Invasión en Birmania (Merril's Maradures-1962)

  "¿Sabeis que haré cuando termine la guerra?. Me casaré y tendré seis hijos. Y un dia los reuniré a todos y les contaré lo que fue Birmania. Y el que no rompa a llorar, le pegaré hasta que lo haga".

  Estupenda y a la vez realísta película de género bélico, basada en la novela del periodísta y escritor nacido en Atlanta, Charlton Ogburn Jr., muy conocido también por ser defensor de la teoría oxfordiana de William Shakespeare.

  Del guión se hicieron cargo el también productor neoyorkino, Milton Sperling, "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge"), un productor, como digo, y guionísta de la 20 Century Fox y Warner Bros, donde él tenía su propia unidad de producción independiente de los Estados Unidos. Y del propio director, Samuel Fuller, "Manos peligrosas" ("Pickup on South Stret"), un cineasta nacido en Worccester (Massachusetts) hijo de emigrantes judios y, que gracias a su tercera película "Casco de acero" ("The Sttel Helmet"-1951) fue buscado por los estudios cinematográficos más importantes de Hollywood y en donde firmó un contrato para realizar siete películas bajo el mando del poderoso Darryl F. Zanuck.

  La historia que nos cuenta Fuller nos traslada al mes de enero de 1942, para meternos en plena II Guerra Mundial y, en donde los japoneses han invadido Birmania para unirse con las fuerzas alemanas. Desde el norte de la India, un general norteamericano al mando de una brigada de infanteria compuesta por tres mil soldados de diferentes paises, tiene la misión de impedir ese avance japonés...

  Sobresaliente película de guerra, si señor. Una película yo diría que dividida en tres partes, ya que estas partes reciben el nombre de las batallas que se libran: Walawbum, Shadazup y Myitkina, y en donde el especialísta Fuller nos narra de forma vigorosa y con una impresionante austeridad, como el 4 de enero de 1942 esos tres mil voluntarios se lanzarán a la conquista de Birmania. Cuenta como todos nos imaginamos, con unas escenas plenas y llenas de acción y emoción, destacando la toma del enclave ferroviario de Shadazup.

  Escenas como bien he dicho llenas de dinamísmo llevadas a cargo por el director de fotografía nacido en Illinios, William H. Clothier, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"), un veterano maestro fotográfico, donde tengo que destacar en su brillante historial profesional el haber sido corresponsal de guerra en la Guerra Civil Española, y haber sido encarcelado durante un largo periodo de tiempo. Y en esta historia bélica, manejando la cámara de forma magistral y desrrollándo en cada escena una especie de laberinto visual, llegando así a una conceptualización total.

  De la banda sonora poco tengo que decir ya que ocupa un segundo plano en esta película. Pero aún así el siempre experimentado compositor nacido en Florida, Howard Jackson, "El sargento negro" ("Sergeant Rutledge") nos ameniza con varios temas a ritmo de marcha, dando así a la trama cierto aire  de patriotísmo.

  Muy bien Jeff Chandler, "Flecha rota" ("Broken Arrow") metido en el polvoriento y sudoroso  uniforme del general de infantería Frank D. Merrill, un curtido militar que debe de introducirse en la jungla birmana para hacerse cargo de una misión sumamente peligrosa, volar una via férrea y atacar al mismo tiempo una base enemiga (estupendo Chandler, aqui en su última película). Y junto a este patriótico militar, nos encontramos ba otros no menos patrióticos soldados, tales como Ty Hardin, "Pampa salvaje" ("Savage Pampas") (este actor fue muy famoso en España gracias a una serie televisiva titulada "Bronco" 1958-1962), y aquí como el lugarteniente Lee Stockton, Peter Brown, "Los jóvenes invasores" ("Darby’s Rangers") dando vida al soldado indio "Ojo de buey", Andrew Duggan, "Comando secreto" ("The Secret War of Harry Frigg") poniéndose el casco del capitán Abraham Lewis, Claude Akins, "Noche de violencia" ("Ride Beyond Vengance") en el papel del sargento Kolowicz (la mayoría de los actores provenían de la televisión). Y una mujer (aunque suene raro), Luz Valdez, Chinita", como la chica birmana (es de esperar).

  Resumiendo: Una película que para mí es puro entretenimiento. Y si de verdad apreciais el cine bélico y alguno o alguna aún no la ha visto, aqui teneis una cita pendiente.   Sobresaliente.

  Cómo anécdota el papel principal estaba destinado para Gary Cooper, pero tuvo que rechazarlo por su mala salud.

Interiores (Interiors - 1978)

  "Interiores era lo que yo quería hacer y, lo mejor que podía hacer en estos momentos" (Woody Allen).

  Muy buena película de género dramático y, quizá una de las menos conocidas de su director.

  "Interiores" fue la primera película dramática dirigida por Woody Allen y, que supuso un giro radical e inesperado en la filomografía del hasta entonces actor y director  cómico.

  Como digo, el genial director, guionísta, actor, musico, dramaturgo, humorista y escritor nacido en Nueva York, cuyo verdadero nombre es Allan Stewart Königsberg, pero mundialmente conocido en el mundillo cinematográfico como Woody Allen, "El sueño de Casandra" ("Cassandra’s Dream") por citar la primera que me ha venido a la mente, también y como era de esperar se hizo cargo del guión.

  Un guión que nos aporta unos diálogos impecables y una definición magnífica de caracteres. Con un argumento que nos habla de las críticas relaciones que mantienen diferentes miembros de una misma familia.

  Así pues, Allen nos cuenta una historia, una historia donde solamente hay un paisaje exterior, ya que el resto de las localizaciones son interiores. Es pues, la historia de una mujer que ha sido abandonada por su marido y, se reúne con sus tres hijas para que entre todas traten de afrontar la situación, teniendo en cuenta de que también ellas se encuentran en momentos sumamente críticos...

  Estupenda la banda sonora, aunque aquí tiene digamos que una presencia secundaria, ya que solamente se oyen dos temas, y los dos en la misma escena, "Wolverine Blues" ("Blues de Wolverine"), sacada de un álbum de la banda musical sueca Entombed y, "Keeping Out of Mischief Now" ("Fuera Keeping, Travesuras de chorc") de Thomas Waller, ambas como digo escuchadas en la misma secuencia, concretamente en la de la boda.

  Extraordinaria la fotografía llevada a cargo por Gordon Willis, "Presunto inocente" ("Presumed Innocent"), un director de fotografía nacido también en Nueva York, miembro de la American Society of Cinematographies (ASC) y en el año 2009 obtuvo un Oscar Honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica. Y en estos interiores, mostrándonos un estilo clasicista de magnífica sobriedad, con colores tenues y con una puesta en escena precisa y preciosa. Como bien he dicho antes, todas las escenas están fotografiadas en interiores, salvo la que se desarrolla en una playa, concretamente en la playa de Southampton (Inglaterra). Genial Gordon Willis, demostrándo que tanto Allen, como Francis Ford Coppola y Alan J. Pakula son sus más fieles admiradores.

  Maravilloso reparto de actores, mejor dicho de actrices, ya que son ellas las auténticas protagonístas de esta historia, comenzando por Geraldine Page, "Dulce pájaro de juventud" ("Sweet Bird of Youth"), dando vida a Eve, una madre y esposa que sufre constantes depresiones desde hace algunos años, ya que se ve fuertemente afectada por el abandono de su marido. Siguiendo con Diane Keaton, "Dias de radio" ("Radio Days") como Renata, la hija mayor, una poetisa de cierto reconocimiento que está viendo como su esposo, un novelista, sufre de inseguridad y frutración creativas. Sigue detrás Kristin Griffith, "Los europeos" ("The Europeaus"), metida en el cuerpo de Flynn, la hermana mediana, una actriz más bien mediocre, pero de cierto éxito. Y, por último la más pequeña, Mary Beth Hurt, "La joven del agua" ("Lady in the Water") en el papel de Joey, una chica que se halla en plena crisis de identidad, al no saber aún a que dedicarse.

  Y con estas cuatro fantásticas actrices, E. G. Marshall, "La jauría humana" ("The Chase"), interpretando a Arthur, el marido de Eve, un hombre que decide abandonar a su esposa porque no podía más con los altibajos de ella y, alegándo que ha cumplido con su deber. Seguido de Richard Jordan, "La caza del Octubre rojo" ("The Hunt for Red October"), y Sam Waterson, "Conspiración en la sombra" ("Shadow Conspirancy"). Soberbio el reparto coral, elegido aquí por el genial Woody Allen.

  En definitiva. Una película sensacional a la vez que sorprendente en el sentido de su poco parecido con los anteriores trabajos del cineasta neoyorkino, pero donde deja bien claro que es todo un genio a la hora de elaborar comedias, si no que también nos sorprende con un puro drama de máxima expresión. Y con un final inolvidable.   Sobresaliente.

  "Interiores" estuvo nominada en los siguientes apartados: Director, Actriz (Geraldine Page), Actriz secundaria (Maureen Stapleton), Guión original y Dirección artística (Mel Bourne y Daniel Robert).

  Como curiosidad, la ciudad de Sonthampton es muy famosa, ya que su puerto marítimo fue el punto de partida del Titanic, en su trágico viaje inagural.

Los tramposos (1959)

                 En recuerdo de: Tony Leblanc

       "Si me das una pesetita, te doy una estampita..." 

  Inspirada y entretenidísima película española de género de comedia y, posiblemente una de las mejores tanto de su director, como de su protagonísta.

  "Los tramposos" cuenta con un extraordinario guión del productor y guionísta nacido en Madrid José Luis Dibildos, "Llanto por un bandido". Un hombre de cine cien por cien, ya que fue presidente del Grupo Sindical de Productores Cinematográficos. Y famoso también por sus criticas a la censura en los años de la dictadura de Franco.

  La dirección corrió a cargo del catalán nacido en Tarragona, Pedro Lazaga, "Vente a Alemania Pepe", un cineasta con más de un centenar de películas en su historial cinematográfico que, inició su carrera trabajando como ayudante de dirección en 1947, para luego convertirse en uno de los directores más característicos del cine español.

  La historia que nos cuenta Lazaga nos lleva al Madrid de los años 50 y nos hace participes de la picaresca que por aquel entonces había en nuestro pais. Y nos mete de pleno en la vida y obras (no obra) de Paco y Virgilio dos "currantes" que se ganan la vida a base de organizar timos más o  menos elaborados...

  Estupenda película, si señor, estupenda y admirable, puesto que Pedro Lazaga a base de ingenio nos muestra como andaba por aquellos tiempos la económia española, ya que estaba digamos que comenzando su "milagroso" progreso y su despegue económico, pero eso si poniendo a cada uno uno en su sitio. Cuenta con escenas descacharrantes, escenas verdaderamente dignas del mejor cine de comedia, la del timo de la estampita junto a la estación de Atocha de Madrid, puede que sea una de las más famosas.

  Escenas fotografiadas a todo color y en Cinemascope (creo que fue una de las primeras películas españolas fotografiadas en este formato de pantalla), por Manuel Merino, "Bombas para la paz", un veterano maestro de la cámara, nacido en Madrid, con un excelente corriculum profesional tanto en el cine como en la televisión, a él le debemos "La barraca" y "Cañas y barro", dos mini-series para TV que causaron un gran impacto al público de aquella época. Y en esta historia de "golfantes" madrileños, mostrándonos unas fotografias (la mayoria en exteriores) de aquel Madrid espléndido, lleno de parques y jardines y, que ya se iba asomando a la modernidad.

  Amena la banda sonora y llevada a buen ritmo por el maestro nacido en Teruel, Antón García Abril, "Los santos inocentes", un músico que cursó estudios en el Conservatorio de Valencia, para después completar su formación musical en Italia a las órdenes del gran compositor del cine italiano, Francesco Lavagnino.

  Y, el plato fuerte de esta verdadera joyita de la picaresca española, ya convertida en todo un clásico de nuestro cine patrio de comedia: los actores, Ellos: Tony Leblanc, "Amor bajo cero" y Antonio Ozores, "El aprendiz de malo" en los personajes de Virgilio y Paco, dos castizos madrileños que gozan de una cierta popularidad en las comisarias de policia y sus huellas dactilares están cuidadosamente archivadas en la Dirección General de Seguridad. Los dos son huérfanos de "padre y madre", y los dos viven de su ingenio en el "toco-mocho", de su destreza en los tranvias aliviando y aligerando bolsos y carteras....y bueno de todo los que les sale por ahí... hasta que un buen dia deciden crear una agencia de viajes "Vir-Pa"...

  Ellas: Concha Velasco, "Las chicas de la Cruz Roja" y Laura Valenzuela, "La dinamita está servida". Concha es Julita, hermana de Paco y algo novia de Virgilio. Laura es Katy también algo novia de Paco, ambas trabajan en una famosa agencia de viajes y, a decir verdad también ambas están cansadas de la vida de estos dos "tramposos". Pero haciendo trampas o no, tambien andaban por Madrid unos secundarios con los cuales Pedro Lazaga se sintió orgulloso de tenerlos a sus órdenes, comenzando por Venancio Muro, "Sabían demasiado" dando vida a "Bajito" amigo inseparable de Paco y Virgilio, y el que siempre se llevaba los porrazos, y José Luis López Vázquez, "La gran familia", Manolo Gómez Bur, "Tres de la Cruz Roja" y hasta el matrimonio en la historia y en la vida real, José Mª Rodero, "Novio a la vista" y Elvira Quintilla, "Aprendiendo a morir".

  En definitiva: No es una obra maestra como "Calabuch" o "Calle Mayor", por citar dos películas de los años 50. Pero si, se merece estar al lado de ellas, puesto que es una de las mejores comedias del cine español de todos los tiempos, y yo diría que la mejor del género picaresco. Una película que no te cansas por muchas veces que la vuelvas a ver. Una película absolutamente recomendable para todos los públicos.   Sobresaliente.

  A modo de anécdota, hace un tiempo preguntaron a Enrique Cerezo actual presidente del Atlético de Madrid y productor cinematográfico, cual era su película favorita, por lo que contestó sin pensarselo dos veces que "Los tramposos".

Hasta siempre!!!

                              Tony Leblanc

               El genio de la comedia española 

  El pasado dia 24 falleció el actor Tony Leblanc, a los 90 años de edad y, a causa de un fallo cardiaco.

  Ignacio Fernández Sánchez, más conocido como Tony Leblanc, nació en el Museo del Prado de Madrid donde su padre trabajaba como conserje y tenía la vivienda en el mismo edificio. Su madre se llamaba María Sánchez López. El mismo trabajó durante un tiempo en este museo como botones. En su adolescencia fue aficionado al boxeo, llegando a ser campeón de Castilla de los pesos ligeros "amateur", al tiempo que participaba en el teatro de aficionados. también fue jugador de fútbol del Real Club Deportivo Carabanchel en Tercera División en el que consiguió anotar 23 goles que le valdría para reconocimiento de pichichi de Tercera División.

  Debutó profesionalmente en 1944 con la compañía de Celia Gámez y cinematográficamente en 1945 en la famosa película "Los últimos de Filipinas", dirigida por Antonio Román. Su estrellato se extendió desde la segunda mitad de los años 50 y la práctica totalidad de los 60 en títulos tan entrañables como: "El tigre de Chamberí" (1957) de Pedro Luis Ramirez, "Las muchachas de azul" (1957), "Los tramposos" (1959) ambas de Pedro Lazaga, "El dia de los enamorados" (1959) de Fernando Palacios, "Las chicas de la Cruz Roja" (1960), de Rafael J. Salvia, "Tres de la Cruz Roja" (1961) de Fernando Palacios e "Historias de la televisión" (1964) de José Luis Saenz de Heredia, En algunas películas formó pareja artística con  Concha Velasco, entre otras, trio cómico-artístico con José Luis López Vázquez y Manolo Gómez Bur. En claro encuadre popular no aparece en ninguna película que sea ajena a la comedia fácil o a las concesiones a la taquilla, encasillándose con los sempiternos realizadores del momento (Antonio Ozores, José Luis Saenz de Heredia, Fernando Palacios, Rafael J. Salvia y Pedro Lazaga).

  Por aquella época cosechó igualmente éxito sobre los escenarios con las célebres revistas, "Te espero en el Eslava" (1957-58) y "Ven y ven al Eslava" (1958-59) asmbas junto a Nati Mistral. Estos triunfos le animaron a escribir sus propias revistas, como, "¡Todos contra todos!" que interpretó en 1962 con Juanito Navarro, Antonio Casal y Addy Ventura y su continuación "Todos contra ella" (1963).

  Igualmente, fue auténtico pionero de la televisión en España, durante los años 50 y 60 que compaginó su carrera cinematográfica con especiales de humor, atracciones cómicas varias y algunos programas propios en TVE, como "Las Gomas" (1956), "La Goleta" (1957), "Gran Parada" (1963-64), "En órbita" (1967), "Cita con Tony Leblanc" (1969) y "Canción 71" (1971).

  A mediados de los 70 comienza su decadencia tras éxitos como "Paloma, palomita, palomera" o "Esta es mi vida" (1975), por este entonces se le agravó una antigua dolencia que lo dejó semi-inválido y lo apartó de la actividad profesional, pero antes llegó a realizar una de sus mejores actuaciones en "El astronauta" (1970) de Javier Aguirre y en el remake del clásico de Rafael Gil "El hombre que se quiso matar" en 1970.

  Tony Leblanc decidió retirarse del cine en 1975 tras rodar "Trs suecas para tres Rodriguez", recibiendo la Medalla al Mérito en el Trabajo en 1980. Un grave accidente de tráfico ocurrido el 6 de mayo de 1983 truncaría definitivamente su carrera teatral. El accidente le dejó incapacitado temporalmente. Con posterioridad elaboró el guión de la comedia "La terrible verdad de mis cuentos" (1987) y publicó el poemario "En la otra orilla de mi vida" (1987). Igualmente recibió en 1993 el Premio Goya de honor.

  Después de casi 15 años retirado Santiago Segura, tras verle por televisión en la entrega del Premio José Isbert de Teatro en Albacete, le rescató para su primera película de "Torrente" en 1998 donde conseguiría un Goya al Mejor Actor de Reparto. La recogida de este premio en enero de 1998 fue especialmente emotiva debido a la casi milagrosa recuperación del actor, que logró caminar después de haber permanecido en una silla de ruedas. Segura contó de nuevo con él para continuar la saga de "Torrente" en los años 2001, 2005 y 2011.

En las últimas temporadas desde 2001, participó en la serie de TVE "Cuéntame como pasó" encarnando a Cervan, un viejo y entrañable quiosquero. Desde abril de 2007, además, celebró con Santiago Segura en el programa de humor "Sabias a lo que venias", de La Sexta. También produjo, dirigió y escribió varias películas, iniciándose en la dirección con "El pobre García", comedia con Lina Morgan y Manolo Gómez Bur. No consiguió excesivos resultados comerciales con sus aventuras como productor por lo que abandonó la carrera como director cinematográfico.

  También es el autor de un pasodoble de éxito: "Cántame un pasodoble español", creado para la revista "Un pasodoble español" (1970), de la artista folclórica Lolita Sevilla, a raiz del cual continuó colaborando con ella en otros pasodobles: "Las piedras del camino", "Te digo sinceramente" o "Un abanico especial" (este último con el masestro Quiroga).

  Su carrera como actor se puede resumir en dos etapas, la primera de 30 años (de los años 1945 a 1975) y la segunda de 16 años (de 1997 hasta 2012). Escribió una biografía titulada "Esta es mi vida" en 2005. El dia 1 de octubre de 2007 sufrió un infarto de miocardio agudo, del que consiguió recuperarse.

  El 10 de mayo de 2008 recibió un homenaje en el municipio en que lleva 30 años viviendo, Villaviciosa de Odón (Madrid). En el año 2011 volvió a la gran pantalla, interpretando a Greogorio, tio de José Luis Torrente, en la película "Torrente 4: Lethal Crisis". Y ese mismo año, el Círculo de Escritores Cinematográficos le entregó la Medalla de Honor 2010 como reconocimiento a su dilatada trayectoria profesional.

  "Era único y especial" (Concha Velasco)

  "Para mi era mucho más que un amigo" (Pilar Bardem)

  "Todo un maestro" (Andrés Pajares)

  Ignacio Fernández Sánchez (Tony Leblanc) - Madrid - 7 - mayo - 1922 - Villaviciosa de Odón (Madrid) - 24 - noviembre - 2012

                                      ¡DESCANSE EN PAZ!

Emanuelle (1974)

              En recuerdo de: Sylvia Kristel

  "El erotísmo, ese triunfo del sueño sobre la naturaleza, es el refugio del espíritu de la poesía, porque niega lo imposible" (Emmanuelle Arsan)

  Famosa película de género erótico y, hoy dia, considerada un clásico dentro de este género, pero que en realidad vista en la actualidad solamente se queda en una simple película con "porno light" y, basada en el personaje principal de la novelísta  francesa de orígen euroasiático Emmanuelle Arsan escrita en 1959.

  El guión corrió a cargo del francés nacido en Nimes, Jean-Louus Richard, "La piel suave" ("Le peau douce"), un escritor, ensayísta, guionísta y director con más de una treintena de obras en su filmografía solamente como guionísta y, como realizador tiene el honor de haber dirigido a algunos de los mejores actores galos, como por ejemplo: Louis de Funés, Fernandel y Danielle Darrieux, además fue editor de la revista "Vu y Jazz".

  La película está dirigida por el también francés nacido en Vichy, Just Jaeckin, "Historia de O" ("Histoire d’O"), un cineasta dedicado principalmente al cine erótico, pero que la recepción crítica de sus películas nunca pasaron de discretas y, la mayoría de la prensa especializada condenó su estética conyuntural y afectada, pero en cambio una gran parte del público respondió bien a sus obras, considerándose así en uno de los directores con más carísma de los años setenta.

  La historia que nos cuenta Jaeckin nos lleva a Bangkok, donde una joven recién casada viaja hasta allí, para reunirse con su marido, un diplomático francés. En el viaje es iniciada al sexo por una hermosa adolescente, y guiada por un hombre maduro en los placeres de la carne, para después aprender a materializar sus fantasías sexuales máa secretas, animada por su esposo...

  Como digo, una de las películas eróticas más conocidas de la historia, ya que superó los límites de lo que era aceptable en la pantalla en el momento de su realización. Cuenta como es de suponer, con escenas de sexo, así como también de violación y masturbación, y atención a una escena en donde en el "Mile High Club", en la que nos muestra a una bailarina insertándose un cigarrillo en la vagina, escenas que de verdad la censura no tuvo más remedio que clasificar la película con una X, a pesar que la productora trató de evitarlo.

  Cuenta con una buena fotografía rodada en color, a cargo del japonés Richard Suzuki "Catherine et Cie" ("Catherine & Co."), y por la francesa Marie Saunier, "El hotel Flor de la Pasión" ("Boarding School"), y asi, entre los dos creando unas bonitas imágenes de la exótica ciudad tailandesa, pero donde se recrean (que era lo que realmente le interesaba al público) son en los primeros planos de la protagonísta y sus "acompañantes". Escenas de verdad fogosas, sensuales y morbosas.

  Buena, mejor dicho buenísima la banda sonora, dirigida por el cantate y compositor nacido en Paris, Pierre Bachelet, "La fortuna de vivir" ("Les Enfants du Marais"), un músico que como director de orquesta logró cosas muy interesantes y, como cantante se lo llegó a comparar con el mítico Jacques Brel, tanto en su voz como en su físico. Y en esta historia llena de erotísmo creando unas melodias muy sensuales y sugerentes que se repiten en diferentes variaciones a lo largo de toda la película.

  Y, el plato fuerte, la protagonísta femenina: Sylvia Kristel, "El amante de Lady Chatterley" ("Lady Chatterley’s Lover"), como Emmanuelle, esa jovencita de 20 años que hace un viaje para reunirse con su esposo, pero que desde que en el momento que coje el avión, comienza su búsqueda de placer sexual que la llevará a límites insospechables, conseguidos mediante la práctica de una sexualidad consciente y sin tabús. Estupenda, si señor, pienso que ninguna actriz (se hicieron pruebas a varias de ellas), podría haberse metido tan de lleno en el papel como lo hizo la Kristel, y gracias a él la catapultó a la fama mundial, convirtiéndola al mismo tiempo en la musa del cine erótico. Y junto a ella, la actriz sueco-francesa, Marika Green, "Pickpocket", como Bee, el croata, Daniel Sarky, "La última solución" ("L’additiou"), dando vida a Jean, al francés nacido en Sant-Malo, Alain Cuny, "Cristo se paró en Éboli" ("Cristo si é fermato a Eboli"), metido en el impecable traje de Mario.

  En definitiva: Una película, que en si, vale más bien poco, pero que el resultado que dió, fue un éxito a niveles de fenómeno planetario, puesto que no solamente la convirtió a ella, como a su protagonista femenina en todo un mito popular, sino que desató una oleada de imitaciones y secuelas tanto para el cine como para la televisión.  Aprobado.

  A modo de anécdota, ninguna de las actrices que pasó a interpretar a Emmanuelle posteriormente llegaron a alcanzar éxito alguno. Después de la última película oficial protagonizada por Sylvia Kristel, "Emmanuelle 7" (1993), tanto la actriz y modelo Krista Allen como la tambien modelo y actriz Natasja Vermeer, ninguna de ellas logró la fama y el estrellato como lo hizo la recién fallecida actriz holandesa.

 

Hasta siempre!!!

                      Sylvia Kristel

                           "La actriz del erotísmo"

  El dia 17 de octubre falleció la actriz, modelo y cantante neerlandesa, Sylvia Kristel a la edad de 60 años y a consecuencia de un cáncer de garganta, pulmón y esófago. Fumadora de cigarrillos sin filtro desde los 11 años, a la actriz se le diagnosticó en 2001 un cáncer de garganta. Se realizó tres quimioterápias y se curó. Pero años después, reapareció un cáncer de pulmón, y se le realizó una cirugía.

  Sylvia Kristel no necesitó cambiarse el nombre para triunfar en el cine. Alta y muy hermosa, debutó como modelo siendo adolescente. La pasarela se le quedó pequeña enseguida y en 1972, con 20 años, ganó el concurso "Miss Televisión Europea". El premio la catapultó a la gran pantalla con una película erótica de culto: "Emmanuelle. Plena de escenas al uso en paraisos exóticos, consiguió atraer a más de 300 millones de espectadores.

  En Inglaterra fue multada por la censura. En Paris, por lo contrario, estuvo una decáda en cartel en los Campos Eliseos. La actriz interpretaba a la insastifecha esposa de un diplomático, con un toque de mujer independiente que elegía a sus diversas parejas. Mimada por la cámara, su natural aire ingenuo añadía más mordiente aún al argumento. Sus colegas holandeses recordaron en el dia de su fallecimiento "la luz que desprendía" su imágen en el celuloide. Rodada en Tailandia por el director francés Just Jaeckin, le siguieron varias secuelas: "Emmanuelle II. La antivirgen" ("Emmanuelle 2" - 1975), "Emmanuelle 3: Adios Emmanuelle"" ("Emmanuelle 3: Goodbye Emmanuelle" - 1977), "Emmanuelle 4" (1984) y "Emmanuelle 7" (1993), aparte de varias películas más para la TV. Este personaje la hizo famosa y la encasilló en papeles de porno-suave.

  Sylvia Kristel nació en Ultrech (Holanda) en 1952, sus padres regentaban un hotel-restaurante en dicha ciudad. Uno de los huéspedes abusó de ella cuando tenía 9 años, episodio del que nunca dió detalles, A los 14, sus padres se divorciaron y desde entonces Sylvia buscó la figura paterna perdida. El escritor belga Hugo Claus, 27 años mayor que ella y autor de "La pena de Bélgica" ("Het verdriet België"), obra imprescindible de la literatura de su pais, le animó a aceptar el papel de "Emmanuelle". "Será divertido, nunca hemos estado en Tailandia. Además, ni siquiera se enterarán en Holanda y tus padres no podrán verla", le dijo, sin preveer el impacto de la película.

  Fueron pareja durande casi una decáda y tuvieron un hijo, Arthur. En 1979, durante el rodaje de "El quinto mosquetero" ("The Fifht Musketeer"), conoció al actor británico Ian McShane. "Era simpático y ocurrente, pero eramos demasiado parecidos", explicó a los medios de información una vez concluida la relación. También admitió que fue el principio de su caida al vacio. Con el actor se introdujo en el mundo de las drogas y acabó siendo adicta a la cocaína. Tuvo que aceptar papeles muy malos para pagarse los vicios y cerró un trato desastroso para sus finanzas, vendiendo los derechos de la película "La primera lección" ("Private Lessons") a su agente por 150.000 dólares.

  La película fue estrenada en 1981, y recaudó 26 millones de dólares y ella acabó riéndose del dinero perdido. Su aventura americana se saldó con dos películas de poco lustre, "Aeropuerto 79" ("The Concorde: Airport 79" - 1979) y "La bomba desnuda" ("The Nude Bomb"- 1980). En Europa filmó, entre otras, "El amante de Lady Chatterley" ("Lady Chatterley’s Lover" - 1981), basada en la obra de D. H. Lawrence, y "Mata Hari" (1985). Aunque trabajó con directores de gran categoría cómo, Roger Vadim y Claude Chabrol, los guiones siempre exigían abundantes escenas de desnudo y acabó por cansarse de todo eso.

  Aunque no lo aireaba, Sylvia Kristel era una buena aficionada a la pintura y llegó a exponer en varias ocasiones. También probó suerte detrás de la cámara. Dirigió un corto de animación muy alabado titulado: "Topor y yo" ("Topor et moi" - 2004), sobre la obra del dibujante francés Roland Topor. Cuando el cine dejó de llamarla, la actriz volvió a los lienzos y escribió su autobiografía, titulada: "Desnuda" - ("Nude") publicada en 2007, teniendo muy buenas críticas por su sinceridad. Después de conocer su grave enfermedad, una prueba que soportó con entereza. Hace unos meses tuvo un derrame cerebral y regresó a su hogar en Amsterdam, ya con cuidados paliativos. La aventura sel mito erótico la acompañó fasta el final, que le llegó mientras dormia.

  Sylvia Kristel - Utrecht (Holanda) - 28 - septiembre - 1952 - Amsterdam (Holanda) - 17 - octubre - 2012

                                        ¡DESCANSE EN PAZ!

Indiana Jones: En busca del arca perdida (algo más que un milagro)

    "Si la aventura tuviera un nombre...Ese sería Indiana Jones".

  Tras el éxito de "La guerra de las galaxias" ("Star Wars"), George Lucas se tomó unas merecidas vacaciones en Hawai, acompañado por su amigo Steven Spielberg. Ambos se divirtieron pensando en la posibilidad de crear un gran éxito de taquilla que mezclase la emoción de las viejas películas de episodios con la espectacularidad de la saga de James Bond.

  Lo que empezó como una broma comenzó a tomar forma. George Lucas se reunió con algunos guionístas y, en un plazo relativamente corto de tiempo, quedó listo el guión de "Indiana Jones: En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark"). En primer momento, Steven Spielberg pensó en darle el papel de Indiana Jones al actor Tom Selleck. Por fortuna, finalmente se decantó por Harrison Ford, quien quiso hacer algunos cambios en el guión para introducir algunas mejoras en la personalidad del héroe.

  "En busca del arca perdida" se rodó entre junio y septiembre de 1980, con un presupuesto próximo a los 20 millones de dólares. El equipo, formado por unas 250 personas, tuvo que pasar por Hawai, Túnez y Francia. Pero el grueso del trabajo se llevó a cabo en los estudios londinenses de Elstree. Allí, por ejemplo, se rodó la escena en la que Harrison Ford y su compañera de reparto, Karen Allen, se encuentran rodeados por infinidad de serpientes. Para llevarla a cabo fue necesario importar 6.000 serpientes desde Holanda, incluyendo dos cobras muy venenosas.

  La actriz lo pasó muy mal, porque no soportaba la presencia de estos animales. Harrison Ford no tuvo inconveniente en trabajar con tan insólitos colegas. Tampoco puso pegas a la hora de hacer la mayor parte de las escenas de acción, las cuales habian sido planificadas con antelación por Steven Spielberg practicamente al milimetro. George Lucas visitó con frecuencia el rodaje: por un lado, para supervisar los efectos especiales que estaban a cargo de su compañía Industrial light & magic, por otro, debido a su amistad con Spielberg. George Lucas sabía que su amigo no estaba pasando un buen momento: al estrepitoso fracaso de taquilla de "1941" tuvo que sumarle su ruptura sentimental con la actriz Amy Irving. Pero Spielberg recuperó  por completo el ánimo: "Nunca me lo pasé tan bien haciendo una película", afirmó el director. "Me sentía como si fuera el protagonísta de la historia". "Yo era Indiana Jones detrás de las cámaras".

  Pero las mayores alegrias le llegaron después del estreno del largometraje. El éxito de la película fue sencillamente espectacular. Sólo en el primer fin de semana de exibición en Estados Unidos, habían recuperado el total de la inversión y hasta ya contaban con beneficios. Nominada a ocho premios Oscar, la película consiguió cuatro estatuillas: las de mejor dirección artística, sonido, montaje y efectos especiales. El personaje de Indiana Jones pasó inmediatamente a ser uno de los más queridos por el público. Esto motivó al director a recuperar al audaz aventurero en otros tres largometrajes (hasta la fecha): "Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones and the Temple the Doom"), Indiana Jones y la última cruzada" ("Indiana Jones and the Last Crusade"), en la que Sean Connery se prestó a interpretar al padre del héroe, e "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"). Las tres muy fieles al espíritu de la primera entrega, mezclando la acción trepidante con ciertas dosis de humor, consiguieron, de igual manera, unos beneficios millonarios.

Indiana Jones: En busca del arca perdida (Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark-1981)

                         ¡¡Odio las serpientes!!

  Una de las películas de género de acción y aventuras de las más divertidas e ingeniosas de la historia del cine. Puesto que tanto el productor George Lucas como el director Steven Spielberg reinventaron el cine de aventuras, rescatando la memoria de los seriales y preparando al género para la era de los video-juegos, con una saga que ya es de por si mítica.

  "En busca del arca perdida" está basada en una historia del mismo Lucas, un cineasta nacido en el Estado de California, creador de la exitosa también saga fílmica: "Star Wars" y, considerado durante dos años consecutivos como el número cuatro de los más poderosos de la industria del cine de entretenimiento. Y ayudado por Philip Kaufman, "Elegidos para la gloria" ("The Right Stuff"), otro buen cineasta nacido en Chicago, licenciado en la misma Universidad de nacimiento y en el Colegio de Abogados de Harvard.

  El guión corrió a cargo de Lawrence Kasdan, "Silverado", un director y guionísta nacido en Miami, y que una vez de licenciarse en literatura inglesa en la Universidad de Michigan, siguió los cursos de guionísta en la de Los Angeles. Mientras tuvo que subsistir haciendo spots publicitarios y escribiendo guiones que al final no vendió, hasta que llamó la atención a George Lucas, y lo hizo colaborar en 1980 en la película que sería su catapulta hacia la fama: "El imperio cotraataca" ("The Empire Strikes Back").

La dirección fue a recaer como era de suponer al llamado "rey Midas de Hollywood" y, uno de los cineastas más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial. Exacto ese mismo, Steven Spielberg, "Salvar al soldado Ryan" ("Saving Private Ryan"), un director nacido en Cincinnati, con dos estatuillas en su haber y seis nominaciones (como director), y de verdad, que para contar su historial cinematográfico necesitaría kilos de papel y litros de tinta.

  La historia, y que historia nos lleva al año 1936, para meternos de lleno en la vida de un profesor experto en arqueología, el doctor Indiana Jones (Indy para los amigos), este recibe del Servicio de Inteligencia de los Estados Unidos el encargo de buscar el arca que contiene las tablas de los Diez Mandamientos, y asi evitar que los nazis se hagan con ella y sus extraordinarios poderes. Tras reclutar a una "vieja" amiga llamada Marion en un bar de Nepal, ambos se dirigen a Egipto, donde, con la ayuda de su amigo Sallah, tratarán de arrebatar el arca a los alemanes...

  Una película genial, si señor, genial, trepidante, conmovedora y emocionante. Porque de verdad, cuando George Lucas se planteó recrear una aventura rindiendo homenaje a los viejos seriales de los años treinta y cuarenta, no escatimó en nada para elaborar esta obra, para mi, maestra, ya que cuenta con un argumento apasionante y diría que incluso irrepetible, en este tipo de cine. Cuenta con escenas que son dignas de ver, y no de contar, escenas rodadas a toda velocidad, donde un peligro sustituye a otro, encadenados de situaciones, que como es de esperar tiene que resolverlos nuestro protagonísta que, para él parecen inagotables.

  Escenas como digo impactantes a la vez que divertidas, fotografiadas por el inglés nacido en Londres, Douglas Slocombe, "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"), un afamado director fotográfico y, asiduo colaborador de Spielberg, con más de ochenta películas en su haber y varios premios en su curriculum particular. Y en esta primera entrega de esta más que famosa saga, creando unas imágenes que ya se han convertido en todo un icono del cine de acción y aventuras. La escena de las serpientes, la del precipicio, la de la bola gigante, formidable Slocombe (como todo el equipo de esta joya cinematográfica).

  Vibrante la banda sonora compuesta por otro asiduo del "rey Midas", John Williams, "Superman" (sin ir más lejos), un famoso y extraordinario compositor y director de orquesta nacido en Nueva York, un hombre que ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de ls historia del cine y, con cinco Oscar y cuatro Globos de Oro. Y en esta arca perdida, creando una maravillosa música que nos hace de revivir la historia hasta incluso con los ojos cerrados. Atención al tema principal, porque ya en su primera secuencia nos deleita con ocho minutos interrumpidos, con una puesta en escena llena de ritmo, tensión y emoción.

  ¿Y que decir del elenco interpretativo?. Con un Harrison Ford, "Lo que la verdad esconde" ("What Lies Beneath"), metido en el personaje de su vida, el del profesor Indiana Jones y, en donde se convirtió en un icono del cine, dotado simplemente con un sombrero de ala ancha, una cazadora de cuero, una pistola y un látigo, que crearon una imágen imperecedora. Y muy bien secundado por Karen Allen, "La tormenta perfecta" ("The Perfect Storm"), como Marion, compañera de Indy, tanto en las escenas de acción como en las de amor, y por John Rhys-Davies, "En un rincón de la Toscana" ("The Shadow Dancer") metido en el traje de Sallah, el otro compañero de fatigas.

  Pero también cuentan tanto Paul Freeman, "El húsar en el tejado" ("Le hussard sur le toit"), como Ronald Lacey, "El guerrero rojo" ("Red Sonja") y, sin olvidarnos de Alfred Molina, "El aprendiz de brujo" ("The Sorcer’s Apprentice"), como Satipo, perfectos y entrañables todos en este sensacional viaje lleno de aventuras.

  Resumiendo: Uno de los mayores éxitos comerciales de todos los tiempos. Una película super-recomendable, porque su entretenimiento es mayúsculo. Una película autenticamente redonda.  Matrícula de Honor.

  "Indiana Jones: En busca del arca perdida", logró los siguientes Oscar en 1981: Mejor Dirección Artística (Norman Reynolds y Leslie Dilley), Mejor Diseño de Decorados (Michael Ford), Mejor Montaje (Michael Kahn), Mejor Sonido (Bill Varney, Steve Maslow, Gregg Landaker y Roy Charman), MejorecEfectos Visuales (Richard Edlund, Kit West, Bruce Nicholson y Joe Johnston) y Mejores Efectos Sonoros (Ben Burtt y Richard L. Anderson).

  Como curiosidad, para hacer la enorme roca, en la que Indy corre delante para salvar su vida, se necesitaron 370 kilos de pasta.

  Hasta la fecha se han rodado cuatro películas sobre esta saga:

"Indiana Jones: En busca del arca perdida" ("Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark"-1981)

"Indiana Jones y el templo maldito" ("Indiana Jones and the emple of Doom"- 1984)

"Indiana Jones y la última cruzada" ("Indiana Jones and the Last Crusade"-1989)

"Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal" ("Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"-2008).

  Las cuatro por supuesto protagonizadas por Harrison Ford.