta - 1945)

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            No es dificil morir bien.

            Lo dificil es vivir bien.

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género bélico-dramático llevada al cine de una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio. El primero fue un productor y guionísta nacido en Roma. Comenzó su carrera como cineasta adaptando la vida de personajes históricos con películas en el periodo inmediatamente anterior a la 2ª Guerra Mundial. Tras la guerra, el advenimiento neorrealísta le acercó a personajes como Roberto Rossellini y Vittorio De Sica, con quienes colaboró en el guión de algunas de las principales películas de la época. También trabajó como productor. En 1949 fundó la productora Colonna Film en Roma. Estuvo nominado cuatro veces al Oscar.

  El segundo fue un escritor nacido en Nápoles. Comenzó en el cine en 1940 poniendo el guión a peliculas como "Lluvia de millones" ("Fortuna"-1940) donde aparecian actores españoles entre ellos Luis Prendes "La hora incógnita"-1964. Su último trabajo en el cine fue con "Il capitano nero"-1951 protagonizada por Steve Barclay y Marisa Merlini.

  Del guión se hicieron cargo el propio Amidei; Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini. Ganador de cuatro Oscar. A lo largo de su carrera dio vida a personajes y escenas que se han incorporado al imaginario colectivo cinematográfico. Más allá de los aportes estéticos de su obra en general, y esos personajes y ambientes externos a los que se han etiquetados como "fellineicos", una de sus películas "La Dolce Vita"-1960, tiene un impacto palpable y duradero en la cultura internacional al dar nombre a la figura de los paparazzi,esto basado en el nombre de uno de sus protagonístas, Paparazzo.

  El tercer guionísta y también director de la película fue Roberto Rossellini. Un cineasta nacido en Roma y uno de los más influyentes y controvertidos. Aunque a menudo se le considera una de las figuras claves del movimiento neorrealísta italiano,en realidad su carrera empezó bajo los auspicios del dictador Benito Mussolini. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió tres películas altamente propagandísticas: "La nave blanca" ("The white Ship"-1942), "Un piloto regresa" ("A Pilot Returns"-1942) y "El hombre de la cruz" ("The Man with the Cross-1943).

  No obstante, Rossellini alcanzó fama internacional con su aclamada triologia de guerra, una serie de películas que siguen el avance de las tropas aliadas desde Roma hasta Berlin, como crónicas del devastador impacto de la 2ª Guerra Mundial sobre la población civil y militar.

  La primera, "Roma,ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), considerada una obra maestra, se rodó principalmente en la ciudad de Roma con escasos recursos materiales, utilizando frecuentemente la luz natural. Estas condiciones unidas a una interpretación naturalista y al uso de expresiones coloquiales, dieron a la película un carácter profundamente documental.

  Las otras dos películas de la triología: "Paisá"-1946 y "Alemania año cero" ("Germany Year Zero"-1948), estaban más relacionadas con la estética neorrealísta de sus contemporáneos. Sin embargo los teóricos marxistas empezaron a distanciarse de Rossellini a partir de "Stromboli, tierra de Dios" ("Stromboli"-1950), la primera colaboración artística del director con la que luego seria su segunda esposa la actriz Ingrid Bergman.

  A pesar de la contraversia y de las fuertes criticas que rodearon sus películas, Rossellini seguia siendo un director prolífico e influyente. Algunas películas como "Europa 51"-1952 y "Te querré siempre" ("Voyage in Italy"-1954), ejercieron una profunda influencia en los criticos y directores de la nouvelle vague francesa como Jean-Luc Godard y en otros grande directores desde Federico Fellini hasta Martin Scorsese.

  Durante un periodo marcado por sus duficultades artisticas, asi como su divorcio con Ingrid Bergman, Rossellini rodó en la India una serie de documentales para la televisión. Posteriormente, cada vez se implicó más en las producciones televisivas. Cuando murió en 1977 había dirigido más de 50 películas.

  La acción pues, tiene lugar en Roma durante la ocupación  nazi en la ciudad entre el 8-IX-1943 y el 4-VI-1944. Y nos cuenta la historia de resistencia y la lucha de Guiseppina "Pina", una viuda temperamental, madre de un niño de 8 años. Su historia se cruza con la del partisano comunista Giorgio Manfredi, miembro de la Junta Superior de la Resistencia romana; la del cura Pietro Pellegrini rector de San Clemente, parroquia de la barriada, que asiste a partisanos y desertores alemanes; y la de Francesco, tipógrafo de una publicación clandestina, amante y novio de Pina. Aunque a decir verdad el verdadero protagonista de esta historia es el pueblo de Roma, representado por Pina, Giorgio, don Pietro, Francesco, Marcello, el sacristán, el brigada, los vecinos de Via Casitana, los niños, el niño cojo y todos los que sufren y luchan por la libertad...

  La película suma drama y guerra (2ª Guerra Mundial). Los personajes principales son imaginarios, aunque algunos están inspirados en personas reales. Pina es Teresa Gullace, que estando embarazada murió en manos de los nazis. Giorgio en la figura del jefe partisano Celeste Nergavile. Don Pietro, el cura Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis, a causa de su colaboración con la resistencia. Roma tras ser declarada ciudad abierta y desmilitarizada, fue ocupada por las fuerzas del ejército nazi y permaneció sometida durante 9 meses, hasta su liberación.

  La narración es espontánea, natural y sin artificios. Se filman personas reales en escenas conocidas. Participan actores profesionales (los principales) y no profesionales (vecinos, niños...). El relato destila sincerdad, verísmo y autenticidad. Rompe muchas de las convinciones narrativas al uso hasta entonces e impone cambios relevantes en la manera de mirar, explicar y narrar. A esta nueva manera de hacer cine la critica le llamará "neorrealísmo italiano".

  Para Rossellini, el neorrealìsmo más que una posición estética, es actitud ética: la del que quiere explicar con sinceridad y objetividad el sufrimiento del mundo. Su realísmo se apoya en la naturalidad del relato, que no incluye juicios morales de condena, en no suscitar odio, sino compasión y lástima por los torturadores, y en la reducción del dolor humano a niveles soportables para el espectador. La película logra una reconstrucción emocionante y creible de las atmósferas de opresión, abusos, impunidad, torturas, muerte y lucha, que se vivieron entonces.

  La película también exalta la solidaridad ciudadana, la fortaleza, la capacidad de resistencia y, sobre todo, la lucha por la dignidad y libertad. Formula, un homenaje a los héroes anónimos, la vida, la esperanza en las personas y en el futuro. Rechaza el racismo, la ideología nazi, las prácticas inhumanas, la violación de los derechos humanos, el consumo de drogas. Propone la tolerancia entre ideologías distintas y la colaboración entre ellas al servicio del bien común.

  La banda sonora fue obra de Renzo Rossellini. Un compositor, guionista y director nacido en Roma y hermano de Roberto. Estudió en Roma y se inició en el terreno de la ópera con cierta influencia de los posveristas Ottorino Respighi y Ricardo Zandonci. Entre sus obras destacan: "La guerra (1956), "Il vortice" (1958) y "Uno sguardo dal ponte"(1961). En 1970 estrenó en el Teatro Nacional de la Ópera de Paris "L’Annonce faite á Marie", sobre un drama de Paul Claudel. Compuso varias bandas sonoras para películas de su hermano: "Roma, ciudad abierta" ("Roma, cittá aperta"-1945), "Paisa"-1946, "Alemania año cero" ("Germania anno zero"-1948) y "Francisco, juglar de Dios" ("Francesco, giullare di Dio"-1950).

  Y en esta historia plastificada en el tiempo, ofreciendo una inquietante partitura original de orquesta de metal, incluye 4 cortes de viento: el "Tema principal" (melodia de trompetas chillonas e insistentes bajos de tuba), el "Tema final" (sombrio, fúnebre y  desolador), el "Tema de la muerte" (breve descripción de la muerte por paro cardiaco) y el "Tema de la liberación" (esperanza combinada con alegria y dolor). Añade 2 fragmentos de música para piano, de Schubert, y pasajes de acompañamiento de música cubana, angloamericana y de jazz.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Ubaldo Arata. Un director de fotografía nacido en Ovada (Italia). Trabajó en más de un centenar de películas entre 1918 y su muerte en 1947. Ingresó en el cine en la época del cine mudo y trabajó prolificamente durante la década de 1920. Trabajó en la primera película sonora del cine italiano "La canción del amor" ("La canzone dell’ amore"-1930). Hasta la caida del fascismo, fue uno de los principales directores de fotografia italianos trabajando en películas de propaganda como: "Escipión el africano" ("Scipione l’ africano"-1937) y "De una misma sangre" ("Luciano Serra pilota"-1938). También trabajó en varias co-producciones con Gran Bretaña y Estados Unidos.

  Y en esta historia tremendamente dramática dandola un formato documentalísta que se ajusta a los parámetros de un cautivador, crudo y acerado realismo. Son escenas memorables la de Pina embarazada corriendo entre ráfagas de fusiles ametralladores, el asalto a la panaderia que acapara viveres, la tortura de Giorgio hasta que su rostro parece el de Cristo de la Pasión, los niños viendo la ejecución pública de un ciudadano, el despliegue de las fuerzas nazis para la detención de unos pocos sospechosos de colaborar con la Resistencia...

  Extraordinarios todos los actores encabezados por una maravillosa Anna Magnani, "El secreto de Santa Vittoria" ("The Secret of Santa Vittoria"-1969) dando vida a Pina. Y por un soberbio Aldo Fabrizi, "El ángel vestido de rojo" ("The Angel Wore Red"-1960) como Don Pietro. Y seguidos por Marcello Pagliero, "Paisá"-1946 como Giorgio; Francesco Grandjacquet, "El asesino" ("L’assassino"-1961) como Francesco; Giovanna Galletti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Ingrid; Maria Michi, "Salón Kitty"-1976 como Marina. Y sin olvidar a Vito Annichiarico, "Mañana será tarde" ("Domani é troppo tardi"-1950) como el pequeño Marcello.

  En definitiva: Pelicula de culto, considerada por algunos como esencial dentro de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Roma, ciudad abierta" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión. Y logró el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes.

  Como curiosidad: Roberto Rossellini usó prisioneros  de guerra alemanes como extras para añadirle un toque más realista a la película.

 

 

 

 


10/10/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace - 1944)

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  ¿Quereis decirme como murió?

  Oh, Mortimer no seas tan preguntón. Ese caballero murió porque bebió un vaso de vino que tenia veneno.

  ¿Y cómo tenia veneno en el vaso?

  Se lo pusimos en el vino porque se nota menos.

  En el té tiene un sabor muy especial...

  Obra maestra de género de comedia negra basada en la obra teatral de Joseph Kesselring. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Pasó la mayor parte de su vida en el teatro y sus alrededores. Después de dejar los estudios se incorporó a un grupo tearal amateur. Comenzó a trabajar como  dramaturgo independiente en 1933 su primer trabajo fue "Hay sabiduria en las mujeres". Pero se dió a conocer mundialmente por escribir "Arsénico por compasión", que fue un éxito en Broadway de 1939 a 1944 y también en otros paises.

  Del guión se hicieron cargo los hermanos gemelos Julius y Phillip Epstein. Nacieron en Nueva York y mundialmente conocidos por haber sido los guionístas de la mitica "Casablanca"-1942. Se graduaron en Artes y Letras y más tarde marcharon a Hollywood para trabajar en el cine en donde lograron grandes éxitos. Ambos trabajaron siempre juntos en los guiones. Pero Phillip falleció prematuramente de cáncer a los 42 años de edad. A partir de ahí Julius comenzó a trabajar en solitario.

  "Arsénico por compasión" está dirigida por Frank Capra. Un cineasta nacido en Sicilia (Italia). En una época en la que Hollywood apenas miraba fuera de sus estudios, Frank Capra creó una combinación única de reflexión social y comedia slapstick. Sus creaciones, populistas y humanistas, constructivas, rápidas y divertidas, figuran entre las películas más memorables de Hollywood, atesoradas con nostalgia y vueltas a ver de manera ritual, como auténticos clásicos de culto.

  Entre 1915 y 1926, Capra fue ascendiendo de extra a director de películas como "El hombre avión" (The Strong Man"-1926), "Sus primeros pantalones" ("Long Pants"-1927) y "Los tres papás" ("For the Love  of Mike"-1927), que le valieron un contrato con la Columbia Pictures. Hizo una transición impecable al sonoro con "Mujeres ligeras" ("Ladies of Leisure-1930) y "La mujer milagro" ("The Miracle Woman"-1931) y la productora le fue dando cada vez más libertad, que aprovechó para saltar de una escena a otra sin fundidos, mostrándose asi como un director maduro y experimentado.

  "La locura del dólar" ("American Madness"-1932) introdujo el tema favorito de Capra, la lucha de un individuo corriente contra una rigida empresa, en la que está en juego nada menos que el "sueño americano". Durante esta década realizó una serie de obras maestras. En "Sucedió una noche" ("It Happened One Night"-1934) resaltó los problemas de la Gran Depresión con un ritmo rápido que inició el género de la comedia screwall.

  Esta combinación de comedia loca y preocupación por los problemas sociales le valió su primer reconocimiento de la Academia al ganar los Oscar a la mejor película y mejor director. En "El secreto de vivir" ("Mr. Deeds Goes to Town"-1936), Capra se basó en el ¿que habría pasado si...?, para explorar temas similares, ganando su segundo Oscar. Comenzó a conocérsele por su desenfrenado optimísmo ante las dificultades.

  Donde mejor se aprecia este enfoque es en dos películas con Jean Arthur y James Stewart, la bella y cordial "Vive como quieras" ("You Can’t Toke It With You"-1938), que ganó una vez más los Oscar a la mejor película y director y "Caballero sin espada" ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939). "Juan Nadie" ("Meet John Doe"-1941), es tal vez la reflexión política más directa de Capra, que denuncia las mentiras y el cinismo de la prensa hasta que la acción popular conjunta desenmascara su maldad. Durante la 2ª Guerra Mundial dirigió una unidad de propaganda y realizó "The Battle of Britain"-1943), de la serie "Porqué luchamos" valioso documento histórico.

  Después  de dejar la Columbia, la siguiente película de Capra fue "Arsenico por compasión" ("Arsenic and Old Lace"-1944), fue menos característica, una comedia serewball disparatada y satírica que fue un tremendo éxito tanto de critica como de público. Y para compensar este gran éxito, Capra volvió a su característico idealísmo con "¡Qué bello es vivir!" (It’s a Wonderful Life"-1946), una conmovedora parábola de solidaridad y reconocimiento social dedicada a las piedras angulares del sueño americano, la familia, la amistad y la solidaridad. Pronto se convirtió en la película favorita de la Navidad en Estados Unidos.

  Para Capra fue también su último gran proyecto. La comedia romántica "El estado de la Unión" ("State of the Union"-1948) y "Aquí viene el novio" ("Here Comes the Groom"-1951), son divertidas pero carecen de la garra y relevancia de sus películas anteriores. Después de "Millonario de ilusiones" ("A Hole in the Head"-1959) y "Un gángster para un milagro" ("Pocketful of Miracles"-1961), Capra se retiró. Es fácil decir que su optimismo era ingenuo y sus personajes demasiado crédulos, pero en una época bastante cruel, sus películas aportaban fe, alivio y optimismo a ultranza. ¿Y por qué no?.

  Asi pues, el genial Capra nos lleva hasta una vieja casa de Brooklyn propiedad de las tias de Morty, en 1942, a lo largo de la noche de Halloween. Mortimer "Morty" Brewstor, es un famoso critico teatral y publicista, solterón empedernido que decide casarse con Elaine. Antes de salir de viaje de novios a las cataratas del Niágara, rinde una breve visita a sus tias Abby y Martha. Su presencia en la casa coincide con el estallido de un episodio de locura familiar que involucra al tio Teddy, a Jonathan, hermano de Morty, al médico Dr. Einstein, al Sr. Whiterspoon director de un centro de reposo para enfermos mentales y a otros... Morty reacciona con desconcierto y perplejidad contra los hechos que vive, mientras trata de mantener la calma y la cordura. Las tias son dos amables viejecitas, bondadosas, caritativas y compasivas, encargadas de ayudar a los ancianos solitarios. El tio Teddy sufre un trastorno de personalidad y cree que es el presidente Theodore Roosevelt...

  La película es una comedia negra con elementos de thriller, sobre la base de un sólido guión y  la acción pues se desarrolla a un ritmo vertiginoso. Se vuelca en el talento e ingenio a raudales de Capra, es una cascada de gags y un torbellino de humor alocado y disparatado. Construye una situación compleja dominada por la locura galopante de la familia. Para resolver la situación el protagonista dispone solo de unas pocas horas de la noche de Halloween, porque a la mañana siguiente ha de salir de viaje de luna de miel.

  Es interesante el contraste que se establece entre la rutinaria y complaciente vida burguesa de las tias y el terror y horror que se instala en la casa. Es efectiva la superposición a la trama principal de una segunda trama criminal, que extralimita las cosas y provoca numerosas ocasiones de crear lances de humor. Es acertada la actuación rica en gestos, posturas y expresiones faciales de "Morty", que sobreactúa lo justo para no perjudicar la consistencia del relato.

  A la acción principal se añaden elementos adicionales que potencian el humor negro. Cabe citar la situación de la casa de las tias junto al viejo cementerio de Brooklyn, inagurado en 1654, el recurso que los árboles del cementerio (sauces) sirven a la tias para elaborar el licor con el que agasajan a sus huéspedes solitarios; la semejanza del asesino Jonathan con Boris Karloff, la presencia del personaje como falso médico, etc. El licor mortal diluye arsénico, estrianica y una pizca de cianuro en extrato de bayas de saúco.

  La comicidad de la película se apoya, ademas, en elementos de farsa, servido por la locura del tio Teddy, su encarnación imitativa de la figura legendaria del presidente Theodore Roosevelt (presidente en 1901-1909), la confusión de la excavación de fosas de enterramiento con la de las exclusas del canal de Panamá, el grito "A la carga" ("Charge!") que Roosevelt hizo famoso en Saint John Hill, el interés del policia O’Hara por el teatro, la desesperación del taxista, etc.

  Se añaden otros recursos hilarantes, como la critica de los estereotipos burgueses y del matrimonio convencional, etc. Enriquecen la obra una brillante y eficaz puesta en escena, el acertado movimiento de los actores en el decorado único, la fluidez de los diálogos, la diferenciación de los personajes, la extraordinaria interpretación de Cary Grant, etc. La película está pensada y realizada para un pais que se halla inmerso en una durisima guerra (2ª Guerra Mundial) y para una población que necesita distraerse y reir. Dada la excepcionalidad de la situación, los estímulos necesarios, para ello han de ser más intensos que los habituales para obtener resultados similares.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena, pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a trasladarse a Estados Unidos. Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el motivo por lo que fue llamado a Hollywood. Era un maestro y un precursor del sello del cine estadounidense. Escribió composiciones para más de trescientas películas de la cuales una de las mas representativas fue "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939). Se estableció en Hollywood en 1925,cuando empezó el cine sonoro y consigo la música en las peliculas. Fue uno de los grandes compositores de bandas sonoras para obras maestras como "Casablanca"-1942. Estuvo nominado en 20 ocasiones al Oscar obteniéndolo en 3 por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyage"-1942) y Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui ofreciendo una partitura lúdica, mordaz y festiva, que apoya eficazmente el sentido de la acción. Incorpora variaciones de conocidas marchas fúnebres y nupciales. Añade un corte de la sonata para piano "A la turca" de Mozart, el "Coro de la boda" de Lohengrin (Wagner) y la canción popular "Home Sweet Home".

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Emigró a Estados Unidos en 1905, alli asistió a la escuela de Nueva York y comenzó a trabajar en la industria del cine como fotógrafo fijo. Después de su experiencia como asistente de laboratorio y de cámara, fue ascendido a camarógrafo de iluminación en 1917. Se mudó de Nueva York a Los Angeles en 1919 para continuar su carrera en la Warner Bros. Trabajó en más de 170 películas en varios estudios pero es mejor conocido por su trabajo en la Warner, con directores como Michael Curtiz y Howard Hawks en pelìculas como: "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) y "El sargento York" ("Sergeant York"-1941).

  Y aqui recreándose en largos y deslumbrantes planos generales y exaltando la visualidad mediante el uso del claroscuro, contraluces y potentes sombras.

  Extraordinario Cary Grant, "Charada"- ("Charade"-1963) como Mortimer. Y muy bien seguido por Priscilla Lane, "Sabotaje" ("Saboteaur"-1942) como Elaine; Raymond Massey, "El manantial" ("The Fountainhead" -1949) como Jonathan; Josephine Hull, "El invisible Harvey" ("Harvey"-1950) como Abby; Jean Adair, "El diablillo ya es mujer" ("Something in the Wind"-1947) como Martha; Peter Lorre, "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) como Einstein; John Alexander, "Winchester 73"-1950 como Teddy; James Gleason, "La noche del cazador" ("The Night Hunter"-1955) como el teniente Rooney; Corant Mitchel, "Caballero sin espada ("Mr. Smith Goes to Washington"-1939) como el reverendo Harper...

  En definitiva: Maravillosa película de marcado humor nrgro, que se aleja de los cánones clásicos de la alta comedia estadounidense de los años 40 y principio de los 50. Una película imprescindible.  Matricula de Honor.

  Como curiosidad: La película se rodó en 1941 mientras todavia se representaba exitosamente la obra en los teatros. Cuando se terminaron las funciones se estrenó en el cine en 1944.

04/10/2020 08:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El diablo dijo no (Heaven Can Wait - 1943)

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  "Puedo asegurar que toda mi vida ha sido un contínuo delito"

   Muy entretenida película de género de comedia y de nacionalidad estadounidense, basada en la obra teatral de Leslie Bush- Fekete. Un dramaturgo y escritor nacido en Kecskemét (Austria-Hungria). Sus principio fueron como critico para la revista de teatro húngara Szinházi Elet. Más tarde también trabajó como periodista en Viena e informó, entre otras cosas, sobre los Juegos Olimpicos de 1936. Pero donde celebró su éxito como escritor de comedias teatrales fue en Budapest, Viena y Berlin en la década de 1930. En 1937 se trasladó a Estados Unidos donde escribió innumerables historias y guiones para pelìculas de Hollywood.

  Del guión se encargó Samson Raphaelson. Un guionista nacido en Nueva York. Fue el autor de la obra  "Day of Atonement", la cual fue adaptada al cine con el titulo de "El cantor de Jazz" ("The Jazz Songer"-1927), la primera pelicula hablada. Trabajó en nueve películas con Ernst Lubitsch, incluyendo "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise"-1932), "El bazar de las sospresas" ("The Shop around the Corner"-1940) y "El diablo dijo no" ("Heaven Can Wait"-1943). También colaboró con Alfred Hitchcock en "Sospecha" ("Suspicion"-1941). En 1977 el Gremio de Guionistas de Cine le concedió el Laurel Award  por una vida dedicada al cine.

  "El diablo dijo no" está dirigida por Ernst Lubitsch. Un cineasta nacido en Berlin (Alemania). Un alemán emigrado que alcanzó prestigio en el cine mudo, aportó un toque de romanticismo de la vieja Europa a sus comedias de Hollywood, sazonadas con una sofisticacción decididamente europea. Asi,cuando Nicole de Loiselle (Claudette Colbert) es alzada por Michael Brandon (Gary Cooper) en "La octava mujer de Barba Azul" ("Bluebeard’s Eighth Wife"-1938), los pies levantados llevan una serie de dobles sentidos, que se suman a la risa traviesa de una mujer de mundo que sabe exactamente lo que quiere.

  Los personajes de Lubitsch siempre inician sus amores perfectamente conscientes de los riesgos de una relación y de su carácter fugaz. El epitome de estas personas urbanas es "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise-1932), la historia de una relación entre dos ladrones estadounidenses y una heredera francesa. Es significativa la escena de seducción entre Lily (Miriam Hopkins) y Gaston Monescu (Herbert Marshall), donde ella se hace pasar por condesa y él por barón. Al final de la velada se dan cuenta que han pasado la mayor parte de la noche vaciando los bolsillos del otro, lo que demuestra que están hechos el uno para el otro: los dos son timadores de acción.

  Las películas de Lubitsch se caracterizan por su estilo visual elegante y sin fisuras. A pesar de ello, se las arregla para equilibrar lo serio con lo absurdo. Véase por ejemplo, la dilerante cena romántica con champán en "Ninotchka"-1939, donde Greta Garbo, interpreta a una luminosa heroina (en realida es una emisaria comunista enviada desde Rusia para vender joyas confiscadas en provecho del Gobierno) cuyos favores trata de conseguir un play boy utilizando la suntuosidad parisina, Lubitsch se arriesga a parecer sentimental, pero el público suplica más.

  ¿Quién puede negar el conmovedor impacto que provoca el sombrerito por el que Ninotchka suspira que se refleja en su rostro y en las palpitaciones de su corazón cuando se lo pone?. Y el ejemplar de "Ana Karenina"-1935 con el clavel rojo dentro quedará para siempre como simbolo del individuo tenaz y animoso que trata de expresar su romanticismo.

  La historia pues, tiene lugar en Nueva York a lo largo de 70 años (1872-1942) y brevemente en una mansión rústica de Kansas. Y en donde un tal Henry Van Cleve, de 70 años, muere con mala conciencia por la vida desordenada que ha llevado. Le pesan sus desvaneos de mujeriego, juerguista y calavera, y sus frecuentes infidelidades matrimoniales. Por ello se presenta espontaneamente en el vestíbulo del infierno, donde es recibido por un diablo vestido con corrección y elegancia, al que llaman Su Excelencia.

  Le ruega que cuente su vida para juzgar si merece o no la pena eterna. En el relato tienen papeles importantes su mujer Martha, su padre Randolph, su madre Bertha, su primo Albert y su abuelo Hugo.

  Henry es caballeroso, elegante, educado, cinico y vividor, Martha es atractiva, hermosa y cautivadora. Los padres son severos y estrictos. El abuelo es comprrensivo, liberal y el mejor amigo de Henry, Albert es soso y presumido...

  La pelicula suma comedia, drama, fantasia y romance. Es un trabajo rico en sutilezas ingeniosas y ocurrentes. El humor visual predomina sobre el verbal, a diferencia de películas anteriores del director. El discurso es menos sofisticado que el habitual de Lubitsch y mas natural y espontáneo. El humor es más americano (referencia al humor neoyorquino) y el tono que emplea es más sosegado y natural.

  La comicidad no se presenta de modo torrencial, sino que se adapta a las caracteristicas de un relato destinado a la contemplación sosegada y tranquila de las cosas. Los lances de humor son menos evidentes, más silenciosos y más sútiles. Los cambios no responden a decisiones caprichosas del director, sino a la necesidad objetiva de adaptar tonos, estilos y contenidos a una situación diferente, marcada por  la incorporación del pais a la 2ª Guerra Mundial. Pese al enorme esfuerzo de guerra que asume la población, el clima general que se vivia en la calle era de honda preocupación.

  En 1942 y 1943 el conflicto se veia incierto y dificil. Es por ello por lo que Lubitsch administró su humor de modo más amable, menos corrosivo y menos hiriente. Trató de hacerlo compatible con una historia de buenos sentimientos e ideas abiertas y tolerantes, que ensancharon y transmitieron sensación de fuerza y capacidad de resistencia.

  Las principales burlas se formulan con parodias del autoritarísmo, la intransigecia, las restricciones a la libertad y personajes que encarnan la imágen del enemigo, como Herman Goering. Con frecuencia, la ironia se basa en observaciones entrañablemente dmésticas (la cocina, el ama de casa, la conversación en la mesa, la disputa matrimonial). Los golpes de humor se presentan en ocasiones como una cálida critica familiar, en especial de las familias muy unidas con poco amor y escasa emoción.

  Mira con humor la arquitectura y la decoración del hogar (la casa que no cambia al ritmo de la ciudad, la gélida arquitectura a la manera de Le Corbusier y la decoración ultramoderna del vestíbulo del infierno). Extrae humor de la indulgencia que propone con la vida silenciosa y desordenada y de la censura condesciente de la infidelidad conyugal. No falta el humor basado en el absurdo disparate, como la comparación que un personaje hace de si mismo con un vestido.

  Lubitsch vuelca en el relato, tal vez con mayor intensidad que en otras ocasiones, sus obsesiones de siempre sobre los mitos que le preocupan, como el de don Juan, Fausto, Casanova, Romeo y Julieta, Tristán e Isolda, la mujer como madre, la muerte con rostro de mujer (mito griego de Perséfone o romano de Proserpine), el de Caronte, barquero de los muertos, etc. Pese a ser una película de lances más bien aislados y breves, presenta algunas escenas magníficas, como la de la libreria, la clase de la tutora, la conversación durante el desayuno del domingo, la disputa matrimonial por una tira cómica, la puerta cerrada, etc.

  La banda sonora fue obra de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Fue uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante su carrera la friolera de 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo el premio en 9 ocasiones, en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Fue el mayor de diez hijos. Comenzó a estudiar piano a la edad de 5 años. Ayudó a complementar los ingresos de su familia tocando en teatros y restaurantes. Entre sus películas premiadas se pueden citar: "La colina del adios" ("Love is a Many- Splendored Thing"-1955) y "Camelot"-1967.

  Y en esta historia irónica y tierna a la vez, recogiendo una partitura de acompañamiento festiva e irónica, con toques dramáticos, surrealístas y de canto a la vida. Añade cortes tradicionales del momento y tomados de la opereta de Franz Lehár "La viuda alegre". El tema principal está tomado de la versión instrumental para orquesta que Newman ofrece de la bellísima melodia "El vals  de la viuda alegre".

  De la fotografia en color se encargó Edward Cronjager. Un director de fotografía nacido en Nueva York, Cuya carrera abarcó desde la era del cine mudo hasta la década de 1950. Su primera película sonora fue "Nothing But the Truth"-1929 protagonizada por Richard Dix. Su trabajo abarcó más de 100 películas e incluso algún trabajo para la televisión hacia el final de su carrera. Filmó películas en blanco y negro en color e incluso llegó a utilizar el sistema Cinemascope por ejemplo en "Duelo en el fondo del mar" ("Beneath the 12-Mile Reef"-1953) protagonizada por Robert Wagner. Su última película fue ·Devil’s Partner"-1961 protagonizada por Edgar Buchanan.

  Y en esta historia de un Casanova arrepentido, mostrando las imágenes en un halo de irrealidad que se corresponde con la naturaleza de un relato que se narra desde el más allá. El predominio de los tonos grises y celestes y de los brillos refuerza las sensaciones de magia y sobrenaturalidad. Añade una breve y simpática secuencia de cabaret a cargo de las Ziegfeld Follies.

  Muy bien todo el reparto de actores elegidos aqui por el gran Lubitsch encabezado aqui por la bellisima Gene Tierney "Laura"-1944 y por el galán (de por aquel entonces) Don Ameche "Serenata argentina" (Down Argentine Way"-1940), ella como Martha y él como Henry.

  Y con ellos Charles Coburn "Los caballeros las prefieren rubias" ("Getlemen Prefer Blondes"-1953) como Hugo; Louis Colhen "Encadenados" (Notorious"-1946) como Randolph; Spring Byigton "Vive como quieras" ("You Can’t Take It with You"-1938) como Bertha; Allyn Joslyn "Sólo los ángeles tienen alas" (Only Angels Have Wings"-1939) como Albert...

  En definitiva: Una magnífica película intrascendente y muy divertida.  Sobresaliente.

  "El diablo dijo no" Obtuvo tres nominaciones al Oscar: Película, Director y Fotografia en color.

 

29/09/2020 06:39 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy - 1942)

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  "Soy un yanqui engreido. Yanqui hasta morir."

  Muy buena película de género biográfico-musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Robert Buckner y Edmund Joseph. El primero fue un guionista y escritor de cuentos nacido en Virginia. Estudió en la Universidad de Virginia y en la de Edimburgo y comenzó su carrera como profesional a los 20 años como corresponsal en Londres para el Nueva York  World. Se unió a la Warner Bros como escritor. Su primer trabajo fue con la película "En busca del oro" ("Golds Is Were You Find It"-1938). Tuvo un gran éxito con "Dodge City"-1939 protagonizada por Errol Flynn.

  En 1947 dejó la Warner y se mudó a la Universal Pictures alli escribió y produjo varias películas entre ellas "La legión de los condenados" ("Rouges Regiment"-1948), "Fren for All"-1949 y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951). Su último trabajo para el cine fue para la 20th Century Fox con el western "Del infierno a Texas" ("From Hell to Texas"-1958) de Henry Hathaway.

  Y en cuanto a Edmund Joseph. Otro guionísta nacido en Texas, que a pesar de haber comenzado en 1928 con la película "Forget Me Not", trabajó muy poco para el cine. Su último trabajo fue con "El código del amor" ("Sing Your Way Home"-1945) de Anthony Mann. En 1951 trabajó en un episodio de la serie televisiva "Front Page Detective"-1951-1952 protagonizada por Edmund Lowe.

  "Yanqui Dandy" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza, profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico, y el más destacado de todos ellos era Michael Curtiz.

  Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias de humor, cine negro... pero su punto fuerte eran las películas de acción, a las que infundia un contagioso brio, "Robin de los bosques" ("The Adventure of Robin Hood"-1938) sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolifico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó espectáculos biblicos al estilo de Cecil B. DeMille, en 1926 llegó a Estados Unidos ya con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihaly Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes, filmó más de 80 peliculas de la productora, entre ellas "20.00 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigada"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels With Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("Private Lives of Elixabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Michael Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte a los 75 años. Su última película fue el western "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961) protaginizado por John Wayne.

  La historia pues, que nos cuenta el maestro Curtiz tiene lugar en Washington, Nueva York y otras localidades de Estados Unidos entre 1878 y 1942. Alli George M. "Geo" Cohan hijo de Jerry y Nelie Cohan, actores de variedades, y hermano de Jessie. Los cuatro forman el grupo "The Four Cohan". George se asocia con el productor Sam Harris y se relaciona con Mary, aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de varieades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de "Yankee Doodlie Dandy". Su padre es de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Su madre es la espina dorsal de la familia, apoya a su marido y a sus hijos y garantiza la unidad del grupo artistico que forman los cuatro. Mary deja que "Geo" ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde el maestro curtiz desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, creando una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

  La película destila alegria, jovialidad y oprtunísmo. De ese modo crea el marco adecuado para transmitir sentimientos de cohesión social y exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se habia visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del pais en la 2ª Guerra Mundial. La película forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto bélico y del esfuerzo colectivo que este exigia. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador de Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó a la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del pais.

  La banda sonora fue obra de Heinz Roemheld. Un compositor nacido en Wisconsin. Fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad. Se graduó en el Wilwaukee College of Music a los 19 años y actuó en teatros para ganar dinero y pagarse sus estudios de piano en Europa. En 1920 se fue a Berlin, donde estudió con Hugo Kaun, Ferruccio Busoni y Egon Petri. Mientras estuvo alli, formó parte de la Filarmónica de Berlin.

  De regreso a Estados Unidos, se mudó a Los Angeles y se convirtió en un destacado compositor de cine. Anotó algunas escenas de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), aunque no fue acreditado en los titulos de crédito. Entre las más de 400 películas para las que compuso música se encuentran "El hombre invisible" ("The invisible Man"-1933), "Gentleman Jim"-1942 y "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947). Ganó un Oscar por "Yanqui Dandy" /("Yankee Doodle Dandy"-1942).

  Y en esta brillante historia reuniendo cortes de George Cohan, que acompaña con números de bailes espectaculares y de grata factura. Como musica añadida aporta canciones del momento y composiciones tradicionales como "Battle Hymm of the Republic" y "When Johnny Comes Marching Home". También se ofrecen en total fragmentos de unas 35 canciones diferentes, que se integran en el desarrollo de la historia y aportan elementos de progresión al relato.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigidanpor James Wong  Howe. Un director de fotografía nacido en Taishan (China). Trabajó en más de 130 películas. Se especializó en el uso de sombras y en el enfoque profundo, lo cual permite que tanto el primer plano como el lejano permanezcan enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo.

  Entre 1930 y 1940, fue uno de los grandes directores de fotografía más renombrados de Hollywood. Fue nominado en 10 ocasiones al Oscar y lo ganó en dos de ellas con "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto"-1955) y "Hud-1963. Nació en China pero su familia se trasladó en 1904 a Estados Unidos donde su padre habia conseguido un trabajo en el Ferrocarril Pacifico Norte.

  Y en esa sobresaliente biografía, construyendo una visualidad que prima la espectacularidad de los números de baile y la sinceridad de los pasajes referidos a la vida del protagonísta.

  Sensacional James Cagney, "Al rojo vivo" ("White Heat"-1949) dando vida a George M. Cohan, y en donde demostró sus grandes dotes para el baile.

  Y con el gran Cagney, Walter Huston, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treause of the Sierra Madre"-1948) y Roseamary De Camp, "A la luz de la luna" ("On Moonlight Bay"-1951) como Jerry  y Nellie Cohan, los padres de George; Joan Leslie, "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue"-1945) como Mary; Richard Whorf, "Luz en el alma" ("Christmas Holiday"-1944) como Sam Harris; Irene Manning, "Un gángster sin destino" ("The Big Shot"-1942) como Fay Templeton. Y sin olvidar  al pequeño Douglas Croft, "Abismos de pasión" ("Kings Row"-1942) como George M.Cohan a los 13 años.

  En definitiva: Una magnífica película que vale mucho la pena de ver y que goza de muy buena música, excelente coreografía, y la presencia "enorme" de un "gigante" de baja estatura que se llamó James Cagney. Sobresaliente.

  "Yanqui Dandy" logró tres Oscar en 1942: Actor (James Cagmey), Banda sonora nusical (Ray Heindorf y Heinz Roemheld) y Sonido (Nathan Levinson).

  Como anécdota: James Cagney se rompió una costilla durante una de las escenas de baile, pero siguió bailando hasta que terminaon de rodar la escena. (genio y figura).

20/09/2020 09:53 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Ciudadano Kane (Citizen Kane -1941)

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  "Sólo hay una persona que puede decidir lo que voy a hacer, y soy yo mismo".  (Charles Foster Kane)

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense, con un guión de Herman J. Mankiewicz. Un legendario guionísta nacido en Nueva York. Su trabajo más conocido es como co-guionista de "Ciudadano Kane", por lo que ganó un Oscar. Además pareicipó en otros guiones tales como: "Los caballeros las prefieren rubias" ("Gentlemen Prefer Blondes"-1953). También fue productor en muchas películas de los Hermanos Marx. Su carrera decinó a causa del alcoholísmo. Pasó por numerosas clinicas de desintoxicación, en algunas de las cuales escribió algunos de sus guiones.

  El segundo y a la vez director de la película fue Orson Welles. Un cineasta nacido en Wiscosin.

  El ego puede ser un arma y un escudo frente al mundo. En el caso de Orson Welles, el ego es la clave para interpretar una carrera con unos resultados tan desiguales que de no ser por la fuerza de su ego, jamás habría logrado dar frutos. Pero debido a ese mismo ego molestó a muchos, perdió grandes fortunas y se pasó la vida buscando trabajo.

  La otra clave para interpretar a Welles es la actuación, no solo de los actores delante de una cámara, sino la más existencial que se relaciona con la identidad, la adopción de una máscara, la relación interpersonal y la reacción frente a las circustancias. Este tema de la actuación es central en la obra de Welles, dado que la mayoria de sus películas habla de la locura y del control, el poder y la debilidad: actividades que se veian tanto en sus películas como en sus personajes.

  Orson Welles fue un niño brillante, interesado en la música, la prestidigitación y la pintura. Su madre murió cuando solo tenia nueve años, su padre cuando contaba quince, y pasó el resto de su infancia bajo la tutela de un médico. Intentó ser actor, primero en Irlanda, luego en el Reino Unido y por último en Nueva York.

  Tras hacerse un hueco rapídamente en la radio gracias a que tenia una de las voces más características del mundo, embarcó en una fructifera colaboración con el actor John Houseman, con quien fundó el Mercury Theater en 1947.

  Al año siguiente, la pareja emitió durante la noche de Hallowen "La guerra de los mundos", la novela escrita por H. G. Wells en 1898. También destacó por visionar de manera original obras clásicas, por ejemplo, la llamada versión "vudu" de "Macbeth, donde todos los actores eran negros.

  Tras haberse labrado una reputación de erudito y de una gran personalidad dado al vino, las mujeres, la comida y las canciones, insólitamente la RKO Pictures le concedió carta blanca para hacer la película que le apeteciese. El optó por versionar la vida del magnate de los periódicos William Randolph Hearts, y realizó "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941).

  A pesar de las innovaciones artisticas incorporadas a la narrativa, la técnica de fotografia, el diseño de los platós, la interpretación y el uso del simbolísmo, "Ciudadano Kane" fue un fracaso comercial, aunque proporcionó a Welles un Oscar por mejor guión original, RKO volvió a concederle una gran libertad en "El cuarto mandaiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942), aunque la productora recortó la película y la estravió, fue un fracaso económico mayor que la anterior y suscitó la indiferencia de la critica.

  Ante esta experiencia solo le confiaron tres películas más en Hollywood: "El extraño" ("The Stranger"-1946), "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947) y "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958). A partir de los años cuarenta vivió en Europa, trabajando en películas de otros para poder financiar sus propios proyectos, empezando por "Macbeth"-1948.

  Aunque Orson Welles se habia convertido en un elemento extraño para la industria del cine, se solicitaban sus servicios como actor  y narrador. No obstante realizó obras memorables, como "Otelo"-1952, "Mr. Arkadin"-1955 y "El proceso" (The Trial"-1962), además de dos obras maestras "Campanadas a medianoche" ("Falstaff"-1965) y el documental "Verités et Mensonges"-1973, ambas sobresalientes.

  Orson Welles también aprovechó su considerable encanto para promorcionarse en espectáculos televisivos, donde los espectadores veian como su corpachón iba aumentando de volumen con el paso de los años. En estas ocasiones, junto a su imponente fisico, estaban también presentes su temperamento artistico y su capacidad para elegir los temas. A menudo exageraba su tamaño a base de maquillaje, vestuario, iluminación y ángulos de cámara. Pero esta manipulación de su cuerpo de forma tan grotesca en sus actuaciones para la pantalla era también consecuencia de su espíritu creativo.

  En 1975 el American Film Institute le concedió el Lifetime Archiverment Award (premio a toda su carrea). Su obra volvió a estudiarse y se le consideró un artista incomprendido. Hoy en dia nadie discute que el talento de Welles y "Ciudadano Kane" son una aportación fundamental para el cine.

  La historia comienza cuando un importante magnate estadounidense llamado Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos, y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo oriental. La última palabra que pronuncia antes de morir, "Roxebud", cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Asi,  un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio...

  La película combina los género de drama, misterio y periodísmo. Welles pues,  desarrolla una buena historia, interesante y sugestiva. Aporta una novedosa profundidad de campo, que permite enfocar al mismo tiempo el primer plano, los planos medios y el fondo. De este modo se amplia el campo visual, el punto de atención se desplaza del centro óptico al lugar donde se produce el movimiento, introduce efectos ópticos sorprendentes y hace posible que se vean los techos de los escenarios. Hace uso de flasbacks, a los que añade brillantes elipsis. Utiliza los elementos de estilo como medio para explicar la acción (luz que titubea en el teatro, simbolo de la inseguridad del personaje interpretado por Susan). La narración es compleja, densa y de gran brillantez.

  La investigacion sobre el significado de "Rosebud" sirve para poner de manifiesto que nada puede ser explicado, porque es imposible alcanzar la verdad. Son escenas memorables, entre otras, el desafiante aplauso a Kane en solitario, el plano general sobre los objetos embalados para ser subastados, la cámara que asciende desde Susan a dos tramoyistas con gesto de desaprobación, plano superior del mitin electoral de Kane. Welles deja costancia de su preocupación por la vejez y la muerte.

  De la banda sonora se hizo cargo Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York. A ls 13 años quedó deslumbrado por la música de Héctor Berlioz, lo que marcó su decisión de convertirse en compositor. A los 16 años se matriculó en el Instituto Dewitt Clinton, donde tuvo como profesor musical a Gustav Heine, quien le enseñó las técnicas básicas de composición. En 1933 se vinculó con la Columbia Broadcasting System, donde musicalizó documentales y programas radiofónicos. De esta forma conoció a Orson Welles.

  En 1955 se produjo el comienzo de su afortunada relación con Alfred Hitchcock, completándose ambos a la perfección. Su colaboración con el mago del suspense se inició con ""Pero...¿quién mató a Harry?" ("The Trouble With Harry?"-1955), que dió como resultado algunas de las más celebradas partituras cinematigráficas y en donde alcanzó su punto culminante fue con  "Vértigo"-1958.

  Durante ocho años viajó errante por Europa, colaborando en películas de Feançoise Truffaut como: "Fahrenheit 451"-1966 y "La novia vestida de negro" ("La Mariee était en Noir"-1968). En 1973 regresó a su pais reclamado por Brian De Palma para poner música a "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "Fascinación" ("Obsession"-1976)., uno de sus últimos trabajos fue para quizá  la mejor película de Martin Scorsese "Taxi Driver"-1976. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones pero solamente lo logró una vez con "El hombre que vendió su alma" ("All That Money Can Buy"-1941) de William Dieterle.

  Y en esta historia donde la felicidad completa no existe, ofreciendo 40 cortes descriptivos ("Prelude"), temor ("Rain"), lugubres y tétricos ("Letany"), alegres e intimos ("Theme and  Variatons"), etc. Añade las marchas fúnebres de Chopin y Mendelsohnn, un fragmento de "El barbero de Sevilla" (Rossini) y canciones populares como "A Hot Time in the Old Town" y otras.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois y muy conocido por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de foco, ejemplos de los cuales se pueden encontrar en sus películas como por ejemplo: ("Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles, "Hombres intrépidos" ("The Long Voyage Home"-1940) de John Ford y "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Demostró por primera vez su estilo claroscuro con luz lateral en el cortometraje "The Life and Deatch of 9413: a Hollywood Extra"-1928. En 1930, se convirtió en el camarógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los directores más buscados. Fue nominado en cinco ocasiones al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y en esta historia de un hombre que quiso ser todopoderoso, presentado unas imágenes muy concentradas, reflejos en espejos, movimietos de cámara espectaculares (desde el cartel de Susan la cámara asciende, sobrevuela el tejado, baja y funde), planos picados, contrapicados y de detalle (boca de Kane), encuadres generales grandiosos (hall de Xanadu) y sugerencias explicativas.

  Muy bien todos los actores comenzando por el genio es decir por Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958) metido en el orondo cuerpo de Charles Foster Kane. Y seguido por Joseph Cotten, "Niágara"-1953 como Leland; Dorothy Comingore, "Pasión salvaje" ("The Hairy Ape"-1944) como Susan; Agnes Moorehead, "La mano izquierda de Dios" ("The Left Hand of God"-1955) como Mary; Ruth Warrick, "Arco de triunfo" ("Arch of Teiumph"-1948) como Emily; Ray Collins, "La heredera" ("The Heiress"-1949) como James; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Raymnond...

  En definitiva: Para mi una obra maestra, para otros según he leido un aburrimiento total. Pero si decir una cosa "Ciudadano Kane" es una película que no se adelantó a su tiempo, lo que hizo sencillamente fue señalar el futuro de otras muchas. Matricula de Honor.

  "Ciudadano Kane" logró el Oscar al Mejor guión original en un total de nueve nominaciones entre ellas Mejor película, Actor (Orson Welles) y Director.. Fue un año de grandes películas por ejemplo: "¡Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") de John Ford (la gran triunfadora) y "El sargento York" ("Sergeant York") de Howard Hawks, con Gary Cooper (mejor actor).

  A modo de curiosidad: El personaje del protagonísa Kane fue inspirado en el magnate de prensa William Randolph Hearst, el cual prohibió mencionar la película en sus periódicos. 

 

 

 

10/09/2020 10:01 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

El gran dictador (The Great Dictator - 1940 )

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  "Hannah, ¿puedes oirme?. Donde quiera que estes mira a lo alto, Hannah. Las nubes se alejan, el sol está apareciendo, vamos saliendo de las tinieblas hacia la luz. Caminamos hacia un mundo nuevo, un mundo de bondad en el que los hombres se elevarán por encima del odio, de la ambición, de la brutalidad. Mira a lo alto, Hannah. Al alma del hombre le han sido dado alas. Y al fin está empezando a volar. Está volando hacia el arco iris, hacia la luz de la esperanza, hacia el futuro, que te pertenece a ti, a mi, a todos. Mira a lo alto, Hannah, ¡mira a lo alto!".

  Obra maestra de género de comedia y de nacionalidad estadounidense. Con un guión y también dirección de ese genio del cine que fue y sigue siéndolo llamado Charles Chaplin. Un cineasta nacido en Londres (Reino Unido).

  Además de ser el más célebre director de comedias mudas, Charles Chaplin fue tambié compositor, máxima estrella del cine y co-fundador en 1919 del estudio United Artists.

  Tras emprender el oficio de cómico en espectáculos itinerantes de vodevil, Chaplin se inició en el cine con comedias de los estudios Keystone. Pronto empezó a dirigir, y durante dos años realizó 26 películas de dos rollos en la compañia Essanay. "Charlot vagabundo" ("The Tramp"-1915), "Charlot musico ambulante" , "Charlot bohemio" ("The vagabond"-1916) y "Charlot emigrante" ("The Immigrant"-1917) mostraron sus rápidos progresos en el cine: su dominio de los recursos cómicos combinado con el patetísmo hicieron que sus películas fueran a la vez divertidas y conmovedoras, rebeldes y tiernas.

  Poco a poco, Chaplin fue introduciendo en sus obras problemiticas éticas delicadas. Aunque esto no fue bien acogido por los criticos conservadores, encantó al público y él se convirtió en el héroe, simbolo de una emergente nación de inmigrantes. Consolidó asi su popularidad con obras maestras como "Vida de perro" (A Dogs Life"-1918).

  Luego redujo su ritmo de trabajo a una película cada varios años. Sus gags cuidadosamente coreografiados, su tacto emotivo y su atención a los detalles, garantizaron un resultado brillante. Creó asi "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) y "El gran dictador" ("The Great Dictator"-2940), dos clásicos de todos los tiempos. Su medida comicidad la originalidad de sus gags, la evolución de emociones mediante los movimientos más sútiles y su habilidad cinematográfica (sobretodo para jugar con los bordes de los encuadres) llevaron a la comedia hasta sus limites.

  Su interés por temas como la conciencia de clase y la tolerancia daba trascendencia a sus películas. De esta manera, cuando la popularidad de Chaplin dclinó en los años cuarenta, su prestigio siguió creciendo.

  Por desgracia, el mundo no escuchó las satíricas y enérgicas advertencias antifascistas de "El gran dictador". Una campaña de difamación obligó a Chaplin a dejar Estados Unidos, y las pocas películas que hizo después, como "Candilejas" ("Limetight"-1952) tenian un tono reflexivo y conformista. Afortunadamente, el legado de Charles Chaplin, se sigue celebrando en todas partes.

  La acción nos lleva hasta un humilde barbero judio que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial y vuelve a su casa después de haber finalizado el conflicto bélico. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda practicamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación politica del pais: Adenold Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judio, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el pais. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo...

  Una obra maestra. Si señor. Y uno de los primeros trabajos de Hollywood en el que se posiciona abiertamente contra la barbarie nazi, y la primera película sonora de Chaplin. Esta pues es una comedia dramática. Y en donde Chaplin mezcla sátira y burla, en el marco de un discurso dominado por el humor ácido y amargo.

  La expresión corporal y la visualidad tienen gran importancia. Abundan las torpezas, resbalones, tropiezos, caidas y golpes. No faltan planos de humor visual furtivo (batalla de pasteles y comida), desesperanzado (lanzamiento de tomates), de denuncia de la incompetencia nazi (eventos de Herring), patético (ideologia nazi).

  Sus posiciones antibelicistas la lleva a tratar con sarcasmo las cadenas del mando militar, las superaciones, la dudosa valentia de algunos militares nazis. Presenta la vulneración sistemática de los derechos humanoos con referencias escalofriantes (detenciones masivas, ejecuciones indiscriminadas). Denuncia con amargura el racismo nazi.

  Son escenas destacadas la de los delirios de poder del dictador, que juega con el globo terráqueo al compás de la música de Wagner, el afeitado a ritmo de la musica de Brahms, el juego de sillas en la tarima presidencial y el discurso final.

  La banda sonora corrió a cargo del propio Charles Chaplin y de Meredith Wilson. Un compositor y director de orquesta nacido en Iowa. Asistió al Instituto de Arte Musical Frank Damrosch en Nueva York, y alli se hizo miembro de la banda de John Philip Sousa y más tarde en la Nueva Orquesta Filarmónica de York. Su trabajo en el cine comenzó en 1928 con la película "The Cavalier" de Irvin Willat, pero donde se dió a conocer fue con "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940) donde fue nominado al Oscar. Otros de sus grandes éxitos fue con "La loba" ("The Little Foxes"-1941) de William Wyler y protagonizada por Bette Davis. En el campo de la televisión también cosechó bastantes éxitos en series como: "The Perry Como Show"-1959-60 y "Fama"-1983. 

  Y en esta sátira social camuflada de comedia, aportando una brillante partitura original, melódica, ritmica y variada. Añaden dos fragmentos ajenos: "Danza húngara nº5" ("Brahms) y "Obertura de Lohengrin" ("Wagner).

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Roland  Totheroh. Un director de fotografia nacido en San Francisco y muy conocido por ser el camarógrafo habitual en las películas de Chaplin desde 1915 hasta 1940 en más de 30 películas.

  Y ayudado por Karl Struss. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Se convirtió en fotógrafo profesional después de estudiar fotografía con Clarence H. White y se convirtió en parte del grupo asociado con el gran fotógrafo Alfred Streglitz. Sus fotografías se caracterizaron como "pictóricas" en lugar de "moda" y fueron publicadas en revistas como: "Harper’s Bazaar", Vanity Fair" y Vogue". En 1919 se trasladó a Los Angeles para practicar su oficio como fotógrafo fijo. Posteriormente fue contratado por Cecil B. DeMille para servir en la segunda unidad como camarógrafo junto con Charles Rosher. Ganó su primer Oscar por "Amanecer" ("Sunrise"-1927) de F. W. Murnau. Además de este y DeMille, Struss trabajó con grandes personajes como: Charles Chaplin y D. W. Griffith. También fue pionero en la cinematografía tridemensional en la década de 1940 y 1950.

  Y en esta historia absolutamente memorable presentando unos movimientos de cámara espectaculares. Destacando la ampliosidad de la arquitectura nazi, la vanidad de su estética y la desmesura de sus liturgias (concentraciones con las masas).

  Sublime (como siempre) Charles Chaplin, "Luces de la ciudad" ("City Lights"-1931, (por citar otra de sus obras maestras). Y aqui metido en el cuerpo de dos personajes muy diferentes: Adenel Hynkel, un dictador fascista y racista, y el de un humilde barbero judio. Seguido por el  aquel entonce esposa y musa la bellísima Paulette Goddard, "Los inconquistables" ("Unconquerod"-1947) en el papel de Hannaah.

  Y con ellos, Jack Oakie, "El piel roja" ("Tomahawk"-1951) como Napaloni, el dictador de Bacteria; Reginald Gardiner, "La viuda negera" ("Black Widow"-1954) como Schltz; Henry Daniell, "Pasión inmortal" ("Song  of Love"-1947) como Garbitsch; Billy Gilbert, "Las mil y una noches" ("Arabian Nights"-1942) como Henrring...

  En definitiva: Una película portentosa, visionaria y de un poderio absolutamente impresionante.  Matricula de Honor.

  "El gran dictador" estuvo nominada al Oscar en cinco apartados  incluyendo película y actor (Charles Chaplin). La pelicula premiada fue "Rebeca" "Rebecca" de Alfred Hitchock y el actor James Stewart por Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story").

  A modo de curiosidad: La película  como era de esperar fue censurada en España. Se estrenó un año antes de la muerte de Chaplin en 1976.

 

 

01/09/2020 08:09 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Los 400 golpes (Les 400 Coups-1959)

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  "Miento de vez en cuando, supongo. A veces digo la verdad y no me creen, asi que prefiero mentir".

  Muy buena película, aunque para mi sin llegar a obra maestra (como muchos lo han catalogado) de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine con un guión de Marcel Moussy. Un guionísta francés nacido en Argelia. la mayoría de sus trabajos fueron para la televisión de su pais, con series alli tan famosas como por ejemplo: "Christa"-1971 protagonizada por la veterana Christine Krüger.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue François Truffaut. Un cineasta nacido en Paris. Cuando estuvo a punto de cumplir los veinte años empezó a idolatrar al critico del cine francés y teórico André Bazin, que se convirtió en una suerte de padre adoptivo, y en 1953 ya era uno de los primeros editores de Cahiers du Cinema. De este modo, Truffaut contribuyó a fundar la nouvelle francesa.

  Atacaba aún viruliencia el típico cine romántico literario de la época y ensalzaba las películas realizadas por Howard Hawks, Nicholas Ray, Samuel Fuller y Anthony Mann en Hollywood. En 1957, el deseo de hacer películas practicamente habia eclipsado su necesidad de escribir sobre cine, aunque siempre conservó una perspectiva critica aguda.

  Realizó una pequeña película sobre niños delincuentes, "Los golfillos" ("Les Mistons"-1957), cuya temática completaria en años posteriores con cuatro películas sobre la díscola y encantadora juventud francesa: la primera "Los 400 golpes" ("Los 400 Coups"-1959), "Besos robados" ("Baisers volés"-1968), "Domicilio conyugal" ("Domicile conjugal"-1970) y "El amor en fuga" ("Amour en fuite"-1979). En ellas exploraría la fragilidad y la contingencia del amor joven en la vida parisina contemporánea.

  "Jules y Jim"-1961, que se centra en un trio trágico, indaga en el lado oscuro de las relaciones humanas. "El pequeño salvaje" ("L’ Enfant sauvage"-1970) cuenta la historia de un niño salvaje de Aveyron acaecido en el siglo XIX criado desde la infancia por lobos, es descubierto más tarde por un lingüista, que trabaja practicamente para civilizarlo. "La habitación verde" ("La chambre verte"-1978) celebra la idea de conmemorar la propia muerte; en una escena clave, Truffaut conmemora la suya, "El último metro" ("The Last metro"-1980), ambientada en la ocupación nazi en Francia, mostraba a un Truffaut en su mejor forma, la película sería galardonada con diez premios César.

  Su último proyecto "Vivamente el domingo" ("Vivement dimanche"-1983), rodada en un impresionante blanco y negro, aborda un misterioso asesinato. En "Encuentros en la tercera fase" ("Close the Third Kind"-1977), dirigida por Steven Spielberg, Truffaut interpretó al lingüista Claude Lacombe que intenta comunicarse con los alienígenas. Este conmovedor cameo puede considerarse un homenaje de Spielberg: fue la última vez que Truffaut atuó en la gran pantalla.

  La acción pues, tiene lugar en Paris. Esta película es la primera entrega de cine sobre la vida de Antoine Doinel, de 14 años, hijo de una pareja disfuncional, con problemas conyugales de estabilidad y fidelidad. Antoine se encuentra en la dificil etapa de la adolescencia y necesita cariño y apoyo. Le gusta la libertad, la independencia, el cine, las marionetas y la lectura. No le gusta ir al colegio ni la gimnasia...

  La película extiende una mirada sensible y tierna sobre la adolescencia y sus problemas. Adopta las postuladas de la "nouvelle vague", como el realísmo, la sencillez y sobriedad narrativa, y el efectísmo, la objetividad del relato y un grato tono artesanal. Truffaut, Godard, Rohmer, Reisnais, Chabrol, Rivette y otros miembros del movimiento, aportan al cine francés un fuerte impulso, nuevos brios e ideas renovadoras. El personaje principal está definido con acierto. Sus relaciones con los padres, maestros, condiscípulos y amigos, complejas y diversas, son objeto de un cuidadoso análisis, más recio y profundo de lo que parece.

  Hay que prestar atención a las indicaciones que el realizador asocia a pequeños detalles, gestos en apariencia poco trascedentales y reacciones continuadas. Las imágenes de Truffaut son portadoras de una rica y densa información, que reclama la atención del espectador.

  Apasionado de la cultura, Truffaut rinde homenaje al cine: "Paris nos pertenece" ("Paris nous appartiment"-1961) de Jacques Rivette; "Cero en conducta" ("Zero de counduiti"-1933) de Jean Vigo; "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles y a la literatura (Balzac). Analiza instituciones sociales tan importantes como la familia, los servicios sociales para menores, etc.

  La banda sonora es obra del cantautor Jean Constantine. Como bien digo un cantautor nacido en Paris. Escribió varias canciones que se convirtieron en un éxito como por ejemplo: "Mon manége á moi" cantada por Edith Piaf o "Mon  fruc en plumes" cantada por Zizi Jeanmaire. Para el cine también escribió para varias películas: "El barón y su yate" ("Le baron de l’écluse"-1960) protagonizada por Jean Gabin entre otras.

  Y aqui,  pues, la musica se presenta en fragmentos breves. Basándose en un motivo central melancólico y en variaciones del mismo. Caben de destacar los temas "Prólogo", "École Guissoniére", "Trinté el Finale", "Balzac et gymnastique" y otras.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Henri Decaë. Un director de fotografía nacido en Sain-Denis (Francia). Estuvo muy fuertemente asociado con directores que influyeron o fueron parte de la "nouvelle francesa". Trabajó por primera vez como director de fotografía con Jean-Pierre Melville en "El silencio del mar" (Le silence de la mer"-1949). El gusto de Decaë por la luz natural, su habilidad para trabajar a gran velocidad y su excelente sensibilidad fotográfica le llevaron a trabajar con René Clement en varias películas dando su dó de pecho con "A pleno sol" ("Plein Soleil"-1960).

  Y en esta niñez de Antoine Doinel, rodando en los lugares de acción y ofreciéndo un eficaz y acertado trabajo de cámara, con planos picados, reflejos en cristales, giros, imágenes congeladas, travellings y filmaciones con cámara en mano.

  Muy bien Jean-Pierre Léaud, "Masculino, femenino" ("Masculin féminin"-1966), metido en el cuerpecito de Antoine Doinel, ese niño que con apenas 14 años se ve obligado no solo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor.

  Y con él Claire Maurier, "Un mal hijo" ("Un mauvais fils"-1980) y Albert Rémy, "El tren" ("The Train"-1964), como la madre y el padre de Antoine. Seguidos por Patrick Auffay, "El amor a los veinte años" ("L’ amour á vingt ans"-1962) como René, el mejor amigo de Antoine; Georges Flamant, "Una mujer en la noche" ("Une femme dans  la nuit"-1943) como el señor Bigey el profesor de Antoine.

  En definitiva:Una película de notable valor documental, puesto que trata temas todavía de actualidad y mantiene su capacidad de fascinación. Muy recomendable para cinéfilos. Sobresaliente.

  "Los 400 golpes" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión original y Truffaut logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Los padres de Truffaut montaron en cólera al ver la película.

 

24/08/2020 17:36 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Mesas separadas (Separate Tables - 1958)

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  Soledad, Pasión, Celos, Mentiras... Y un suceso que lo cambia todo...

  Extraordinaria película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Terence Tattegan. Un dramaturgo nacido en Londres. Estudió en Harrow School Trinity College de Oxford, sus obras suelen describir ambientes de clase media inglesa. En 1936 logró su primer éxito como comediógrafo en Londres con "El francés sin esfuerzo" y a partir de entonces estrenó habitualmente comedias y dramas durante veinte años seguidos.

  Sus piezas se caracterizan por poseer un culto y elegante diálogo y una impecable construcción. Destacan "El chico de los Winslow"-1947, premio de la asociación de criticos de Nueva York y "La versión de Browning"-1949, ambas llevadas al cine por Anthony Asquith; "Mesas separadas"-1956, también llevada al cine y "Ross"-1961. También trabajó como guionísta cinematográfico en "Mesas separadas", "Adios, Mr. Chips"-1969; "El Rolls Royce amarillo"-1964 y otras más.

  Del guión se hicieron cargo como bien he dicho el propio Rattigan y John Gay. Un guionísta nacido en California. Comenzó su carrera escribiendo episodios para series de televisión y en 1958 lo hizo para el cine su debut fue con la película "Torpedo" ("Run Silent Run Deep"-1958). Después trabajaria en numerosas películas como por ejemplo: "Los cuatro jinetes del Apocalpsis" ("The Four Horseman of the Apocalypse"-1962) y "Soldado azul" ("Soldier Blue"-1970) entre otras.

  "Mesas separadas" está dirigida por Delbert Mann. Un director nacido en Kansas. Se trasladó con su padre a Tennesse y alli se graduó en ciencias politicas en la Universidad de Vanderbilt y en 1941 se alistó en el ejército como piloto de un bombardeo B-24, voló en un total de 35 misiones de combate en Europa. Al finalizar la guerra (2ª Guerra Mundial) se interesó por la interpretación y el estudio en el Yale Drama School y, posteriormente obtuvo un trabajo en el Town Theatre de Columbia en Carolina del Sur.

  Un amigo de la Universidad el  actor y director Fred Coe, le ofreció la oportunidad de empezar a dirigir algunos capitulos del programa "Phico Televisión Playhouse" para la NBC. Mann aceptó el trabajo y se trasladó a Nueva York en 1949. Para la NBC dirigió con posteridad varios episodios de "Goodyear Televisión Playhouse" y "Producer’s Showcase" e incluso, una lograda adaptación televisiva de la obra de William Shakespeare "Otelo". Delbert Mann fue uno de los primeros directores conocidos de la llamada "Edad de oro de la Televisión " en Estados Unidos (junto a Sidney Lumet, Robert Mulligan, John Frankenheimer o Martin Ritt), que luego pasarian a conformar en el cine un grupo homogéneo pero de diferenciadas temáticas y estilos con respecto a la generación anterior como ( Vidor, Lang, Lubitsch, Cukor Ford o Minnelli).

  En 1953 Delbert Mann concibió lo que sería uno de sus mejores trabajos "Marty"-1955, concebido como capitulo de la serie "Godyear Television Playhouse", donde el magnífico guión de Paddy Chayevsky y la gran interpretación de Rod Steiger, hicieron que "Marty" se convirtiera en un icono de la televisión de la década de los 50. Además, en 1954 Mann ganó el premio Emmy, a la mejor dirección por el episodio "Our Town" de la serie "Producer’s Showcase", donde actuaban Paul Newman y Frank Sinatra.

  Delbert Mann tuvo la suerte de cara cuando Burt Lancaster y su socio Ben Hecht de la pequeña pero exitosa productora independiente Hecht-Lancaster se interesaron por el guión de "Marty" para llevarlo a la gran pantalla, designando al propio Mann que se encargarse de la dirección. El problema radicaba en que el presupuesto para realizarla era muy limitado 350.000 dólares. De hecho "Marty" es la primera película ganadora de un Oscar en la que sus costos de publicidad excedían de los del rodaje.

  Rod Steiger no era bien visto por la productora para realizar el papel principal (por ser un actor hasta entonces eminentemente secundario "relegado" a papeles de malvado) y Lancaster pensó en su compañero de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953), Ernest Bornine como posible sustituto, a pesar de que este todavia no habia gozado de ningún papel protagonísta. Por otro lado y para evitar posibles desastres, Lancaster no quiso que su nombre estuviese en la película, cosa que dejó el honor a Hecht para que recogiese el Oscar.

  Pero "Marty" fue antes un éxito de critica antes que de público. Mostrada en el Festival de Cannes, fue la primera película norteamericana que consiguió la Palma de Oro. Además, la película devolvió a la productora diez veces más de lo que costó, convirtiéndose de largo en la película mas rentable de Hecht-Lancaster. Y después llegaron los Oscar, donde consiguió los premios de mejor película, director, actor y guión adaptado. Delbert Mann se convirtió en el primer director en conseguir la estatuilla en su primer trabajo en el cine, un caso que repetiria Sam Mendes 45 años después.

  Delbert Mann alternó los trabajos para la televisión con los del cine, donde no logró obtener un éxito de taquilla como él lo deseaba. A "Marty" le siguieron sólidos dramas donde el director mostró su buen hacer. "La noche de los maridos" ("The Barchelor Party"-1957), drama con estructura teatral escrita por Chayefsky donde brillaban Don Murray y Carolyn Jones; "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958), adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan con Burt Lancaster, David Niven, Rita Hayworth y Deborah Kerr: "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958), sobre también el drama teatral de Eugene O’Neill con Sofia Loren y Anthony Perkins o la excelente "En mitad de la noche" ("Middie of the Night"-1959), un drama con toques de cine negro nuevamente escrito por Chayefsky que contiene una de las mejores interpretaciones de Kim Novak.

  En los 60 Delbert Mann fue recordado por dirigir varias películas. Primero el drama sentimental "En la escalera oscura" ("The Dark at the Top of the Stairs"-1960), que contaba con Robert Preston y Dorothy McGuirre, con el cual logró un éxito de critica considerable y varias nominaciones al Oscar. Le siguió "Pijama para dos" ("Lover Come Back"-1961), la mejor y más taquillera comedia de la pareja Rock Hudson y Doris Day. Luego hizo "Suave como el visón" ("That Touch of Mink"-1962), compleja comedia sobre la clase alta con Cary Grant y Doris Day de joven desclasada. Después rodó "Nido de águilas" (A Coathering of Eagles"-1963), película bélica de desiguales resultados con Rock Hudson y Rod Taylor.

  Con la comedia melodramática de pequeño presupuesto "Querido corazón" ("Dear Heart"-1964), logró Geraldine Page su mejor interpretación de la década, al lado de Glenn Ford y Angela Lansbury. En 1964, dirigió "Quick Before It Melts"-1964, que fue la primera película de la que también fue productor. Bajo su producción, también llegaría "La mujer sin rostro" ("Mister Buddwing"-1966), con James Garner y Jean Simons. Por otra parte, Mann tuvo tiempo para dirigir varios proyectos entre ellos un digno telefilm "Heidi"-1968, con Maximillian Schell y Jean Simons. Además, entre 1967 y 1971, sería presidente del Director’s Guild  of America.

  A partir dev los años 70 el director de Kansas se volcó principalmente en el medio televisivo, rodando entre otros muchos titulos, una versión de "Sin novedad en el frente" ("All Quiet on the Western Front"-1979) de Erich Maria Remarque que resultó muy inferior al original literario y a la película de 1929 pero eso si, nada despreciable. En el cine solamente estrenó tres películas:  el clásico de Charlotte Brontë "Jane Eyre"-1970, rodada inicialmente para la televisión y considerada casi la mejor versión, aprovechando el talento de George C. Scott y Susannah York; "David y Catriona"-1971, con Michael Caine y "The Birch Interval"-1977.

  Las siguientes décadas depararon titulos como "Fuga de noche" ("Night Crossing"-1981), con Jane Alexander y John Hurt y "Brantë"-1983, con Julie Harris, prosiguiendo hasta mediados de los años 90 rodando películas para la televisión.

  La acción pues, tiene lugar en el Hotel Beauregard en la localidad costera de Bornemouth en el Sur de Inglaterra. El establecimiento anuncia que ofrece un ambiente familiar, cocina casera y comedor con mesas separadas. Los hechos suceden en el  otoño de 1958. Son huéspedes fijos el comandante Agnus Pollock, militar jubilado con una gloriosa hoja de servicios; la Sra. Railton-Bell, de carácter estricto, intransigente y dominante; la joven Sybill Raiton-Bell, timida, sumisa y dominada por su madre, que sufre circustanciales ataques de histeria; John Malcom, escritor norteamericano, que ahoga en el alcohol los recuerdos de un antiguo amor frustrado; Charles estudiante de medicina; Jean pareja de Charles; un profesor de cultura griega; y otros. La dirección del hotel corre a cargo de la eficiente y atenta Pat Cooper. Acaba de llegar como huésped temporal Ann Shankland, antigua modelo y antigua esposa de John Malcom...

  La película suma digamos que drama y romance. Explora cuatro historias de amor diferentes: una se basa en afinidades derivadas de represiones similares; otra trata de dar una segunda oportunidad a un amor del pasado; la tercera busca consuelo que alivie profundas frustraciones personales y la última es un amor joven, de pareja de hecho, con connotaciones obsesivas. Los personajes son seres solitarios, desilusionados, que ocultan fracasos, frustraciones y desesperación. Necesitan afecto, comprensión, apoyo y amor.

  La comunicación entre los huéspedes resulta dificil, porque topa con prejuicios, conveniencias sociales, inseguridades e incertidumbre. Actitudes intolerantes, intransigentes, inflexibles y autoritarias entran en colisión con propuestas que preconizan comprensión, confianza y afecto. Algunos personajes han de aprender no solo a aceptar a los demás, sino también a aceptarse a ellos mismos. La pequeña sociedad variopinta que forman los huéspedes deviene un microcosmos que refleja y explica el mundo complejo de las relaciones interpersonales y de la convivencia en una sociedad que avanza.

  El guión construye buenos diálogos, diferencia con eficacia los caracteres principales y se sirve de los secundarios, entre otras cosas, como vehículo de humor. En el marco de unas interpretaciones sobresalientes. El ritmo general es pausado, tranquilo y sostenido a lo largo de todo el metraje. Forma parte del grupo de películas que en la década de los 50 adaptaron obras de teatro, como "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) de Elia Kazan, "Calle Mayor"-1956 de Juan Antonio Bardem, "Testigo de cargo" ("Witness for the Prosecution"-1957) de Billy Wider, etc.

  La pelicula trata temas diversos: las represiones sexuales, la practica del ostracismo como forma de castigo, los estragos de la intolerancia y el autoritarísmo, las necesidades de afecto que tienen todos los seres humanos,  el alcoholísmo, como falso medio de superar problemas personales, la importancia de la tolerancia y la comprensión humana, la trascendenciia de las segundas oportunidades, la importancia de la comunicación basada en saber escuchar y saber explicarse sin reservas y sin barreras, la utilidad y eficacia de la convivencia basada en la aceptación de la diferencia, la virtualidad del perdón de los errores ajenos, etc.

  La película desgrana una útil e interesante lección de las virtudes civicas básicas para ordenar una convivencia pacifica, duradera y eficiciente. Son escenas memorables la confesión de los embustes de Agnus a Sybill, la elegante secuencia del perdón de los errores de Agnus, la conversación de John  y Anny y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raksin. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para películas y más de 300 para la televisión. Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Moder Times"-1936). Y también es muy recordado por su tema en la película "Laura"-1944 la letra  de Johnny Mercer fue obra suya.

  Y en esta historia de mesas y soledades ofreciéndo una sonora partitura orquestal de acompañamiento descriptivo y ambiental, que invita a la reflexión critica. Añade la canción "Separate Tables", compuesta para la ocasión, con musica de Harry Warren y letra de Harold Ademson.

  La dirección de la fotografía en blanco y negro se le fue encargada a Charles Lang. Un director de fotografía nacido en Utah. Al principio de su carrera trabajó con Carl Akeley para tomas de acción al aire libre y después como camarógrafo en películas mudas tales como: "The Night Patrol"-1926 y "Ritzy"-1927. Después de hacer "Tom Sawyer"-1930 para Paramount Pictures continuó trabajando para este estudio durante más de veinte años.

  En 1951, comenzó la segunda fase de su carrera, esta vez como director de fotografía independiente en películas como "Sabrina"-1954; "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957); "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959; "Charada" ("Charade"-1963) entre otras muchas más. Estuvo nominado al Oscar en numerosas ocasiones ganándolo una vez por "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932).

  Y aqui en donde "todos sueñan despiertos" hilvanando una narración visual sobria y austera, que cierra con un espectácular y emotivo travelling de alejamiento. La película se rodó en el Hotel Miramar de Bournemouth (Dorset, Inglaterra) con decorados de Edward Carrere.

  Extraordinario el cuarteto de actores todos ellos grandes de Hollywood: Burt Lancaster, "Trapecio" ("Trapeze-1956) como John Malcom; David Niven, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Agnus Pollock; Deborah Kerr, "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964) como Sibyl Railton-Bell; Rita Hayworth, "Gilda"-1946 como Ann Shankland.

  Y muy bien secundados por: Wendy Heller, "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seasons"-1966) como Pat Cooper; Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la Sra. Railton-Bell; Rod Taylor, Los pájaros" (The Birds"-1963) como Charles; Audrey Dalton, "Mi prima Rachel" ("My Cousin Rachel"-1952) como Jean...

  En definitiva: Una película en donde el miedo y la soledad están retratados impecablemente. Y con unas interpretaciones extraordinarias. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Mesas separadas" logró dos Oscar en 1958. Mejor actor (David Niven) y Mejor actriz secundaria (Wendy Hiller). 

 

17/08/2020 08:29 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

La vida intima de Julia Norris (To Each His Own-1946)

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         En recuerdo de: Olivia de Havilland

  "Parecia que me estaba interpretando a mi misma y no a otra."  (Olivia de Havilland)

  Intensa película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de charles Brackett. Un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en 1915 en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920. La segunda, "Week End" (1925), llamó la atención de Harold Ross que le ofreció un trabajo como critico en su prestigiosa revista The New York.

  Durante esta época publicó otras dos novelas. En los años 30 se trasladó a Hollywood y empezó a trabajar como guionista cinematográfico su primer guión fue para la película "La última avanzada" ("The Last Outpost"-1935) protagonizada por Cary Grant. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y entre 1949 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Logró tres Oscar a lo largo de su carrera por "Dias sin Huella" ("The Last Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953).

  Del guión se hicieron cargo Jacques Théry y Dodie Smith. El primero fue un guionista nacido en Paris. Su primera pelicula fue "Una noche de redada" ("Un soir de rafle"-1931) con Annabelle como proyagonísta femenina, y su último guión para el cine fue precisamente "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946). Aunque en 1954 trabajó para la televisión francesa en un episodio de la serie "Lux, Video, Ttheatre.

  El segundo (o mejor dicho la segunda). Una escritora nacida en Manchester (Inglaterra). En 1931 escribió su primera novela "Autumm Crocus" que obtuvo un gran éxito. Durante los años 40 ella y su esposo se mudaron a Estados Unidos. Su obra más conocida alli fue "101 dálmatas" ("The Hundred and one Dalmatians") que la escribió en 1956 y en 1961 Walt Disney la llevó al cine en dibujos animados.

  "La vida intima de Julia Norris" está dirigida por Mitchell Leisen. Un cineasta nacido en Michigan. Tras estudiar la carrera de Arquitectura, trabajó como diseñor de interiores, años antes de iniciar, en 1919, su trayectoria como diseñador de cine.

  Su primer trabajo en el cine fue como diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de 1920 trabajó también para Raoul Walsh, Allan Dwan y Ernst Lubitsch. Todo esto le proporcionó una gran experiencia, asi que hizo de trampolín para saltar a la dirección (el camino normal fue el suyo, y no de empezar como guionísta, como fue el caso de Preston Sturges o John Huston). Logró ser asistente de dirección de Cecil B. DeMille en "El signo de la cruz" ("The Sign of the Cross"-1932). Fue nominado al Oscar por su dirección artística gracias a su trabajo en la película "Dinamita" (Dynamite"-1929) de Cecil B. DeMille.

  Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta 1933 en la Paramoun Pictures con "Canción de cuna" ("Cradle Song"-1933), un drama protagonizado por Dorothea Wleck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con los grandes melodramas, las comedias románticas y solo a veces con las comedias llamadas de "humor delirante"

  Una de sus películas más recordadas fue la adaptación de la obra de Alberto Casella, "La muerte de vacaciones" ("Death Takes a Holiday"-1934), con Fredric March. Rodó la brillante "Campos de espera" ("Four Hours to Kill"-1937), protagonizada por Jean Arthur y con un guión de Preston Sturges que fué otro gran éxito del director.

  Pero asi mismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro. Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el cine. Ya en "Adelante, mi amor ("Arise, My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó "Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fué su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él)

  Pero asimismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro.

  Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el  cine. Ya en "Adelante, mi amor" ("Arise , My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó"Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fue su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él) fueron la pareja protagonísta, con gran éxito. Un fiscal acusa a una chica por robo de joyas, y el juicio se pospone hasta que pase la Navidad. El fiscal lleva a la protagonista a Indiana, y la lleva a casa de su madre, que está de camino a su propia casa. Como la madre la rechaza, ella pasa la Navidad con la familia de él, lo que dará lugar a su encuentro.

  Asi mismo destacó con "Ella y su secretario" ("Take a Letter Darling-1942), con Rosallind Russell y Fred MacMurray, y con "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946), escreita por Charles Brackett que le valió un oscar a Olivia de Havilland. Estas fueron las películas más destacadas en la carrera de Mitchell Leisen. En la década de 1950 Leisen abandonó el cine parcialmente para dedicarse a la televisión, pero aún haria alguna contribución con "Eligiendo novio" ("The Girl Most Likely"-1958) una comedia musical con Jane Powell y Clift Robertson que sería su última película como director.

  Tras largo tiempo trabajando en la televisión volvió a la pantalla grande pero esta vez con un documental titulado "Spree"-1967. Un documental sobre la vida de la malograda actriz Jane Mansfield.

  La acción pues, tiene lugar en Piersen Falls, Nueva York y Londres, a lo largo de unos 25 años entre 1918 y 1943 y en donde una joven llamada Josephine "Jody" Norris, hija única del propietario del drugstore de la pequeña localidad de Piersen Falls, es seducida por un apuesto militar de aviación llamado Bart Cosgrove,  que está de paso por el pueblo para la venta de bonos de guerra (1ª Guerra Mundial). Unos meses mas tarde muere en acto de servicio. Jody se convierte en madre soltera. Tras el nacimiento (febrero 1918) en Nueva York de su hijo Griggsy (diminutivo de Gregory), que es tomado en adopción por sus amigos Alex y Corinne Piers...

  El relato pues, explica una historia de los sufrimientos y sinsabores de una madre soltera, separada de su hijo a causa de los prejuicios sociales. La película la podriamos clasificar entre drama y romance. Y en donde el director nos presenta una narración rica en sugerencias, sutilezas, indicaciones disimuladas, elipsis y sobreentendidos, que completa y refuerza mediante encuadres, juegos de luz, gestos naturales, elementos del escenario y otros medios visuales. Para captar debidamente la intensa riqueza de detalles significativos que contiene la pelicula, el espectador es invitado a seguirlo con atención y picardia. Pocas cosas suceden y se ven en la historia que no aporten información relevante y sugestiva.

  Una de las propuestas que el director expone es la lucha entre las ideas viejas y nuevas, entre el presente caduco y los cambios que anuncian una época nueva, entre lo abocado a la desesperación y lo emergente para imponerse más allá de la voluntad de las personas. Tiene interés contemplar el contraste entre la luz débil del interior del drugstore y la brillante luminosidad del exterior, el contraste entre las formas modernas (en 1922) del flamante coche aparcado frente al drugstore y la fachada envejecida y deteriorada del mismo.

  Otra de las ideas que en mi pinión subraya el director es la contraposición de la pobreza y el estancamiento de la pequeña localidad y las oportunidades de prosperidad de la ciudad de Nueva York. Lo pone de manifiesto a través de diversos y variados recursos, entre lo que cabe estar a modo de ejemplo el vestido y el modo de comportarse de Mac, antiguo pretendiente de Jody, residente en Nueva York, en comparación con los de los jóvenes residentes en Prersen Falls.

  Sobre todo le interesa al director defender y exaltar la dignidad de la mujer, su capacidad para los negocios no inferior a la del hombre, la corrección y validez de la igualdad de conductos de la relación de la mujer y el hombre, etc.

  Si observamos bien y con detenimiento la aparente seducción de Jody por el piloto, se observan indicaciones que más bien hablan de la seducción de él por ella, aunque en todo caso la situación no es ni clara ni concluyente, como probablemente pretende el director. Se deleita mostrando el fracaso como personas y en los negocios de hombres y mujeres y el éxito de mujeres y hombres, desmitificando uno de los viejos prejuicios más arraigados en relacción a la igualdad de géneros.

  Presta especial atención a la evolución del personaje protagonísta a lo largo de 25 años, desde su espléndida juventud veinteañera pretendida por todos los chicos del pueblo, hasta su madurez de la media edad. Hace referencia al error común de las mujeres que concentran en la maternidad todas sus ilusiones y ambiciones. El director también nos explica con parsimonia que la femenidad puede realizarse a través de otros menesteres si la mujer sabe cambiar y enriquecer su filosofía de género. Nos lo demuestra observando la larga trayectoria desde concepciones convencionales e impuestas hasta la aceptación de su maternidad como algo legítimo, honorable y digno.

  El melodrama que constituye el hilo conductor de la historia es tratado con contención. moderación y equilibrio. Es elevado con la aportación de un conjunto de reflexiones sobre la dignidad de la mujer, que reflejan el estado de opinión sobre el papel de la misma que se manifiesta y generaliza en el pais  tras el comienzo de la 2ª Guerra Mundial. Habla de lo imprevisible de la vida, la necesidad de la adaptación al cambio, la solidaridad, etc. Como de costumbre, cede la oposición central a la mujer, a la que distingue con un trato exquisito y diferente. No falta el humor, que encomienda a la madre cargada de hijos en Persen Falls, la conversación en la oscuridad de la noche en Londres, la tarta de bodas, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago, empezó como compositor clásico y concertista de violin, pero decidió pasarse a la música popular cuando entró en la orquesta de Isham Jones. Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio de Paris. Mediada la década de 1930 se trasladó a Hollywood donde se concertó en el mundo del cine, grabando música ligera y dando apoyo musical a cantantes de fama, entre ellos Bing Crosby.

  A finales de 1934 firmó contrato con la Decca Records y siguió trabajando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Los Angeles. Ganó dos Emmy, uno en 1950 y otro en 1954. En el cine compuso más de 300 bandas sonoras en peliculas tan emblemáticas como por ejemplo: "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) de John Ford y "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) de William Wyler.

  Y en este drama inolvidable ofreciendo una partitura de tonos suaves y de apoyo, que incorpora una emotiva canción bailable ("Si me quieres tanto como yo a ti") y una canción irónica que es la versión melódica del tema principal, a cargo de Mac.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Daniel L. Fapp. Un director de fotografía nacido en Kansas City. Y mundialmente conocido por su fotografía en la oscarizada e inolvidable "West Side Story"-1961, por la que ganó un merecido Oscar. También fue nominado al oscar por "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958) de Delbert Mann.

  Y aqui aportando una visualidad ingeniosa y sugerente, colocando la cámara del rodaje de cada escena.

  Maravillosa Olivia de Havilland, "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939) metida en el cuerpo de Josephine "Jody" Norris. Y con ella Mary Anderson, "Travesia peligrosa" ("Dangerous Crossing"-1953) como Corinne Piersen; Roland Culver, "Espias en acción" ("A Man Could Get Killed"-1966) como Lord Desham; Virginia Welles, "Querida Ruth" ("Dear Ruth"-1947) como Liz Lorimer; Bill Goodwin, "Los lios de Susana" ("Brundle of Joy"-1956) como Mac Tilton; John Lend , "Alta sociedad" ("High Society"-1956) como Bart Cosgrone...

  En definitiva: Sin duda, una de los mejores y más infravalorados melodramas de la época dorada de Hollywood. Una película Sibresaliente.

  Olivia de Havilland logró el Oscar a la Mejor actriz.

  A modo de curiosidad: Llama la atención el error de traducción del creador o creadores del titulo español (usando Julia en lugar de Jody).

10/08/2020 08:07 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.


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