Hasta siempre!!!

                           Ken Russell

                      Visionario y atrevido

  El pasado 27 de noviembre fallecía a la edad de 84 años el siempre polémico y controvertido director británico Ken Russell. Un hombre cuya filmografía se caracterizó por una valentia y una revolucionaria visión en el tratamiento de temas tabú, como la sexualidad y la religión.

  Ken Russell cuyo verdadero nombre era Henry Kenneth Alfred Russell nació el 3 de julio de 1927 en Hampshire (Inglaterra). Después de pasar una temporada enrolado en la Marina, desempeñó los más diversos oficios: piloto, pintor, músico, bailarín, antes de llegar al cine, primero como actor y luego como fotográfo.

  Después de rodar algunos cortometrajes amateurs, es contratado por la cadena de televisión BBC y por fin tiene éxito con una larga serie de espectaculares biografías, entre las que destacan "Elgar (1962), "The Debussy Film" (1965), "The Bigger Dance in the World" (1966), "Dante’s Inferno" (1967) y "Song of Summer" (1968). Entre las que hace sus primeras películas: "French Dressing" (1964), una fallida comedia, y "Un cerebro de un billón de dólares" ("Billion Dollar Bran", 1967), última entrega de la serie protagonizada por el ex espia Harry Palmer y basada en novelas de Len Deighton.

  El éxito de "Mujeres enamoradas" ("Women in Love", 1969), personal adaptación de una novela de D. H. Lawrence, le permite volver con más medios e imaginación a sus enloquecidas biografías de artistas: Tekai Kouski en "La pasión de vivir" ("The Music Lovers", 1970), Henri Gaudier y Sophie Brzeska en "El mesias salvaje" ("Savaje Messiah", 1972), Gustav Mahler en "Una sombra en el pasado" ("Mahler", 1974), Franz Liszt en "Lisztomanía", 1975) y Rodolfo Valentino en "Valentino" (1977).

  Convertido en un director de moda, también rueda "Los demonios" ("The Devils", 1971), escandalosa versión de la novela anticlerical de Alduus Huxley, "El novio" ("The Buy Friend", 1971), un musical homenaje al coreógrafo Busby Berkeley, que es su mejor trabajo, y "Tommy" (1975), adaptación de la ópera-rock de Peter Townsend y The Who, con lo que crea la estética del video-clip.

  Su decadencia comienza en la década de los ochenta con el fracaso de "Viaje alucinante al fondo de la mente" ("Alfred States", 1980), historia de ciencia-ficción comenzada a rodar por el guionísta y autor de la novela Paddy Chayefsky, continuada por Arthur Penn y finalizada y firmada por él, "La pasión de China Blue" ("Crime’s of Passion", 1984), desafortunada mezcla de sexo y muerte con estructura policiaca, y "Guthic" (1986), sobre la famosa reunión entre lord Byron, Mary Shelley y Polidori que dió origen a la novela "Frankenstein".

  Entre sus últimas y decepcionantes producciones sólo se pueden citar "Salome’s Last Dance"(1988), sobre la asistencia del escritor Oscar Wilde al estreno londinense de la ópera "Salomé", de Richard Strauus, "The Rainbuw" "El arco iris, 1989), adaptación de la novela de D. H. Lawrence, "Puta" ("Whore", 1991), versión del monólogo teatral de David Ribes al servicio de la actriz Theresa Russell, y "Prisionero del honor" ("Prisioner of Honor", 1991), sobre el famoso caso Dreyfus y su época. Su último trabajo fue en el año 2006 con la película "La casa del terror" ("Trapped Ashes") un fallido divertimento terrorífico creado por Denis Bartok y en donde se narran varias historias, cada una contada por diferentes directores. Y el dia 27 de noviembre terminó la trayectoria desigual de un cineasta tan atrevido como controvertido, que hizo del exceso virtud, y abrió nuevas vias en el cine musical.

  "Su aportación a la televisión y al cine en este pais es absolutamente única"

                      ( Michael Winner realizador británico )

  Ken Russell, Hampshire (Inglaterra) - 3 - julio - 1927 - Hampshire (Inglaterra) - 27 - noviembre - 2011

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

Hombres de honor (Men of Honor - 2000)

  ¿Cómo vas a volver a bucear con una sola pierna?

   Cuando no sabía leer aprendí a hacerlo...

  Entretenida película de acción, con toques militares dramáticos y racistas a la vez y, basada en hechos reales.

  "Hombres de honor" está inspirada en la vida de Carl Brashear un hombre nacido en Kentucky, que luego sería el primer buzo negro de la marina de los Estados Unidos. Cuenta con un guión del californiano Scott Marshall Smith "Un golpe maestro" ("The Score"), un escritor graduado en la Universidad de Nueva York, que durante seis años ocupó la dirección del Marketing de Panavisión de Hollywood.

  La historia nos la relata George Tillman Jr. "Notorius", un notable director y productor nacido en Wisconsin y graduado en el Columbia College de Chicago donde se especializó en Cine y Video. La película pues se centra, como digo, en la vida de Carl Brashear un marino de color al que no deja que nada ni nadie se interponga en su camino, para lograr sus deseados sueños, pero se encontrará con muchos impedimentos, cosa que por lo cual y como bien prometió a su padre luchará por no terminar igual que él: trabajando el resto de su vida en una granja, y por tanto tendrá una batalla particular para conseguir ser el mejor de todos...

  Entretenida película, aunque hay que reconocer que es la típica historia americana de héroes haciendo hasta lo imposible con tal de conseguir sus propósitos, y por supuesto que al final logrará conseguirlos. Pero ya por el simple hecho de ser una historia biográfica, es para mi, un buen motivo de conocer la vida real de este personaje, el que su única obsesión es lograr el título de buzo de la marina estadounidense.

  Una historia que de verdad sosprende y emociona al mismo tiempo. Cuenta con escenas tanto emotivas como impactantes, y en donde cabe destacar la del final donde Carl debe de andar los doce pasos reglamentarios, para lograr su ansiado sueño, una escena de verdad impresionante y de una gran calidad humana. Y que decir de sus sólidos diálogos: "la diferencia entre yo y el predicador es que el predicador trabaja para Dios... y yo soy Dios"...

  Estupenda la fotografía a todo color, creada por el londinense Anthony B. Richmond "Siempre a tu lado" ("Someone Like You") un especialísta en películas de corte romántico, pero que aquí dió un giro a su carrera como director de fotografía, para crear unas imágenes sumamente excepcionales, la mayoría rodadas en escenarios naturales, concretamente en la Escuela Naval de Bayonne en Nueva Jersey.

  Bien como siempre la banda sonora del neoyorkino Mark Isham "La dalia negra" ("The Black Dahlia") un estupendo compositor ganador de un Premio Emmy y de un Premio Grammy y, aquí aplicándonos unos temas de corte épico, pero que prosigue con melodias dramáticas de lento desarrollo y aire militar, demostrando ser una vez más uno de los compositores más importantes hoy en dia de Hollywood.

  Sensacional el mano a mano entre el duo protagonísta: uno, Robert De Niro "Todos están bien" ("Everybudy’s Fine") metido en el uniforme de Billy Sunday, un oficial instructor, un hombre amargado, alcohólico y racísta, aunque luego al final y a pesar de su rudeza y complicidad apoyará a su mejor buzo para que consiga lo que siempre ha deseado, hacerse un lugar en la armada americana. El otro: Cuba Goodin Jr. "Marcados para morir" ("The Hit List") que está perfecto en el papel de Carl Brashear, un chico desconocido, humilde, pero de un gran tesón, porque tan pronto cumple la edad necesaria, se alista en la marina, pero por ser negro le relegan a la cocina, y más tarde demostrará que sirve para buscar nuevos y mejores horizontes.

  Muy bien los secundarios encabezado por la siempre bella y magnífica Charlize Theron "Hancock", como la perfecta esposa de Billy, una mujer firme y vulnerable pero sumamente explosiva, y por la aqui debutante Aunjanue Ellis "La víctima perfecta" ("The Resident") en el papel de Jo, la esposa de Carl, sin olvidarnos ni mucho menos del televisivo David Keith "Golpe a traición" ("One Last Score") y aqui haciendo de ese capitán comprensivo llamado Hartigan. Pero atención también a Carl Lumbly "Sólo un sueño" ("Just a Dream") el padre de Carl, en un brevísimo papel y muy poco diálogo pero con este sirve: "no vuelvas en mucho tiempo".

  En definitiva, no nos encontramos ante una obra maestra ni mucho menos, pero si ante una película donde se combina el estilo biográfico con la intriga militar, tocando todas las bases necesarias para ambos géneros. Tal vez no haya nada nuevo, pero la película para mi, resulta satisfactoria.   Notable.

  Como curiosidad Cuba Gooding Jr. no sólo debió aprender a utilizar un traje de casi 90 kilos de peso, si no que también necesitó aprender a manejar una prótesis especial creada por Susan Zwerman "Alarma nuclear" ("Broken Arrow").

 

 

 

Gunga Din (1939)

    La aventura colonial se tiñó de acción y comedia con tres sargentos y un aguador hindú...

  Todo un clásico del cine de aventuras y probablemente una de las más famosas historias que Hollywood produjo en los años treinta alabando a los ingleses en trance de cargar con la responsabilidad del hombre blanco.

  La película está inspirada en un relato del escritor y poeta británico aunque nacido en Bombay, Rudyard Kipling, "Capitanes intrépidos" ("Captains Courageours") un hombre al que se le recuerda por ser el autor de cuentos infantiles y sobre todo por sus poemas sobre los soldados británicos en la India.

  La dirección corrió a cargo de George Stevens, "Raices profundas" ("Shane") un estupendo y consumado cineasta nacido en California, y en donde irrumpió en el mundo del cine como cámara trabajando en cortometrajes de Stan Laurel y Oliver Hardy (el gordo y el flaco). Y en donde llegó a conseguir a lo largo de su exitosa carrera como director dos Oscar y haber estado nominado en doce ocasiones.

  La historia que nos cuenta Stevens nos hace de trasladarnos a la India y nos mete en el traje de tres sargentos británicos de los lanceros imperiales, amigos inseparables, pero parece ser que el trio está a punto de desaparecer, ya que uno de sus componentes se dispone a casarse, lo cual es un destino peor que la muerte. Pero, afortunadamente, no tarda en surgir una terrible amenaza... y aqui comienza esta extraordinaria aventura.

  Nos encontramos pues, ante una estupenda película de acción, aventuras y amorios, y además con una trama más que interesante y en donde el gran George Stevens no escatimó en nada, ya que contó con un enorme presupuesto, dos millones de dólares de aquella época en la que se filmó. Cuenta como es de suponer con escenas sensacionales tanto de batallas como de humor, la del pozo de las serpientes fue incluso retomada por Steven Spielberg en su famosa "En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raidersuf the Lust Ark") y hasta incluso Blake Edwards hizo una parodia, quizá en una de las escenas más culminantes de la película, en su divertida "El guateque" ("The Party") y es en la que el aguador herido de muerte, sube a lo alto de la torre para tocar por primera y última vez la trompeta y así avisar al ejército inglés. Y atención a los descacharrantes diálogos de estos tres militares inseparables: "Te voy a sacar el tuétano si no llenas de agua ahora mismo mi casco"...la verdad es que, este aguador llevaba el agua por largo que fuese el dia, porque no parecía conocer nunca el miedo.

  Muy bonita la fotografía en blanco y negro llevada bajo la dirección de Joseph H. August "Esmeralda la zíngara" ("The Hunchback of Notre Dame") un aclamado maestro fotográfico nacido en Colorado, co-fundador de la Sociedad Americana Cinematográfica y con dos nominaciones en su haber, la última a titulo póstumo por "Jennie" ("Portrait of Jennie) ya que falleció poco después de terminar su rodaje. Y en esta clásica historia de aventuras deleitándonos con unas asombrosas fotografías, la mayoría tomadas en escenarios naturales.

  Muy amena a la vez que muy bien ambientada la banda sonora, creada por un compositor que vió la luz en Connecticut y que no necesita presentación alguna, ya que es uno de los más importantes musicos de la historia del cine en Estados Unidos, hablo de Alfred Newman "Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") teniendo en su curriculum cuarenta y cinco nominaciones (si amigos habeis leido bien 45) un récord solamente compartido con John Williams y habiéndolos ganado en nueve ocasiones. Y aquí como digo al principio regalándonos un trabajo impecable.

  Pero la película no es solamente su espectacular fotografía y su excepcional musica, la película es también. Cary Grant, "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest"), Victor McLaglen, "El delator" ("The Informer") y Douglas Fairbanks Jr, "La conquista de un reino" ("The Exile") ambos dando vida a los sargentos Archibald Cutter, Mac MacChasney y Thomas Ballantine, esos tres inseparables camaradas que deberán cumplir una misión, la de desbaratar una rebelión impulsada por una peligrosa secta religiosa: los adoradores de la diosa Kali. Excelentes y sobrados los tres, y cada uno en sus respectivos puestos de combate. Pero además de estos tres colegas  del imperio nos encontramos a la bellísima (aunque sale muy poco) Joan Fontaine, si amigos, esa misma que todos estais pensando la inolvidable "Rebeca" de Alfred Hitchcock.

  Pero más de uno se preguntrán, ¿pero quies es Gunga Din?. Pues resulta que es Sam Jaffe "Los cañones de San Sebastián" ("La bataille de San Sebastian"), si señor, este es el personaje que da titulo a la película, un pequeño pero gran personaje un aguador hindú para más señas, cuyo mayor deseo es convertirse en un estupendo soldado, y gracias a él y surgiendo de entre los muertos toca una corneta por primera y última vez para avisar a las tropas británicas que les van a tender una emboscada. Este es "Gunga Din".   

  En definitiva, todo un clásico del cine de aventuras de los años treinta, y todo un espectáculo visual tanto por su acción, como por su comicidad. Pero sobre todo porque es una película de auténtica camaradería.    Sobresaliente.

  "Gunga Din" estuvo nominada al Oscar por su Mejor fotografía.

 

 

Gilda ("Nunca hubo una mujer como Gilda.")

  "¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo."

  Como "Casablanca", "Gilda" fue una obra magistral que surgió de la improvisación. El estudio Columbia había comprado los derechos de una historia de E. A. Ellington que sirvió de base a la película. Pero cuando Charles Vidor comenzó a rodar, el guión no estaba ni siquiera terminado. Tanto el cineasta como el ya veterano deirector de fotografía Rudolph Maté tuvieron que improvisar muchas escenas, mientras varios guionístas intentaban escribir al menos dos páginas de guión al dia. Rita Hayworth se hizo con el papel principal sin llegar a imaginarse que sería el personaje que marcaría el resto de su carrera. La acompañaron dos actores no excesivamente populares, Glenn Ford y George MacReady. Y, aunque la acción de la historia se desarrollaba en Buenos Aires, ellos no salieron de los estudios de Columbia. el trabajo fue relativamente sencillo, aunque existieron pequeños incidentes.

  Rita, que ya estaba separada de Orson Welles, comenzó un apasionado romance con Glenn Ford. El dueño y señor del estudio, Harry Cohn, comenzó a sospechar que ocurría algo entre ellos y ordenó instalar en sus camerinos micrófonos ocultos para averiguar si aprovechaban los descansos del rodaje para mantener relaciones sexuales. El coreógrafo Jack Cole se encargó de preparar las sensuales actuaciones de Rita Hayworth, mientras que la cantante Anita Ellis le dobló la voz. En estas escenas, así como a lo largo de toda la película, Charles Vidor creó unas imágenes de un erotísmo, tan elegante como turbador, que no tardaría en crear un auténtico escándalo en casi todo el mundo. "Nunca hubo una mujer como Gilda" fue la frase comercial que se empleó para lanzar la película. El éxito fue espectacular. El mismo Cohn se quedó perplejo del buen resultado de la película. Con "Gilda" ocurrió algo poco común y es que se convirtió en un auténtico fenómeno social, hasta el punto que se montó una expedición a los Andes para enterrar en la cumbre una copia del largometraje con la intención de que sobreviviese en caso de una guerra atómica.

  Los temas musicales interpretados en "Gilda" (el sugerente "Put the Blame on Mame" y "Amado mio"), pasaron a ser éxitos indispensables en cualquier sala de fiestas que se preciase. No cabe duda de que el máximo gancho de la película fue Rita Hayworth, fotografiada más hermosa que nunca por Maté. La secuencia en la que se quita el guante y la posterior bofetada pasaron a convertirse en dos de los momentos clásicos de la historia del cine. En su época resultaron tremendamente provocativos y pusieron los pelos de punta a los sectores más conservadores de la sociedad. En España el "fenómeno" Gilda dividió de nuevo al pais. Por un lado, ciertos espectadores disfrutaban incrédulos ante la hermosura de aquella mujer, poco acostumbrados a tener oportunidades de ese tipo por la "cruzada moral" del régimen franquísta; por otro, los más conservadores se rasgaban las vestiduras ante tal "indecencia", llegando en algunos casos a acusar de "pecadores" a los que asistían a la proyección e incluso a apedrear las salas que la exhibían. El escándalo fue de tal dimensión que hasta propició el nacimiento de la Oficina nacional clasificadora de espectáculos, encargada de velar por el cumplimiento de los dictados católicos y patrióticos. El impacto que la obra de Vidor tuvo sobre la sociedad española quedó reflejado en la película de Francisco Regueiro "Madregilda".

 

Yo bailaba en Nueva York

¿Y tu novio también es de...?

¡Ese no es mi novio!

Pues la expresión de su cara dice que le gustaría serlo.

   

 

 

 

Gilda (1946)

  Gilda: Tú me odias, ¿verdad?

   Johnny: No tienes idea hasta que punto.

   Gilda: El odio es una emoción muy intensa, ¿no lo has notado?. Muy intensa.

   Yo también te odio. De tal modo...que creo que voy a morir, cariño. Creo que voy a morir de odio.

  Mítica película de género negro y en donde un guante, una canción y sobre todo un bofetón, hicieron de ella todo un icono del cine universal.

  "Gilda" cuenta con un guión del norteamericano Marion Parsonnet "Odio y orgullo" ("My Forbidden Past") un escritor nacido en Nueva Jersey con muy pocas películas en su historial, puesto que donde más destacó fue en la televisión teniendo en su haber varios episodios de la multifamosa serie "Bonanza".

  El encargado de dirigir la historia fue Charles Vidor "El cisne" ("The Swan"), un director con una carrera irregular, nacido en Budapest y que al igual que algunos de sus colegas como Michael Curtiz y Alexander Korda formaron una nutrida comunidad húngara en Hollywod en la década de los años veinte.

  Asi pues, Vidor nos cuenta una historia magistral, una historia que surgió según dicen de la improvisación, pero que se conviertió en una película imprescindible. La acción nos lleva a Argentina, concretamente a Buenos Aires a finales de la II Guerra Mundial, para meternos de lleno en las conflictivas relaciones entre el propietario de un lujoso casino que sirve de tapadera a las actividades de un grupo nazi, su atractiva mujer, y su antiguo amante y al mismo tiempo el nuevo empleado del casino...

  Magistral película, si señor, y todo un icono del cine negro americano. Una película que ya forma parte por derecho propio de estar en la galería de obras maestras. Cuenta con escenas sublimes y jamás olvidadas por cualquier buen aficionado al cine, la famosa escena de la bofetada, el "striptease" de la protagonísta femenina, escenas de por si, escritas con letras de oro en las enciclopedias del cine mundial. Y que diálogos ¡vive Dios!. "Si fuera un rancho me llamaría Tierra de Nadie". "Las estadísticas demuestran que hay más mujeres en el mundo que cualquier otra...cosa". Diálogos de acero puro, diálogos para la historia.

  Como historia hicieron sus dos protagonístas principales: Rita Hayworth "Salomé" y Glenn Ford "Los cuatro jinetes del Apocalípsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse". Rita es Gilda, y Rita es sin duda la película, donde interpretó un personaje maravilloso, un personaje que le marcó de por vida. Nunca hubo ni habrá otra mujer en el cine como ella, porque está inmensa, y de una belleza extraordinaria. Creando un personaje de gran carácter, haciendo y deshaciendo todo a su antojo. Tiene lo que quiere en cada momento, y lo que es más, no parece tener remordimiento alguno a su mala conciencia. Un personaje de verdad dificil de asimilar, porque amigos mios, yo creo que Dios fué el que creó a Gilda.

  Gleen es Johnny Farrell, un tipo duro y apostador que parece incómodo bajo su traje, un aventurero en suma que toda su vida la ha dedicado a hacer trampas en el juego, y al final logra convertirse en el director de un casino de Buenos Aires, pero eso si, siempre vigilado por un tercer personaje. Este es George MacReady "Senderos de gloria" ("Paths of Glory") como Ballin Mundson el marido de Gilda y el dueño del casino, todo un cerebro de rostro impenetrable que lleva un bastón con estilete, y al que le gusta espiar a sus clientes y socios desde una habitación en la sala de apuestas. Los tres formando un triángulo amoroso haciendo avanzar aún más la trama.

  Una extraordinaria trama fotografiada magistralmente en blanco y negro por Rudolph Maté "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"), un reconocido director de cine y fotografía nacido en Hungría, y en donde desarrolló una cómoda andadura dentro del cine norteamericano a partir de la segunda mitad de la década de los años cuarenta. Con cerca de una treintena de títulos, y en esta soberbia historia creando unos fotogramas de verdadero maestro, porque será muy difícil que nadie pueda hacer un trabajo fotográfico tan asombroso con una actriz, como lo hizo este cineasta, plasmando las imágenes con una belleza tan excepcional como arrasadora.

  Y arrasadora es la música creada por el compositor estadounidense nacido en San Francisco, Hugo Friedhofer "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"), un compositor que comenzó a tocar el violonchelo a los 13 años de edad y acabando como uno de los grandes violonchelistas de la Orquesta Sinfónica Popular de California. Y aquí insertando fragmentos orquestales de factura vanguardista y aportando dos versiones exclusivamentes hechas para la Hayworth, una "Put Blame On Mame", una canción original donde Rita inicia un sugerente "striptease", la otra "Amado mio", un tema de época, el cual canta al final, sentada en la barra del bar y acompañada de una guitarra, repite esta vez con su propia voz, la otra fue doblada por la cantante canadiense Anita Ellis.

  En fin, una de las obras míticas del cine más renombradas, que sigue manteniéndose viva pese al paso del tiempo, haciendo de esto que no haya perdido ni un ápice de su encanto, sino más bien que lo ha ido adquiriendo con el paso de los años. Porque nunca hubo una mujer, como Gilda o lo que es igual, como Rita.  Matrícula de Honor.

  A modo de curiosidad, la crítica recibió escandalizada la película y se produjeron muchas anécdotas, sobre todo en la España de Franco, como la de pintar los enormes carteles que colgaban de los cines con la figura de la actriz alegando la inmoralidad del vestido de la misma, que enseñaba más que tapaba.

 

 

 

Guerra y paz (War and Peace - 1956)

     "Lo más dificil pero esencial es amar la vida, amarla aún cuando se sufre, porque la vida lo es todo. La vida es Dios y amar la vida significa amar a Dios."

  Magnífica película y todo un clásico del cine histórico basada en una novela del genial escritor ruso León Tolstói "Ana Karenina", Tolstói está considerado como uno de los más grandes autores del realísmo de todos los tiempos.

  "Guerra y paz" cuenta con un guión elaborado por Bridget Boland "El prisionero" ("The Prisioner") Mario Camerini "Ulises" ("Ulisse") y Robert Westerby "Fuego sobre Africa" ("Fire Over Africa"). El primero un escritor nacido en Londres y quizá el menos conocido de los tres, pero no por ello cuenta con unos buenos guiones de películas en su haber. De segundo nos encontramos ante un cineasta nacido en Roma, más conocido como realizador que por escritor. Y por último al también inglés nacido en Londres escritor de novelas y célebre guionísta tanto de cine como de televisión.

  La historia nos la cuenta King Vidor "La pradera sin ley" ("Man Without a Star") un gran director nacido en Texas de origen húngaro, cinco veces nominado y mundialmente famoso por haber dirigido "Aleluya" ("Hallelujah!") la primera película sonora de la historia del cine.

  Vidor pues, nos lleva al año 1805 para meternos de lleno en la nobleza rusa, es el año en que Napoleón amenaza con invadir Rusia. Empieza así una larga guerra que pondrá a prueba el valor de esas familias nobles y aburguesadas más acostumbradas a la vida ociosa que a la vida bélica...

  Una buena película, si señor, aunque a decir verdad no de lo mejor del gran Vidor, pero para mí es de sobresaliente, porque el texano supo adapatar la novela con gran maestría, puesto que creo que era una tarea bastante complicada. La historia la podiamos clasificar en dos partes muy diferentes: la romántica y la histórica, la primera ambientada en la Rusia burguesa y la segunda con la guerra entre rusos y franceses como fondo. Cuenta con extraordinarias escenas, puesto que sus 200 minutos de duracción dan para todo, y en donde yo destacaría las escenas de masas todas ellas logradas con un gran realísmo.

  Escenas fotografiadas en un suntuoso color por el inglés Jack Cardiff "La reina de Africa" ("The African Queen"), uno de los pioneros del technicolor y galardonado con un Oscar honorario por su contribución al cine. Y en este drama de época moviéndose con la cámara entre las fastuosas escenas de baile y las enormes reconstrucciones de batallas, y además sacando todo el partido posible al formato VistaVisión.

  Bellísima la banda sonora llevada a cabo por el siempre eterno Nino Rota "El padrino" ("The Godfather"), y aquí creando un amplio repertorio sinfónico, lo cual yo destacaría por un lado los temas dramáticos en escenas como: "The battle of Austerlitz" ("La batalla de Austeritz") y "Exodus from Moscow" ("Huida desde Moscú") y por el otro, las melodias románticas centradas en el "Tema de Natasha", "Andrei y Natasha" y la famosa "Natasha’s Waltz" ("El vals de Natasha") para la impresionante escena del gran baile. A destacar también la pequeña sinfonía "The hunt" ("La caza"). Inmenso aquí el maestro milanés (como siempre) creando un estilo dentro de la tonalidad, muy acorde con su don innato de compositor de bandas sonoras cinematográficas.

  Excepcional el reparto de actores elegidos por el gran King Vidor. Con una bellísima Audrey Hepburn "Historia de una monja" ("The Nun’s Story") en el papel de Natasha, una joven guapa y simpática, descendiente de una aristocrática familia, aunque sus riquezas han tocado fondo, Henry Fonda "Fort Apache", como el conde Pierre Bezukov, heredero de una inmensa fortuna, pero con muchos problemas en la sociedad rusa, y Mel Ferrer "Los caballeros del rey Arturo" ("Knights of the Round Table") metido en el personaje del principe Andrei, un hombre inteligente y erudito, aunque sumamente descontento de todo y de todos. Esto podriamos decir son los tres personajes centrales de la historia.

  Pero Vidor no se quiso quedar atrás para también poner de protagonístas a Vittorio Gassman "La escapada" ("Il sorpasso") en un papel a su medida el de Anatol Kuragin un donjuan canallesco, como digo un personaje que le va como anillo al dedo, John Mills "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daughter"), Anita Ekberg "La dolce vita", May Britt "El baile de los malditos" ("The Young Lions"), Herbert Lom "El quinteto de la muerte" ("The Ladykillers") dando vida a Napoleón Bonaparte, quizá para mi, el personaje menos creible, pero no por ello deja de hacer un gran trabajo este excepcional actor británico.

  En definitiva, una intensa historia histórico-dramática repleta de aventuras espectaculares, intrigas emocionantes y un trágico romance, cuyo fondo es la invasión de Rusia por parte de las tropas napoleónicas.  Sobresaliente.

  "Guerra y paz" estuvo nominada en los siguientes apartados: Mejor director, fotografía en color y vestuario en color (Maria De Matteis).

  Como curiosidad Audrey Hepburn y Mel Ferrer eran marido y mujer en la realidad, ya que estuvieron casados desde 1954 hasta 1968.

 

Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti - 1965)

   Esposa busca fantasmas para saber la verdad...

  Genial película de género dramático y toda una bella fantasía surrealísta onírica y a la vez psiconalítica dirigida por el también genial Federico Fellini, "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria").

  "Giulietta de los espíritus" cuenta con un guión de los italianos Tullio Pinelli, "Fellini, ocho y medio" ("Otto e mezzo") uno de los más conocido guionístas del cine italiano, nacido en Turin,  aunque sus comienzos los inició como abogado, tiempo después se asoció con Fellini y Roberto Rosselini, ayudado pues con Ennio Flaiano, "La noche" ("La notte") un también excelente escritor nacido en Pescara, aunque toda su carrera la desarrolló en Roma, en España se dió a conocer gracias a Luis García Berlanga que lo contrató para escribir el guión de "Calabuch". Y como tercer guionísta no podría faltar el de siempre  Federico Fellini (claro está), puesto que en la mayoría de sus películas (por no decir de todas) colabora en los guiones.

  Fellini pues, un hombre que no necesita presentación alguna, un director nacido en Rimini y considerado como uno de los protagonístas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro Oscar y galardonado en 1993 con otro honorífico, y nos cuenta aquí, en su primera película en color, una historia verdaderamente admirable: la vida de Giulietta Boldrini, una mujer que duda de la fidelidad y del amor de su marido, y esto le hace de acudir a sesiones espiritístas para buscar un consejo, o una verdad que le permita reconocer que aún siente cariño de su marido...

  No nos encontramos ante lo mejor del maestro de Rimini. Pero aún así, es una película entrañable y deliciosa, y además con uno de los aspectos más extraordinarios, ya que la historia es de una absoluta modernidad, si amigos mios, ya que, esos rostros, esas indumentarias y esas actitudes de los personajes, nunca parecen transnochadas. Porque la película se adelanta al tiempo, a su época mejor dicho, y es que Fellini ya había asimilado, y exagerado con afecto, las modas místicas de la era pop que florecían de aquella "nueva ola".

  Formidable la fotografía en color, llevada genialmente por uno de los directores más importantes de la fotografía en la época dorada del cine italiano, hablo de Gianni Di Vencuzo "Mujeres en Venecia" ("The Honey Pot"), un hombre fallecido prematuramente a la edad de 45 años (falleció en un accidente automovilístico), pero en su filmografía cuenta con verdaderas obras maestras, y aquí en esta primera película de Fellini en color, manejando la cámara como si fuese un ojo errático, pareciendo a veces extraviarse con sus incesantes entradas y salidas del cuadro, genial como digo la fotografía de este cineaste nacido en Teramo y fallecido en Roma..

  Correctísima la banda sonora a cargo de un hombre, que ya de por si, es todo un icono en la musica del cine universal, cómo lo fue, el oscarizado Nino Rota. "El gatopardo" ("Il Gattopardo"), como muestra, un compositor altamente dotado, nacido en Milán, profesor del Liceo Musical de Beri del que llegaría a ser director, y desarrollándo una doble carrera como compositor de bandas sonoras para el cine, y compositor de música clásica. Y en esta historia de espíritus y fantasmas ofreciéndonos unas estupendas partituras, dando así a la historia una ambientación llena de ritmo y armonía.

  Y el plato fuerte, la maravillosa interpretación de Giulietta Masina "La Strada", mujer y musa del gran Fellini, impresionante el papel de la "pequeña" Masina, metida en un personaje de universo onírico y surrealísta, esa Giulietta que se resiste a admitir que el amor de su marido que la profesa, ya forma parte de sus fantasías y que no duda en refugiarse en sus recuerdos y en las presencias y mensajes de sus seres queridos, ya estén vivos o muertos. Inmensa, si señor.

  Y con ella, todo un magnífico elenco de estrellas del cine italiano como: Sandra Milo, "El general de la Rovere" ("Il generale della Rovere"), en el papel de Suzy, una nociva mujer que solamente vive para el amor, Valentina Cortese, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contessa") dando vida a Valentina, y Mario Pisu, "La enfermera" ("L’Infermiera") metido en la piel de Giorgio el esposo de Giulietta, y atención a nustro José Luis de Vilallonga (Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s") como José el huésped español de Giorgio.

  Resumiendo, una gran película, puede que no sea la mejor de Fellini, pero si que nos encontramos ante una fascinante historia, densa, compleja y llena de claves y misterios. Porque nada es lo que parece, pero todo significa algo.  Sobresaliente.

  "Giulietta de los espíritus", estuvo nominada en el apartado de Mejor Vestuario (Piero Gherardi).

  "Giullietta es mi intérprete ideal, mi inspiradora, una presencia mágica en mi trabajo".

                                            (Federico Fellini)

 

Grease (1978)

   "Mis padres quieren conocerte, ¿por qué no te pasas por mi casa a tomar té?"."No me gusta el té". "Bueno, pues tómate otra cosa". "No me gustan los padres"...

  Entretenida película de género músical que, aunque sin llegar a ser una obra maestra ni mucho menos, supuso para la juventud de los años setenta todo un revulsivo, gracias a la fama conseguida un año antes por su protagonísta masculino con la famosa "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever").

  "Grease" es una adaptación músical de Broadway escrita por los compositores norteamericanos Jim Jacobs "Rumores y mentiras" ("Easy A") y Warren Casey "Cariño estoy hecho un perro" ("The Shaggy Dog"), el primero nacido en Chicago y el segundo en Nueva York. Y puesta en escena gracias a un guión del escritor nacido en Alabama, Bronte Woodard "¡Que no pare la música!" ("Can’t the Music"), un hombre quizá muy poco conocido puesto que murió de SIDA a los 39 años de edad y esta película es creo la más conocida por la mayoría del público.

  La dirección le fué encargada a Randal Kleiser (haciendo aqui su debut) "Cariño, he agrandado al niño" ("Honey, I Blew Up the Kid"), un cineasta nacido en Philadelphia graduado en la USC Film School, y en donde sus primeros comienzos fueron dirigiendo episodios para la televisión, algunos tan famosos cóm "Starky & Hutch", pero fue con esta ópera prima donde dió el verdadero dó de pecho y el que lo catapultó a la fama mundial.

  La historia nos traslada a los meses de julio y agosto de 1959, para meternos de lleno en las vidas de Danny y Sandy, donde un buen dia se conocen en la playa y terminan un perfecto romance. Pero pronto llega el primer lunes de septiembre y ambos deben retornar a sus diferentes colegios, cada uno pensando erroneamente que esto es el fin de su amor. Pero al regresar al instituto vuelven a encontrarse de manera sospresiva, y...

  Como digo una entretenida película musical, bastante divertida y con algunas canciones verdaderamente sugestivas ambientadas como no, en los años cincuenta. Si tengo también que decir que fue uno de los títulos más taquilleros de los años setenta, aunque mucho de esto se lo debe a su pareja protagonísta, una pareja destilando química por todos sus poros. Cuenta con estupendas escenas y en donde yo destacaría la gran carrera de coches Thunder Road al estilo de "Ben-Hur" (si ya se que todas las comparaciones son odiosas), y otra a tomar en cuenta, viendo al protagonísta masculino cantar las penas de su corazón en un auto-cine, mientras detrás de la pantalla bailan unos "perritos calientes" en una película de dibujos animados.

  Magnífica eso si, la banda sonora llevada bajo la dirección de dos musicos y cantautores de fama universal, me refiero al australiano nacido en Melbourne John Farrar "Xanadu", un hombre principalmente conocido por todo su trabajo junto a Olivia Newton-John, y por haber sido uno de los miembros del famoso grupo instrumental británico The Shadows, y como colaborador al inglés nacido en Manchester, Barry Gibb "El indomable Will Hunting" ("Good Will Hunting") un compositor considerado como uno de los más grandes del género popular en el siglo XX, puesto que junto con sus hermanos Robin y Maurice formó el mítico conjunto Bee Gees, y como digo logrando entre estos dos legendarios monstruos de la musica pop, una banda sonora sumamente vibrante y más que pegadiza, destacando la popular "Summer nights" ("Noches de verano") y por supuesto "Grased lightning" ("Relámpago"), pero que el resto de los temas no les van a la zaga, una banda sonora de verdad, rayando a un alto nivel.

  Y, bailando y cantando, nos encontramos en este músical a un "canijo" John Travolta "La hija del general" ("The General’s Daughter") como Danny ese rockero que durante un verano se enamora locamente de una chica, para luego después retornar a la realidad escolar, y a su imágen fria, con cazadora de cuero y como jefe de los "Thunderbirds". Sus amigos pues, están ansiosos por oirle y saber como lo ha pasado. Y lo ha pasado junto a la guapísima y pizpireta Olivia Newton-John, "Fiesta de despedida" ("It’s my Party") metiéndose en el cuerpo de Sandy, esa carismática joven enamorada de Danny, que una vez acabado el verano debe de volver con su familia a Australia y pensando que nunca más se van a volver a ver. Muy bien los dos, haciendo una pareja perfecta, una pareja a los que muchos les gustaría imitar.

  Y, dándoles buena réplica en este verano del 59, podemos ver al recientemente fallecido (27-V-11) Jeff Canaway "El banquero" ("The Banker") en el papel de Kenickie el mejor amigo de Danny, y sin olvidarnos ni mucho menos de Eva Arden "Anatomía de un asesinato" ("Anatomy of a Murder") como McGee la directora del instituto, Sid Caesar "Aeropuerto 75" ("Airport 1975") a Stockard Channing "Siete dias una vida" ("Life or Something Like I’t") en el papel de Rizzo, y hasta a Joan Blondell "Noche de violencia ("Ride Beyond Vengance") y Frankie Avalon "El Alamo" ("The Alamo") de John Wayne. Todos pues perfectos y en sus repectivos puestos de "baile", tanto los jóvenes como los veteranos.

  Magnífica fotografía en un color muy "brillante" supervisada por Bill Butler "Tiburón" ("Jaws"), un consumado director fotográfico nacido en Colorado, con más de medio centenar de películas en su historial, amén de los trabajos en series para la televisión, y aquí recreandose a la perfección sobre todo en los interiores con unos decorados impresionantes y coloristas a la vez de los años cincuenta.

  En definitiva, una entretenida comedia romántico-musical, que yo creo que merece la pena de ser vista, porque todo hay que decirlo, marcó una época en el cine, y a partir de aquí que cada uno-a, saque sus propias conclusiones.  Notable.

  "Grease" estuvo nominada a la mejor canción "Hopelessy devoted to you" ("Locamente enamorada de ti") (John Farrar).

  En 1982 Patrice Birch realizó digamos que una segunda parte con el título de "Grease 2", con Michelle Pfeiffer y Maxwell Caulfied como pareja protagonista, y a decir verdad fue mala, pero mala de solemnidad.

  A modo de curiosidad Olivia Newton-John en 1974 representó a Inglaterra en el Festival de Eurovisión con la canción "Long Live Love" ("Mucho tiempo viví el amor") quedando en cuarta posición, el ganador fue el conjunto sueco ABBA con "Waterloo".