Tristana - 1970

  "Soy tu padre y tu marido, y hago de uno u otro según me convenga".

  Obra maestra de género dramático e inspirada en una novela de Benito Pérez Galdós. Un novelísta, dramaturgo y político nacido en Las Palmas de Gran Canaria.

  Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realísta del siglo XX no solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por diversos especialístas y estudiosos de su obra como el mayor novelísta español después de Cervantes.

  Pérez Galdós fue desde 1897 académico de la Real Academia Española y llegó a ser propuesto al Premio Nobel de Literatura en 1912. Aunque, salvo en su juventud, no mostró especial aficción por la política, aceptó su designación como diputado en varias ocasiones y por distintas circunscripciones.

  Del guión se hicieron cargo, el propio director es decir Luis Buñuel, y Julio Alejandro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor y poeta nacido en Huesca, y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Buñuel y considerado uno de los mejores guionístas de México, y su primer libro fue prologado por Antonio Machado. Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz Año, amor mio".

  "Tristana" está dirigida como bienn he dicho antes por Luis Buñuel. Un director nacido en Calanda (Teruel) y padre del surrealísmo cinematográfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado en colaboración con Salvador Dalí. La película incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado por una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealista por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subuclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesía pot mantener la dignidad.

  A la oscura y austera "Diario de una camarera" (Le journal d’une femme de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual con el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesia" ("Le charme discret de la bourgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte"-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera expone la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinacuón de los surrealistas por el fetichismo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba inmponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La historia nos lleva hasta la ciudad española de Toledo. Allí al morir los padres de una joven llamada Tristana es confiada a un tal don Lope, un don Juan en declive cuya época ya ha pasado, incapaz de aceptar su caducidad como seductor, don Lope la seduce y Tristana se convierte en su amante desde los 19 años hasta los 21 pero ella, considerada por él como su hija y su mujer, le pide que la deje estudiar música y arte para poder independizarse. Tristana se enamora de Horacio, un pintor que también siente lo mismo por ella, y acaba yéndose con él a Madrid. Tristana sufre un cáncer de rodilla y como consecuencia tienen que amputarle una pierna. Horacio se desinteresa por ella y Tristana vueve a Toledo y se casa con don Lope. Este enferma. Victima de una crisis nocturna, llama a Tristana para que le ayude. Tristana finge llamar por teléfono al doctor antes de abrir la ventana, cuando está nevando, para así acelerar la muerte de don Lope...

  Nueve años después de la escandalosa "Viridiana"-1961, Buñuel volvió a adaptar otra obra de su admirado Galdós. Una película que a priori parece una de sus obras menores, pero para mi es toda una obra maestra. La película explora las diferencias de intereses y de carácter de los protagonistas principales. Cuenta con escenas memorables: la del partido de fútbol de los muchachos sordomudos, la de la boda envuelta en aires fúnebres y eróticos y a destacar el valor simbólico del sordomudo como persona con más capacidades de percepción (visión, audición e inteligencia) que la burguesia.

  La música de Frederic Chopin, aporta "Estudio revolucionario", una composición temperamental e iracunda, a cargo de Tristana, que sugiere su fuerza, su capacidad de lucha, su voluntad indomable, su furia y sus deseos de triunfo sobre la opresión. A través de la composición Tristana proclama que, pese a los golpes de la vida y la sociedad, conserva la entereza, la capacidad de la lucha y los propósitos de victoria.

  La fotografía en color corrió a cargo de José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotografía con la película "Castañuela"-1945, de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, la última, intervino en casi 120 películas. Destacando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en titulos míticos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor"-1948, "El último cuplé"-1957. Asi como con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregular carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel.

  Y en esta magnifica adaptación de un clásico de la literatura española aportando una narración aústera, estilizada y sobria de gran fuerza expresiva. Transmitiendo a las imágenes sentimientos de opresión, oscuridad, explotación y lucha tenaz. La película  se rodó en su totalidad en la maravillosa ciudad de Toledo. (mi ciudad natal).

  Formidables todos los actores con una gran interpretación de Fernando Rey, "Diario de invierno"-1988, interpretando a don Lope, posiblemente en uno de sus mejores papeles de su exitosa carrera. Espléndida Catherine Deneuve, "La chica del tren" ("Le fille du Rer"-2009) en el papel de Tristana esa joven mujer indomable y víctima a la vez, maravillosa la actriz francesa, y completando el trio el italiano Franco Nero, "Cartas a Julieta" ("Latters to Juliet"-2010) dando vida a Horacio, un pintor enamorado de Tristana.

  Pero no hay que olvidarnos de la gran Lola Gaos, "Viridiana-1961 como Saturna y de otro estupendo secundario Antonio Casas, "Los ángeles del volante"-1957, como don Cosme.

  En definitiva: Una obra maestra del cine español, con un final redentor y libertario, puesto que los flasbacks que aparecen significan la muerte de dos personas, por una parte la fisica de don Lope y la espiritual de Tristana. Una película Matrícula de Honor.

  "Tristana" estuvo nominada en 1970 como mejor película de habla no inglesa. La ganadora fue "Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha" ("Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto") de Elio Petri (cosas de la Academia digo yo).

  Como curiosidad: "Tristana" supuso la vuelta a España de Buñuel, por segunda y última vez, tras el escándalo de "Viridiana".

 

 

Toro salvaje (Raging Bull - 1980)

  Jake: Bésame las mejillas

  Vickie: Por qué?

  Jake: Por que si tu les das un beso mejorarán...

  Obra maestra del género de boxeo basada en la historia de Jake la Motta, con un guión de Paul Schrader, "La costa de los mosquitos" ("The Mosquito Coast"-1986). Un director y guionísta nacido en Michigan. Fue educado en una escuela calvinista que le marcaría profundamente en su manera de sentir en toda su obra. No vió una película hasta los 18 años. En 1975 escribió junto a su hermano el primer guión y un año después Martin Scorsese le mandó escribir su primera película "Taxi Driver". A partir de entonces su relación profesional y su amistad se hizo patente hasta que en 1999 rompieron toda esa larga y fructífera relación.

  El segundo guionísta fue Mardik Martin, "Malas calles" ("Mean Streets"-1973). Un guionísta nacido en Irán. unque su familia era adinerada Mardik huyó del pais para evitar el servicio militar y llegó a Nueva York. Allí sin dinero tuvo que ponerse a lavar platos en un restaurante para pagarse los estudios en la Universidad de la NYU, donde conoció a su compañero de estudios Martin Scorsese en 1961. Los dos formaron una estrecha amistad y trabajaron en los primeros proyectos de Scorsese.

  "Toro salvaje" está dirigida por el ya mencionado Martin Scorsese. Un cineasta nacido en Nueva York. Un hombre que es la máxima expresión del director de cine. Quizá no tenga éxito en cada proyecto y sus películas no sean del gusto de todos, pero incluso sus más fervientes detractores reconocen que su trabajo ha elevado la valoración pública del director que la de cualquier otra figura contemporánea, con la posible excepción de Steven Spielberg.

  Las técnicas con que capta la atención del espectador pueden considerarse indicios de genialidad pero también sintomas de exceso artístico. El  recurso más obvio son los movimientos de cámara acercándose y alejándose, sobre todo para mostrar personalidades y estados de ánimo. Este rasgo de reconocer fundamentalmente al público, de convertirlo en coautor de la revelación de la historia y del argumento, es el que hunde o ensalza a Scorsese, puesto que muchos espectadores van al cine en busca de un entretenimiento sin fisuras que no deban procesar. En este sentido, Scorsese puede resultar algo pomposo.

  El hecho de que sepa reconocer la fuerza y las limitaciones específicas del medio cinematográfico sugiere que se trata de una mente cuidadosamente organizada en torno al fotograma, no solo como medio para contar historias, si no también como puerta de entrada hacia experiencias psicológicas. Estos elementos explican que la obra del director neoyorkino, que ya abarca más de cinco décadas haya dejado huella en la historia del cine.

  A lo largo de tan dilatado camino ha convertido a sus actores en estrellas y a sus colaboradores detrás de la cámara en celebridades. Ha recibido el premio a toda una vida del American Film Institute (Instituto del Cine Estadounidense), tiene seis nominaciones a los Oscar al mejor director de las cuales ganó una por su película "Infiltrados" ("The Departed"-2006), cinco premios Emmy y seis Globos de Oro (cinco como director y uno como guionista).

  La historia se desarrolla durante 23 años  entre 1941 y 1964, y Scorsese nos explica la historia del boxeador Jake la Motta, un personaje solitario, violento y maltratador de instintos primarios, inseguro y ególatra, vulgar e infantil. Forma pareja con Irma y luego con Vickie de 16 años. Cuenta durante muchos años con el apoyo de su hermano casado con Leonore.

  La historia pues, nos narra en un largo flashback, el comienzo de Jake cuando se prepara para intervenir en un "show" en el Barbizan Plaza Teatro de Nueva York en 1964. Entonces arranca el flashback que nos situa en 1941. La narración es minuciosa y rica en detalles, algunos de los cuales Scorsese los destaca mediante la inserción de breves planos de proximimidad. "Toro salvaje" más que una película de boxeo, es una película que desarrolla una exploración fundamentada y lúcida sobre los celos patológicos de un personaje frágil e inseguro, que tiene mal resueltas sus relaciones con las mujeres y el entorno. Se ha dicho que la narración define tres ámbitos de relación diferente: la vida en el ring, la vida real en familia y la vida familiar soñada o idealizada. Esta última se presenta a través de las películas domésticas que recogen en color los eventos familiares más gratos (celebraciones, aniversarios, bodas...). En contraste con este nivel, la vida familiar real está llena de problemas, fricciones, disputas, malos tratos, ira, violencia y sentimientos de culpabilidad. La vida en el ring hace funciones de compensación de infelicidad e insatisfacción familiar, y de medio a través del cual se accede a la explación y la redención de culpas...

  La banda sonora aporta una excelente seleción de temas que confieren la historia: fuerza, vibración y emoción. Destacan los cortes de "Cavalleria rusticana", de Pietro Mescagni, y los extractos de temas populares, como "Mona Lisa" (Nat "King" Cole), "Frenesi" (Artie Shaw), y "By By Baby" (Marilyn Monroe), y otros de Ella Fitzgerald, Renato Carosone y Ray Charles.

  La fotografía corrió a cargo de Michael Chapman, "Taxi Driver"-1976. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como operador de cámara y como director de fotografía se hizo famoso por colaborar en un par de ocasiones con Martin Scorsese. El estilo de Chapman tiende hacia altos contrastes y el uso agresivo de colores fuertes. También es muy hábil en la creación de movimientos de cámara de forma rápida y la improvisación en el set.

  Y en este Toro del Bronx rodada en blanco y negro con algunas secuencias en color, componiendo una descripción impresionante y perturbadora de los combates de boxeo, con oportunos subrayados a cámara lenta. Ante los estallidos de violencia doméstica, la cámara queda inmóvil al objeto de captar la intensidad del momento sin añadidos ni refuerzos. El ritmo de las imágenes se torna vertiginoso en los momentos culminantes.

  Las escenas de exteriores fueron rodadas en Los Angeles (San Pedro, Olympic Auditorium) y Nueva York (Qeens, Bronx...). Y las interiores en los platós de Colver Studios de Hollywood.

 

Soberbio Robert De Niro, "Condenado"- 2002,  metido en el personaje (y nunca mejor dicho) de Jake la Motta un joven boxeador que su único sueño es convertirse en campeón de los pesos medios. Y con el gran De Niro, un formidable Joe Pesci, "Mi primo Vinny" ("My Cousin Vinny"-1992), como Joey el hermano y entrenador de Jake; Cathy Mariarty, "Locos de Alabama" ("Crazy in Alabama"-1999), como Vickie la joven esposa de Jake; Theresa Saldana, "La noche antes" ("The Night Before"-1988) como Leonore, la esposa de Joey; Frank Vincent, "Una banda de cuidado"-2000), como Salvy; Nicholas Colosanto, "La trama" ("Family Polot"-1976), como Tommy Como; Mario Gallo, "King-Kong"-1976, como Mario.

  En definitiva: Una obra maestra del género, una de las mejores películas de los años 80. Una película sencillamente prodigiosa. Matrícula de Honor.

  "Toro salvaje" logró dos Oscar en 1980: Mejor actor (Robert De Niro) y Mejor montaje (Thelma Schoonmaker) y obtuvo ocho nominaciones.

  Como curiosidad: El rodaje se inició en abril de 1979 y terminó en diciembre del mismo año, tras cuatro meses de interrupción para que De Niro engordara 30 Kg.

Tierras de penumbra (Shadowlands - 1993)

              Vivimos en una tierra de sombras.

               El  sol siempre brilla en otro lugar.

  Extraordinaria película de género dramático basada en la novela de C.S. Lewis. Un escritor nacido en Belfast (Irlanda del Norte). Las obras de Lewis han sido traducidas en más de 30 idiomas y ha vendido miles de copias a través de los años.

  El guión corrió a cargo de William Nicholson, "El primer caballero" ("First Knight"-1995). Un escritor nacido en Inglaterra, ha trabajado en televisión para la BBC y para prestigiosos estudios norteamericanos, habiendo sido nominado al Oscar en dos ocasiones y ganador de varios premios BAFTA. En lo literario ha publicado, sobre todo literatura juvenil con dos sagas de carácter fantástico, aunque también ha producido literatura para adultos de la cual han sido traducidas al castellano.

  "Tierras de penumbra" está dirigida por Richard Attenborough. Un actor y director nacido en Cambridge (Inglaterra).

  Tras una notable carrera como actor, Richard "Dickie" Attenborough debutó como director con la sátira "¡Oh, que guerra tan bonita!" ("Oh! a Lovely War"-1969), seguida de "El joven Winston" ("Young Winston"-1972), una biografía de Churchill. Luego tuvo la oportunidad de dirigir "Un puente lejano" ("A Bridge Too Far"-1977), una película épica de gran presupuesto sobre la Segunda Guerra Mundial. La película fue un fracaso, pero la calidad de las escenas de acción rodadas por el director y su buena relación con los actores causaron cierta impresión en la industria cinematpgráfica.

  Sus películas más notables como director son las biográficas (biopics) de Mahtma Gandhi y Charles Chaplin, "Gandhi"-1982 con sus memorables y espectaculares escenas, como la masacre de Amritsar, las huelgas de la sal y los movimientos de las violentas muchedumbres de hindúes y musulmanes, y con la magistral interpretación que hizo Ben Kingsley de personaje principal, constituyó un gran éxito. Fue una de las grandes producciones de principios de los años ochenta que revitalizaron la industria del cine británico.

  Con "Chaplin"-1992, Richard Attenborough intentó seguir de nuevo los pasos de David Lean creando una película según el modelo de "Lawrence de Arabia"-1962, pero el personaje parecía menos merecedor de recibir un trato hegiográfico. La película fue un fracaso de taquilla, ofrece una critica muy minuciosa de la megalomanía del protagonísta, y consiguió una nominación al Oscar para el actor Robert Downey Jr..

  La adaptación del musical de Broadway "A Chorus Line"-1985 fue un paso en falso, pero desde entonces Attenborough se ha dedicado con cierto éxito, a películas de amor en pequeña escala como "En el amor y en la guerra" ("In Love and War"-1997), "Tierras de penumbra" ("Shadowlands"-1993) y "Búho gris" ("Grey Owl"-1999).

  La trama pues, nos mete en la vida de C.S. Lewis, un profesor de literatura de Oxford, que también es un escritor de una gran reputación. Vive de forma casi monacal, en compañía de su hermano, totalmente desconectado de la vida real. Pero un buen dia irrumpe en su vida Joy Gresham, una impetuosa poetisa estadounidense admiradora suya que, de viaje por Inglaterra, desea fervientemente conocerle en persona. Entre ambos y pese a sus caracteres diametralmente opuestos, surge una fortísima atracción intelectual que se va transformando en algo mucho más profundo...

  Una gran película, si señor, casi rozando la obra maestra. Una película que va sobrada, y en donde posiblemente Atteborough consiguió realizar su mejor obra.

  Sensacional la fotografía en un color claroscuro llevada con la cámara de Roger Pratt, "El retrato de Dorian Gray" ("Dorian Gray"-2009). Un director de fotografía nacido en Inglaterra y muy conocido por haber colaborado con mucha frecuencia con Terry Gilliam, contando en su haber una nominación al Oscar por "El fin del romance" ("The End of the Affair"-1999).

  Y en esta historia donde el sol no brilla mostrándonos unas maravillosas imágenes en un como digo claroscuro rodadas en su mayoría en la ciudad inglesa de Oxford.

  Y sensacional también la banda sonora a cargo de George Fenton, "Las amistades peligrosas" ("Dangerous Laisons"-1988). Un compositor nacido en Londres. Tras llevar a cabo sus estudios en la Escuela de Saint Edmond en Oxford, sus primeros trabajos fueron como actor. En 1976 escribió su primer trabajo para la televisión y es mundialmente conocido por haber compuesto para Stephen Frears y sobre todo para Atteborough. Entre sus palmarés cuenta con un BAFTA por la serie "Bergerace" que estuvo en antena durante 10 años (1981-91).

  Y en esta lección de vida y de amor deleitándonos con una música de máxima calidad, envolviéndonos en una espléndida nostalgia y dando a la historia una belleza sobrecogedora.

  Magnícos los actores elegidos aqui por el gran cineasta británico, encabezados por el siempre estupendo Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991) (para que veais que no os miento). Y aqui metido en el cuerpo de Jack Lewis, un profesor de literatura de la Universidad de Oxford que vive retirado del mundanal ruido haciendo una vida casi monacal. Y seguido por la bellísima Debra Winger, "Oficial y caballero" ("An Officer and a Getleman"-1982), como Joy Gresham, una impetuosa poetisa y admiradora de Lewis. 

  Y con ellos Joseph Mazzello, "El inolvidable Simon Birch" ("Simon Birch"-1998) como Douglas Gresham; Edward Hardwicke, "Fotografiando hadas" ("Photographing Fairies"-1997), como Warnie Lewis; John Wood, "La condesa rusa" ("The Wite Countess"-2005), como Cristopher Riley.

  En definitiva: Una extraordinaria película y toda una lección de vida y de amor. Una película que te hace de reflexionar y no pasa desapercibida para nadie. Una película Matrícula de Honor.

  "Tierras de penumbra" obtuvo dos nominsciones en 1993: Mejor actriz (Debra Winger) y guión adaptado.  El premio recayó para Holly Hunter por "El piano" ("The Piano").

  Como curiosidad. La película está basada en la vida real de Jack Lewis y su relación sentimental con Joy Gresham.

Tristán e Isolda (Tristan and Isolda-2006)

  "En tus ojos mi rostro, en los mios el tuyo. En los rostros descansan los corazones fieles. ¿Dónde podriamos encontrar dos mejores hemisferios sin un norte definido, sin un occidente declinante? Aquello que muere no estaba mezclado con igualdad. Si nuestros corazones son uno, o nuestro amor semejante, ninguno desfallecerá, ninguno morirá".

  Perfecta película de género romántico-aventuras y perfecta también la recreación de la historia de amor posiblemente la más bonita de todos los tiempos.

  La película pues,  evoca una época histórica poco investigada y mal conocida (para una mayoría), que ha legado mitos y leyendas como las de "Camelot", "El rey Arturo" y "Rolando".

  El guión fue escrito por Dean Georgaris, "El mensajero del miedo" ("The Manchurian Candidate"-2004). Y está dirigida por Kevin Reynolds. Un director nacido en San Antonio (Texas). Su padre quiso que pasara varias horas viendo la televisión para que asi dejara de "volar su imaginación". Una vez en el Instituto, se rebeló contra su padre y consiguió un trabajo como camarero de un pub.

  Cuando acabó sus estudios, tuvo una fuerte discusión familiar y recapacitó sobre si estudiar o no en la Universidad. Gracias a la influencia de su padre, cursó la carrera de Telecomunicaciones en la Universidad que presidía su padre. Pero poco después decidió estudiar Derecho y lo ejerció en la ciudad de Austin

  Diez años después decidió matricularse en la UC School of Cinema and Televisión de Steven Spielberg y drcidió producir "Amanecer rojo" ("Red Dawn"-1984) protagonizada por Patrick Swayze. Poco después Spielberg decidió que produjera otra de sus películas, esta vez fue "¿Donde dices que vas?" ("Fandango-1985), protagonizada por Kevin Costner.

  Tras "La bestia de la guerra" ("The Beast"-1988), protagonizada por Stephen Baldwin, dirigió "Robin Hood, principe de los ladrones" ("Robin Hood: Prince of Thieves"-1991) y su protagonísta fue su amigo Costner. Gracias a la película, recaudaron más de 225 millones de dólares y fue todo un éxito a nivel mundial. "Rapa Nui"-1994, protagonizada por Jason Scott Lee, fue producida por Costner y no tuvo mucho éxito. Lo mismo sucedió con "Waterworld"-1995 de nuevo protagonizada por Kevin Costner, con un presupuesto de 236 millones de dólares y unas pérdidas de aproximadamente 60 millones. Parece ser que las discusiones entre el director y el actor hicieron el rodaje muy complicado y fueron la razón por lo que se alejó de la industria del cine.

  En 1987 dirigió "One eigth Seven" ("187, más mentes peligrosas"),  protagonizada por Samuel J. Jackson. Una película con éxito, pero no evitó que Reynolds se alejara del cine. Años depués regresó con su versión de "El conde de Montecristo" ("The Count of Montecristo"-2002) protagonizada por James Caviezel, que no alcanzó el beneficio esperado. Hasta la fecha su última película dirigida ha sido "Tristán e Isolda"-2006, protagonizada por James Franco y producida por Riedly Scott.

  La historia pues, nos lleva hasta el siglo V en Cornualles (Inglaterra) e Irlanda, y donde un soldado llamado Tristán es dado por muerto durante una batalla entre uno de los reinos en los que se dividen la entonces Inglaterra e Irlanda. Cuando arrojan su cuerpo al mar y éste llega a una pequeña costa irlandesa, es rescatado por una joven y su doncella. Tristán se enamora de la joven pero lo que no se imagina es que su salvadora es la princesa Isolda. Y es aquí donde se desata su trágico amor...

  Muy buena película, si señor. Una película que combina los géneros de acción, aventuras, drama y sobre todo romance. El relato se ennumera en un contexto trágico y fatalísta, de pasión y compromiso, inocencia y traición, libertad y deber, amores y venganzas, luchas feroces y personajes crueles.

  La banda sonora de Anne Dudley, "Full Monty"-1997 (por ejemplo). Una compositora nacida en Beckenhamm (Inglaterra). Fue una de las pioneras del pop y ha trabajado tanto en los clásicos como en los modernos. Pero es quizás mejor conocida por haber sido uno de los miembros principales del "synthpop" mitica banda de Art of Noise. También actua como arreglísta y componiendo nueva música adicional.

  Y en esta historia épica mostrándonos 24 temas, románticos y épicos, de entre los que sobresalen "Young Tristan", "Isolde’s Dream" y "None Can Die". Añade además dos canciones de otros autores: "Dark Moon", "High Tide" (Afro Celt System) y "Plainsong" (Boian Gulland).

  La fotografía corrió a cargo de Arthur Reinhart, "Cuervos" ("Wrony"-1994). Un montador y productor nacido en Polonia. Primero estudió dirección en la Escuela de Lodz, pero después de un año cambió de curso para aprender cinematografía donde se graduó en 1992. En el inicio de su actividad, trabajó principalmente en documentales y cortometrajes. Después trabajó con Jacek Petrycki en "Marcel Lozinsky" una película de 89 mm, y fue nominado a los Oscar como Mejor Documental. En 1994 trabajó por primera vez con el director Dorota Kedzierzawska con la ya mencionada peícula "Wrony".

  Y en esta historia de guerreos y princesas de leyenda, acentuando la espectacularidad con imágenes imponentes de la costa irlandesa y de los bosques checos, con unos encuadres y planos de buen dibujo, generosos movimientos de cámara y una ambientación convincente (arquitecturas y vestuario). Las escenas de batalla presentan una ligera aceleración al servicio del efectísmo.

  Excelentes todos los actores comenzando por James Franco, "127 horas" ("127 Hours"-2010) como Tristán y seguido por Sophia Myles, "Mister Foe" ("Hallam Foe"-2007) como Isolda. Pero también por aquellas batallas andaban el aquí magnífico Rufus Sewell, "Londres: Distrito criminal" ("All Tinghs to All Men"-2013) como Jamie; David O’Hara, "Hotel Rwanda"-2004) como Donnehadh, el padre de Isolda; Mark Sotong, "El topo" ("Tunker Tailor Solder Spy"-2011) como Wictred.

  Resumiendo: Una película que fracasó en Estados Unidos a pesar del elevado coste de producción, pero quien la vea disfrutará de una historia-leyenda, llena de sentimientos y nobles ideales que trinfan, y supondrá un descanso para la vista y la razón, pues exige mucha reflexión ni esconde trampa ni cartón en su desarrollo.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: En la película aparecen algunos castillos que en aquella época no existían como el castillo de Dulunce o el de Tantallon.

  Existe otra versión de esta película con el titulo de "Tristan e Isolda" ("Lovespell") realizada en 1981 por Tom Donovan e interpretada por Richard Burton y Kate Mulgrey.

El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein - 1974)

             En recuerdo de: Gene Wilder

  "No pretendo molestar, pero soy bastante buen cirujano y... tal vez podría liberarle de su problema.

  ¿Cual problema?

  Ya sabe... la joroba

  ¿Qué joroba?

  Sobresaliente película de comedia cómica y para muchos la mejor de su autor.

  La película está basada en personajes de la novela "Frankenstein" (1818), de Mary W. Shelley. Una famosa escritora nacida en Londres. Pero hasta la década de 1970 fue donde principalmente se la reconoció a nivel mundial por sus esfuerzos para publicar las obras de Percy Shelley y precisamente por su novela "Frankenstein".

  El guión corrió a cargo por su director Mel Brooks y ayudado por el protagonísta masculino es decir por Gene Wilder.

  "El jovencito Frankenstein" como digo estuvo dirigida por Mel Brooks. Un cineasta nacido en Nueva York y un hombre que demostró que es posible realizar un humor loco de calidad. Debutó en la comedia trabajando como guionísta en "Your Show Of Shows"-1950 para la televisión. Pronto comenzaría a colaborar con el guionísta y comediante Carl Reiner con el que formaría un dúo cómico. Su primera película como director  "Los productores" ("The Producers"-1967) le presentó como un autor politicamente incorrecto.

  Brooks alcanzó su apogeo como director a mediados de los años setenta con dos parodias casi perfectas, "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974) y "Sillas de montar calientes" ("Blazing Saddles"-1974). La primera, que retoma la historia del mítico científico y su monstruosa creación, es una referencia a las películas de terror de la Universal Studios. La segunda, protagonizada como la anterior por  Gene Wilder, es una divertida aproximación al western. Ambas están llenas de humor étnico y estereotipos raciales, pero Brooks demostró que esos temas tabues ya podían ser tratados.

  Por desgracia Brooks, comenzó a decaer como cineasta, "Máxima ansiedad" ("High Ansiety"-1977), una parodia de Alfred Hitchcock, era una burda imitación de sus producciones, mientras,  que "La loca historia del mundo" ("History of the World"- 1981) parecía dispersa. De hecho, durante varios años Brooks se centró en la producción, con varios dramas como "El hombre elefante" ("The Elephant Man" - 1980) de David Lynch, y "La mosca" ("The Fly"-1986), de David Connenberg. Volvió  a colocarse tras la cámara en "La loca historia de las galaxias" ("Spaceballs"-1987). Las siguientes películas "¡Que asco de vida!" ("Life Sitinks"-1991), "Las locas aventuras de Robin Hood" ("Robin Hood: Men in Tights"-1993) y "Drácula, un muerto muy contento y feliz" ("Dracula: Dead and Loving It"-1995), no valían mucho. Sin embargo su adaptación teatral musical "Los productores"-2001 fue muy aclamada en Broadway.

  Muy buena película de género de comedia, si señor. Una película que en su momento consiguió un enorme éxito de público, y en donde el vigor cómico se conserva en gran medida, especialmente entre el público aficionado al cine clásico (1930-1960). Entre sus virtudes perdurables se pueden citar la efectividad de las combinaciones de elementos contrarios (ternura y fuerza bruta, ciencia y pasiones compulsivas, lirísmo y terror...), el uso de referencias mitómanas (peinado de la novia de Frankenstein), la generalización de defectos y diferencias personales (nadie pronuncia bien el nombre de un personaje), etc.

  El desarrollo de la película pues, se apoya en la parodia que se establece de las películas de la Universal de los años 30 y, por extensión, del género de terror en general. Hay muchos lances de humor negro, expresiones ingeniosas, sátira, ironía, juegos de palabras, equívocos, confusiones y malentendidos, etc. Se incluyen escenas memorables, como la de la canción a ritmo de vals que cantan y bailan dos de los personajes principales. Los gorgoritos que acompañan los extásis de amor parodian los números musicales de las películas de Jeanette McDonald, "El desfile del amor" ("The Love Parade"-1929), "Amame esta noche" ("Love Me Tonight"-1932)...

  La banda sonora de John Morris, "La mujer de rojo" ("The Woman in Red"-1984). Un compositor nacido en Nueva Jersey. Un hombre muy vinculado con las películas de Mel Brooks. Y aquí rindiendo un homenaje de admiración al antiguo cine de terror. El tema que da origen al título de la película, "Young Frankenstein", es lírico, emotivo, facilmente identificable y muy pegadizo. La película consta de catorce temas, algunos muy gratos como por ejemplo: "Wedding Night".

  La fotografía en blanco y negro es obra de Gerald Hirschfeld, "Punto límite" ("Fail - Safe"-1964). Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en 1945 fotografiando documentales y en 1951 dió el salto al largometraje. También trabajó para la televisión desde 1973 hasta 1994 después de esto volvió al cine. Es miembro de la ASC. Y en esta sobresaliente parodia del cine de terror evocando con gracia, conocimiento de causa y entrañable nostalgia, la visualidad del cine clásico de terror.

  Estupendos todos los actores comenzando por Gene Wilder, "Terrorífica luna de miel" ("Haunted Honeymoon"-1986) haciendo de profesor Frankenstein. Y seguido por un genial Marty Feldman, "Mi bello legionario" ("The Last Remake of Beau Geste"-1977) metido en el descacharrante cuerpo de Igor "el jorobado?"; y Peter Boyle, "Un gato del FBI" ("Taht Darn Cat"-1997) como el monstruo; y Tery Garr, "Tootsie"-1982, dando vida a Inga, y atención a un desconocido Gene Hackman, "Poder absoluto" ("Absolute Power"-1997) en el papel de Blindman "el ciego" (acojonante la escena entre él y el monstruo).

  En definitiva: Una película muy inteligente donde todos los procedimientos cómicos funcionan a la perfección tanto en el plano verbal como en el visual. Una película que es toda una parodia del cine clásico de terror.  Sobresaliente.

  "El jovencito Frankenstein"  estuvo nominada en 1974 en los apartados de mejor guión adaptado y sonido.

  Como curiosidad para el diseño de los laboratorios se utilizaron parte de las piezas originales de la película "Frankenstein" original de los años 30.

 

Soy un fugitivo (Am a Fugitive a Chain Gang - 1932)

  Allen: ¿Te importa que nod quedemos aquí un momento...o tienes que marcharte a casa?

  Helen: No tengo ningún deber en mi vida. Soy libre, soy jóven...tengo veinte y un años.

  Allen: Eres afortunada.

  Helen: ¿Por qué?

  Allen: Bueno, puedes ir donde quieras, hacer lo que quieras...

  Helen: ¿Tú no?

  Allen: Si... y no.

  Helen: Eres una persona extraña. Necesitarías que alguién te sacara de tu insimismamiento.

  Allen: ¿Estás pidiendo ese trabajo?

  Helen: Podría considerarlo.

  Allen: Estás contratada.

  Helen: ¿Cuando empiezo?

  Allen: Empezaste hace ya varias horas.

  Obra maestra del cine negro y una película cumbre sobre el tema carcelario, basada en el relato autobiográfico de Robert E. Burns. Un veterano de la I Guerra Mundial que ganó notoriedad después de escapar de una prisión de Georgía y escribir sus memorias, exponiendo la crueldad y la injusticia del sistema penitenciario en las cárceles del Sur de Estados Unidos.

  El guión lo escribió, o mejor dicho lo escribieron Howard J. Green, "Gloria de un dia" ("Morning Glory"-1933). Un novelísta nacido en San Francisco. Sus comienzos fueron en el cine mudo concretamente con la película "El hermanito" ("The Kid Brother"-1927) protagonizada por Harold Lloyd.

  Y por Brown Holmes, "El regreso de la forastera" ("The Stranger’s Return"-1933). Un guionísta nacido en Ohio y en donde traabajó para varios estudios de Hollywood durante los años 30 y 40 logrando un gran prestigio durante todo ese periodo de tiempo.

  "Soy un fugitivo" está dirigida por Mervyn LeRoy. Un cineasta nacido en San Francisco. La infancia de LeRoy fue bastante dificil. Dejó el colegio a los doce años, empezó a trabajar en el vodevil y en 1919 decidió probar suerte en Hollywood. animado por su primo, encontró empleo en el departamento de vestuario de Famous Players-Lasky.

  Después de aparecer ante la cámara en papeles cortos de películas ligeras, LeRoy dedicó su talento a escribir gags y trabajó en una serie de comedias y melodramas populares. En 1930 debutó como director en la Warner Bros en el duro drama "Hampa dorada" ("Little Caesar"-1931) que lanzó al estrellato al actor Edward G. Robinson e inició el ciclo de películas de ganster de principio de los años treinta.

  En 1931, LeRoy era ya uno de los principales directores de la Warner, especializado en el brutal realísmo de la Gran Depresión, con películas como "Sed de escándalo" ("Five Star Final"-1931) y la que tal vez sea su mejor obra como director "Soy un fugitivo" ("Am a Fugitive From a Chain Gang"-1932), que incluía una dura denuncia de las condiciones existentes en las prisiones del sur de Estados Unidos. Dirigió las partes dramáticas de "Vampiresas 1933" ("Gold Diggers of 1933"-1933) y demostró su gusto por la farsa en la estrepitosa comedia "Ana la del remolcador" ("Tugboat Annie"-1933).

  LeRoy dejó la Warner en 1938 para pasar a la MGM, donde actuó ´más como productor, pero volvió con el drama criminal en "Senda prohibida" ("Johnny Eager"-1942), la biografíca "Madame Curie"-1943 y la patriótica Treinta segundos sobre Tokio" ("Thirty Seconds over Tokyo"-1944). En los años cincuenta se pasó a las grandes producciones con "Quo Vadis"-1951. Nunca perdió de vista lo que el público quería encontrar en las películas. Si sus últimos titulos parecen algo flojos, lo compensó sobradamente con sus primeros dramas sociales, que siguen siendo fascinantes ejemplos del primer cine sonoro de Hollywood.

  La trama nos mete en la vida de James Allen que después de volver del frente tras luchar en la I Guerra Mundial, no es el mismo hombre de antes, la guerra le ha cambiado, ha estudiado ingeniería y no quiere volver a la rutina de su antiguo trabajo de oficina. Asi, recorrerá el pais buscando otro trabajo, pero sin demasiada suerte. Accidentalmente, se verá involucrado en un atraco enn el que muere una persona...

  Una obra maestra, del cine de su género, si señor. Una auténtica maravilla, todo un ejemplo de concisión, de aprovechamiento cinematográfico del tiempo (todo ocurre en 90 minutos) y también es una película de denuncia, no en vano, contribuyó a la reforma del sistema carcelario y de la abolición de los "chain gang" (cárceles donde los presos se encontraban  encadenados permanentemente), y LeRoy tampoco se cortó a la hora de criticar la miseria moral de los jueces, que imponían condenas de manera arbitraria.

  Magnífica la fotografía en blanco y negro llevada a cabo por Sol Polito, "La calle 42" ("42nd Street"-1933). Un afamado director fotográfico nacido en Palermo (Italia). Emigró a los Estados Unidos a una edad muy temprana instalándose en Nueva York. En 1919 se trasladó a Los Angeles para continuar su carrera en la Warner Bross. Allí trabajó en más de un centenar de películas.

  Y en esta joya del cine (injustamente olvidada) mostrándonos unas magníficas imágenes con influencia expresionísta. Para las escenas de interiores usó los platós de la Warner y la de los exteriores fueron rodadas en su mayoría en el estado de Georgía.

  La banda sonora estuvo dirigida por Leo F. Forbstein, "La soga" ("Rope"-1948). Un director musical de cine y de orquesta nacido en San Louis. De niño ya se sintió atraido por la música, aprendiendo violín a los cuatro años. Como director de orquesta en el Teatro Real de San José, sincronizó la música con la acción de las películas mudas. En 1920 se trasladó a Hollywood donde firmó por la Warner convirtiéndose en director general de la empresa.

  Y en este retrato desolador de la injusticia, ofreciéndonos unos temas excepcionales y dando más emoción y tensión narrativa a esta obra maestra.

  Soberbio Paul Muni, "Canción inolvidable" ("A Song to Remember"-1944) metido hasta el infinito en el cuerpo y en el alma de James Allen, un condecorado oficial que tras acabar la guerra, vuelve a su pueblo, y por un mal entendido es condenado a diez años de prisión. Y con el gran Muni nos encontramos a Glenda Farrell, "La muchacha del trapecio rojo" (The Girl in the Red Velvet Swing"-1955) dando vida a Marie; Helen Vinson, "Dos mujeres y un amor" ("In Name Only"-1939) como Hellen; Preston Foster, "Guadalcanal Diary"-1943) en el papel de Pete; Noel Francis, "En mala compañía" ("Good Dame"-1934) haciéndo de Linda.

  Resumiendo: Una película de las mejores de la historia del cine, que desconozco la razón o las razones por la que está injustamente olvidada. Una película cien por cien recomendable.   Matrícula de Honor.

  "Soy un fugitivo" obtuvo tres nominaciones en 1933: Mejor película, actor (Paul Muni) y sonido (Nathan Levinson). El Oscar al mejor actor recayó en Charles Laughton por "La vida privada de Enrique VIII" ("The Private of Enry VIII").

  Como curiosidad, y gracias al éxito de la película, la Warner estrenó aquel mismo año otro gran éxito del género, 20.000 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sin Sing") protagonizada por Spencer Tracy y Bette Davis.

 

 

Hasta siempre!!!

                 Gene Wilder

          El cómico de la eterna sonrisa

  El dia 29 de agosto a los 83 años de edad falleció en su casa de Stamford (Connecticut) el actor Gene Wilder a consecuencia de las complicaciones derivadas del alzheimer que padecía desde hacía tiempo.

  Nacido en Milwauke era hijo de una familia de inmigrantes judios rusos, Wilder estudió interpretación en la Universidad de Iowa, donde fue miembro de la Facultad de Alpha Epsilon Pi. Se graduó en 1955 y después sirvió en el Ejército de los Estados Unidos desde 1956 hasta 1958. Allí sirvió cómo paramédico en el Departamento de Psquiatría y Neurológia del Valley Forge Amy Hospital en Phoenikville (Pensilvania).

  Posteriormente, Wilder trabajó en el teatro además de ser conductor de limusinas y maestro de esgrima. Su carrera como actor se formentó en algunas producciones del off-Broadway como "The Complaisant Lover y Roots"-1961, por lo que recibió los galardones Clarence Derwent. En 1964, tuvo la oportunidad de ser elegido para interpretar "Mother Courage Her Chidren" junto a Anne Bancroft. A la actriz le gustó Wilder y habló de él a su esposo el cineasta Mel Brooks.

  El debut en la gran pantalla de Wider fue con "Bonnie y Clyde"-1967 de Arthur Penn. Después hizo de Leo Bloom en "Los productores" ("The Producers"-1967) junto con Zero Mostel, y de Willy Wonka en "Un mundo de fantasía" ("Willy Wonka and the Chocolate Factory"-1971) y del doctor Frankenstein en "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974).

  A finales de la década de 1970 y en los años 80, apareció en cuatro películas junto con Richard Pryor, en la que fue una de las parejas cómicas interraciales más famosas de la historia del cine. Actuaron juntos en "El expreso de Chicago" ("Silver Streak"-1976), "Locos de remate" ("Stir Crazy"-1980) (" "No me chilles, que no te veo" ("See No Evil, Hear No Evil"-1989), "No me mientas que te creo" ("Another You"-1991).

  En 1982 Wilder protagonizó "Hanky Panky", donde conoció a Gilda Radner y con la que se casó en 1984, una relación que se mantuvo hasta el fallecimiento de la actriz (a causa de un cáncer de ovarios) en 1989. Su muerte afectó a Wilder, quien fundó la asociación Gilda’s Club en su menoria y junto a Karen Boyer se convirtió en uno de los mayores activistas de la concienciación del cáncer de ovarios. En 1998 Wilder publicó el libro "Gilda’s Disease", donde explicaba sus experiencias junto a su tercera esposa. Un año después se retiró del cine para dedicarse a las actividades humanitarias.

  En 2005, publicó sus memorias bajo el nombre de "Kiss Me Like A Stranger" y en 2007 hizo lo mismo con su primera novela, centrada en la Primera Guerra Mundial, bajo el título "My French Whore".

  Jerame Siberman (Gene Wilder) - Milwauke (Wiscosin) - 11 - junio - 1933 - Stamford (Connecticut) - 29 - agosto - 2016

                                      ¡DESCANSE EN PAZ!

Ser o no ser (To Be or Not to Be - 1942)

  "¿Por qué no interrogamos a la gente antes de fusilarla?"

  Obra maestra del género de comedia ambientada durante la II Guerra Mundial.

  Una pelicula considerada como la obra cumbre de su director y, basada en una novela de Melchior Lengyel. Un escritor y guionísta nacido en Hungria pero nacionalizado estadounidense. En 1937 comenzó a trabajar en Hollywood como guionísta, y allí estuvo hasta 1960 que se trasladó a Italia. En 1974 recibió el Gran Premio de Roma.

  El guión le fue encargado a Edwin Justus Mayer, "El burlador de Florencia" ("The Affair of Cellini"-1934). Un escritor nacido en Nueva York. Un hombre con muchos guiones en su haber. Escribió los guiones para cerca de 50 películas entre 1927 y 1958.

  "Ser o no ser" está dirigida por Ernst Lubitsch. un director nacido en Berlín. Lubitsch emigró como muchos de sus compatriotas a Estados Unidos donde alcanzó un gran prestigio en el cine mudo, aportando un toque de romanticísmo de la vieja Europa a sus comedias de Hollywood, sazonadas con una sofisticación decididamente europea. Así, cuando Claudette Colbert es alzada por Gary Cooper en "La octava mujer de Barba Azul" ("Bluebeard’s Eight Wife"-1938), los pies levantados llevan una serie de dobles sentidos, que se suman a la risa traviesa de una mujer de mundo que sabe exactamente lo que quiere.

  Los personajes de Lubitsch siempre inician sus amores perfectamente conscientes de los riesgos de una relación y de su carácter fugaz. El esquema de estas pasiones urbanas es "Un ladrón en mi alcoba" ("Trouble in Paradise"-1932), la historia de una relación entre dos ladrones americanos y una heredera francesa. Es significativa la escena de seducción entre Miriam Hopkins y Herbert Marshall, donde ella se hace pasar por condesa y él por barón. Al final de la velada se dan cuenta de que han pasado la mayor parte de la noche vaciando los bolsillos del otro, lo que demuestra que están hechos el uno para el otro: los dos son timadores en acción.

  Las películas de Lubitsch se caracterizan por su estilo visual elegante y sin fisuras. A pesar de ello, se las arregla para equilibrar lo serio con lo absurdo. Hay que ver por ejemplo, la delirantemente refinada escena romántica con champán de "Ninotchka"-1939, donde Greta Garbo interpretaba a una luminosa heroína (en realidad, una emisaria comunísta enviada desde Rusia para vender joyas confiscadas en provecho del Gobierno) cuyos favores trata de conseguir un playboy utilizando la suntuosidad parisina.

  Lubitsch se arriesga a aparecer sentimental pero el público suplica más. ¿Quién puede negar el conmovedor impacto que provoca el sombrerito por el que Ninotchka suspira, que se refleja en su rostro y en las palpitaciones de su corazón cuando se lo pone?. Y el ejemplar de "Ana Karenina"-1935 con un clavel rojo dentro quedará para siempre como símbolo del individuo tenaz y animoso que trarta de expresar su romanticísmo.

  La acción tiene lugar en Varsovia (Polonia), entre agosto de 1939 y diciembre de 1941, desde unos dias antes de la invasión nazi del pais hasta pocos dias de la incorporación de Estados Unidos a la II Guerra Mundial (8-XII-1941). Y en el teatro Polski de Varsovia, actúa la compañia estable dirigida por Dobosh, que representa "Hamlet" de Shakespeare, y prepara el estreno, previsto para el dia 31 de agosto de 1939 de "Gestapo", una sátira antinazi, que es prohibida por las autoridades polacas. Deciden entonces prolongar la representación de "Hamlet".

  Joseph Tura es el primer actor y Maria, su esposa, es la primera actriz. Stanislau Sobinski es un joven piloto militar. El profesor Alexander Siletsky colabora con los nazis como espia. El coronel Ehrhardt es el jefe militar de la ciudad. Joseph es vanidoso, celoso e inseguro. Maria es joven, atractiva, voluptuosa, voluble y coqueta...

  La película pues, suma comedia, drama y guerra. Es, a la vez, una comedia negra, romántica, de espionaje y de enredos y malentendidos. Su estilo es elegante, sofisticado y refinado, como le gusta al director. Hace uso de la ironía, la gracia, el ingenio, las sutilezas y el sarcasmo, en un contexto de insuperable elegancia. Despliega una sátira antinazi corrosiva y demoledora. Parodia a Hitler, el militarísmo, la obediencia ciega, etc.

  Se burla de los nazis, que presenta como hipócritas, brutales, cobardes y estúpidos. El ritmo pues, es trpidante, de la acción se apoya en un extraordinario pulso narrativo. La acción es compleja, incorpora muchos personajes y hace uso de numerosas interrelaciones. Las secuencias están muy elaboradas. Y el relato es claro, asequible y muy divertido.

  Lubitsch pues, se sirve de recursos propios de vodevil, como disfraces, malentendidos, suplantaciones de personalidad, confusiones, expresiones de doble y triple sentido, etc. Y echa mano en las primeras secuencias de una guerra de sexos entre un marido inseguro y de pocas luces y una mujer desenvuelta, audaz, lista, decidida y dispuesta a gozar de las ventajas de un amor triangular.

  Cuenta como es de esperar con escenas memorables: la del encierro del profesor Siletsky (falso o verdadero) con el cadáver del profesor Siletsky (verdadero o falso), las órdenes del coronel al capitán Schltz (Victor), la conversación de Joseph, Maria y su amante, la mascarada colectiva para salvar a Maria y al joven piloto, el sacrificio de unos cómicos para rescatar la lista de miembros de la Resistencia y de sus familiares, etc.

  La película se refiere a las conexiones entre teatro y realidad, etc. Habla de amor, sexo, hipocresía, traición, doble moral, opresión, tiranía, lucha por la libertad, etc. Y analiza los celos artísticos y sentimenales. Muestra la fuerza fisica y moral que extraen del ser humano los instintos de supervivencia. Elogia a la gente del teatro y, por extensión, del cine. Muestra los extremos de heroísmo y generosidad a lo que son capaces de llegar el ser humano, cuando se comporta mal.

  El título hace referencia al conocido soliloquio de "Hamlet". Hace referencia a la situación desesperada de los protagonístas que con sus audacias patrióticas se la juegan a vida o muerte (ser o no ser). Hace referencia a la inexistencia de espacios neutrales entre los patriotas polacos y los nazis: se es patriota o traidor.

  La banda sonora corrió a cargo de Werner R. Heymann, "El congreso se divierte" ("Der Kongress tanst"-1931). Un compositor nacido en Konigsberg (Alemania) y considerado como uno de los creadores musicales más importantes de la República de Weimar. Su trabajo como compositor es muy extenso. Incluyen zarzuelas, obras de teatro, música de películas, música de cabaret y hasta pop  y comedias.

  Y en esta obra maestra de su género componiendo una partitura orquestal con abundancia de viento y metal. Combina pasajes dramáticos, de tensión, jocosos y triunfales. Añade como música adaptada una versión orquestal de "Polonesa" de Chopin, sobre los títulos de crédito iniciales, y el canto de "German National Anthem" de Haydn, a cargo de un coro de militares alemanes.

  La fotografía fue dirigida por Rudolph Maté, "El caballero del Mississippi" ("The Mississippi Gambler"-1953). Un cineasta nacido en Cracovia (Polonia). Después de matricularse en la Universidad de Budapest viajó a Francia donde trabajó durante varios años. En 1953 viajó a Estados Unidos donde se nacionalizó estadounidense  y allí fue reconocido como un importante director de fotografía participando en la producción de múltiples proyectos fílmicos de gran nombre por aquella época. Su gran experiencia adquirida durante la producción de tantos filmes le proporcionó la confianza para dirigir completamente y rodar películas con regularidad a sus cincuenta años.

  Y en este telón cómico caido sobre el drama polaco, sirviéndose de caústicas proyecciones de sombras, ambientes expresionístas, y una iluminación que imita la del teatro (luces pobres y focos aislados) además de numerosos lances visuales de humor e ironía.

  Gran reparto de actores encabezados por la bellísima Carole Lombard, "Matrimonio original" ("Mr. and Mrs. Smith"-1941) en el papel de Maria Tura, y seguida muy de cerca por Jack Benny, "Un tenorio improvisado" ("Man About Town"-1939) como Jooseph el esposo de Maria; Robert Stack, "Sombra enamorada" ("The Gift of Love"-1958) como Sobinski el joven piloto; Stanley Ridgers, "Puente de mando" ("Task Force"-1949) metido en el cuerpo del profesor Siletsky; Felix Bressart, "Nace una canción" ("A Song is Born"-1948) haciendo de Greenberg; Lionel Atwill, "La mansión de Drácula" ("House of Dracula"-1945) como Rawitch. Y bueno una lista interminable de grandes y estupendos profesionales.

  En definitiva: Una película sencillamente magistral. Una de las mejores comedias de todos los tiempos. Una película imprescindible.  Matrícula de Honor.

  "Ser o no ser" estuvo nominada al Oscar a la Mejor banda sonora.

  Como triste anécdota: Carole Lombard no pudo asistir al estreno de la película. Falleció dos meses antes en un accidente aéreo cuando contaba 33 años de edad, estaba participando en una acción de apoyo a la venta de bonos de guerra.