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Al final de la escapada (A bout de souffle - 1960)

   En recuerdo de: Jean - Paul Belmondo

  "Si no le gusta el mar... y no le gustan las montañas... y no le gusta la gran ciudad tampoco... ¡Qué lo jodan!.

  Película imaginativa e innovadora y, toda una obra maestra de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine de una historia de Françoise Truffaut. Un cineasta nacido en Paris y uno de los iniciadores del movimiento de la Nouvelle Vague, si bien luego evolucionó de modo muy personal. Su influencia fue mas bien desgarrada y fantasiosa. Estudió en la escuela de la rue Clauzel y en el Liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. En 1946 dejó los estudios y sobrevivió con pequeños trabajos y en 1947 fundó un cine-club.

  Su primer contacto detrás  de la cámara fue en 1953 con el cortometraje "Une visite", y su primer éxito le llegaria con "Los 400 golpes" ("Les 400 Coups"-1959). Su último trabajo para la pantalla grande fue con la pelicula (como director)"Vivamente el domingo" ("Vimement dimanche!"-1983). Con "Los 400 golpes" estuvo nominado al Oscar al Mejor guión y en el Festival de Cannes logró el Premio a la Mejor dirección.

  El segundo guionísta y también director de la película fue Jean-Luc Godard. Un cinesata nacido en Paris. Simbolo de la conciencia progresista de los años sesenta, Godard comparte con el Che Guevara y John F. Kennedy una voluntad apasionada por  cambiar el mundo, una profundidad intelectual, facilidad para la retórica y fama de radical. Su impacto fue tal que ninguna obra puede declararse hoy politicamemte inocente.

  En los años cincuenta, Godard empezó a escribir para la prestigiosa revista Cahiers du cinéma. El y otros criticos como Françoise Truffau, Claude Chabrol y Eric Rohomer. insatisfechos con las normas y las fórmulas del cine comercial, decidieron rechazar las convenciones y poner enfásis en las emociones humanas directas a la acción impulsiva. El movimiento se convirtió en la nouvelle vague francesa.

  La primera película de Godard, "Al final de la escapada" ("A bout  de souffle"-1960) cayó como una bomba en el Festival de Cannes. Esta historia de un insignificante gángster evoca un Paris deshinbido y existencialísta, combinado con una moderna banda sonora de jazz, un dinámico ritmo de furiosas persecuciones, saltos de imágen bruscos, estallidos repentinos de violencia, sexo casual, travellings suaves y un ambiente de contemplación filosófica.

  La película rebosa inmediatez espontánea, personificada en la encantadora escena en la que Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo se pasean coqueteando por los Campos Eliseos. Godard, repentinamente famoso por esta obra, se convirtió en un héroe de la izquierda, un símbolo para el joven movimiento progresista y pscifista. "El soldadito" ("Le petit  soldat"-1963) y "Los carabineros" ("The carabiniers"-1963) son películas activistas. La primera fue prohibida por su critica de la guerra de Argelia y por contener una fuerte escena de tortura. La segunda es una dura sátira de la guerra.

  "Una mujer es una mujer" ("Une femme  est une femme"-1961) y "Vivir su vida" ("Vivre sa vie"-1962) fueron las primeras películas en criticar el consumismo (los personajes son una bailarina de strip-tease y una prostituta), pero también muestran una tierna fe en el amor. Las películas "Banda aparte" ("Bande á part"-1965) y "Lemmy contra Alphaville" ("Lemmy"-1965) desconstruyen los géneros de la road movie y la ciencia-ficción. "El desprecio" ("Le Mépris"-1963), un ataque feroz Hollywood es la obra mas cercana de Godard. Se trata de una pelìcula sobre el rodaje de "La Odisea" de Homero, por supuesto imposible de filmar. Con colores suntuosos y exteriores exóticos, incluye desnudos, pistolas y grandes estrellas como Brigitte Bardot, Jack Palance y Michel Piccoli.

  En 1965 Godard abandonó las historias marcadas por el argumento para dar prioridad a la concepción marxista del cine como arma revolucionaria. "Pierrot el loco" ("Pirerrot le fou"-1965), "La Chinoise"-1967 y "Weekend"-1967 siguen siendo agudas por sus metáforas abiertamete politicas. En todas ellas, el marco narrativo es utilizado como vehículo para trasladar la critica ideológica: la route  du soleil plagada de coches quemados en "Weekend" es la critica más despiadada a la sociedad de ocio hecha hasta el momento.

  Una vez que dejó de lado la narración, las películas de Godard se convirtieron en manifiestos de propaganda que se sumaron a las manifestaciones de protesta de 1968. Trabajó luego en una serie de panfletos que defendian la revoluciòn protesta y deconstruian el lenguaje cinematográfico. La desarticulación fue tan absoluta que hasta 1979 Godard no volvió a componer una historia. "Salve quien pueda la vida" ("Sauve qui peut la vie"-1980), alejada de la politica y más cercana al arte y la filosofía, ya presagió una vuelta al cine narrativo. "Pasión" ("Passion"-1982), "Nombre: Carmen"-1983, "El rey Lear" ("King Lear"-1987), "Nueva ola" ("Nouvelle Vague"-1990) y "Hélas pour moi"-1993, le consideraron poco a poco como un creador maduro.

 

  Su peculiar "Historia (s) de Cinéma" - 1997-1998 de ocho volúmenes, fue su testimonio más personal sobre el papel del cine en la sociedad durante un siglo. "Elogio de amor" ("Eloge del'amore"-2001) y "Nuestea música" ("Notre musique"-2004) reflejan su devoción por la literatura y la música clásica en escenas introspectivas, dificiles de digerir, pero brillantes. Las películas de Godard han alterado el curso de la historia del cine por si solas,  le dieron conciencia política cuando lo necesitaba. Más adelante, simplemente se dedicó a hacer cine, lleno de sabiduria y belleza.

19/09/2021 09:08 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

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                Jean-Paul Belmondo

                    l’enfant terrible

  El pasado 6 de septiembre y después de una larga enfermedad falleció en Paris a los 88 años de edad el actor Jean-Paul Belmondo, una de las principales figuras del movimiento cultural francés conocido como la Nouvelle Vague.

  Hijo del famoso escultor Paul Belmondo, Jean-Paul debutó en el cine en 1957 y se convirtió como bien he dicho en una importante figura de la Nouvelle Vague por su papel en "Al final de la escapada" ("A bout  de soufle"-1960), de Jean-Luc Godard, se mostró natural, cinico e incluso denso, habia nacido un nuevo tipo de personaje.

  En realidad Belmondo no tenia fisico de gran estrella, pero su virilidad y su encanto en cierto modo insolente, le diferenciaban de Alain Delon, en muchos sentidos, su alter ego, y asi sedujo a algunos de los directores más influyentes de la época como Claude Chabrol, Françoise Truffaut y Alain Resnais.

  Era capaz de interpretar casi todo, fue incluso un convincente sacerdote para Jean Pierre Melville en "Leon Morin, sacerdote" ("Leon Morin, prêtre"-1961). Sin embargo a partir de mediados de los años 60 con películas como "Las tribulaciones de un chino en China" ("Les tribuations d’un chinois en Chine"-1965), una popular mezcla de acción y comedia en la que encajaba muy bien, se pasó al cine comercial y pronto se convirtió en el actor francés más famoso de su época.

  Lleno de energia protagonísta siempre de sus propias acrobacias (ya era un completo atleta antes de asistir a clases en el Centro Nacional Superior de Arte Dramático de Paris), desafortunadamente Belmondo quedó cada vez más encasillado en personajes similares que el público ya conocia, aunque fue capaz de interpretar papeles donde se burlaba de si mismo.

  En 1989 le dieron el César por su papel en  "El imperio del león" ("Itinéaire d’un enfante gâle"-1988). Desgraciadamente sus últimas películas raramente han contribuido a mejorar su reputación. En los últimos años Belmondo prefirió centrarse en los escenarios, pero desde que sufrió un ataque de apoplegia en 2001, ha estado ausente tanto del cine como del teatro.

  Aunque no obstante ese mismo año rodó una serie para la televisión francesa titulada "L’aîné des Ferchaux" dirigida por Bernard Storo, que trata la vida de un rico empresario atrapado en una red judicial. Volvió en el 2008 donde hizo hizo su último trabajo para el cine con la película "Un hombre y su perro" ("Un homme et son chien"-2008) de Francis Huster y teniendo como compañeros de rodaje a Max von Sydow y Charles Aznavour, y en donde Belmondo interpreta a un profesor jubilado.

  En 2007 fue condecorado con la Legión de Honor en el grado de Comandante. Y al dia siguiente de su fallecimiento se le rindió un homenaje nacional en Los Inválidos de Paris.

  Jean-Paul Belmondo - Nevilly-sur-Seine (Francia) - 9 - abril - 1933 - Paris (Francia) - 6- septiembre- 2021.

                                             ¡DESCANSE EN PAZ!

11/09/2021 09:29 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Annie Hall (1977)

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  "El sexo es lo más divertido que he hecho sin sonreir".

   Maravillosa pelicula de género comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Marshall Brickman. Un  guionísta y director de cine nacido por casualidad en Rio de Janeiro (Brasil). Mundialmente conocido por sus colaboraciones con Woody Allen,. Después de asistir a la Universidad de Wiscosin-Madison, se convirtió en miembro del grupo folclórico "The Tarrios" en 1962 y tras su disolución en 1965 se dedicó exclusivamente a escribir guiones para el cine, dirigiendo varios de ellos. Pero su éxito lo logró a nivel mundial colaborando con Allen en películas como por ejemplo: "Annie Hall"-1977 y "Misterioso asesinato en Manhattan" ("Manhattan Murder Mystery"·-1993) entre otras muchas más.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue como no Woody Allen. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que produce una película al año, protagonizada por él mismo casi interrumpidamente desde los años 60. Clave para el estereotipo de su fisico menudo, sus gafas y sus entradas, y una tendencia a la pantomina y la queja perpetua, hasta el punto de que esa queja está en la base de su humor. Verbalmente hábil, no da el tipo de galán protagonísta pero es el centro de la escena en películas donde su neurosis es irritante y a la vez entrañable.

  Empezó escribiendo chistes y guiones para la televisión, antes de debutar con la película "Lily la tigresa" ("Wath’s Up, Tiger Lily?"-1966), canaliza su capacidad de observación con un discreto personaje, sus inteligentes diálogos que convierten sus películas en notorias, esté delante o detrás de la cámara. De su trabajo como actor destacan "Bananas"-1971, "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar" ("Every thing You Always wanted to know About Sex"-1972) y "El dormilón"("Sleeper"-1973), antes de entrar en su fase madura con "Annie Hall"-1977. Con la que ganó un Oscar al Mejor Guión y a la Mejor Dirección, y obtuvo su única nominación como actor además de llevarse el premio a la Mejor Película.

  Exibia los eternos problemas de Allen con inteligencia y agudeza, el enfrentamiento entre las sensibilidades de la costa este y oeste de Estados Unidos, los problemas del verdadero amor y las complicaciones del éxito profesional y la realización personal. Afortunadamemte, su tendencia hacia la oscuridad "Manhattan"-1979 es solo un reflejo en sus peliculas que son importates por su humor y fuerza interpretativa, como "Hannah y sus hermanas" ("Hannah and Her Sisters"-1986), y "Maridos y mujeres" ("Husbands and Wives"-1992). Esta tendencia es también la que le permite trabajar como actor y director en todos sus demás proyectos. Su última película (hasta la fecha) estrenada en el cine como actor y director ha sido "Rifkin’s Festival"-2020, una comedia en coproducción con Italia y España.

  Asi pues, Allen nos lleva hasta su ciudad favorita Nueva York, y un poquito a Los Angeles, a lo largo de algo más de un año en 1976. Y nos cuenta la hisoria  de Alvy Singer y su pareja actual Annie Hall. Alvy es un actor cómico de unos 40 años, neurótico, chistoso. enamoradizo, con temores y miedos al matrimonio, divorciado dos veces, enfermizo, que lleva 20 años sometiéndose sin éxito, a terapia psicológica... Annie, de Wisconsin, de unos 30 años, pareja de Alvy, es guapa, inteligente e insegura... Alvy, en funciones de Pigmalión, le aconseja visitar al psicoanalísta y leer obras de creación literaria... La pareja vive en una etapa de enamoramiento, a la que sigue otra de divergencias y distanciamiento...

  La película pues, se asienta sobre una estructura narrativa fragmentada por flasbacks (amores anteriores), intervenciones de Alvy dirigidos a la cámara (explica un chiste de Groucho Marx), sueños, escenas de animación (Annie compara en sueños a Alvy con la bruja de "Blancanieves"), imágenes con subtitulos (que revelan el verdadero pensamiento de los interlocutores), división de la pantalla en dos partes desde las que los actores se interpretan.

  También la historia glosa la dificultad de las relaciones amorosas prolongadas, las obsesiones morales sobre el sexo, el amor y la fidelidad, , las dudas e indecisiones ante una realidad que cambia, la inmadurez emocional. Refleja con acierto como se entendia el amor en la década de los 70. Y supone un giro en los trabajos del autor, que se orienta hacia un amor sútil y reflexivo. Contiene referencias cinéfilas a "La Strada"-1954, "Vidas rebeldes" ("The Misfits"-1961), "Satiricón"-1969, "Cara cara al desnudo"-1976 de Ingmar Bergman, "El padrino" (The Godfather2-1972) y al documental "La pena y la piedad"-1969.

  Se critican jocosamente los expresidentes Heisenhover y Johnson y se habla de la conspiración que mató a Kennedy. Las citas ocultas incluyen a Balzac, James Joyce, Henry James, Samuel Beckett y otros. Abundan las escenas surrealistas, como la de la cola del cine ante la que Alvy presenta a Marshall McLuhan y la de la cúpula de la pareja durante la que el alma de Annie se separa del cuerpo y, aburrida, se sienta y dialoga con los dos. Es destacable la escena cómica de las langostas y la comparación de Los Angeles con Nueva York.

  La musica es muy escasa, incluye solamente dos canciones melódicas pero eso si magníficas, "Seems  Like Old Times" de Guy Lombardo y "It Had To Be You" de Frank Sinatra.

  La fotografía en color fue dirigida por Gordon Willis. Un director de fotografía nacido en Massachusetts. Muy conocido por sus colaboraciones con Woody Allen, "Manhattan"-1979, Francis Ford Coppola, "El padrino" ("The Godfather"-1972) y Alan J. Pakula, "Todos los hombres del presidente" ("All the President’s Men"-1976). También dirigió una película "Ventanas" ("Windows"-1980) con Talia Shire, pero obtuvo criticas muy negativas. En 2009 obtuvo un Oscar honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica.

  Y en esta espléndida historia de amor, realizando tomas largas y construyendo escenas de una sola toma de gran fuerza.

  Excelente la pareja  protagonísta: Woody Allen, "Granujas de medio pelo" ("Small Time Crooks"-2000) y Diane Keaton, "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money"-2008), él dando vida a Alvy Singer y ella metida en el personaje de Annie Hall.

  Y con la pareja: Tony Roberts, "Plantón al cielo" ("18 Again!"-1988) como Rob; Shelley Duval. "El resplandor" ("The Shining"-1980) como Pam; Christopher Walken, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) como Duane; Janet Margolin, "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Dun"-1969) como Robin. Y también podemos ver al cantante Paul Simon del dúo Simon y Garfunkel...

  En definitiva: Una película apabullante, genial y enormemente recomendable. Matricula de Honor.

  "Annie Hall" logró 4 Oscar en 1977: Película, Director, Actriz (Diane Keaton) y Guión original (Woody Allen y Msarshall Brickman).

  A modo de curiosidad: El titulo original de la película no iba a ser "Annie Hall". "Anhedonia" era el elegido, que en griego significa "imposibilidad de sentir placer". Un titulo que hubiese encajado bastante bien con el personaje de Allen.

26/08/2021 09:17 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Taxi Driver - 1976

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  "Escuchad imbéciles de mierda, aqui hay un hombre que va a cortar por lo sano, un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la podredumbre, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso".

  Poderosa película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine por un guión de Paul  Schrader. Un director de cine y guionísta nacido en Michigan. Educado en una estricta fe calvinista que le marcaria profundamente, no vió una película hssta cumplir 18 años de edad. Se graduó  en el UCLA Film Studios y se convirtió en critico de cine para el periódico Weekly Press de Los Angeles. En 1975 escribió junto con su hermano el guión de "Yakuza" que posteriormente dirigiría Sydney Pollack. En 1976 escribió "Obsession" dirigida por Brian de Palma y ese mismo año Martin Scorsese se encargó de dirigir su guión "Taxi Driver". Como director también tiene un extenso historial con películas  como por ejemplo: "American Gigolo"-1980 con Richard Gere y "Blue Collar"-1978 con Richard Pryor.

  "Taxi Driver" está dirigida por Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Scorsese es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito cada proyecto y su obra no sea del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado su valoración pública como director de cine, más de la que cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con la que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de generalidad pero también sintomas de un exceso artístico. El recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo.

  Este riesgo de reconocer formalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos rspectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar.

  En ese sentido, Scorsese puede resultar, algo pomposo. El hecho de que sepa reconocer ka fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico entorno a la fotogenia, no solo como medio para contar historias, sino también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explica que la obra de Scorsese, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de las cámaras en celebridades. Ha recibido el premio a toda su vida del American Film Institute (Institución de Cine Estadounidense). Tieme 11 nominaciones al Oscar, ganándolo una vez por "Infiltrados" ("The Departed"-2007) y dos nominaciones al mejor guión adaptado. Aparte de los BAFTA y Globos de Oro. Su última película estrenada en los cines hasta la fecha (como director) ha sido "El irlandés" ("The Irishman"-2019).

  La acción pues, tiene lugar en 1975 en Nueva York. Y está narrada en primera persona por el protagonísta, un tal Travis Bickle, antiguo "marine", veterano de la guerra de Vietnam, de 26 años de edad y mentalmente inestable, trabaja de noche como taxista a causa del insomnio que padece. Es un personaje solitario e inadaptado, presa de depresiones acompañadas de ansiedad. Sus intentos de relaciones con otras personas como por ejemplo con Betsy, Pauline, Iris, etc., fracasan a causa de su torpeza y errores. Sumido en la soledad, su desvarío mental se agudiza y sus acciones se apartan cada vez más de la lógica. Sustituye los intentos de integración personal por intentos quijotescos de solución de las personas que admira y aprecia, a las que propone "liberar" de las garras de quienes los engañan, utilizan y explotan...

  A través de los ojos del protagonísta, la película muestra el submundo decadente, enfermizo y corrupto de la gran ciudad, poblada de desaprensivos, chulos, prostitutas, rateros, ladrones, fracasados, criminales, asesinos y similares. La ciudad sucia, húmeda, maloliente, agobiante y sin esperanza, es el escenario psicológico en el que se mueve el protagonísta. El mundo que ve en él topa frontalmente con sus prejuicios convencionales sobre el bien, la virtud y la moral.

  La fotografia en color corrió a cargo de Michael Chapman. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine como asistente y operador de cámara, y debutó como director de fotografía con "El último deber" ("The Last Detall"-1973) de Hal Asbhy. Debido a su gran labor en "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980) por el que recibió una nominación al Oscar, Carl Reiner lo contrató para hacer "Cliente muerto no paga" ("Dead Men Don’t Wear Plaid"-1982) protagonizada por Steven Martin. Además de su gran trayectoria como director de fotografía, también dirigió algunas películas como por ejemplo: "La clave del éxito" ("All the Right Mones"-1983) protagonizada por Tom Cruise.

  Y aqui, aportando un intenso y excelente trabajo de cámara, muchos "zooms", ralentización de imágenes. distorsiones de los personajes, iluminación expresionísta (que recuerda la del cine negro clásico), primeros planos, sugerencias visuales, encuadres picados y otros, que aportan vigor, fuerza y pulso a la narración. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan (Nueva York).

  La banda sonora se la debemos a Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York y especializado en el género cinematográfico. Ganador de un Oscar por "El hombre que vendió su alma" ("The Devill and Daniel Webster"-1941). Es mundialmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles, "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y sobre todo con Alfred Hitchcock en películas como por ejemplo: "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956), "Vértigo"-1958 y "Psicosis" ("Psycho"-1960). Con ello ya mostraba un claro interés por conceptos de la vanguardia musical de la segunda mitad del siglo XX.

  Y aqui, mostrándo una música potente, gratamente ritmíca y envolvente. La película consta de 16 temas, entre los que sobresalen el "Main Tittle" (con un magnífico solo de saxo alto), "God’s Lonely Man (End Tittle"), The Days Do Not End" y "Betsy vestid de blanco". Fué el último trabajo de Hermann ya que falleció semanas antes del estreno.

  Extraordinario Robert De Niro, "El cazador" ("The Deer Hunter"-1978) metido en el cuerpo de Travis Bickle un taxita nocturno de Nueva York que apenas tiene contacto con los demás. Y seguido muy bien por Cybill Shepherd, "El cielo se equivocó" ("Chances Are"-1989) como Betsy; Jodie Foster, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) como Iris; Peter Boyle, "Atmósfera cero" ("Outland"-1981), como Wizard; Albert Brooks, "Al filo de la noticia" ("Brocdcast News"-1987) como Tom; Harvey Keitel, "La búsqueda" ("National Treasure"-2004) como Sport...

  En dedfinitiva: "¿Me estás hablando a mi?"   Matricula de Honor

  "Taxi Driver"Estuvo nominada al Oscar en los siguientes apartados: Pelicula, Actor (Robert De Niro), Actriz secundaria (Jodie Foster) y Música (Bernard Hermann).

  Como curiosidad: Para prepararse el papel Robert De Niro trabajó como taxista durante un mes dedicándole doce horas diarias. También estudió la enfermedad mental del personaje. En cuanto a la forma de hablar, De Niro estudió los dialectos del Medio Oeste para darle un acento pleno y una voz desinchada a Travis Bickle.

16/08/2021 08:03 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Tiburón (Jaws - 1975)

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  "Bueno esto no es un accidente de bote. No fue ninguna hélice. No fue ningún arrecife de coral... Y no fue Jack el Destripador. Fue un tiburón".

  Una de las grandes películas de género terror-aventuras y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Peter Benchley. Un escritor nacido en Nueva York. Tras cursar sus estudios en Harvard, trabajó sucesivamente en el Washington Post en la que llegó a ser editor de la revista Newsweek. Su primer libro fue precisaente "Jaws" que fue publicado en 1974, convirtiéndose inmediatamente en un éxito de ventas. Fue catapultado definitivamente al estrellato tras llevar a la pantalla grande esta novela.

  Del guión se hicieron cargo el propio Benchley ayudado por Carl Gottlieb. Un guionísta y actor nacido también en Nueva York. Empezó a escribir guiones para la televisión. Asimismo apareció en varias películas como actor como por ejemplo en "MASH"-1970 de Robert Altman. En 1968 se unió al Gremio de Guionístas de Estados Unidos, en el que ha desempeñado diversos cargos y del que actualmente a sus 83 años es secretario-tesorero.

  "Tiburón" está dirigida por  Steven Spielger. Un cineasta nacido en Cincinnati (Ohio). Cuando era un niño siempre se imaginaba películas, empezó a filmarlas en 8 mm cuando tenia unos doce años de edad. Formado en televisión, donde dirigió programas como "Marcus Welby, M.D."(1970), su primer trabajo cinematográfico serio llegó con "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971), película en la que un afable hombre de negocios interpretado por Dennis Weaver es perseguido por un diábolico camión. Posteriormente rodó otra historia de carretera, "Loca evasión" ("The Sugarland Express"-1974), sobre un convicto escapado que atraviesa el pais junto a su mujer y su hijo mientras los policias le persiguen formando una larga caravana cada vez más agresiva.

  En 1975 de dió a conocer en todo el mundo adaptando al cine "Tiburón", el libro de Peter Benchley sobre tres hombres no demasiado compatibles que zarpan juntos para matar un malvado tiburón. La película cautivó al público con su ingenioso montaje y su narrativa reforzada por una banda sonora escalofriante, Spielberg fue aclamado como un nuevo niño prodigio del cine. Durante los diez años siguientes triunfó con "Encuentro en la tercera fase" ("Close Encounters of the Third Kind"-1977), "1941"-1979, "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark"-1981), "E.T.El Extraterrestre" ("E.T.:The Extra-Terrestrial"-1982), "Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones and the Temple of Doom"-1984) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), una adaptación del best-seller de Alice Walker sobre la esclavitud, la enmancipación y la condición femenina.

  Todas las películas enfatizan una visión sentimental del mundo en perfecta sinfonia con la sensibilidad burguesa del público e incorporan elegantes movimientos de cámara, una meticulosa puesta en escena, con decorados verosimiles y evocativas interpretaciones de actores seleccionados con rigor que, en muchos casos, son jóvenes o transmiten inocencia juvenil ante la cámara.

  Con el tiempo, "E.T. El Extraterrestre" se ha convertido en un icono. Narra la historia de un niño que entabla amistad con un extraterrestre abandonado en la Tierra por accidente y explora la capacidad de asombro de la infancia en el contexto de un malévolo mundo adulto. La criatura alienígena un robot creado por Carlo Rambaldi, enterneció al público con su gusto por la cerveza, su capacidad para curar heridas por imposición de manos y la morriña que siente por su planeta: "¡E.T., teléfono, mi casa!".

  "El imperio del sol" ("Epire of the Sun"-1987), narra con una sorprendente cualidad sinfónica el encarcelamiento de un joven británico, James  "Jamie" Graham (interpretado extraordinariamente por Christian Bale) cerca de Shanghai durante los dias previos de la explosión de la primera bomba atómica. Spielberg crea una película evocativa y armoniosa centrada en lo visual y con una gran fuerza y un gran atractivo, combinando con aplomo escenas de plató y exteriores, concibiendo y ejecutando complicadas secuencias de acción y aprovechando el dolor que produce en el niño verse separado de sus padres,  sus asombrosas habilidades de supervivencia en diversos campos de prisioneros, su casi muerte por inanición y la reconciliación final en brazos de su madre.

  En dos películas de los años noventa basadas en la novela  de Michael Crichton, "Parque Jurásico" ("Jurassic Park"-1993),  Spielberg crea una aventura en un parque de atracciones habitados por clones de bestias prehistóricas, "A.l:Inteligencia artificial"-2001 también aborda el tema de la clonación, al igual que "Minority Report"-2002, en el que el castigo antecede al crimen. Este éxito de taquilla protagonizado por Tom Cruise es una alrgórica bofetada a las maniobras políticas realizadas por la derecha a la estela del fatídico 11 de septiembre. Sus películas posteriores fueron  algunas de ellas recibidas con menor entusiasmo, pero su mejor momento todavía  estaba por llegar.

  Steven Spielberg es un apasionado de la 2ª Guerra Mundial y asi se refleja en películas como "Salvar al soldado Ryan"("Saving Private Ryan"-1998). Se trata de una de sus mejores películas, que sedujo a critica y público por igual pero sorprendentemente no ganó el Oscar a la mejor película. "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993) es la historia de un hombre que salvó a numerosos judios de los campos de exterminio.

  Su última película estrenada hasta la fecha se titula "Ready Player One"-2018. Una aventura de ciencia-ficción centrada en el año 2045.

  La acción pues, tiene lugar en la costa concretamente en el litoral de la isla Amity (Nueva Inglaterra), crntro turístico de verano situado en la costa atlántica de Estados Unidos. La aparición de varios turistas muertos hace que el jefe de policia Martin Brody, el oceanógrafo Matt Hopper y el cazador Quint  unan sus fuerzas para identificar al responsable de las muertes, perseguirlo y reducirlo. Brody es un experto policia de Nueva York, de servicio en Amity, que tiene miedo al mar, Hopper es estudiante de buena familia, Quint es un veterano del Vietnam, con problemas emocionales y psicológicos, que se dedica profesionalmente a la caza de tiburones...

  La película suma terror, suspense, thriller, cine de catástrofes y por supuesto aventuras. Spielberg aqui con 28 años de edad, construye una esmerada película de suspense clásico, que sigue las postuladss básicas de Hitchcock. Los hechos que muestra se presentan rodeados de interrogantes e incertidubre y el progreso de la narración descubre gradualmente referencias cada vez más inquietantes, que enfrentan al espectador con el miedo a lo desconocido. Solo cuando la película está planteada y la acción avanzada desvela quien es el responsable de los ataques mortales a personas. Hace uso intensivo de la sugerencia: durante mucho tiempo no se ve al causante del mal, sino sólo los efectos de sus acciones.

  Se ajusta a la estructura de las antiguas películas de monstruos, que juegan con lo desconocido, lo misterioso y la presencia del mal. Algunos comentaristas ven paralelísmo entre "Tiburón" y "Moby Dick"-1956 de John Huston, aunque la ballena representa a Dios y el tiburón encarna al diablo. En conjunto, la película aporta más angustia y terror que suspense. Contiene elementos de aventura que enfrentan a personajes ordinarios con situaciones que requieren cooperación, trabajo en equipo, la ayuda de la amistad y el apoyo del compañerísmo.

  Algunos criticos consideran que la película constituye una variación de "El diablo sobre ruedas" ("Duel"-1971) también de Spielberg. En todo caso, es una variación con diferencias notables, mayor intensidad y momentos culminantes de terror. Obtuvo un gran éxito de taquilla.

  La película enmarca en el contexto de una etapa en la que se pone de moda el cine de catástrofes y proliferan las películas de este género. Entre ellas cabe citar "La aventura del Poseidón"("The Poseidon Adventure"-1972) de Ronald Neame, "Terremoto" ("Earthquake"-1974) de Mark Robson, "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"-1974) de John Guillermin y Irwin Allen, "Hindenburg"-1975 de Robert Wise, etc..Identifica el mal con la voracidad, la insaciabilidad, la fuerza bruta, la agresividad, la ocultación, los ataques por sospresa, las acciones a traición y la estupidez.

  La película habla en términos de parábola de los conflictos, miedos y frustraciones de los Estados Unidos, como el Vietnam, la amenaza nuclear, los héroes de guerra psicológicamente rotos, la presencia del mal organizado (Rusia, Mafia, tráfico de estupefacientes, los sentimientos de culpa colectivos, etc.). Veladamente se refiere a las incertidumbres que, para algunos, se dan asociadas a las innovaciones y cambios culturales y sociales de los paises avanzados, como la liberación sexual, la igualdad de las mujeres, el retroceso de los valores tradicionales (disciplina, obediencia, sumisión...) y el auge de los valores de la nueva sociedad (innovación, creatividad, iniciativa, flexibilidad...), etc.

  Habla de problemas antiguos tan arraigados como el individualísmo, el egoísmo, la defensa del interés particular frente al general, las perspectivas ilimitadas e inmediatistas a la hora de juzgar los problemas colectivos, las situaciones de riesgo que crea la propia sociedad (crisis del petróleo de 1973-78), la escasa capacidad de decisión de los políticos ante problemas nuevos y comprometidos. Ve a la naturaleza como fuente de catástrofes (terremotos, incendios...). Trata temas constantes del realizador: la relacción padre/hijo, hombres ordinarios enfrentados a hechos extraordinarios, etc.. La película es más compleja y densa de lo que parece contiene varios niveles de lectura e interpretación, que dan profundidad a la historia y a la película.

  La película (y como punto final) compone una historia terrorífica, perturbadora, vibrante y angustiosa. Hace uso de imágenes espectaculares (primer plano del tiburón), escenas memorables (los hombres se muestran las cicatrices bajo la cubierta del barco), secuencias inolvidables (historia del Indianápolis y de su hundimiento el 29-VI-1945) y reacciones tan gráficas como la desesperación de Quint (cuando quiere olvidar cantando a grandes voces).

  La banda sonora fue obra de John Williams. Un compositor y director de orquesta nacido en Nueva York. Ganador de cinco Oscar y, con la friolera de haber sido nominado en 52 ocasiones. Está considerado como uno de los compositores más prolíficos de la historia del cine, componiendo musica para muchas de las películas más famosas y reconocibles de todos los tiempos. Su estilo más común sule ser descrito como una forma de un neorromantocísmo principalmente con influencias de compositores del romantocísmo alemán como Richard Wagner y Max Steiner entre otros. También compuso la música para cuatro Juegos Olímpicos. Entre sus múltiples bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El violinista  en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971), "Tuburón" (Jaws"-1975) y "La lista de Schindler" ("Schindler’s List"-1993). En 2020, fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes, junto con Ennio Morricone.

  Y aqui, recogiendo ecos de Stravinsky ("La consagración de la primavera"), Bernhard Herrmann (Psicosis"-1960) de Hitchcock, y Bela Bartok. Compone una partitura de 12 cortes, con un tema central de terror (contrabajo), que se asocia al tiburón y anuncia su proximidad.

  La fotografia en color fue dirigida por Bill Butler. Un director de fotografía nacido en Colorado (Estados Unidos). se graduó con el titulo de ingeniero en la Universidad de Iowa. Sus comienzos como ingeniero fueron en la estación de radio en Gary (Indiana). Más tarde se traslsdó a Chicago donde ayudó a diseñar y construir las primeras estaciones de televisión en la ABC. Alli realizó varios programas, pero Wulliam Friedkin lo animó para la gran pantalla. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y ganó un BAFTA por "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"-1975) de Milos Forman. En abril de 2013, el Festival de Cine de Charleston le otorgó el premio inagural a su trayectoria cinematográfica. 

  Y aqui, mostrando unas imágenes impactantes y creando un climax verdaderamente escalofriante. La escena en la que el escualo bajo el agua, a pocos centímetros de la superficie es verdaderamente aterradora. La película se rodó en escenarios naturales del Pacífico Sur (Australia), Isla Santa Mónica (California), Isla Martha’s Vineyard y en la ciudad de Falwouth (Masachusets).

  Sensacional el trio protagonísta: Roy Scheider, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979) como Brody; Richard Dreyfuss, "Poseidón"-2006 como Hooper y Robert Shaw, "Domingo negro" ("Black Sunday"-1977) como Quint. Y con ellos Lorrane Gary, "1941"-1979 como Ellen la esposa de Brody; Murray Hamilton, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Vaughn; Carl  Gottlieb, "Doctor Detroit"-1983 como Meadows; Susan Backlimie, "El dia de los animales" ("Day of the Animals"-1977) como Chrissie...

  En definitiva: Una película llena de acción con personajes realmente creibles y con escenas espectaculares, que hacen de mantener el miedo dentro del cuerpo del espectador.  Matricula de Honor.

  "Tiburón" logró 3 Oscar en su año: Montaje (Verna Fields), Banda sonora (John Williams) y Sonido (Robert Hoyt, Roger  Heman, Earl Madery y John Carter).

  "Tiburón" posiblemente sea la película con más secuelas de la historia del cine. Las más significativas aunque ninguna llegó a alcanzar el éxito que logró esta fueron: "Tiburón 2"-1978 de Jeannot Szware e interpretada también por Roy Scheider, "Tiburón 3"-1983 de Joe Alves e interpretada por Dennis Quaid y "Tiburón 4"-1987 de Joseph Sargent e interpretada por Michael Caine, etc.etc.

 

02/08/2021 08:09 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

La profecia (The Omen-1976)

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          En recuerdo de: Richard Donner

  "Cuando los judios regresen a Sión, un cometa surge del cielo y el sacro imperio renazca, entonces tú y yo moriremos. Del mar eterno surgirá aquel que creará poderosos ejércitos, y volverá al hombre contra su hermano hasta que ya no exista más..."

  Aterradora y a la vez magnífica pelicula de género de terror y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de David Seltzer. Un guionísta y director nacido en Illinois. Muy conocido por haber escrito precisamente esta novela. En 1971 contribuyó como guionísta no acreditado en la película musical "Un mundo de fantasia" ("Willy  Wonka and the Chocolate Factury"). En 1976 se incrementó su popularidad al ser solicitado por Richard Donner para escribir "La profecia". Tanto la película como el libro constituyeron uno de los mayores éxitos de los últimos tiempos.

  "La profecia" está dirigida por Richard Donner. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre muy reconocido por realizar películas de diversos géneros como por ejemplo la de terror "La profecia" ("The Omen"-1976), la de  culto juvenil de aventuras "Los Goonies" ("The Goonies"-1985), y por haber sido el encargado de la primera adaptación del superhéroe Superman a la pantalla grande "Superman"-1978 protagonizada poe Christopher Reeve y Marlon Brando, entre otros proyectos. También era el encargado de realizar la segunda secuela de ésta "Superman II"-1980 pero fue reemplazdo por Richard Lester a mitad de la producción. Sin embargo Donner, si terminó realizando su propia versión de "Superman II" titulada "Superman II: The Richard Donner Cut", lanzada en 2006.

  La historia da comienzo cuando Kathy Thorn da a luz a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la verdad y sustituye a su hijo por un niño huérfano, ignorando su origen satánico. El horror empieza cuando, en el cumpleaños de Damien (nombre del niño), inesperadamente, su niñera se suicida. Un sacerdote que trata de advertir a Robert del peligro que corre, muere en un inesperado accidente. El creciente número de muertes hace que Robert, por fin se de cuenta de que el niño adoptado es el Anticristo y que hay que eliminarlo para impedir que se cumpla una terrible profecia...

  Una de las mejores películas de terror de los años 70. Una película del todo convincente y fascinante y, en donde sabe llevar con firmeza y sin caer en clichés todo lo relativo al Mal y su entorno. Donner pues, nos ofrece toda una lección de estilo sabiendo aterrorizar a base de inolvidables y muy bien ubicados golpes de efecto (todo lo relativo a las muertes de los personajes).

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Jerry Goldmith. Un compositor nacido en Los Angeles. Aprendió a tocar el piano a los seis años de edad., y a los catorce estudió composición con los maestros Jakob Gimpel y Mario Casternnovo. Su música no se quedaba estancada en ningún estilo, sino que se adaptó a las exigencias de cada una de sus películas. Sus comienzos fueron para la televisión en series tan exitosas como: "Perry Mason" y "El agente de CIPOL" que por supuesto le dieron a conocer. Solamente recibió un Oscar precisamente por "La profecia", aunque estuvo nominado en la friolera de 17 ocasiones.

  Y aqui, creando posiblemente la mejor musica de todas sus películas, toda una obra maestra de principio a fin. Una banda sonora inconfundible, y en la que la presencia del Mal puro nunca ha sido igualado.

  La fotografía en color fue dirigida por Gilbert Taylor. Un veterano director de fotografía nacido en Inglaterra. Después de seis años de servicio en la 2ª Guerra Mundiak como oficial en la reserva voluntaria de la R.A.F., se convirtió en operador de cámara. Trabajó en varias películas destacadas por su estilo cinematográfico en especial "Qué noche la de aquel dia" ("A Hard Day’s Night"-1964), "La profecia" ("The Omen"-1976) y "Star Wars"-1977) entre otras.

  Y aqui, creando una historia en color pero teniendo una sensibilidad en blanco y negro, para asi acentuar el creciente horror de la trama. Aunque el inicio de la película fue rodado en Roma, la mayor parte fue rodada en Inglaterra concretamente en Londres.

  Sensacional Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Robert Thorn, el padre, y como compañera Lee Remick, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) como la madre y esposa.

  Y con ellos David Warner, "Los héroes del tiempo" ("Time Bandits"-1981) como Keith Jennings; Patrick Trougthon, "Las cicatrices de Drácula" ("Scars of dracula"-1970) como el padre Brennan; Billie Whitelaw, "Cristal oscuro" ("The Dark Crystal"-1982) como Baylock. Y atención a Harvey Stephens dando vida al "pequeño" Damien.

  En definitiva: Una obra maestra del cine de terror. Una película de imprescindible visionado. Una obra de arte imperecedera.  Matricula de Honor.

  "La profecia" logró el Oscar a la Mejor banda sonora (Jerry Goldsmith).

  En 1978 Don Taylor dirigió "La maldición de Damien"("Damien: Omen II") que resultó más que aceptable. Y en 1981 Graham Baker hizo "El final de Damien" ("Omen III: The Final Conflict") que fue decepcionate.

27/07/2021 08:30 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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              Richard Donner

              Uno de los grandes directores

  El pasado dia 5 y a la edad de 91 años falleció el ya mítico director estadounidense Richard Donner.

  La diversiòn de este gran cineasta siempre estuvo garantizada, intentó imbuir encanto a sus personajes, fueran protagonistas o antagonistas. Su absoluta comprensión de la importancia de la historia, el tono y el ritmo siempre le permitió desenvolverse con facilidad en géneros diferentes, desde las películas de terror, como "La profecia" ("The Omen"-1976), hasta las aventuras del comic, como"Superman"-1978, pasando por las películas de acción y las comedias.

  Donner pasó veinte años dirigiendo para la televisión antes de ser contratado para realizar "La profecia". Tras eliminar del guión los aspectos selecionados con la adoración del diablo, se centró en el terror de un padre comvencido de que debe de matar a su hijo.

  La película fue un éxito de taquilla y le permitió rodar una película más influyente "Superman"-1978. Donner era consciente de que el público tenia que creer que un hombre podria volar para tomarse en serio a sus personajes. Desgraciadamente al final se tardó un año en perfeccionar los efectos especiales, lo que retrasó la producción de la película y obligó a suspender el rodaje de "Superman II"-1980.

  Los productores se mostraron disgustados por estos retrasos y pese a que "Superman" fue un gran éxito no pudo terminar "Superman II". Donner se centró luego en trabajos de menor presupuesto.

  En su producción  posterior destaca una película de culto "Los fantasmas atacan al jefe" ("Scrooged"-1988), que logró una insólita dulzura con un guión sadomasoquísta. Sin embargo su película más pòpular ha sido la saga de "Arma letal", en la que los personajes han evolucionado hasta convertirse en un grupo adorable. Aunque sus vidas puedan estar llenas de violencia y muerte, los amigos y la familia hacen que la vida merezca la pena. Su última película fue "16 calles"("16 Blocks"-2006), una historia de persecuciones protagonizada por Bruce Willis.

  En 2000, recibió el Premio del Presidente de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasia y Películas de Terror. También fue nominado al Mejor Director en 1978 por "Superman". Fué además uno de los escritores del comic "El último hijo de Krypton", donde llama Christopher al hijo del General Zod, en honor de Christopher Reeve.

  Richard Donald Schwartzber (Richard Donner) - Nueva York - 24- abril - 1930 - Los Angeles - 5 - julio - 2021

                                   ¡DESCANSE EN PAZ!

09/07/2021 16:29 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein - 1974)

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  ¿Doctor Frankenstein?.. Es Frankonstein... ¿Y también dice usted Frodorick?...

  Divertidísima y a la vez dispararada pelicula de género de comedia de terror y de nacionalidad  estadounidense, basada en una novela de Mary Shelley. Una escritora, dramaturga, ensayista y biógrafa nacida en Londres. Muy reconocida principalmente por ser la autora de la novela gótica "Frankenstein o el modeno Promoteo" (1818), considerada la primera novela de ciencia-ficción moderna y, que logró inagurar el género. También editó y promocionó las obras de su esposo, el  poeta y filósofo romántico Percy Bysse Shelley. Su padre fué también el filósofo y político William Godwin y su madre la filósofa Mary Wollstowecraft.

  Del guión se hicieron cargo Gene Wilder. Un cineasta nacido en Wisconsin. Se convirtió en actor de la gran pantalla gracias a su perfecta actuación en una escena de "Bonnie and Clyde"-1967. En una producción de Broadway, "Morther Courage and Her Children" (1963), conoció a Anne Bancroft, que en aquella época salia con Mel Brooks (se casaron en 1964). Entre los dos hombres se creó una complicidad inmediata, y la amistad hizo que Wilder se convirtiera en parte del "inventario" de la compañia de Brooks.

  Wilder en contra de todas las presiones, consiguió hacerse su propio hueco en la pantalla gracias a su exibición como el errático contable Leo Bloom en el primer tercio de la comedia de Brooks "Los productores" ("The Producers"-1967). Fue nominado al Oscar al Mejor actor secundario por esta actuación.

  Demasiado dulce para "Tengo una prima en el Bronx" ("Quackser Fortune Has a Cousin in the Bronx"-1970) y "Un mundo de fantasia" ("Willy Wonka and the Chocolate Factory"-1971), volvió con Brooks para aparecer como el pistolero chamuscado de "Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974) y una parodia espléndida de Basil Rathbone en "El jovencito Frankenstein" (Young Frankenstein"-1974), la película que le lanzó al estrellato.

  Wilder colaboró en el guión de "El jovencito Frankenstein", se dirigió a si mismo en "El hermano más listo de Sherlock Holmes" ("The Adventure of Sherlock Holmes’ ’ Smater Brother"-1975) y siguió explotando la vena paródica con resultados menos graciosos en "El mejor amante del mundo" ("The World’s Greatest Lover"-1977) y "Terrorífica luna de miel" ("Hountod Honeywoon"-1986).

  Una genial colaboración con Richard Prior en la traviesa comedia "El expreso de Chicago" ("Silver Streak"-1976) le condujo a productos cómicos más apropiados como "Locos de remate" ("Stir Crazy"-1980) y "No me chilles que no te veo" ("See No Evil, Hear No Evil"-1989). Con "La mujer de rojo" ("The Woman in Red"-1984) que dirigió él mismo y en "Funny Baby" (Funny About Love"-1990), dirigida por Leonard Nimoy, Wilder rebasó con creces la autocomplaciencia. En 1991 seretiró del cine y en 2005 publicó sus memorias tituladas "Kiss Me Like a Stranger".

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Mel Brooks. Un cineasta nacido en Nueva York. Demostró que es posible realizar un humor loco de calidad. Debutó en la comedia trabajando como guionísta en la serie televisiva "Your Show of Shows" (1950-54). Pronto comenzaría a colaborar con el guionísta y comediante Carl Reiner con el que formaría un dúo cómico. Su primera película como director "Los productores" ("The Producers"-1967), le presentó como un autor politicamente incorrecto.

  Mel Brooks alcanzó su apogeo como director a mediados de los años setenta con dos películas casi perfectas "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974) y "Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974). La primera, que retoma la historia del mítico científico y su monstruosa creación, es una referencia de las películas de terror de la Unibersal Studios. La segunda, protagonizada como la anterior por Gene Wilder, es una divertida aproximación al western. Ambas están llenas de humor cómico y estereotipos raciales, pero Brooks demostró que esos temas tabúes ya podian ser tratados.

  Por desgracia Brooks, pronto comenzó a decaer como cineasta. "Máxima ansiedad" ("High Anxiety"-1977), una parodia de Alfred Hitchcock, era una burda imitación de sus predecedoras, mientras que, "La loca historia del mundo" ("History of the World"-1981) parecia dispersa. De hecho, durante varios años Brooks se concentró en la producción, con varios dramas como "El hombre elefante" ("The Elephant Man"-1980), de David Lynch y "La mosca" ("The Fly"-1986), de David Cronenberg.

  Volvió a colocarse tras las cámaras en "La loca historia de las galaxias" ("Spaceballs"-1987). Las siguientes películas, "¿Qué asco de vida?" ("Life Stinks"-1991), "Las locas aventuras de Robin Hood" ("Robin Hood: Men in Tights"-1993) y "Drácula, un muerto muy contento y feliz" ("Drácula: Dead an Loving It"-1995), no valian mucho. Sin embargo, su adaptación teatral musical de "Los productores" (2001), fue aclamada en Broadway.

  La historia pues, nos mete en la vida del joven doctor Frankenstein, un neurocirujano norteamericano, que trata de escapar del estigma legado por su abuelo, quien creó años atrás una horrible criatura. Pero cuando hereda el castillo de su abuelo y descubre un extraño manual científico en el que se explica paso a paso cómo devolverle la vida a un cadáver, es asi cuando comienza a crear su propio monstruo...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde su humor se apoya en la parodia que se establece de aquellas películas de la Universal de los años 30 y, por extensión, del género de terror en general. La imitación burlesca de ésta se construye con respeto, admiración, intenciones de homenaje y desde la acreditada cinefilía que caracteriza a Brooks. El desarrollo de la historia incorpora recursos de humor de muy diversa naturaleza, que se combinan con acierto y en proporciones adecuadas.

  Hay lances de humor negro, expresiones ingeniosas, ironía, sátira, juegos de palabras, equívocos, elememtos absurdos, rupturas de las convenciones habituales de la representación, torpezas, rarezas, confusiones, malentendidos, etc.

  Tienen gran importancia la gestualidad, la caracterización de los personajes, las referencias al sexo, los sobreentendidos, las innovaciones y algunos desmadres. Estos se presentan con unos niveles de contención y mesura que tienen poco que ver con los extremos quealcanzan las comedias posteriores de Brooks.

  Se incluyen escenas memorables, como  la canción a ritmo de vals que cantan y bailan dos personajes principales. Los gorgoritos que acompañan los éxtasis de amor parodian los números musicales de las películas de Jeanette MacDonald "El desfile del amor" ("The Love Parade"-1929), "Amáme esta noche" ("Love Me Tonight"-1932) y otras más.

  La película consiguió en su momento un notable éxito de público. El vigor cómico se conserva en gran medida, especialmente entre el público aficionado al cine clásico (1930-60). Entre sus virtudes perdurables se pueden citar la efectividad de las combinaciones de elementos contrarios (ternura y  fuerza bruta; ciencia y pulsiones compulsivas; lirísmo y terror...); el uso de referencias mitómanas (peinado de la novia de Frankenstein); la generalización de defectos y definiciencias personales (nadie pronuncia bien el nombre del personaje), etc.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris. Un compositor nacido en Nueva Jersey. A partir de la década de1950 y hasta la de 1970, ayudó a componer la música incidental y números de baile para varias producciones de Broadway. Trabajó con Mel Brooks, comenzando con "Los productores" ("The Producers"-1967). Después siguieron "La última locura" ("Silent Movie"-1976), "Máxima ansiedad" ("High Anxiety"-1974) entre otras.

  Y aqui, rindiendo por su parte, un homenaje de admiración al antiguo cine de terror. El tema "Young Frankenstein", el leimotiv de la película, es lirico, emotivo, pegadizo y facilmente identificable. La partitura consta de 14 temas, algunos tan gratos como "Wedding Night" y el retrato sonoro de Frau Blücher.

  La fotografia en blanco y negro fue dirgida por Gerad Hirschfeld. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en el Centro Fotográfico del Cuerpo de Señales del Ejército durante la 2ª Guerra Mundial. Al acabar la contienda estuvo como asistente de varios directores de fotografia en Hollywood. Su carrera como director de fotografia comenzó con documentales, su primera película fue con "C’-Man"-1949, interpretada por Dean Jagger y John Carradine. Durante su carrera trabajó con directores como: Sidney Lumet, Frank Perry y Mel Brooks.

  Y aqui, evocando con gracia, conocimiento de causa y entrañable nostalgia, la visualidad del cine clásico de terror.

 La película se rodó en escenarios naturales de University of Southerm (California) y los interiores en los platós de Fox Studios de Los Angeles.

  Muy bien Gene Wilder, "No me chilles  que no te veo" ("See No Evil, Hear No Evil"-1989) metido en el cuerpo de el Dr. Fredeick Frankenstein. Y con él Peter Boyle, "Atmósfera cero" ("Outland"-1981) como "la criatura"; Martin Feldman, "El eroticón" ("Every Home Should Have One"1970) como Igor; Cloris Leachman, "Las californianas" ("The Californians"-2005) como Blücher; Teri Garr, "El hada novata" ("A Simple Wish"-1997) como Inga. Y atención a un desconocido Gene Hackman, "Arde Mississippi" ("Mississippi Burng"-1988) en el papel de "el ciego"...

  En definitiva: Sin duda alguna, una película en donde Mel Brooks nos da una lección de como hacer una verdadera comedia.  Sobresaliente.

  "El jovencito Frankenstein" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión adaptado (Mel Brooks y Gene Wilder) y Sonido (RichardPortman y Gene Catamass).

  A modo de curiosidad: Mel Brooks era un fan de la película original de "Frankenstein" con Boris Karloff. Tal era su admiración por la atigua pelicula, que quiso usar muchas cosas que se habian utilizado en la versión de 1931. Mucho del equipamiento usado en la película "El jovencito Frankenstein" es el original de la versión de Karloff.

 

01/07/2021 17:22 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

El golpe (The Sting - 1973)

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  "El dinero es una llave que abre todas las puertas".

  Obra maestra de género de comedia e intriga, inspirada en hechos reales y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión de David. S. Ward. Un guionísta nacido en Providence (Estados Unidos). Ganador de un Oscar pero a pesar de ello muy poco conocido en Hollywood. Su película más importante fue precisamemente "El golpe" con la que consiguió fama y logró subir al estrellato. Luego desapareció, y volvió a aparecer en "Algo para recordar"("Sleepless in Seattle"-1993) protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan.

  "El golpe" está dirigida por George Roy Hill. Un director nacido en Minnesota (Estados Unidos). Estudió en la Universidad de Yale, donde se graduó en 1943, y más tarde en el Trinity College de Dublin. Comenzó su carrera como realizador en la televisión estadounidense dirigiendo algunos capitulos de la serie "Kraft Television Theatre" En el cine, sus primeras películas fueron adaptaciones de obras teatrales de éxito en los escenarios de Broadaway.

  Asi, en 1962 rodó su primera película importante "Cariño amargo" ("Toys  in the Attic"), sobre la relación posesiva y de dependencia-locura que un hombre ya maduro tirne en su casa con sus hermanas solteronas, para la que Roy Hill contó con Dean Martin y Gene Tierney. Sin ser una película plenamente lograda, tiene una atmósfera opresiva idónea y posee buenas caracterizaciones, aunque no logra profundizar en el porqué ni en el cómo con la contundencia que debiera.

  1964 supuso un éxito para él, con una comedia de fina e inteligente ironía protagonizada por Peter Sellers en su apogeo "El irresistible Henry Orient" ("The World  of Henry Orient"). Con esta película Hill empezó a demostrar que su cine iba a consistir en historias que fluctúan constantemente entre la risa y el drama, independientemente del género cinematográfico en que se encuadre la película suya, en un estilo personal y en cierto modo introspectivo, que impregna a sus películas más famosas "Dos hombres y un destino" ("Burtch Cassidy and the Sundance Kid"-1969) y "El golpe" ("The Sting"-1973).

  En 1966 estrenó la adaptación de un best seller de la época que se convirtió en una de las sensaciones de la temporada, "Hawaii", con tan buenas criticas como número de espectadores y muy pronto con su propio ramillete de películas imitando temática y/o escenario exótico. Más de tres horas de metraje para una superproducción de excelente calidad protagonizada por Richard Harris, Julie Andrews y Max Von Sydow en los papeles principales, con bella fotografía en color, música "sedante" y todos los ingredientes de un drama de primera línea.

  Su siguiente película supuso, al lado de esta, un fracaso de cara a la taquilla y una división entre la critica especializada, "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967) es un musical que versiona una obra de Broadway, pero también es una obra visual y estructuramente conyuntural del momento de su estreno, pero a la vez es una historia sobre la libertad frmenina y su lucha contra las convenciones sociales,  pero a la vez es una pelicula de toque fantástico e irreal, etc., lo que hace que pese a su frescura y buenos números, no pueda considerarsela una obra sólida y convincente a un nivel suficiente. No obstante, ver a Mary Tyler Moore y Julie Andrews en esta comedia musical soñadora y atractiva, tiene su aquel. 

  "Dos hombres y un destino" se estrenó en 1969 y reunió por primera vez en pantalla a dos verdaderas estrellas: Paul Newman un consagrado y Robert Redford en pleno auge. La película narra la historia de dos bandidos-ladrones que van a verse envueltos en un delito que no podrán salir indemnes tan facilmente como estaban acostumbrados, con una joven introduciéndose en sus vidas paulativamente. La comedia y el drama se entremezclan con una narración en clave de western, que también se apunta un poco a la corriente desmificadora y de ese tipo de westerns crepusculares donde unos personajes se sienten perdidos en un Oeste que no es el de antes, porque ya no existe. Romance, acción, aventuras y ensoñación se van entremezclando para dar paso a una película placentera y gozosa de ver, y revisar, con una banda sonora inolvidable, que se convirtió en uno de los titulos más emblemáticos de la década y que, además de lo dicho, también innovaba a un género que apuntaba ya un cansancio de temas, estilos y público, herido de muerte, Katharine Ross logró la popularidad con su personaje en la película.

  La década de 1970 sería la más fructífera para él, con sus colaboraciones con Newman y Redford juntos una vez más y luego por separado. Primero trabajó en "Matadero cinco" ("Slaugtherhouse-Five"-1972), adaptación de una celebrada novela de Kurt Vonnegut, llevada a la pantalla con más voluntariedad y buenas intenciones que resultados, aunque  varios sectores de la critica la calificaron como "de culto". Luego llegó "El golpe", que reeditó la taquilla de "Dos hombres y un destino", alcanzando casi el rango de mitica desde su mismo estreno, que cuenta la historia de unos falsificadores y timadores en la décadade 1930, con elegancia, magnífica puesta en escena y un puñado de grandes actores, la mayoria y como siempre, secundarios no tan reconocidos por el gran público como debieran.

  Más tarde Redford se unió a Susan Sarandon en "El carnaval de las águilas" ("The Great Waldo Pepper"-1975), un drama-biográfico de los pilotos de exibición que intentaban sobrevivir en tiempos dificiles, fue una película no suficientemente valorada, pero casi notable. La década terminó para Roy Hill con sendas películas que, sin ser maravillosas, si le reportaron popularidad y dinero: "El castañazo" ("Slap Shot"-1977) con Paul Newman y "Un pequeño romance" ("A Little Romance"-1979) con Laurence Olivier y Diane Lane, un drama sentimental.

  La década de 1980 supuso el final de la corta trayectoria de Hill y la sensación de que su talento no fue aprovechado por productores y estudios, pese a que presentó una película tan interesante como "El mundo según Garp" ("The World According to Garp"-1982), basada en la novela de John Irving, con Robin Williams y Glenn Close. También consiguió notoriedad con una historia que se publicitó bien pero que al final no valia tanto: "La chica del tambor" ("The Little Drummer Girl"-1984) con Diane Keaton y Klaus Kinski en medio de un ambiente de espionaje y el descontrol internacional de la Guerra Fria, según una novela de John le Carrie.

  Y por último "Aventuras y desventuras de un yuppi en el campo" ("Funny Farm"-1988) película concebida como vehículo para el lucimiento del popular actor cómico Chevy Chase y de agradable aunque insustancial visión, esto pues puso fin a la trayectoeia del cineasta George Roy Hill.

  La acción pues, comienza en Joliet (Illinois) y comtinúa en Chicago, se extiende a lo largo de unos meses a partir de septiembre de 1936. Alli, Johnny Hooker y Luther Coleman, dos timadores que actúan en pareja, engañan a un esbirro del gángster Doyle Lonnegan. a la muerte de Luther, Johnny busca la ayuda de Henry Gondorff, conocido estafador semi-retirado. Johnny, de unos 28 años, es simpático, hábil y manirroto, Henry, de más de 40, es inteligente y de nervios templados...

  La película es una comedia dramática, que incorpora elementos de intriga, crimen, gángster, aventura, humor y enredo. Reitera la construcción de una mitología de rebeldía, que integra la lucha por la supervivencia, la amistad, la lealtad, el espíritu de aventura, la búsqueda del arraigo social, el desprecio de los grandes criminales, la ayuda a los débiles, etc..

  Los protagonístas no son héroes, sino perdedores supervivientes de la Depresión, marginados del mundo del trabajo. Se explica la importancia que tuvo la difusión de la radio en la década de los 30 y se hace referencia al valor de su inmediatez y credibiidad. Se aborda el tema de la venganza que cumple funciones dinamizadoras de la acción y de la que se dice que no es ni interesante ni satisfactoria.

  El guión tiene buenas condiciones de complejidad, riqueza de matices, eficiente construcción de personajes, giros y sospresas. Está inpregnado de un grato sentido del humor. La ambientación se beneficia de unos buenos decorados que reproducen rincones y perspectivas de Chicago de los años 30.

  La banda sonora corrió  cargo de Marvin Hamlisch. Un compositor y pianísta nacido en Nueva York. Se inició como pianísra de Babra Streisand en "Funny Girl"-1968 y arreglando composiciones de cantantes de la época, y posteriormente colaboró con Quincy Jones y Liza Minnelli. Empezó a componer y dedicarse a Broadway con el estreno de unos musicales. Ganó un Oscar por "Tal como eramos" ("The Way We Were"-1973) y estuvo nominado en dos ocasiones.

  Y aqui, adaptando temas de Scott Joplin, Texarkana, Texas (Estados Unidos)-24 - noviembre - 1868 - Nueva York (Estados Unidos) - 1- abril - 1917 como por ejemplo "The Etertainer" (1902), y añade además composiciones originales como "Little Girl" (largo solo de violin).

  La fotografía en color fue obra de Robert Surters. Un director de fotografía nacido en Kentucky. Ganador de tres Oscar por "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"-1950), "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) y "Ben-Hur"-1959. Trabajó en varios estudios incluidos Universal, UFA, Warner y MGM, y para directores tan notables como Howard Hawks, William Wyler y Mike Nichols, lo que le valió la reputación de ser uno de los directores de fotografía más versátiles de su tiempo.

  Y aqui recreándose en ambientes oscuros, cerrados y nocturnos, de los que extrae imágenes de gran belleza. El logo inicial de Universal es de los años 30. Son escenas destacadas la partida de póquer en el tren, el timo del correo de Lonnegan y las dos de la sala de apuestas de Henry.

  Sensacional el mano a mano entre Paul Newman, "El buscavidas" ("The Hustter"-1961) y Robert Redford, "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985), Newman como Henry Gondorff, y Redford como Johnny Hooker. Y con ellos Robert Shaw, "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge"-1965) como Doyle Lonnegan; Charles Durning, "Tootsie"-1982 como el teniente Snyder: Eilen Brennan, "Pasión sin barreras" ("White Palace"-1990) como Billie; Harold Gould, "Primera plana" ("The Front Page"-1974) como Kid Twisr; Robert Earl Jones, "Cotton Club"-1984 como Luther Coleman...

  En definitiva: Una película perfecta e impresionante, con un divertimento sumamente genial, y con un guión repleto de tremendos giros de suspense. Y por supuesto con un Newman y un Redford imponentes.   Matricula de Honor.

  "El golpe" logró 7 Oscar: Pelicula, Director, Guión (David S. Ward), Montaje (William Reynolds), Dirección de arte (Henry Bumstead y James Payne), Vestuario (Edith Head) y Orquestación: coro original y adaptación.

  Como curiosidad: Jack Nicholson rechazó el papel de Johnny Hooker antes de que Robert Redford cambiase de opinión y decidiese aceptar el papel.

 


20/06/2021 16:52 Pablo #. sin tema Hay 10 comentarios.

Cabaret (1972)

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  "Dejen sus problemas en la puerta. Aqui la la vida es hermosa, las chicas son hermosas, hasta la orquesta es hermosa..."

  Obra maestra de género dramático-musical y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de John Van Druten. Un dramaturgo nacido en Londres. Fue uno de los dramaturgos más exitosos de principio de la década de 1930 en Londres. Entre sus obras llevadas al cine se pueden citar: "Soy un cámara" ("I Am Camera"-1955) y "Ricas y famosas" ("Rich  and Famous"-1981 además de "Cabaret" por supuesto.

  El segundo  fue Joe Masteroff. Un dramaturgo nacido en Filadelfia. Se graduó en la Universidad de Temple antes de alistarse durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso estudió en la American Theatre Wing, y comenzó su carrera de actor en Broadway, tres años mas tarde se dedicó a escribir, la mayoria libretos musicales.

  Del guión se encargó Jay Presson Allen. Un guionísta y dramaturgo nacido en Texas. Su debut en la novela fue con "Spring Riot" en 1948 recibiendo buenas criticas, Después marchó a Nueva York donde actuó en la radio y en las salas de fiestas. Mientras tanto comenzó poco a poco a escribir para programas de televisión en directo. Para más tarde escribir para el cine con titulos tan emblemáticos como: "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964) y "Funny Lady"-1975).

  "Cabaret" está dirigida por Bob Fosse. Un director y coreógrafo nacido en Chicago. aunque las cinco películas que dirigió fueron por lo general aclamadas por la critica y tuvieron éxito comercial, su prestigio como director de cine se ha visto eclipsado por su obra como coreógrafo en"Juego de pijamas" ("The Pajama Game"-1957), "Malditos yanquis" ("Damn Yankees!"-1958), "Como trinfar sin dar golpe" ("How to Succed in Business Withhout Deally Trying"-1967) y "Chicago"-2002 rodada después de su muerte.

  Ciertamente su nombre está asociado también a los musicales que dirigió "Noches en la ciudad" ("Sweet Charity"-1969) y "Cabaret"-1972, sus primeras películas como director, son adaptaciones de espectáculos teatrales construidos en torno a mujeres ágiles y apasionantes como Shirley MacLaine y Liza Minnelli que ejecutan movimientos conográficos caractterísticos de Fosse.

  En la época posterior a "Sonrisas y lágrimas"("The Sound of Music"-1965), cuando los grandes musicales perdian dinero, las peliculas mas modernas y comprometidas de Fosse conectaban con el público, y con los votantes de los Oscar. Se desvió de esta trayectoria con "Lenny"-1974, película sin música y en blanco y negro. Este biopic del humorísta Lenny Bruce, interpretado por Dustin Hoffman resulta algo pesado por los números humorísticos.

  Esos elementos se repitieron en el trabajo semiautibiográfico de Fosse: "Empieza el espectáculo" ("All That Jazz"-1979), una fantasia sobre su propia vida e inminente muerte, con Roy Scheider en el papel del director. Fosse solo logró hacer una película más, un pequeño monumento al mal gusto, "Star 80"-1983, con Mariel Hemingway como protagonísta. Se trata de un escabroso biopic de Dorothy Stratter, modelo de Play boy asesinada.

  No cabe duda de que si Fosse hubiera sobrevivido habría dirigido una visión más emocionante de "Chicago"-2002 que Rob Marshall, incluso se rumorea que tenia a la cantante Madonna en mente para interpretarlo.

  La historia pues, nos lleva hasta Berlin, en 1931 durante la República de Weimar (1919-33), en los dias del ascenso del nazismo y de la preparación de su toma del poder. La situación económica es critica, el paro supera en el pais los 5 millones de personas y la inflación se desborda... Alli, Sally Bowles, norteamericana, cantante y bailarina, de 22 años, estrella del "Kid Kat Club", conoce al joven inglés Brian Roberts, estudiante de Cambridge de unos 22/23 años, que da clases particulares de inglés en Berlin. Algún tiempo después ambos conocen a un joven aristocráta alemán Maxumillian von  Heune, apuesto y rico, con el que simpatizan y forman un curioso trio... Ella es vitalísta, frágil, vulnerable e ingenua. Tiene una voz de oro, practica el amor libre y le gusta vestir con extravagancia. Brian es discreto, educado, introvertido y responsable. El msaestro de ceremonias hace de presentador omnisciente, enigmático y critico con la realidad del pais...

  La pelicula suma romance y musical. La canción y los números musicales se presentan como dos bloques separados e independientes, si bien en algunos aspectos de la acción sugieren el sentido y el contenido de los números musicales que les siguen. Desde el principio se intercalan cortes de la sala de fiestas y del exterior, con lo que la historia adquiere ritmo, agilidad y variedades.

  En el cabaret se abordan publicamente los temas de preocupación general de la época: antisemitísmo, militarísmo, autoritarísmo, racísmo... El cabaret deviene un espejo que refleja la realidad de modo simplificado y algo deformado. como si de una caricatura se tratara. Los primeros planos asi lo sugieren al mostrar las paredes del escenario revistados de una plancha metálica pulida, con algunas arrugas, que reflejan la imágen de las figuras que tiene próximas. El mundo exterior se representa como un universo disipado, ocioso y decadente, engañado en distraerse y divertirse a toda costa, sin pensar en los peligros que le amenazan.

  La sala de fiestas es también, una válvula de escape para que los usuarios puedan evadirse, olvidar las preocupaciones y aturdirse con la música, el baile, la bebida, los números musicales y la compra de servicios de compañía. El ambiente está impregnado de sensualidad, erotísmo y sexualidad.

  Resulta sobrecogedora la descripción de los desmanes (amenazas, insultos, provocaciones, represalias, choques sangrientos con comunistas, etc.), con los que los nazis llaman la atención pública y llenan las calles, las cervecerías, los locales públicos y la propia sala de fiestas. Pocas veces han ocupado la atención del cine con tanta fuerza los hechos ocurridos en Alemania en 1930-32 de la mano de los nazis, hasta que en 1933 ocuparon la Cancilleria (30-1-1933) y el poder.

  El humor también se hace presente a través de los números irónicos y sarcásticos del cabaret, las presentaciones del maestro de ceremonias y unos diálogos agudos y chispeantes. Son escenas destacadas la de la cerveceria al aire libre, el apaleamiento del director de la sala de fiestas al ritmo de una danza bávara, el número de baile del presentador con una mona, el baile de los tres protagonístas fundidos en un abrazo y otros. Singular importancia adquiere el clima dominado por las amenazas nazis sobre las personas, sus interrelaciones, su libertad y su dignidad.

  La música de John Kander, nacido en Kansas City (Estados Unidos) el 19 de marzo de 1927. Y de Ralph Burns, nacido en Massachusetts (Estados Unidos) el 29 de junio de 1922 y fallecido en Los Angeles (Estados Unidos) el 21 de noviembre de 2001. Entre ambos nos ofrecen una partitura de 12 cortes, con 10 canciones que alcanzaron gran popularidad. Destancando "Cabaret", "Money, Money", "Tiller Girls", "Welcome", "Two Ladies", "Tomorrow". Los números musicales exiben una gran fuerza y cautivadora belleza.

  La fotografía en color fue dirigida por Geoffrey Unsworth. Un director de fotografía nacido en Inglaterra. Sus comienzos fueron trabajando en Gaumont Britsh de 1932 a 1937 y un año más tarde fue el asistente de muchas de las películas de Powell y Pressburger. En 1960 su trabajo se extendió al extranjero y recibió su primera nominación al Oscar por "Becket"-1964. Entre sus grandes éxitos caben de destacar: "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express"-1974) y "Supermán II"-1980 entre otras muchas más.

  Y aqui, ofreciéndo unas imágenes oscuras de tradición expresionísta, encuadres torcidos, abundancia de primeros planos, tomas puntuales con cámara al hombro, encuadres inferiores y superiores, contraluces, brillos y composiciones de notable vigor plástico.

  Magnífica Liza Minnelli, "New York, New York"-1977 metida en el cuerpo de Sally. Y con ella Michael York, "La fuga de Logan" ("Logan’s  Run"-1976) como Brian; Helmut Grien, "La caida de los dioses" ("La caduta degli Dei"-1969) como Maximilian von Heune; Joel Grey, "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961) como el maestro de ceremonias; Fritz Wepper, "Operación Cowboy" ("Miracle of the White Stallions"-1963) como Fritz; Marisa Berenson, "Barry Lyndon"-1975 como Natalia...

  En definitiva: Una magnífica película rayando la obra maestra. Una película que no decepciona a nadie con grandes interpretaciones, ingeniosos diálogos y soberbios números musicales.  Matricula de Honor.

  "Cabaret" logró 8 Oscar en 1972: Director, Actriz (Liza Minnelli), "Actor secundario (Joel Grey), Montaje (David Bretherton), Adaptación de orquesta y coro original (Ralph Burns), Sonido (Robert Knudson y David Hildyard), Fotografia (Geoffrey Unsworth) y Dirección de arte (Rolf Zehetbanar, Jurgen Kiebach y Herbert Strabel).

  Como curiosidad: Para preparar mejor su papel, Liza Minnelli buscó la ayuda de su padre, el gran Vincente Minnelli considerado como "el padre del musical moderno". Este recorrió las tiendas de antigüedades de Paris para encontrar varios accesorios que podrian decorar el vestuario de Liza, y darle asi más personalidad a su vestimenta de rodaje.

 

10/06/2021 16:34 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.


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