RelojesWebGratis!
Bienvenido a Pablo Cine
Facebook Twitter Google +1     Admin

Hasta siempre!!!

                     John Hurt

                Versátil y talentoso

  El pasado 25 de enero falleció a los 77 años de edad y a causa de un cáncer de páncreas el actor inglés John Hurt.

  John Hurt estudió en Kent y en Londres. trabajó como tramoyísta en el Lincoln Repertory y estudió en la Saint Martin School antes de obtener una beca para el Royal Academy of Dramatic (RADA). En ese momento, Hurt debutó en distintas compañías de teatro , realizando obras de distintos autores como William Shakespeare o Cristopher Marlowe. Sus obras más importantes se produjeron en la compañía del Teatro Royal Shakespeare Company y debutó profesionalmente en el Wert End en 1962 y obtuvo el Premio de la Crítica por "The Dwarfs", de Harold Pinter. Trabajó en montajes teatrales como "The Caretaker", gtambién de Pinter, "Travesties", de Tom Stoppard, y "Un mes en el campo", de Iván Turgéner.

  En televisión empezó a trabajar en 1961 y actuó en papeles notables como el de Calígula en "Yo, Claudio"-1976 y como Raskoinikov en "Crimen y castigo", aunque fue su interpretación de Quentin Crisp en la miniserie de la BBC "The Naked Civil Servant" que lo llevó a hacerse merecedor del BAFTA al mejor actor de televisión, papel que repitió en 2010 en "An Englshman in New York".

  En 1966 dió vida a un joven Richard Rich en la galardonada película "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seansons"), la historia de Tomas Moro que ganó seis Oscar y siete BAFTA en 1967.

17/02/2017 10:23 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una mujer marcada (Butterfield 8-1960)

20170214191457-marcada.jpg

  "Las demostraciones de riqueza me dejan fria..."

  Sobresaliente película de género dramático basada en una obra de John O’Hara. un escritor nacido en Pensilvania. Sus comienzos fueron como reportero para unos periódicos, tiempo después se trasladó a Nueva York y allí empezó a escribir cuentos para varias revistas. En 1934 publicó su primera novela la cual fue aclamada por la crítica. después de la guerra (Segunda Guerra Mundial) escribió varios guiones y novelas incluyendo "Ten North Frederick" ("10 calle Frederick") que en 1958 fue llevada al cine interpretada por Gary Cooper que por cierto fue su última película. Y en donde O’Hara ganó el National Book Arward en 1956.

  El guión se le fué encargado a Charles Schnee, "Cautivos del mal" ("The Bad an the Beautiful"-1952). Un oscarizado escritor nacido en Bridgeport (Connecticut). Comenzó estudiando leyes pero lo abandonó para convertirse en guionísta a mediados de 1940, elaborando guiones para varias películas tanto de cine negro como melodramas sociales. A mediados de los años 50 también lo hizo como productor pero finalmente volvió a lo suyo es decir a la escritura de guiones.

  Schenee también fue ayudado por John Michael Hayes, "Atrapa a un ladrón" ("To Catch a Thief"-1955). Otro oscarizado guionísta nacido en Worcester (Massachusetts). De corta edad ya se interesó por el mundo de la radio y hasta llegó a ganar un concurso escribiendo historias radiofónicas para la Crosley Corporation de su ciudad natal. Más tarde y después de acabar la guerra marchó a California para volver a escribir series radiofónicas. Su éxito trajo consigo una invitación de la Universal Studios para escribir guiones cinematográficos, donde llegó a ser el máximo colaborador de Alfred Hitchcock.

  "Una mujer marcada" está dirigida por Daniel Mann. Un director de cine y televisión nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como actor de teatro, desde niño asistió a la Escuela de Niños Profesionales de Nueva York y a la Casa de Juegos de la Vecindad. Entró en el cine en 1952 (cuando tenía 40 años de edad), como director, mostrándo un instinto muy pequeño para la dinámica visual pero un oido excelente para los diálogos. La mayoría de sus películas fueron adaptaciones teatrales como por ejemplo: "Vuelve, pequeña Sheba" ("Come Back, Little Sheba"-1952) y "La casa de té de la luna de agosto" ("The Teahouse of the August Moon"-1956).

  Así pues, Mann nos cuenta una historia basada en hechos reales: la vida de Gloria Wandrous, una modelo y prostituta de lujo de la agencia Butterfield 8 (título original de la película). Tiene 25 años y es muy atractiva, de ojos seductores y sensuales. Oculta algunos traumas del pasado y que la llevan a asistir a la consulta de un psiconalísta y disimular un espíritu atormentado del que intenta huir con ayuda del alcohol, lleva una vida disipada y de lujo y su aficción es la velocidad. Dispone de un coche deportivo un Sunbean Alpine, de color rojo y capota negra, que paga a plazos. Desde la infancia tiene amistad con un antiguo compañero de clase, un musico, arreglísta y compositor, que está enamorado de ella, pero esta tiene un buen cliente (un amante mejor dicho)), un joven licenciado en derecho, es además un alto ejecutivo de un próspero negocio financiero, propiedad del padre de su mujer... esta es la vida de Gloria... la de la "mujer marcada" es otra historia...

  Una historia, bastante convencional y un tanto previsible. La película se hizo como un trabajo de encargo, que el director resolvió con gran empeño, muy buena imaginación y agudeza enriqueciendo así el texto con referencias a marcas históricas de alta costura (Reis & Fabrizio), la denuncia del culto a las apariencias de la presumida sociedad neoyorkina, referencias cultas y de arte (Van Gogh y Rubens), la exploración visual del mundo para ricos de las noches de Nueva York, escenas singulares (tiro al plato) y por qué no algún toque de humor. Para mi, el objetivo principal de la película, es que ofrece al público un relato de entretenimiento basado en emociones fuertes, superficiales y espectaculares.

  La banda sonora fué dirigida por Bronislaw Kaper, "Marcado por el odio" ("Composer"-1956). Un compositor nacido en Varsovia (Polonia) (aunque nacionaizado estadounidense). Un hombre que compuso música en Alemania, Francia y por supuesto en Estados Unidos. Compuso música para decenas de películas desde los años 30 hasta los 70. También es recordado por haber compuesto conocidos standards de jazz y también trabajó en Broadway. Ganador de un Oscar y nominado en dos ocasiones a la mejor banda sonora y una a la mejor canción.

  Y aquí ofreciéndonos una hermosa partitura jazzitistíca, extensa, variada y muy ajustada a las incidencias de la historia. Corre a cargo de una orquesta de viento, cuerdas, percusión y piano, que encomienda la melodía a los clarinetes y el violín alternativamente. El acompañamiento se apoya en pianos y bajos profundos de gran efectivísmo. El ritmo es pausado, envolvente y sensual. Destacan los temas dedicados a "Gloria", "Steve" y el tema de amor, de gran sencillez.

  La fotografía en metrocolor y formato Cinemascope se la debe a Joseph Ruttenberg, "Luz que agoniza" ("Gastight"-1944). Un director de fotografía nacido en Rusia. A la edad de diez años su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Boston. Su primer trabajo fue en el periódico Boston Globe como fotoperiodísta, pero en 1915 lo dejó para trabajar con la Fox Corporation en Nueva York y así entró en el mundo del cine. Dos años más tarde realizó su primera película muda, y en lo que sería una carrera notablemente extensa. En 1934 se trasladó a Hollywood donde fue invitado a unirse a la Sociedad Americana  de Cinematografía.

  Ruttenberg fue ayudado por Charles Harten. Un camarógrafo nacido en California y con tan solo cinco películas en su historial, puesto que la mayoría de su trabajo fue para la televisión, aunque a decir verdad tampoco hizo mucho para la pequeña pantalla.

  Y aquí presentando los dos una notable secuencia inicial saturada de blancos y luces dispersas, que evocan con acierto y brillantez el sueño, el olvido y la desmemoria de la protagonísta. Esta luce unos cabellos intensamente negros que contrastan y dan vigor al cromatísmo general.

  Los exteriores fueron rodados totalmente en Nueva York, y los interiores en los platós de Filmways (Nueva York).

  Bellísima y extraordinaria Elizabeth Taylor, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) dando vida a Gloria Wandrous, una modelo de Nueva York, de moral un tanto dudosa. Y con la gran Liz, Laurence Harvey, "El Alamo" ("The Alamo"-1960) como Weston Liggett un millonario y cliente asiduo de Gloria que finalmente acaban enamorándose, y Eddie Fisher (por aquel entonces esposo de Elizabeth Taylor), "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956) y aqui como Steve Carpenter, un músico y antiguo compañero de Gloria y enamorado de ella en secreto.

  Pero también nos encontramos en este gran melodrama a Dina Merrill, "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages"-1961) como Emily Liggett, la esposa de Weston y Mildred Dunnock, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959) como la Sra. Wandrous, la madre de Gloria.

  En definitiva: Una buena película de género dramático. Una película que al igual que muchos trabajos de Mann se le nota un aire teatral pero no cansa nunca, si no todo lo contrario porque la historia está muy bien llevada con unos grandes diálogos y el buen hacer de los protagonístas.  Sobresaliente.

  Elizabeth Taylor logró el Oscar a la Mejor actriz. La película además estuvo nominada a la mejor fotografía en color.

  A modo biográfico. La película está basada en los últimos dias de la modelo Starr Faithfull nacida el 27 de enero de 1906 y fallecida el 6 de junio de 1931 de muerte misteriosa por ahogamiento cuando contaba 25 años de edad.

 

09/02/2017 19:32 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Cantando bajo la lluvia (Singin'in the Rain - 1952 )

20170208184241-sin.jpg

          En recuerdo de: Debbie Reynolds

    Cosmo, recuérdeme que le suba el sueldo.

    Jefe, súbame el sueldo."

  Mítica película de género musical y toda una obra maestra se mire por donde se mire.

  El guión corrió a cargo de Betty Canden, "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949). Una actriz y guionísta nacida en Nueva York. Especializada en musicales, fue dos veces nominada al Oscar y ganó siete premios Tony, (tres al mejor musical, dos a la mejor banda sonora, uno al mejor compositor, y uno al mejor libro musical). Toda su carrera estuvo vinculada con Adolph Green (el segundo guionísta del film). Un letrista y dramaturgo nacido en el Bronx. escribió los guiones y canciones de algunos de los más famosos musicales cinematográficos en particular con la MGM en los años de mayor éxito del género. Mucha gente pensaba que Adolph y Betty estaban casados, pero unicamente eran colaboradores compartiendo un genio cómico y sofisticado que los permitió, a lo largo de seis décadas, producir algunos de los mayores éxitos de Hollywood y del circuito de Broadway.

  "Cantando bajo la lluvia" está dirigida por dos especialistas del género. Uno: Stanley Donen. Un cineasta nacido en Columbia (Carolina del Sur) y conocido como "el rey de los musicales de Hollywood". De principio se asoció con algunos de los musicales más innovadores de Hollywood de finales de los años cuarenta y cincuenta. Bailarín, en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en espectáculos teatrales de este y luego en películas.  Se le confió a Donen la puesta en escena de los números musicales de "Take Me Out the Ball Game" (Llévame a ver el partido-1949), donde Kelly actuaba con Frank Sinatra.

  La primera película de Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly que compartía la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, pero más viril y realísta. "Un dia en Nueva York" también reutilizaba los exteriores de la ciudad de los rascacielos. Tras realizar "Bodas reales" ("Royal Wedding"-1951), con Fred Astaire, Donen dirigió de nuevo con Kelly "Cantando bajo la lluvia" ("Sing¡in’in the Rain"-1952). Considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actuación de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954) fue un magnífico musical rural, con coreografía de Michael Kidd. Donen volvió a trabajar con Kelly y Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955). "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más convencional permitió a Stanley Donen trabajar de nuevo con Astaire. En "The Pajama Game" ("Juego de pijamas"-1957) compartió la dirección con George Abbott, que escribió y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscreet"-1958). Donen volvió a compartir la dirección con George Abbot en "Malditos yanquis" ("Damm Yankees"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las películas románticas, trabajó dos veces más con Cary Grant, en "Página en blanco" ("The Grass is Grener-1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una "road movie" con el romanticísmo. Las últimas películas de Donen son manidas, carentes de la energía y frescura de sus primeros trabajos.

  El otro fue Gene Kelly (como era de esperar). Un cineasta nacido en Pensilvania y, toda una leyenda del baile. Kelly fué el único rival de Fred Astaire en Hollywood, aunque su imágen y su estilo de baile eran muy diferentes. Astaire gustaba de lucir sombrero de copa y frac, y Kelly era más famoso por su indumentaria informal. Su estilo era más musculoso y viril que el de Astaire, y su voz ronca y melódica tenia una presencia más rotunda.

  Gene Kelly se inició de niño en el vodevil y estudió leyes mientras trabajaba como profesor en el estudio de danza de su familia. Se decidió por el mundo del espectáculo y en 1938 abandonó sus estudios para trasladarse a Nueva York. Se abrió camino en Broadway en "Pal Joey" de Rogers y Hart, y seguidamente marchó a Hollywood para aparecer junto a Judy Garland en "Por mi chica y por mi" ("For Me and My Gal"-1942). "Las modelos" ("Cover Girl"-1944) le permitió trabajar junto a Rita Hayworth, y fue nominado al Oscar al Mejor actor en "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945).

  Kelly revitalizó el cine musical de la mano del director Stanley Donen, con películas tan innovadoras como "Un dia en Nueva York" ("On the Town"-1949), "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair Weather"-1955), saliendo de los estudios para rodar en las calles. Su trabajo con Vicente Minnelli, en "El pirata" ("The Pirate"-1948) y "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951), no desmereció a las películas anteriores, aunque presenteba un mayor estilísmo. "Invitación a la danza" ("Invitation to the Dance"-1956) dirigida por el propio Kelly, fue un experimento en el que se presentaban tres historias diferentes unidas por un hilomconductor: la danza.

  Sus últimas intervenciones como director, como "Hello Dolly!"-1969 con Barbra Streinsand, fueron más convencionales. En 1985 fue galardonado con un Oscar Especial de la Acaemia por su carrera cinematográfica. Fue el presentador ideal para la recopilación de grandes musicales por la MGM, "Erase una vez en Hollywood" ("Thast’s Entertainment"-1974) y sus secuelas.

  La acción tiene lugar en Hollywood, a partir de 1927, durante el rodaje de la película muda "El caballero duelísta", al mismo tiempo en las salas de cine se estrena con gran éxito la película semisonora "El cantor de jazz" (la primera película hablada de la historia del cine). Es cuando el productor decide suspender el rodaje y reconvertirlo en sonoro. El preestreno de la película es un auténtico fracaso a causa de los fallos del sonido, la voz rídicula de la protagonísta y unos diálogos muy malos. El productor, el realizador, el protagonísta y un amigo de este deciden convertir la película en un musical. Con esta historia se cruza la del protagonísta desde sus inicios como cantante...

  Una joya del cine musical y toda una obra maestra, si señor. Una película que suma musical, comedia, romance y cine dentro del cine. Añade una descripción sucinta pero eficaz del nacimiento del cine sonoro y el impacto que esto produce en Hollywood.

  Maravillosa la banda sonora a cargo de Nacio Herb Brown, "La melodia de Broadway" ("The Broadway Melody"-1929). Un compositor nacido en Nuevo México y muy famoso por sus canciones para el cine y teatro musical entre 1920 y 1950. En 1928 fue contratado por la MGM para escribir canciones para el nuevo cine sonoro componiendo musica para las películas más exitosas de dicho estudios.

  Brown fue ayudado por otro mitico compositor: Arthur Freed, "Yolanda y el ladrón"-1945. Un letrista y productor nacido en Carolina del Sur. En 1939 después de trabajar (sin acreditar) como productor asociado en "El mago de Oz", se convirtió en jefe de producción de MGM ayudándo asi a elevar el estudio. también ayudó a formar las carreras de numerosas estrellas incluyendo Gene Kelly, Frank Sinatra, Esther Williams, Cyd Charisse etc.etc.. Y fué el encargado de llevar a Fred Astaire a sus estudios puesto que este era exclusiva de la RKO.

  En 1970 dejó la MGM después de fracasar durante casi una década para llevar al cine su proyecto de ensueño. una película biográfica de Irving Berlin, "Say it With Music".

  Y en esta lluvia toda llena de ritmo y alegria ofreciéndonos una partitura fascinante, de ritmos y melodias románticas y pegadizas. Son memorables "Broadway Melody" y "Make’ Em Lough". Las canciones son de los últimos años 20 o de los primeros 30, como "Singin ’in the Rain" (1929), "The Wedding of the Painted Doll" (1929), "You Were Meant for Me" (1929, "Beautifui Girl" (1933), etc.. Son de 1952 los narreglos, el falso plagio "Make’ Em Lough" ("¡Hazlos reir!") y "Moses". El tema principal de la banda sonora es la melodía "Make’ Em Lough" un divertido plagio de Cole Porter titulado "Be a Clown".

  Sensacional (como tenia que ser) la fotografía a todo color dirigida por Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios de Vilagrahg allá por el año 1908. En 1914 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una esxitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

  Y si en esta obra maestra hay dos directores y dos compositores no es de dudar de que también trabajen dos fotógrafos. asi pues, el segundo fue John Alton, Agente especial" ("The Big Combo"-1955). Un director de fotografía nacido en Hungría. Comenzó en la década de 1920 en Los Angeles, primero como ayudante de cámara. Posteriormente se trasladó a Francia con Ernst Lubitsch para rodar una película y finalmente se quedó en los estudios Paramount Pictures a cargo de la sección de cámaras. Alton era un especialísta en la velocidad con la cámara lo cual determinaba la iluminación en el set de filmación. A principio de 1960 se retiró casi definitivamente de su actividad, sin embargo regresó para realizar su única contribución a la televisión: el episodio piloto de la exitosa serie "Misión : Imposible", lanzada en 1966

  Y en esta historia donde todo es cine creando una narración visual de cromatísmo intenso y vibrantes (propio de los años 50) composiciones imaginativas y ambientes fantásticos y fascinantes, que definen la estética visual de la película, rodada en Grauman’s Chinese Theater (Hollywood) y en MGM Studios (Culver City) Los Angeles.

  Sensacional el trio protagonísta de este gran banquete musical, encabezado por Gene Kelly, en el papel de Don Lockwood, un idolo del cine mudo un tipo extrovertido y fanfarrón, seguido de Donald O’Connor, "Luces de candilejas" ("There’s No Business Like Show Business"-1954), en el papel de Cosmo Brown, un buen tipo amigo íntimo de Don, un personaje sencillo, ocurrente y lúcido. Y del brazo de estos dos galanes, una jovencísima Debbie Reynolds (19 años), "Adios Charlie" ("Goodbye Charlie"-1964) en el papel de Katty Selden, una corísta muy joven, guapa, ambiciosa, pero también muy ingenua.

  Y muy cerquita de ellos Jean Hagen, "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) como Lina Lamont, la reina del cine mudo pero con una voz de falsete que causa risa; Millard Mitchell, "Almas en la hoguera" ("Twelve O’Clock High"-1949), como R.F. Simpson el productor, un gran hombre, inteligente, sabe escuchar pero también cambiar de criterio. Y atención porque también nos encontramos con Cyd Charisse, "Brigadoon"1954 apareciendo en en el doble papel de ángel y demonio en el número "Broadway Melodia", que le valió después el papel de protagonísta junto a Fred Astaire en "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953). Y hasta también tiene un huequecito una leyenda viva del cine me refiero a Rita Moreno, efectivamente la Anita de la oscarizada "West Side Story"-1961.

  En definitiva: Una obra maestra del cine musical. Y que al hacer este comentario me viene a la memoria que alguién dijo una vez que el mundo del cine, y el resto del mundo, era mucho mejor gracias a "Cantando bajo la lluvia".  Matrícula de Honor.

  "Cantando bajo la lluvia" estuvo nominada en dos apartados: Actriz secundaria (Jean Hagen) y banda sonora. La película ganadora ese año fue "El mayor espectáculo del mundo" ("The Greatest Show on Eath").

  Como curiosidad: El guión fue escrito después de las canciones, y los guionístas tuvieron que adaptarse a ellas para crear el guión.


02/02/2017 19:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

20170130201741-debbie.jpg

                 Debbie Reynolds

        "La sonrisa más dulce de Hollywood"

  Debbie Reynolds nació en El Paso (Texas), era la segunda hija de Raymond Francis Reynolds y de Maxine N. Harman. A los 16 años ganó el concurso de belleza de Miss Burbank, y un contrato cinematográfico y de este modo adquirió el nombre con el que se dió a conocer en el mundo del cine.

  De principio apareció en pequeños papeles en dos películas de la Warner y, posteriormente, firmó un contrato con la MGM, donde participó en las películas "Three Little Words" ("Tres palabritas"-1950) protagonizada por Fred Astaire y Red Skelton, "Two Weeks with Love"-1950 protagonizada por Jane Powell y Ricardo Montalban, donde recibió muy buenas criticas, y "Mr. Imperium"-1951, con Lana Turner.

  En contra de la opisición inicial de Gene Kelly y de su falta de habitualidad para el claqué, Debbie coprotagonizó con apenas 19 años "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952), junto al mismísimo Kelly y Donald O’Connor. Se cuenta que Gene Kelly empezó el rodaje tratando a Debbie con desprecio por su inexperiencia, y Fred Astaire al verla se ofreció a ayudarla. La joven actriz se esforzó en las coreografías para cumplir las expectativas, y tras doce horas de trabajo para rodar el baile de "Good Murning" le sangraban los pies.

  "Cantando bajo la lluvia", está ambientada hacia 1930, en la época de transición entre el cine mudo y el sonoro, y Debbie Reynolds interpreta a una actriz que dobla la voz y las canciones de una diva del cine mudo de voz deficiente, y en una curiosa paradoja, Debbie en realidad fue doblada en las canciones por dicha actriz. "Cantando bajo la lluvia" fue un éxito de taquilla (recaudó casi el triple de lo que costó), fue nominada a dos premios Oscar y con el tiempo su prestigio ha ido a más.

  Debbie protagonizó muchas películas y grabó discos, con algunas canciones que fueron un éxito "Tammy" incluida en su película "Tammy, la muchacha salvaje" ("Tammy and the Bachelos"-1957), donde trabajó con Leslie Nielsen. Varios de sus temas entraron en el Billboad (una revista semanal estadounidense especializada en dar listas de éxitos musicales). Durante una década (hacia 1965-75) ofreció recitales en el Hotel Riviera de Las Vegas, con un ritmo de trabajo (dos sesiones por noche todos los dias de la semana) que calificó de "extenuante".

  En 1963, participó en la superproducción "La conquista del Oeste" ("How the West was Won"), dentro de un rutilante reparto: Henry Fonda, Gregory Peck, John Wayne, Lee J. Cobb, Carroll Baker, James Stewart, Karl Maldem... En 1966 protagonizó la comedia musical "Dominique" ("The Singing Nun"), de Henry Koster, junto a Ricardo Montalban y Katharine Ross. En 1960, hizo un cameo en la popular película "Pepe", protagonizada por Cantinflas.

  Su papel protagonísta en la película musical de Charles Walters, "Molly Brown, siempre a flote" ("The Unsinkable Molly Brown"-1964) le proporcionó una candidatura al Oscar, que perdió ante Julie Andrews por "Mary Poppins". Debbie Reynolds encarnaba a una heroína real Margaret Brown, una pasajera del Titanic que ayudó en el salvamento de numerosas victimas del  naufragio. Décadas después, en 1989, la actriz recuperó el argumento de la película en un montaje teatral.

  Hasta 2013 siguió apareciendo en películas y series de televisión, era una de las pocas actrices de la Edad de Oro de la MGM que todavía seguía en activo, al igual que Jane Powell, Rita Moreno. Leslie Caron, Dean Stocwell, Angela Lasbury, Russ Tamblyn y June Lockhart.

  En 1992, hizo un cameo en la taquillera película "El guardaespaldas" ("The Bodyguard") protagonizada por Kevin Ciostner y Whitney Houston, y en 1966 protagonizó "Mother" junto a Albert Brooks, y recibió una nominación al Globo de Oro.

  En 1998 interpretó por primera vez a la abuela Aggie en la saga de películas para la televisión "Halloweentown", de Disney Chanel. Fueron cuatro producciones que se mantuvieron entre 1998 y 2006. Se mantuvo cercana al colectivo gay, y participó en dos películas muy destacadas. En 1997, en la exitosa comedia "In &Out", protagonizada por Kevin Kline, y en el 2013 en "Behind the Candelabra", película sobre el excéntrico pianista Liberace protagonizada por Michael Douglas y Matt Damon, el cual encarnó a la madre de Liberace. En el 2010, fue juez invitada en el concurso televisivo "Ru Paul’s Drag Race".

  En el 2000, puso su voz en la película infantil de animación "Rugarts en Paris: La película" y en el 2001 tuvo un papel en el célebre telefilme "These Old Bronds"("Esas chicas fabulosas") con Shirley McLaine, Elizabeth Taylor, Joan Collins... Esta producción supuso el reencuentro de Debbie con Elizabeth Taylor, con quien había vivido una sonada enemistad décadas antes, cuando la Taylor vivió un idilio con su marido, Eddie Fisher, que desembocó en divorcio.

  Desde 1999 hasta el 2006, Debbie Reynolds interpretó el papel de la madre de Grace, Bobbie Adler, en la serie de la NBC "Will & Gren". Debbie estuvo casada tres veces. Con el popular cantante Eddie Fisher se casó en 1955 y se divorció en 1959, Fisher la abandonó para casarse con Elizabeth Taylor, lo que causó uno de los mayores escándalos de la época. De este matrimonio habían nacido dos hijos: la actriz Carrie Fisher (conocida por su papel de la Princesa Leia en la saga "La guerra de las galaxias") nacida en 1956 y Todd Fisher nacido en 1958.

  Posteriormente, Debbie se casó con Harry Karl, un magnate del calzado, en 1960, aunque se separaron en 1973, este matrimonio resultó ser desastroso, debido a los problemas con el juego de Karl. Finalmente, Debbie Reynolds se casó con Richard Hamlett en 1984, pero se divorciaron en 1994.

  Durante su carrera, Debbie fue candidata una vez al Oscar a la mejor actriz, cinco veces a los Globos de Oro y una vez a los Emmy.

  En 2015 recibió el Premio a la Trayectoria en las Screen Actois Guild Awards.

  El 23 de diciembre de 2016, su hija Carrie sufrió un infarto masivo al miocardio, durante un vuelo que la trasladaba de Londres a Los Angeles, Debbie declaró que su hija se encontraba estable. Finalmente cuatro dias después del ataque al corazón, el 27 de diciembre, Carrie Fisher falleció a la edad de 60 años. Al dia siguiente, el 28 de diciembre, se informó acerca del ingreso de Debbie al hospital, a causa de un accidente cerebrovascular, y su fallecimiento ese mismo dia, la mítica actriz contaba 84 años de edad.

  Mary Francis Reynolds (Debbie Reynolds) - El Paso (Texas) - 1 - abril - 1932 - Los Angeles - 28 - diciembre - 2016

                             ¡DESCANSE EN PAZ!

28/01/2017 17:40 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Un hombre llamado Caballo (A Man Called Horse - 1970)

20170121190502-harris.jpg

  "¿Cómo podeis comprar o vender el cielo. o el calor de la tierra?"

  Una película muy interesante de género de western, pero no es el típico western de duelos y tiroteos si no que es una historia más bien antropológica de supervivencia enmarcada eso si, dentro del contexto del lejano oeste americano. Basada en una novela de Dorothy M. Johnson. Una escritora nacida en Iowa. Su carrera como escritora comenzó a despegar en la década de 1930 cuando vendió su primer articulo a The Saturday Evening Post por 400 dólares.

  Entre 1956-60 enseñó escritura en la Universidad de Montana. En 2013 fue incluida en el Salón de la fama de Montana Cowboy y Western Heritage Center por el "Legacey Award" por sus notables contribuciones a la historia y cultura de Montana.

  El guión se le encargó a Jack DeWitte, "Sitting Bull, casta de guerreros" (Sitting Bull"-1954). Un escritor nacido en Arkansas y famoso por sus novelas la mayoría de temática western, y muchas de ellas llevadas no solamente al cine si no también a la televisión como por ejemplo la emblemática serie "Cheyenne"-1956.

  "Un hombre llamado Caballo" está dirigida por Elliot Silverstein. Un director nacido en Massachusetts. Sus comienzos fueron en la televisión donde estuvo por espacio de casi diez años con series muy famosas tales como: "Doctor Kildare" donde rodó 14 episodios. En 1965 dió el salto al cine con "La ingenua explosiva" ("Cat Ballou"), que cosechó un enorme éxito tanto de critica como de público. La película logró un Oscar al mejor actor (Lee Marvin) y cinco nominaciones. Aunque Silverstein no era un director prolífico, pero sus películas fueron siempre muy bien acogidas. Entre  sus palmarés cuenta con un Premio DGA honorario vitalicio que se le concedió en 1990. Actualmente vive en California retirado totalmente del cine.

  La acción nos lleva hasta el año 1843 y en donde un grupo de cazadores blancos es atacado, por los indios crows. Todos mueren, excepto el jefe del grupo, un jovén inglés que es tomado por un caballo y conducido prisionero ante el jefe de la tribu, que se lo regala a su madre como esclavo. En el poblado indio, un mestizo le alecciona sobre la forma de huir y, de este modo, se convierte en un guerrero más de los crows. En la primavera, este se encuentra acarreando carne cuando una joven india hermana del jefe, le ofrece agua. La vieja india golpea al blanco. La joven india le defiende y los dos acaban enamorándose...

  Una muy interesante película, si señor. No tanto por la acción tan característica que vemos en el género del western, si no porque el director nos habla de la libertad, de la eterna lucha entre indios y "blancos", del sentido de pertinencia a una comunidad, del maltrato deshumanizante, de las salvajes costumbres y ritos aborígenes, de la transformación de un ser humano influenciado por el contexto que le rodea, sobre la forzada apropiación de una cultura incivilizada, etc.

  Una película que como bien podemos ver, no es una historia que proponga ocasión intensa propia del clásico western, sino que es una oferta que se ocupa de mostrar cómo un hombre, en su lucha por sobrevivir, decide poco a poco apropiarse de una cultura ajena y desconocida, mutando y transformandose desde lo más íntimo de su existencia.

  Muy buena (buenísima) la fotografía en color y en formato 70mm., dirigida por Robert B. Hauser, "Soldado azul" ("Soldier Blue"-1970). Un director de fotografía nacido en Washington. Sus comienzos fueron en la televisión en series tan importantes como "Los intocables" y "Peyton Place". En 1971 debutó en el cine con "Las 24 horas de Le Mans" ("Le Mans") protagonizada por Steve McQueen. Estuvo nominado dos veces a los premios Emmy en 1963 y 1978.

  Y en esta historia sobre transformación de un ser humano, mostrándonos unas imágenes antológicas llenas de color con algunas escenas escalofriantes como la del juramento al Sol, una escena impagable que nunca pasará desapercibida. La película se rodó integramente en escenarios naturales concretamente en Durango (México).

  Sensacional la banda sonora creada  por Leonard Rosenman. Un compositor nacido en Nueva York. En sus inicios trabajó como profesor de piano y de música de cámara. En 1955, por recomendación de James Dean que era uno de sus alumnos, hizo su primera colaboración en el cine con "Al este del Eden" ("East of Eden"), que obtuvo un gran éxito. Sin embargo nunca obtuvo un Oscar, aunque estuvo nominado en dos ocasiones. Aunque su fama se debe a la música cinematográfica, fue también compositor de música clásica. En esta faceta una de sus obras más reconocidas es el Concierto para violín nº2", estrenado en 1977 en el Carnegue Hall.

  Y en este western antropológico y naturalìsta, deleitándonos con una sensacional música, con instrumentos de percusión haciendo aún más desgarradora esta historia de supervivencia. Hay algunos temas antológicos como por ejemplo: "Sioux Chants" y "Naming Sing" entre otros.

  Extraordinario Richard Harris, "El puente de Cassandra" ("The Cassandra Croosing"-1976), metido en la piel de John Morgan un acaudalado lord de Boston que se dedica a viajar por todo el mundo para dedicarse a sus aficciones, especialmente la caza, hasta que un dia es capturado por una tribu india. Y con Harris, Judith Anderson, "Rebeca" ("Rebecca"-1930) en el papel de "Cabeza de Búfala", la madre del primer jefe; Manu Tupou, "Hawaii"-1966, como "Mano Amarilla", el primer jefe de la tribu; Corinna Tsopei, "La playa" ("The Sweet Ride"-1968), como "Cierva Corredora", la hermana del primer jefe; Lina Marin, "Lo que importa es vivir"-1987, como "Rosa de Espina". Y muchos más y buenos secundarios nos encontramos en esta película pionera del nuevo western.

  Resumiendo: Una película que debe de juzgarse en relacción a la época y a las creencias arraigadas en el colectivo. Para mi, es una película revolucionaria que rescata la verdadera naturaleza de la fundación de un imperio que se resiste a la civilzación y que últimamente bombardeó y destruyó nada menos que la cuna de la civilización occidental.  Sobresaliente.

  Como era de esperar "Un hombre llamado Caballo" tuvo dos secuelas más: "La venganza de un hombre llamado Caballo" ("The Return of a Man Called Horse"-1976), dirigida por Irvin Kershner, y "El triunfo de un hombre llamado Caballo" ("Triumphs of a Man Called Horse"-1983), dirigida por John Hough, y las dos interpretadas por Richard Harris también. Lamentablemente ninguna de las dos superó a la primera.

  Como curiosidad, la escena del "Juramento al sol" que es el punto álgido de la película. En su rodaje fue imprescindible el trabajo desarrollado por el maquillador John Chambers, que creó un pecho prostásico con el que fue suspendido Richard Harris.

18/01/2017 18:47 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Moulin Rouge - 1952

20170112200800-molino.jpg

             En recuerdo de: Zsa Zsa Gábor

  El matrimonio es como una comida sosa con el postre al principio, y os aseguro que lo sé de buena tinta... (Zsa Zsa Gábor)

  Magnífica película de género biográfico-dramático y basada en una novela de Pierre La Mure. Un escritor nacido en Niza (Francia) y gracias a la novela "Moulin Rouge" se hizo famoso a nivel mundial, aunque también escribió otra biografía llevada al cine en 1955 sobre la vida de Cécile y Félix Mendelssohn compositores alemanes de música romántica.

  Del guión se hizo cargo Anthony Veiller, "Forajidos" ("The Killers"-1946). Un guionísta y productor nacido en Nueva York y con cerca de 50 películas en su historial cinematográfico. Se trasladó a Hollywood en 1930 y fue nominado al Oscar en dos ocasiones. Trabajó con los mejores directores y durante la Segunda Guerra Mundial trabajó con Frank Capra en varios documentales propagandísticos titulados "Porqué luchas".

  "Moulin Rouge" está dirigida por (que también colaboró en el guión como en la mayoría de sus películas) John Huston. Un director y guionísta nacido en Nevada. Fue uno de los directores estadounidenses más sorprendentemente desiguales. a lo largo de su carrera, sus mejores películas se codeaban con las peores. El propio Huston manifestaba una actitud despreocupada hacia una obra tan desigual, combinando películas en las que apenas prestaba atención.

  Tras una infancia agitada y una juventud picaresca que le llevó a ser boxeador, periodísta e incluso a formar parte de la caballería mexicana. En 1937 se convirtió en guionísta de la Warner Borthes. Hizo su debut como director con "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), que fue acogida inmediatamente como un clásico y que dió a Humphrey Bogart uno de sus papeles más icónicos.

  Tras dirigir tres intensos documentales bélicos, Huston volvió al cine de masas con un éxito de público y de critica, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948) que esbozó uno de sus temas favoritos; una búsqueda realizada obsesivamente hasta el borde del fracaso. Huston pasó luego a explorar este mismo tema en algunas de sus mejores películas, entre ellas "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) y "La reina de Africa" ("The African Queen"-1951.

  Durante los años sesenta, perdió parte del favor de la critica, pero recuperó su prestigio con "Fat City, ciudad dorada" ("Fat City"-1972) una mirada comprensiva al mundo de los boxeadores, y su épica "El hombre que pudo reinar" (The Man Who Would Be King-1975) y "Sangre sabia" ("Wise Blood"-1979) una parábola oscura y cómica sobre el pecado y la salvación. Su última película "Dublinenses: Los muertos" ("The Dead"-1987) rodada mientras Huston estaba conectado a un pulmón de acero en la última fase de un enfisema, fue la más perfecta de sus numerosas adaptaciones literarias: basada en el relato corto de James Joyce, esta despedida emotiva brilla con la belleza y la transitoriedad de la vida.

  La historia nos mete en la vida del pintor minusválido Tolouse-Lautrec, quien olvida sus penas bebiendo en el Moulin Rouge de Paris, alli dibuja lo que ve o lo que siente. Está convencido de que estará solo toda la vida. Pero un buen dia (o mejor dicho una noche) conoce a una bella joven necesitada también de ayuda. Se convierten en amantes pero pronto le llegan los rumores de su infidelidad. La echa de su casa e intenta seguir su vida, pero...

  Muy buena película de su género, si señor, casi rozando la obra maestra. Una película con una estética de gran belleza y muy cercana al rigor histórico, el gran Huston nos hace de ver ese Paris bohemio de finales del siglo XIX sirviéndonos un marco perfecto para así retratar la obra de un gran artísta: Tolouse-Lautrec.

  Excelente fotografía en un color claroscuro (como las noches de Pigalle), llevada bajo la supervisión de Oswald Morris, "El violinísta en el tejado" ("The Fiddler on the Roof"-1971). Un oscarizado director fotográfico nacido en Inglaterra. Asistió a la Escuela de Bishopshall y a una edad muy temprana le surgió su interés por el cine, y comenzó a trabajar en el Wembley Estudios haciendo recados a Michael Powell entre otros y sin cobrar dinero alguno. Su carrera fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, después de dejar el servicio militar se unió a los estudios Pinewood como asistente de cámara y poco más tarde como director. Fue miembro de la Real Sociedad Fotográfica y nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico en 1988.

  Y en esta gran historia parisina usando un color de forma desacostumbrada intentando retratar con él el mundo de los pintores impresionístas franceses. La secuencia inicial sigue siendo una maravilla de la fotografía cinematográfica. La película se rodó en Inglaterra pero nos da la impresión de haber sido rodada en aquel Paris de la época y dentro del mítico Molino Rojo, puesto que las escenas de cabaret están llenas de ritmo y de música que lo ha sabido captar a la perfección.

  Maravillosa la música creada por Georges Auric, "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953). Un compositor nacido en Francia. Fue un niño prodigio a los 15 años ya tenía su primera composición. A principios de los años 30 comenzó a escribir partituras para Cocteau escribiendo muchísimas bandas sonoras para películas francesas e inglesas. En 1962 dejó el cine para hacerse cargo de la Opera Nacional de Paris. Compuso dos ballets, y continuó escribiendo música, justo antes de su muerte.

  Y en este excelente "biopic" de Tolouse-Lautrec, haciendo gala de su monumental fama para mostrarnos una música con acorde a aquella época parisina. Sobresaliendo los temas "Bon Vivant Waltz" de Lamber Williamson, "Can-can" de Jacques Offenbach y "Chevalier de la Table Rouge" también de Lamber, entre otras.

  Sensacional José Ferrer, "El motín del Caine" ("The Caine Mutiny"-1954) metido en el tullido cuerpo de Toulouse-Lautrec un artista  que solamente encuentra diversión y amistad en el cabaret Moulin Rouge  de Paris. Al dejar aquella vistosa sala de fiestas deambula por las calles de Monmatre, recordando el accidente de infancia que le convirtió en un enano (un hombre con piernas de niño).

  Y con el gran Ferrer la recientemente fallecida Zsa Zsa Gábor, "Lili"-1953 como Jane Auril, la musa, amiga y confidente del pintor. Y competando protagonísmo Colette Marchand, "Par ordre du tsar" ("Las campanas no suenan"-1954) en el papel de Marie Charlet una joven chica despechada, y en donde Lautrec busca su amistad teniendo con ella al final una relación turbulenta.

  Y atención porque también nos encontramos en aquel Paris a Christopher Lee y Peter Cushing, efectivamente los dos "amigos" de la mítica "Drácula"-1958), los dos en un pequeño papel.

  En definitiva: Una extraordinaria película, no es una obra maestra pero muy poquito le falta. Una historia triste, llena de melancolía. Pero impresionante en sus papeles tanto Ferrer como Marchand. Una espectáculo visual por su fotografía y música que se completa con el magnífico trabajo del maestro John Huston.   Sobresaliente.

  "Moulin Rouge" logró dos Oscar: Dirección artística en color (Paul Sheriff y Marcel Vertés) y Diseño de vestusrio en color (Marcel Vertés), y obtuvo siete nominaciones incluida mejor película. La ganadora fué "El mayor espectáculo del mundo" (The Greatest Show on Earth") de Cecil B. DeMille.

  En 1928 se realizó una versión muda con el mismo título dirigida por Ewald André Dupont y protagonizada por Olga Tschechowa. Y en 2001 Baz Luhrmann dirigió otra con el mismo titulo protagonizada por Nicole Kidman. Aunque ninguna de las dos no tienen nada que ver con la de Huston.

 

 

10/01/2017 10:16 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Hasta siempre!!!

20170107104318-zsa.jpg

                      Zsa Zsa Gábor

           La estrella de los nueve matrimonios

  El pasado 18 de diciembre falleció en Los Angeles y a la edad de 99 años la actriz Zsa Zsa Gábor.

  Sus comienzos fueron en los escenarios de Viena y fue coronada Miss Hungría en 1936. Nació en Budapest (Hungría) y en 1941 emigró a Estados Unidos y se convirtió en una actriz codiciada por su "instinto y estilo europeo". Su primer papel en el cine como actriz de reparto fue en "Lovely to Look" ("El amor nació en Paris"-1952). Más tarde actuó en la comedia "We’re Not Married!" ("No estamos casados"-1952) junto a Marilyn Monroe, en la obra maestra ("Touch of Evil" ("Sed de mal"-1958) de Orson Welles, y realizó uno de sus pocos papeles como protagonísta en Moulin Rouge"-1952, dirgida por John Huston, quien la describió como una actriz de gran mérito. Además de sus películas y apariciones en televisión, era más conocida por su serie de nueve matrimonios, incluyendo el magnate hotelero Conrad Hilton y el actor inglés George Sanders.

  Sus padres fueron Vilmor Gábor, militar, y Jenka Tilleman, joyera y mánager de artistas; su abuela Francesca Kande era propietaria de una joyería, Zsa Zsa Gábor era la segunda de tres hermanas Magda (1915-1997), Zsa Zsa y Eva (1919-1995), que también fue medianamente  famosa como actriz. Mujeres de gran belleza, las tres hermanas se movieron en el ambiente refinado de la alta sociedad estadounidense desde que abandonaron su Hungria natal.

  Zsa Zsa Gábor apareció en más de 30 películas y en populares series y shows de televisión, pero fueron su marcado acento húngaro, su carácter ocurrente y sus numerosos matrimonios, las razones por las que se mantuvo durante décadas como una personalidad célebre en Hollywood.

  Al igualn que sus hermanas, Zsa Zsa fue introducida por su madre en el mundo de los espectáculos de varietés; debutó en el club Femina de Viena y en 1936 ganó el concurso de Miss Hungría. Ese mismo año, durante otra de sus actuaciones en la capital austriaca, el popular tenor Richard Tauber le dió un papel (como soprano soubrette) en una opereta.

  En 1941 se mudó a Hollywood en busca de un futuro mejor, lejos de la Segunda Guerra Mundial que azotaba Europa. Le precedía con éxito su hermana Eva, quien había obtenido un papel en la película "Forced Landing"-1941. La guerra tocó de cerca a las hermanas Gábor: sus abuelos murieron en un bombardeo en Budapest en 1944, mientras que su madre consiguió huir a Estados Unidos graciasa la ayuda de un amigo de Magda, que era embajador de Portugal.

  El debut de Zsa Zsa en el cine no fue inmediato; se produjo diez años después de su llegada a América. Antes de conseguir papeles destacados en la gran pantalla, hizo apariciones en programas de radio y televisión en compañía de sus dos atractivas hrmanas. Las tres hermanas y su madre se hicieron habituales en los ecos de sociedad, pues acudían juntas a fiestas haciendo gala de su indudable belleza y chispeante carácter, al que contribuía su acento húngaro.

  El apogeo de la actriz en el cine fue durante la década de1950. Debutó de la mano del conocido director Mervin LeRoy en "Lovely to Look At" ("El amor nació en Paris"-1952), adaptación de la obra "Roberta", un musical de Broadway. Participó después en películas como "We’re Not Meried!" ("No estamos casados"-1952) junto a Ginger Rogers y Marilyn Monroe. en "The Story of Three Loves" ("Tres amores"-1953) de Vicente Minelli y en "El rey del circo" ("3 Ring Circus"-1954) junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En 1953, rodó en Europoa otra comedia, "El enemigo público nº 1" ("L’ennemi public nª 1") protagonizada por el cómico francés Fernandel.

  Seguramente su papel de mayor entidad (como coprotagonísta) fue junto a José Ferrer en la película "Moulin Rouge"-1952 de John Huston, biopic sobre el pintor Tolouse-Lautrec donde encarnó a la cantante Jane Aurit, amiga y musa del pintor. El mismo Huston llegaría a afirmar que Zsa Zsa era "como actriz, digna de crédito".

  Zsa Zsa sumó a su historial cinematográfico otros titulos ahora legendarios, "Lili"-1953, película musical protagonizada por Leslie Caron, y la obra maestra de Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958), con un brillante reparto que incluía a Charlton Heston, Janet Leigh, Marlene Dietrich y el propio Welles.

  Zsa Zsa llegó a trabajar en el cine hispano: encarnó a una española (Marinela) en la co-producción franco-española "Sangre y luces"-1954 junto al francés Daniel Gelin y varios actores españoles entre los que se encontraba Manuel Zarzo entre otros, esta película se presentó en el Festival de Cannes.

  También aceptó trabajos en producciones de serie B, eminentemente comerciales, rodó la película de ciencia-ficción "La reina del espacio exterior" ("Queen of Outer Space"-1958), en la película "The Girl  in the Kremlin"-1957 se codeó con Lex Barker, galán famoso por sus películas de Tarzán y que es ahora recordado en España por su matrimonio cin Tita Cervera.

  A partir de los años 60 su trabajo se centró en espectáculos y series de televisión, colaboró con el humorísta y presentador Bob Hope y tuvo papeles de estrella invitada en múltiples series de varias décadas como "Batman", "Bonanza", "Vacaciones ennel mar", "El principe de Bel Air", etc.. También grabó una versión televisiva de "Ninotchka" (obviamente muy inferior al clásico del cine protagonizado por Greta Garbo) y en 1972 encarnó a la bailarina y espia Mata Hari en la película de humor "Up The Front".

  Dotada de gran sentido del humor en su madurez llegó a parodiarse a si misma en breves papeles en "Pesadilla en Elm Street 3" ("A Night mare on Elm Street 3")-1987 y "Agarralo como puedas 2 1/2" ("The Naked Gun 2 1/2"-1991).

  Etiquetada como una socialité (celebridad) de la jet set hollywoodiense, lo que en cierta manera eclipsó su carrera como actriz, Zsa Zsa Gábor sumó nueve matrimonios, alcanzando en tales lides una gran experiencia y superando el récord de bodas de Elizabeth Taylor (casada ocho veces).

  Se casó por primera vez a los veinte años de edad (con un ninistro turco) y entre sus restantes maridos se contaron el magnate hotelero Conrad Hilton (con quien tuvo su única hija, Francesca) y  el actor George Sanders, de quien se divorció y que tiempo después se casaría con su hermana Magda.

  Estos fueron sus maridos:

  Burhan Asaf Belge (1937-1941, divorciados)

  Conrad Hilton (10 de abril de 1942 - 1947, divorciados)

  George Sanders (2 de abril de 1949 2 de abril de 1954, divorciados)

  Herbert Hutner (5 de noviembre de 1962-3 de marzo de 1966, divorciados)

  Joshua S. Cosden Jr. (9 de marzo de 1966 - 18 de octubre de 1967, divorciados)

  Jack Ryan (21 de marzo de 1975-24 deagosto de 1976, divorciados)

  Michael O’Hara (27 de agosto de 1976-1983, divorciados)

  Felipe de Alba (13 de abril de 1983-14 de abril de 1983, anulado)

  Fréderic Prinz von Anhalt (14 de agosto de 1986-hasta su fallecimiento)

  Zsa Zsa Gábor falleció debido a un ataque cardiaco en su hogar.

  Sári Gábor (Zsa Zsa Gábor) - Budapest (Hungría) - 6- febrero - 1917 - Los Angeles - 18 - diciembre - 2016.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!


06/01/2017 10:39 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Único testigo (Witness - 1985)

20170104102832-unico.jpg

          Un asesinato  con testigo accidental...

  Magnífica película de género de intriga policiaca con romance y drama incluidos. Basada en una historia de William Kelley, Earl W. Wallace y Pamela Wallace. Del guión se hicieron cargo Earl W. Wallace, "Si las paredes hablasen" ("It These Walls Could Talk"-1996). Un escritor nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron para la televisión en 1970 con episodios de la famosa productora CBS tales como: "La ley del revólver" ("Gunsmoke"). Entre sus palmarés se encuentra un Oscar al mejor guión original y un Premio WGA. También estuvo nominado para el Globo de Oro y al BAFTA. Y acompañado por William Kelley, "Poseidos" ("The Demon Murder Case"-1983). Un escritor también nacido en la ciudad de los rascacielos.

  "Único testigo" está dirigida por Peter Weir. Un director nacido en Sidney (Australia) y un representante del nuevo cine australiano", realizador de dramas y thrillers sobre personajes venidos de fuera que intentan comprender mundos nuevos y desconocidos para ellos, sentido de paisaje natural.

  Peter Weir encabezó como bien digo antes el "nuevo cine australiano" con un puñado de cortometrajes y thrillers, "Los coches que devoraron Paris" ("The Cars That Ate Paris"-1974), su debut  en el largometraje. Pero la obra que le dió a conocer entre el gran público fue la enigmática e inquietante "Picnic en Hanging Rock"-1975). El argumento, inspirado en hechos reales, se centra en un viaje escolar a la despoblada región central de Australia, en el curso del cual desaparecen misteriosamente varios alumnos, tal vez por cusas mágicas.

  En sus siguientes proyectos, protagonizados a menudo por personajes venidos de fuera que intentan comprender un mundo nuevo y deconocido para ellos, Weir volvería una y otra vez representar a la gente normal en situaciones raras o inusuales. Es el caso de "La última ola" ("The Last Wave"-1977), sobre la inmersión de un abogado en el folklore aborigen; "Gallipoli"-1981, historia de unos soldados australianos que luchaban en Turquía durante la Primera Guerra Mundial protagonizada por un joven Mel Gibson; y "El año que vivimos peligrosamente" ("The Year of Living Dangerously"-1982), sobre un periodísta en plena revuelta política en Indonesia.

  Dió el salto a Hollywood con "Único testigo" ("Witness"-1985), donde Harrison Ford interpretaba el papel de un policia obligado a esconderse en una comunidad amish. Después ha alternado películas menos convencionales y comerciales como "Sin miedo a la vida" ("Fearless"-1993) y "La costa de los msquitos" ("The Mosquito Coast"-1986) con películas pensadas para las masas como "El club de los poetas muertos" ("Dead Poets Society"-1989) y "El show de Truman" ("The Truman Show"-1998), esta última acerca de un hombre que su vida ha sido el tema de un programa televisivo de  gran audiencia.Weir ha adaptado también la novela de Patrick O’Brian, "Manster and Commander"-2003, película que le ha proporcionado la cuarta nominación al Oscar al mejor director.

  Su último trabajo hasta ahora ha sido "Camino a la libertad" ("The Way Back"-2010) basada en un libro de Slovonir Rawicz, donde unos prisioneros se escapan de un campo de concentración ruso en Siberia e intentan llegar hasta la India atravesando a pie el desierto de Gobi y la cordillera de Himalaya.

  La acción nos lleva hasta el estado de Pensilvania, allí una joven madre que vive dentro de la llamada comunidad amish, caracterizada por su sencillez, su austeridad, sus reticencias a adoptar una forma de vida moderna y su gran fe en la religión cristiana-anabtísta. Cuando ésta decide emprender un viaje junto a su pequeño hijo para visitar a un pariente lejano, nada le hacía pensar que su vida iba a dar un vuelco de 180 grados. El niño será el único testigo de un asesinato llevado a cabo en los baños de una estación en la que paran para hacer un transbordo. Un policia será el encargado de dar a luz al extraño caso. Pronto será consciente de que los asesinos, que saben que el niño ha presenciado el crimen y que él es el encargado de investigarlo, quieren acabar con sus vidas. Cuando decide acudir a la opaca comunidad cristiana tras un intento de homicidio, este se dará cuenta de que no es un lugar tan apacible como imaginaba...

  Muy buena película, si señor. Una película vendida como thriller pero que más bien es una historia costumbrista, un drama sobre el conflicto cultural y una de las películas más hermosas de la década de los años 80. Weir para mi, consiguió uno de sus trabajos más perfectos y depurados, una obra maestra que sigue oculta para muchos que se han quedado en su engañosa publicidad o como una simple curiosidad documental sobre la comunidad amish.

  Partiendo del sencillo y poco original planteamiento inicial, el director australiano imita al mínimo la trama policiaca optando por un tratamiento íntimo de  unos personajes aislados del mundo, geográfica, social y psicológicamente por distintos motivos. Y los actores saben captar esto a la perfección, con especial mención al protagonísta masculino.

  Brillante banda sonora de Maurice Jarre, "Doctor Zhivago"- 1965 (por citar otra de sus grandes obras). Un compositor nacido en Lyon (Francia). En 1946 debutó en la compañía Renaud-Barral, formando dúo con Pierre Boulez. Su carrera como compositor se inició en 1948 y en 1952 se convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en toda Francia y el continente europeo gracias a su primera banda sonora del largometraje "Hotel de los inválidos" ("Hótel des invalides"). En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine. Cuenta con tres Oscar a la mejor banda sonora y con cuatro nominaciones.

  Y en esta historia sobre el mundo de los amish dando rienda suelta a su pasión por los juguetes del momento, a saber los sintetizadores y la electrónica, como los amish no pueden oir música porque dicen que es un instrumento del diablo, Jarre tuvo la feliz idea de utilizar estos instrumentos etéreos y turbadores, los sintetizadores, para crear una partitura hermosísima e inolvidable, una de las obras maestras de los años 80 en las partituras concebidas y tocadas totalmente por aquel instrumento. Su sonido celestial que parece bajar a la tierra y mezclarse con los mortales va de perlas en escenas como la inicial cuando se acercan a la cámara los miembros de aquella comunidad y sobre todo en la escena de la "construcción del granero", una obra maestra musical que demuestra que los sintetizadores son también aptos para creaer melodias celestiales siempre claro está que el compositor esté inspirado.

  Muy buena como es de esperar tambieén la fotografía en color creada por John Seale, "El paciente inglés" ("The English Patient"-1996). Un director de fotografía también de origen australiano y ganador de un Oscar. Es un hombre al que se le ha considerado el Steve Spielberg de la cámara fotográfica puesto que la mayoría de sus películas han arrasado en taquilla, recaudando millones de dólares.

  Y en este debut de Weir en Hollywood creando unas imágenes en forma de semi-documental para asi buscar de esta manera un sentido más realísta. La película se rodó en su totalidad en escenarios naturales de Philadelphia concretamente en Pensylvania y Lancaster County.

  Y el plato fuerte, la soberbia interpretación (en el mejor momento de su carrera) de Harrison Ford, "A propósito de Henry" ("Regarding Henry"-1991) metido en el papel  de John Bock, un capitán de la policia encargado de proteger a un niño y a su madre por haber presenciado el pequeño un  brutal asesinato.

  Y con Ford, Kelly McGillis, "Un muchacho llamado Norte" ("North"-1993, como Rachel Lap la joven madre del niño, y Lukas Haas, "Perseguida" ("While She Was Out"-2008) interpretando al pequeño Samuel el "único testigo". Y en esta comunidad amish también nos encontramos a Danny Glover, "En tiempo de dragones" ("Age of the Dragons"-2011) como McFee, y al aquí debutante en la gran pantalla Viggo Mortensen, "Un método peligroso" ("A Dangerous Method"-2011) como Moses Hochleitner.

  Resumiendo: Una maravilla de película. Una película muy bien realizada, que nos permite entrar en un mundo muy cerrado, a través de un guión perfecto, de unas extraordinarias interpretaciones y como no de una maravillosa banda sonora.   Matrícula de Honor.

  "Único testigo" logró dos Oscar: Guión original (William Kelley, Pamela Wallace y Earl W. Wallace) y Montaje (Thom Noble).

  Como curiosidad: En la película no interviene ni un solo amish auténtico y tampoco se utilizó ninguna granja de verdad.

 

 

 

 

01/01/2017 20:11 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Un mundo perfecto (A Perfect World - 1993)

20161226210623-perfecto.jpg

        Sé como eres. Eres un buen hombre.

        No... pero tampoco soy el peor...

  Extraordinaria película de género policiaco aderezada con acción, drama y suspense. Escrita por John Lee Hancock, Un sueño perfecto" ("The Blind Side"-2009). Un escritor nacido en Texas. Sus inicios fueron como abogado pero a los cuatro años de ejercer esta carrera se vió atraido por el mundo del cine. Su debut tuvo lugar en 1991 como guionísta y director de la película "Romance dificil" ("Hard Time Romance"). Su último trabajo como director ha sido "El fundador" ("The Founder"2016) basada en la vida del fundador de la McDonald, cadena de comida rápida.

  "Un mundo perfecto" está dirigida por un hombre que no necesita presentación alguna en el mundo del cine me refiero al gran Clint Eastwood. Un cineasta nacido en San Francisco. Su pérfil de "Hombre sin Nombre" en el documental televisivo "The Man With no Name"-1977) le convirtió en una estrella internacional. La combinación de su mirada, su altura y su rostro impenetrable hizo de él un actor emblemático y le catapultó para convertirse en un artista completo.

  Aprendió el oficio de dirigir de dos maestros, Sergio Leone y Don Siegel, con los que trabajó de forma regular hasta su debut como director en "El seductor" ("The Berguiteg"-1971), película con la que siguieron "Escalofrio en la noche" ("Play Misty for Me"-1971), "Infierno de cobardes" ("Igh Plains Drifter"-1972), "Primavera en otoño" ("Breezy"-1973) y "Licencia para matar" ("The Eiger Sanction"-1975). Su primera obra maestra fue "El fuera de la ley" ("Outlaw Josey Wales"-1976), un western revisionísta estructurado en torno a un melodrama doméstico y una historia de venganza que analiza la guerra de Secesión.

  Es significativo que en esta película compartiera reparto con Sandra Locke su compañera fuera de la pantalla desde finales de los años setenta hasta los ochenta. Juntos ofrecieron trabajos memorables en "Ruta suicida" ("The Gaunflet"-1977), "Bronco Billy"-1980 e "Impacto súbito" ("Sudden Impact"-1983).

  A principios de los años ochenta, Clint Eastwood dirigió e interpretó"Firefox"-1982 y la mencionada "Impacto súbito", pero también trabajó exclusivamente detrás de la cámara por primera vez en "Bird"-1988. Siguió cruzando fronteras al realizar el drama "El aventurero de medianoche" ("Honkytonk Man"- 1982) y "El jinete pálido" ("Pale Rider"-1985) una segunda obra maestra del western. En 1992 ganó su primer Oscar almejor director por "Sin perdón" ("Inforgiven"). Continuó tratando los temas de la pérdida y la vejez en "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison"-1995), "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1996), "Deuda de sangre" ("Blood Work"-2002), "Space Cowboys"-2000, mezcla de aventura y ciencia-ficción. Volvió a situarse exclusivamente detrás de la cámara en "Banderas de nuestros padres" ("Flags of Our Fathers"-2006) y  su secuela "Cartas desde Iwo Jiwa" ("From Iwo Jiwa"-2006.

  En "Mistys River"-2003 presentó a Sean Penn y Tim Robins como bostonianos de clase obrera destruidos por un asesinato en el barrio. Posteriormente, "Million Dollar Baby"-2004 repitió la trayectoria premiada de "Sin perdón", aunque dejó menos huella en la historia del cine.

  La acción tiene lugar en Texas a lo largo de varias jornadas de uno de los primeros años 60 del siglo pasado, y en donde un preso se fuga de la prisión de Huntsville (Texas) junto con un compañero de presidio. Con orden de búsqueda y captura, sale en persecución de los evadidos el jefe de los rangers. A este le acompañan cuatro personas, dos rangers, un agente del FBI y una criminóloga. Para protegerse los dos fugitivos toman como rehén a un niño...

  Extraordinaria película, si señor. Una película que suma lirísmo, drama y thriller, con elementos de cine de carretera ("road movie") y por supuesto policiaco. El relato pues que nos presenta Eastwood va impregnado de melancolía y tristeza, de lirísmo y sutilezas, de humor e intemporabilidad, de complejidad y atención al detalle, de honestidad y respeto a los actores y como no al público. La historia lleva un ritmo pausado, es un trabajo personal, emocionante y vigoroso, evitando los sentimentalísmos anacrónicos y las moralinas impropias. La película para mi, representa relaciones con otras, y a las que el maestro rinde homenaje porque siente por ellas simpatía y admiración, como en el caso de "Raices profundas" ("Shane"-1953), "El aventurero de medianoche" ("Honkytonk Man"-1982) o "Los valientes andan solos" ("Lonely are the Brave"-1962).

  La película habla sobre todo de amor y camaradería. También habla de la maduración de un niño que en pocos dias descubre muchas cosas, de la importancia para los niños y adolescentes de los juegos, los disfraces, la diversión, el enfrentamiento y las atracciones de feria, de la transcendencia de los traumas de la infancia y sus secuelas, de la inconveniencia de los códigos morales que impiden juegos y entretenimientos del todo inocentes. Y rechaza el fanatísmo con especial al religioso y pseudoreligioso, las normas morales en fundamentos no relacionados de algunos agentes gubernamentales, el oportunísmo esagerado de algunos políticos, etc.

  La banda sonora está dirigida por Lennie Niehaus, "Gran Torino-2008. Un compositor nacido en Misuri. Estudió violín, oboe y fagot, antes de descubrir el saxofón. En 1951 se enroló en la big band de Jerry Wald y en 1954 en la orquesta de Stan Kenton donde permaneció hasta 1955. En los años 60 trabajó con Lalo Schifrin y comenzó a dedicar su tiempo a la composición de música para el cine y la televisión. En la década de los 80 se convirtió en uno de los compositores más preciados de Hollywood con una larga lista de bandas sonoras en películas de primera clase, destacando sus trabajos con Clint Eastwood.

  Y aquí aportando un tema espléndido, original de Eastwood ("Big Fran’s Baby"), de saxo y guitarra, que hace las veces de "leit motiv". Añade como música adaptada una relación de melodias de acompañamiento de los años 60 y anteriores, como "Ida Red", "Abilene", "South" y otras.

  La fotografía en color corrió a cargo de Jack N. Green, "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995). Un acreditado director de fotografía nacido en San Francisco. Al igual que Lennie Niehaus es un gran colaborador de Eastwood, cuenta en su haber una nominación al Oscar y al BAFTA. Fue miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía (ASC) desde 1992.

  Y en esta historia de "un padre perfecto" creando unas imágenes luminosas y realístas, mostrando preferencia por los espacios abiertos y los paisajes limpios y despejados. Las escenas de exteriores fueron rodadas en Brakettville, Huntville, Martindale y Austin (Texas), Birmingham (Alabama) y Beaufort (Carolina del Sur).

  Sensacional el mano a mano entre los dos protagonístas. Uno Clint Eastwood, como Red Garnett el jefe de los Rangers, que tiene la misión de capturar a los dos fugitivos cueste lo que le cueste. El otro Kevin Costner, "La otra hija" ("The New Daughter"-2009) como Robert "Butch" Haynes, un peligroso e inteligente asesino que se ha escapado de la cárcel.

  Y con ellos: Laura Dern, "Corazones solitarios" ("Lonely Hearts"-2006), como la criminóloga Sally Gerber; Keith Szarabajka, "El caballero oscuro" ("The Dark  Knight"-2008) como Terry Pugh el compañero de fuga de Robert. Y sin olvidarnos de T. J. Lowther, "Amor loco" ("Mad Love"-1995) como el pequeño Philip; y de Jennifer Griffin, "Vanilla Sky"-2001, como Gladys la madre del niño.

  En definitiva: Una película que para mi, es injusto que se le tenga olvidada en la filmografía de Clint Eastwood. El tiempo de seguro la pondrá en su sitio, y le hará una obra de culto a reivindicar... está por lo menos, entre sus cinco obras maestras. Y eso, viniendo de este cineasta, es decir mucho.   Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: En un principio, Robert  "Butch" Haynes era un fugitivo negro al que iba a dar vida Denzel Washington.

23/12/2016 19:09 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ultima llamada (Phone Booth - 2002 )

20161217192318-llamada.jpg

  "¿No es gracioso?, oyes un teléfono sonando y podría ser cualquiera. Hay que responder cuando un teléfono suena, ¿no os parece?"...

  Muy entretenida a la vez que intensa película de género de suspense con un soberbio guión de Larry Cohen, "La serpiente voladora" ("Q: The Wingen Serpent"-1982). Un cineasta nacido en Nueva York y, muy conocido por sus películas de clase B la mayoría de terror y ciencia-ficción, allá entre 1970 y 1980. A partir de entonces se centró más en la escritura de películas, aunque en el 2006 volvió a dirigir la serie creada por Mick Garris: "Masters of Horror".

  "Ultima llamada" está dirigida por Joel Schumacher. Un destacado director nacido también en Nueva York. Joel Schumacher, diseñador de moda de profesión, tras crear diversos vestuarios para la televisión, escribió el guión de "Sparkh"-1976 y de "Un mundo aparte" ("Car Wash"-1976), dos pequeñas películas que causaron un profundo impacto en el cine afroamericano. En 1978 escribió "El mago" ("The Wiz"), adaptación en versión afroamericana del musical de Broadway "El mago de Oz".

  Su debut como director fue con "La increible mujer menguante" ("The incredible Shriking Woman"-1981), que tuvo una buena acogida. Luego, Schumacher dejó huella con el drama "St.Elmo, punto de encuentro" ("St.Elmós Fire"-1985), y los actores del Brat Pack: Emilio Estevez, Rob Lowe y Demi Moore, que representaban a unos jóvenes en crisis de madurez. Esto le permitió rodar otras películas de temática diferente, como la historia vampírica "Jóvenes ocultos" ("The Lost Boys"-1987), el thriller de ciencia-ficción "Linea mortal" ("Flatliners"-1990) y el drama "Elegir un amor" ("Dying Young"-1991).

  A principio de los años noventa, Schumacher se dejó la juventud para contar la historia de un hombre trastornado en "Un dia de furia" ("Felling Down"-1993) y rodar dos adaptaciones exitosas de John Grisham, "El cliente" ("The Client"-1994) y "Tiempo de matar" ("A Time to Kill"-1996). En 1995 dejó huella en la cultura pop con la exuberante "Batman Forever" y posteriormente con "Batman & Robin"-1997. Ambas películas generaron cierta controversia sobre la homosexualidad de Shumacher había "contaminado" una de las fábulas del cómic más queridas. En realidad, la serie estaba agotada y los excesos del director no fueron más que la cabeza de turco de una franquicia limitada.

  Desde entonces, Schumacher ha rodado la perturbadora "Asesinato en 8 mm" ("8 MM"-1999), las películas de bajo presupuesto "Tigerland"-2000 y "Ultima llamada" ("Phone Booth"-2002), una biopic sobre la periodísta irlandesa asesinada "Verónica Guerin"-2003 y la adaptación de "El fantasma de la Opera" ("The Phantom of the Opera"-2004). En 2007 volvió de nuevo con la pésima "El número 23" ("The Number 23"). Su último trabajo ha sido hasta la fecha "Bajo amenaza" ("Trespas"-2011) con Nicolas Cage y Nicole Kidman. Un thriller nominado a los Premios Razzie a la peor pareja en pantalla. La estrella de Schumacher creo que se está apagando.

  Asi pues, Schumacher nos lleva hasta Nueva York y nos mete en la vida de un asesor de publicidad de medio pelo y en plena luz del dia y despues de hacer una llamada en una cabina pública y colgar el teléfono, este vuelve a sonar. Sabe muy bien que esa llamada no tiene nada que ver con él, pero el instinto o la curiosidad le obliga a cogerlo... cuando este lo descuelga se ve a si mismo atrapado en un tortuoso juego... si se le ocurre colgar, le dice el interlocutor, será hombre muerto...

  No es una película vibrante que se diga en el sentido de que pasan cosas de forma continuada para evitar que uno se haga preguntas, sino que aquí la base  de toda la historia es la conversación entre los dos protagonístas y como las reacciones del publicísta, van siendo recibidas por parte del francotirador que ya ha acabado con anterioridad con otras dos personas por negar sus pecados y que en el fondo lo único que quiere es darle una lección. De hecho, para mi, la moraleja de esta película es bastante sencilla y se ve venir a lo largo, pero es que el guionísta sabe utilizar los ingredientes adecuados para que sea una conclusión lógica, el director hace gala de un sorprendente manejo de tensión en la que hay espacio tanto para la opresión evidente de los planos más cerrados ( a fin de cuentas, la acción se desarrolla en su totalidad en una cabina telefónica y sus alrededores) y así Scumacher puede utilizar con bastante soltura y acierto la pantalla dividida. Aunque personalmente, quizá hubiera prescindido de mostrar algunos personajes cuando mantiene una conversación telefónica con ellos.

  El guión lo escribió Larry Cohen, "La ambulancia" ("The Ambulance"-1990). Un director, productor y guionísta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como guionísta de series para la televisión. Más tarde se especializó en estudios de cine en el City College de Nueva York, es muy conocido por sus películas de serie B sobre todo de las de terror y ciencia-ficción.

  Cuenta con muy buenos diálogos lo que da a la película una enorme importancia, pero también es cierto que la interpretación de los protagonístas ayudan mucho a elevarlo aún más.

  La fotografía en color está llevada a las órdenes de Mattehew Libatique, "Cisne negro" ("Black Swan"-2010). Un director de fotografía nacido en Nueva York. Estudió sociología y comunicaciones y después se graduó en cinematografía en el AFI Conservatorio. Sus comienzos fueron con videos musicales y al poco tiempo realizó el cortometraje "Los protozoos" hasta  que en el 2000 logró su primer éxito con el  largometraje "Requiem por un sueño" ("Requiem for a Dream").

  Y en esta peligrosa llamada haciéndo con su cámara unos primeros planos sumamente inteligentes a pesar de que casi toda la trama se desarrolla en una cabina telefónica pública. Aunque la película tiene su desarrollo en Nueva York, en realidad está rodada en Los Angeles concretamente en Fifth Street, entre Broadway Street y Spring Street.

  La música a decir verdad ocupa un segundo plano pero no asi por ello logra mantener la tensión ambiental. Su creador fue Harry Gregson-Williams, "Domino"-2005. Un compositor nacido en Inglaterra y uno de los más codiciados de Hollywood. Comenzó su carrera como arreglísta del compositor Stanley Myers, y continuó su carrera componiendo sus primeras obras para el director Nicolas Roeg.

  Muy bien Collin Farrell (posiblemente en su mejor interpretación), "Desafio total" ("Total Recall"-2012) en el papel de Stu Shepard un ambicioso publicísta que se encuentra de repente atrapado en una cabina telefónica. Y con Farrell, Kiefer Stherland, "La sombra de la sospecha" ("The Sentine"-2006) como el francotirador que habla al otro lado del teléfono; Forrest Whitaker, "El último desafio" ("The Last Stand"-2013) como el capitán Ramey; Radha Mitchell, "Los sustitutos" ("Surrogates"-2009) como Kelly la esposa de Stu; Katie Holmes, "Tres mujeres y un plan" ("Mad Money"-2008) como Pamela McFadden. Y un largo etc. de buenos secundarios.

  Resumiendo: Una película con buen ritmo trepidante a la vez que entretenida, con unos buenos diálogos y un guión que es de acero puro.   Notable.

  Como curiosidad el guionísta Larry Cohen le presentó este guión a Alfred Hitchcock en los años 60, pero fue desestimado por el mago del suspense por no tener una excusa fuerte.

 

14/12/2016 14:22 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


Counter

Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris