Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful - 1952)

          En Recuerdo de: Kirk Douglas

  James Lee, tienes una mente muy traviesa... Me alegra decirlo.

  Extraordinaria y a la vez asfixiante película de género melodramático del cine dentro del cine y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de George Bradshaw. Un escritor y periodísta nacido en Virginia. Se graduó en la Universidad de Princenton en 1930. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en las Fuerzas Aéreas norteamericanas. Escribió más de 150 historias cortas para varias revistas como por ejemplo: Vogue y Cosmopolitan entre otras. Varias de ellas adaptadas para el cine.

  El guión corrió a cargo de Charles Schnee. Un escritor nacido en Connecticut. Se licenció en derecho pero lo abandonó para convertirse en guionísta a mediados de la década de 1940. Llegó a Hollywood en 1945 y su primer guión fue para la película "De hoy en adelante" ("From This Day Forward"-1946) interpretada por Joan Fontaine, a la que siguió "Cross My Heart"-1946, ambas para la Paramount. Más tarde se pasó a RKO para trabajar a las órdenes de Nicholas Ray en "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Un año más tarde la MGM solicitó de sus servicios para escribir tres películas: "Escena de un crimen" ("Scene of the Crime-1949), "Amargo desquite" ("Paid  in Full"-1950) y "Cruce de derecho" ("Right Cross"-1950) de John Sturges. Después de pasar una larga temporada con la MGM y cosechar múltiples premios se convirtió definitivamente en productor independiente.

  "Cautivos del mal" está dirigida por Vincente Minnelli. Un director (apodado el padre del musical) nacido en Chicago. Antes de convertirse en director de decorados y de vestuario, y luego en director en Broadway, Vincente Minnelli tuvo una experiencia temprana como actor infantil. El famoso productor de musicales Arthur Fred le llevó a Hollywood. Tras dirigir varios números musicales en algunas películas de Busby Berkeley, Minnelli debutó como director en la película "Una cabaña en el cielo" ("Cabin in the Sky"-1943).

  Su talento como creador de espectáculos elegantes y director de actores se hizo evidente en "Cita en San Luis" ("Meet Me in St. Louis"-1944), con Judy Garland. En 1945 se casó con Judy, la primera de sus cuatro esposas, y de este matrimonio nacería en 1946 la cantante y actriz Liza Minnelli. Siguieron algunos musicales más, entre ellos "El pirata" ("The Pirate"-1948), donde también participaba Judy Garland, y el innovador "Un americano en Paris" ("An American in Paris-1951). En este último hizo su debut cinematográfico Leslie Caron, y también trabajó Gene Kelly que estaba en el mejor momento de su carrera. Su obra destacó por su belleza visual, según sus propias palabras: "Lo que se busca en las películas, lo que se intenta crear, es un poco de magia."

  Aunque Minnelli siguió dirigiendo musicales mágicos como "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953), con Fred Astaire y "Gigi"-1958 con Leslie Caron y Maurice Chevalier, cada vez se inclinaba más por la comedia, con películas como "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), y por los melodramas como "Cautivos del mal" (The Bad and thr Beautiful"-1952), donde Kirk Douglas interpreta a un productor hollywoodiense melagómeno. Los dramas de este periodo igual de memorables, conservan su estilo personal unido a un trabajo de cámara fluido y a un elegante diseño. Entre ellos están "La tela de araña" ("Cobweb"-1955), un drama médico con un elenco estelar; "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), con Kirk Douglas, en el papel de Vincent van Gogh y "Con él llegó el escándalo" ("Home from the Hill"-1960), con Robrt Mitchum. Su último trabajo fue con la película "Nina"-1976, protagonizada por su hija Liza Minnelli e Ingrid Bergman.

  Asi pues, Minnelli nos lleva hasta Hollywood y alrededores. Y en donde el antiguo productor Jonathan Shields, inactivo durante los últimos años, se pone en contacto con cuatro de sus antiguos colaboradores: Georgia Lorrison, actriz sofisticada; Fred Amsel, director de éxito; James Lee Bartlow, guionísta prestigioso, galardonado recientemente con el Pulitzer, y el productor ejecutivo Harry Pebbel. Este cita a los tres en su despacho y  trata de convencerles para que acepten la invitación de Shields de participar en una nueva película. Jonathan es un hombre autoritario, despótico, desconsiderado, egoísta, despiadado y traicionero. Ambicioso, megalómano y manipulador, carece de escrúpulos y de ética. No tiene amigos...

  La película suma drama y romance. Presenta una visión ácida y critica de la industria cinematográfica y del mundo del cine hecha desde dentro. Se ha dicho que es la mejor película de Hollywood sobre Hollywood. En todo caso es una buenísima película, una gran película que trata de un tema de gran interés cinéfilo. El titulo original, "The Bad and the Beautiful" hace referencia al productor Shields (el malo) y la esplendorosa protagonísta femenina (la bella). Evoca el mito de la bella y la bestia. El titulo provisional ("working tittle"), que coincide con el relato breve, "Tribute to Bad Man", pone el acento en la malicia, la malignidad, la maldad y perversidad del protagonísta, que constituye el foco de atención del relato.

  La narración desarrolla una historia de intenso dramatismo, que Minnelli dota de tonos vivos y trazos profundos. Añade episodios singulares que aportan impactos dramáticos sorprendentes y de gran fuerza (súbito lanzamiento de la chica llevada en brazos a la piscina). Varios de estos episodios el director los muestra en imágenes, de acuerdo a sus preferencias por la visualidad. La experiencia teatral le permite crear un juego escénico brillante, del que extrae recursos que intensifican la fuerza dramática. Minnelli, construye un drama profundo y vigoroso, de acertadas atmósferas, que es una de las cimas de su filmografía.

  La estructura narrativa se basa en el uso de flashbacks para recordar hechos del pasado desde perspectivas diversas. El texto contiene citas, expresiones y afirmaciones puestas en boca de los personajes, llenas de pesimismo y desesperanza, como: "El amor es cosa de chiquillos", "El amor sólo existe en los sueños". Bajo la lectura directa, el relato contiene un amplio repertorio de referencias a personas del mundo de Hollywood, que dan textura y emoción al texto. La figura del productor se inspira en David O. Selznick, con rasgos de Irving Thalberg y Darryl F. Zanuck. Añade referencias a Val Lawton, Orson Welles, Raymond Chandler y a otros.

  El director Fred Amiel y su ayudante Miss March se inspiran en Alfred Hitchcock y su esposa Alma Reville. Georgia Lorrison suma ecos de Diana Barrymore y Judy Garland, ex-esposa de Minnelli. El padre de Georgia recuerda a John Barrymore. Hay más similitudes y coincidencias. La combinación de dramatismo y experiencias caricaturescas a personajes famosos del cine, confieren a la obra una frescura y una intensidad que el director aprovecha con maestria y óptimos resultados. El salpicado de humor incluye referencias hilarantes al cine de serie B, al cine de monstruos, al cine de terror, a los westerns de bajo presupuesto, a las superproducciones mejicanas ("The Faredey Mountain"), a los dramones rodados en 10 dias, etc. Denuncia el culto a las falsas experiencias y a las apariencias (ceremonia fúnebre con figurantes de pago), el presumir de poder económico, la hipocresía, el abuso de poder, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raskin. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para el cine y de 300 para la televisión. Fue conocido como "el abuelo de las bandas sonoras". Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin con la película "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936), en colaboración por supuesto con Chaplin. También será recordado por su banda sonora para la oscarizada "Laura"-1944, Johnny Mercer puso la letra. Su último trabajo fue para "El más valiente entre mil" ("Will Penny"-1967) un crepúscular western protagonizado por Charlton Heston.

  Y en esta obra maestra del cine dentro del cine ofreciéndonos una partitura de graves evocaciones trágicas, que envuelven y elevan los recurrentes estallidos de dramatismo. Son notables los cortes "Love The Very Youngs", "The Acting Lesson" y "Nocturno". Como música añadida incorpora dos gratas melodias: "Don’t Blame Me" y "Templation".

  La fotografia en blanco y negro se la debemos a Robert Surtees. Un director de fotografia nacido en Kentucky. Aunque se crió en Ohio, alli consiguió un trabajo como fotógrafo y retocador en un estudio de retratos de Cincinnati. Más tarde se mudó a Nueva York para estudiar fotografía. Con la intención de asistir a la universidad hizo de nuevo las maletas y se mudó a California en 1925 fue alli donde le ofrecieron un trabajo para la Universal estuvo dos años como asistente de Charles Stumor. La primera película como director de fotografía fue "This Precious Freedwon"-1942 una película de propaganda hecha para el ejército estadounidense que sólo se lanzó para el ejército. Poco después se cambió a MGM donde comenzó su largo mandato y produjo su trabajo más notable. Filmó más de 100 películas en su carrera de 50 años incluida la oscarizada "Ben-Hur"-1959.

 

  Y en esta historia de cine en estado puro, aportando un diligente trabajo de cámara y una narración realista, sincera y austera, aderezada con acertados toques de humor visual.

  Inmenso Kirk Douglas, "Brigada 21" ("Detective Story"-1951), metido hasta el alma en el personaje de Jonathan Shields, un tiránico y manipulador productor de cine. Y con él la bellisima Lana Turner, "El cartero siempre llama dos veces" ("The Postman Always Rings Twice"-1946), en el papel de Georgia Lorrison, una sostificada actriz. Seguidos por un estelar reparto de grandes actores (se ha dicho que Minnelli era un director de actores, aqui está la prueba), comenzando por Walter Pidgeon, "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941), como Harry Pebbel, el productor; Dick Powell, "Las tres noches de Susana"("Susan Slep Here"-1954), como James Lee Bartlow, un exitoso escritor; Barry Sullivan, "Esclavos del pecado" (An American Dream"-1966), como Fred Amiel, el director; Gloria Grahame (la gran triunfadora), "Deseos humanos" ("Human Desire"-1954), como Rosemary, la esposa infiel de Bartlow; Gilbert Roland, "La sirena de las aguas verdes" ("Underwater!"-1955), como "Gaucho" el actor principal; Leo G. Carroll, "El premio" ("The Prize"-1963), como Henry Whitfield; Paul Stewart, "La ventana" ("The Window"-1949), como Syd; Kathlen Freeman, "El rastro del asesino" ("The Midnight Story"-1957), como Miss March, la ayudante de Amiel...

  En definitiva: Extraordinario reparto, soberbia dirección, magnífico guión, sobresaliente fotografía, y una ambientación de quitar el hipo. Vamos lo que se dice un cóctel que deja al desnudo lo más intimo de Hollywood... ¿podemos pedir algo más?. Matricula de Honor.

  "Cautivos del mal" logró cinco Oscar en 1952: Actriz secundaria (Gloria Grahame), Guión (Charles Schnee), Fotografia en blanco y negro (Robert Surtess), Dirección artistica (Edward Carfagne, Edwin Willis y Keogh Gleason) y Vestuario en blanco y negro (Hellen Rose).

  Kirk Douglas estuvo nominado al mejor actor. Fue Gary Cooper con "Solo ante el peligro" ("High Noon") quien se hizo con la preciada estatuilla. Pero si Kirk Douglas logró ese año el Globo de Oro al mejor actor (aqui no tuvo rival).

 

 

 

 

Hasta siempre!!!

 

                         KIRK DOUGLAS

                          "El hijo del trapero"

  El pasado 5 de febrero y a la edad de 103 años falleció el mítico Kirk Douglas.

  Hijo de padres campesinos judios procedentes de Chavusy, en la región de Maguilov, en el imperio ruso (actualmente Bielorrusia). El padre  de Kirk, Herschel Danielóvich, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles de Amsterdam, Nueva York, pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un varón, por lo que Kirk Douglas tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendia refrescos y dulces en la calle y también repartió periódicos durante una temporada. Su padre abandonó el hogar familiar cuando Kirk tenia cinco años.

  Kirk Douglas tuvo su primer contacto con el mundo de la actuación en la escuela primaria y en el instituto de educación secundaria (Wilbor Lynch High School), donde ganó una medalla por recitar el poema "Across the Border". En ese tiempo se inició en la oratoria y el debate, uniéndose al equipo del instituto.

  A los 17 años terminó la secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario de dependiente (por aquel entonces trabajaba en unos almacenes) no le alcanzaba para ingresar. Aún asi, Kirk decidió solicitar su admisión en la St. Lawrence University de Nueva York directamente al decano, que le aceptó a cambio de que Kirk trabajase alli como jardinero (posteriormente como bedel) mientras estudiase allí. Kirk estuvo en el St.Lawrence desde 1935 hasta 1939, donde se graduó en letras con el titulo de "Bachelor of Arts" (equivalente al actual grado de Filosofía y Letras).

  En esos cuatro años de universidad, Kirk además destacó en otras actividades, en especial en lucha libre, llegando a se campeón invicto del St.Lawrence y ganador del "Campeonato de lucha libre universitario". Se dedicó también al debate y al teatro, uniéndose a un grupo de teatro de la universidad, The Mummers. Durante un verano participó en un número teatral de una feria, actuando como luchador, como el propio Kirk Douglas describió: "Teniamos un número donde yo era un chico del público que se salía al escenario para enfrentarse al campeón. A efectos interpretativos fue un gran aprendizaje".

  Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. Durante su estanciia allí, Kirk impartía clases de arte dramático a los niños del centro y, durante los veranos, trabajaba en teatros veraniegos como profesional, y fue durante esta época en la que Kirk Douglas adoptó su nombre artístico. Fue también alli, en la Academia Norteamericana de Arte Dramático donde Kirk conoció a Lauren Bacall.

  Kirk Douglas centró entonces su objetivo en los escenarios teatrales de Broadway, donde debutó en 1941 en una obra llamada "Spring Again", protagonizada por sir Charles Aubrey Smith, y en 1942 participó como regidor en la obra "Las tres hermanas de Katherine Cornell". Ese mismo año fue llamado al servicio militar, y se incorporó a la Armada de los Estados Unidos, incorprándose en la escuela de guardiamarinas de la Notre Dame University, donde se graduó como alférez. Acto seguido fue destinado a la Unidad Antisubmarina 1139 en el Océano Pacífico, donde estuvo dos años (1942-1943) como oficial de telecomunicaciones.

  Cuando fue licenciado con honores, volvió a Nueva York y en casa de una amiga hojeó una revista (Life), donde aparecia una hermosa modelo y actriz llamada Diana Dill, con quien además habia coincidido en la American Academy Dramatic Arts, y con quien se casaría el 2 de noviembre de 1943. La pareja tuvo dos hijos: Michael  y Joel. Tras su regreso a Nueva York, Kirk participó en una obra llamada "Kiss and Tell", junto a Joan Claufield, donde sustituyó a Richard Widmark. Posteriormente trabajó en "Trio" de Dorothy Baker, y trabajó también en la radio como intérprete. Pero el debut de Kirk Douglas en el cine se produjo gracias a la ayuda de Lauren Bacall, que recomendó a Kirk  a Hal B. Wallis, productor y cazatalentos de la Paramount. El resultado de esto fue una prueba, junto a Montgomery Clift y Richard Widmark (para los tres sería su primera aparición en el cine), para la pelicula "El extraño amor de Martha Ivers" ("The Strage Love of Martha Ivers"-1946), prueba de la que Kirk salió victorioso, obteniendo el papel de Walter, esposo de la protagonísta Barbara Stanwyck.

  En 1947, Wallis, cedió los derechos de Kirk a la productora RKO para dos películas: "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947) y "A Electra le sienta bien el luto" ("Mouring Becomes Electra"-1947). Después Kirk Douglas pasó a trabajar para la 20th Century Fox, donde debutaría con "Murallas humanas" ("The Walls of Jericho"-1948), y trabajaría para directores como Joseph L. Mankiewicz, en "Carta a tres esposas" ("A Letter to Three Wives"-1949).

  En 1949 su carrera dió un giro cuando interpretó a un boxeador en la película "El idolo de barro" ("Champion"-1949), de Mark Robson, donde por su realísta interpretación fue nominado al Oscar al mejor actor. Kirk había rechazado un papel en "El gran pecador" ("The Gread Sinner"-1949), con Ava Gardner y Gregory Peck ( y un sueldo de 50.000 dólares), para apostar por la producción de Stanley Kramer y Robson. La película ganó un Oscar al mejor montaje, y fue la que sirvió a Kirk Douglas para mostrar, por primera vez, su carácter a la hora de actuar.

  Kirk Douglas se hizo conocido por su temperamental carácter y sus ideas de izquierdas, que le granjearon enemistades dentro de la alta cúpula de Hollywood y frenaron su carrera y reconocimientos justificados. Pero su carácter no sólo le granjeó enemigos, el director Vicente Minnelli dijo que "trabajar con Kirk Douglas en las tres películas que hicimos juntos fue, hasta donde me alcanza la memoria, la colaboración más gratificante y estimulante de mi vida". El mismo director llegó a definir a Kirk Douglas en su faceta profesional: "Kirk Douglas se caracteriza por un vigor y una energia incansable, por su disposición a probarlo todo y por el interés absoluto que le merece su aspecto fisico. Eso de ser el héroe guapo le trae sin cuidado. Su entusiasmo y su entrega al proyecto son contagiosos".

  En 1951, Diana Douglas solicitó el divorcio a Kirk Douglas,  debido a las infidelidades del actor, que tuvo conocidos romances con Pier Angeli, Ann Sothern, Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Gene Tierney, Joan Crawford, Patricia Neal, Mia Farrow y Faye Dunaway, como el propio Kirk escribió en su autobiografía. Además Kirk tuvo romances tras su divorcio con otras, Terry Moore y Debie Reynolds. El 29 de mayo de 1954, Kirk se casó por segunda vez con Anne Mars Buydens, una agente de prensa a quien conoció durante el rodaje de "Acto de amor" ("Act of Love"-1953), y con quien tuvo dos hijos, Peter y Eric.

  En 1954 Kirk participó en la superproducción de Walt Disney "20.000 leguas de viaje submarino" ("20.000 Leagues Under the sea"-1954), por la que ganó 175.000 dólares. Este fue su mayor éxito desde "El idolo de barro". En los años posteriores participó en producciones como "La pradera sin ley" ("Man Without a Star"-1955), de King Vidor y "Hombres temerarios" ("The Racers"-1955), de Henry Hathaway. En 1955 Kirk fundó su propia productora cinematográfica, Bryna, llamada asi en honor a su madre, y realizó su primera pelìcula como productor "Pacto de honor" ("The Indian Fight"-1955) dirigida por André De Toth.

  "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) significó para Kirk Douglas el reconocimiento de la critica al obtener el premio al mejor actor del año del Circulo de Criticos de Nueva York. Catherine de la Roche dijo de Kirk que: "su temperamento formidable, combinado aqui con una gravedad no preceptible en otros trabajos, le permite crear una caracterización llena de autoridad, verdad y momentos de genuina tragedia". Posteriormente  participó en "Duelo de titanes" (Gunfight at the OK Corral"-1957), de John Sturges, compartiendo protagonísmo con Burt Lancaster, dando vida a Doc Holliday.

  Stanley Kubrick se fijó entonces en Kirk para "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), y le ofreció 350.000 dólares, lo que suponía un tercio del presupuesto total del proyecto, Kirk interpretó a un coronel del ejército francés encargado de la defensa en el juicio militar de tres de sus hombres, fue crucial para la realización de la película, dado que Kubrick no encontró estudio dispuesto a financiar la película hasta que Kirk Douglas (junto con su productora Bryna) aceptó su papel en ella.

  En 1958, Bryna produjo y Kirk protagonizó "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), Hal B. Wallis volvió a pensar en él para participar en otro western de John Sturges, "El último tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), dado el previo éxito de "Duelo de titanes". Kirk volvió a la producción con "Espartaco" ("Spartacus"-1960), película que también protagonizó y cuyo presupuesto inicial alcanzó los 12 millones de dólares, obteniendo cuatro premios Oscar, si bien el rodaje atravesó varios problemas y llevó más de un año.

  Kirk Douglas contrató a Dalton Trumbo para la adaptación del libro "Spartacus", de Howard Fast, y consiguió (con la ayuda de Charles Laugton y Lawrence Olivier) que su nombre apareciese en los títulos de crédito, pese al veto al que el guionísta estaba sometido (Trumbo era uno de "Los diez de Hollywood"). Posteriormente Kirk Douglas acudió a la productora United Artists, cuya respuesta fue negativa, pues la productora tenia en proyecto la producción de "The Gladiators", de historia similar. Finalmente, Kirk encontró apoyo en Universal Pictures para la producción de la película.

  La década de los 60 continuó para Kirk con "Un extraño en mi vida" (Strangers When We Meet"-1960), y "El último atardecer" ("The Last  Sunset"-1961), y en la producción de peliculas propias, que no funcionaron muy bien: "Ciudad sin piedad" ("Town Wiyhout Pity"-1961), "Los valientes andan solos" ("Lonely are the Brave"-1962), "Dos semanas en otra ciudad" ("Two Weeks in Another Town"-1962), "Silencio de muerte" ("The Hook"-1963), "Tres herederas" ("For Love or Money"-1963), "El último de la lista" ("The List of Adrian Messenger"-1963) y "Siete dias de mayo" ("Seven Days in May"-1964). En 1963 Kirk Douglas volvió a Broadway para protagonizar "Alguién voló sobre el nido del Cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"), e incluso intentó llevar a cabo una adaptación cinematográfica, aunque no consiguió apoyo, asi que cedió los derechos de la novela a su hijo Michael, cuya posterior versión cinematográfica con Jack Nicholson resultó un éxito en 1975.

  La vuelta de Kirk Douglas a la gran pantalla compartió temática militar con "Primera victoria" ("In Harm’s Way"-1965), "Los héroes de Telemark" ("The Heroes of Telemark"-1965), "La sombra de un gigante" ("Cast a Giant Shadow"-1966) y "¿Arde Paris?" ("Paris brûte-t-il?"-1966). Posteriormente, participó en dos westerns no muy exitosos: "Camino de Oregón" ("The Way West"-1967) con Richard Widmark y Robert Mitchum, y "Ataque al carro blindado" ("The War Wagon"-1967), con John Wayne. Fue en 1969 cuando Kirk Douglas volvió a conseguir la aclamación de la critica, con su papel en "El compromiso" ("The Arrangement"-1969) de Elia Kazan.

  En la década de 1970, el actor participó en proyectos de lo más variado, desde una película financiada por los "jacarrillos" "El gran duelo" ("A Gungight"-1970) hasta una producción yugoslava en la que participó tanto como productor, como actor "Pata de palo" ("Scalawag"-1973). Participó en varios proyectos cinematográficos "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970), "La luz del fin del mundo" ("The Light at the Edge of the World"-1971) y televisivos, entre los que destacó su papel protagonista en "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" de la NBC.

  El actor tocó fondo (en lo que en la critica y recaudación se refiere) con la producción italiana "Holcausto 2000"-1977, y cerró la década con "Cactus Jack" ("The Villian"-1979). En 1980 participó como protagonísta en la última producción de Bryna, "El final de la cuenta atrás" ("The Final Countdown"-1980). Ese mismo año, tras abandonar el rodaje de "Acorralado" ("Rambo: First Blood"-1982), volvería a la escena teatral con su amigo Burt Lancaster, en la obra "The Boys in Autumm", que interpretaron en San Francisco. A partir de 1980, disminuyó su actividad en el cine, si bien ocasionalmente trabajó para directores de renombre como John Landis en "Oscar ¡quita las manos!" ("Oscar"-1991) y Fred Schepisi en "Cosas de familia" ("It Runs in the Family"-2003).

  En 1985, Kirk volvió a formar equipo con Lancaster protagonizando la gala de la entrega de los Oscar, lo que inspiró la película "Otra ciudad otra ley" ("Tough Guys"-1986), que James Orr y James Cruikshank decidieron escribir al ver al duo de actores en el escenario, entregando a ambos los papeles protagonístas. La década de los noventa unicamente reservó a Kirk Douglas cuatro papeles en películas menores, que serian "Bienvenido a Veraz" ("Veraz"-1991), la mencionada "Oscar"-1991, "Greedy"-1994 y "Diamonds"-1999. Su última trabajo para el cine fue con la película de Michael A. Goorjian, "Illusion"-2004.

  Fue candidato al Oscar en tres ocasiones, aunque nunca lo ganó, debido a sus tendencias políticas, sin embargo, fue galardonado en 1996 con un Oscar honorífico por sus más de 50 años de dedicación a la industria del cine.

  Issur Danielovitch Demsky (Kirk Douglas) - Amsterdan, Nueva York (Estados Unidos) - 9-diciembre-1916 - Los Angeles (estados Unidos) - 5 - febrero - 2020.

                                        ¡DESCANSE EN PAZ!

Una estatuilla llamada Oscar (y 3 )

  Y para terminar esta noche aunque no tan mágica  como en años anteriores del cine mundial, algo más sobre esta obra maestra (para mi) del cine de ciencia-ficción.

                           "La filosofía-ficción."

  Extraña, cautivadora, dificil y abierta a múltiples interpretaciones, "2001:Una odisea del espacio" supuso la consagración de Stanley Kubrick como director de culto y le dió al género de ciencia-ficción una nueva dimensión, muy alejada de las clásicas aventuras galácticas de bajo presupuesto. La película presentó ademas importantes adelantos en el terreno de los efectos especiales, de los que pronto se aprovecharon otros cineastas para crear fantasias espectaculares.

  Como le ocurrió en la mayor parte de sus películas, Kubrick vivió obsesionado con el proyecto de esta historia durante varios años. Al director le interesaba mucho todos los asuntos relacionados con la carrera espacial, pero no encontraba ningún componente que le sirviera de disculpa para construir su película. Por eso contactó con Arthur C. Clarke-novelista, astrónomo, fisico y matemático-, para proponerle que trabajaran juntos en el guión de una posible película. Partiendo de un relato de Clarke titulado "El centinela", Kubrick y este escritor pasaron asi ocho meses trabajando en el texto hasta que apareció el guión de "2001: Una odisea del espacio". No fue tarea fácil. De hecho Clarke no quedó en absoluto convencido de la historia final que aprobó Kubrick y, mientras este realizaba su película, escribió su propia novela con el mismo título de la pelicula.

  El cineasta buscaba hacer un trabajo absolutamente experimental que no tuviera nada que ver con la narrativa clásica heredada de la novela y el teatro. "Traté de crear una experiencia visual, que llegase al espectador en el nivel interior de la conciencia, como lo hace la música", explicó más tarde Kubrick.

  "2001: Una odisea del espacio" se rodó en los estudios Shepperton de Londres, Inglaterra, Escocia y Estados Unidos a lo largo de jornadas agotadoras. En su afán de perfeccionísmo, Kubrick implicó en el proyecto a ingenieros de la NASA, a técnicos de IBM y hasta controladores de vuelo. Con un presupuesto superior a los 10 millones de dólares, el director dedicó cuatro meses a completar todas las tomas en las que aparecen actores.

  Posteriormente, durante un año y medio estuvo al frente del de 205 planos que contenian efectos especiales. El mismo estuvo al frente del equipo de efectos, aunque contó con la colaboración de grandes profesionales, como eran Douglas Trumbull y Wally Veevers. Utilizando auténticos diseños de la NASA, se construyeron dos reproduciones de la nave Discovery de 18 metros de longitud y otra de solo 4 metros. Además, se diseñó expresamente para la pelicula un decorado circular de 12 metros de diámetro, que contaba con un mecanísmo similar al de una centrifugadora y que lo hacia girar a una velocidad de 5 km. por hora.

  Las fascinantes imágenes de la película y su pretendida carga intelectual y filosófica sorprendieron de tal forma a los criticos de la época que inmediatamente la calificaron de obra maestra. El público, aunque gran parte no llegó a entender gran cosa, no cuestionó la opinión de los especialístas. La película se convirtió en la obra de ciencia-ficción más importante vista hasta entonces.

  En el año 1984, Peter Hyams, realizó una secuela de la película titulada "2010 Odisea dos" ("2010. The Year We Make Contact"), basada en otro relato de Arthur C. Clarke, que contó con Roy Scheider y John Lithgow como protagonístas y que no, obstante, pasó por la cartelera sin pena ni gloria.

Ua estatuilla llamada Oscar (2)

  Y siguiendo la fiesta anual del cine. Y como en años anteriores comentar una película, y como siempre y a ser posible con algún Oscar en su haber. Este año la película elegida ha sido una historia de ciencia-ficción posiblemente una de las mejores de la historia del cine. Su titulo es...

  2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey-1968)

  "Tengo miedo Dave...mi cabeza se va...siento que se va..."

  La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine de nacionalidad británica y basada en una historia de Arthur C. Clarke. Un escritor y científico nacido en Minehad (Inglaterra). Ya de pequeño mostró su fascinación por la astronomía. Terminado sus estudios secundarios se trasladó  a Londres en 1936. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió como especialísta en radares y una vez acabada la contienda publicó su artículo técnico "Extra-terrestrid Relaya". Este trabajo le valió numeros premios, becas y reconocimiento. En ese periodo estudió matemáticas y fisica en el prestigioso King’s College de Londres.

  Su fama mundial se consolidó con sus intervenciones en la televisión en 1960. Muchos de sus relatos giran alrededor de una trama científica, a la que le gustaba de adornar con un final sorprendente.

  Del guión se hicieron cargo el mismo Arthur y el director de la película Stanley Kubrick.

 

  Stanley Kubrick. Un cineasta de culto nacido en Nueva York. De niño aprendió a jugar al ajedrez, un juego de estrategia, y cuando cumplió trece años recibió una cámara de regalo. Más adelante, su visión del mundo se fue enriqueciendo con la capacidad de reconocer las relaciones dinámicas entre la gente y de representar esas luchas a través de un objetivo.

  Produjo el documental "Flying Padre"-1951 y dirigió otros dos documentales, "Day of the Fight"-1951 y "The  Seafarers"-1953, una película que costó a Kubrick su primer matrimonio. Luego realizó "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), después de las cuales el actor Kirk Douglas le invitó a dirigir "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), sobre la Primera Guerra Mundial.

  La sociedad entre Douglas y Kubrick dió origen a "Espartaco" ("Spartacus"-1960), que se convirtió en un escaparate para el actor y el director, aunque el segundo no se mostró dispuesto a someterse a las presiones de las estrellas. En esta historia del mítico héroe romano, dirigió emocionantes escenas de lucha. Sin embargo las interferencias del estudio en la producción de la obra le enfurecieron tanto que abandonó Hollywood, tras un segundo matrimonio fallido. Después de trasladarse al Reino Unido, Kubrick pasó el resto de su vida en un relativo aislamiento y se volvió cada vez más misterioso y excéntrico.

  Su siguiente película "Lolita"-1962, era una adaptación de la novela de Vladimir Nabakov sobre la pedofilía, luego Kubrick respondió a las tensiones de la Guerra Fria con la comedia negra "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" ("Dr. Strangelove, of How I Learnod to Stop Worrying and Love the Bomb"-1964), que marcaba a la perfección el espiritu de la época y se convirtió en una referencia para el movimiento pacifísta. Su éxito le reportó tres nominaciones al Oscar al mejor guión, dirección y producción y le consolidó como uno de los grandes directores de su generación, un estatus confirmado con el viaje al futuro de "2001: Una odisea en el espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968).

  "La naranja mecánica" ("A Clokwork Orange"-1971), una adaptación de Anthony Borgess sobre un rufián incorregible que empeora con la terapia que sigue, que y continúa siendo una película muy controvertida. Esta película sufrió la censura tanto por lo que representa de forma explícita (violaciones, violencia de grupo y crueldad abyecta) como por lo que sugiere sobre la condición humana.

  La reputación de Kubrick como director riguroso, exigente y perfeccionísta se confirmó con su comportamiento durante el rodaje de "Barry Lyndon"-1975, pelicula encargada como una superproducción de época. Esta obra, donde mostró su tendencia a ejercer un control total de todo el proceso artístico, le proporcionó otras tres nominaciones al Oscar y alimentó el mito de su fuerza creativa. Decir que "El resplandor" ("The  Shining"-1980) es una película de terror es correcto pero incompleto. Esta adaptación de una novela  de Stephen King es en realidad una reflexión sobre el estrellato en la persona de Jack Nicholson. Es una descripción de los efectos de aislamiento en la psique de un hombre con problemas resulta inevitable ver una alegoria del propio director durante los últimos años.

  Kubrick se adentró en la guerra de Vietnam en "La chaqueta metálica" ("Full Metal Jacket"-1987), una expresión de la locura del Primer Mundo ejercida en el Tercer Mundo, y de unos hombres convertidos en autómatas a través del pensamiento grupal y del castigo fisico. La película, que consiguió otra nominación de la Academia al mejor guión, gustó tanto a la critica como al público. El último trabajo de Kubrick "Eyes Wide Shut"-1999), realizado poco antes de su muerte, es un viaje de descubrimiento: desvela un mundo de tensión sexual y moral a través de la aventura de un médico. El público la recibió con frialdad y la critica con dureza por el erotísmo explícito.

  En conjunto, la obra de Kubrick suele ser reflexiva y dificil para el público, pero resulta al mismo tiempo brillante, ya que plantea con fuerza una serie de preguntas sobre la naturaleza humana y su deseo de conseguir un estatus.

  La acción tiene lugar en la Tierra, la Luna y una estación orbital más allá de Júpiter. La narración se refiere a una época de 4 millones de años de antigüedad, a los años 2001 y 2002 y al 2012 (circa). Hace 4 millones de años un primate descubre un arma de combate (el fémur de un animal de envergadura muerto jóven), que le permite cazar, dominar a los suyos, someter a los rivales y asesinar. Los hominidos dejan de ser carroñeros para convertirse en cazadpres. En 2010 una nave espacial tripulada por los astronautas Frak Polle y Dave Bowman, se dirige a la base lunar de Clavius. Un tiempo después (18 meses más tarde) la nave es enviada a Júpiter que rebasa para introducirse en una nueva dimensión...

  La pelícua pues, suma aventuras, misterio y por supuesto ciencia-ficción. La narración se presenta dividida en tres actos, a la manera de obras de teatro clásico. Analiza los hechos trascedentales: el salto de las habilidades manuales a la inteligencia natural, el salto de la inteligencia natural a la artificial y el paso de la tercera dimensión a una nueva dimensión, a la que no da nombre. El relato no se basa ni en delirios fantasiosos, ni en especulaciones de una imaginación gratuita y desbordada. El discurso narrativo se apoya en datos científicos rigurosos y en previsiones fundamentadas. Gracias a su perpectivo documental, la discrepción del Universo en el que viaja la nave Discovery 1 coincide básicamente con las imágenes obtenidas en viajes interplanetarios posteriores de ingenios mecánicos o robots y en el viaje a la Luna que realiza el Apolo 11 de la NASA en julio de 1969.

  Kubrick no emplea planos caprichosos, ni escenas redundantes, ni servicios superfluos. Muestra en los planos sólo lo que es esencial, imprescindible y relevante. Su discurso se hace aústero y riguroso. La exposición es seria y realísta: no confirma elementos de broma o farsa referidos al objeto de análisis o a partes del argumento. Rompe con la tradición de las narracciones juveniles de temas imaginarios y de ciencia-ficción que le procedieron. El relato de saltos en el tiempo y en el espacio, confiando en la atención y la capacidad de comprensión del espectador, al que trata con respeto, pero sin concensiones a la ausencia de esfuerzo.

  La película se refiere a algunos hechos cuya finalidad radica en plantear preguntas, a las que no se dan respuestas. Kubrick desea que el espectador se sienta interrogado y que reaccione según su propia manera de ver y entender las cosas. En la Tierra donde hace más de 4 millones de años hay un monolito negro con forma de hexaedro regular, de superficies pulidas y aristas finas, que podría sugerir la existencia de seres inteligentes ajenos al género humano. En la Luna se encuentra un monolito poliédrico similar, que plantea inquietudes y siembra sospechas. Otra apelación clara a la capacidad de razonamiento del espectador viene dada por la desconectada habitación vienesa.

  En este 8º largometraje de Kubrick, un trabajo ambicioso y conseguido, que rompe con la tradición de la cinematografía de ciencia-ficción y sienta nuevos parámetros, nuevos conceptos estéticos y nuevas imágenes, que condiciona el futuro del género. La película plantea propuestas sobre la relación del ser humano con el Universo, sobre la supuesta omnipotencia de la ciencia, sobre las relaciones de la persona humana con la máquina, sobre la posibilidad y el alcance potencial de la inteligencia artificial, etc.

  Kubrick muestra su admiración por la naturaleza, en especial por el cielo, la tierra, el espacio insondable, la luz, los colores, las formas, los astros, los crepúsculos, los viajes. Para él, estos elementos configuran el escenario en el que intenta elevar el espíritu del espectador a esferas de plenitud, gozo y éxtasis, reservados a los dioses. La película invita a pensar, interrogarse, explorar. No busca el espectáculo visual, sino la emergencia de inquietudes, interrogantes, reflexión y pensamiento. La gestación de la obra se produjo durante 4 años hasta su estreno.

  La música de Richard Struss (Munich-11-junio-1864-Garmish-Partekirchum-8-septiembre-1949); Johan Struss (Neubau-25-octubre-1825-Viena-3-junio-1899); Aram Jachaturián(Tiflis-6-junio-1903-Moscú-1-mayo-1978) y Gÿorgy Sándor Lige  (Dicsöszentmárton (Rumania)-28-mayo-1923-Viena-12-junio-2006), tomada de interpretaciones rotundas y vibrantes, confiere seriedad y magnificencia a la acción. Sobresalen cortes de "Asi habló Zarathustra (Amanecer)" de Richard Strauss, el "Adajio" de Jatchaturián y "Atmospheres" de Ligeti . El vals "El Danubio azul" no es el mejor corte de la banda sonora, aunque probablemente es el más popular y el más romántico.

  La fotografía en color y Panavisión corrió a cargo de Geoffrey Unsworth. Un director de fotografía nacido en Inglaterra. Sus comienzos fueron trabajando en Gaumont British de 1932 a 1937, un año más tarde actuó como asistente de los directores Powell y Pressburger con ellos estuvo hasta 1950. Su trabajo cinematográfico le trajo una impresionante variedad de premios. Entre sus grandes películas caben de destacar "2001: Una odisea del espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968) y la primera entrega de "Superman"-1978 dirigida por Richard Donner, que le reportó su mayor éxito económico.

  Y en esta gran odisea espacial hilvanando secuencias de imágenes inolvidables y asombrosas, que convierten a la película en una experiencia visual fascinante.

  Muy bien todos los actores, aunque aqui Kubrick no contó con tantas estrellas como lo hizo en "Espartaco" ("Spartacus-1960). Pero si logró sacar lo mejor de ellos sobre todo con los dos astronautas protagonístas. Por tanto Keir Dullea, "El rapto de Bunny Lake" ("Bunny Lake is Missing"-1965) en el papel de Dave Bowman, como Gary Lockwood, "Puños y lágrimas" ("It Happened at the Wold’s Fair"-1963) en el papel de Frank Poole, están insuperables.

  Y con ellos un gran puñado de buenos secundarios tales como: William Sylveter, "Los diablos de la oscuridad" ("Devils of Darkness"-1965), como Heywood Floyd; Daniel Richter, "The Revolutionary"-1970, como Moon-Watcher; Leonard Rossiter, "Oliver"-1968, como Andrei Smyslov; Sean Sullivan, "Testigo silencioso" ("The Silent Partner"-1978)...

  En definitiva: Una película perfecta. Una obra maestra para paladares entrenados. Matricula de Honor.

  La película se rodó es escenarios naturales de Inglaterra (Borehamwood), Escocia (Western Island) y Estados Unidos (Monumental Valley), y en los platós de Sepperton Studio de Surrey  y MGM Britsh Studios de Boreham Wood (Inglaterra), con un presupuesto de 10 millones de dólares.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

                  "Ni son todos los que están..."

                  "Ni están todos los que son..."

  Y otro año más... En esta 92º edicción de la gran fiesta del cine mundial. Una fiesta que a decir verdad fue de la más atípica de las que se conocen. La película coreana "Parásitos" ("Gisaengchung") (creo que lo he escrito bien), ha sido la gran ganadora rompiendo todos los pronósticos de las grandes favoritas de estos Oscar 2020. Y digo atípica porque nadie se lo esperaba y mucho menos se explica que esta pelìcula arrasara dejando boquiabiertos a tirios y troyanos.

  Los españoles sin embargo, se han ido con las manos vacias. Ni "Dolor  y Gloria" de Pedro Almodóvar, ni "Klaus" han sido nominadas, al igual que Antonio Banderas en el apartado de Mejor actor. Asi pues, aqui está la lista de los ganadores.

  Mejor película: "Parásitos" ("Gisaengchung") de Bong-Joon- Ho

  Mejor director: Bon -Joon -Ho por "Parásitos"

  Mejor actriz: Renée Zellweger por "Judy"

  Mejor actor: Joaquin Phoenix por "Joker"

  Mejor actriz secundaria: Laura Dern por "Historia de un matrimonio" ("Marriage Story")

  Mejor actor secundario: Brad Pitt por "Erase una vez en...Hollywood" ("Once Upon a Time in...Hollywood")

  Mejor pelìcula extranjera: "Parásitos"

  Mejor película de animación: "Toy Story 4" de Josh Cooley

  Mejor guión original: "Parásitos"

  Mejor guión adaptado: "Jojo Rabbit" de Taika Waititi

  Mejor fotografia: "1917" de Sam Mendes

  Mejor diseño de vestuario: "Mujercitas" ("Little Women") de Greta Geerwing

  Mejor documental: "American Factory" de Steven Bognar y Julia Reichert

  Mejor corto documental: "Learning To Skateboard In a Warzone" ("If You’re a Girl") de Carol Dysinger

  Mejor montaje: "Le Mans ’66" de James Mangold

  Mejor maquillaje y peluqueria: "El escándalo" ("Bomshell") de Jay Roach

  Mejor banda sonora original: "Joker" de Tood Phillips

  Mejor canción original: "Rocketman" (Elton John) de Dexter Fletcher

  Mejor diseño de producción: "Erase una vez en...Hollywood" ("Once Upon a Time in...Hollywood") de Quentin Tarantino

  Mejor cortometraje de animación: "Heir Love" de Matthew A. Cherry

  Mejor cortometraje: "The Neighbor’s Window" de Marshall Curry

  Mejor mezcla de sonido: "1917" de Sam Mendes

  Mejor edicción de sonido: "Le Mans ’66" de James Mangold

  Mejores efectos visuales: "1917" de Sam Mendes

  Y esto fue todo... Se rindieron sendos homenajes al deportista de Kobe Bryant, quien murió en accidente de helicóptero el 26 de enero. Y al mitico Kirk Douglas fallecido hace solo unos dias a los 103 años. 

 

Amanece que no es poco - 1989

         En recuerdo de: José Luis Cuerda

  Bienvenidos al pueblo al revés...

  Bienvenidos al pueblo donde salen hombres en los banales en vez de nabos...

  Bienvenidos al pueblo donde vas en bicicleta o hueles a flores...

  Bienvenidos al pueblo donde las madres son hijas y las hijas son madres...

  Bienvenidos al pueblo paraiso de las matronas...

  Bienvenidos al pueblo donde puedes ser otra persona...

  Bienvenidos al pueblo donde se elije a la puta...

  ... y a las adúlteras

  ... y al tonto del pueblo...

  Bienvenidos al pueblo donde llueve arroz...

  Bienvenidos al pueblo donde una conquista es tan pacífica como comerte un huevo...

  Bienvenidos al pueblo donde la misa es un jolgorio...

  Bienvenidos al pueblo donde las clases son música y su profesor un poeta...

  Bienvenidos al pueblo donde todos son poetas...

  bienvenido a España donde amanecer no es poco.

  Surrealísta y dibvertidísima peelícula de género de "comedia absurda" de nacionalidad española, y en donde el recientemente fallecido José Luis cuerda, adaotó un conjunto de trabajos para una serie de 13 episodios de televisión. Al rechazar TVE el proyecto, Cuerda lo adaptó al cine.

  El guión al igual que la dirección corrió a cargo de José Luis Cuerda. Un cineasta nacido en Albacete. En 1969 inició su carrera audiovisual en TVE, donde realizó más de 500 reportajes y documentales para los servicios imformativos y para el Departamento de Programas Culturales. Director y realizador del programa semanal de artes y letras "Cultura 2" durante un año, debutó en la dirección de actores en 1977 con "El túnel", una adaptación para televisión de Ernesto Sábato.

  Entre 1985 y 1987 fue profesor de Realización Cinematográfica en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Debutó en la gran pantalla con la película "Pares y nones"-1982. Entre otros galardones, en 1999 recibió un Goya al Mejor Guión y el Premio Ondas por "La lengua de las mariposas"-1999. En 1992 participó con "La marrana"-1992 en la Sección Oficial fuera de concurso en la 37 Semana, y ha sido un asiduo invitado en la Sección Spanish Cinema, donde se mostraron cuatro de sus películas, además de participar con sus películas en ciclos como el de Manuel Alexander, Rafael Alonso, José Nieto y el de diseñadores de vestuario del cine español. En 2009 recibió el Goya al Mejor Guión Adaptado (compartido con Rafael Azcona) por "Los girasoles ciegos"-1998, que fue elegida para representar a España en los Oscar. Su último trabajo fue "Tiempo después"-2018. Una historia de comedia fantástica-futurísta, que fue nominada al Premio Feroz a la Mejor película de comedia.

  La acción pues, tiene lugar en un pueblo castellano del interior con montañas y muy retirado de la ciudad, a lo largo de varios dias del verano de un año de la segunda mitad de los 50... La película se enmarca en la España del subdesarrollo, la autarquia y las primeras motos escúter de la casa Vespa (1954)... Presenta además una tenue linea argumental que hilvana una larga serie de gags, de comicidad surrealísta y absurda, que exagera la singularidad de los personajes y situaciones, y que construye un discurso alocado, descabellado, despiadadamente irónico y lúcidamente autocritico.

  Combina también surrealísmo delirante, explicaciones basado en el sentido contrario o inverso al directo, en sentidos paralelos al mismo, o bien en criticas burlescas expuestas en forma de falsos disparates... La acción gira en torno a un ingeniero (la profesión de más prestigio entonces en España), de nombre Teodoro, profesor de la Universidad de Oklahoma, que dedica su año sabático en recorrer el pais en Vespa con sidecar en compañia de su padre Jimmy, que ha enviudado recientemente... Llegan al pueblo por recomendación del amigo Pepe. La narración se desarrolla desde su punto de vista y con la carga de subjetividad extravagante de ambos.

  La película pues, suma comedia disparatada, critica social y surrealísmo. Los gags se presentan abiertos a la libre interpretación del espectador. En mi opinión, denuncia temas colectivos y politicos, como el aislacionismo del pais a través de sus delirios autárquicos y los temores obsesivos con los que se ven los visitantes de fuera, sean americanos, europeos, españoles o vecinos del pueblo de al lado. Se les considera, sin excepciones como invasores con afanes de ocupación, dominio, espionaje y subversión.

  Satiriza el aparente fervor religioso y sus excesos: dirigísmo social del cura párroco, participación del mismo en el control de los procesos electorales, proliferación de actos religiosos colectivos y públicos, etc. Se burla de la elecciones franquístas municipales, legislativas y los referendums. Denuncia su carácter de mascaradas. Se burla religiosamente del Jefe del Estado, o Caudillo, al que identifica como la suma de una imitación en miniatura de Napoleón y una burda inversión o remedo del general Eisenhover, encarnación de la victoria de la libertad contra las dictaduras.

  En el plano de la critica social muestra la dureza del trabajo en el campo (los labradores van al trabajo cantando como los siete enanitos de "Blancanieves"). Desvela con sarcasmo el alto indice del alcoholísmo rural, la indolencia endémica, la proliferación del adulterio, el descuido de la higiene personal (quejas de la prostituta), la fuerza del deseo, la violencia machísta, la frecuencia del  bestianísmo (con cabras), los amores ocultos del alcalde con Susan, la xenofobia que condena a la peor marginación social (exclusión del bautismo) al hijo mulato de una vecina del lugar, la negación y desatención del placer sexual de la mujer, el luto, el culto de las experiencias, etc.

  Me ha parecido particularmente emocionante el patetísmo de la enseñanza, a cargo de don Roberto, basada en cantos patrióticos que se oyen a través de las versiones orquestales imposibles, que han evocado en mi caso el "Cara al sol" (himno de la Falange), "Isabel y Fernando" (himno de las JONS), "Venid y vamos todos" (himno mariano), "Perdón, oh Dios (himno penitencial), etc. Los temas de estudio brillan por su bizantinísmo, absurda irrevelancia (tema del exámen) y su fosilización (abundancia de animales disecados en el aula). Recuerda varios temas de importancia en la sociedad de los 50, como la "buena muerte", la santidad y sus manifestaciones (levitación de Paquito, padre del cura, pregonero, sacristán y maestro campanero), la justa represión de las alteraciones del orden por la Guardia Civil a las órdenes del cabo Gutiérrez "el cabo santo", etc. Son escenas destacadas el diálogo con la calabaza, la detención del plagiador de la versión castellana de Faulkner, la interesante lección práctica del beso a cargo de una labradora, el feliz orto impuesto por la naturaleza de las cosas contra la voluntad y con el enojo de los que gobiernan, la procesión de las letanias de los ángeles, etc. Película de culto, especialmente indicada para quienes vivieron los años oscuros del subdesarrollo y la represión. Es divertida, hilarante, refrescante y cautivadoramente inteligente.

  La banda sonora corrió a cargo de José Nieto. Un compositor nacido en Madrid. Su primera vocación fue la de ingeniero de Telecomunicaciones. Con solo 17 años abandonó esta aficción  y se lanzó tomando como maestro al músico Enrique Llacer, al aprndizaje de la bateria. A partir de ese momento fue cuando empezó a colaborar con el grupo de jazz de Juan Carlos Calderón y Vlady Vass.

  En 1970 debutó en el cine con la película "La Lola, dicen que no vive sola" de Jaime de Armiñán, pero todavía no se habia arrancado la espina de estrenar una obra que le acreditara como músico con una línea compositiva propia. Gracias a su tenacidad Nieto consiguió inagurar su discografía ese mismo año con la obra "Cosmonauta". Poco podia imaginar en los primeros comienzos de su carrera, que al cabo de los años, iba a participar en eventos como el Primer Congreso Internacional de Música de Cine (Valencia 1992). Alcanzó su madurez con películas como "El Caballero del Dragón"-1985 o "El bosque animado"-1988. En 2000 fue reconocido con la concesión del Premio Nacional de Cine.

  Y en este radiante amanecer componiendo una partitura original burlona, irónica y de trazos surrealístas. Como música añadida adapta temas tradicionales ("Valencia"), música coral antigua (madrigales de Monteverdi), cortes festivos y canciones de otros paises (Rusia y Estados Unidos).

  De la fotografía se hizo cargo Porfirio Enriquez. Un director de fotografía nacido en Logroño. Un veterano del cine con cuatro décadas de experiencia en el mundo de la imágen. Su interés por el mundo de la ciencia de la luminotecnía le ha llevado a diseñar la iluminación del Centro Comercial ABC en Madrid y los palacios de Palháva y de Mayer en Lisboa. Su debut en el cine fue con la película "Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta"-1975 de Luis Calvo Teixeira. Con Adolfo Aristarain es responsable de la luz de 16 largometrajes como por ejemplo: "La ley de la frontera"-1995 y "Lugares comunes"-2002.

  Y en este clásico surrealísta del cine español mostrándonos unas imágenes realístas, burlonas y coloristas. La película se rodó en Ayna, Liétor y Molinicos (Albacete).

  Y estos son sus habitantes...que no son pocos. Eso si todos extraordinarios: José Sazatornil, "Espérame en el cielo"-1988, como el cabo Gutiérrez; Carmen de Lirio, "Festival en Benidorm-1956, como doña Rocio, su esposa; Francisco Martinez, como el hijo de ambos (solamente participó en esta pelicula); Ovidi Montllor, "Furtivos"-1975, como Pascual; Carmen Rodriguez, "Mucha sangre"-2002, como su mujer; Rafael Diez, "Baton Rouge"-1988, como Fermín; Amada Tercero, como su mujer (solamemte participó en esta película); Casto Sendra (Cassen), Plácido"-1961, como el cura; Manuel Alexandre, "Atraco a las tres"-1962, como Paquito, su padre; Maria Angeles Arizcano, como Merceditas, su prima (solamente participó en esta pelìcula); Rafael Alonso, "El abuelo"-1998, como el alcalde; Fedra Lorente, "El felino"-1979, como Susan, su "amiga"; Cris Huerta, "La ciudad de los niños perdidos"-1995, comoTirso el mesonero; Elisa Belmomte; "Tiempo después"-2018, como la Soprano; Maria I. González, como la pianísta (solamente participó en esta pelìcula); Paco Hernández, "Tesis"-1996, como don Roberto el maestro; Samuel Claxton, "Retrato de Teresa"-1975, como el mulato; Chus Lampreave, "Hablé con ella" -2002, como su madre; Alberto Bové, "El alcalde de Zalamea"-1954, como Pedro el tio del mulato; Luis Ciges, "La corte del Faraón"-1985, como Jimmy; Antonio Resines, "Celda 211"-2009, como Teodoro; Aurora Bautista, "La tia Tula"-1964, como La Padington; Arturo Bonin, "Amor mio"-2005, como Bruno; Maria Isbert, "Tormento"-1974, como Adelaida, su hija; Maria Elena Flores, "La forja de un rebelde"-1990, como Aurora, la madre; Paco Cambres, "La caja 507"-2002, como don Alonso el médico; Queta Claver, "El vikingo"-1972, como doña Remedios, su mujer; Miguel Rellán, "Sangre de Mayo"-2008, como Carmelo, el borracho; Rosalia Dans, "La gran comedia"-1988, como Gabriela, su mujer; Pastora Vega, "Todos los hombres sois iguales"-1994, como Elena, la labradora; Tito Valverde; "Sombras de una batalla"-1993, como el Intelectual; Guillermo Montesinos, "La vaquilla"-1985, como el Suicida permanente; Enrique San Francisco, "Orquesta Club Virginia"-1992, como Cascales... Y bueno en este pueblo caben muchos más...el gobernador que canta, el hombre exaltado, mujeres, niños, bebedores empedernidos, estudiantes, rusos, belgas, sudamericanos, pendencieros y hasta Gabino Diego, "La daga de Rasputin"-2011, haciendo de portavoz americano.

  En definitiva una película surrealísta y divertidísima, necesaria y contingente...que no es poco.  Matricula de Honor.

  "Amanece que no es poco" estuvo nominada al Goya al mejor guión original, sonido y efectos especiales.

 

Hasta siempre!!!

                  José Luis Cuerda

                  Un cineasta necesario

  El pasado 4 de febrero y a la edad de 72 años falleció en el Hospital de la Princesa de Madrid a causa de una embolia el director, guionísta y productor José Luis Cuerda.

  Cuerda como director, sus películas más destacadas fueron "La lengua de las mariposas"-1999, una adaptación de un relato de Manuel Rivas, y la triología denominada del "surrealísmo", compuesta por "Total"-1983 filmada para la televisión, "Amanece que no es poco"-1989 y "Asi en el cielo como en la tierra"-1995. Se trata según Cuerda de un "retorcimiento de la realidad que sigue siendo realidad". En su papel de producción, fue el primer productor y en cierto modo descubridor de Alejandro Amenábar.

  Siendo niño ingresó en el seminario, donde permaneció tres años. Comenzó a estudiar la carrera de derecho, que abandonó para convertirse en técnico de radiodifusión y televisión. En 1969 entró a trabajar en TVE, donde colaboró en los servicios informativos y más tarde pasó a dirigir programas culturales. En 1977, debutó como director de ficción con la adaptación para Televisión Española de "El túnel", basada en la novela de Ernesto Sábato. También para TVE, realizó en 1977, el largometraje "Mala racha", basado en un guión propio, se trataba de una película singular, con sorprendente fuerza dramática y emotiva. 

  Fuera de la televisión, en 1982 dirigió su primer largometraje para el cine "Pares y nones", que lo siyuó en el ámbito de los directores de la llamada "comedia madrileña" (Fernando Colomo era otro de sus más importantes representantes). Entre 1985 y 1989 trabajó como profesor en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.

  Su siguiente película "El bosque animado" - 1987 inaguraró en su carrera una nueva etapa caracterizada por lo que se puede denominar como "humor absurdo". Un año después apareció el trabajo que lo consagró como realizador, además de ser un éxito de taquilla: "Amanece que no es poco-1988. Con "Asi en el cielo como en la tierra"-1995 se completó una especie de triología con el humor absurdo como elemento común, que se habia iniciado con "Total"-1983. Con "La lengua de las mariposas"-1999 presentó una visión tierna y al mismo tiempo descarnada de la Guerra Civil española desde la relación de un niño con su maestro.

  También destacó en su papel de productor cinematográfico, haciendo este trabajo en varias de sus películas y en tres de los primeros largometrajes del director español Alejandro Amenábar: "Tesis"-1996, "Abre los ojos"-1997 y "Los otros"-2001, además de ser el guionísta de la mayoría de sus producciones detrás de las cámaras.

  Para la televisión dirigió la segunda temporada de la serie "Makinavaja-1997, basada en el popular personaje creado por Ivá. A finales de 2017 comenzó el rodaje de "Tiempo después" estrenada el 28 de diciembre de 2018.

  José Luis Cuerda Martinez (José Luis Cuerda) - Albacete - 18 - febrero - 1947 - Madrid - 4 - febrero - 2020.

                                   ¡DESCANSE EN PAZ!

El tren de las 4:50 (Murder She Said-1961)

  Estación Paddington. Próxima parada... ¡asesinato!

  Sobresaliente película de género de intrga de nacionalidad británica y basada en una novela de Agatha Christie. Una escritora y dramaturga nacida en Torquay (Inglaterra) y especialzada en el género policial y por cuyo trabajo tuvo reconocimiento a nivel internacional. A lo largo de su carrera, publicó 66 novelas policiacas, 6 novelas rosas y 14 historias cortas algunas con el seudónimo de Mary Westmacott, además de incursionar como autora teatral en obras como "La ratonera" o "Testigo de cargo". Muchas de sus novelas han sido llevadas al cine como por ejemplo: "Asesinato en el Orient Express" ("Murder on the Orient Express"-1974) de Sidney Lumet, ""Muerte en el Nilo" ("Death on the Nilo"-1978) de John Guillermin, "El espejo roto" ("The Mirror Crack"-1980) de Guy Hamilton y "Cita con la muerte" ("Appointment with Deatch"-1988) de Michael Winner, entre otras muchas mas.

  El guión fue escrito por David Pursall. Un escritor nacido en Warwickshire (Inglaterra). Pasó sus primeros años en Erdinglon y siempre se interesó en escribir novelas de misterio, entre sus novelas llevadas al cine caben de destacar entre otras "La tercera llave" ("The Secret Partner"-1961) protagonizda por Stewaert Granger y "Las aguilas azules" ("The Blue Max"-1966) de John Guillermin.

  El segundo guionísta fue Jack Seddon. Un escritor nacido en Lancashire (Inglaterra). Cuenta en su haber con numerosos guiones cinematográficos entre ellos: "La señora McGinty ha muerto" ("The Murder most Foul"-1964) con Margaret Rutherford y "Detective con faldas" ("The Alphabet Murder"-1965) de Frank Tashlin.

  Y el tercer y último guionísta fue David O. Osborn. Un escritor nacido en Nueva York. Mientras estudiaba en la Universidad de Columbia, trabajó como actor para obras de Broadway y como relaciones públicas de Jimmy Durante. En la era McCarthy, fue acusado y emigró a Francia y allí comenzó a elaborar guiones para películas en su tiempo libre. Su primer gran éxito fue en el estreno de "Whispering Shadows" en 1958. Fue seguido por más guiones tanto para el cine como para la televisión británica. Comenzó su segunda carrera como novelista en 1970. Con "Open Season", consiguió un éxito internacional en 1974. Entre sus novelas  llevadas al cine se pueden citar: "La trampa" ("The Trap"-1966) con Oliver Reed y "Más peligrosas todavia" ("Deadlier the Male"-1967) de Ralph Thomas.

  "El tren de las 4:50" está dirigida por George Pollock. Un director nacido en Leicster (Inglaterra) y muy conocido por traer por primera vez a la famosa detective Miss Marple de Agatha Christie a la pantalla grande y protagonizada por Margaret Rutheford. Comenzó su carrera como asistente de dirección a mediados de los años 30. Colaboró con David Lean en películas como "Breve encuentro" ("Brief Encounter"-1945), "Cadenas rotas" ("Great Expectations"-1946) y "Oliver Twist"-1948. Su primera película como director fue "A Stranger in Twon"-1957.

  Sin embargo es más famoso por traer a Miss Marple a la pantalla grande por primera vez en 1961 con "El tren de las 4:50" ("Murder She Said"). Dirigió otras tres adaptaciones de Miss Marple, cada una bien recibida, "Murder at the Gallop"-1963, "La señora McGinty ha muerto" ("Murder Most Foul"-1964) y "Asesinato a bordo" ("Murder Ahoy"-1964), está se basó en un guión oroginal. También dirigió una adaptación en 1965 de "Diez negritos" ("Ten Little Indians") de Agatha Christie. Además de películas para el cine Pollock también dirigió episodios para la televisión como por ejemplo: "Interpol Calling"-1959, "Zero One"-1962-1965, "Gedeon’s Way"-1964 y "Cita con la muerte" ("Danger Man"-1964-1967.

  La acción pues, comienza cuando Miss Jane Marple, una señora inglesa de avanzada edad, está viajando en tren y dormitando en su asiento se despierta justo al tiempo para ser testigo de un estrangulamiento atroz a bordo de un tren. "Asesinato", grita Miss Marple. "Estaba soñando", contestó la policia. Sin dejarse intimidar Miss Marple logra descubrir la verdad, ¡aunque eso signigfique descubrir un cuerpo más!... o dos...

  Muy buena película. Si señor. La primera del ciclo dirigidas por Pollock e interpretadas por la veterana Margaret, y en donde sacan un buen partido convirtiendo la historia en un verdadero ejemplo del buen hacer cinematográfico. Puesto que se sabe captar la sutileza de los detalles, proporcionando al mismo tiempo un gran vigor a la narración, y generando una corriente emotiva hacia ellos. La película pues, se desarrolla con soltura persuasiva, huyendo de lo sofisticado sin perde la elegancia e imprimiendo un ritmo con envidiable maestria.

  Muy buena la fotografía en blanco y negro llevada por la cámara de Geoffrey Faithfull. un director de fotografía nacido en Surrey (Inglaterra). Trabajó en cerca de 200 películas, desde su inicio en la industria cinematográfica en la década de 1910. Entre su debut con la pelìcula muda "Hamlet"-1913 hasta su último trabajo con "Danger Point"-1971. Fue un asiduo colaborador de Michael Powell donde hay que destacar entre todas "El pueblo de los malditos" ("Village of the Damned"-1960) interpretada por George Sanders.

  Y en esta historia donde ella gritó ¡Asesinato! haciendo uso de su gran profesionalidad para mostrarnos unas magníficas imágenes y creando al mismo tiempo un gran ambiente, con un incomparable ritmo.

  De la banda sonora se hizo cargo Ron Goodwin. Un compositor y director de orquesta nacido en Plymouth (Inglaterra). Aprendió a tocar el piano y la trompeta desde los cinco años, lo que le permitió unirse a la banda escolar. A los nueve años su familia se trasladó a Harrow, donde asistió a la Escuela del Condado de Willesden y más tarde pasó a estudiar trompeta en Londres. Algo más tarde comenzó a concentrarse en hacer actuaciones en vivo y apareció como invitado en varias orquestas sinfónicas. Es muy conocido principalmente por su música de cine y trabajó en más de 70 películas durante su carrera. Su primer largometraje fue "Mat with a Gun"-1958. Fue nominado al Globo de Oro a la mejor partitura original por la película "Frenesi" ("Frenzy"-1972) dirigida por Alfred Hitchcock. Su último trabajo lo hizo con la película de animación "Valhella"-1986.

  Y en esta peripecia de la señorita Marple ofreciéndonos una fascinante melodia, con el sonido de un clavicordio marcando algunos pizzicatos (un sonido muy de los años sesenta), una especie de rock and roll con tintes barrocos. Se utilizó en las posteriores series que se filmaron para la televisión, una en 1987 para la BBC y otra en 2004 como parte de la saga de Miss Marple de novelas policiacas. Pero eso si ambas para olvidar.

  Maravillosa Margaret Rutherford, "Hotel Internacional" ("V.I.P.s"-1963), metida en el cuerpo de Miss Marple, una adorable y persistente madura "detective" capaz de meterse por el ojo de una aguja para dar con el "granuja". Y muy seguida por un grande de Hollywood como lo fue Arthur Kennedy, "Como un torrente" ("Some Came Running"-1958) en el papel del Dr. Quimper, y por otro grande del cine europeo James Robertson Justice, "Tempestad sobre el Nilo" ("Storm Over the Nile"-1955), como Ackenthorpe.

  Y con ellos Muriel Pavlon, "La fugitiva del Rhin" ("Whirpool"-1959), como Emma; Thorley Walters, "Viaje al mundo perdido" ("The People That Time Forgot"-1977), como Cedric; Charles "Bud" Tingwell, "Asalto al furgón blindado" ("Money Movers"-1978), como Craddorck; Conrad Phillips, , "La tercera llave" ("The Secret Partner"-1961), como Harold...

  En definitiva: Una película hecha con gran afecto, una pequeña joya con una fotografía excelente en blanco y negro, unos planos panorámicos realmente imaginativos y unas extraordinarias interpretaciones.   Sobresaliente.

  Como curiosidad Margaret Rutheford interpretó a Miss Marple en las siguientes  pelìculas

  "Detective  con rubia" (The Alphabet Murder"-1965)

  "Asesinato a bordo" ("Murder Ahoy"-1964)

  "La señora McGinty ha muerto" ("Murder Most Foul-1964)

  "Después del funeral" ("Murder at the Gallop"-1963)

  "El tren de las 4:50" ("Murder She Said"-1961).