La boda de mi mejor amigo (My Best Friend's Wedding - 1997)

  Tendré que decirte esto deprisa o voy a sufrir un infarto bestial y entonces nunca lo oirás y quiero que lo oigas. Esto es con mucho lo más idiota que he hecho en toda mi vida... tan idiota en realidad que no puedo... ¡oh!... pero voy a hacerlo.

¿Qué ocurre?

Michael. Te quiero. Te he querido durante nueve años, sólo que he sido demasiado arrogante y tenía miedo de aceptarlo, y, bueno, ahora solo estoy asustada, asi que comprendo que esto llega en un momento muy inoportuno, pero realmente tengo que pedirte un favor grandísimo.

Elígeme a mi. Cásate conmigo. Déjame hacerte feliz. En realidad son tres favores, ¿no?. Pero...

  Muy bonita película de género de comedia romántica y todo un éxito en su dia tanto de público como de crítica.

  "La boda de mi mejor amigo" está basada en un guión original de Ronald Bass "Cuando un hombre ama a una mujer" ("When a Man Loves a Woman" - 1994), un acreditado escritor nacido en Los Angeles licenciado en derecho en la Universidad de Harvard, aunque enseguida abandonó su carrera de abogado para dedicarse exclusivamente a escribir y, en donde en 1988 logró el cénit de su carrera al ganar el Oscar al mejor guión original por la película "Rain Man".

  De la película se hizo cargo por el aqui y en su primer trabajo en Estados Unidos P. J. Hogan "Peter Pan, la gran aventura" ("Peter Pan" - 2003), un cineasta nacido en Australia y, que su primer gran éxito en su pais fue con "La boda de Muriel" ("Muriel’s Wedding" - 1994) que estuvo nominado al mejor director en los Premios AACTA.

  La historia es pués más o menos así: Hace nueve años que Julianne y Michael rompieron su noviazgo, pero entonces hicieron un curioso pacto, si al cumplir los 28 años ninguno de ellos estuviera casado, ellos dos se unirían en matrimonio. Pero antes del límite, ella recibe una invitación para asistir a una boda, a la boda de su mejor amigo...

  Una de las comedias de mayor éxito de los noventa. Una película que cumple con su objetivo: divertir, puesto que a todas luces resulta simpática y con un humor entrañable. Y es que el director australiano nos muestra la historia con un análisis muy profundo y, en donde podemos descubrir su verdadero sentido llegando a ser más que la típica comedia americana, ya que nos encontramos con una historia que en todo momento llega a convencer. Una historia yo diría que más real de lo que parece.

  Muy bonita la fotografía en color dirigida por Laszlo Kovacs "Amor con preaviso" ("Two Weeks Notice" - 2002), un director de fotografía nacido en Hungría y un hombre muy influyente en el desarrollo de la nueva ola del cine norteamericano. Un cineasta con muchos premios y, en donde llegó a ser miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía. Y en esta singular boda haciendo el valer su inteligencia para mostrarnos unas estupendas imágenes sobre todo en la de los exteriores concretamente en la ciudad de Chicago.

  Buenísima la banda sonora a cargo de James Newton Howard "Diamante de sangre" ("Blood Diamond" - 2006), un compositor nacido en Los Angeles varias veces nominado a los Oscar y, cuyos comienzos fueron en la Music Academy of the West en Santa Barbara (California) para más tarde estudiar en la Universidad del sur de California. También llegó a colaborar durante los años 70 con el famoso cantante Elton John antes de convertirse en compositor de películas. Y en esta romántica comedia con bodas y homosexuales por medio, mostrándonos unas bellísimas melodias, atención a la inolvidable "I Say a Little Payer for You" compuesta por Burt Bacharach y Hal David que en su dia se convirtió en un verdadero hit.

  Muy bien todos los actores con una Julia Roberts "Durmiendo con su enemigo" ("Sleeping with the Enemy" - 1991) metida en el cuerpo de Julianne una critica neoyorkina de restaurantes que se entera que su mejor amigo se va a casar. Y es cuando se da cuenta de que siempre estuvo enamorada de él. Este no es otro que Dermot Mulroney "El despertar de un ángel" ("Bright Angel" - 1990) haciendo de Michael y, que por supuesto Julianne (que es nuestra heroína) hará hasta lo imposible para conseguir su amor y así tener un final feliz. Aunque antes tendrà que verselas con la nueva novia Cameron Diaz "La decisión de Anne" ("My Sister’s Keeper" - 2009) en el papel de Kim una joven rica, guapa algo desquiciada, pero un enemigo ideal para mujer promedio. Pero el que verdaderamente roba la función en cuanto aparece en escena es Rupert Everett "Laberinto de mentiras" ("Separate Lies" - 2005) haciendo de George el otro amigo de Julianne, inteligente, apuesto, elegante, soltero... y gay (que inaguró con este papel una ahora ya larga galería de personajes gays que aparecen con normalidad en la trama de una película).

  Y con este peculiar cuarteto de buenos actores podemos encontrartos a unos secundarios de auténtico lujo tales como: Philip Bosco "Dos por el precio de una" ("It Takes Two" - 1995), Rachel Griffiths "Entre gigantes" ("Among Giants" - 1998), Carrie Peston "Virginia" - 2010, Paul Giamatti "La última estación" ("The Last Station" - 2009). Y atención a los nostálgicos televisivos porque esta película nos ofrece la sospresa de reencontrarse con la veterana Susan Sullivan la Maggie Gioberti de la famosa serie televisiva "Falcon Crest".

  En definitiva: Una película excelentemente realizada que, a pesar de contener algún tópico que otro (siempre apicable a este género) no llega a ser nada empalagosa y con un final que, aunque llegue a ser previsible, para mi, no es el usual en este tipo de historias románticas.  Sobresaliente.

  "La boda de mi mejor amigo" estuvo nominada a la Mejor banda sonora original.

El crimen de Cuenca (1980)

          En recuerdo de: Amparo Soler Leal

       Una crónica terrible de la España negra...

  Magnífica película de género dramático y basada en hechos reales durante el reinado de Alfonso XIII.

  "El crimen de Cuenca" está basada en una idea de Juan Antonio Porto "El bosque del lobo" (1970), un guionísta nacido en La Coruña, diplomado en Dirección por la Escuela Oficial de Cinematografía, siendo en la actualidad uno de los maestros de la escritura de guiones cinematográficos de España. En febrero de 2009 el Consejo de Ministros le otorgó la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.

  El guión corrió a cargo de Lola Salvador Maldonado "Tierno verano de lujurias y azoteas" (1992), una escritora y guionísta nacida en Barcelona que usa profesionalmente el nombre de Salvador Maldonado. Una mujer que comenzó escribiendo guiones radiofónicos para después pasarse al cine y la telrvisión, aunque también trabajó para el teatro, adaptando clásicos como "La gata sobre el tejado de zinc" en 1984.

  La película está dirigida por Pilar Miró "El perro del hortelano" (1984), (que también colaboró en el guión), una cineasta nacida en Madrid cuyos primeros trabajos fueron para TVE como ayudante de dirección. Y de la pequeña pantalla saltó al mundo del cine como guionísta y realizadora, en 1982 ocupó el cargo de Directora General de Cinematografía hasta 1985, cargo que hizo de impulsar un total cambio estructural de la creación del cine español.

  La historia nos traslada al año 1913 y concretamente al pueblo conquense de Osa de la Vega, para meternos en las vidas de Gregorio Valero y León Sánchez, amigos y vecinos de esta localidad. Pero un aciago dia son detenidos como autores de la muerte de un pastor de oficio y compañero de estos dos hombres. Son encarcelados y torturados atrozmente por la Guardia Civil, hasta admitir un crimen que nunca cometieron...

  Extraordinaria película, si señor, extraordinaria y sobrecogedora. Una película que estuvo censurada un par de años en plena transición y tras su estreno corrieron rios de tinta, Una película que va más allá de mostrar un simple caso basado en hechos reales, y se erige en una monumental critica hacia los poderes tácticos, tales como la policia (en este caso la guardia civil), la iglesia y una oligarquía política y judicial que manejaban el pais como si fuera su propio cortijo.

  Cuenta con unas escenas desgarradoras y sobrecogedoras (que le hacen que se le pongan los pelos de punta) y todas ellas narradas por una enorme tensión y austeridad. Las de la cárcel donde los dos protagonístas son brutalmente maltratados (la terrible escena de las uñas y la de las tenazas arracándolo el bigote) no le dejará impasible a ningún espectador. Escenas brillantemente filmadas en un color claro-oscuro (dando aún más tensión a la historia) por el hispano-alemán Hans Burman "Los girasoles ciegos" (2008), un magnífico camarógrafo y uno de los personajes más populares de la cinematografía española desde 1970.

  Y en esta historia llena de torturas, mostrándonos unas fotografías fuera de serie, puesto que están trabajadas con una gran minuciosidad, tanto la de los interiores que son soberbias e impactantes, como la de los exteriores todas rodadas en los lugares donde sucedieron los hechos: Osa de la Vega, Belmonte, Tresjuncos y La Celadilla y soberbiamente ambientadas.

  Muy adecuada la banda sonora poniendo otro punto a su favor, y llevada de la mano por el maestro Antón García Abril "La ciudad no es para mi" (1965), un compositor nacido en Teruel miembro de la Real cademia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y Presidente de Honor de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis. En 2006 recibió el VII Premio Iberoamericano de Música Tomás Luis de Victoria, considerado el equivalente al Cervantes de la música clásica.

  Y en este crimen que nunca se cometió, haciendo gala de su gran maestría y nos hace de participar en unos temas todos ellos con acorde a la historia a base de musica y coplas de principio del siglo XX, alguna de ellas mencionando el "crimen". Magnífica la música del maestro García Abril.

                      Mirad que crimen más feo

                      en la provincia de Cuenca

                      cometieron dos ladrones

                      a eso de las ocho y media

                      cuando el pastorcejo iba a mudar su caseta

                      le agarran los asesinos

                      y le cortan las orejas

                      lo pinchan con un cuchillo

                      lo atraviesan un costado

                      como al señor Jesucristo

                      le cortan en cien pedazos

                      lo sierran en veinte partes...

  Grandes muy grandes las interpretaciones de todo el elenco interpretativo en sus papeles tanto desgarradores como a la vez veraces. Comenzando por Daniel Dicenta "El pájaro de la felicidad" (1993) y José Manuel Cervino "La dama de Porto Pin" (2001) metidos los dos en los torturados y atormentados cuerpos de Gregorio Valero y León Sánchez respectivamente, dos amigos y vecinos de Osa de la Vega (Cuenca) que son detenidos como autores de la muerte de un pastor de oficio y compañero de ambos. Los dos son torturados por la Guardia Civil hasta que ellos mismos se declaran autores de un crimen que nunca se llegó a cometer.

  Seguidos por la recientemente fallecida Amparo Soler Leal "Paris - Tombuctú" (1999) como Varona la sufrida esposa de Gregorio, el gran Fernando Rey (aunque aquí todos son grandes), "Mi general" (1987) dando vida al cacique del pueblo Contreras que a la vez es un diputado de derechas, Héctor Alterio "Fumata blanca" (2002) como el juez Emilio Isasa, Mary Carrillo "Una mujer bajo la lluvia" (1992) metida en la piel de Juana, Assumpta Serna "Como un relámpago" (1996) en el papel de Manuela. Y atención a Guillermo Montesinos "Todos a la cárcel" (1993) haciendo de José María Grimaldos "El Cepa", en un pequeño papel, pero por el que gira todo el móvil de la película.

  En definitiva:  Una película áspera, cruda,  desagradable como es la vida en ocasiones, y dura, como dura es la historia de aquella España profunda. Y en donde la gran realizadora madrileña lo supo retratar perfectamemte sin faltar ni acentuar nada.  Sobresaliente.

  Como anécdota. La película sufrió un duro revés al estar en contra de la misma, y  hasta de el mismo gobierno de Unión Centro Democrática (UCD) cuyo presidente era Adolfo Suárez al mostrar las duras torturas por la Guardia Civil. El entonces ministro de Cultura, Ricardo de la Cierva "secuestró" la película casi un año y medio, poniéndola a disposición militar. Finalmente su estreno se llevó a cabo a mediados de 1981. Es considerada la primera película prohibida por la Democracia, tras la desaparición de la censura durante la Transición.

 

 

 

Hasta siempre!!!

              Amparo Soler Leal

                         "La chica Berlanga"

  El pasado 25 de octubre y a consecuencia de una insuficiencia cardiaca falleció en su casa de Barcelona a la edad de 80 años la actriz Amparo Soler Leal.

  Hija de los actores Salvador Soler y Milagoros Leal. Amparo debutó en el teatro a los 13 años y trabajó intensamente en este medio. En el cine comenzó a prodigiarse en 1961 (años antes, había intervenido, brevemente en dos películas junto a su madre), y no tardó en asentarse en el cuadro interpretativo nacional, en el que se mantendría durante varias décadas gracias a su prestancia.

  Películas tan conocidas como "La becerrada" (1963), "La gran familia" (1962), "Amador" (1964) y "El bosque del lobo" (1970), se beneficiaron en mayor o menor medida del trabajo de la actriz, que, en la segunda mitad de los setenta, llegó a detentar unos cuantos protagonísmos: "La adúltera" (1975), "Nosotros, que fuimos tan felices" (1976), "Mi hija Hildegart" (1977).

  Sabe pasar de personajes avinagrados "El amor del capitán Brando" (1974) a lúcidas señoras de clase media "Retrato de familia" (1976) o "Las bicicletas son para el verano" (1984), de las atmósferas sórdidas "El crimen de Cuenca" (1980) al mundo esperpéntico de Luis García Berlanga: es imborrable la imágen de Amparo Soler Leal con un parche en el ojo y riñendo a todo el mundo en "La escopeta nacional" (1978), aunque Berlanga también la utilizó en otras películas, como "Tamaño natural" (1974) y "La vaquilla" (1985).

  Casada en primeras nupcias con Adolfo Marsillach, del que obtuvo la nulidad matrimonial en 1965, contrajo matrimonio cuatro años después con el productor Alfredo Matas, del que enviudó en 1996. No tuvo hijos.

  Se da la circunstancia que a pesar de todos sus papeles en el cine, nunca fue nominada a los Premios Goya. Ello puede deberse a que la mayor parte de su carrera se desenvolvió antes de la institución de dicho galardón.

  "Gran actriz y sensacional persona" (Maruja Torres)

  "Una de mis actrices favoritas" (Maria Roca)

  "Como me gustaba esa mujer" (Maxin Huertas)

  Amparo Soler Leal - Madrid - 23 - agosto - 1933 - Barcelona - 25 - octubre - 2013

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

Lugares comunes (2002)

   Fernando: Nunca me obligué a serle fiel a mi mujer, no es una norma o pacto a respetar. Con Lili, con mi mujer, siempre dijimos que si alguién se cruza con alguno de los dos... mala suerte. Pero sin mentiras. Estamos juntos porque queremos, nadie nos obliga.

  Nos obliga ser leales. Ninguna de las mujeres que conocí después de Lili le puede ganar. No. Las miro, las puedo admirar, me puede asombrar encontrarme con alguien como Tutti Tudela, pero yo estoy abierto a lo que sea, a lo que pueda pasar. Pero no hay caso. Liliana, Liliana siempre.

  Tutti: Tengo la sensación de que cuando habla de mujeres, está hablando de una sola mujer.

  Fernando: Puede ser, si.

  Conmovedora película de género dramático y una historia tan emocionante como necesaria.

  "Lugares comunes" está basada en la novela "El renacimiento" de Lorenzo F. Aristarain. Y cuenta con un guión de Adolfo Aristarain, "Un lugar en el mundo" (1992), un reputado director y guionísta nacido en Buenos Aires, que antes de ponerse detrás de las cámaras fue ayudante de dirección en más de treinta películas. Y ayudado en la adaptación por Kathy Saavedra.

  La película la dirige pues, el propio Adolfo Aristarain, un cineasta como digo argentino cuyas películas combinan la firmeza narrativa del cine estadounidense clásico y los temas sociales del cine político de su pais de nacimiento. Un hombre que desde su infancia fue un lector voraz y cinéfilo empedernido, contando en su palmarés ocho Premios Condor de Plata dos Premios Goya y una nominación al Oscar en el apartado de mejor película extranjera.

  La historia nos mete de pleno en las vidas de Fernando Robles, un veterano profesor de literatura y en la de Liliana Rovira, su esposa. Una mujer española que trabaja como asistente social en barrios marginados de Buenos Aires, ambos son muy queridos y respetados y los dos viven muy felices. Pero esta felicidad se verá afectada con la jubilación anticipada de Fernasndo debido a la crisis que padece el pais...

  Una bellísima película, si señor. Una película llena de ideas lúcidas que incita a reflexionar sobre las distintas actitudes frente a la vida. Y es que de verdad Aristarain nos demuestra en esta su undécima película que no hacen falta presupuestos millonarios para hacer un buen cine.

  Cuenta con escenas maravillosas llenas todas de un gran sentimiento emocional. Pero en donde nos hace de sumergirnos el director argentino es en sus maravillosos monólogos"Si alguno de ustedes es un necio y cree en verdades reveladas, digamos religiosas o doctrinas políticas, sería saludable que no preste atención a estas palabras. Me preocupa que no se tenga siempre presente que mostrar quiere decir enseñar. Mostrar no es adoctrinar, es desinformación pero dando tambien el método para entender, analizar, razonar y cuestionar una información, y eventualmente dar una respuesta. Las respuestas no son la verdad, buscan una verdad que siempre será relativa. Las mejores preguntas son las que se vienen repitiendo desde los filósofos griegos. Muchas ya son lugares comunes, pero no pierden vijencia: Qué, cómo, cuando, donde, por qué. Pero, sin esto también aceptamos eso de que la meta es el camino, no nos sirve como respuesta. Describe la tragedia, pero no la explica". Impresionante el monólogo del viejo profesor en esta historia que es todo un canto a la libertad y al amor.

  Todo esto se lo debemos a uno de los mejores actores nacidos en Argentina, me refiero al gran Federico Luppi "El laberinto del fauno" (2006) metido hasta el último rincón de su alma para dar vida a Fernando Robles un profesor de literatura al que prejubilan y no le quedará más remedio que empezar una nueva vida, cuando ya la vejez empieza a asomar por cada esquina. Y junto al inmenso Luppi otra extraordinaria actriz la española Mercedes Sampietro "Reinas" (2005) dando vida a Liliana Rovira la esposa de Fernando, una española, hija de catalanes, que trabaja como asistente social. Los dos se quieren, se respetan, son leales, nunca se aburren cuando están juntos ya que se conocen profundamente.

  Y junto a ellos Carlos Santamaría "Bajo bandera"(1997) como Pedro el hijo de ambos que ha emigrado a España y se ha aburguesado abandonando su vocación literaria para dedicarse a la informática, Arturo Puig "El prontuario de un argentino" (1987) en el papel de Carlos Solla un abogado de cierto prestigio, y también nos encontramos entre otros a Maria Fiorentino "Cenizas del paraiso" (1997) haciendo de Tutti Tudela.

  Todos ellos magnificamente fotografiados por Porfirio Enriquez "Amanece que no es poco"(1988) un profesional de la cámara nacido en La Rioja cuyos comienzos fueron en los Sevicios Informativos de TVE, de donde pasó a Programas para ejercer como Director de Fotografía de numerosos programas y series. Hasta que se embarcó en la aventura de hacer cine con realizadores con los que había coincidido en televisión tales como Adolfo Aristarain, Humberto Solas o Juan Luis Iborra, entre otros. Y en esta historia para mi, extremadamente idealísta, mostrándonos unas imágenes de gran calidad tanto en los interiores (la escena de la discusión política en el bar con unos primeros planos es antológica) al igual que la de los exteriores rodadas en Madrid, Buenos Aires y sobre todo las de la ciudad argentina de Cordoba en unos parajes tan bellos como impresionantes sobre la Ladera de las Sierras Grandes.

  Muy emotiva y llevada a buen ritmo la banda sonora con canciones de tanto artistas contemporáneos como de épocas anteriores, y en donde no tengo más remedio que descubrirme es en el tema "El soldado" que pone punto y final a la película interpretado por la cantante, compositora y guitarrista cubana Maria Teresa Vera:

       Adios, adios, lucero de mis noches,

       dijo el soldado, al pie de la ventana,

       me voy, me voy, pero no llores,

       angel mio, que volveré mañana...

  En definitiva: Una pequeña gran obra maestra, en donde Aristarain nos muestra muy inteligentemente toda una serie de valores sociales con aguda exquisitez. Una película perfecta y completamente disfrutable.   Matrícula de Honor.

  "Lugares comunes" logró la Concha de Plata al mejor guión y Mercedes Samprieto a la mejor actriz. Y dos Premios Goya en los mismos apartados es decir, actriz y guión adaptado.

 

King Kong (1933)

         No fueron los aviones, fue la bella quien mató a la bestia.

  Campeona indiscutible de todas las películas de monstruos y uno de los primeros hitos de Hollywood en lo que se refiere a efectos especiales.

  "King Kong" está basada en una idea original del novelísta británico nacido en Greenwich, Edgar Wallace "El valle de los fantasmas" ("The Valley of Ghosts"-1923) y, considerado como el padre del moderno estilo thriller y aclamado mundialmente como maestro de la narración de misterio.

  El guión se les fué asignado a James Ashmore Creelman "El malvado Zardoff" ("The Most Dangerous Game"-1932), un guionísta nacido en Nueva York, y donde sus primeros trabajos fueron para los estudios RKO Pictures y contando en su historial más de treinta guiones e incluso en 1927 se puso detrás de las cámaras para dirigir "High Hat. Y, ayudado por Roth Rose "Los últimos dias de Pompeya ("The Last Days of Pompeii"-1935), otro escritor norteamericano nacido en Massachusetts y en donde a los 14 años comenzó a escribir guiones, pero la fama le llegó precisamente con esta película, que tras su éxito escribió otras muchas mas basadas en las aventuras del gorila gigante.

  La historia nos la cuentan Merian C. Cooper "Oro en llamas" ("Flaming Gold"-1933), un director y productor nacido en Florida que también fue oficial de las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos y, que después de prestar sus servicios durante la Segunda Guerra Mundial desempeñó el cargo como vicepresidente de la Pioner Pictures, para después pasar a la Metro Goldwyn Mayer. Y su fiel colaborador Ernest B. Schoedsack otro director de cine, montajista y escenográfo nacido en Iowa.

  Asi pues, la trama que nos cuentan estos dos míticos directores nos hace de llevar hacia un equipo de cine que zarpa a alta mar dispuesto a rodar una película. En una isla ignota, descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ascentral que secuestra a la atractiva actriz protagonísta, para ofrecerla en sacrificio ritual a King Kong un gigantesco gorila que acabará enamorándose de la chica, pero...

  Una obra maestra del cine de terror mil veces imitada. Una película destinada a provocar suspense y terror, con dósis elevadas de violencia y erotísmo. Es además, una versión muy singular del antiquísimo mito de la bella y la bestia, pero con un final no tan feliz.

  Cuenta con escenas que aún siguen siendo impresionantes, desde la primera y magnífica aparición del gorila hasta la visión de otros seres prehistóricos a los que King Kong y los expedicionarios deben de hacer frente, el primero para proteger a la heroína que ha sido raptada por los nativos y, los segundos para encontrarla.

  Escenas brillantemente fotografiadas en blanco y negro (por supuesto), por tres grandes maestros de la cámara y de efectos especiales, el primero Edward Linden "Los colmillos del lobo" ("The Werenoff"-1956), un estupendo fotógrafo nacido en Wisconsin cuyos primeros pasos fueron en el cine mudo y muy famoso por sus efectivísimos efectos especiales. El segundo Veron L. Walker "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) otro cineasta nacido en Detroit, nominado cuatro veces a los Oscar por los mejores efectos especiales y, con más de doscientas películas en su historial. Y por último tenemos a J.O.Taylor "La nave sangrienta" ("The Blood Ship"-1927).

  Y en esta emblemática historia plena de acción y emoción demostrando sus pericias con los elementos propios de las películas de aquella época, con escenas tomadas de varias películas suyas anteriores. Tengo que decir que la parte que incluye los efectos especiales constituye todo un alarde de imaginación y trucos visuales.

  Muy amena la banda sonora del maestro de maestros Max Steiner, "Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind"-1939) sin ir más lejos. Un compositor austriaco considerado junto a Victor Young y Alfred Newman, como el padre del sinfonísmo clásico norteamericano, un hombre nominado en veinte ocasiones, obteniéndolo en tres. Y en esta obra maestra del cine fantástico y de terror apoyándose en una masa orquestal muy numerosa, que da densidad y solemnidad a la composición. Diferenciando los momentos románticos, de intriga y de terror.

  Muy bien todos los intérpretes encabezado por la bellísima Fay Wray "La mujer preferida" ("One Sunday Affernoon"-1933) metida en el perfecto cuerpo de Ann, la actriz protagonísta al que una tribu secuestra para ofrecerla en sacrificio ritual al gigantesco simio. Seguida por Robert Armstrong "Mi espia favorita" ("My Favorite Spy"-1942) como Carl Denham ese director de cine que quiere hacer famosa a Ann ya que esta ha padecido los estragos de la gran depresión norteamericana. Y por, Bruce Cabot "Hatari!"-1962, dando vida a John Driscoll el segundo de a bordo al que Ann se enamora de él durante la travesia.

  Pero no hay que olvidar a unos extraordinarios secundarios tales como: Noble Johnson "Tres lanceros bengalies" ("The Lives of a Bengal Lancer"-1934), James Flavin "La calle desnuda" ("The Naked Street"-1955) y Sam Hardy "Corazones rotos" ("Break of Hearts"-1935), aportando cada uno de ellos todo su buen hacer y demostrando su gran profesionalidad.

  En definitiva: Toda una obra maestra del cine clásico de terror recordada por sus pioneros efectos especiales, puesto que marcó un hito en sus usos. Una película imprescindible para todo el buen aficionado al cine guste el género que guste.   Matrícula de Honor.

  Como curiosidad el gigantesco gorila era un muñeco articulado de 45 cm de altura.

  "King Kong" es posiblemente la película que más secuelas ha tenido en la historia del cine, aunque las mas significativas fueron sus hasta ahora dos remakes el primero dirigido en 1976 por John Guillermin e interpretado por Jeff Bridges, Jessica Lange y Charles Grodin, y el segundo realizado en 2005 por Peter Jackson y con Naomi Watts, Adrien Brody y Jack Black como trio protagonísta.

 

Kim de la India (Kim-1950)

  "Los peores embusteros son los propios temores..."

  Agradable película de género de aventuras y basada en una novela de Rudyard Kipling "Cápitanes intrépidos" ("Captains Courageous"-1937), un escritor y poeta británico aunque nacido en Bombay. Autor de relatos y cuentos infantiles y Premio Nobel de Literatura en 1907, fue el ganador de este galardón más jóven hasta la fecha (32 años).

  Cuenta con un guión del inglés nacido en Brighton, Leon Gordon "La parada de los monstruos" ("Freaks"-1932), un veterano novelísta y guionísta cuyos comienzos fueron en el cine mudo en la década de los años veinte. Y teniendo como compañeros de equipo al norteamericano nacido en Washington, Richard Schayer "La espada de Lancelot" ("Lancelot and Guinevere"- 1963). un mítico guionísta con más de cien películas en su haber y, uno de los siete ejecutivos de los estudios Universal durante la edad de oro del cine de Hollywood. Y por el otro también norteamericano pero nacido en Nueva York, Helen Deutsch, "Las minas del rey Salomón" ("King Salomon’s Mines"-1950), un guionísta, periodísta y compositor cuyos comienzos fueron en los periódicos New York Tribune y The New York Times, para un tiempo después pasarse definitivamente al mundo del cine. Como compositor fue el responsable de la famosa canción "Hi-Lili, Hi-Lo", melodía que sirvió de tema musical a la no menos famosa película "Lili" -1953, donde quedó nominado al Oscar.

  "Kim de la India" está dirigida por Victor Saville, "La calle del defín verde" ("Green Dolphin Street"-1947), un cineasta nacido en Inglaterra con cerca de cincuenta peliculas en su carrera profesional y, otras tantas como productor, puesto que tenía su propia productora la Victor Saville Productions, más tarde se hizo con los derechos de la famosa Hammer Productiones.

  La historia nos traslada a finales del siglo XIX para meternos en la vida y gracia de un chaval llamado Kim, que sobrevivía en las calles de la India. Y cuando se descubre que es hijo de un oficial británico intentan llevarlo a la escuela. Pero el prefiere una vida de aventuras, ya que su capacidad para meterse en todos los rincones le permite ejercer de espia para los británicos que están en lucha con los rusos en el control de la India...

  Entretenida película como digo al principio de género de aventuras coloniales británicas, aunque tengo que decir que quizás el director le pudo haber sacado mucho más provecho, pero aún así, es una historia que se deja de ver bastante bien, gracias a sobre todo su preciosa fotografía en un brillantísimo y lujoso color.

Fotografía dirigida por todo un artesano en el sistema del technicolor nacido en Chicago estoy mencionando a William V. Skall, "Quo Vadis" - 1951, para que sirva como muestra. Un director de fotografía con nueve nominaciones y, logrando la deseada estatuilla por "Juana de Arco" ("Joan of Arc"-1948), aunque tuvo que compartirlo con Joseph Valentine. Y en esta aventura erntre ingleses y rusos, mostrándonos una imágenes sumamente coloristas, demostrándo que era todo un especialísta en el manejo de la cámara tanto en las tomas de personajes como en los paisajes de exteriores.

  Amena la banda sonora, aunque no lo mejor del maestro André Previn "Irma la dulce" ("Irma la Douce"-1963). Un pianísta, director de orquesta y compositor, nacido en Berlín, aunque nacionalizado estadounidense. Un hombre que comenzó grabando discos como pianísta de jazz y, en 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres, con cuatro Oscar en su palmarés, pero aunque aquí la música no juega un papel importante, hay momentos en los que el compositor se hace notar con su mágica batuta.

  Aunque es Errol Flynn el que aparece como el protagonísta en los títulos de crédito y, ya algo envejecido y muy lejos de aquellas míticas interpretaciones que hizo tanto en "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935) o "Murieron con las botas puestas" ("The Died with their Boots On"-1941), pero demostrándo aún asi su buen hacer y metido en el pelirrojo personaje de Mahbub Ali, un comerciante de caballos pero que también es un agente del servicio secreto británico.

  El verdadero protagonísta es el niño prodigio por aquel entonces Dean Stockwell "Jardines de piedra" ("Gardens of Stone"-1987) metido en el pequeño cuerpo de Kim, un huérfano, hijo de un soldado inglés y una madre pobre de raza blanca que sobrevive mendigando hasta que ingresa en el ejército colonial en la India, allí descubrirá sus verdaderos orígenes y el misterio de su nacimiento. Y junto a ellos podemos ver a Paul Lukas "55 dias en Pekín" ("55 Days at Peking"-1963) dando vida al viejo Lama tibetano, un anciano que está en busca del legendario Rio de la  Flecha y, detrás viene Robert Douglas "Ceremonia secreta" ("Secret Ceremony"-1968) metido en el uniforme del coronel Creighton y, sin olvidarnos de Thomas Gomez "Trapecio" ("Trapeze" - 1956).

  En definitiva: Una divertida película de aventuras coloniales, pero que a Victor Saville le faltó algo más de garra para que esta historia fuese más interesante, pero de todas las formas la película se deja de ver, gracias también a la gran interpretación del pequeño Kim y por supuesto a su gran colorido.  Aprobado.

  En 1974 John Howard Davies realizó una película con el titulo de "Kim" para la televisión aunque se llegó a proyectar en salas cinematográficas e interpretada por Peter O’Toole y Bryan Brown como actores principales.

  Como curiosidad ese mismo año la Metro le ofreció a Errol Flynn interpretar "Las minas del rey Salomón" ("King Salomon’s Mines"-1950). Pero no aceptó el papel principal cuando se enteró que todo el equipo técnico y de actores dormirían en tiendas de campaña. Prefirió rodar "Kim de la India" donde se alojaría en un complejo turístico lleno de comodidades. Genio y figura.

 

Kartum (Khartoum-1966)

        Mi Dios es más justo y poderoso que el tuyo...

  Superproducción de la Metro de género de aventuras coloniales, un tipo de películas que en los años sesenta estaban muy de moda.

  "Kartum" está basada en un guión original de Robert Ardrey "Los cuatro jinetes del Apocalípsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse"- 1962), un exitoso escritor nacido en Chicago especializado en el campo científico. Además fue guionísta, autor de obras de teatro y ensayísta, un hombre que tenía ideas novedosas y a la vez polémicas que dieron origen a numerosas discusiones a partir de la decáda de los años sesenta.

  La dirección corrió a cargo de Basil Dearden "La mujer de paja" ("Woman of Straw") un cineasta nacido en Inglaterra cuyos primeros trabajos fueron como director en los Estudios Ealing, co-dirigiendo películas de comedias. En los años posteriores se asoció con el escritor y productor Michael Relph, donde llegaron a realizar películas épicas a gran escala como es el caso de "Kartum".

  La historia nos lleva al año 1883 y en donde diez mil soldados egipcios, al mando de oficiales británicos parten de Kartum para luchar contra un fanático que ha levantado un ejército tribal con el propósito de acabar con la corrupción del gobierno de El Cairo, este fanático aniquila a sus enemigos y proclama la Guerra Santa. La noticia llega a oidos del primer ministro inglés...

  Una buena película de aventuras, si señor, y en donde el director inglés nos narra una historia verídica basada en un hecho histórico. Una película realizada de manera perfecta (aunque también hay que decir que es una película politicamente incorrecta, el cine es así), y esto por supuesto no se le escapa a nadie, pero nos muestra otras cosas muy dignas de conocer. Cuenta con escenas impresionantes, sobre todo las de batalla, todas rodadas con gran ardor, y que decir de sus brillantes y omnipresentes diálogos.

  Brillante fotografía en color y en formato Cinerama dirigida por el veterano director fotográfico nacido en Londres, Edward Scaife "Doce del patíbulo" ("The Dirty Dozen"), un hombre cuyos comienzos fueron en los años cuarenta y muy famoso por haber formado parte en el equipo de varias películas de Tarzán, alguna de ellas con el seudónimo de Ted Sacaffe. Y en esta superproducción épica mostrándonos una grandiosa fotografía dando así a la historia una solidez extraordinaria, tanto en las escenas de interiores como en las de batalla con una coreografía impresionante rodadas en escenarios naturales de Sudán y Egipto.

  Excelente banda sonora compuesta por Frank Cordell "Patrulla de rescate" ("Flight from Ashiya"), un compositor nacido en Inglaterra (la mayoría del equipo es británico), un hombre que para mi era muy poco prodijiado en el ámbito cinematográfico, aunque aquí escribió una banda sonora muy aceptable, y cuyo tema principal opta por una melodía muy pegadiza y representativa, donde hay que destacar la música árabe que utiliza en las escenas situadas en el desierto, como por ejeplo: "Up the Nile". Tengo que reseñar que una vez exibida la película en salas comerciales, se lanzó al mercado musical un disco con el título de "Grandes temas del Cine Bélico" que fué todo un éxito a nivel mundial.

  Colosal el mano a mano entre los dos protagonístas masculinos (bueno en esta película todos son hombres). El primero el norteamericano Charlton Heston "El mayor espectáculo del mundo" ("The Greatest Show on Earth") metido en el impecable uniforme del general Charles Gordon un militar británico que camina entre la marcialidad inglesa y sus propias ideas, pero cumpliendo las órdenes de defender la ciudad de Kartum cueste lo que cueste y sea de la manera que sea. El otro el inglés Laurence Oliver "El principe y la corísta" ("The Prince and the Showgirl"), este metido en la túnica de El Mahdi, un místico lider musulmán que se siente llamado por el profeta El Bendecido para hacer huir a sus enemigos infieles de sus tierras. Soberbios los dos enfrentándose actoralmente en este épico y conmovedor drama histórico.

  Pero no son solamente estos dos gigantes del cine los que mueven esta historia, ya que Basil Dearden contó con unos impagables actores "secundarios" y les sacó todo lo mejor que tenían dentro de ellos,  tales como: Richard Johnson "El aventurero" ("L’avventureiro") como el coronel Stewart, Ralph Richardson "La heredera" ("The Heiress"), dando vida a William Gledstone, Alexander Konox "El aventurero de Kenia" ("Mister Moses") en el papel de Sir Evelyn Baring.

  Resumiendo: Toda una superproducción filmada en Cinerama con asombrosas batallas en el desierto, una magnífica fotografía, una amena banda sonora y sobre todo con unas super- excelentes interpretaciones. Una película que no defraudará a nadie.    Sobresaliente.

  "Kartum" estuvo nominada en el apartado de Mejor guión original. El premio se lo llevó la película francesa "Un hombre y una mujer" ("Un homme et une femme") (Claude Leouch y Pierre Uytterhoeven).

  A modo histórico la guerra santa es una guerra "justificada por Dios" que conduce a la "salvación eterna" de quien muere en ella. las guerras de religión europeas, las Cruzadas, son ejemplos conocidos de guerra santa. En los tiempos modernos se han usado también como un modo de definir diferencias culturales e históricas entre combatientes, sin que sea la religión necesariamente la causa principal (un ejemplo es el conflicto de Ulster). Notas tomadas de Wikipedia.

Kramer contra Kramer (Kramer vs. Kramer - 1979)

                   Necesitamos cereales

                   De acuerdo, ¿de Qué color?

  Admirable melodrama y posiblemente el más galardonado y taquillero de 1979.

  "Kramer contra Kramer" está basada en la novela del escritor nacido en Nueva York, Avery Corman "¡Oh Dios!" ("Oh, God!"), un novelista graduado en escuelas públicas de Nueva York para tiempo después convertirse en un escritor de éxito y, cuyas novelas fueron traducidas en numerosos idiomas. Escribió además artículos y ensayos que fueron publicados en diferentes medios, incluyendo el periódico The New York Times.

  Del guión se hizo cargo su propio realizador es decir Robert Benton "La mancha humana" ("The Human Stain"), un cineasta oriundo de Texas cuyos comienzos fueron escribiendo guiones junto a su colega David Newman, mientras al mismo tiempo colaboraba en la revista Esquire y precisamente el éxito a nivel mundial le llegó con esta película.

  Así pues, Benton nos mete en el cuerpo y en el alma de un publicitario, precisamente en el dia que este consigue la mejor cuenta de la agencia donde trabaja. Pero su mujer, le comunica que le abandona, a él y a su hijo de 7 años. Es así cuando comienza una dura etapa en la que tendrá que ejercer de padre soltero de un niño que hecha de menos a su madre y, al mismo tiempo, dedicar toda su energía en el trabajo. Cuando tras un tiempo parece que la relación con su hijo va mejorando, la madre aparece para pedir la custodia del niño...

  Una obra maestra, diga lo que se diga. Una historia muy bien escrita, muy bien dirigida y mejor interpretada. Una película muy disfrutable y en donde la verdad, el director texano nos hace una auténtica radiografía sobre las injusticias que comete la justicia en las separaciones matrimoniales, de cómo los hijos de las parejas pagan las consecuencias y de cómo definitivamente las consecuencias de todo ello lleva al caos inevitable de toda ruptura emocional.

  Padre e hijo protagonizan grandes escenas dramáticas (también algunas con alguna dósis de humor). Pero son las dramáticas las que llevan el eje de la historia, tales como el accidente en el parque o aquella en la que el padre le explica al niño que debe marcharse con su madre. Pero la mejor quizá sea la del desenlace de la historia: cuando el juez dictamina que la tutela del niño será para la madre.

  Escenas magistralmente fotografiadas a todo color por posiblemte uno de los directores de fotografía mas internacional nacido en España, en Barcelona para más detalles, me refiero al siempre recordado Néstor Almendros "Se acabó el pastel" ("Hearburn"), un profesional de la cámara, que desde su juventud demostró gran interés por las artes, pero sobre todo por el cine. Obtuvo la licenciatura de Filosofía y Letras en Cuba (pais donde emigró de pequeño con sus padres), y allí fue donde comenzó su carrera como director de fotografía. Cuenta con un Oscar en su haber y con tres nominaciones. Y en este estupendo drama familiar demostrando su gran profesionalidad para mostrarnos unos magníficos fotogramas tanto de exteriores recorriendo la ciudad de Nueva York, como en los interiores mostrándonos unos planos subjetivos de todos los personajes.

  Buenísima la banda sonora llevada a cargo por dos míticos de la música, uno John Kander, "Cabaret", un compositor nacido en Kansas City y doctorado en la Universidad de Columbia y, ganador de un Oscar por su musical "Chicago" en colaboración con Danny Elfman. El otro un fabuloso saxofonísta nacido en Washington y uno de los más brillantes y perdurables musicos de jazz, con infinidad de albunes grabados y premios conseguidos. Y así, entre los dos creando unas inmejorables melodias, dando como es de suponer mucha más acción y emoción a esta maravillosa historia de matrimonios en crisis.

  Pero si Robert Benton logró la película de su vida, mucho tiene que agradecer a su pareja protagonísta: Dustin Hoffman "Todos los hombres del presidente" ("All the President’s Men") y Meryl Streep "La Dama de Hierro" ("The Iron Lady"). El, dando vida a Ted Kramer, un hombre que ha logrado un puesto muy importante en una agencia de publicidad de Nueva York, gracias a su dedicación a la misma. pero, ahora bien, a causa de este excesivo interés profesional, no presta atención a su familia, por lo que... Ella, metida en el cuerpo de Joanna Kramer, su mujer, decide abandonarle, creyendo que esta separación será lo mejor para ambos. Soberbios los dos, si señor, con su Oscar incluido.

  Pero atención al niño de ambos y casi compartiendo protagonísmo, puesto que es la base donde se asenta la película hablo de Justin Henry (haciendo aqui su debut) "Dieciseis velas" ("Sixteen Candles") en el papel de Billy el hijo de ambos, un chaval de 7 años que de golpe y porrazo ve como sus padres deciden separarse, y de esta manera su vida dará un giro especial (su actuación le valió una nominación y estableció el record al ser el actor más jóven en ser nominado al Oscar).

  Y con esta familia rota por los avatares de la vida, también nos encontramos a unos estupendos secundarios tales como: Jane Alexander "Detrás de las paredes" ("Dream House"), JoBeth Williams "Entre mujeres" ("In the Land of Women"), Howard Duff "La ciudad desnuda" ("The Naked City").

  En definitiva: Una buenísima película, con muy buenos momentos (sobre todo los concernientes entre padre e hijo). Y, que por supuesto vale mucho la pena de verla, y analizarla, puesto que tanto su envergadura legal como sociológica es enorme.   Matrícula de Honor.

  "Kramer contra Kramer" logró cinco Oscar en 1979: Película, Director, Actor (Dustin Hoffman), Actriz secundaria (Meryl Streep) y Guión adaptado (Robert Benton). El pequeño Justin Henry fue nominasdo a mejor actor secundario, el premio fue para Melvyn Douglas por "Bienvenido Mr. Chance" ("Being There").

  Como curiosidad, antes de selecionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep.