Hasta siempre!!!

                 Whitney Houston

              La voz de los noventa

  El pasado dia 11 falleció a la edad de 48 años la cantante y actriz Whitney Houston en un hotel de Beverly Hills, su cuerpo fue encontrado por su peluquera y se encontraba boca abajo sumergido en la bañera, se especula que pudo quedarse dormida por los efectos de algún calmante, ya que se sabía que consumía habitualmente Xanax, un medicamento que tomaba para controlar la ansiedad antes de acudir a fiestas como a la que tenía pensado asistir esa noche, y el dia anterior había trasnochado y bebido mucho alcohol. La causa oficial de la muerte podría tardar en conocerse varias semanas.

  Whitney Houston poseía una voz rica y poderosa, luminosa, fresca y pura. Y pasar de oir esa inconfundible voz en las décadas de 1980 y 1990, a ver su cuerpo adelgazar y su voz deteriorarse en los últimos diez años fue una experiencia impactante para todos sus fanáticos. Su serena imágen, que se iluminaba al entonar esa voz majestuosa, se vió trastocada en los últimos años de su carrera y se convirtió en el guión de una historia de suspense (su suspense) que invadió las portadas de todas las revistas sensacionalístas.

  Whitney Houston nació con unos genes musicales inusuales: era hija de la cantante de gospel Sissy Houston, prima de la diva del pop en la década de 1960 Dionne Warwick y ahijada de la legendaria y reina del soul Aretha Frankin. Desde que tenía cinco años, Whitney estaba entonando canciones de gospel en New Hope Baptist Church, una iglesia cristiana de New Jersey. Pasó su niñez haciendo las segundas voces de artistas como Chaka Khan y Lou Rawis, asi como las de su madre.

  Pronto fue motivo del interés de Clive Davis, dueño de Arista Records, un bar en Manhattan, y, a los 19 años, ya se podía considerar una artista de reconocimiento. Davis solo dejó que los compositores más prestigiosos hicieran parte del equipo que produjo el primer álbum de Whitney, "Whitney Houston". Cuando fue lanzado en 1985, se convirtió en el disco más vendido de una artista debutante.

  Dió con diferentes éxitos, varios de los cuales ganaron premios Grammy como "Saving All My Love for You", "How Will I Know, "You Give Good Love" y "The Grentest Love of All". Whitney se dió el lujo de ser más exitosa que los Beatles, al tener siete veces consecutivas el sencillo número uno de las listas de Estados Unidos. En 1987 sacó un nuevo álbum, "Whitney", donde se encuentran las célebres canciones "Where Do Broken Hearts Go" y "I Wanna Dance With Somebody". Para finales de la década de 1980 ya se había convertido en una de las cantantes de soul más exitosa de todos los tiempos para ese entonces, había vendido 100 millones de discos alrededor del mundo.

  Su poderosa voz, y sobre todo el hecho de que lo hiciera sin esforzarse, también la llevaron a ser actriz de Hollywood. En 1992 fue la protagonísta de "El guardaespaldas" ("The Bodyguard"), la película también protagonizada por Kevin Costner que dió con la inimitable "I Will Always Love You", un cover de Dolly Parton. "Whitney" fue el álbum del año en los premios Grammy y se mantuvo en la cima de las listas durante varias semanas.

  El papel de la película, sin embargo, tenía cierta relación con la realidad. Por esa época surgieron rumores de que a la estrella se le habían subido los humos, decian que era dificil trabajar con ella y que era cada vez más impuntual. Whitney volvió al cine en 1995 y 1996 con "Esperando un respiro" ("Waiting to Exhale") y "La mujer del predicador" ("The Preacher’s Wife") dos largometrajes cuyas bandas sonoras también cantó. Pero, para entonces, las noticias sobre abuso de drogas (cocaina, marihuana y pastillas) empezaron a revelarse y la carrera de la artista empezó en decaida.

  Su comportamiento se volvió más y más errático. En 1992 se casó con el cantante de hip-hop Bobby Brown, con quien tuvo una hija Bobbi Kristina. Pero el tumultoso matrimonio se volvió un espectáculo público. Se divorciaron en 2007 y a ella se le concedió la custodia de la niña. La impecable voz de Whitney se volvió áspera y ronca. Además, ya no lograba alcanzar esas notas altas por las que se había hecho famosa. Entró en rehabilitación dos veces antes de declararse abstemia en 2010, pero durante el proceso la diva tuvo que cancelar conciertos y fue detenida en un aeropuerto por motivos de drogas. En 2011, en un concierto tributo para Michael Jackson, estaba tan flaca que se dijo que iba a morir al dia siguiente.

  En una famosa entrevista con Diane Sawyer, en 2002, Whitney dijo "el peor demonio soy yo, puedo ser o mi mejor amigo o mi peor enemigo". En el 2009 grabó un disco "I Look To You", con el objetivo de volver a la escena y al estrellato, pero su mal momento se evidenció en un concierto que estuvo desafinando tanto en lo musical como en lo personal. En una conversación con la BBC, el periodísta especializado en musica Paul Gambaccini describió la voz de Whitney como "el manual de canto para todos los artistas de los ultimos 30 años". Pero al final ella misma se convirtió en su propia victima, y es triste muy triste que todo lo que logró se viniera abajo por culpa de su mala administración.

  Según Guinness World Records, Whitney es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos, con dos premios Emmy, seis premios Grammy, treinta premios Billboard Music Awards y veintidos American Music Awards, para un total de 415 premios en su carrera. También es una de las artistas musicales que ha vendido un mayor número de discos en el mundo: más de 170 millones de álbunes, sencillos y videos.

  El funeral de Whitney se celebró en medio de una multitudinaria ceremonia en privado el dia 18 en la iglesia New Hope Baptis (la misma en la que comenzó a cantar cuando era una niña) en Newkark. Y al dia siguiente fue enterrada en el Fairview Cementery, en Westfield (New Jersey) junto a la tumba de su padre, John Russell Houston, fallecido en 2003.

  "Estoy destrozada, con lágrimas por la impactante muerte de mi amiga" (Mariah Carey)

  "Toda una tragedia" (Tony Bennet)

  "Hemos perdido a una leyenda" (Cristina Aguilera)

  "Tengo el corazón roto" (Eva Longoria)

Whitney Elizabeth Houston, Newark (Estados Unidos) - 9 - agosto - 1963 - Los Angeles (Estados Unidos) - 11 - febrero - 2012

                               ¡DESCANSE EN PAZ!

                                

 

Harry y Tonto (Harry and Tonto - 1974)

  La vejez y la muerte; dos cosas inevitables...

  Excelente película, excelente, triste y conmovedora road - movie escrita por Paul Mazursky, que también se atrevió con la realización y por el judio-estadounidense Josh Greenfeld un escritor graduado en la Universidad de Michigan, con muy poco cine en su haber, pero si muy conocido por sus series televisivas, "Lovey" se encuentra entre algunas de ellas pero, sobre todo por ser el autor de la triología "Un niño llamado Noah", "Un lugar para Noah" y "Un cliente llamado Noah". Tres libros acerca de su hijo autista Noah.

  La historia nos la cuenta como bien digo al principio, el director, guionísta, productor y actor nacido en Nueva York, Paul Mazursky "Presidente por accidente" ("Moon Over Parador"), un camaleónico cineasta con cuatro nominaciones en su historial y graduado en 1951 en el Brooklyn College.

  Mazorsky pues, nos mete de lleno en la vida de Harry, un anciano viudo que se ve obligado a marcharse de su apartamento, cuando el edificio es clausurado. Al principio se queda a vivir con un hijo y su familia, pero al final decide comenzar un viaje por todo el pais junto a su gato Tonto...

  Estupenda película de género cómico- dramático, y en donde el director neoyorkino nos mete en un recorrido vital y nostálgico por esos caminos que la vida nos tiene preparado, unos caminos que bien los puede recorrer un joven, o como en este caso una persona de edad avanzada, y nos lo va mostrando tanto por la rosa inocencia de la juventud, como por la gran experiencia de la vejez. Una historia para mi, tan vital como reflexiva, y sobre todo humana, muy humana ya que queda plasmado de una manera tan real, la triste certeza de que la vejez y la muerte, son dos cosas inevitables.

  Preciosa la fotografía a todo color, creada gracias a la pericia de Michael Butler (que también sale un poquito) "Tiburón 2" ("Jaws 2"), un estupendo maestro fotográfico nacido en Chicago, y muy vinculado tanto al cine como a la televisión. Y en esta magnífica película de carretera mostrándonos unas extraordinarias imágenes, la mayoría rodadas en escenarios naturales, las tomadas en la ciudad de Batavia en el estado de Illinois son de auténtico sombrerazo.

  Como de auténtico sombrerazo es la banda sonora, compuesta por el compositor norteamericano de origen italiano Bill Conti "Evasión o victoria" ("Victory"), un hombre con una impresionante carrera musical, ya que a los siete años comenzó a estudiar piano y contando en su haber la direción musical de la entrega de los Oscar durante varios años. Y aquí, no escatimó en nada, ya que escribió unas partituras tan tiernas como intimístas, y en donde yo destacaría "Canción de Annie" y "Vals de Jesús", dos melodias verdaderamente maravillosas.

  Pero el plato fuerte está en la grandísima interpretación del actor protagonísta Art Carney "Alegrias de un viudo" ("House Call") metido en el papel de Harry Coombes, ese septuagenario viudo y retirado, que tras la demolición de su apartamento en Nueva York se embarca en la odisea a traves de América con su amado gato Tonto, con la inteción de visitar a sus hijos. Impresionante la interpretación de Carney, nadie podría haberlo hecho mejor.

  Aunque con Carney no solo viaja su gato, ya que nos encontramos kilómetro a kilómetro con muy buenos y grandes actores, destacando Melanie Mayron "Mi querido mafioso" ("My Blue Heaven") como Ginger una joven fugitiva que se encuentra en la carretera, a Ellen Burstyn "La telaraña de Carlota" ("Charlotte’s Web") como Shirleyn una hija que le encuentra demasiado encantador y, atención a los amantes de las series televisivas, porque también nos sale al paso el super-famoso y malo malísimo Larry Hagman, efectivamente el J.R. de la no menos multi-famosa serie "Dallas", aunque en esta emotiva historia dando vida a Eddie otro hijo del protagonista, un hombre obligado a afrontar su propio fracaso.

  Resumiendo, una película verdaderamente conmovedora y entrañable, y en donde Mazursky hace un repaso de valores , tales como la amistad la familia y la soledad, esa soledad que puede venir a veces de la irremediable vejez.  Sobresaliente.

  Art Carney logró el Oscar al Mejor Actor (superando nada más ni nada menos que a Jack Nicholson por "Chinatown", Albert Finney por "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express"), Dustin Hoffman por "Lenny" y Al Pacino por "El Padrino II" ("The Godfather: Part II"). Y la película tuvo dos nominaciones: Mejor Película y Mejor Guión Original.

  A modo de curiosidad en un principio el papel de Harry Coombes iba a ser interpretado por James Cagney, pero al final no aceptó la oferta de la productora, en cambio Art Carney aceptó encantado.

 

 

 

 

Hecho en el cielo (Made in Heaven-1987)

  "El verdadero amor no es aquel que complace a la mirada, sino aquel que a pesar de las faltas, sigue latiendo en nuestro corazón"...

  Muy entretenida película de género dramático-romántico y basada en un guión bastante atractivo del estadounidense nacido en Illinios, Raynold Gideon "Cuenta conmigo" ("Stand by Me") y por el también norteamericano, este nacido en Long Beach, Bruce A. Evans "Un hombre, una mujer y un banco" ("A Very Big Withdrawal") dos guionístas y productores que se unieron en 1979 hasta que en el 2007 pusieron punto y final a su "matrimonio" cinematográfico con la película "Mr. Brooks" protagonizada por Kevin Costner.

  "Hecho en el cielo" la dirige el irregular, (aunque aquí logró hacer una de sus más bonitas y sentimentales historias de amor) Alan Rudolph "Pensamientos mortales" ("Mortal Thoughts"), un cineasta nacido en Los Angeles cuyas historias tienden a centrarse en personajes solitarios y excéntricos, y en las complicadas relaciones que mantienen con los demás. Se da la circunstancia que la mayoría de sus películas están escritas también por él mismo.

  La historia nos mete de lleno en el alma (no en el cuerpo) de un joven que muere por salvar la vida de una madre y de sus hijos, este va al Cielo y allí se enamora de una chica muy guapa. Pero cuando se reeencarnan y vuelven a la Tierra ya en (cuerpo y alma), les dan treinta años para encontrarse...

  Bonita película, si señor, bonita y muy entretenida, una película para mi quizá algo desconocida para muchos y en donde Rudoph nos cuenta muy bien lo que hay en la vida después de la muerte, lo que hay en el cielo y sobre todo en  la continuedad de esa vida es decir en la reencarnación en otro cuerpo. Es una película de historia rápida y directa. Cuenta con excelentes escenas, la mayoría plagadas de romanticísmo, cosa que por lo cual mantienen en vilo al espectador, y con un idílico cielo como parte de los escenarios de la trama.

  Escenarios realizados por una váliosa fotografía en color a cargo del canadiense Jan Kiesser "El Doctor T y las mujeres" ("Dr. T and the Women"), un afamado director fotográfico que a los cinco años se trasladó con sus padres a Los Angeles donde llegó a graduarse en la Universidad de California en dicha ciudad (UCLA), cuenta en su haber con tres premios Genie y un Emmy, y con más de cien trabajos tanto en el cine como en la televisión. Y en esta historia celestial demostrando su pericia, para mostrarnos unas bellísimas imágenes tando de exteriores como de interiores.

  Contiene una buena banda sonora del neoyorkino Mark Isham, "En el valle de Elah" (In the valley of Elah") un estupendo compositor ganador de un Emmy, y aquí utilizando un instrumento nuevo en la orquesta, para reproducir unos sonidos nunca oidos en bandas sonoras tradicionales, haciendo pués un efecto idóneo para esta historia poética con toques de ciencia-ficción, y atención al temazo del canadiense Neil Young "We Never Danced", una auténtica gozada.

  Como una gozada es también ver a la jovencísima por aquel entonces pareja protagonísta, el chico es Timothy Hutton "La caja Kovak" ("The Kovack box"), dando vida (y muerte) a Mike ese joven que pierde la vida tragicamente en un acto de buena fe, y como consecuencia de ello va al cielo y allí, conocerá a la chica, una preciosa chica llamada Annie, Kelly McGillis "Único testigo" ("Witness") de la cual se enamora y con la que hará una nueva vida en el cielo. Estupendos los dos, compenetrándose muy bien en sus respectivos papeles, cosa que por lo cual hace mucho más creible esta romántica historia. Ambos rodeados de un buen plantel de famosos secundarios, en donde tengo que destacar a Maureen Stapleton "Adictos al amor" ("Addicted to Love")  y a Don Murray "Un sombrero lleno de lluvia" ("A Hatful of Rain").

  En definitiva, una muy entretenida y bonita como digo al principio historia, que creo encantará a aquellos que gusten el cine romántico y de temas esotéricos, reencarnación y vidas pasadas.  Notable.

  A modo de curiosidad, hace unos años Kelly McGilles se confesó lesbiana, saliendo así del armario y cortándose la melena. Pienso que quizá por este motivo la actriz no terminó de triunfar del todo en este tipo de películas.

 

 

 

 

Herida (Damage-1992)

  "La gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir".

 

  Estupenda y a la vez muy interesante drama pasional y en donde se  combina el romance con el adulterio, y basada en una novela de Josephine Hurt, una escritora inglesa de origen irlandés nacida en Mullinger (Condado de Westmeath) y, co-fundadora de la Gallery Poest End Puetry Huur y del West End de Poesia, y entre sus libros más conocidos se encuentra además de "Damage" "Las raices del amor" ("The Routs of Love").

  "Herida" cuenta con un guión del dramaturgo y director de teatro y cine inglés David Hare "Las horas" ("The Hours"), un polifacético cineasta nacido en Sussex, fundador en 1982 de una compañía de cine llamada Cine Greenpoint y con un Premio BAFTA en su haber.

  La historia nos la relata de forma magistral Louis Malle "Atlantic City", un extraordinario director de cine francés nacido en Thumeries, con varias obras maestras en su extensa filmografía y, aunque en su época se desarrolló el célebre movimiento de la Nouvelle vague, este nunca perteneció, puesto que según el, quiso desarrollar su propio camino en paralelo, solo y con sus propias motivaciones. Y aquí en esta historia dramático-erótica nos mete de pleno en una peligrosa aventura de amor y sexo, en la que viven un hombre ya en edad madura y la joven prometida de su hijo. El es un miembro del Parlamento que, muy enamorado quiere dejarlo todo por ella, pero la chica no piensa igual y prefiere casarse con su hijo...

  Buenísima película, si señor, y en donde Louis Malle nos narra este apasionante romance de forma impresionante, puesto que la historia rezuma un tórrido erotísmo y una sensualidad sumamente desbordante. Una historia que de verdad nos demuestra cuán irracionales somos los seres humanos, cuando somos vencidos por el instinto carnal. Una historia sugerente y excitante, que algunos pueden pensar que esta trama puede resultar increible (que un padre abandone a su esposa y renuncie a su flamante carrera política, porque se ha enamorado de la prometida de su hijo y que esta se preste a hacer el amor con él), pienso que quizá lleven razón, pero la película es más que interesante, ya que explora con mucha autenticidad las relaciones humanas llevadas hasta más allá del límite. Y digo de verdad, que no necesitamos que el cine sea creible o no, para aproximarnos a la realidad. Cuenta con escenas sublimes y escabrosas a la vez, pero yo destacaría cuando el hijo descubre a su padre y a su novia haciendo el amor, y este impresionado, cae por el hueco de la escalera y se mata. Estremecedora y escalofriante escena, de verdad lo digo.

  Muy atractiva la banda sonora del polaco Zbigniew Preisner "Cuando un hombre ama a una mujer" ("When a Man Loves a Woman"), uno de los compositores más destacados de su generación y en esta estupenda historia, haciéndonos disfrutar de una música con aire clasicísta y con acordes pausados y profundos. El tema principal se inicia con un solo de piano, pasando luego a cuerdas y acabando con guitarras, excelente Preisner y ganándose un elogio internacional.

  Cómo igual de excelente para que no falte de nada la fotografía en color, supervisada por el cineasta británico nacido en Gales, Peter Biziou "En el nombre del padre" " ("In the Name of the Father"), y en donde nos ofrece unas imágenes con colores matizados, además de usar unos encuadres muy equilibrados con unos suaves movimientos de cámara. La escena de la escalera es todo un prodigio de encuadre singular, muy bien Biziou demostrando que el Oscar ganado por "Arde Mississippi" ("Mississippi Burning") no fue una casualidad.

  Magnífico el reparto de actores, encabezado por Jeremy Irons "La misión" ("The Mission") que se atrevió a desnudarse para meterse en el papel de Stephen Fleming, un alto cargo ministerial que durante una aburrida fiesta en una embajada, conoce a una joven experta en arte y, que se presenta como la nueva novia de su hijo, pero poco a poco las relaciones entre ambos se van haciendo más fuertes. La joven es Juliette Binoche "La huella del silencio" ("Bee Season") haciendo aquí su debut en Hollywood, y dando vida a Anna Barton, una mujer que intercambia su vida al conocer a un hombre mucho mayor que ella y padre de su prometido, y que no entiende muy bien, como puede pretender mantener relaciones con un padre y un hijo al mismo tiempo. Impresionantes los dos, derrochándo química por todos sus poros.

  Muy bien los secundarios de auténtico lujo ella, Miranda Richardson "Juego de lágrimas" ("The Crying Game"), como Ingrid Fleming la esposa de Stephen, él es, Rupert Graves "Un funeral de muerte" ("Death at a Funeral") metido hasta la muerte en el cuerpo de Martyn Fleming el hijo de ambos. Y atención a los nostálgicos, porque hace una breve aparición como la madre de Anna, Leslie Caron, si amigos la inolvidable "Lili".

  En definitiva, penúltima película del maestro francés Louis Malle, la última fue "Vania en la calle 42" ("Vanya 42and Street") dos años después, y en donde consiguió plasmar de forma magnífica todo un drama pasional, y el cual le brindó la oportunidad de explorar uno de sus temas preferidos, sexo, amor y pasión. Una película tan fácil de ver, como dificil de olvidar.  Sobresaliente.

  Miranda Richardson estuvo nominada como Mejor Actriz Secundaria, la estatuilla fue para Marisa Tomei por "Mi primo Vinny" ("Cousin Vinny").

 

 

 

 

 

 

 

Mujeres enamoradas (Women in Love- 1969)

                En recuerdo de: Ken Russell

  ¿Cuantas de ustedes habrán dicho alguna vez..."si estas paredes pudieran hablar..."?

    Bella y sensual película de género dramático basada en una novela del escritor inglés D. H. Lawrence (David Herbert Richards Lawrence) "La zorra" ("The Fox"), un hombre donde en su literatura expone una extensa reflexión acerca de los efectos deshumanizadores de la modernidad y la industrialización, abordando también en sus novelas cuestiones relacionadas con la sexualidad y el instinto humano.

      El guión corrió a cargo del escritor productor y activísta gay Larry Kramer "Horizontes perdidos" (Lost Horizon" - 1973), cineasta nacido en Bridgeport (Estados Unidos) licenciado en la Universidad de Yale y nombrado ayudante del presidente de la United Artist en 1965, cuando apenas tenía treinta años de edad. "Mujeres enamoradas" está dirigida por Ken Russell "La guarida del gusano" ("The Lair of the White Worm") y en donde nos cuenta una historia, pero no una historia cualquiera ni mucho menos, es una historia de amor, de amor sensual, romántico y atractivo. Es la historia de dos hermanas, una maestra la otra escritora, dos hermanas con caracteres opuestos allá al principio del siglo XIX, y en donde establecen unas relaciones amorosas con dos hombres, pero estos a la vez mantienen una extraña relación de amor-amistad, la historia pues entre estos cuatro personajes acabará en un inesperado desenlace...

    Bella y sensual película como digo al principio, una película muy bien realizada, pienso que quizá sea lo mejor de Russell o al menos la que tuvo más repercusión de cara al público. Una película valiente de las que te enganchan de principio a final, a pesar de su larga duración (130 minutos), puesto que te sumerge con un cierto aire hipnótico en una trama donde te explica de forma magistral las emociones y la filosofía sobre el amor de todos sus personajes, destilando al mismo tiempo una fatalidad, denuncia y provocación sumamente arrolladora. Contiene escenas mágníficas y poderosas que, pienso marcaron seguramente la diferencia en la cinematografía de por aquel entonces, e incluso en los tiempos de hoy. Magistral Russell, si señor.

    Como magistrales están sus cuatro protagonístas principales, encabezados por Glenda Jackson "El retorno del soldado" ("The Return of the Soldier" como Gudrun Brangwen, una mujer fria y calculadora, cautivadora y provocativa, pero sobre todo bella muy bella y rotunda. Muy pegado a ella Oliver Reed "Gladiator", metido en el personaje de Gerald Crich, un apuesto joven heredero de una gran fortuna y practicamente dueño y señor del negocio familiar. Y discutiendo con él tanto en lo divino como en lo humano Alan Bates "El hombre de Kiev" (The Fixer") dando vida a Rupert Birkin un personaje inconformísta, intelectual, rebelde, pero encantador en sus modales. Forma el cuarteto amoroso Jennie Linden "El abísmo del miedo" ("Nightmare") interpretando a Ursula Brangwen, hermana de Gudrun y enamorada de Rupert, aunque este mantiene relaciones con una joven perteneciente a la aristocracia. Soberbios y en estado de gracia los cuatro protagonístas.

     Extraordinaria la fotografía en color supervisada bajo las órdenes de Billy Williams "La sombra del lobo ("Shadow of the Wolf") un consumado cineasta nacido en Londres, y en donde sus comienzos fueron para la publicidad y fue allí donde entró en contacto con varios jóvenes directores entre los que se encontraban Ken Russell y John Schlesinger, en el 2009 fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico. Y aquí ofreciéndonos unas espléndidas imágenes tanto de exteriores como de interiores, la escena fotografiada entre Bates y Reed luchando ambos desnudos a la luz del fuego es antológica.

    Muy buena la banda sonora dirigida por el francés nacido en Roubaix Georges Delerue "Platton", un compositor que estudió en el conservatorio de Paris, y posteriormente entró en contacto con la nouvelle vague, convirtiéndose en uno de los músicos preferidos del director Françoise Truffaut, y en estas enamoradas mujers ofreciéndonos unas partituras llenas de poder y pasión.

    En definitiva, una apasionante película, llena de valentía y provocación, con una depurada puesta en escena, y, que a pesar del tiempo transcurrido hoy sigue siendo igual de provocadora que el dia de su estreno.   Sobresaliente.

     Glenda Jackson logró el Oscar a la Mejor Acrtiz, y la película obtuvo tres nominaciones: Director, Guión Adaptado (Larry Kramer) y Fotografía (Georges Delerue).

      A modo de curiosidad Glenda Jackson no estuvo presente en la entrega de los Oscar. La actriz que siempre se había declarado admiradora de Bette Davis y Joan Crawford, recibiría la felicitación de ambas estrellas.

 

           

Hasta siempre!!!

                           Ken Russell

                      Visionario y atrevido

  El pasado 27 de noviembre fallecía a la edad de 84 años el siempre polémico y controvertido director británico Ken Russell. Un hombre cuya filmografía se caracterizó por una valentia y una revolucionaria visión en el tratamiento de temas tabú, como la sexualidad y la religión.

  Ken Russell cuyo verdadero nombre era Henry Kenneth Alfred Russell nació el 3 de julio de 1927 en Hampshire (Inglaterra). Después de pasar una temporada enrolado en la Marina, desempeñó los más diversos oficios: piloto, pintor, músico, bailarín, antes de llegar al cine, primero como actor y luego como fotográfo.

  Después de rodar algunos cortometrajes amateurs, es contratado por la cadena de televisión BBC y por fin tiene éxito con una larga serie de espectaculares biografías, entre las que destacan "Elgar (1962), "The Debussy Film" (1965), "The Bigger Dance in the World" (1966), "Dante’s Inferno" (1967) y "Song of Summer" (1968). Entre las que hace sus primeras películas: "French Dressing" (1964), una fallida comedia, y "Un cerebro de un billón de dólares" ("Billion Dollar Bran", 1967), última entrega de la serie protagonizada por el ex espia Harry Palmer y basada en novelas de Len Deighton.

  El éxito de "Mujeres enamoradas" ("Women in Love", 1969), personal adaptación de una novela de D. H. Lawrence, le permite volver con más medios e imaginación a sus enloquecidas biografías de artistas: Tekai Kouski en "La pasión de vivir" ("The Music Lovers", 1970), Henri Gaudier y Sophie Brzeska en "El mesias salvaje" ("Savaje Messiah", 1972), Gustav Mahler en "Una sombra en el pasado" ("Mahler", 1974), Franz Liszt en "Lisztomanía", 1975) y Rodolfo Valentino en "Valentino" (1977).

  Convertido en un director de moda, también rueda "Los demonios" ("The Devils", 1971), escandalosa versión de la novela anticlerical de Alduus Huxley, "El novio" ("The Buy Friend", 1971), un musical homenaje al coreógrafo Busby Berkeley, que es su mejor trabajo, y "Tommy" (1975), adaptación de la ópera-rock de Peter Townsend y The Who, con lo que crea la estética del video-clip.

  Su decadencia comienza en la década de los ochenta con el fracaso de "Viaje alucinante al fondo de la mente" ("Alfred States", 1980), historia de ciencia-ficción comenzada a rodar por el guionísta y autor de la novela Paddy Chayefsky, continuada por Arthur Penn y finalizada y firmada por él, "La pasión de China Blue" ("Crime’s of Passion", 1984), desafortunada mezcla de sexo y muerte con estructura policiaca, y "Guthic" (1986), sobre la famosa reunión entre lord Byron, Mary Shelley y Polidori que dió origen a la novela "Frankenstein".

  Entre sus últimas y decepcionantes producciones sólo se pueden citar "Salome’s Last Dance"(1988), sobre la asistencia del escritor Oscar Wilde al estreno londinense de la ópera "Salomé", de Richard Strauus, "The Rainbuw" "El arco iris, 1989), adaptación de la novela de D. H. Lawrence, "Puta" ("Whore", 1991), versión del monólogo teatral de David Ribes al servicio de la actriz Theresa Russell, y "Prisionero del honor" ("Prisioner of Honor", 1991), sobre el famoso caso Dreyfus y su época. Su último trabajo fue en el año 2006 con la película "La casa del terror" ("Trapped Ashes") un fallido divertimento terrorífico creado por Denis Bartok y en donde se narran varias historias, cada una contada por diferentes directores. Y el dia 27 de noviembre terminó la trayectoria desigual de un cineasta tan atrevido como controvertido, que hizo del exceso virtud, y abrió nuevas vias en el cine musical.

  "Su aportación a la televisión y al cine en este pais es absolutamente única"

                      ( Michael Winner realizador británico )

  Ken Russell, Hampshire (Inglaterra) - 3 - julio - 1927 - Hampshire (Inglaterra) - 27 - noviembre - 2011

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

Hombres de honor (Men of Honor - 2000)

  ¿Cómo vas a volver a bucear con una sola pierna?

   Cuando no sabía leer aprendí a hacerlo...

  Entretenida película de acción, con toques militares dramáticos y racistas a la vez y, basada en hechos reales.

  "Hombres de honor" está inspirada en la vida de Carl Brashear un hombre nacido en Kentucky, que luego sería el primer buzo negro de la marina de los Estados Unidos. Cuenta con un guión del californiano Scott Marshall Smith "Un golpe maestro" ("The Score"), un escritor graduado en la Universidad de Nueva York, que durante seis años ocupó la dirección del Marketing de Panavisión de Hollywood.

  La historia nos la relata George Tillman Jr. "Notorius", un notable director y productor nacido en Wisconsin y graduado en el Columbia College de Chicago donde se especializó en Cine y Video. La película pues se centra, como digo, en la vida de Carl Brashear un marino de color al que no deja que nada ni nadie se interponga en su camino, para lograr sus deseados sueños, pero se encontrará con muchos impedimentos, cosa que por lo cual y como bien prometió a su padre luchará por no terminar igual que él: trabajando el resto de su vida en una granja, y por tanto tendrá una batalla particular para conseguir ser el mejor de todos...

  Entretenida película, aunque hay que reconocer que es la típica historia americana de héroes haciendo hasta lo imposible con tal de conseguir sus propósitos, y por supuesto que al final logrará conseguirlos. Pero ya por el simple hecho de ser una historia biográfica, es para mi, un buen motivo de conocer la vida real de este personaje, el que su única obsesión es lograr el título de buzo de la marina estadounidense.

  Una historia que de verdad sosprende y emociona al mismo tiempo. Cuenta con escenas tanto emotivas como impactantes, y en donde cabe destacar la del final donde Carl debe de andar los doce pasos reglamentarios, para lograr su ansiado sueño, una escena de verdad impresionante y de una gran calidad humana. Y que decir de sus sólidos diálogos: "la diferencia entre yo y el predicador es que el predicador trabaja para Dios... y yo soy Dios"...

  Estupenda la fotografía a todo color, creada por el londinense Anthony B. Richmond "Siempre a tu lado" ("Someone Like You") un especialísta en películas de corte romántico, pero que aquí dió un giro a su carrera como director de fotografía, para crear unas imágenes sumamente excepcionales, la mayoría rodadas en escenarios naturales, concretamente en la Escuela Naval de Bayonne en Nueva Jersey.

  Bien como siempre la banda sonora del neoyorkino Mark Isham "La dalia negra" ("The Black Dahlia") un estupendo compositor ganador de un Premio Emmy y de un Premio Grammy y, aquí aplicándonos unos temas de corte épico, pero que prosigue con melodias dramáticas de lento desarrollo y aire militar, demostrando ser una vez más uno de los compositores más importantes hoy en dia de Hollywood.

  Sensacional el mano a mano entre el duo protagonísta: uno, Robert De Niro "Todos están bien" ("Everybudy’s Fine") metido en el uniforme de Billy Sunday, un oficial instructor, un hombre amargado, alcohólico y racísta, aunque luego al final y a pesar de su rudeza y complicidad apoyará a su mejor buzo para que consiga lo que siempre ha deseado, hacerse un lugar en la armada americana. El otro: Cuba Goodin Jr. "Marcados para morir" ("The Hit List") que está perfecto en el papel de Carl Brashear, un chico desconocido, humilde, pero de un gran tesón, porque tan pronto cumple la edad necesaria, se alista en la marina, pero por ser negro le relegan a la cocina, y más tarde demostrará que sirve para buscar nuevos y mejores horizontes.

  Muy bien los secundarios encabezado por la siempre bella y magnífica Charlize Theron "Hancock", como la perfecta esposa de Billy, una mujer firme y vulnerable pero sumamente explosiva, y por la aqui debutante Aunjanue Ellis "La víctima perfecta" ("The Resident") en el papel de Jo, la esposa de Carl, sin olvidarnos ni mucho menos del televisivo David Keith "Golpe a traición" ("One Last Score") y aqui haciendo de ese capitán comprensivo llamado Hartigan. Pero atención también a Carl Lumbly "Sólo un sueño" ("Just a Dream") el padre de Carl, en un brevísimo papel y muy poco diálogo pero con este sirve: "no vuelvas en mucho tiempo".

  En definitiva, no nos encontramos ante una obra maestra ni mucho menos, pero si ante una película donde se combina el estilo biográfico con la intriga militar, tocando todas las bases necesarias para ambos géneros. Tal vez no haya nada nuevo, pero la película para mi, resulta satisfactoria.   Notable.

  Como curiosidad Cuba Gooding Jr. no sólo debió aprender a utilizar un traje de casi 90 kilos de peso, si no que también necesitó aprender a manejar una prótesis especial creada por Susan Zwerman "Alarma nuclear" ("Broken Arrow").

 

 

 

Gunga Din (1939)

    La aventura colonial se tiñó de acción y comedia con tres sargentos y un aguador hindú...

  Todo un clásico del cine de aventuras y probablemente una de las más famosas historias que Hollywood produjo en los años treinta alabando a los ingleses en trance de cargar con la responsabilidad del hombre blanco.

  La película está inspirada en un relato del escritor y poeta británico aunque nacido en Bombay, Rudyard Kipling, "Capitanes intrépidos" ("Captains Courageours") un hombre al que se le recuerda por ser el autor de cuentos infantiles y sobre todo por sus poemas sobre los soldados británicos en la India.

  La dirección corrió a cargo de George Stevens, "Raices profundas" ("Shane") un estupendo y consumado cineasta nacido en California, y en donde irrumpió en el mundo del cine como cámara trabajando en cortometrajes de Stan Laurel y Oliver Hardy (el gordo y el flaco). Y en donde llegó a conseguir a lo largo de su exitosa carrera como director dos Oscar y haber estado nominado en doce ocasiones.

  La historia que nos cuenta Stevens nos hace de trasladarnos a la India y nos mete en el traje de tres sargentos británicos de los lanceros imperiales, amigos inseparables, pero parece ser que el trio está a punto de desaparecer, ya que uno de sus componentes se dispone a casarse, lo cual es un destino peor que la muerte. Pero, afortunadamente, no tarda en surgir una terrible amenaza... y aqui comienza esta extraordinaria aventura.

  Nos encontramos pues, ante una estupenda película de acción, aventuras y amorios, y además con una trama más que interesante y en donde el gran George Stevens no escatimó en nada, ya que contó con un enorme presupuesto, dos millones de dólares de aquella época en la que se filmó. Cuenta como es de suponer con escenas sensacionales tanto de batallas como de humor, la del pozo de las serpientes fue incluso retomada por Steven Spielberg en su famosa "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raidersuf the Lust Ark") y hasta incluso Blake Edwards hizo una parodia, quizá en una de las escenas más culminantes de la película, en su divertida "El guateque" ("The Party") y es en la que el aguador herido de muerte, sube a lo alto de la torre para tocar por primera y última vez la trompeta y así avisar al ejército inglés. Y atención a los descacharrantes diálogos de estos tres militares inseparables: "Te voy a sacar el tuétano si no llenas de agua ahora mismo mi casco"...la verdad es que, este aguador llevaba el agua por largo que fuese el dia, porque no parecía conocer nunca el miedo.

  Muy bonita la fotografía en blanco y negro llevada bajo la dirección de Joseph H. August "Esmeralda la zíngara" ("The Hunchback of Notre Dame") un aclamado maestro fotográfico nacido en Colorado, co-fundador de la Sociedad Americana Cinematográfica y con dos nominaciones en su haber, la última a titulo póstumo por "Jennie" ("Portrait of Jennie) ya que falleció poco después de terminar su rodaje. Y en esta clásica historia de aventuras deleitándonos con unas asombrosas fotografías, la mayoría tomadas en escenarios naturales.

  Muy amena a la vez que muy bien ambientada la banda sonora, creada por un compositor que vió la luz en Connecticut y que no necesita presentación alguna, ya que es uno de los más importantes musicos de la historia del cine en Estados Unidos, hablo de Alfred Newman "Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") teniendo en su curriculum cuarenta y cinco nominaciones (si amigos habeis leido bien 45) un récord solamente compartido con John Williams y habiéndolos ganado en nueve ocasiones. Y aquí como digo al principio regalándonos un trabajo impecable.

  Pero la película no es solamente su espectacular fotografía y su excepcional musica, la película es también. Cary Grant, "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest"), Victor McLaglen, "El delator" ("The Informer") y Douglas Fairbanks Jr, "La conquista de un reino" ("The Exile") ambos dando vida a los sargentos Archibald Cutter, Mac MacChasney y Thomas Ballantine, esos tres inseparables camaradas que deberán cumplir una misión, la de desbaratar una rebelión impulsada por una peligrosa secta religiosa: los adoradores de la diosa Kali. Excelentes y sobrados los tres, y cada uno en sus respectivos puestos de combate. Pero además de estos tres colegas  del imperio nos encontramos a la bellísima (aunque sale muy poco) Joan Fontaine, si amigos, esa misma que todos estais pensando la inolvidable "Rebeca" de Alfred Hitchcock.

  Pero más de uno se preguntrán, ¿pero quies es Gunga Din?. Pues resulta que es Sam Jaffe "Los cañones de San Sebastián" ("La bataille de San Sebastian"), si señor, este es el personaje que da titulo a la película, un pequeño pero gran personaje un aguador hindú para más señas, cuyo mayor deseo es convertirse en un estupendo soldado, y gracias a él y surgiendo de entre los muertos toca una corneta por primera y última vez para avisar a las tropas británicas que les van a tender una emboscada. Este es "Gunga Din".   

  En definitiva, todo un clásico del cine de aventuras de los años treinta, y todo un espectáculo visual tanto por su acción, como por su comicidad. Pero sobre todo porque es una película de auténtica camaradería.    Sobresaliente.

  "Gunga Din" estuvo nominada al Oscar por su Mejor fotografía.