El idolo de barro (Champion - 1949 )

 

      "Solo hay dos clases de personas en el mundo: las pequeñas y las grandes. Y muy pocas veces se tiene ocasión de decidir a cual de las dos perteneces".

  Extraordinaria pélicula de género dramático (boxeo), y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una historia escrita por Ring Lardner. Un periodista deportivo y escritor satírico nacido en Niles (Estados Unidos). Está considerado como uno de los padres de la novela moderna estadounidense. Pese a eso, y a que fue admirado por Hemingway, Scott Fitzgerald y Virginia Woolff, ocupa un lugar marginal en el canon novelístico.

  Del guión se hizo cargo Carl Foreman. Un cineasta nacido en Chicago. Este una vez acabado sus estudios en la Universidad de Illinois se convirtió en abogado del socialísmo revolucionario afiliándose al Partido Comunista de Estados Unidos. Más tarde se trasladó a Hollywood donde comenzó a escribir guiones. Su carrera se vió interrumpida por el servicio militar durante la 2ª Guerra Mundial. A su regreso se convertiria en uno de los mejores guionistas de Hollywod con éxitos como por ejemplo con la pelìcula "El idolo de barro" ("Champion"-1949), lo que recibió su primera nominación al Oscar.

  En 1951, durante la produccion de "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), Foreman se vió obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, y testificó que habia sido miembro del Partido Comunista cuando era joven y que posteriormente se desilusionó y pidió la baja, pero aún asi fue puesto en la lista negra. Además de guionista Foreman produjo diez películas, incluyendo la antibelicísta "Los vencedores" ("The Victors"-1963) que también dirigió, rodada integramente en Inglaterra (pais donde se instaló al estar incluido en la "maldita" lista negra. En 1970 recibió la Orden del Imperio Británico. Cercano a su muerte volvió a Estados Unidos.

  "El idolo de barro" está dirigida por Mark Robson. Un director nacido en Montreal (Canadá). De joven se trasladó a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de California y en el Padific Const University. Entró en el mundo del cine para trabajar en el departamento de propiedad de la 20th Century Fox. Al final de la década de 1930, trabajó en la RKO Pictures, como montador y asistió a Robert Wise en el montaje de dos películas de Orson Welles: "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942).

  En 1943 realizó sus primeras películas de terror de serie B producidas por Val Lewton: "La séptima victima" ("The Seventh  Victim"-1943), "La isla de los muertos" ("Isle of the Dead"-1945), la primera película en la que aparecia en los titulos de crédito, y la primera en la que también participó como guionista o "Bediam"-1946 sobre el célebre manicomio londinense.

  Su éxito con la RKO le llevó a proyectos de mayor envergadura y en 1949 fue candidato al premio otorgado por el Gremio de directores de Estados Unidos por su trabajo en el drama   "El idolo de barro" ("Champion"-1949) una historia pugilística con Kirk Douglas de protagonista. Ese año fue el más prolífico, ya que también dirigió el drama romántico "Mi loco corazón" ("My Foolish Heart"-1949), el drama bélico "Clamor humano" ("Home of the Brave"-1949) y el western "Sin contemplaciones" ("Roughshod"-1949).

  En la década de 1950, llegó su época dorada. En los primeros años destacaron películas como "Nube de sangre" ("Edge of Doom"-1950), una historia de cine negro protagonizada por Dana Andrews y Farley Granger y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951), con Arthur Kennedy y Julie Adams. Pero sin duda, sus realizaciones en la segunda parte de la década, serian las más brillantes. Empezó con la película "Los puentes de Toko-Ri" ("The Bridges at Toko-Ri"-1954) protagonizada por William Holden y Grace Kelly. A esta seguiria "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall"-1956), otra película que gira en torno al mundo del boxeo, y que fué el último trabajo de Humphrey Bogart, antes de su muerte.

  "Vidas borrascosas" ("Peyton Place"-1957) y "El albergue de la sexta felicidad" ("The inn of the Sixth Happiness"-1958) fueron dos películas aclamadas por el público, que durante dos años consecutivos lo llevaron a ser candidato al Oscar en la categoría de mejor director. La década de 1960 no fue tan prolífica como lo fue la anterior. Destacaron sin embargo "Desde la terraza" ("From the Terrace"-1960), adaptación de la novela de John O’Hara, protagonizada por el matrimonio Paul Newman y Joanne Woodward. Con Newman volvería a trabajar en "El premio" ("The Prize"-1963), un thriller basado en una novela de Irving Wallace, inspirado en el estilo de Alfred Hitchock.

  En los años siguientes, Robson se adaptó a rodar cualquier género. Pasaría por el cine bélico con "El coronel Von Ryan" ("Von Ryan’s Express"-1965) o con "Mando perdido" ("Lost Command"-1966); comedias como "Feliz cumpleaños, Wanda June" ("Happy Birthday, Wanda June"-1971); dramas como "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls"-1967); thrillers como "Shock"-1969; o la película de catástrofes como "Terremoto" ("Earthquake"-1974), algunas de ellas contaron con feroces criticas pero también con un gran éxito de taquilla.

  Su último trabajo fue con la película de acción "El tren de los espias" ("Avalanche Exprees"-1979) protagonizada por Lee Marvin Y Robert Shaw.

  La acción pues, nos mete en la vida de Midge Kelly y su hermano Connie, ambos se dirigen haciendo auto-stop hasta California. En la carretera, les recoge un boxeador llamado Johnny Dunne que va a pelear a Kansas, este va acompañado de su novia Grace, que les invita a presenciar el combate. Alli  Midge  llama la atención del manager Tommy Haley, que presiente que tiene talento y le hace una oferta, pero Midge la rechaza. Los dos hermanos encuentran trabajo en un café regentado por Lew Bryce y su hija Emma. Cuando Midge y Emma se hacen novios, el padre de ella los obliga a casarse. Después de la boda, Midge recurre a Haley y llega a ser un aceptable boxeador, aunque excesivamente violento. Finalmente, decide abandonar a su manager y empieza a pelear para unos gángsters...

  La pelicula, trata de la ambición sin límites, ciega y sin escrúpulos, dispuesta a destruir a  todos los que dificultan sus aspiraciones o suponen una amenaza para su culminación.

  El protagonista abandona a su esposa Emma el mismo dia de la boda, despide al entrenador que lo sacó del arroyo, prescinde de su hermano que lo ha acompañado y servido siempre, por dinero y fama se pone al servicio de los circulos mafiosos, deja de visitar a su madre, se relaciona con mujeres adineradas rubias, las maneja a su capricho, las extorsiona con crueldad y las olvida cuando le conviene.

  Al servicio del dinero, la fama, el éxito y los aplausos, sacrifica honestidad, lealtad e integridad. Su ambición insaciable y obsesiva le aboca a un proceso vertiginoso de degradacción ética, que le sumerge en un infierno de iniquidad, angustia y rabia. Metido en un camino de autodestrucción.

  La bada sonora fue dirigida por Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania (nacionalizado estadounidense). De pequeño sus padres se trasladaron a san Petersburgo donde estudió entre otras asignaturas armonía y contrapunto con Alexander Glaznov, y era considerado como uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre nos resulta conocido su música y canciones lo son aún más, principalmente en "Hogh Noon" de "Solo ante el peligro (1952), "O.K. Corral" de "Duelo de titanes (1957) o "The green leaven of summer" de "El Alamo" (1960). Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. En uno de sus Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach...

  Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954)  y "El viejo y el mar" ("The old Man and the Sea"-1958).

  Y en esta historia de ambiciones a base de puños, combinando con solemnidad unas composiciones orquestales con emotivos solos de piano y cuerdas (guitarra).

  La fotografía en blanco y negro se la debemos a Franz Ploner. Un director de fotografía nacido en Karlbad (ahora República Checa), pero cuando nació esta ciudad pertenecia al Imperio de Austria-Hungria. De principio se formó como retratista pero al darse cuenta de que la fotografía se estaba volviendo muy popular y reemplazaría el requisito de artistas talentosos, cambió su carrera profesional, y cambió la dirección hacia las películas. Y asi comenzó su carrera como director de fotografia para el cine en Alemania, y más tarde en toda Europa a princpios del siglo XX, hasta 1933.

  En 1937, dejó la fallida cinematografía austriaca para comenzar a trabajar en Hollywood. Rodó más de 130 peliculas, entre ellas: "Carta de una mujer desconocida" ("Letter from an Unknown Woman"-1948), "Vacaciones en Roma" ("Roman Holliday"-1953) y "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961).

  Y en este mundo oscuro del boxeo, describiendo con habilidad los ambientes lóbregos del submundo del boxeo y acentuando con sus combinaciones de luces y sombras intensas la percepción de su dureza humana.

  Sensacional Kirk Douglas, "El loco del pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el cuerpo de Midge. Y seguido por Arthur Kennedy, Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage"-1966) como Connie, su hermano; Ruth Roman, "Tierras lejanas" ("The For Country"-1954) como Emma; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Haley; Marilyn Maxwell, "Yo soy el padre y la madre" ("Rock- a Bye Baby"-1958) como Grace; Lola Albright, "Camino de Oregón" ("The Way West"-1967) como Palmer...

  En definiva: Una muy buena película y, en donde se refleja el alma humana de como solía hacerlo el por aquel entonces Hollywood dorado, sin aditivos, nada de "politica correcta", clara y concisa, dolorosa también.  Sobresaliente.

  "El idolo de barro" obtuvo 6 nominaciones en su año, pero solamente logró un Oscar por el Mejor montaje (Harry Gestard).

  A modo de curiosidad: Esta fue la primera nominación al Oscar de Kirk Douglas como Mejor actor. El ganador fue Broderick Crawford por "El político" ("All the King’s Men").

Las zapatillas rojas (The Red Shoes - 1948)

  "Baila ella y baila como debe de ser, entre sus dos amores"...

  Toda una belleza de película de género melodramático (ballet, romance), y de nacionalidad británica, llevada al cine con un guión de los también directores Emeric Pressburger y Michael Powell. Emeric, un cineasta nacido en Hungria. Después de acabar sus estudios en las Universidades de Praga y Stuttgar, inició una carrera de periodista en Hungria y más tarde en Alemania. A partir de la década de los años 20, empezó a trabajar como guionista para la UFA en Berlin.

  El ascenso al poder de los nazis le hizo de exiliarse a Paris donde continuó con sus actividades como guionista, para luego trasladarse a Londres. Alli entró en contacto con varios cineastas exiliados entre ellos el influyente Alexander Korda que era propietario de la productora London Films y lo contrató como guionista. Más tarde conoció a Michael Powel, con quién trabajó en "El espia negro" ("The Spy in Black"-1039). Entre los dos dieron a luz algunas de las películas más logradas del cine británico. En 1946 se convirtió en ciudadano británico.

  En cuanto a Powell. Un cineasta nacido en Inglaterra, entró en la industria del cine en 1926 trabajando con el director Rex Ingram en los estudios Victorine de Niza (Francia). Tiempo después volvió a Inglaterra para trabajar en el cine en tareas diversas incluyendo como fotógrafo en la película muda "Champagne"-1928) de Alfred Hitchcock. Gracias a Alexander Korda conoció a Emeric Prenssburger y ambo trabajaron juntos en 16 peliculas, muchas de ellas fueron de gran éxito tanto de critica comode público. Entre ellas: "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947), "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) y su última pelicula "Emboscada nocturna" ("Ill Met by Moonlight"-1977).

  La acción pues, nos mete en la vida de una joven bailarina aficcionada llamada Victoria Page, y en donde en una fiesta de estreno de un ballet de la compañia Lemontov, dirigida por el implacable Boris Lermontov, es introducida por su influyente tia y obtiene una oportunidad para demostrar su valía, empezando por los teatros más modestos de Londres. Al mismo tiempo Julian Craster un joven estudiante de composición, a quien su profesor ha robado su trabajo, haciéndolo pasar como original para los ballets de Lomontov. Se presentará cuanto ante este y encontrará también la oportunidad para demostrar su valía. En un momento dado, el destino de ambos jovenes cnfluyen. A Craster se le encomienda la composición de la música de un nuevo ballet basado en el cuento "Las zapatillas rojas", de Hans Christian Andersen. A Page, la retirada de la anterior primera bailarina por matrimonio, le ofrecen la oportunidad de bailar el papel principal en el nuevo ballet. También será la ocasión para que ambos jovenes se encuentren, se conozcan y se enamoren. Y para que pongan los cimientos para el drama que evolucionará en paralelo de Andersen...

  La película pues, contiene drama, romance y musical. La idea central de la historia viene dada por la concepción de Lermontov sobre la dedicación absoluta del artista al arte,  que es la concepción de los dos directores y por supuesto de la película. Como alegoria de esta idea se hace uso del ballet inspirado en el cuento de "Las zapatillas rojas" de Andersen, cuya ejecución ocupa 13 minutos de metraje.

  Explica como las zapatillas rojas confeccionadas por el zapatero Grisha Ljuboc, un virtual de un extraño encantamiento o echizo, obligan a la muchacha que las calza a bailar sin descanso, dia y noche, sola y acompañada, hasta desfallecer. El zapatero, misteriosamente avisado, posiblemente por un personaje diábolico, acude a recoger las zapatillas encantadas, que entregará a la bailarina.

  El tono severo y ambiguo del cuento de Andersen prefigura el de las secuencias de música y ballet, de las escenas de la historia que tienen lugar fuera de los escenarios y de la pelicula. Música y drama se entrecruzan con fluidez, coherencia y sin discontnuidades. Los números del ballet se integran innovadoramente en el desarrollo del argumento. La película tiene una consistencia no habitual en los musicales anteriores. Ejerce gran influencia en "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951) de Vincente Minnelli, y en otros mas musicales de los años 50.

  Las escenas no musicales son tan ricas, expresivas e insólitas como las musicales. En ambos apartados se hace uso de secuencias surrealístas y fantásticas (pensamientos del zapatero mientras compone las zapatillas). La película está salpicad de humor (los nervios antes de la primera representación de Julian en el escenario durante un ensayo a la búsqueda de Lermontov, las ocurrencias del anciano Dimitri, etc,) 

  La película presenta el mundo del ballet y del teatro visto desde dentro con propósitos documentalístas. Presta especial atención al ingente esfuerzo individual y colectivo que exige la representación de una obra sobre tablas, aunque tienda a pasar desapercibido. Sirve una atractiva aproximación del público del ballet. Destila y contagia aficción al ballet, la música, el teatro, el cine y el arte.

  La banda sonora fue obra de Brian Easdale. Un compositor y director de orquesta nacido en Manchester (Inglaterra). Sus obras incluyen las óperas "Rapunze" (1927), "The Corn King" (1935), aunque no se representó hasta noviembre de 1950 y "The Sleeping" (1951). Sus trabajos orquestales incluyen, "Six Poens" y "Tone Poem". Para coros, escribió "Missa Coventresis". También compuso bandas sonoras para obras teatrales. Trabajó para la GPO Film Unit en diferentes películas. Era el compositor favorito de Powell y Pressburger que contaron con él en la mayoria de sus películas, Entre ellas: "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947) y "La batalla del Rio de la Plata" ("The Battle of the River Plate"-1956).

  Y en estas zapatillas hechizadas ofreciéndonos una partitura orquestal dramática, de concepción moderna, que se combina bien con los insertos de música clásica como "El lago de los cisnes" ("Tchaikonsky), "Las silfidis" (Listz), "La tienda fantástica" (Rossini) y otras. 

  La fotografía en un suntuoso color (technicolor) fue dirigida por Jack Cardiff. Un cineasta nacido en Great Yamouth (Inglaterra). En 1935 se graduó como camarógrafo y director ocasional de fotografía trabajando para London Films. Fue el  primer director de fotografía en rodar en el Reino Unido una película en technicolor titulada "Eso que llaman amor" ("Wings of the Morning"-1937). Pero su momento clave fue cuando Powell y Pressburger lo llamaron para ser camarógrafo  de segunda unidad en la película "Coronel Blimp"-1943 y su colaboración con ambos directores continuó con varias películas más.

  Como director de películas Cardiff comenzó a finales de1950 trabajando en modestas películas, aunque algunas de ellas obtuvieron grandes elogios tanto de critica como de público. Su primer gran éxito fue con "Hijos y amantes" ("Sons and Lovers"-1960) protagonizada por Trevor Howard. En 1995, la Britch Society of Cinematographrrs le otorgó un premio en reconocimiento a toda su carrera artística.

  Y en este hechizado ballet mostrándonos en un suntuoso color y haciéndo uso de una imaginación de gran envergadura y recurriendo con frecuencia a la cámara subjetiva (vueltas sobre si misma de la bailarina en el Teatro Mercury), componiéndo además escenas fantasiosas, y sumando realismo y surrealismo en el marco de un arrebatador romanticísmo.

  Muy bien todos los actores y todos en sus respectivos puestos. Comenzando por Anton Walbrook, "Yo acuso" ("I Acusse"-1958) en el papel de Boris Lormontov. Y seguido por Moira Shearer, "El fotógrafo del pánico" ("Peeping Torn"-1960) como Victoria Page; Marius Goring, "Alemania hora zero" ("Beyond the Curtain"-1960) como Julian Craster; Leonid Massine, "Los cuentos de Hoffmann" ("The Tales of Hoffmann"-1951) como Grischa Ljubov; Albert Basserman, "Madame Curie"-1943 como Sergei Ratov; Robert Helpmann, "La segunda oportunidad" ("Second Time Lucky"-1984) como Ivan Boleslawsky; Ludmilla Techérina, "Luna de miel" ("Honeymoon"-1959) como Irna Borosnkaja; Esmond Knight, "El principe y la corista" ("The Prince and the Showgirl"-1957 como Livy...

  En definitiva: Para mi, una maravillosa película y todo una obra maestra del género. Una película que comprende de forma visual y emocional toda la elegancia, el ritmo y el poder del ballet.   Matricula de Honor.

  "Las zapatillas rojas" logró dos Oscar en su año: Mejor música (Brian Easdale) y Mejor diección artistica (Hein Heckroth y Arthur Lawson).

  A modo de curiosidad: El director de fotografía Jack Cardiff nunca había hecho una película de ballet, lo que le obligó a asistir a numerosas producciones de ballet para familiciarse con esta forma de arte. Al final lo consiguió.

El justiciero (Boomerang!-1947)

  "Siempre es lo mismo: Si buscas minuciosamente, encuentras a alguien robando en las arcas públicas".

                  (Dave Woods a Sam Levene)

  Apasionante película de género dramático-policial de nacionalidad estadounidense y basada en hechos reales, llevada al cine con un guión de Richard Murphy. Un guionísta, director y productor nacido en Boston. Trabajó para el Liberty Digest en la década de 1930 antes de partir en 1937 para trabajar en el departamento de cortometrajes de la MGM. Mientras estuvo en las Fuerzas aéreas de Estados Unidos durante la 2ª Guerra Mundial alcanzando el grado de capitán hizo varios guiones para cortometrajes propagandísticos. A si regreso a Estados Unidos comenzó a trabajar para la 20th Century Fox. Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por "El justiciero" ("Boomerang!"-1947) y "Las ratas del desierto" ("The Desert Rats"-1953).

  "El justiciero" está dirigida por Elia Kazan. Un cineasta nacido en Estambul (Turkia). En la posguerra, el teatro de Broadway, en sus representaciones pioneras de la vida psicosexual, ejerció una profunda influencia en el cine de Hollywood, lo que en buena parte se le debe a Elia Kazan. Su adaptación de la obra de Tennessee Williams "Un tranvia llamado deseo" ("A Strefcar Named Desire"-1951) inaguró la tradición de dramas adultos a pequeña escala, en blanco y negro que tabién sirvieron a la industria en su era de recesión económica posterior a la guerra.

  Durante el resto de la década, explotó con gran éxito de critca este género, "Un rostro en la multitud" ("A Face in the Crowd"-1957), aborda un tema muy resptado en Estados Unidos:el popotísmo sureño, basado en el culto de la personalidad y el atractivo sexual, que podria amenazar la hegemonía del statu quo blanco, anglosajón y protestante del Este. "Baby Doll"-1956 combina una mirada cinica y cómica sobre la mojigatería sexual con las estilizaciones moralístas propias del realísmo europeo.

  "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Gress"-1961) marca eficazmente para el cine las internas meditaciones del dramaturgo William Inge, sobre los problemas sexuales del Medio Oeste, y en concreto los efectos paralizantes sobre las mujeres del denominado "doble estándar". La película antcipó casi una década el inicio de la tradición de cine artistico estsdounidense durante el renacimiento de Hollywood y la creación de un tipo diferente de películas para mujeres.

  Convocado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, Elia Kazan delató a otros comunistas de la industria cinematográfica, una indiscrección que Hollywood nunca le perdonó del todo.

  Kazan tiene otras películas que escalan en la veta del realísmo social europeo y el teatro artístco: "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets"-1950), en el que un personaje blanco hace de negro, "¡Viva Zapata!"-1952, "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) y "Rio salvaje" ("Wid River"-1960), que trata del inevitable descontento ante el progreso social y el cambio generacional. Incluso las películas  más convencionales de Kazan manifiestan una maestria y y na sofisticación intelectual por las que hace superar el mero entretenimiento.

  Asi pues, Kazan nos lleva hasta una pequeña ciudad de Connecticut y, en donde un sacerdote en plena calle es asesinado, los ciudadanos exigen una intervención contundente de la policia. Todos los testigos identifican a un tal John Waldron como el autor del crimen, pero este se declara inocente, aunque nadie le cree...

  La pelicula es para mi, un trabajo modesto, breve, sencillo y relativamemte previsible, pero eso si, consistente y convincemte. Nos explica y justifica algunos principios básicos de la justicia, cuya aplicación requieren rigor, independencia y fortaleza. La narración es conducida por un narrador omnicciente que introduce el relato, lo contextualiza y lo explica de modo objetivo, veraz y sin prejuicios. Los hechos ponen de manifiesto las dificultades que con frecuencia ha de afrontar la investigación de un crimen cuyas causas y móviles no se conocen.

  Elia Kazan aprovecha el desarrollo del drama para componer una denuncia social a su gusto. Esta alcanza a los politicos y a sus manejos egoistas y cortos de miras, a los poderosos que tratan de influir sobre el curso de los acontecimientos en beneficio de intereses particulares, a la afición de la prensa al sensacionalismo y a los resultados rápidos, a las personas ciudadanas que reclaman respuestas eficaces inmediatas, etc.

  Elabora las denuncias en paralelo al desarrollo de la historia y como factores de potenciación al drama. Prisas, intereses falsos, presiónes interesadas y acciones movidas por celos excesivos, van formando gradualmente un entramado causal de dificil control que genera tensión y conflictos. La atmósfera que envuelve la película adquiere una textura densa y agobiante, que cala en el ánimo del espectador y retiene su atención.

  Kazan también incluye propuestas de carácter positivo, como el apoyo que reclama a favor de los agentes de la policia que llevan la investigación, la capacidad de espera que se ha de tener porque los procesos de investigación criminal requieren tiempo, grandes esfuerzos y la  realización de las tareas complejas, etc.

  Defiende de modo comprensible y convincente el principio del caso de duda, a favor del reo, derivado del derecho romano y, de aceptación general tanto enel ámbito del derecho latino, como en el anglosajón.

  La banda sonora corrió a cargo de David Buttolph. Un compositor nacido en Nueva York. Mostró su talento musical a una edad muy temprana y, finalmente estudió música formalmente. Una vez terminada la cátedra de música se mudó a Europa en 1924 estudiando aún más en Austria y actuando al mismo tiempo en un club nocturno tocando el piano. A su regreso a Estados Unidos comenzó a trabajar para la cadena de radio NBC como arreglista y director de orquesta. En 1933 se mudó a Los Angeles donde comenzó a trabajar para el cine. A mediados de la década de 1950 comenzó a componer partituras para la televisión hasta 1963 que se jubiló.

  A lo largo de su extensa carrera compuso música para más de 300 películas entre ellas: "13 Rue Msdeleine"-1946, "Débil es la carne" ("The Foxes of Harrow"-1947) y "La soga" ("Roper"-1948).

  Y aqui, aunque la música  es breve, pero contiene una ambientación muy dramática. Además añade al principio y al final el tema titulado "América the Beautiful", con música de Samuel Ward.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Norberd Brodine. Un director de fotografía nacido en Misuri. Comenzó su carrera como camarógrafo trabajando en una tienda de cámaras fotográficas, para después ampliar su experiemcia en el Cuerpo de Señales del Ejército, como fotógrafo del ejército durante la 1ª Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto bélico y después de estudiar en la Universidad de Columbia se trasladó a Hollywood como fotógrafo fijo contratado por la 20th Century Fox. Entre su extensa filmografía caben dedestacar pelìculas como por ejemplo: "Niñera moderna" ("Sittong Pretty"-1948) y "Operación Cicerón"-1952).

  Y aqui, creando unas imágenes realistas, de marcada orientación documentalísta, con abundantes tomas en los lugares en los que ocurrieron los hechos. Haciendo también uso de luces intensas, fuertes contrastes, algunos escenarios oscuros propios del cine negro, numerosas escenas que reunen a muchos actores y extras.

  La pelìcula está rodada en localizaciones reales de Stamford (Connecticut), y en el distrito de White Plains en Nueva York.

  Extraordinario el reparto de actores elegidos aqui por el maestro Kazan. Encabezados por el siempre efectivo y convincente Dana Andrews, "La senda de los elefantes" ("Elephant Walk"-1954), dando vida al juez Henry Harvey, un profesional recto, riguroso, independiente y enemigo de presiones y componendas. Y con él, Lee J. Coob, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958) como el jefe de policia Harold Robinson, un hombre honesto, veterano y tozudo; Arthur Kennedy, "Como un torrente"("Some Came Running"-1958) como John Waldron, el acusado de asesinato; Karl Malden, "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959) como el teniente White; Ed Begley, "Cometieron dos errores" ("Hang Em High"-1968) como Paul Harris. Y por supuesto no podia faltar una mujer y aqui nos encontramos a la bellísima Jane Wyatt, "Puente de mando" ("Task Force"-1949) como Madge la esposa de Henry...

  En definitiva: Una muy buena película. Y muy recomendable aunque sea solamente para recordarnos el sentido noble de la "justicia".  Sobresaliente.

  "El justiciero" Estuvo nominada al Oscar al Mejor guión.

  A modo de curiosidad; La breve aparición entre los extras del célebre dramaturgo Arthur Miller.

 

Forajidos (The Killers-1946)

  Sueco.- ¿Por qué volviste con él?

  Kitty.- Tal vez por que le odio. Soy un veneno para mi y para los que me rodean. Tengo miedo de estar con quienes quiero por el daño que les hago.

  Obra maestra total y absoluta de género cine negro y de nacionalidad essadounidense, sacada de un relato corto de Ernest Hemingway. Un escritor y periodista nacido en Illinois y uno de los escritores principales del siglo XX. Su estilo sobrio tuvo una gran influencia sobre la ficción del siglo XX, mientras que su vida de aventuras y su imágen pública dejó huellas en las generaciones posteriores. Fue Premio  Pulitzer en 1953 y Premio Nobel en 1954.

  Muchas de sus novelas fueron llevadas al cine como por ejemplo: "Por quién doblan las campanas" ("For Whom the Bell Tolls"-1943) dirigida por Sam Wood y "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows of Kilimanjaro"-1952) dirigida por Henry King.

  Del guión se hicieron cargo dos cineastas de fama mundial: Richard Brooks y John Huston. Brooks un director, productor y guionista nacido en Pensilvania. Un hombre que siempre tendió a rodar adaptaciones de gran peso literario, generalmente realizando versiones cinematigráficas satistactorias. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y lo logró como mejor guión adoptado por "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), película que también fue  fue dirigida por él.

  Huston otro director, guionísta y actor nacido en Nevada. Como director realizó 37 películas, escribiendo la mayoria de los guiones de estas. Está considerado como uno de los mejores directores del cine clásico estadounidense, pese a que se encuentra minusvalorado por ciertos sectores de la critica. Estuvo nominado en numerosas ocasiones al Oscar tanto como director como guionista. Como director y guionista a la vez ganó el Oscar por "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948).

  "Forajidos" está dirigida por Robert Siodmak. Un director nacido en Dresde (Alemania). Sus comienzos fueron como director teatral y banquero antes de dedicarse al cine. Su debut como director fue con la película muda "Los hombres del domingo" ("People  on Sunday"-1930), colaboró con otros dos futuros grandes del cine, Billy Wilder y Fred Zinnemann. Como era judio su carrera en Alemania se truncó cuando los nazis subieron al poder y, en 1940 se trasladó a Hollywood.

  Para obtener un visado para entrar en Estados Unidos, aseguró haber nacido en Memphis (Tennesse) cuando sus padres estaban alli de vacaciones. Sus primeros trabajos fueron thrillers y películas de terror de bajo presupuesto, pero se ganó un prestigio con algunas películas de cine negro impresionantemente dirigidas a finales de los años 40.

  En "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945) un drama de época sobre un asesino en serie que ataca a las mujeres vulnerables, Siodmak utilizó magistralmente su principal escenario, una siniestra casa victoriana.

  El uso de luces y sombras es ejemplar en "Forajidos" (·The Killers"-1946), donde Ava Gardner da vida a una mujer fatal que sella el destino de Burt Lancaster. En A través del espejo" ("The Dark Mirror"-1946), Olivia de Havilland interpreta a dos gemelas, una de ellas sospechosa de asesinato y "En una vida marcada" ("Cry of te City"1948) Victor Mature es un policia enfrentado  al asesino Richard Conte a quien conoce desde la infancia.

  Burt Lancaster vuelve a ser victima de una mujer fatal, esta es Yvonne de Carlo en "El abrazo de la muerte" ("Criss Cross"-1949). Todas estas películas se caracterizan por su ambientación imaginativa, su fotografia cautivadora y el agudo ojo de Siosmak para los personajes secundarios raros.

  Volvió a su Alemania natal donde realizó varias películas más, con su última incursión en el cine hablado en inglés, "La última aventura del general Custer" ("Custer of the West"-1966), western de alto presupuesto rodada con el sistema Cinerama.

  Asi pues, Siodmak nos lleva hasta Brenfwood, una pequeña localidad aislada, y en donde dos matones irrumpen en la ciudad para asesinar a un tal Ole Anderson, un antiguo boxeador, expresidiario y colaborador de una banda criminal que abandonó hace un año. Con ella participó en un  atraco, cuyo botin (250.000 dólares) desapareció. Ole apodado "el sueco", lleva escondido un año, donde trabajaba como encargado de una gasolinera...

  La secuencia inicial plantea al espectador tres interrogantes: ¿Por qué matan a Ole?. ¿Quién ordenó su muerte?. Y ¿Por qué Ole espera a sus asesinos con resignación?.

  Las respuestas a estas preguntas constituyen el nudo argumental de la película...

  La película para mi, es todo una obra de arte del cine negro americano. Es sobresaliente su estructura narrativa, basada en numerosos flasbacks (11 en total), que recuerdan la de "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941). Los flashbacks son subjetivos, salvo uno (el atraco) y se presentan distribuidos sin atender el orden cronológico de los hechos.

  El formato confiere a la historia un aire realista de tono documentalista, que eleva el dramatismo. Presenta una de las mujeres fatales, Kelly Collins, más malvadas, de extraordinaria belleza, gran sensualidad y fuerte atractivo, capaz de arrastrar a hombres de buen corazón a su perdición.

  La estética visual es marcadamente expresionista con sombras exageradas, contraluces siniestros, zonas intensamente oscuras, escenas nocturnas inquietantes y personajes desalmados. se crea una atmósfera densa, de inusitada tensión y expectación.

  La acción se encadena al hilo del proceso de investigación de Jim Roarson, empleado de una compañia de seguros, interesado en resolver el caso, pese a la indiferencia de la policia y contra las prioridades de si jefe inmediato. Hacia el final, Roarson se sienta en una butaca, de espaldas al espectador, sugeriendo su identificación con él y su agradecimiento por la atención con la que han seguido su trabajo.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rozsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por "Recuerda" ("Speibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y por la oscarizada "Ben-Hur"-1959.

  Y aqui  mostrándonos unos temas intensamente dramáticos ("Main Tittle"), desoladores ("Prision Stars"), liricos (solo de violín de "Ole espera a sus asesinos") y melancólicos con toques trágicos ("Exit Theme"). Los crescendos de tensión se subrayan con aceleraciones de las notas del piano. Incluye la canción original "The More I Know Of Love", que canta Killy.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Elwood Bredell. Un director de fotografia nacido en Indiana. Después de trabajar como actor adolescente en peliculas mudas consiguió un trabajo como técnico de laboratorio de estudio, mientras cultivaba su talento por la fotografía desde 1925 hasta 1934 trabajó como fotógrafo fijo para la RKO y Paramout. En este último estudio fue aprendiz de los cineastas Charles Lang y Arthur C. Miller. En 1936 se marchó a la Universal donde continuó su formación con Joseph Valentine y, en 1938 fue ascendido a director de fotografía.

  Entre sus más de 50 películas como guionista en su haber caben de destacar entre otras: "La venus de la selva" ("South of Tahiti".1941), "Romanza en alta mar" ("Romance on the High Seas"-1948) y su última película "Selva femenina" ("Fenele Jungle"-1951) protagonizada por Jane Mansfield.

  Y aqui, ofreciéndonos una narración visual de gran calidad plástica.

  Magnífico Burt Lancaster, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) dando vida a Ole Anderson "el sueco", y sensacional en su debut Ava Gardner, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contesse"-1954) metida en el cuerpo de esa mujer fatal llamada Kitty Collins. Y con ellos Edmond O’Brien, "Julio César" (Julius Caesar"-1953) como Jim Reardon; Albert Dekker, "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) como Big Coffax; William Conrad, "Johnny el cobarde" ("Johnny Concho"-1956) como Max; Sam Levene, "Sueño de reyes" ("A Dream of Kings"-1969) como el teniente de policia Sam Lobinsky...

  En definitiva: Obra mestra del cine negro. Una pelìcula que todo buen aficionado al cine no puede dejar de verla. Le guste o no este género.  Matricula de Honor.

  "Forajidos" Obtuvo 4 nominaciones al Oscar: Director, Guión, Banda sonora y Montaje. Este fue el año de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Como anécdota: Su estreno supuso el lanzamiento al estrellato tanto de Burt Lancaster como de Ava Gardner, hasta entonces desconocida actriz de reparto.

 

En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

      En recuerdo de: Sidney Poitier

  "Por una vez en mi vida voy a aguantarme el genio. Se va usted a quedar aqui y se quedará aunque tenga que llamar a su jefe".

  Muy buena película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John Ball. Un escritor nacido en Nueva York y muy conocido por sus novelas de misyerio y, sobre todo las involucradas al detective afroamericano Virgel Tibbs (tres de ellas llevadas al cine). Tiene en su haber el Premio Edgar a la Mejor Novela de Autores Estadounidenses.

  Del guión se hizo cargo Stirling Silliphant. Un guionista y productor nacido en Michigan. Se graduó en la escuela secundaria Sam Maners y posteriormente en la Universidad de California. Produjo varias películas independientes como por ejemplo: "Maracaibo"-1958, protagonizada y dirigida por Cornel Wilde. Como guionista escribió cerca de 50 películas donde caben de destacar "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971) y "No se compra el silencio" ("The Liberation of L.B.Jones!-1970) la última película dirigida por William Wyler. Sus documentos de trabajo están archivados en el Campus de Westwood de la Universidad de California en Los Angeles.

  "En el calor de la noche" está dirigida por Norman Jewison. Un cineasta nacido en Toronto (Canadá). Se graduó en la Universidad de su ciudad natal. Después de servir en la Armada durante la 2ª Guerra Mundial, en la primera parte de la década de los años 50 se embarcó en un viaje por el sur de Estados Unidos, donde fue sensible a los casos de desigualdad y racismo en estas zonas. Esta experiencia y los sentimientos que produjeron en Jewison formaron parte del motivo en la filmografia del realizador.

  Su debut como director fue con "Soltero en apuros" ("40 Prounds of Trouble"-1962) al que siguieron titulos como "No me mandes flores" ("Send Me No Folwers"-1964), "El arte de amar" ("The Art of Love"-1965) o "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid"-1965). Pero su primer éxito llegó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967), una extraordinaria película a medio camino entre el thriller policiaco y el cine de denuncia.

  A principios de los años 70, llegó su otro gran éxito, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971) donde retrata a modo de musical y con un excelente sentido del humor la vida de un pueblo judio en Ucrania en plena época zarista.

  Durante la segunda época de los años 70, dirigió películas de muy diferentes temáticas como la futurista "Roller ball"-1975, el gran musical de influencia hippie "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"-1973) y la comprometida "Justicia para todos" ("...And Justice for All"-1979).

  En 1981 y con su filmografia completamente asentada, Jewison fue reconocido como Oficial de la Orden de Canadá. En 1988 fundó el Centro canadiense de cine, instituto de formación de directores situado en Toronto. Durante los 80 hasta la actualidad, Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos con telefilms. Ha dirigido 10 proyectos para cine, muchos de ellos menores, aunque destacan películas como "Agnes de Dios" (Agnes of God"-1985), "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987), que supuso el Oscar psara Cher, o "Huracán Carter" ("The Huracane"-1999).Respecto al Oscar, Jewison fue nominado en numerosas ocasiones en la categoria de mejor director. Pero hasta hoy no ha conseguido ese galardón. De todas  maneras, en 1998, fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera.

  Su último trabajo para el cine ha sido con la película "La sentencia" ("The Statement"-2003) protagonizada por Michael Caine.

  Asi pues, Jewison nos lleva hasta una pequeña población de Mississippi y, en donde un policia llamado Sam Wood descubre el cadáver de un industrial. Poco después, detienen en la estación de tren a un hombre de color que, tras ser interrogado por el jefe de la policia local Bill  Gillespie, resulta ser un inspector  de la policia de Filadelfia llamado Virgil Tibbs. Ambos policias deciden colaborar para investigar el asesinato...

  La película la podriamos desrrollar en tres lineas de acción. En la primera expone la relación de colaboración necesaria y, a la vez de amor/odio entre el sheriff y el experto inspector Tibbs. Planteada con acierto y credibilidad, se desarrolla con habilidad, sentido de la ironia y toques de buen humor.

  La segunda linea viene dada por el planteamiento y el avance de la investigación sobre la autoria del crimen y cargo de un perspicaz Tibbs y un atolondrado y poco cuidadoso Gillespie. Mientras el primero busca pruebas y pistas que le lleven a identificar al asesino, el segundo busca sospechosos sin analizar ni la consistencia de los indicios, ni la validez de las pruebas.

  Y la tercera linea de la historia se centra en los incidentes de violencia provocados por racistas que no toleran que un hombre de color y forastero se mueva por el pueblo haciendo preguntas, relacionando hechos y averiguando cuestiones que desean ocultar a toda costa. En este sentido, la película sigue las lineas de un thriller vigoroso y pletórico de fuerza, aunque en algunos puntos significa las cosas mediante elipsis, justificadas y oportunas en algunos casos y excesivas en otros. Está bien construido el ambiente opresivo, tenso y conflictivo de la pequeña ciudad.

  La banda sonora fue obra de Quincy Jones. Un compositor nacido en Chicago. Su ámbito de interés musical abarca el R&B y el jazz, con frecuente tendencia a su fusión. Asi mismo, es interprete ocasional de trompeta y piano e incluso cantante. Su extensa carrera incluye grabar con Frank Sinatra, la composición de bandas sonoras para películas como por ejemplo "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), (en ambas fue nominado al Oscar), y su labor como productor de álbunes de Michael Jackson. Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy,  la Medalla Nacional de las Artes y La Legión de Honor, entre otras distinciones.

  Y en esta calurosa noche de verano, acompañando las escenas de noche con temas jazzisticos que crean un ambiente nocturno adecuado. Añade cuatro canciones propias, entre ellas "In the Heat of the Night" que canta Ray Charles y que incorpora el tema principal. Añade fragmentos hipnóticos de piano a cargo también de Ray Charles, como el corte "Mame Caleba’s Blues".

  La fotografia en color fue dirigida por Haskell Wexler. Un director de fotografia, productor y director de cine nacido en Chicago. Después de estudiar en la Universidad de California estuvo en la Marina Mercante en 1941, cuando Estados Unidos se preparaba para entrar en la 2ª Guerra Mundial. Acabado el conflicto bélico regresó a Chicago donde decidió dedicarse al cine sin tener experiencia alguna.

  Comenzó filmando películas industriales y más tarde tomó trabajos independientes como camarógrafo y se unió al Sindicato Internacional de Fotografía en 1947. En 1960 debutó en la pantalla grande con "El ojo salvaje" ("The Savage Eye") protagonizada por Gary Merrill.

  Y en este alegato contra el racismo, componiendo secuencias nocturnas de ambiente caluroso y sexual. La atmósfera tensa del relato está recogida en imágenes creadas con precisión y fuerza.

  Extraordinarios los dos principales protagonistas. Uno Sidney Poitier, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Fred"-1963) como el inspector Virgil Tibbs. El otro Rod Steiger, "Doctor Zhivago"-1965 como el jefe de policia Bill Gillespie. Y muy bien acompañados  por Warren Oates, "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970) como el policia Sam Wood; Lee Grant, "El truhán y su prenda" ("Little Miss Marker"-1980) como la señora Colbert; Larry Gates, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) como Endicott, Quentin Dean, "Juventud rebelde" ("The Young Runawaye"-1968) como Delores...

  En definitiva: Una excelente película que es todo un exponente de cine clásico con mayúsculas, aparte de ser sumamente entretenida. Sobresaliente.

  "En el calor de la noche" logró 5 Oscar en su dia: Película, Actor (Rod Steiger), Guión adapatado (Stirling Silliphant), Sonido (Walter Goss) y Montaje (Hat Ashby).

  El éxito de la película tanto de critica como de público fue tal que se rodaron dos secuelas más: "Ahora me llaman Sr. Tibbs" ("They Call Me Mister Tibbs"-1970) dirigida por Gordon Douglas y "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) diriga por Don Medford. Las dos eso si fueron protagonizadas por Sidney Poitier.

  A modo de curiosidad: El lugar donde transcurre la historia, Sparta (Mississippi), es una localidad imaginaria, pero curiosamente se rodaron algunas tomas para la película en la localidad de Sparta (Illinois).

Hasta siempre!!!

                 Sidney Poitier

              Leyenda de Hollywood

  El pasado 6 de enero y a la edad de 94 años (en febrero hubiese cumplido 95) falleció el legendario actor estadounidense Sidney Poitier.

  Nacido en Florida durante una visita de sus padres, que eran de Bahamas, Sidney Poitier se creció en la pobreza como hijo de granjeros. A la edad de 15 años, con una información y cierta inclinación hacia la delincuencia, le enviaron a Miami a vivir con su hermano.

  Su confrontación con el sistema estadounidense de segregación racial y una serie de trabajos menores le llevaron a Nueva York. Después de un breve tiempo en el ejército, se volvió a Harlem. Alli lo pasó mal por su infructuosa e impulsiva pasión por la interpreración, junto con la urgente tarea de modificar su acento original y conseguir algo de formación.

  Tras superar estas dificultades llegó a ser aceptado en el American Negro Theatre, donde su talento le llevó a trabajos de más revelancia en Broadway y finalmente a Hollywood a principios de los años 50. Desde ese momento, interpretó una serie de papeles que abrió la polémica sobre la forma de interpretar a los negros en pleno auge del movimiento por los derechos civiles.

  Son bien conocidos sus giros en la linea de desarrollo de personajes en películas tan conocidas como "Porgy & Bess"-1959; "Fugitivos" ("The Defiant Ones"-1958), "Un retazo de azul" ("A Patch  of Blue"-1965) y la que le dió el papel por el que consiguió el Oscar, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Field"-1963). Esta linea continuó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"´-1967) y "Adivina quién viene esta noche" ("Guess Who’s Coming to Dinner"-1967).

  Las criticas con sus interpretaciones argumentaban que era como un tio Tom, de piel marrón pero culturalmente "blanco" en medio de una corriente racista, y aparentemente incapaz de enfrentarse a esta condición a través de su trabajo como actor.

  Entre las respuestas a la imágen y estatus de Poitier como icono importante de esta corriente incluyen las películas "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organitation"-1971) y "Como el viento" ("Brother John"-1971). Aún asi esta perspectiva hostil suele pasar por alto los trabajos pioneros de Poitier en el tramo de la identidad racial, como "Un lunar en el sol" ("A Raisin in the Sun"-1961), o su actividad a favor de los derechos civiles.

  Asi que el auténtico ptoblema al intentar arrinconar a Poitier es que él era un artista auténtico y un pionero en la política, que demostró la necesidad de un cambio en la sociedad en los momentos de sus más grandes interpretaciones. al mismo tiempo que participaba de la corriente cultural en lugar de ignorarla.

  Desde 1997, Sidney Poitier era embajador vitalicio de Bahamas en Japón y en 2002 recibió un Oscar honorífico por toda su trayectoria cinematigráfica. Escribió dos libros autobiográficos, "The Life" (1980) y "The Measure of a Man: A Spiritual Autobiography" (2000).

  Sidney Poitier - Miami (Florida) - 20 - febrero - 1927 - Los Angeles (California) - 6 - enero - 2022.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!

 

Dias sin huella (The Lost Weekend -1945)

  Helen.- ¿Serás bueno, verdad cariño?

  Don.- Si Helen. ¿Pero podrias dejar de vijilarme todo el tiempo?. Dejar que lo haga a mi manera. ¡Lo estoy intentando!

  Helen.- Ya se que lo intentas, Don. Los dos lo intentamos. Tu intentas dejar la bebida... y yo intento no dejar de amarte.

  Obra maestra de género dramático (alcoholísmo) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles R. Jackson. Un editor nacido en Nueva Jersey. De joven trabajó como editor de periódicos locales y en varias librerias de Chicago y Nueva York. De 1927 a 1931 estuvo confinado en un sanatorio por tuberculosis. Una vez curado regresó a NuevaYork y estuvo un tiempo como editor independiente escribiendo para la radio. Su primera novela la escribió en 1939 titulada "Domingo de Ramos". En 1945 fue contratado por la Paramount donde pasó la mayor parte de su carrera. Aunque a decir verdad solamente escribió para el cine "Dias sin huella", el resto fue para la televisión en series como por ejemplo: "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1958-1963), interpretada por James Franciscus.

  Del guión se hicieron cargo Charles Brackett. Un novelista, guonista y productor de cine nacido en Nueva York. En 1915 se graduó en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920 y la segunda en 1925 que llemó la atención a Hrold Ross que le ofreció un trabajo teatral. Mas tarde se trasladó a Hollywood y empezó como guionista para el cine. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematigráficos y entre 1945 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Recbió tres Oscar al mejor guión por "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953). En 1955 se le concedió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Considerado como uno de los mejores guionístas y directores que haya dado Hollywood, resumió en cierta ocasión su carrera en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hubiera gustado ver". Wilder se encuentra entre algunas de las imágenes y las frases máa memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco y vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos travestidos en "Con faldas y a lo loco" ("Some Like it Hot"-1959) o el convincente Fred MacMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Indemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939.

  Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eclécticos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus peliculaa se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda parecer extraño en un director tan asociado con la comedia, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria-Hungria que más tarde se anexionaria Polonia. Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wildrr descubrió su interés por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris, donde debutó como director con "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934). Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine de alli, convirtiéndose en un notable guionista de películas.

  Quizá debido a que el inglés no era su lengua materna, a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clasicas, entre ellas "Ninotchka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941). Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett.

  La colaboración con el escritor de comedias negras Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar la primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Indemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración en voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intensos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir películas de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"-1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera I. A. L. Diamond, "Ariane" ("Love in the Afterneon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Wilder y Diamond colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. asi crearon las sublimes comedias "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte de un reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impedió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  Asi pues, el gran Wilder nos lleva hasta Nueva York a lo largo de unos cinco dias, y nos mete en la vida de Don Birnam, un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido fisica y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Con tal de seguir bebiendo es capaz de todo, incluso de robar. Tanto su prometida Helen como su hermano Wick intentan por todos los medios regenerarlo, pero sus esfuerzos parecen estériles...

  Una obra maestra . Si señor. Y en donde marcó un hito en las películas sobre el alcoholísmo como por ejempo "El hombre del brazo de oro" ("The Man With the Golden Arm"-1955) de Otto Preminger, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) de Blake Edwards y posteriormente "Leaving Las Vegas"-1955 de Mike Figgis. Pero "Dias sin huella" sea posiblemente la que ofrece una mejor descripción del malestar psquico y del estado subjetivo del adicto.

  La película nos explica el proceso de turbacion y angustia creciente que se apodera del protagonista, de su ansiedad y del tormentoso "delirium tremens". Wilder resuelve las escenas culminantes con sencillez y una poderosa eficacia visual.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su pélicula "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por, "Recuerda" ("Spelibound-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.

  Y en esta huella de Wilder haciendo uso de un moderno instrumento, el "theremin" en los momentos de las crisis etílicas. La partitura es dramática e inquietante. Añade un fragmento de la festiva primera aria del primer acto de "La Traviata" de Verdi, y dos canciones del momento: "It Was So Beatiful" y "Lovise", ambas a cargo de un vocalista del piano-bar.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por John F. Sertz. Un director de fotografia nacido en Chicago. Su carrera en Hollywood comenzó en 1908, como ayudante de laboratorio. En 1916, durante la época del cine mudo, se estableció por su cuenta, logrando un gran éxito en la pelìcula de Rodolfo Valentino "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse"-1921). Era el favorito de Billy Wildir trabajando con él en numerosas películas. A lo largo de su carrera fue nominado en siete ocasiones al Oscar. En 1929 fue presidente de la American Society of Cinematographers (A.S.C.), donde permaneció durante varios años.

  Y en esta historia de la bajada a los infiernos ofreciéndonos unas imágenes que trata de reproducir la visión turbia y confusa de un embriagado. Impregna la narración de realismo al rodar en las calles de Nueva York con cámaras ocultas. Usando con frecuencia luces de posteriores, que perfilan las siluetas y crean ambientes deprimentes.

  Inmenso Ray Milland (posiblemente en su mejor película), "El desfiladero del cobre" ("Cooper Canyon"-1950), metido hasta el infinito en el cuerpo de Don Birnan, ese escritor fracasado por culpa del alcohol. Y con el gran Milland, la extraordinaria Jane Wyman, "Trigo y esmeralda" ("So Big"-1953) dando vida a Helen la sufrida novia de Don.

  Y con ellos Phillip Terry, "Adorable mentirosa" ("Music in Manhattan"-1944) como Nick el hermano de Don; Howard da Silva, Nevada Smith"-1966 como Nat; Doris Dowling, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949) como Gloria...

  En definitiva: Una pelicula que es una durísima visión sobre los problemas del alcohol y sobre el fracaso. Y en donde para mi, el espectador quiza sienta un fuerte rechazo por el cual le impedirá probar ni una gota de alcohol en el resto de su vida. Matricula de Honor.

  "Dias sin huella" logró 4 Oscar en su dia: Mejor película, Director, Actor (Ray Milland) y Guión adaptado (Charles Brackett y Billy Wilder).

  A modo anecdótico: El papel protagonísta se lo ofrecieron en primer lugar a Cary Grant y luego a José Ferrer. Ambos declinaron la invitación porque temian que perjudicara su imágen. La tercera opción fue para Ray Milland, un actor que no estaba entre los primeros, pero que encajaba muy bien en el personaje y que compone el que para muchos que fue el papel de su vida.

 

 

 

 

Cita en San Luis (Meet Me in St.Louis - 1944 )

  "Es nuestro último baile en San Luis, siento que voy a llorar".

  Muy bonita película de género musical y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Sally Benson. Una guionísta y escritora de cuentos nacida en San Luis. Sus comienzos fueron escribiendo articulos de entrevistas semanales y reseñas de películas para el New York Morning Telegraph y entre 1929 y 1941 publicó cerca de 100 historias en el The New Yorker algunas de ellas con el seudónimo de Esther Evarts. Su trabajo para el cine aparte de "Cita en San Luis" incluyen películas como: "La sombra de una duda" ("Shadows of a Doubt"-1943), "Hablan las campanas" ("Come to the Stable"-1949), "Un verano mágico" ("Summer Magic"-1963), "Cita en Las Vegas"-1964 y "Dominique" ("The Sing Nun"-1966). Su guión "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam"-1946) fue nominado al Oscar.

  Del guión se hicieron cargo Fred F. Finklehoffe e Irving Brecher. El primero fue un productor y escritor nacido en Pensilvania. Estudió en el Instituto Militar de Virginia donde conoció a su compañero y también escritor John Mouks Jr.. Entre ambos escribieron una obra de teatro en 1936 titulada "Brther Rat", también escribieron un musical para la MGM en 1940. En solitario esccribió varios guiones para peliculas de Dean Martin y Jerry Lewis además de bastantes musicales para la MGM.

  En cuanto a Brecher. Fue otro guionísta nacido en Nueva York. Sus comiezos fueron como acomodador en un cine de Manhattan a los 19 años al mismo tiempo que escribia chistes y los enviaba a los columnistas de periodicos y al por aquel entonces aún no muy famoso Ed Sullivan. Como guionísta de cine comenzó en 1937 escribiendo varios guiones para los hermanos Marx. Estuvo nominado una sola vez al Oscar precisamente junto a Finklehoffe con "Cita en San Luis".

  "Cita en San Luis" está dirigida por Vincente Minnelli. Un director (apodado el padre del musical), nacido en Chicago. Antes de convertirse en director de decorados y de vestuario, y luego en director en Broadway, Minnelli tuvo una experiencia temprana como actor infantil. El famoso productor de musicales Arthur Fred lo llevó a Hollywood. Tras dirigir varios números musicales en algunas películas de Busby Barkeley, Minnelli debutó como director con la película "Una cabaña en el cielo" ("Cabin in the Sky"-1943).

  Su talento como creador de películas elegantes y director de actores se hizo evidente en "Cita en San Luis" ("Meet Me in St. Louis"-1944), con Judy Garland. En 1945 se casó con Judy, la primera de sus cuatro esposas, y de este matrimonio nacería en 1946 la cantante y actriz Liza Minnelli. Siguieron algunos musicales más, entre ellos "El pirata" ("The Pirate"-1948), donde también participaba Judy Garland, y el innovador "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951). En esta última hizo su debut cinematográfico Leslie Caron, y también trabajó Gene Kelly, que estaba en el mejor momento de su carrera. Su obra destacó por su belleza visual, según sus propias palabras: "Lo que se busca en las películas, lo que se intenta crear es un poco de magia".

  Aunque Minnelli siguió dirigiendo musicales mágicos, como "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953), con Fred Astaire y "Gigi"-1958 con Leslie Caron y Maurice Chevalier, cada vez se inclinaba más por la comedia, con películas como "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), y por los melodramas como "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952), donde Kirk Douglas interpreta a un director hollywoodiense melagómeno.

  Los dramas de este periodo igual de memorables conservan el estilo personal unido a un trabajo fluido y a un elegante diseño. Entre ellos están "La tela de araña" ("Cobweb"-1955), un drama médico con un elenco estelar; "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), con Kirk Douglas en el papel de Vincent van Gogh y "Co él llegó el escándalo" ("Home from the Hill"-1960), con Robert Mitchum. Su último trabajo fue con la película "Nina"-1976, protagonizada por Liza Minnelli e Ingrid Bergman.

  Asi pues, el gran Minnelli, nos lleva hasta el año 1903 y nos mete en la vida del matrimonio Smith, afincado en San Luis, tienen cuatro preciosas hijas. Una de ellas, Esther de 17 años, se enamora de un vecino que acaba de instalarse en la ciudad. Sin embargo, la familia y en especialmente Esther, tienen un enorme disgusto cuando su padre les anuncia que deben de trasladarse a vivir a Nueva York por motivos de trabajo...

  La película digamos que se presenta dividida en cuatro secuencias, referidas al verano y otoño de 1903 y al invierno y otoño de 1904. Cada secuencia viene precedida de una postal con la imágen de la casa familiar ambientada con los colotres y los signos propios de la estación del año que introduce.

  La banda sonora corrió a cargo de George Stoll. Un director musical y compositor nacido en Minnesota. Su debut musical lo hizo como un niño prodigio del violín. En 1937 lo contrató la MGM donde practicamente estuvo toda su carrera musical cinematigráfica. Estuvo nominado al Oscar en nueve ocasiones. Entre sus grandes trabajos musicales caben de destacar "El mago de Oz" ("Wizard of Oz"-1939), "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945), "El principe estudiante" ("The Studiant Prince"-1954) , entre otros muchos más.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones orquestales que incluyen cuerdas, viento, percusión y piano, de cine moderno (en términos de 1944), alegre, dinámico y optimista, con algunos toques "country" y "folk". Las canciones aportan titulos de gran solidez como: "The Trolley Song" (nominada al Oscar), "The Boy Next Door", "Meet Me In Saint Louis", "Under The Bomboo Tree" y otras.. La música, las canciones, la coreografía y el baile se integran en el desarrollo de la acción, de modo que le dan continuedad y la hacen avanzar.

  La fotografía en un lujoso y explosivo color fue dirigida por George J. Folsey. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Su primer trabajo fue como empleado en una oficina recién fundada por Jesse L. Lasky Feature Play Company en Nueva York con la que fotografió varias películas mudas. Más tarde fue contratado por la Paramount Pictures que tenia su sede en la ciudad de los rascacielos. Y tiempo después emigró a Hollywood contratado por la MGM, donde pasó la mayor parte de su carrera. Fue nominado al Oscar en tres ocasiones pero nunca lo consiguió. Estos son algunos de sus trabajos: "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), "El último torpedo" ("Torpedo Run"-1958) y "Glass Houses"-1972) entre otros.

  Y aqui, vistiéndose de gala para ofrecernos un espectáculo visual espléndido de colores puros. intensos, variados y bien contrastados.

  Inmejorables todos los actores con una Judy Garland "El pirata" ("The Pirate"-1948) a la cabeza, dando vida a Esther. Y seguida por Margaret O’Brien, "Mujercitas" ("Little Women"-1949) como "Tootle"; Lucille Bremer, "Hasta que las nubes pasen2 ("Till the Clouds Roll By"-1940) como Rose, Mary Astor ("El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) y Leon Ames, "El sabio en apuros" ("Son of Flobber"-1963) como Anna y Alonzo Smith, los padres de las chicas.

  En definitiva: Una muy bonita película, muy bien dirigida con unas grandes interpretaciones y sin olvidar su fabuloso color. Sobresaliente.

  "Cita en San Luis" obtuvo cuatro nominaciones al Oscar: Canción, Fotografia en color, Banda sonora (musical) y Guión.

  A modo de curiosidad: Esta película proporcionó a la MGM el mayor éxito de público después de"Lo que el viento se llevó" ("Goone with the wind"-1939).