Forajidos (The Killers-1946)

  Sueco.- ¿Por qué volviste con él?

  Kitty.- Tal vez por que le odio. Soy un veneno para mi y para los que me rodean. Tengo miedo de estar con quienes quiero por el daño que les hago.

  Obra maestra total y absoluta de género cine negro y de nacionalidad essadounidense, sacada de un relato corto de Ernest Hemingway. Un escritor y periodista nacido en Illinois y uno de los escritores principales del siglo XX. Su estilo sobrio tuvo una gran influencia sobre la ficción del siglo XX, mientras que su vida de aventuras y su imágen pública dejó huellas en las generaciones posteriores. Fue Premio  Pulitzer en 1953 y Premio Nobel en 1954.

  Muchas de sus novelas fueron llevadas al cine como por ejemplo: "Por quién doblan las campanas" ("For Whom the Bell Tolls"-1943) dirigida por Sam Wood y "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows of Kilimanjaro"-1952) dirigida por Henry King.

  Del guión se hicieron cargo dos cineastas de fama mundial: Richard Brooks y John Huston. Brooks un director, productor y guionista nacido en Pensilvania. Un hombre que siempre tendió a rodar adaptaciones de gran peso literario, generalmente realizando versiones cinematigráficas satistactorias. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones y lo logró como mejor guión adoptado por "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960), película que también fue  fue dirigida por él.

  Huston otro director, guionísta y actor nacido en Nevada. Como director realizó 37 películas, escribiendo la mayoria de los guiones de estas. Está considerado como uno de los mejores directores del cine clásico estadounidense, pese a que se encuentra minusvalorado por ciertos sectores de la critica. Estuvo nominado en numerosas ocasiones al Oscar tanto como director como guionista. Como director y guionista a la vez ganó el Oscar por "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"-1948).

  "Forajidos" está dirigida por Robert Siodmak. Un director nacido en Dresde (Alemania). Sus comienzos fueron como director teatral y banquero antes de dedicarse al cine. Su debut como director fue con la película muda "Los hombres del domingo" ("People  on Sunday"-1930), colaboró con otros dos futuros grandes del cine, Billy Wilder y Fred Zinnemann. Como era judio su carrera en Alemania se truncó cuando los nazis subieron al poder y, en 1940 se trasladó a Hollywood.

  Para obtener un visado para entrar en Estados Unidos, aseguró haber nacido en Memphis (Tennesse) cuando sus padres estaban alli de vacaciones. Sus primeros trabajos fueron thrillers y películas de terror de bajo presupuesto, pero se ganó un prestigio con algunas películas de cine negro impresionantemente dirigidas a finales de los años 40.

  En "La escalera de caracol" ("The Spiral Staircase"-1945) un drama de época sobre un asesino en serie que ataca a las mujeres vulnerables, Siodmak utilizó magistralmente su principal escenario, una siniestra casa victoriana.

  El uso de luces y sombras es ejemplar en "Forajidos" (·The Killers"-1946), donde Ava Gardner da vida a una mujer fatal que sella el destino de Burt Lancaster. En A través del espejo" ("The Dark Mirror"-1946), Olivia de Havilland interpreta a dos gemelas, una de ellas sospechosa de asesinato y "En una vida marcada" ("Cry of te City"1948) Victor Mature es un policia enfrentado  al asesino Richard Conte a quien conoce desde la infancia.

  Burt Lancaster vuelve a ser victima de una mujer fatal, esta es Yvonne de Carlo en "El abrazo de la muerte" ("Criss Cross"-1949). Todas estas películas se caracterizan por su ambientación imaginativa, su fotografia cautivadora y el agudo ojo de Siosmak para los personajes secundarios raros.

  Volvió a su Alemania natal donde realizó varias películas más, con su última incursión en el cine hablado en inglés, "La última aventura del general Custer" ("Custer of the West"-1966), western de alto presupuesto rodada con el sistema Cinerama.

  Asi pues, Siodmak nos lleva hasta Brenfwood, una pequeña localidad aislada, y en donde dos matones irrumpen en la ciudad para asesinar a un tal Ole Anderson, un antiguo boxeador, expresidiario y colaborador de una banda criminal que abandonó hace un año. Con ella participó en un  atraco, cuyo botin (250.000 dólares) desapareció. Ole apodado "el sueco", lleva escondido un año, donde trabajaba como encargado de una gasolinera...

  La secuencia inicial plantea al espectador tres interrogantes: ¿Por qué matan a Ole?. ¿Quién ordenó su muerte?. Y ¿Por qué Ole espera a sus asesinos con resignación?.

  Las respuestas a estas preguntas constituyen el nudo argumental de la película...

  La película para mi, es todo una obra de arte del cine negro americano. Es sobresaliente su estructura narrativa, basada en numerosos flasbacks (11 en total), que recuerdan la de "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941). Los flashbacks son subjetivos, salvo uno (el atraco) y se presentan distribuidos sin atender el orden cronológico de los hechos.

  El formato confiere a la historia un aire realista de tono documentalista, que eleva el dramatismo. Presenta una de las mujeres fatales, Kelly Collins, más malvadas, de extraordinaria belleza, gran sensualidad y fuerte atractivo, capaz de arrastrar a hombres de buen corazón a su perdición.

  La estética visual es marcadamente expresionista con sombras exageradas, contraluces siniestros, zonas intensamente oscuras, escenas nocturnas inquietantes y personajes desalmados. se crea una atmósfera densa, de inusitada tensión y expectación.

  La acción se encadena al hilo del proceso de investigación de Jim Roarson, empleado de una compañia de seguros, interesado en resolver el caso, pese a la indiferencia de la policia y contra las prioridades de si jefe inmediato. Hacia el final, Roarson se sienta en una butaca, de espaldas al espectador, sugeriendo su identificación con él y su agradecimiento por la atención con la que han seguido su trabajo.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rozsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por "Recuerda" ("Speibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y por la oscarizada "Ben-Hur"-1959.

  Y aqui  mostrándonos unos temas intensamente dramáticos ("Main Tittle"), desoladores ("Prision Stars"), liricos (solo de violín de "Ole espera a sus asesinos") y melancólicos con toques trágicos ("Exit Theme"). Los crescendos de tensión se subrayan con aceleraciones de las notas del piano. Incluye la canción original "The More I Know Of Love", que canta Killy.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por Elwood Bredell. Un director de fotografia nacido en Indiana. Después de trabajar como actor adolescente en peliculas mudas consiguió un trabajo como técnico de laboratorio de estudio, mientras cultivaba su talento por la fotografía desde 1925 hasta 1934 trabajó como fotógrafo fijo para la RKO y Paramout. En este último estudio fue aprendiz de los cineastas Charles Lang y Arthur C. Miller. En 1936 se marchó a la Universal donde continuó su formación con Joseph Valentine y, en 1938 fue ascendido a director de fotografía.

  Entre sus más de 50 películas como guionista en su haber caben de destacar entre otras: "La venus de la selva" ("South of Tahiti".1941), "Romanza en alta mar" ("Romance on the High Seas"-1948) y su última película "Selva femenina" ("Fenele Jungle"-1951) protagonizada por Jane Mansfield.

  Y aqui, ofreciéndonos una narración visual de gran calidad plástica.

  Magnífico Burt Lancaster, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) dando vida a Ole Anderson "el sueco", y sensacional en su debut Ava Gardner, "La condesa descalza" ("The Barefoot Contesse"-1954) metida en el cuerpo de esa mujer fatal llamada Kitty Collins. Y con ellos Edmond O’Brien, "Julio César" (Julius Caesar"-1953) como Jim Reardon; Albert Dekker, "Al este del Edén" ("East of Eden"-1955) como Big Coffax; William Conrad, "Johnny el cobarde" ("Johnny Concho"-1956) como Max; Sam Levene, "Sueño de reyes" ("A Dream of Kings"-1969) como el teniente de policia Sam Lobinsky...

  En definitiva: Obra mestra del cine negro. Una pelìcula que todo buen aficionado al cine no puede dejar de verla. Le guste o no este género.  Matricula de Honor.

  "Forajidos" Obtuvo 4 nominaciones al Oscar: Director, Guión, Banda sonora y Montaje. Este fue el año de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Como anécdota: Su estreno supuso el lanzamiento al estrellato tanto de Burt Lancaster como de Ava Gardner, hasta entonces desconocida actriz de reparto.

 

En el calor de la noche (In the Heat of the Night - 1967)

      En recuerdo de: Sidney Poitier

  "Por una vez en mi vida voy a aguantarme el genio. Se va usted a quedar aqui y se quedará aunque tenga que llamar a su jefe".

  Muy buena película de género policiaco y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de John Ball. Un escritor nacido en Nueva York y muy conocido por sus novelas de misyerio y, sobre todo las involucradas al detective afroamericano Virgel Tibbs (tres de ellas llevadas al cine). Tiene en su haber el Premio Edgar a la Mejor Novela de Autores Estadounidenses.

  Del guión se hizo cargo Stirling Silliphant. Un guionista y productor nacido en Michigan. Se graduó en la escuela secundaria Sam Maners y posteriormente en la Universidad de California. Produjo varias películas independientes como por ejemplo: "Maracaibo"-1958, protagonizada y dirigida por Cornel Wilde. Como guionista escribió cerca de 50 películas donde caben de destacar "Harry el sucio" ("Dirty Harry"-1971) y "No se compra el silencio" ("The Liberation of L.B.Jones!-1970) la última película dirigida por William Wyler. Sus documentos de trabajo están archivados en el Campus de Westwood de la Universidad de California en Los Angeles.

  "En el calor de la noche" está dirigida por Norman Jewison. Un cineasta nacido en Toronto (Canadá). Se graduó en la Universidad de su ciudad natal. Después de servir en la Armada durante la 2ª Guerra Mundial, en la primera parte de la década de los años 50 se embarcó en un viaje por el sur de Estados Unidos, donde fue sensible a los casos de desigualdad y racismo en estas zonas. Esta experiencia y los sentimientos que produjeron en Jewison formaron parte del motivo en la filmografia del realizador.

  Su debut como director fue con "Soltero en apuros" ("40 Prounds of Trouble"-1962) al que siguieron titulos como "No me mandes flores" ("Send Me No Folwers"-1964), "El arte de amar" ("The Art of Love"-1965) o "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid"-1965). Pero su primer éxito llegó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967), una extraordinaria película a medio camino entre el thriller policiaco y el cine de denuncia.

  A principios de los años 70, llegó su otro gran éxito, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971) donde retrata a modo de musical y con un excelente sentido del humor la vida de un pueblo judio en Ucrania en plena época zarista.

  Durante la segunda época de los años 70, dirigió películas de muy diferentes temáticas como la futurista "Roller ball"-1975, el gran musical de influencia hippie "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"-1973) y la comprometida "Justicia para todos" ("...And Justice for All"-1979).

  En 1981 y con su filmografia completamente asentada, Jewison fue reconocido como Oficial de la Orden de Canadá. En 1988 fundó el Centro canadiense de cine, instituto de formación de directores situado en Toronto. Durante los 80 hasta la actualidad, Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos con telefilms. Ha dirigido 10 proyectos para cine, muchos de ellos menores, aunque destacan películas como "Agnes de Dios" (Agnes of God"-1985), "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987), que supuso el Oscar psara Cher, o "Huracán Carter" ("The Huracane"-1999).Respecto al Oscar, Jewison fue nominado en numerosas ocasiones en la categoria de mejor director. Pero hasta hoy no ha conseguido ese galardón. De todas  maneras, en 1998, fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera.

  Su último trabajo para el cine ha sido con la película "La sentencia" ("The Statement"-2003) protagonizada por Michael Caine.

  Asi pues, Jewison nos lleva hasta una pequeña población de Mississippi y, en donde un policia llamado Sam Wood descubre el cadáver de un industrial. Poco después, detienen en la estación de tren a un hombre de color que, tras ser interrogado por el jefe de la policia local Bill  Gillespie, resulta ser un inspector  de la policia de Filadelfia llamado Virgil Tibbs. Ambos policias deciden colaborar para investigar el asesinato...

  La película la podriamos desrrollar en tres lineas de acción. En la primera expone la relación de colaboración necesaria y, a la vez de amor/odio entre el sheriff y el experto inspector Tibbs. Planteada con acierto y credibilidad, se desarrolla con habilidad, sentido de la ironia y toques de buen humor.

  La segunda linea viene dada por el planteamiento y el avance de la investigación sobre la autoria del crimen y cargo de un perspicaz Tibbs y un atolondrado y poco cuidadoso Gillespie. Mientras el primero busca pruebas y pistas que le lleven a identificar al asesino, el segundo busca sospechosos sin analizar ni la consistencia de los indicios, ni la validez de las pruebas.

  Y la tercera linea de la historia se centra en los incidentes de violencia provocados por racistas que no toleran que un hombre de color y forastero se mueva por el pueblo haciendo preguntas, relacionando hechos y averiguando cuestiones que desean ocultar a toda costa. En este sentido, la película sigue las lineas de un thriller vigoroso y pletórico de fuerza, aunque en algunos puntos significa las cosas mediante elipsis, justificadas y oportunas en algunos casos y excesivas en otros. Está bien construido el ambiente opresivo, tenso y conflictivo de la pequeña ciudad.

  La banda sonora fue obra de Quincy Jones. Un compositor nacido en Chicago. Su ámbito de interés musical abarca el R&B y el jazz, con frecuente tendencia a su fusión. Asi mismo, es interprete ocasional de trompeta y piano e incluso cantante. Su extensa carrera incluye grabar con Frank Sinatra, la composición de bandas sonoras para películas como por ejemplo "A sangre fria" ("In Cold Blood"-1967) y "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), (en ambas fue nominado al Oscar), y su labor como productor de álbunes de Michael Jackson. Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy,  la Medalla Nacional de las Artes y La Legión de Honor, entre otras distinciones.

  Y en esta calurosa noche de verano, acompañando las escenas de noche con temas jazzisticos que crean un ambiente nocturno adecuado. Añade cuatro canciones propias, entre ellas "In the Heat of the Night" que canta Ray Charles y que incorpora el tema principal. Añade fragmentos hipnóticos de piano a cargo también de Ray Charles, como el corte "Mame Caleba’s Blues".

  La fotografia en color fue dirigida por Haskell Wexler. Un director de fotografia, productor y director de cine nacido en Chicago. Después de estudiar en la Universidad de California estuvo en la Marina Mercante en 1941, cuando Estados Unidos se preparaba para entrar en la 2ª Guerra Mundial. Acabado el conflicto bélico regresó a Chicago donde decidió dedicarse al cine sin tener experiencia alguna.

  Comenzó filmando películas industriales y más tarde tomó trabajos independientes como camarógrafo y se unió al Sindicato Internacional de Fotografía en 1947. En 1960 debutó en la pantalla grande con "El ojo salvaje" ("The Savage Eye") protagonizada por Gary Merrill.

  Y en este alegato contra el racismo, componiendo secuencias nocturnas de ambiente caluroso y sexual. La atmósfera tensa del relato está recogida en imágenes creadas con precisión y fuerza.

  Extraordinarios los dos principales protagonistas. Uno Sidney Poitier, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Fred"-1963) como el inspector Virgil Tibbs. El otro Rod Steiger, "Doctor Zhivago"-1965 como el jefe de policia Bill Gillespie. Y muy bien acompañados  por Warren Oates, "El dia de los tramposos" ("There Was a Crooked Man"-1970) como el policia Sam Wood; Lee Grant, "El truhán y su prenda" ("Little Miss Marker"-1980) como la señora Colbert; Larry Gates, "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat on a Hot Tin Roof"-1958) como Endicott, Quentin Dean, "Juventud rebelde" ("The Young Runawaye"-1968) como Delores...

  En definitiva: Una excelente película que es todo un exponente de cine clásico con mayúsculas, aparte de ser sumamente entretenida. Sobresaliente.

  "En el calor de la noche" logró 5 Oscar en su dia: Película, Actor (Rod Steiger), Guión adapatado (Stirling Silliphant), Sonido (Walter Goss) y Montaje (Hat Ashby).

  El éxito de la película tanto de critica como de público fue tal que se rodaron dos secuelas más: "Ahora me llaman Sr. Tibbs" ("They Call Me Mister Tibbs"-1970) dirigida por Gordon Douglas y "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) diriga por Don Medford. Las dos eso si fueron protagonizadas por Sidney Poitier.

  A modo de curiosidad: El lugar donde transcurre la historia, Sparta (Mississippi), es una localidad imaginaria, pero curiosamente se rodaron algunas tomas para la película en la localidad de Sparta (Illinois).

Hasta siempre!!!

                 Sidney Poitier

              Leyenda de Hollywood

  El pasado 6 de enero y a la edad de 94 años (en febrero hubiese cumplido 95) falleció el legendario actor estadounidense Sidney Poitier.

  Nacido en Florida durante una visita de sus padres, que eran de Bahamas, Sidney Poitier se creció en la pobreza como hijo de granjeros. A la edad de 15 años, con una información y cierta inclinación hacia la delincuencia, le enviaron a Miami a vivir con su hermano.

  Su confrontación con el sistema estadounidense de segregación racial y una serie de trabajos menores le llevaron a Nueva York. Después de un breve tiempo en el ejército, se volvió a Harlem. Alli lo pasó mal por su infructuosa e impulsiva pasión por la interpreración, junto con la urgente tarea de modificar su acento original y conseguir algo de formación.

  Tras superar estas dificultades llegó a ser aceptado en el American Negro Theatre, donde su talento le llevó a trabajos de más revelancia en Broadway y finalmente a Hollywood a principios de los años 50. Desde ese momento, interpretó una serie de papeles que abrió la polémica sobre la forma de interpretar a los negros en pleno auge del movimiento por los derechos civiles.

  Son bien conocidos sus giros en la linea de desarrollo de personajes en películas tan conocidas como "Porgy & Bess"-1959; "Fugitivos" ("The Defiant Ones"-1958), "Un retazo de azul" ("A Patch  of Blue"-1965) y la que le dió el papel por el que consiguió el Oscar, "Los lirios del valle" ("Lilles of the Field"-1963). Esta linea continuó con "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"´-1967) y "Adivina quién viene esta noche" ("Guess Who’s Coming to Dinner"-1967).

  Las criticas con sus interpretaciones argumentaban que era como un tio Tom, de piel marrón pero culturalmente "blanco" en medio de una corriente racista, y aparentemente incapaz de enfrentarse a esta condición a través de su trabajo como actor.

  Entre las respuestas a la imágen y estatus de Poitier como icono importante de esta corriente incluyen las películas "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organitation"-1971) y "Como el viento" ("Brother John"-1971). Aún asi esta perspectiva hostil suele pasar por alto los trabajos pioneros de Poitier en el tramo de la identidad racial, como "Un lunar en el sol" ("A Raisin in the Sun"-1961), o su actividad a favor de los derechos civiles.

  Asi que el auténtico ptoblema al intentar arrinconar a Poitier es que él era un artista auténtico y un pionero en la política, que demostró la necesidad de un cambio en la sociedad en los momentos de sus más grandes interpretaciones. al mismo tiempo que participaba de la corriente cultural en lugar de ignorarla.

  Desde 1997, Sidney Poitier era embajador vitalicio de Bahamas en Japón y en 2002 recibió un Oscar honorífico por toda su trayectoria cinematigráfica. Escribió dos libros autobiográficos, "The Life" (1980) y "The Measure of a Man: A Spiritual Autobiography" (2000).

  Sidney Poitier - Miami (Florida) - 20 - febrero - 1927 - Los Angeles (California) - 6 - enero - 2022.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!

 

Dias sin huella (The Lost Weekend -1945)

  Helen.- ¿Serás bueno, verdad cariño?

  Don.- Si Helen. ¿Pero podrias dejar de vijilarme todo el tiempo?. Dejar que lo haga a mi manera. ¡Lo estoy intentando!

  Helen.- Ya se que lo intentas, Don. Los dos lo intentamos. Tu intentas dejar la bebida... y yo intento no dejar de amarte.

  Obra maestra de género dramático (alcoholísmo) y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Charles R. Jackson. Un editor nacido en Nueva Jersey. De joven trabajó como editor de periódicos locales y en varias librerias de Chicago y Nueva York. De 1927 a 1931 estuvo confinado en un sanatorio por tuberculosis. Una vez curado regresó a NuevaYork y estuvo un tiempo como editor independiente escribiendo para la radio. Su primera novela la escribió en 1939 titulada "Domingo de Ramos". En 1945 fue contratado por la Paramount donde pasó la mayor parte de su carrera. Aunque a decir verdad solamente escribió para el cine "Dias sin huella", el resto fue para la televisión en series como por ejemplo: "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1958-1963), interpretada por James Franciscus.

  Del guión se hicieron cargo Charles Brackett. Un novelista, guonista y productor de cine nacido en Nueva York. En 1915 se graduó en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920 y la segunda en 1925 que llemó la atención a Hrold Ross que le ofreció un trabajo teatral. Mas tarde se trasladó a Hollywood y empezó como guionista para el cine. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematigráficos y entre 1945 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Recbió tres Oscar al mejor guión por "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953). En 1955 se le concedió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Considerado como uno de los mejores guionístas y directores que haya dado Hollywood, resumió en cierta ocasión su carrera en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hubiera gustado ver". Wilder se encuentra entre algunas de las imágenes y las frases máa memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco y vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos travestidos en "Con faldas y a lo loco" ("Some Like it Hot"-1959) o el convincente Fred MacMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Indemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939.

  Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eclécticos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus peliculaa se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda parecer extraño en un director tan asociado con la comedia, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria-Hungria que más tarde se anexionaria Polonia. Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wildrr descubrió su interés por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris, donde debutó como director con "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934). Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine de alli, convirtiéndose en un notable guionista de películas.

  Quizá debido a que el inglés no era su lengua materna, a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clasicas, entre ellas "Ninotchka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941). Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett.

  La colaboración con el escritor de comedias negras Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar la primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Indemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración en voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intensos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir películas de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"-1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera I. A. L. Diamond, "Ariane" ("Love in the Afterneon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Wilder y Diamond colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. asi crearon las sublimes comedias "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte de un reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impedió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  Asi pues, el gran Wilder nos lleva hasta Nueva York a lo largo de unos cinco dias, y nos mete en la vida de Don Birnam, un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido fisica y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Con tal de seguir bebiendo es capaz de todo, incluso de robar. Tanto su prometida Helen como su hermano Wick intentan por todos los medios regenerarlo, pero sus esfuerzos parecen estériles...

  Una obra maestra . Si señor. Y en donde marcó un hito en las películas sobre el alcoholísmo como por ejempo "El hombre del brazo de oro" ("The Man With the Golden Arm"-1955) de Otto Preminger, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) de Blake Edwards y posteriormente "Leaving Las Vegas"-1955 de Mike Figgis. Pero "Dias sin huella" sea posiblemente la que ofrece una mejor descripción del malestar psquico y del estado subjetivo del adicto.

  La película nos explica el proceso de turbacion y angustia creciente que se apodera del protagonista, de su ansiedad y del tormentoso "delirium tremens". Wilder resuelve las escenas culminantes con sencillez y una poderosa eficacia visual.

  La banda sonora fue obra de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzeg y alli le aconsejaron viajar a Paris cosa que hizo en 1932, más tarde se estableció en Londres y alli su amigo y compatriota Alexander Korda se lo llevó a Hollywood para poner música a su pélicula "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940), por donde pasó el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas. Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones obteniéndolo en 3 por, "Recuerda" ("Spelibound-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959.

  Y en esta huella de Wilder haciendo uso de un moderno instrumento, el "theremin" en los momentos de las crisis etílicas. La partitura es dramática e inquietante. Añade un fragmento de la festiva primera aria del primer acto de "La Traviata" de Verdi, y dos canciones del momento: "It Was So Beatiful" y "Lovise", ambas a cargo de un vocalista del piano-bar.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigida por John F. Sertz. Un director de fotografia nacido en Chicago. Su carrera en Hollywood comenzó en 1908, como ayudante de laboratorio. En 1916, durante la época del cine mudo, se estableció por su cuenta, logrando un gran éxito en la pelìcula de Rodolfo Valentino "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse"-1921). Era el favorito de Billy Wildir trabajando con él en numerosas películas. A lo largo de su carrera fue nominado en siete ocasiones al Oscar. En 1929 fue presidente de la American Society of Cinematographers (A.S.C.), donde permaneció durante varios años.

  Y en esta historia de la bajada a los infiernos ofreciéndonos unas imágenes que trata de reproducir la visión turbia y confusa de un embriagado. Impregna la narración de realismo al rodar en las calles de Nueva York con cámaras ocultas. Usando con frecuencia luces de posteriores, que perfilan las siluetas y crean ambientes deprimentes.

  Inmenso Ray Milland (posiblemente en su mejor película), "El desfiladero del cobre" ("Cooper Canyon"-1950), metido hasta el infinito en el cuerpo de Don Birnan, ese escritor fracasado por culpa del alcohol. Y con el gran Milland, la extraordinaria Jane Wyman, "Trigo y esmeralda" ("So Big"-1953) dando vida a Helen la sufrida novia de Don.

  Y con ellos Phillip Terry, "Adorable mentirosa" ("Music in Manhattan"-1944) como Nick el hermano de Don; Howard da Silva, Nevada Smith"-1966 como Nat; Doris Dowling, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949) como Gloria...

  En definitiva: Una pelicula que es una durísima visión sobre los problemas del alcohol y sobre el fracaso. Y en donde para mi, el espectador quiza sienta un fuerte rechazo por el cual le impedirá probar ni una gota de alcohol en el resto de su vida. Matricula de Honor.

  "Dias sin huella" logró 4 Oscar en su dia: Mejor película, Director, Actor (Ray Milland) y Guión adaptado (Charles Brackett y Billy Wilder).

  A modo anecdótico: El papel protagonísta se lo ofrecieron en primer lugar a Cary Grant y luego a José Ferrer. Ambos declinaron la invitación porque temian que perjudicara su imágen. La tercera opción fue para Ray Milland, un actor que no estaba entre los primeros, pero que encajaba muy bien en el personaje y que compone el que para muchos que fue el papel de su vida.

 

 

 

 

Cita en San Luis (Meet Me in St.Louis - 1944 )

  "Es nuestro último baile en San Luis, siento que voy a llorar".

  Muy bonita película de género musical y de nacionalidad estadounidense llevada al cine de una novela de Sally Benson. Una guionísta y escritora de cuentos nacida en San Luis. Sus comienzos fueron escribiendo articulos de entrevistas semanales y reseñas de películas para el New York Morning Telegraph y entre 1929 y 1941 publicó cerca de 100 historias en el The New Yorker algunas de ellas con el seudónimo de Esther Evarts. Su trabajo para el cine aparte de "Cita en San Luis" incluyen películas como: "La sombra de una duda" ("Shadows of a Doubt"-1943), "Hablan las campanas" ("Come to the Stable"-1949), "Un verano mágico" ("Summer Magic"-1963), "Cita en Las Vegas"-1964 y "Dominique" ("The Sing Nun"-1966). Su guión "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam"-1946) fue nominado al Oscar.

  Del guión se hicieron cargo Fred F. Finklehoffe e Irving Brecher. El primero fue un productor y escritor nacido en Pensilvania. Estudió en el Instituto Militar de Virginia donde conoció a su compañero y también escritor John Mouks Jr.. Entre ambos escribieron una obra de teatro en 1936 titulada "Brther Rat", también escribieron un musical para la MGM en 1940. En solitario esccribió varios guiones para peliculas de Dean Martin y Jerry Lewis además de bastantes musicales para la MGM.

  En cuanto a Brecher. Fue otro guionísta nacido en Nueva York. Sus comiezos fueron como acomodador en un cine de Manhattan a los 19 años al mismo tiempo que escribia chistes y los enviaba a los columnistas de periodicos y al por aquel entonces aún no muy famoso Ed Sullivan. Como guionísta de cine comenzó en 1937 escribiendo varios guiones para los hermanos Marx. Estuvo nominado una sola vez al Oscar precisamente junto a Finklehoffe con "Cita en San Luis".

  "Cita en San Luis" está dirigida por Vincente Minnelli. Un director (apodado el padre del musical), nacido en Chicago. Antes de convertirse en director de decorados y de vestuario, y luego en director en Broadway, Minnelli tuvo una experiencia temprana como actor infantil. El famoso productor de musicales Arthur Fred lo llevó a Hollywood. Tras dirigir varios números musicales en algunas películas de Busby Barkeley, Minnelli debutó como director con la película "Una cabaña en el cielo" ("Cabin in the Sky"-1943).

  Su talento como creador de películas elegantes y director de actores se hizo evidente en "Cita en San Luis" ("Meet Me in St. Louis"-1944), con Judy Garland. En 1945 se casó con Judy, la primera de sus cuatro esposas, y de este matrimonio nacería en 1946 la cantante y actriz Liza Minnelli. Siguieron algunos musicales más, entre ellos "El pirata" ("The Pirate"-1948), donde también participaba Judy Garland, y el innovador "Un americano en Paris" ("An American in Paris"-1951). En esta última hizo su debut cinematográfico Leslie Caron, y también trabajó Gene Kelly, que estaba en el mejor momento de su carrera. Su obra destacó por su belleza visual, según sus propias palabras: "Lo que se busca en las películas, lo que se intenta crear es un poco de magia".

  Aunque Minnelli siguió dirigiendo musicales mágicos, como "Melodias de Broadway" ("The Band Wagon"-1953), con Fred Astaire y "Gigi"-1958 con Leslie Caron y Maurice Chevalier, cada vez se inclinaba más por la comedia, con películas como "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), y por los melodramas como "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952), donde Kirk Douglas interpreta a un director hollywoodiense melagómeno.

  Los dramas de este periodo igual de memorables conservan el estilo personal unido a un trabajo fluido y a un elegante diseño. Entre ellos están "La tela de araña" ("Cobweb"-1955), un drama médico con un elenco estelar; "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), con Kirk Douglas en el papel de Vincent van Gogh y "Co él llegó el escándalo" ("Home from the Hill"-1960), con Robert Mitchum. Su último trabajo fue con la película "Nina"-1976, protagonizada por Liza Minnelli e Ingrid Bergman.

  Asi pues, el gran Minnelli, nos lleva hasta el año 1903 y nos mete en la vida del matrimonio Smith, afincado en San Luis, tienen cuatro preciosas hijas. Una de ellas, Esther de 17 años, se enamora de un vecino que acaba de instalarse en la ciudad. Sin embargo, la familia y en especialmente Esther, tienen un enorme disgusto cuando su padre les anuncia que deben de trasladarse a vivir a Nueva York por motivos de trabajo...

  La película digamos que se presenta dividida en cuatro secuencias, referidas al verano y otoño de 1903 y al invierno y otoño de 1904. Cada secuencia viene precedida de una postal con la imágen de la casa familiar ambientada con los colotres y los signos propios de la estación del año que introduce.

  La banda sonora corrió a cargo de George Stoll. Un director musical y compositor nacido en Minnesota. Su debut musical lo hizo como un niño prodigio del violín. En 1937 lo contrató la MGM donde practicamente estuvo toda su carrera musical cinematigráfica. Estuvo nominado al Oscar en nueve ocasiones. Entre sus grandes trabajos musicales caben de destacar "El mago de Oz" ("Wizard of Oz"-1939), "Levando anclas" ("Anchors Aweigh"-1945), "El principe estudiante" ("The Studiant Prince"-1954) , entre otros muchos más.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones orquestales que incluyen cuerdas, viento, percusión y piano, de cine moderno (en términos de 1944), alegre, dinámico y optimista, con algunos toques "country" y "folk". Las canciones aportan titulos de gran solidez como: "The Trolley Song" (nominada al Oscar), "The Boy Next Door", "Meet Me In Saint Louis", "Under The Bomboo Tree" y otras.. La música, las canciones, la coreografía y el baile se integran en el desarrollo de la acción, de modo que le dan continuedad y la hacen avanzar.

  La fotografía en un lujoso y explosivo color fue dirigida por George J. Folsey. Un director de fotografia nacido en Nueva York. Su primer trabajo fue como empleado en una oficina recién fundada por Jesse L. Lasky Feature Play Company en Nueva York con la que fotografió varias películas mudas. Más tarde fue contratado por la Paramount Pictures que tenia su sede en la ciudad de los rascacielos. Y tiempo después emigró a Hollywood contratado por la MGM, donde pasó la mayor parte de su carrera. Fue nominado al Oscar en tres ocasiones pero nunca lo consiguió. Estos son algunos de sus trabajos: "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), "El último torpedo" ("Torpedo Run"-1958) y "Glass Houses"-1972) entre otros.

  Y aqui, vistiéndose de gala para ofrecernos un espectáculo visual espléndido de colores puros. intensos, variados y bien contrastados.

  Inmejorables todos los actores con una Judy Garland "El pirata" ("The Pirate"-1948) a la cabeza, dando vida a Esther. Y seguida por Margaret O’Brien, "Mujercitas" ("Little Women"-1949) como "Tootle"; Lucille Bremer, "Hasta que las nubes pasen2 ("Till the Clouds Roll By"-1940) como Rose, Mary Astor ("El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941) y Leon Ames, "El sabio en apuros" ("Son of Flobber"-1963) como Anna y Alonzo Smith, los padres de las chicas.

  En definitiva: Una muy bonita película, muy bien dirigida con unas grandes interpretaciones y sin olvidar su fabuloso color. Sobresaliente.

  "Cita en San Luis" obtuvo cuatro nominaciones al Oscar: Canción, Fotografia en color, Banda sonora (musical) y Guión.

  A modo de curiosidad: Esta película proporcionó a la MGM el mayor éxito de público después de"Lo que el viento se llevó" ("Goone with the wind"-1939).

 

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt-1943)

  "Los que dicen que no quieren nada, son los que más reciben al final".

  Buena película de género de suspense y de nacionalidad estsadounidense llevada al cine de un argumento de Gordon McDonell. Un guionísta nacido en Inglaterra. Recibió una educación en un colegio militar para más tarde trasladarse a la India británica en 1925. Trabajó de principio como corredor de bolsa en Calcuta. A su regreso a Europa se convirtió en importador de té antes de dedicarse a la literatura. Emigró a California en 1937, pero un año antes publicó su primera novela, "Juwp for Glory". En Estados Unidos escribió varias historias algunas de ellas adaptadas al cine y la televisión. Fue nominado al Oscar por "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943). Otra de sus novelas también llevada al cine fue "Slep Down to Terror"-1958 protagonizada por Rod Taylor.

  Del guión se hicieron cargo Thormton Wilder, Sakky Benson y Alma Reville. Wilder fue un dramaturgo nacido en Hamden (Estados Unidos) ganador de tres Premios Pulitzer, uno de ellos otorgado por su novela "El puente de San Luis Rey y los otros dos por las obras de teatro "Nuestra ciudad" y "La piel de nuestros dientes" respectivamente. Además fue también ganador de un Premio nacional de teatro de los Estados Unidos por la novela "El octavo dia".Benson fue un escritor nacido en St.Louis. Su obra más famosa fue "Meet Me in St. Louis" (1944). Un año antes Alfred Hitchcock llevó al cine su novela "La sombra de una duda", y en 1946 escribió "Ana y el rey de Siam" llevada al cine en varias ocasiones. Y en cuanto a Alma Reville. Una actriz y asistente  de dirección nacida en Nottingham (Inglaterra) y mundiamente conocida por ser la esposa de Hitchcock y su más fiel colaboradora en la mayoria de sus películas.

 

  "La sombra de una duda" está dirigida por Alfred Hitchcock. Un cineasta nacido en Leytonstone (Inglaterra). Fue el hijo menor de William Hitchcock y Emma Jane Whelan. Se vió obligado a sustentar a la familia debido a la temprana edad de la muerte de su padre. Al mismo tiempo cursó estudios en el Colegio de San Ignacio y más tarde en la Escuela de Ingenieria y Navegación en Londres  (mecánica, electricidad acústica y navegación). Y después fue estudiante de arte en la Universidad también de Londres.

  Empezó a trabajar como ingeniero en la Compañia telegráfica Hanley y después en la sucursal londinense de la firma de Hollywood Famous Players Lasky, contratado como director de subtitulos para las películas mudas entre 1919 y 1922 y el inicio de todas las profesiones relacionadas con el cine, ayudante, decorador, guionista e incluso productor.

  Se estrenó como ayudante de dirección en 1922 y tuvo la oportunidad de dirigir el final de una película inconclusa por enfermedad del otro director en "Always Tell Your Life"-1923. Poco después dirigió "Mrs. Peabody" pero no pudo finalizarla por problemas financieros del estudio, mientras adaptó el guión de "Woman to Woman"-1923 de Graham Cutts.

  Por entonces conoció a la que iba a convertirse en su esposa Alma Reville.una mujer de talento y experiencia en el mundo del cine que pronto se reveló como una de las más importantes colaboradoras. Fruto del matrimonio naceria Patricia Hitchcock, que atuó en algunas de las películas más célebres de su padre: "Extraños en un tren" ("Strangers on a Train"-1951) y "Psicosis" ("Psycho"-1960).

  Hitchcock también era muy habitual en sus propias películas, de hecho el "cameo" del actor llegó a ser algo tradicional en su cine. En 1925 se inició como realizador con "The Pleasure Garden" ("El jardin de la alegria") una produccion alemana filmada en Munich. Trabajó como ayudante de dirección en los estudios de la UFA y fue en Alemania donde se puede decir que sintió toda la influencia del expresionísmo volcada en cada una de sus peliculas que realizó a partir de entonces.

  Enn "El enemigo de las rubias" ("The Lotger: A Story of the London Fog"-1927), y sobre todo "La muchacha de Londres" ("Chantaje Blakwait"-1929), pone el sello de Hitchcock, esa manera propia, descubridora de nuevas posibilidades cinematográficas. Su primer gran éxito internacional le llegó en 1934 con la primera versión de "El hombre que sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much").

  Fijó su residencia en Estados Unidos en 1940 siendo ya un personaje reconocido y, en el año 1941, se convirtió en su propio productor, lo que en los años 50 le llevó a realizar la serie de televisión "Alfred Hitchcock presenta" de la que dirigió más de 100 episodios.

  Se convirtió en uno de los cineastas más importantes de todos los tiempos, poseedor del secreto de los ritmos de la emoción y la sensibilidad humana, llevó con arte a la gran pantalla la intriga, el misterio o el suspense en películas como: "Psicosis" ("Psycho"-1960), "Los pájaros" ("TheBirds"-1963), "Crimen  perfecto" ("Dial M for Murder"-1954), "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954), "Vértigo"-1958, "Falso culpable" ("The Wrong Man"-1956), "El hombreque sabia demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956) o "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964), películas que ya han pasado a la historia y que se conviertieron en clásicos del cine.

  Tuvo algunas musas, todas ellas rubias, como Ingrid Bergman, Grace Kelly o Tippi Hedren y trabajó con artistas como Salvador Dalí. que diseñó secuencias para la pelìcula freudiana "Recuerda" ("Spellbound"-1945). Fue nombrado caballero por la Reina (seguía siendo de nacionalidad británica) y recibió un Oscar especial (el único de su carrera). Aunque estuvo nominado en cinco ocasiones.

  Asi pues, el mago del suspense nos lleva hasta Santa Rosa (California) a lo largo de varias semanas y en un tiempo anterior a la incorporaciòn de Estados Unidos a la 2ª Guerra Mundial (diciembre 1941). Alli el "tio" Charlie Oakley perseguido por la policia se refugia en la casa de su hermana Emma, donde le espera con expectación su sobrina Charlotte ("Charlie") Newton. Esta a pesar de que no sabe nada de sus actividades, no tardará en sospechar que su tio es el misterioso asesino de  viudas al que busca la policia. El es un tipo inteligente, cariñoso, elegante, educado, ocurrente y simpático. La sobrina es una muchacha angelical, aplicada en los estudios e indefensa...

  La película es un thriller psicológico con elementos de drama familiar y de cine negro. En ella se desarrolla un relato bien trenzado de suspense psicológico. Su desarrollo se apoya en la progresión de la sospecha, el temor y el miedo, que diversos inicios alimentan en el ánimo y la mente tanto de los actores como del público.

  La violencia se instala en la vida apacible de una familia de clase media y de una vida ordinaria. Su descripción se hace a la manera de una grata comedia de costumbres, escrita con afecto, ironía y humor. Una de las ideas que Hitchcock da vueltas es la de la dualidad de las cosas: duda-certeza, verdad-mentira, amor-odio. Subraya la exposición mediante referencias en el guión a mellizos y a la lucha atávica entre el bien y el mal.

  Otra idea que forma parte de las constantes del director y que es objeto de atención en la película, es que también se refiere a la ciudad tranquila y pacifica que oculta en su interior secretos inquietantes. Reitera también su afición a los trenes, las estaciones, la transposición de identidades (falso inocente/falso culpable), las escaleras, los viajes (de Filadelfia a California), la objetivización de ideas (anillo/sospecha), etc. Los caracteres principales se presentan bien construidos y perfilados con solvencia. El suspense se administra en un "crescendo" que se eleva gradualmente hasta un climax de gran fuerza expresiva.

  La banda sonora es de Dimitri Tiomkin. Un compositor nacido en Ucrania pero nacionalizado estadounidense. Desde muy niño sus padres se trasladaron a San Petersburgo donde estudió armonía y contrapunto y estaba considerado uno de los grandes niños prodigios de Rusia. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años  más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente a Hollywood. Su nombre nos resultará siempre conocido gracias a sus grandes bandas sonoras para el cine como por ejemplo las de High noon, la canción de "Solo ante el peligro" ("High Nonn"-1952), OK Corral de "Duelo de titanes" ("Gunfight at the Corral"-1957) y "El viejo y el mar" ("The Old  Man and the Sea"-1958).

  Durante los años de la 2ª Guerra Mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documemtales sobre el conflicto. Fué nominado al Oscar en 15 ocasiones, ganándolo tres veces por "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954) y "El viejo y el mar" ("The Old Man and the Sea"-1958).

  Y aqui, aportando una partitura orquestal con predominio de viento y metal, ofreciéndo pasajes de gran intensidad (llegada del tren). Añade además repeticiones de un fragmento del "Vals de la viuda alegre" de Franz Lehar, que se acompaña de imágenes de un baile.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Joseph Valentino. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron en la década de 1920 y, a partir de 1924 se convirtió en director de fotografía trabajando en películas de serie B. Sus últimos años los dedicó en dirigir tres películas de Alfred Hitchcock. Estuvo nominado al Oscar por "La escuadrilla del Pacifico" ("Wings Over Honolulu"-1937), "Mentirosilla" ("Mad About Music"-1938), "El primer amor" ("First Love"-1939) y "Prncesita" ("Spring Parade"-1940). Y por fin lo logró por "Juana de Arco" ("Joan of Arc"-1948).

  Y aqui, presentando encuadres torcidos, proyecciones de sombras y ambientes oscuros, de inspiración expresionísta. Añadiendo además planos picados, primeros planos, encuadres inquietantes e impotentes locomotoras que echan densas humaradas. Los exteriores fueron rodados en su totalidad en la ciudad de Santa Rosa (California). Y los interiores en los Estudios de la Universal.

  Muy bien los actores encabezados por Joseph Cotten, "El último atardecer" ("The Last Sunset"-1961) y por Teresa Wright, "Hombres" ("The Men"-1950), Cotten vomo Charles "Charlie" Oakley y Wright como Charlotte Newton. Y seguidos por Macdonald Carey, "Odongo"-1956 como Jack Graham; Henry Traves, "Que bello es vivir" ("It’s Wonderful Life"-1946) como Joseph Newton; Patricia Collinge, "Historia de una monja" ("The Nin’s Story"-1959) como Emma Newton; Wallace Ford, "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955) como Fred Saunders...

  En definitiva: No es de las mejores de Hitchcock, pero si es una película que conserva todo su vigor gracias a una fantástica puesta en escena y unas grandes interpretaciones, sin olvidar su estupenda banda sonora. Sobresaliente.

  "La sombra de una duda" estuvo nominada al Oscar a la Mejor historia.

  A modo de curiosidad: En la ciudad de Santa Rosa Hitchcock utilizó muchos de sus habitantes para papeles pequeños.

La extraña pasajera (Now, Voyager-1942)

  "Jerry, no pidamos la luna. Tenemos las estrellas".

  Magnífica película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de  Olive Higgins Prody. Una novelista y poetisa nacida en Massachusetts. Se graduó en 1904 en el Smith College de Worcester. También es muy conocida por sus obras filantrópicas y por su asociación con la escritora Sylvia Plath. Entre sus novelas llevadas al cine cabe de destacar además de "La extraña pasajera", "Y supo ser madre" ("Stella Dallas"-1925) con Ronald Colman y Belle Bennett.

  Del guión se hizo cargo Casey Robinson. Un cineasta nacido en Utah. Fue productor y director de películas en su mayoria de serie B además de un guionista responsable de algunas de las películas más veneradas de Bette Davis. Después de pasar la mayor parte de la década de 1930 y principio de la del 40 trabajando en la Warner Bros, se mudó a MGM y más tarde a la 20th Century Fox donde estuvo hasta su retiro en 1962. Entre sus numerosos guiones para el cine, caben de destacar "El orgullo de los yanquis" ("The  Pride of the Yankees"-1942), "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows Kilimanjaro"-1952) y "Mientra Nueva York duerme" ("While the City Sleeps"-1956) entre otras.

  "La extraña pasajera" está dirigida por Irving Rapper. Un director nacido en Londres, pero emigró a Estados Unidos a muy temprana edad. Allí trabajó primero como actor y director en Broadway, a la vez que estudiaba en la Universidad de Nueva York.  En 1930, se estableción en Hollywood, y alli la Warner le nombró ayudante de dirección y escritor de diálogos, profesión novedosa, ligada al cine sonoro. Además de trabajar con muchos actores, asistio en su trabajo a directores cuya lengua nativa no era el inglés como Michael Curtiz, Anatole Livack o William Dieterle.

  Rechazó proyectos mediocres, pero en 1941 llegó a ser diretor de cine haciendo su debut con "Shining Victory"-1941, basada en un relato de A. J. Cronin. De inmediato hizo "Con un pie en el cielo" ("One Foot in Heavin"-1941),  drama familiar que iba a rodar Anatole Livak, y su prestigio se consolidó en 1942 con "La extraña pasajera" (""Now, Voyager"), sobre todo, y "The Gay Sisters"-1942 especializándose en el melodrama, siempre bien construido.

  Destacó asi mismo su pelícua "Engaño" ("Deception"-1946). Más tarde abandonó la Warner para trabajar en la Columbia unos años, pero volvió a su productora inicial, donde dirigió "El zoo de cristal" ("The Glass Menagerie"-1950), basada en un drama de Tennessee Williams. Con Bette Davis, amiga y actriz ya consagrada rodó cuatro películas, en unos momentos criticos para la actriz. "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942), "El trigo está verde" ("The Corn is Green"-1945), "Engaño" ("Deception"-1946) y "Veneno para tus labios" ("Another Man’s Poison"-1951) esta con Gary Merrill, pareja en "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950). También rodó una vez con Bsrbara Stanwyck, "The Gay Sisters"-1942.

  También trabajó junto a Paulette Godard o con Natalie Wood, y asi mismo con actores de la talla de William Holden, Kirk Douglas y Gene Kelly. Siempre fue un gran director de actores. Un trabajo tardio pero valuoso fue "Por siempre mujer" ("Forever Fermale"-1953), drama con Ginger Rogers. Siguió haciendo cine interrumpidamente hasta 1959. Pero el sistema de estudios le obligó a rodar "Poncio Pilatos"-1962 con Jean Marais y Jeanne Crain, en contra de su voluntad. Luego, solo hizo una película más "Born Again"-1972 basada en un libro de Charles Colson.

  Asi pues, Rapper nos lleva hasta Boston y nos cuenta la historia de una mujer atormentada, Charlotte Vale, de algo más de 40 años, que vive sometida a los caprichos de su madre, que la desprecia y se burla de ella. Sumida en una profunda tristeza, su hermana le hace visitar por un psiquiatra, el Dr. Jaquith, que le aconseja unas semanas de descanso en el Sanatorio Vermont, gracias a su ayuda Charlotte consigue recuperar la autoestima y superar sus miedos. Además se vuelve más extrovertida y empieza a sentirse incluso atractiva. Dispuesta a disfrutar de su nueva vida hace un crucero por América del Sur y en el barco conoce a un apuesto arquitecto infelizmente casado...

  La película pues, es la historia de una mujer condenada, como muchas, a luchar con fiereza paea cinseguir independencia, libertad y maternidad.

  La banda sonora fue obra de Max Steiner. Un compositor nacido en Viena (Austria), pero nacionalizado estadounidense. Está considerado junto con Victor Young y Alfred Newman como el padre del sinfonísmo clásico estadounidense. Es curioso destacar como de los diez compositores más destacados de dicha época, solo dos nacieron en Estados Unidos. Al comenzar la 1ª Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos donde comenzó a trabajar en Broadway consiguiendo un rápido éxito. En Hollywood se estableció en 1929 con el comienzo del cine sonoro. Estuvo nominado al Oscar en 20 ocasiones lográndolo 3 veces por "El delator" ("The Informer"-1935), "La extraña pasajera" ("Now, Voyager"-1942) y "Desde que te fuiste" ("Since You Went Away"-1944).

  Y aqui, incluyendo fragmentos orquestales, melodias latinas, clásicas como "Perfidia" y otros, que evocan un amor triste y afligido. Suena con fuerza al principio y al final, mientras aparece y desaparece a lo largo del metraje.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Sol Polito. Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia). Cuando era aún un niño su familia emigró a Estados Unidos estableciéndose en Nueva York. Después de la escuela se convirtió en fotógrafo y gracias a esto tuvo acceso al cine. En la década de 1920 hizo 13 películas para Harrey Carey. Fue uno de los camarógrafos más destacados de 1930. Tuvo una estrecha relación con Michael Curtiz y dirigió numerosas películas con Errol Flynn. Estuvo nominado al Oscar en tres ocasiones "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El sargento York" ("Sergeant York"-1941) y "Esto es el ejército" ("Thes Is the Army"-1943).

  Y aqui,  ofreciéndonos una narración visual vibrante, que combina negros intentísimos, grises diversos y blancos brillantes. En varias ocasiones la acción tiene lugar fuera del campo de visión de la cámara. Cuenta con escenas memorables como por ejemplo la de Jerry encendiedo dos cigarrillos a la vez, y la lírica escena, sugerida con imágenes indirectas, de la noche de amor en un lugar de la selva brasileña...

  Grandiosa (como siempre) Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes-1941) metida en el cuerpo de Charlotte Vale. Y con ella dos extraordinarios actores del cine de Hollywood: Paul Henreid, "Los cuatro jinetes del apocalipsis" ("The Four Horsemen the Apocalypse"-1962) y Claude Rains, ("Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), Henreid como Jerry Durrance , y Rains como el Dr. Jaquith. Y con ellos Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la madre de Charlotte; Lika  Chase, "No hay tiempo para amar" ("No Time for Love"-1943) como Lisa; Bonita Granville, "Un mendigo original" ("Merrily We Live"-1938) como June...

  En definitiva: Una preciosa película, de esas que te dejan un grato sabor cuando la terminas de ver, y que como el tiempo ha demostrado, volverias a ver con sumo placer.   Sobresaliente.

  "La extraña pasajera" logró el Oscar a la Mejor banda sonora (Max Steiner).

  A modo de curiosidad: Claude Rains terminó su última escena en esta película y a la mañana siguiente estaba empezando a rodar "Casablanca".

 

¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley - 1941)

  Pero recuerda, con la fuerza va la responsabilidad, hacia los demás y a nosotros mismos. Porque no puede vencer la injusticia con más injusticia, solo con la justicia y la ayuda de Dios.

  Soberbia película y todo una obra maestra de género dramático-familiar y de nacionalidad estadounidense y llevada al cine de una novela de Richard  Llewellyn. Un novelista y guionista nacido en Londres. Llevó una vida de viajes constantes. Antes de la 2ª Guerra Mundial pasó un tiempo trabajando en hoteles y escribiendo obras de teatro, trabajó como minero en una mina de carbón y fue allí donde produjo su novela más famosa. Después de la guerra, se empleó como periodista, informando sobre los Juicios de Nuremberg y luego como guionista para la MGM, para tiempo después firmar por 20th Century Fox donde acabó su carrera cinematográfica. Además de "¡Qué verde era mi valle!" otra de sus novelas también fue llevada al cine con la película "Un corazón en peligro" ("None But the Lonely Heart"-1944) protagonizada por Cary Grant y Ethel Barrymore que lograria el Oscar a la Mejor actriz secundaria.

  Del guión se hizo cargo Philip Dunne. Un cineasta nacido en Nueva York. Trabajó prolificamente desde 1932 hasta 1965 y pasó su mayor parte de la carrera cinematográfica en la 20th Century Fox. Fue uno de los principales organizadores del Secren Writers Guid. Trabajó con muchos y notables directores tales como: Otto Preminger, Carol Reed, John Ford, Elia Kazan. Estuvo nominado en dos ocasiones al Oscar por "¡Qué verde era mi valle!" ("How  Green Was My Valley"-1941) y "David y Betsabé"-1951.

  "¡Qué verde era mi valle!" está dirigida por John Ford. Un director nacido en Maine (Estados Unidos). Ford fue un considerado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos ha alabado a Ford por su intenso carácter patriotico, plasmado en los bellos paisajes de sus películas (sobre todo el Monumental Valley de Arizona), si no también en los propios humanos, presentados de manera estática e icónica. También se ha elogiado mucho su capacidad para comunicarse mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al mínimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solia ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal seleccionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scotland"-1936) que no ponen de manifiesto la perdonalidad del director, están realizadas de una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las obras memorables de Hollywood. "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939), demuestra su impresionante sentido de la belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre, en una memorable hagografia. "La diligencia"("Syagecoach"-1939), resucitó el western que habia quedado relegado a la serie B. La película que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Rio Grande" -1950, antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("Seachers"-1956) y "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962), donde exponía la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  Ford ya exploró las varias ideologias y exclusiones del western antes que los revisionistas del género posteriores a la época del auge de los grandes estudios. "El sargento negro" ("Seargent Rutledge"-1960) aborda el racísmo, mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) adopta el punto de vista de los indios americanos empujados a la desaparición por el peligro de la extinción.Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general sus westerns buscan su fuerza y vigor en la explotación de estereotipo Liberty Valance deconstruyen el mito de héroe/villano respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el dolor físico que causa la violencia y que otros tienen que soportar, Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus películas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra se caracterizan también en el patriotísmo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento. "No eran imprescindibles" ("They Were Expendeble"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanzas de recibir refuerzos de rescate. Es un himno inolvidable al valor con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones. "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la Guerra de Secesión, enfrenta a un agerrido coronel de caballeria totalmente real, con el médico del regimiento, que lamenta el  sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega mucho más allá de un duro ataque de sensubilidad, para resolverse al auténtico estilo fordiano, con una pelea a puñetazos.

  Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imaginación cuidadosamente diseñada. En la versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinback, se evoca la pobreza de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodajes en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió buen resultado con "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las películas de Ford más celebradas son las de temas célticos y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evovcan eficazmente la familia y la tradición, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  Asi pues, Ford nos lleva hasta un pueblo minero de Gales y nos mete de lleno en el seno  de la familia Morgan, todos mineros y orgullosos de serlo, respetan las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provoca un enfrentamiento entre el padre y los hijos, porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera hablar de sindicatos ni de socialísmo...

  La película suma drama, familia e incluso comedia de costumbres. Esta película fue la última de Ford antes de servir cuatro años en la Marina durante la 2ª Guerra Mundial. El pequeño de los Morgan evoca sus recuerdos y adolescencia (de 9 a 19 años aproximadamente).

  El relato se presenta como una suma de episodios sucesivos, relativamente independientes, conectados por la persona de los mismos personajes. Inserta en varias ocasiones cuadros que aportan digresiones irónicas o cómicas, como la entrega de la carta del Palacio de Windsor o la visita del médico.

  También nos ofrece una magnífica descripción de caracteres, situaciones y costumbres. Nos explica el hábito de cenar sin hablar, la distribución de personajes en la familia, el grito milenario de comunicación entre los valles de la región, la cerveza como bebida popular, etc.. El relato es un único y largo flasback. Y su estilo narrativo es sencillo, claro y entrañable, como el de un cuento infantil.

  Los recuerdos entrelazan los hechos, los idealizan y los contemplan con añoranza y nostalgia. Se pasa revista a la proletarización de los trabajadores, la implantación de los sindicatos obreros, la primera huelga general indefinida en los valles mineros de Gales (1898), la crisis económica fenisicular, la emigración (Estados Unidos, Canadá, Nueva Zelanda, Sudáfrica), el trabajo sin medidas de seguridad, la frecuencia de los accidentes laborales mortales, el despido sin preaviso, la reducción de salarios, etc..

  La historia se mueve en forma de una idea central. El ser humano ha nacido para ser feliz. La felicidad se basa en casos sencillos, asequibles y comunes (pasear por el campo, cantar, vivir en familia, participar en las celebraciones, compartir...). No falta la presencia de algunas de las constantes de Ford: el borrachín del pueblo, el médico, la capilla como lugar de encuentro social, las celebraciones religiosas como nexo de unión y cohesión social, la familia numerosa, la boda, la perdida de la inocencia, los niños, el bebé, el embarazo, el parto, los personajes curiosos (la Sra. Tossel, el profesor sádico...). Tampoco falta el humor, que Ford basa en figuras pintorescas (el boxeador Dal Bando), lances divertidos (cosquillas en los pies, hipo...), incidencias intempestivas (visita del Sr. Evans), inversiones del sentido de la acción (salva de puñetazos como clase de boxeo), escenas caricaturescas (visita del Dr. Richard), picardias (cubo de agua volando sobre la cabeza del padre), etc..

  La película afirma el valor de la familia. Rinde homenaje a la figura del padre como ejemplo, maestro y guia. Rinde homenaje a la madre, como simbolo de cariño, afecto y apoyo que une a la familia. Dedica un homenaje al Sr. Gruffidd como hombre abierto, liberal, inteligente y entregado en cuerpo y alma al servicio de los demás. Elogia el amor verdadero, defiende el divorcio y la dignidad de las madres solteras. Justifica el celibato. Denuncia la miseria del amor interesado y de conveniencia, las diferencias sociales, la injusticia social, la marginación y la exclusión social por razones de opinión, las malas lenguas, los prejuicios morales, la utilización politica de la religión, la intolerancia ideológica, etc..

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Uno de los más importantes de la historia del cine en Estados Unidos, además de ser el autor de la característica sintonia de la 20th Century Fox. Consiguió durante su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo la estatuilla en nueve ocasiones. En 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros grandes directores fue muy prolifica. En su familia existen también otros compositores de música de cine. Era hermano de Lionel y Emil Newman, padre de Thomas, David  y Maria Newman, y tio de Randy y Joey Newman. Su último Oscar lo logró por "El rey y yo" ("The King and I"-1956) de Walter Lang.

  Y aqui, ofreciendo una partitura orquestal de 16 cortes y un bonito tema principal ("Huw’s Themme"). Las composiciones, adaptadas a la evolución del relato, suigieren los sentimientos de los personajes y de la comunidad y definen presagios. Como música añadida incluye varias canciones corales a cargo del grupo Wells Singers. Destacan "God Save the Queen" (mientras los hijos abandonan el pueblo) y "Men of Harlech" (secuencia inicial). 

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Arthur C. Miller. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el cine a los 13 años de edad como asistente del cineasta Fred J. Balahofer y finalmente se unió a la Pathé cuando contaba 19 años convirtiéndose en director de fotografía de series de cuentos de 1914. Más tarde trabajó para Astra Film Co. En 1918 fundó junto con su hermano Bill la Motion Picture. En 1932 firmó un contrato a largo plazo con 20th Century Fox y se retiró en 1952 por motivos de salud, pero permaneció activo en la Industria como presidente de la Sociedad Esrtsdounidense de Cinematógrafos. Su última películs fue "El merodeador" ("The Prowler"-1951) dirigida por Joseph Losey y con un guión de Dalton Trumbo.

  Y aqui,  subrayando los cambios del paisaje, la familia y los habitantes del valle. Creando unas imágemes bien contrastadas, de cuidada composición, acusado claroscuro e inspiración expresionísta. Aprovecha la profundidad de campo para acompañar la acción principal con curiosas escenas en segundo y tercer término.

  La película se rodó en escenarios naturales de Santa Mónica Mountains (California) y los interiores en un plató de Fox Ranch (donde se recreó el pueblo).

  Magnificos todos los actores comenzando por Walter Pigdeon, "Tempestad sobre Washington" ("Advise & Consent"-1962) como Mr. Gruffyd; Maureen O’Hara, "Cuna de héroes" ("The Long Gray Line"-1955) como Augharad; Donald Crisp, "Fiebre en la sangre" ("Spencer’s Mountain"-1963) como Gwillym Morgan (el padre); Sara Allgood, "Lady Hamilton" ("That Hamilton Woman"-1941) como Beth Morgan (la madre); Anna Lee, "F de Flint" ("In Like Flint"-1967) como Bronwyn; Barry Fitzgerald, "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) como Cyfartha; Roddy McDowall; "Cleopatra" -1963 como Huw (el benjamin de la familia)...

  En definitiva: Toda una obra maestra del género. Una película que nos da toda una lección de la vida  que emana del corazón de la tierra. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

  "¡Qué verde era mi valle!" logró cinco Oscar: Película, Director, Actor secundario (Donald Crisp), Fotografía (Arthur C. Miler) y Dirección artística (Richard Day y Nathan Juran).

  Como curiosidad: La película se iba a grabar en Gales y en technicolor, pero  fue impedido por la 2ª Guerra Mundial y los bombardeos nazis sobre las islas británicas. Finalmente se grabó en blanco y negro porque los colores de las flores de California no aparecian en los paisajes galeses y desentonaban mucho.