James Bond contra Goldfinger (nace la leyenda)

           "Mi nombre es Bond, James Bond."

  Desde que, en 1962, los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli estrenaron "Agente 007 contra el Dr. No" ("Dr. No"), James Bond - una creación del novelísta británico Ian Fleming - inició su triunfal carrera cinematográfica. Tanto esta película como la siguiente de la larga saga, "Desde Rusia con amor" ("From Russia With Love"), se convirtieron en importantes éxitos de taquilla. Pero cuando el actor Sean Connery se puso por tercera vez en la piel del super-agente en "James Bond contra Goldfinger" ("Goldfinger") se produjo un auténtico delirio. Guy Hamilton se hizo cargo del proyecto y se contaba con mucha más acción que sus antecesoras, más armas originales, más chicas atractivas... Uno de los mayores aciertos del largometraje fue la incorporación del coche Aston Martin DB5, creado especialmente para Bond. En él se incluyeron todos los artilugios necesarios para la supervivencia del agente: cristales a prueba de balas, radar, cortinas de humo, metralletas laterales y un botón que expulsaba por el techo al copiloto.

  La mayor parte del rodaje transcurrió en los estudios Pinewood, a las afueras de Londres, donde se llegó a levantar una réplica de Fort Knox que tuvo un coste de 100.000 dólares. No obstante, Hamilton insistió en rodar también en exteriores naturales, para lo que visitó lugares tan distantes como Kentucky y Suiza. En muchos de estos desplazamientos, ni Connery ni ninguno de los protagonístas le acompañaron, puesto que al realizador le bastaban los especialístas para hacer las escenas de acción. También la música jugó un papel decisivon en el éxito de la película. La celebre sintonia creada por John Barry volvió a ocupar un puesto de privilegio en las aventuras del personaje. Además la canción de apertura de la película, interpretada por Shirley Bassey, pasó a ser todo un éxito de ventas, llegando a ser traducida a varios idiomas. A los pocos dias de su estreno, la locura estalló en todo el mundo. En Nueva York, la avalancha de público que tuvieron las salas donde se proyectaba la película obligó a tomar medidas excepcionales como la proyección continua del largometraje durante las 24 horas del dia, haciendo sólo breves pausas entre pase y pase para limpiar los restos de palomitas que quedaban en el suelo.

  En muchas ciudades se abrieron locales privados, a los que solo era posible entrar mediante la presentación de una tarjeta "007" en la que figuraba el nombre del portador. En los meses siguientes aumentó en Estados Unidos el consumo de vodka, una de las bebidas favoritas de James Bond, asi como la venta de coches deportivos similares al Aston Martin. La moda también se vió afectada poe el éxito de la película. El diseñador francés Bayard creó una linea "Bond" de ropa para hombre, al tiempo que la famosa revista de modas Harper’s Bazaar proponía el color dorado para las medias femeninas. Las recaudaciones de "James Bond contra Goldfinger" ("Goldfinger") fueron asombrosas. Mientras que su coste no había alcanzado los tres millones de dólares, los ingresos mundiales superaron los 45 millones. En Estados Unidos, resultó la segunda película más vista de 1964, tras el "bombazo" de Walt Disney "Mary Poppins". El largometraje consagró definitivamente a Sean Connery como la imágen indiscutible del agente 007. El resto de los actores no tuvieron tanta suerte. Ni Honor Blackman, como chica Bond, ni el alemán Gert Fröbe, que hizo una gran creación cómo el sádico Goldfinger, consiguieron sacarle demasiado partido del éxito de la película.

James Bond contra Goldfinger (Goldfinger - 1964)

  "Tengo un ligero complejo de inferioridad..."

  Tercera película, y la más famosa posiblemente de la saga cinematográfica sobre James Bond (interpretadas por Sean Connery). "James Bond contra Goldfinger" al igual que todas las películas sobre este famoso agente secreto "con licencia para matar", está basada en la novela de Ian Fleming un famoso y célebre escritor nacido en Londres y, donde sus primeros estudios fueron en el Eton College y en la Real Academia Militar de Sandhurst. Su trabajo como asistente de los servicios secretos le permitió imbuirse del ambiente que se respira en sus novelas de espionaje. Su primera novela sobre James Bond fue publicada en 1953.

  Del guión se hicieron cargo el neoyorkino Richard Maibaum "Los asesinos del Kilimanjaro" ("Killers of Kilimanjaro") un productor, dramaturgo y gionísta cuyos comienzos fueron como actor teatral en Broadway para después pasarse a escribir guiones para el cine, gracias también a la amistad que le unía con el actor Alan Ladd. Y del inglés nacido en Manchester Paul Dehn "El espia que surgió del frio" ("The Spy Who Came In from the Cold"), un conocido escritor nominado al Oscar y educado en la escuela de Shrewsbury, a parte de escribir guiones para el cine también escribió libretos para dos óperas para el compositor Lennox Berkeley.

  La película está dirigida por el mismo realizador que en 1971 volvería a dirigir otra nueva entrega "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds are Forever") me refiero al inglés (aunque nacido en Paris, ya que sus padres vivían allí), Guy Hamilton "Muerte bajo el sol" ("Evil Under the Sun") un cineasta que comenzó su carrera trabajando como asistente del director Carol Reed. Y desde los años 50 hasta los 80 dirigió una veintena de películas incluyendo cuatro de esta exitosa saga.

  La acción nos lleva como siempre hasta el agente británico donde esta vez debe de verse las caras con Auric Goldfinger, uno de los hombres más ricos del mundo y cuya única ambición consite en colecionar y especular con las reservas mundiales de oro...

  Sobresaliente película y, como bien he dicho anteriormente posiblemente la mejor y más famosa de esta fantástica serie cinematográfica, puesto que la historia gracias a un sólido guión, y con un director en gracia de Dios nos mete de lleno en una trepidante aventura llena de acción y suspense y, en donde contiene escenas memorables como por ejemplo: la muerte por asfixia de una bellísima joven, pero sobresaliendo una heróica lucha de kárate entre Bond y la malvada pero diábolicamente hermosa villana de turno. Escenas como digo memorables y muy díficiles de superar teniendo en cuenta la fecha de su realización.

  Estupenda la fotografía en color filmada por el inglés nacido en Sudáfrica Ted Moore "El viaje fantástico de Simbad" ("The Golden Voyage of Sinbad") un famoso director de fotografía y operador de cámara, con casi cincuenta películas en su haber de las cuales siete son sobre James Bond, ganador de un Oscar y un BAFTA, motivo que por el cual se convirtió en el primer sudafricano en ganar el premio de la Academia. Y en esta tercera historia del agente más famoso del mundo mostrándonos unas espectaculares imágenes rodadas la mayoria en los exteriores de Miami, Londres, Suiza y Estados Unidos, concretamente en Kentucky.

  Vibrante, atrapante y emocionante la banda sonora del superfamoso compositor británico nacido en Yorkshire, John Barry "Desde Rusia con amor" ("From Russia With Love") un inmenso compositor ganador de cinco Oscar y normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los instrumentos de viento y metal a la vez de ser un musico innovador. Y en esta historia llena de acción presentando la primera canción realizada totalmente por él "Goldfinger", un tema de gran fuerza y dureza con letra del letrista también británico, Leslie Bricusse e interpretada con gran pasión por una sensual Shirley Bassey, la única que repitió cantando el tema musical en dos películas posteriores. Esta canción fue todo un "hit" musical del momento.

  Que decir de su protagonísta Sean Connery "El nombre de la rosa" ("Der Name der Rose"), metido en el mejor James Bond de todos cuantos han interpretado a este ya mítico 007, ese agente secreto que regresa de nuevo para enfrentarse esta vez a un magnate del oro y que a la vez es miembro de una red de crimen y corrupción, cuyo nombre es Auric Goldfiger, magistralmente interpretado también por otro coloso del cine, Gert Fröbe "Luis II de Baviera" ("Ludwing II"). Y junto a ellos la guapa de turno es decir "la chica Bond" y esta vez recayó en la londinensa Honor Blakman "El gato y el canario" ("The Cat and the Canary") y aqui como Pussy Galore, una heroina super-estupenda, y atención al japonés Harold Sakata "Los aventureros del oro perdido" ("Horror Safari") metido en el orondo personaje de un memorable asesino llamado Odjob, y mucho cuidadito con su "sombrero".

  En definitiva: Una película totalmente inolvidable, mitica y con una tensión endiablada, y como no con una chica Bond que vale su peso en "oro". Una película imprescindible para todos los amantes del mundo de 007 con licencia para "disfrutar".   Matrícula de Honor.

  "James Bond contra Goldfinger" logró el Oscar en el apartado de Mejores efectos de sonido (Norman Wanstall).

  Como curiosidad su estreno mundial se produjo en Londres en febrero de 1964, y su éxito comercial fue de tal envergadura que marcó la creación de la llamada "moda Bond" sobre todo en el ya mítico coche Aston Martin que luce 007 en esta película.

Julia (1977)

               Su amistad pudo más que todo...

  Extraordinaria película de género dramático y, basada en la novela autobiográfica "Pentimento" de la escritora norteamericana nacida en Nueva Orleans Lillian Hellman, una famosa dramaturga muy conocida por su compromiso político por causas izquierdístas. Del sólido guión se hizo cargo Alvin Sargent "Yo vigilo el camino" ("I Walk the Line"), un escritor nacido en Philadelphia cuyos comienzos fueron para la televisión y años después pasarse a la pantalla grande y en donde ha llegado a ganar hasta la fecha dos Oscar, el primero por este film y el segundo en 1981 por "Gente corriente" ("Ordinary People").

  "Julia" está dirigida por uno de los directores más famosos que ha dado Hollywood en toda la historia del cine. Un realizador cuyas películas en su mayoría son auténticas obras maestras, me refiero al austriaco nacido en Viena, aunque como es de esperar nacionalizado estadounidense Fred Zinnemann "Sólo ante el peligro" ("High Noon"). Un cineasta ganador de cuatro Oscar nacido en el seno de una familia judia que después de trabajar en Alemania emigró a los Estados Unidos, donde llegó a convertirse en un director de primera fila.

  La historia comienza en un amanecer cuando una escritora de origen judio pesca en solitario en una barca y comienza a recordar sus relaciones sentimentales con un escritor de novelas policiacas y su amistad con Julia desde que son unas jovencitas hasta su separación, y la profunda amistad que de ellas surgió...

  Buenísima película, si señor, y en donde el maestro Zinnemann hace una de sus mejores obras de la última parte de su extrordinaria filmografía y, contándonosla pr medio de unos fabulosos flash-backs. Con una narración pausada y aportando un gran interés en la cofrontación de los dos personajes femeninos protagonístas, dos personajes diferentes y en parte contradictorios, lo que hace brindarnos la ocasión de visionar el contraste entre las dos amigas. Soberbio el maestro vienés en esta penúltima película dirigida por él.

  Admirable la fotografía en color y dotada de un ambiente de suma brillantez a cargo del inglés nacido en Londres Douglas Servant "El sirviente" ("The Servant"), un veterano director de fotografía con una larga carrera en la industria cinematográfica británica, nominado en tres ocasiones y ganador de un BAFTA, así como un premio en 1955 por su gran trayectoria. Y en esta espléndida historia de amistad, basada en hechos reales, mostrándonos unas imágenes impresionantes realizadas todas en escenarios reales y naturales tanto de Inglaterra (Isla de Wight) como de Francia (Paris y Estrasburgo).

  Magistral la banda sonora de Georges Delerue "Ana de los mil dias" ("Anne of the Thousand Days"), un compositor francés nacido en Roubaix que comenzó sus estudios en el Conservatorio de Música de Paris, y posteriormente entró en contacto con la nouvelle vague, convirtiéndose en uno de los compositores preferidos sobre todo del director François Truffaut. Y aquí, ofreciéndonos melodias descriptivas y de  ambientación, donde hay que destacar "Lillian in Paris" ("Lillian en Paris"), "Lillian’s Dream" ("Los sueños de Lillian"), al igual que los títulos de crédito y los títulos finales, sin olvidar un breve pero simpático fragmento de una canción folclórica tradicional mexicana titulada "La cucaracha".

  Memorable y estelar el reparto de actores, encabezado por una inmensa Jane Fonda "La ingenua explosiva" ("Cat Ballou"), llevándo ella sola practicamente toda la película, metida en la vida y obra de Lillian Hellman una escritora norteamericana de origen judio que, allá en los años 20 conoce a Julia, la hija de una acaudalada familia escocesa. Y entre ellas surgirá una profunda amistad. Soberbia la hija del mítico Henry Fonda, llevando como bien digo todo el peso de la historia. Y con ella otra inigualable actriz de fama mundial, Vanessa Redgrave "La condesa rusa" ("The White Countess) dando vida a Julia, la amiga de la infancia de Lillian. Sin olvidarnos de otros dos grandes del cine como son: Jason Robards "Magnolia" y Maximilian Schell "Vencedores o vencidos" ("Judgment at Nuremberg"). Y atención a la aqui debutante, que tiempo después se convertiría en una de las mejores actrices del cine moderno, me refiero a Meryl Streep "La Dama de Hierro" ("The Iron Lady") en un pequeño papel, pero que le sirvió para demostrar todo el arte que llevaba dentro.

  Resumiendo: Una extraordinaria película, soberbiamente dirigida e interpretada con un guión fantástico y llevada con un ritmo narrativo de... Matrícula de Honor.

  "Julia" logró en 1977 tres Oscar destinados a las categorías de Mejor actor secundario (Jason Robards), Mejor actriz secundaria (Vanessa Redgrave) y Mejor guión adaptado (Alvin Sargent).

  Como curiosidad, Vanessa Redgrave, después de recoger su estatuilla, pronunció un discurso proclamando su pensamiento pro-palestino, ante el descontento del público.

 

Una estatuilla llamada Oscar (y 3 )

  Y para finalizar esta 85ª edicción de la noche más mágica del cine universal, un breve repaso para comentar más o menos como se elaboró esta extraordinaria y apasionante historia.

        "Tonto es el que hace tonterias."

  Cuando Robert Zemeckis leyó la novela de Winston Groom "Forrest Gump" se le iluminaron los ojos. Aquella obra era como una especie de cuento moderno narrado por un  puro e inocente que, a fin de cuentas, venía a demostrar que todo es posible en esta vida. Aparte de entusiasmarse con el personaje de Forrest, al cineasta le atrajo mucho la posibilidad de recrear algunos de los acontecimientos más señalados de las últimas décadas en los que, por supuesto, se ve invulcrado el protagonísta. Esta idea le fascinó porque, desde el primer momento, pensó que el gran reto de "Forrest Gump" no consistiría en caracterizar a un actor como Kennedy o Nixon, sino mezclar a los personajes de la ficción en imágenes reales ya existentes. A fin de cuentas, la película le planteaba un apasionante desafio técnico.

  Desde el comienzo de su carrera, Zemeckis siempre había mostrado interés por jugar con las imágenes utilizando los adelantos técnicos que se estaban produciendo. La triología de "Regreso al futuro" ("Back to the Future") le permitió introducir los efectos especiales en un género clásico como la comedia. En "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" ("Who Framed Roger Rabbit") hizo una portentosa combinación de imágenes reales con dibujos animados y en "La muerte os sienta tan bien" ("Death Bercomes Her") se sirvió de una disculpa argumental bastante simple para experimentar con una incontable bateria de efectos ópticos y así poder retorcer literalmente la cabeza a una actriz como Meryl Streep, "Forrest Gum" supuso un importante paso adelante en el que tendría que demostrar que los trucajes no tenían por qué estar reñidos con una buena historia.

  Zemeckis seleccionó a Tom Hanks como protagonísta, seguramente influido por la excelente interpretación de "niño grande" que el actor hizo en "Big". Otras estrellas que pasaron a dar forma al reparto fueron Robin Wright, Gary Sinise y la veterana Sally Field, que apareció como la singular madre del protagonísta. El rodaje de la película fue bastante laborioso, y más aún la fase de posproducción, en la que el director tuvo que incrustar mediante un sistema conocido como "blue / green screen" a los personajes de ficción en las imágenes históricas. Ya unos años antes, Woody Allen había hecho una labor semejante en "Zelig", pero los resultados de "Forrest Gump" fueron asombrosos. El "truco", creado por la prestigiosa Industrial light & magic fundada por George Lucas, no se veia por ninguna parte. Estas divertidas escenas, unidas a una historia emotiva y a una excelente banda sonora, que recogía conocidos temas musicales de las últimas décadas, hicieron de la película un formidable éxito de taquilla. Sólo en Estados Unidos, "Forrest Gump" recaudó 330 millones de dólares. También triunfó en la entrega de los Oscar, al recoger un total de seis estatuillas correspondientes a las categorias de mejor película, director, actor, guión adaptado, montaje y por supuesto, efectos especiales. Como ocurre en ocasiones, el éxito de "Forrest Gump" trascendió de lo puramente cuinematográfico. En los dias posteriores a su estreno, comenzaron a comercializarse en muchos paises curiosos objetos relacionados con la película, que iban desde cajas de bombones hasta libros que recogían los mejores "pensamientos" de Forrest, como aquel en el que compara el mundo, precisamente con una caja de bombones.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

   Cómo ya vengo haciendo habitualmente estos últimos años y, después de haber comentado más o menos cómo fué esta 85ª edicción de la entrega de los Oscar, quiero comentar una película oscarizada, esta vez y sin pensarmelo mucho la elegida ha sido:

                                  Forrest Gump (1994)

  "Mi mamá dice que la vida es como una caja de bombones: nunca sabes que te va a tocar."

  Sensacional película de género de comedia dramática y convertida hoy en dia en todo un clásico de todos los tiempos.

  "Forrest Gump" está basada en una novela del escritor e historiador norteamaricano nacido en Washington, Winston Groom, un afamado novelísta que fué soldado en Vietnam y luego trabajó como periodísta antes de comenzar su carrera, con la que llegó a ser finalísta del premio Pulitzer en 1983 por su novela "Conversations with the Enemy" ("Conversaciones con el enemigo"). El encargado de poner el guión fue el oscarizado guionísta nacido en Nueva York, Eric Roth, "El curioso caso de Benjamín Button" ("The Curious of Benjamin Button"), un poular escritor ganador de dos Oscar, y en donde llegó a cursar estudios en la Universidad de California en Santa Bárbara, en la Universidad de Columbia y en la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), en donde ganó el prestigioso premio Samuel Goldyn a la Escritura.

  La película está dirigida por uno de los cineastas más afamados y prestigiosos de Hollywood, Robert Zemeckis, "Tras el corazón verde" ("Romanaing the Stone") un guionísta, productor y director cinematográfico nacido en Chicago, hijo de un lituano y una italoestadounidense y, donde cursó erstudios en la Universidad del Sur de California. Un hombre fanático de los efectos especiales y cuyo estilo sigue la linea del director Steven Spielberg (quien muchas veces produjo sus películas).

  La historia nos mete de lleno en la vida de Forrest Gump, un simple y tierno personaje que es el típico antihéroe, un personaje que no llegará a ningún lado y que está destinado a desvanecerse en un segundo plano de la vida. Sin embargo, tiene un talento que es capaz de correr como el viento y, si tenemos en cuenta que las proezas fisicas son dones tan admirables como la brillantez académica, parece que nada puede evitar que este hombre triunfe en la vida...

  Soberbia película, soberbia, conmovedora y emotiva, una de esas historias que calan muy hondo y que le despiertan a uno todo tipo de sentimientos, tanto en su comedia, cómo en su parte dramática. Porque la verdad el gran Zemeckis nos muestra ante todo una mirada muy crítica a toda una serie de acontecimientos, todos ellos muy cruciales. Es yo diría cómo una historia resumida de los Estados Unidos de mediados del siglo XX, cuyos episodios los trata con cierto optimísmo para un futuro próximo. Cuenta con escenas insuperables, escenas que ya forman parte de la historia del cine, aunque de tantas como las hay, yo me quedaría con aquella en la que Jenny le dice a Forrest que tiene un hijo de él, y Forrest reconociéndo sus limitaciones y su condición, pregunta si el niño tiene una inteligencia normal o si de lo contrario salió como él, conmovedora escena, si señor.

  De todo esto tiene también mucho que ver Don Burgess, "El sicario de Dios" ("Priest") un estupendo director de fotografía nacido en Santa Mónica (California) graduado en el Art Center College of Desing de Los Angeles, y muy conocido precisamente por haber colaborado en varias películas con Robert Zemeckis. Y en esta apasionante historia mostrándonos cómo digo unas imágenes que son todo un alarde de la técnica cinematográfica, imágenes fotografiadas en un magnífico color (algunas de ellas en blanco y negro a modo de documental) y rodadas en lugares tan emblemáticos como en el Lincoln Memorial de Washington y en Mountain Lake de Montana, al igual que en las ciudades de Los Angeles y San Francisco. Genial Burgess y su nominación al Oscar fue más que merecida.

  Cómo genial es la banda sonora puesta en escena por el neoyorkino Alan Silvestri, "El vuelo del navegante" ("Flight of the Navigator"), un reconocido compositor musical de bandas sonoras y, también gran colaborador del director, con dos nominaciones al Oscar y otras dos a los premios Gremmy, y aquí elaborando un trabajo verdaderamente sensacional con unos temas muy conocidos y representativos de las diversas épocas que se retratan en la película. Así cómo por ejemplo: de Elvis Presley, Aretha Franklin, The Birds, The Doors, Jimi Hendrick y The Mamas & the Papas entre otros. La banda sonora llegó a estar en el segundo lugar de la clasificación de la revista "Billboard", y llegándose a vender doce millones de copias. Esto lo dice todo.

  Fabuloso Tom Hanks, "El código Da Vinci" ("The Da Vinci Code"), porque Forrest Gump es Tom Hanks, y este es Forrest Gump, que de niño le detectaron un cociente muy inferior a lo normal, pero su carácter entrañable y la gran devoción que profesa a su madre en la vida, le llevarán a numerosas e interesantes experiencias vitales. Y viviendo esas experiencias junto a él, Robin Wright, "La conspiración" ("The Conspirator") metida en el cuerpo de Jenny Curron, amiga de la infancia y el gran amor de Forrest durante toda su vida, Gary Sinese, "Misteriosa obsesión" ("The Forgotten") metido en el uniforme del teniente Dan Taylor, el lider del pelotón en la guerra de Vietnam, Myketti Williamson, "Salvando las apariencias" ("Spinning Into Butter") en el papel de "Bubbe" el mejor amigo de Forrest en el ejército, Sally Field, "No sin mi hija" ("Not Without my Daughter") metida en la querida madre de Forrest, esa mujer que tuvo que cuidar a su hijo en solitario después de que el padre los abandonara a ambos y, no hay que olvidar al pequeño Haley Joel Osment, "A.I.Inteligencia Artificial" ("A.I.Artificial Intelligence") dando vida a Forrest Gump Jr. el hijo de Forrest y Jenny.

  En definitiva: Toda una joya del séptimo arte. Una de esas películas que jamás caerán en el olvido y ante la cual, todos podremos reir y también llorar, porque como bien dice el cartel publicitario: "El mundo no volverá a ser el mismo cuando lo hayas visto a través de los ojos de Forrest Gump"    Matrícula de Honor.

  "Forrest Gump" logró seis Oscar en el año 1994: mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Tom Hanks), Mejor Guión Adaptado (Eric Roth), Mejor Montaje (Arthur Schmidt) y Mejores Efectos Visuales (Ken Ralston, George Murphy, Stephen Rossenbaum y Allen Hall).

  Como curiosidad, cuando vemos la escena en que Forrest está en un plató de televisión con John Lennon, Forrest habla de como era la vida en China, sin presiones materiales ni religión. El presentador dice que es dificil de imaginar y John Lennon dice que es fácil si lo intentas, estas son frases que aparecen en la canción "Imagine" del mítico Beatle.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

  Con un  no pare la musica - bueno, el musical - echaban a andar unos Oscar 2013 que no han traido demasiadas sospresas. Lo más destacado de esta edición ha sido precisamente el equilibrio entre las principales candidaturas. "La vida de Pi" ("Life of Pi") se ha llevado cuatro premios (Entre ellos el de mejor director para Ang Lee), mientras "Argo" ha conseguido tres (siendo reconocida como mejor película), y tres también han ido para "Los miserables" ("The Misérables") (con el esperado Oscar para Anne Hathway como mejor actriz de reparto), en una gala en la que "Lincoln", pese a que Daniel Day Lewis ha sido reconocido como el mejor actor, ha pinchado con tan sólo dos estatuillas (partía con doce).

  La entrega de la 85ª edición de los premios en el Dolby Theatre (antiguo teatro Kodak) ha tenido a un debutante Seth MacFarlane como presentador y ha sido un homenaje tras otro al género y una celebración a los cincuenta años de James Bond. La gala ha durado casi cuatro horas. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas buscaba devolverle popularidad a la ceremonia con la elección del humorista - creador de la serie "Padre de familia" ("Family Guy") - en un mercado cada vez más reacio a estos despliegues de cine, moda y autobombo patrio, pero un despegue mordaz acabó quedándose en el intento.

  El toque exótico en la ceremonia - a Hollywood siempre le gusta disimular cierta endogamia - lo ha puesto Michael Haneke con su "Amor" ("Amour"), galardonada como mejor pelicula de habla no inglesa. El trabajo del austriaco es una obra precisa, arriesgada, que concentra la fragilidad del ser humano en una pareja de ancianos que afrontan como pueden la enfermedad. Hay escenas insuperables, desde la primera crisis donde aparece la desconexión con la realidad, y el inquietante grifo abierto de la cocina, pasando por un sueño que recorre el laberinto mental de Jean-Louis Trintignat, en forma de pasillo de un edificio en obras, o cómo ál mismo intenta atrapar torpemente una paloma que se ha colado en el apartamento, presagiando la muerte y simbolizando la falta de control sobre sus vidas y sus cuerpos en decadencia. El director ha agradecido su premio especialmente a su mujer - "eres el centro de mi vida" - y a la pareja protagonísta de su historia, Jean-Louis Trintignat y Emmanuelle Riva, que optaba al Oscar como mejor actriz protagonísta pero que se fue injustamente de vacio a casa.

  El español Paco Delgado también se quedó sin su Oscar por el vestuario de "Los miserables" ("Los Misérables") que se llevó Jacqueline Durran por su trabajo en "Anna Karenina". Uno de los momentos mas esperados de la gala ha sido la interpretación de Adele, que ha arrasado entre el público con una interpretación brillante del tema principal de "Skyfall", canción que le ha valido un Oscar.

  El que parecía sin embargo, que iba a ser el momento álgido de la noche se desinfló. Al final no se pudo ver en el escenario a los actores que han interpretado a 007 (Daniel Craig, Timothy Dalton, Pierce Brosnan, Roger Moore, Sean Connery y George Lazenby) como se había comentado sino un montaje con la musica y los lugares en que transcurren las míticas películas de ls saga Shirley Bassey, la voz del inolvidable tema de "Goldfinger", si que ha puesto una nota de color al interpretar el famoso tema del filme que fue candidato al Oscar en 1964, pero ese año el premio a mejor canción se lo llevó "Chim chim Cher-ee", de "Mary Poppins". Entrañable pero quizás los fans esperaban algo más.

  Para sospresa de muchos Quentin Tarantino se ha llevado el mejor guión original por "Django desencadenado" ("Django Unchained") una película que tiene tantos seguidores como detractores. El spaguetti western sirve a este siempre peculiar director para crear su propio mundo de esclavistas, pistoleros y vengadores y la Academia ha aplaudido su filme en un año especialmente reñido. Es el segundo Oscar que consigue Tarantino tras "Pulp Fiction". Tampoco era esperado el Oscar a mejor dirección por el viaje en 3D que propone "La vida de Pi" ("The Life of Pi"), de Ang Lee. La película daba el sospresón y conseguía su cuarto Oscar de la noche y logrando la película más premiada de estos Oscar.

  Por lo demás, la ceremonia ha sido prvisible, programada al minuto y con tantos números musicales que eran imposibles de anotar. Craig Zadan, productor de la transmisión por primera vez junto a Neil Meron, ya había advertido que tenían más actuaciones en el escenario de las que podía recordar en el pasado. Y estaba en lo cierto. Unicamente ha salido gente al escenario a cantar o bailar.

  Seth MacFarlan ha querido ironizar sobre el acento inglés de algunos latinoamericanos. En un momento de la ceremonia ha llegado a decir: "que salgan Bardem, Cruz o Hayek, aunque no se les entienda". Esta insistencia en estas y otras bromas similares son clarificadoras de lo que, pese a los maquillajes, sigue siendo la gala de los Oscar.

  Y estos fueron los ganadores de esta 85ª edición:

Mejor Película: "Argo" de Ben Affleck

Mejor Director: Ang Lee por "La vida de Pi" ( Life of Pi")

Mejor Actor: Daniel Day Lewis por "Lincoln"

Mejor Actriz; Jennifer Lawrence por "El lado bueno de las cosas" ("Silver Linings Playbook")

Mejor Actor Secundario: Christoph Waltz por "Django desencadenado" ("Django Unchained")

Mejor Actriz Secundaria: Anne Hathaway por "Los miserables" ("Les Misérables")

Mejor Película de habla no inglesa: "Amor" ("Amour") de Michael Haneke (Austria)

Mejor Película de Animación: "Brave" de Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell

Mejor Guión Original: "Django desencadenado" ("Django Unchained) de Quentin Tarantino

Mejor Guión Adaptado: "Argo" de Chris Terrio (Guión)

Mejor Banda Sonora: "La vida de Pi" (" Life of Pi") de Michael Danna

Mejor Canción: "Skyfall" de Skyfall

Mejor Fotografía: "La vida de Pi" ("Life of Pi") de Claudio Miranda

Mejor Montaje: "Argo" de William Goldenberg

Mejor Dirección Artística: "Lincoln" de Rick Carter y Jim Erickson

Mejor Maquillaje: "Los miserables" ("Les Misérables") de Julie Dartnell y Lisa Estcott

Mejor Vestuario: "Anna Karenina"  de Jacqueline Durran

Mejor Edición de Sonido: "Lincoln" de Andy Nelson, Gary Rydstrom y Ronald Judkins

Mejor Montaje de Sonido: "Los miserables" ("Les Misérables)

Mejor Película Documental: "Searching for Sugar Man" de Malik Benjelloul

Mejor Cortometraje Animado: "Paperman" de John Kahrs

Mejor Efectos Especiales: "La vida de Pi" ("Life of Pi") de Bill Westenhofer, Guillame Rocheron, Erik - Jan De Boer y Donald R. Elliott

Mejor Cortometraje de Ficción: "Curfen" de Shaw Christensen

Mejor Cortometraje Documental: "Inocente" de Sean Five y Andrea Nik. 

  Y así os lo cuento como así lo vieron. Hasta el año que viene Si Dios y el Cine lo quieren.

 

 

 

¡Jo, que noche! (After Hours - 1985)

  En Nueva York, después de la media noche no busques el amor, la risa o los problemas...ellos te saldrán al encuentro.

  Muy buena película de género de comedia negra de modesto presupuesto y, con un guión escrito por Joseph Minion "Besos de vampiro" ("Vampires Kiss") un director y guionísta nacido en Nueva Jersey y cuyos primeros estudios fueron en el Instituto Cinematográfico Sundance de Robert Redford, para después terminar en la Universidad de Columbia donde comenzó su carrera como guionísta con esta película, puesto que le sitvió como tesis.

  "¡Jo, que noche!" está dirigida por uno de los más célebres cineastas del cine universal ganador de un Oscar, tres Globos de Oro,  dos premios BAFTA y un Primetine Emmy y, nacido en Nueva York, su nombre Martin Charles Scorsese, más conocido por Martin Scorsese "El color del dinero" ("The Color of Money"), por ejemplo.

  La acción nos lleva a la ciudad de Nueva York y en donde por una serie de extrañas circunstancias, y cuando su jornada laboral llegaba a su fin, un solitario empleado de una compañía informática termina en uno de los peores barrios de esta ciudad. Y, en donde vivirá una interminable y alocada noche...

  Excelente película de género ce comedia y en donde el gran Scorsese se nos muestra en estado puro, puesto que nos adentra en una historia delirante, vibrante y entretenida a la vez, creando un humor sumamente inteligente. Y con un final de los que hacen época.

  Extraordinaria fotografía en color, llevada bajo la dirección del alemán nacido en Berlín, Michael Ballhaus, "Muerte de un viajante" ("Death of a Salesman"), un estupendo maestro de la cámara, hijo de actores y en donde su fama le llegó con su trabajo en dieciseis películas para el director Rainer Weiner Fassbinder y, en esta alocada noche mostrándonos unas imágines de magnifica ambientación a la vez que usando unos veloces travellings, para dar mucho más energía a esta delciosa comedia negra.

  Estupenda la banda sonora realizada con muy buenos detalles por el compositor y saxofonísta nacido en Toronto (Canadá) Howard Shore, "Promesas del Este" ("Eastern Promises"), un especialísta en bandas para cine, con más de ochenta películas y tres Oscar en su palmarés, y uno de los más fieles colaboradores del cineasta David Cronenberg y, en esta entretenidísima historia deleitándonos a todos y a todas con su buen hacer, destacando con dos piezas de Mozart y Bach, además de una melodia central, que contrasta con las sevillanas del guitarrista Manitas de Plata. Genial aqui Shore demostrándo que solamente escribe para los grandes directores.

  Como genial está Griffin Dunne "Pegado a ti" ("Stuck On You") metido en el delirante y alocado cuerpo de Paul Hackett un informático que se pasa toda la vida en una gris oficina soñando con una vida llena de más color. Pero una noche al finalizar su jornada se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que lo llevarán hasta el mismísimo Sho de Manhattan.

  Y junto a este experto en informática le secundan, pero que de maravilla, Rosanna Arquette, "Consejera matrimonial" ("Good Advice"), Linda Fiorentino, "Donde esté el dinero" ("Where the Money Is"), Bronson Pinchot, "El club de las primeras esposas" ("The First Wives Club") y, atención a Martin Scorsese haciendo un pequeño cameo a lo Alfred Hitchcock.

  En definitiva: Una película sumamente divertida y altamente recomendable para aquellos momentos en los que no queremos quemarnos la cabeza con complejidades técnicas o dialécticas. Una película de género de comedia de lo mejor de la década de los ochenta.  Sobresaliente.

  Como curiosidad, la escena de Griffin Dunne en la estación de Metro es una referencia a su anterior aparición en "Un hombre lobo americano en Londres" ("An American Werewolf in London").

Juego de lágrimas (The Crying Game - 1992)

  Vaya...Mira que furcia. ¿Es tú novia?.

  No es una furcia.

  No, por supuesto, es una señora...

  No, eso tampoco...

  Magnífica película de genéro dramático con terrorísmo, amistad y homosexualidad incluida.

  "Juego de lágrimas" está escrita y dirigida a la vez por el cineasta irlandés nacido en el Condado de Sigo, Neil Jordan, y en donde se dió a conocer con el largometraje "En compañía de lobos" ("The Company of Wolves"), su primera película y, a partir de entonces todo su cine tiende a explorar los espacios que se abren más allá del estado normal de conciencia, con frecuencia recurriendo a elementos plásticos que remiten a lo orínico. Sus películas pues, adoptan para mi, un punto de vista enteramenente subjetivo en torno a un único personaje protagonísta.

  Así pues, Jordan nos cuenta una hostoria, donde un dia cualquiera la organización terrorísta IRA secuestra a un soldado de color británico y durante su cautiverio uno de los terrorístas traba amistad con él y termina prometiéndole que, en caso de que muera iría a buscar a su novia y se encargaría de que esté bien...

  Extraordinaria película, si señor, extraordinaria y multipremiada, puesto que Neil Jordan trata con maestría este tema, un tema tanto clásico como universal y, por supuesto de gran interés. La historia yo la dividiría en dos partes: la primera se desarrolla como un thriller psicológico protagonizado por el soldado secuestrado y por su secuestrador. La segunda cuando el secuestrador se instala en Londres adoptando otro nombre y, se dedica a buscar a la novia del soldado, como en su dia le prometió. Cuenta con escenas sensacionales e impresionantes.

  Como impresionante es la banda sonora a cargo de la compositora inglesa nacida en Chatham, Anne Dudley, "La criatura perfecta" ("Perfect Creature", una compositora, como digo, con un extenso historial y, miembro de la BBC Concert Orchestra de Londres desde el año 2001, y en esta estupenda historia mostrándonos unas brillantes y coloristas partituras y fragmentos interpretados por dicha orquesta destacando los temas de "Cuando un hombre ama a una mujer" ("When a Man Loves a Women"), "Las rocas blancas de Dover" ("Cliffs of Dover") y "Let The Music Play" entre otras. Maravillosa la musica de Dudley  llenándo la pantalla con momentos verdaderamente intensos.

  Espléndida fotografía en color creada por el veterano maestro fotográfico nacido en Londres, Ian Wilson, "Erik el vikingo" ("Erik the Viking") un profesional de la cámara con más de ochenta titulos en su historial y, aquí demostrando y mostrando su pericia a la hora de manejarla, sobre todo en los espacios abiertos y en los escenarios naturales rodados en Londres y en algunas localizaciones de Irlanda del Norte.

  Magníficos todos los intérpretes comenzando por Stephen Rea "La cosecha" ("The Reaping") dando vida a Fergus, ese terrorísta que una vez arrepentido de sus actos abandonará el IRA para tratar de buscar a la novia de un prisionero para tratar de ayudarla y sentirse así mucho mejor. Y seguido por Jaye Davidson, "Stargate, puerta de las estrellas" ("Stargate") como Dil la novia del soldado prisionero, una joven peluquera que al final acaba enamorándose perdidamente de Fergus.

  Pero atención a Miranda Richardson, "Salvando las apariencias" ("Sppinning Into Butter") metida en el papel de Jude, una pérfida terrorísta a la que el IRA la manda a Londres para acosar a Fergus y hacerle que vuelva de nuevo a atentar. Tampoco hay que olvidar al oscarizado Forest Whitaker, "El último rey de Escocia" ("The Last King of Scotland") como Jody el soldado británico raptado por los terrorístas (en un pequeño papel pero saliéndose de la pantalla en los pocos minutos de actuación). Espectaculares todos los actores en esta película que une terrorísmo, amistad, y una hermosa historia de amor.

  En definitiva: Una película muy interesante en el que Neil Jordan nos introduce en ese juego de manera más que notable, absorviendo al mismo tiempo todos los matices y liberándolos de cualquier prejuicio.   Sobresaliente.

  "Juego de lágrimas" logró el Oscar al Mejor Guión original.

  Como curiosidad el título de la película corresponde al de una canción original escrita por Geoff Stephens y editada por Dave Berry en 1964.