El cochecito (1960)

  "¿Y en la cárcel me dejarán tener el cochecito?"

                   (Don Anselmo)

  Toda una obra maestra de género de comedia "negra" y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de Rafael Azcona. Un novelista y guionista nacido en Logroño. Está considerado como el mejor guionista español de la historia. Sus comienzos profesionales fueron como novelista, y desde 1951 colaboró con la revista humoristica La codorniz, y gracias a la adaptacion de la novela "El pisito" que más tarde concretamente en 1958 la dirigió para el cine Marco Ferreri, entró en el mundo del cine que ya nunca abandonaria.

  Fue un importante escritor de la generación de autores de medio siglo. Entre sus muchos guiones llevados al cine caben de destacar "Plácido" (1961), "El verdugo" ("1963), "El bosque animado" (1987) y "Belle epoqué" (1992) entre otros muchos.

  A Azcona le ayudó en el guión el también director de la película Marco Ferreri. Un cineasta nacido en Milán. Entró en el mundo del  cine a través de la realización de cortometrajes publicitarios. Más tarde, se dedicó a la producciòn y llegó a España en 1956 como representante comercial de los objetivos Totalscope, la versióm italiana del Cinemascope estadounidense, sin que conste qe lograse ninguna venta.

  En Madrid conoció a Rafael Azcona que trabajaba en la revista La codorniz, y con el que inició una estrecha colaboración que duraria 30 años abarcando 17 películas. Tras varios intentos frustrados debido a la censura de llevar al cine una novela de Azcona, consiguieron finalmente realizar "El pisito" (1959) y "El cochecito" (1960), adaptacion de dos novelas de Azcona.

  En la estela del nerrealismo italiano, pero con un enfoque más experimental y radical, el estilo de estas películas se llegó a definir como "realismo grotesco". En España Ferreri realizó una película "Los chicos" (1959), con guión de Leonardo Martin Méndez, que aunque plantea una dura critica social, se aleja de lo grotesco que caracterizaba los guiones de Azcona.

  De vuelta a Italia en 1961, siguió rodando con su "Una storia moderna; I’ape regina" (1962), una sátira anticatólica que fue censurada, incluso su titulo modificado debido a la critica que hacia sobre la institución del matrimonio. En "Se acabó el negocio" ("La donna scimmia"-1964), habla sobre las relaciones entre los sexos dominadas por la explotación del más débil, con el final también censurado, esta vez por decisión del productor Carlo Ponti.

  Más adelante, realizó el capitulo de "Il profesore" dentro de la película colectiva "Controsesso" (1964), y luego el cuento anti-machista "El harén" ("L’hare"-1967). Sin embargo, la que él consideró su obra maestra fue sin embargo "Dillinger ha muerto" ("Dillinger e morto"-1968), un ensayo sobre la soledad del hombre contemporáneo en la sociedad capitalista. Luego rodó la triste alegoria sobre el futuro "El semen del hombre" ("Il seme dell’ uomo"-1970), un cuento kafkiano anticlerical, y "La audiencia" ("L’ udienza"-1971).

  En 1974, realizó una relectura satírica de la derrota del general Custer en Liittle Big Horn llamada "No tocar a la mujer blanca"("Non toccare la donna blanca"), que rodó en el gran agujero que habia dejado en el centro de Paris la demolición de Les Helles, el antiguo mercado central de la ciudad. Pero cuando alcanzó de nuevo la cumbre fue gracias a "La gran comilona" ("La grande bouffe"-1973), una prducción franco-italiana con guión de Rafael Azcona. Si bien la pelicula provocó un escándalo que dividió tanto a la critica como al público, y se convirtió rápidamente en una película de culto. Se llevó el premio internacional de la Critica en el Festival de Cannes, exaqueo con "La mamá y la puta" ("La maman et la putain"-1973) de Jean Eustache.

  Desde entonces se podrian citar las siguientes películas: "La última mujer" ("L’ultima donna"-1976) y "La casa de la sonrisa" ("La casa del sorriso"-1981). Homenajeando al cine que ya no existe dirigió el documental "Nitrato de plata" ("Nitrito d’argento-1996), que concluyó como una nota de melancolia su gran recorrido como cineasta, a la vez que genial e inclasificable.

  La historia pues, nos mete en la vida de Don Anselmo, un anciano totalmente decidido a adquirir un cochecito de inválido con motor, igual  que el que tiene su amigo Lucas y otros compañeros de su edad. Pese a la oposición de toda su familia, don Anselmo no desiste en su capricho, incluso si para conseguirlo se ve obligado a vender las joyas de la familia. Cuando su hijo Carlos se entera le obliga a devolverlo. En venganza, don Anselmo toma la decisión de envenenar a su familia. Cuando intenta huir en su cochecito, es finalmente detenido por la Guardia Civil...

  La película pues, es una comedia dramática muy bien  pertrechada de elementos surrealistas, esperpénticos negros e irónicos, que son presentados bajo la apariencia de un relato neorrealista. Explica que personas con discapacidad pueden integrarse socialmente y desarrollar una vida satisfactoria. Explica como personas en situación de riesgo social pueden verse empujadas a la marginación y exclusión social por causas diversas (incomprensión familiar, insuficiencia de recursos, edad avanzada, dependencia económica, etc.).

  Explica que los placeres tienden a aprovecharse injustamente de la debilidad ajena para imponer sus intereses y obtener beneficios, que los ancianos tienen dificultades especificas de relación y comunicación que deben ser atendidas, que la indiferencia ante personas en situación de riesgo social genera ineficacia, que las personas con discapacidad pueden crear entre ellos relaciones de excursión, que la ciudad es un lugar muy apto para las actividades integradas.

  No falta en la película la escena de una comilona (reúne a Alvárez, don Vicente y don Anselmo). Pueden verse criticas al régimen autoritario del pais y a su situación politica y económica en unos momentos de incertidumbre y cambio. Con todo, el objetivo de la película consiste en ofrecer, sobre todo, un discurso de humor basado en lo ridiculo, grotesco y esperpéntico que acompaña con frecuencia a la condición humana.

  La banda sonora fue dirigida por Miguel Asins Arbó. Un compositor nacido en Barcelona. A pesar de nacer en Cataluña, por formación e intereses, se inscribió dentro de la tradicional música de la Comunidad Valenciana. En 1944 ingresó por oposición en el Cuerpo de Directores del Ejército de Tierra, con el número uno de su promoción. Se retiró del ejército con el grado de comandante, y pasó a ocupar la cátedra de acompañamiento en el Consevatorio Superior de Música de Madrid.

  Compuso en multitud de géneros: orquesta, banda de música, contribuyendo eficazmente  al incremento del repertorio sinfónico valenciano de estas agrupaciones: para cine, música de cámara, canciones, etc.. Es también autor de dos cancioneros valencianos: "Cancionero popular de la Valencia de los años 20" y "Cançons velles, músique novelles". Para el cine compuso muchas y buenas bandas sonoras, donde caben de destacar "Plácido" (1962), "Un atraco de ida y vuelta" (1968) y "La vaquilla" (1985) entre otas muchas más.

  Y en esta singular historia de humor negro, aportando una partitura original para banjo soprano y precusión, creando un clima estraño y popular, muy acorde con la acción.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Juan Julio Baena. Un director de fotografia nacido en Alcazar de San Juan (Ciudsd Real). Sus comienzos fueron como alumno en el Instituto de Investigación y Experiencias Cinematográficas, y años depues ya era profesor auxiliar en la Técnica de la Iluminación. Tuvo un trabajo muy activo tanto en el cine como en la televisión. En 1979 fue nombrado subdirector de progranas ajenos de RTVE. En el cine comenózó con la pelicula de Carlos Saura "Los golfos" (1959). Cuenta en su haber con tres premios medallas del Circulo de Escritores Cinenatográficos por ssa pelìculas: "Cerca de las estrellas" ("1963), "La tia Tula" (1964) y "Con el viento solano" (1965).

  Y en esta onbra maestra de nuestro cine. Recreándose con planos largos y distantes,  que alejan los personajes del espectador y propician la no identificación de estos con aquellos. De ese modo se establecen espacios abiertos a la ironia, la ridiculación y el sarcasmo. Con frecuencia nos muestra a los discapacitados de espaldas y a cierta distancia.

  Abundan las tomas en exteriores de Madrid, que tienen gran valor documental (escolares de uniforme acompañados de dos monjas de la caridad, visitas al cementerio, obras en la via pública, etc.).

  Sensacional José Isbert, "El verdugo" (1963), metido hasta el alma en el personaje de Don Anselmo, ese anciano jubilado que está dispuesto a todo con tal de tener su propio "cochecito". Y con el gran Isbert, un gran puñado de secundarios como : Pedro Porcel, "Más bonita que ninguna" (1965) como Carlos; Maria Luisa Ponte, "La colmena" ("1982) como Matilde; José Alvárez Jaudenes "Lepe", "Plácido" (1961) como Don Lucas; Maria Isbert, "Viridiana" (1961) como Andrea; Chus Lampreave, "Volver" (2006) como Yolanda. Y no podria faltar otro grande del cine español José Luis López Vázquez, "Atraco a las tres" (1962) como Alvarito...

  En definitiva: Una películs sumamente recomendable, cine español con mayúsculas. Una pelicula de dulces y amargos recuerdos, pasado de genios perdidos en la calle, pero vivos en la pantalla. Gracias Isbert. Gracias Ferreri. Matricula de Honor.

  "El cochecito" logró el Premio de la Critica en el Festival de Venecia.

  A modo de curiosidad: La pelìcula está basada en el relato Paralitico. de la obra "Pobre, paralítico y muerto". Que Rafael Azcona escribiò en 1960.

 

 

Anatomia de un asesinato (Anatomy of a Murder-1959)

  "Ese testigo es incompetente, de oidas irrelevante, impropio, incidental, in"...

  "Demasiadas palabras que empiezan con i, puedo preguntar señor".

  Rotunda película y una de las mejores del genero judicial y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una novela de Robert Traver. Un juez y escritor nacido  en Ishpeming (Estados Unidos). Se graduó en la Universidad de Michigan en 1928. Por unos años ejerció como abogado en Chicago, hasta que cansado de esta ciudad regresó a su ciudad natal. Más tarde fue elegido fiscal de Marqutte (Michigan) y en 1957 fue nombrado juez del estado de Michigan. En 1959 tras el enorme éxito de su novela "Anatomia de un asesinato", se retiró de la carrera judicial para dedicarse por completo a su faceta de escritor.

  Del guión se hizo cargo Wendell Mayes. Un guionista nacido en Misuri. Se licenció en derecho en la Universidad de Cumberland (Tennessee) y más tarde se mudó a Washigton y después a Nueva York donde trabajó como actor y luego se dedicó a escribir. Su primer  guión para el cine fue gracias a Billy Wilder para su película "El héroe solitario" ("The Spirit of St.Louis"-1957), basada en el vuelo de Charles Lindbergh de cruzar el Atlántico sin escalas. Otro de sus guiones llevados al cine fue "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959) con Gary Cooper de protagonista.

  "Anatomia de un asesinato" está dirigida por Otto Premuinger. Un  cineasta nacido en Viena (Austria). Emigró a Estados Unidos para ampliar su sueño de convertirse en director de cine.

  Desde su primera pelicula de cine negro "Laura" (1944), hasta su thriller "El rapto de Bunny Lake" ("Bunny Lake is Missing"-1965), demostró una notable capacidad de ser independiemte, inteligente, exigente y exitoso.

  Aunque posiblemente sus últimas películas no merecen ser recordadas, no se puede ignorar lo mucho que contribuyó al Hollywood clásico.

  Las películas de Preminger se asocian con la "objetividad" y la "ambigüedad". Ambas son esenciales pese a su puesta en escena pero no le impidieron tomar partido.

  En sus mejores obras, el director muestra inequivocamente su postura, mediante un agudo sentido del detalle y un riguroso uso de la cámara. Su conciencia de la complejidad de la psicologia humana (esa famosa "ambigüedad") explica el hecho de que raras veces sus personajes son diáfanos. Sus películas exigen al espectador revisar constantemente su punto de vista. Un ejemplo de ello es la manera en que Preminger rodó el interrogatorio del detective Waldo Lydecker en la primera secuencia de "Laura".

  La insistencia del primero sobre los detalles le importa muy poco al segundo, que está ocupado prestando atención a su ropa; esta es la única manera que tenia Preminger de señalar el carácter femenino de su personaje y por tanto, su homoxesualidad.

  En "Cara de ángel" ("Angel Face"-1952), la fascinación que siente Robert Mitchum por la joven heroina pronto se convierte en una morbosa combinación de un voyerismo y masoquismo, y se revela mediante un complejo juego de miradas y secuencias que involucra al espectador. En "Anatomia de un asesinato" ("Anatomy of a Murder"-1959), se muestra como la ley tiene necesidad de conceder el beneficio de la duda incluido cuando todo parece estar muy claro.

  La acción  pues, nos mete en la vida de un tal Paul Biegler, un abogado de provincia que no ha sido reelegido para el cargo de fiscal, y ahora se dedica más a la pesca junto a su amigo Parnel Emmett que a su despacho de abogado. Sin embargo, se hace cargo de la defensa de un teniente de la base militar local, Frederick Manion, a petición de su esposa, Laura. El teniente está acusado de homicidio del propietario de un bar, que ha violado a Laura. A Paul todo se  le pone en contra, de manera que necesitará toda su inteligencia e imaginación y demostrar si conserva la capacidad profesional de que hizo gala en otros tiempos, o acaso esté adormecida, hasta saber si logra o no triunfar en la defensa...

  La película suma crimen, drama y misterio. La historia hace referencia a hechos reales ocurridos en Michigan en 1952 que inspiró, la novela de Traver. La narración mantiene el misterio sobre lo que realmente ocurrió y la verdadera responsabilidad de los actores, sin que decaiga el interés del espectador. Lo consigue gracias al hábil uso de la ambigüedad, que no se resuelve ni con el veredicto del jurado ni con la acción del cierre de la película. Construida con sutileza e inteligencia, la ambigüedad confiere a la obra una potente capacidad de fascinación.

  Añade factores adicionales de tensión, como el enfrentamiento de Paul y el fiscal que le ha sustituido en el cargo, la confrontación entre un sencillo abogado y el pomposo ayudante del fiscal general del estado de Michigan, el contraste entre la naturalidad y sencillez de Paul y la elegancia enumerada y estudiada de Dancer, la lucha entre un defensor que cuenta con escasos apoyos y un fiscal ayudado por un alto personaje de la localidad, la desigual contienda entre un solitario Paul y dos fiscales agresivos, la contraposiciñon de la bravura y la pasión de Paul con la frialdad de sus oponentes, el contraste  entre las poses del fiscal y la gesticulación espontánea de Paul, etc..

  También la historia incorpora elementos propios del cine negro, como el blanco y negro, la mujer fatal, la música de jazz, la atmósfera densa, etc..Preminger hace un gran esfuerzo para dotar a la pelicula de verosimilidad y realismo: se apoya en una historia real,  rodando en la localidad en la que ocurrieron los hechos y da el papel de juez al magistrado que en representación de la Armada se enfrentó a Joseph McCatthy, cuano este abrió en los años 50 una investigación sobre la misma.

  La película forma parte de los trabajos con los que Preminger gana para el cine nuevos espacios de libertad frente a la censura. En esta ocasión incorpora al léxico de la película palabras usuales y por ello realistas hasta entonces vetadas (esperma, semen, puta, putón, violación, bragas, anticonceptivos, etc.). También muestra un corsé y unas bragas de fantasia que Paul aporta como prueba.

  Preminger hace uso dela elipsis, el supuesto y el sobresentido. No muestra la escena del crimen ni escenas intimas que se citan en el juicio. Palpita la presencia disimulada, pero efectiva, de la violencia, el deseo, la pasión y el sexo.

  De su mano se hacen presentes sentimientos primarios, como los celos, los deseos de venganza, el odio, la desesperación, etc,. A lo largo de la película está presente el espiritu irónico y sarcástico, que se pone de manifiesto a través de gestos, expresiones, acusacuines y hechos chocantes. Cabe citar la manipulación de las bragas ante el jurado y la perdida de la letra "pe" en la máquina de escribir de Maida, que sirve para dedicar un inesperado guiño de simpatia a los hermanos Marx y a su película "Una noche en la ópera" ("A Night at the Opera"-1935).

  Desarrolla también, un análisis minucioso y nada artificioso de las estratagemas, argucias y legalísmos que se suelen usar en las visitas judiciales. Explicando que nunca se debe hacer una pregunta a un testigo de la que no se conozca la respuesta. Y explica también como se puede manipular la apariecia de los hechos sustituyendo una palabra por otra, como "violación por "problema".

  La música de Duke Ellington. Un compositor y pianista nacido en Wanshington. Pero al cabo del tiempo se mudó a Nueva York, donde se ganó un perfil nacional a través de sus apariciones en el famoso Cotton Club. Grabó para la mayoria de las compañias discográficas estadounidenses de su época, actuó en varias peliculas y compuso música para la mayoria de ellas. Después de su fallecimiento se le entregó a titulo póstumo un Premio Pulitzer especial por su música esto ocurrió en 1999.

  Y aqui, se ofrece una partitura de 26 cortes, tan sugerentes y apasionantes como: "Happy Indigo", "Grace Valse", Polly", "Happy Anatomy". etc.. Fue premiada con un Grammy.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Sam Lecuitt. Un director de fotografia nacido en Nueva York, Comenzó su carrera como asistente de cámara trabajando en películas en 1930. En 1952 ya fue operador de cámara en la película "Encubridora" ("Rancho Notorious") y poco después se convirtió en director de fotografia. Entre su extensa filmografia caben de destacar titulos como por ejemplo: "Fugitivos" ("The Defiant Ones"-1958), "El cabo del terror" ("Cape Fear"-1962) y "Adivina quien viene esta noche" ("Guess Who’s Coming to  Dinner"-1967).

  Y aqui, aportando cuidadosos planos secuencia, largos travellings (directos e inversos) y una grata profundidad de campo que engrandece la acción. Es notable el diseño de los titulos de crédito, a cargo del famoso Saul Bass ("Vértigo"-1958) de Alfred Hitchcock.

  Sensacional James Stewart, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954)) como el abogado Paul Biegler. Y con él la bellisima Lee Remick, "La profecia" ("The Owen"-1979) como Laura Manion. Seguidos por los siempres estupendos, Ben Gazzara, "Todos rieron" ("Thay All Laughed"-1981) como el teniente Frederick Manion; Arthur O?Connell; "Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage"-1966) como Parnell Emmett;  George Scott; "Patton"-1970 como el fiscal Claude Dancer: Eve Arden, "Grease"-1978 como Maida Ruttedge; Murray Hamilton, "El graduado" ("The Graduate"-1967) como Alphonse Paquette...

  En definitiva: Una película que se ha convertido en uno de los grandes clásicos del cine, y uno de los trabajos más renombrados tanto de James Stewart como de Otto Preminger. Matricula de Honor.

  "Anatomia de un asesinato" estuvo nominada a 7 Oscar incluidos actor principal (Stewart) y pelicula. Pero no consiguió ninguno. Fue el año de "Ben-Hur".

  A modo de curiosidsd: El juez Joseph Wetch no era actor de cine. En realidad se trataba de un abogado de verdad.

 

 

   

 

Pan, amor y celos (Pane, amore e gelosia-1954)

  En recuerdo de: Gina Lollobrigida

  ¿Y después de la fantasia... qué?

  Pues: celos...jajaja...

  Simpática película de género de comedia y de nacionalidad italiana y, una secuela de "Pan, amor y fantasia"(1953). Llevada al cine de una historia de Ettore M. Margadonna. Un escritor y actor nacido en Palena (Italia). Cuenta en su haber con bastantes titulos algunos de ellos muy emblemáticos del cine italiano, como por ejemplo: "La bella de Roma" ("La bella di Roma"-1959) con Silvana Pampanini y "El moralista" ("Il moralista"-1959) con Alberto Sordi. Y ayudado por el también director de la pelicula Luigi Comencini (que también colaboró en el guión).

  Del guión se hicieron cargo Titina De Filippo. Una actriz (y en ocasiones guionista) nacida en Nápoles. Era hermana de Eduardo y Peppino De Filippo. Empezó a trabajar en la escena siendo una niña. Actuó junto a Totó en el Teatro Nuovo de Nápoles, y en 1931 fundó junto a sus dos hermanos el Teatro Umorístico Di Nápoles. Se retiró en 1956 a causa de una grave enfermedad. El segundo guionista fue el hermano deTitina Eduardo De Filippo. Un cineasta nacido en Nápoles. Creció dentro de un ambiente teatral napolitano y junto a sus ds hermanos trabajó desde los años veinte, tanto en el teatro como en el cine. En 1981 fue nombrado senador vitalicio, uniéndose al grupo de Sinistra Independiente. El tercero en discordia fue Vicenzo Talerico. Un guionista nacido en Acri (Itaia). Se mudó a Roma donde publicó de forma anónima en los diarios "Menssaggero" y "Corriera de ila Sera". Debutó como guionisa para el cine en 1940 con la película "Senzo cielo" de Alfredo Guarini. También estuvo muy activo en la radio e incluso en la televisión, siempre como guionista. En 1963 fue galardonado con el Premio Sain- Vincent de periodismo.

  "Pan, amor y celos" está dirigida por Luigi Comencini. Un cineasta nacido en Sólo (Italia) y muy conocido por ser uno de los psdres de la comedia italiana.

  Siguió los pasos de su padre, que era ingeniero, de modo que su infacia transcurrió en Paris. Alli se entusiasmó con el cine. Al volver a Italia etudió ingenieria industrial en Milán. Se casó con Giulia di Partenna, una joven arostócrata, y comenzó a trabajar como ingeniero y critico de cine. Pronto se ocupó de la Cinemateca italiana. Sus hijos, dos de ellos se hicieron directores de cine, colaborando con él, la tercera se hizo escenógrafa.

  Su primera película con éxito fue "L’ imperatore di Capri" (1949) protagonizada por Totó. Una de sus películas más conocidas fue "Pan, amor y fantasia", que obtuvo el Oso de Plata en el Festval de Berlin. En 1960 dirigió la sátira antibélica "Todos a casa" ("Tutti a casa"), dirgió la versión cinematográfica de la novela de Carlo Cassola sobre la Resistencia "La chica de Bube" ("La regazza di Bube"-1963), de bastante calidad y a mediados de los años 60 realizó el drama "El incomprendido" ("Incompruso"-1967).

  En 1972 su película "Sembrando ilusiones" ("Lo scopone scientifico"), producida por Dino de Laurentis, contó con un singular reparto; Alberto Sordi, Bette Davis, Joseph Cotten y Silvana Mangano, con esta pelìcula obtuvo dos premios David di Donatello. Ese mismo año realizó "Las aventuras de Pinocho" ("Le aventure di Pinocchio") sobre la novela de Carlo Collodi, en principio estaba pensada para la televisión, pero luego fue distribuida en cines por su calidad y la gran interpretación de Nino Manfredi.

  Dirigió a alguno de los actores más importantes del cine italiano, como Totó, Marcello Mastroianni, Vittorio Gasman, Enrico Maria Salerno o Alberto Sordi, y del europeo, entre ellos Fernando Rey, Annie Giradot y Angela Molina. Su última pelicula fue en 1991 y se trató de un remake de la célebre pelìcula española "Marcelino, pan y vino" (1954), con Nicoló Paolucci dando vida al pequeño Marcelino, también contó con los españoles Fernando Fernán Gómez como el Padre Prior y Alfredo Landa como Fray Papilla.

  La acción pues, nos lleva hasta Sagliena, un pueblo imaginario de la region montañosa italiana de Abruzzi, allá por el año 1954. Alli el comandante de carabineros del lugar, Antonio Carotenuto acaba de comprometerse con la comadrona Annarella Miziano, pero cuando al carabinero Pietro Stelluti le destinan a otro mando, este encomienda a su novia Maria para que la cuide el comandante y la acoja a su servicio. Este hecho levanta los celos de Annarella...

  La película pues, combina neorrealismo italiano, comedia rural de costumbres y comedia romántica. También podriamos decir que personajes de la "comedia del arte", como el hombre maduro que persigue a las mujeres, la joven a la que todos desean, el joven inexperto, la mujer con pasado etc.

  La historia se estructura sobre las relaciones de dos parejas, una joven y la otra de media edad. Los aspectos dramáticos de la vida en el mundo rural se ven tangencialmente. Ls costumbres rurales se muestran con cariño y nostalgia: el burro empleado como montura de Maria, las murmuraciones de los ancianos, el vestido negro de las mujeres mayores, el liderazgo civil del párroco (el comandante pone a sus órdenes un carabinero durante el terremoto), las sospechas convertidas en falsas  certezas, etc..

  Por la pantalla desfilan, al hilo de un humor amable y socarrón, personajes tan singulares como el vendedor ambulante, el empresario de la compañia de variedads, la madre soltera. El machismo popular se hace presente a través de expresiones populares ("Qué Dios te de hijos varones"), los prejuicios institucionales y sociales contra la madre soltera, etc.. Maria encarna a la figura de la nueva mujer de la Posguerra, independiente, libre, desenvuelta y trabajadora.

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un prolífico compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición musical en el Conservatorio de Milán en 1924, donde fue alumno de Giulio Cesare Paribeni y Renzo Bossi. En 1933 su ópera "Donna Lombarda" inspirada en una balada popular, seestrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, con la excepción de "Messa a 5 voivces" y "Saul", centró sus actividades en la composición de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con los cineastas Vittorio De Sica y Alessandro Blasetti.

  Y aqui, reiterando los temas de "Pan, amor y fantasia" (1953) de tonos festivos, ritmicos y populares. Como musica añadida ofrece  un fragmento de "Aida"de Verdi, una marcha militar y canciones tradicionales.

  La fotgraia en blaco y negro fue obra de Carlo Montuori. Un directos de fotografia  nacido en Cascalenda (Italia). A los 12 años se trasladó a Milán a vivir con su tio, fotógrafo y pintor. Alli asistió a la Universidad Politécnica y siguió cursos de pintura en la Academia  de Brera. Al cine se acercó en 1907 trabajando en la productora "Comercio & C", y debutando como operador en "Dalla prieta all’ amore", un documental de 1909 de Luca Comerio. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el estudio fotográfico Gonzini, donde aprendió los conceptos básicos en el campo del uso de la iluminación artificial. A partir de 1911, fue uno de los pioneros en Italia en probar la aplicación de estas  técnicas en el cine, inventando un dispositivo basado en lámparas de arco rudimentario, hechos de carbón unido con alambre y conectados a la corriente eléctrica a través de resistencias.

  Después de la guerra, tuvo un papel importante en la cultura figurativa del primer neorrealismo, a menudo colaborando con Luigi Zampa. Ganó un Canto de Plata por "Ladrón de bicicletas" (Ladri di biciclette"-1948) de Vittorio De Sica.

  Y aqui, describiendo unas imágenes realistas y descriptivas, y en donde acaricia sobre todo la imágen de Gina Lollobrigida, que con su gracia y desenvoltura llena toda la pantalla de naturalidad, encanto y alegria.

  Bellisima y sensual Gina Lollobrigida "La mujer más guapa de mundo" ("La donna  piü bella del mundo"-1955) metida de nuevo en el cuerpo de Maria. Y con ella el gran Vittorio De Sica, "El general de la Rovere" ("Il generale Della Rovere"-1959)y de nuevo como el comandante Antonio. Y entre los dos vuelven a repetir Marissa Merlini, "El juicio universal" ("Il giudizio universale"-1961) como Anna la comadrona; Roberto Risso, "La ciudad cautva" ("La cittá prigionera"-1962) como el cabo Pietro; Tina Pica, "Sabela" ("La nonna Sabela"-1957) como Caramella...

  En definitiva: Una continuación digamos que de "Pan, amor y fantasia", con la que el director remató un diptico de gran éxito popular. Una brillante comedia romántica y todo un retrato edulcorado del costumbrismo rural italiano de la posguerra. Sobresaliente.

  A modo de curiosidad: La película se rodó integramente en los exteriores de Castel  San Pietro Romano. Y los interiores en los estudios Titanus de Roma. Se estrenó en Italia el 6 de diciembre de 1955.

 

 

 

 

Hasta siempre!!!

                 Gina Lollobrigida

          "La mujer más guapa del mundo"

  El pasado 16 de enero y a la edad de 95 años falleció la mitica actriz italiana Gina Lollobrigida.

  Al igual que muchos contemporáneos de la posguerra italiana el estrellato de Gina Lollobrigida se basó en su sencillez como belleza rústica e impoluta en contraposición con el glamour artificial que suele asociar a las estrellas femeninas de Hollywood.

  Estudió escultura en la universidad, pero comenzó su carrera en concursos de belleza (quedó en tercera posición en el concurso de 1947 de Miss Italia). Gina apareció en el reparto de numerosas co-producciones franco-italianas, como en la película de René Clair "Mujeres soñadas" ("Les belles  de nuit"-1952).

  En su Italia natal saltó a la fama por dos películas del "neorrealismo rosa", "Pan, amor y fantasia" ("Pane, amore e fantasia" -1953) y "Pan, amor y celos" ("Pane, amore e gelosia"-1954). Su aparición en "La mujer más guapa del mundo" ("La donna piú bella del mundo"-1955) le hizo merecedora del mismo sobrenombre que el titulo de la pelicula.

  Su carrera en Hollywood despegó protagonizando junto a Yul Brynner la pelicula biblica "Salomón y la reina de Saba" ("Solomon and Sheba"-1959), pero fue con su papel en "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961), junto a Rock Hudson y Sandra Dee, donde se ganó el calor del público estadounidense, al igual que Jerry Lewis, con quien  tuvo un breve romance.

  Aunque siguió relacionada con el cine en la década de los 60, su carrera dió un giro diferente al triunfar como periodista gráfica, se ganó un importante respeto en este medio al conseguir una entrevista en exclusiva con Fidel Castro.

  A pesar de estar retirada Gina siguió la maldición de otras estrellas femeninas de su generación aceptando papeles en películas de baja calidad y bajos presupuestos como en el csaso del "spaghetti-western" "El hombre de Rio Malo"-1971 de Eugenio Martin.

  También en los años 80 hizo algún trabajo para la televisión  saliendo en varios episodios de la famosa serie "Falcon Crest". En 1999 se aventuró en la politica y fue candidata elegida al Parlamento Europeo en representación de su ciudad natal Subiaco.

  En febrero de 2018, a los noventa años de edad, fue reconocida con una icónica estrella a su nombre en el Paseo de la fama de Hollywood.

  Luigia Lollobrigida (Gina Lollobrigida) Subiaco (Italia)-4 julio-1927 - Roma - 16 - enero - 2023.

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

  "La fama tiene un lado fantástico, ya que te abre muchas puertas, pero la verdad es que a mi no me gusta".         (Gina Lollobrigida)

 

Mesas separadas (Separate Tables-1958)

  "No conozco a nadie que mienta con tanta sinceridad"

  Muy buena película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine de una obra de teatro de Terence Rattigan. Un dramaturgo nacido en Londres. Estudió en Harrow School y en el Trinity College de Oxford. Sus obras se caracterizan por poseer un culto y elegante diálogo y una impecable construcción. Entre sus novelas llevadas al cine caben de destacar además de "Mesas separadas", "Adios, Mr. Chips" ("Goodbye Mr. Chips") se hicieron dos versiones la primera en 1939 dirigida por Sam Wood y la segunda en 1969 dirgida por Herbert Roos, y "El Rolls-Royce amarillo" ("The Yellows Rolls-Royce"-1964) dirigida por Anthony Asquith.

  El guión fue escrito por el mismo Terence Rattigan y ayudado por John Gay. Un escritor y actor nacido en California. Solamente escribió dos guiones para el cine y los dos el mismo año, "Mesas separadas" y "Torpedo" ("Run Silente, Run Deep"-1958) con Clark Gable y Burt Lancaster.

  "Mesas separadas" está dirigida por Delbert Mann. Un director nacido en Kansas. Después de trabajar en el cuerpo de bomberos y como representante comercial, comenzó su carrera como director representando obras teatrales y realizando adaptaciones televisivas, alcanzando notoriedad en este último campo durante los años 40 con la Philco Television Play House y la Goodyear Television Play House.

  Uno de sus trabajos más aplaudidos fue "Marty" (1995), producto televisivo realizado en el año 1953 que fue interpretado por Rod Steiger y escrito por Paddy Chayefsky. Dos años depués, Mann debutó en el cine con la misma historia, una película protagonizada por Ernest Borgnine que le valió el Oscar como mejor director. Más tarde continuó trabajando para la pequeña pantalla y rodó varias película como: La noche de los maridos" ("The Barchelor Party"-1957), otro drama escrito por Psddy Chayefsky. El protagonista principal fue Don Murray, Carolyn Jones fue nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por esta película.

  "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) adaptación de una obra teatral de Terence Rattigan con un reparto que incluia a Burt Lancaster, David Niven, Rita Haywort , Deborah Kerr y Wendy Hiller; "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Eims"-1958), versión de la obra de Eugene O’Neill con Sofia Loren y Anthony Perkins y "En la mitad de la noche" ("Middle of the Night"-1959), con Frederic March y Kim Novak y con un guión de nuevo de Chayefsky, fueron otras de las mejores películas de Mann durante los años 50.  Por "Mesas separadas" David  Niven y Wendy Hiller lograrin el Oscar.

  En los años 60 estrenó "En la escalera oscura" ("The Dark at the  Top of Stairs"-1960), melodrama basado en una obra de teatro de William  Inge, "Pijama paea dos" ("Lover Come Back"-1961), una de las comedias románticas más conicida de la pareja Rock Hudson y Doris Day, que se amnienta en el mundo de la publicidad.

  "El sexto héroe" ("The Outsider"-1961) drama bélico protagonizado por Tony Curtis, "Suave como visón" ("That  Touch of Mink"-1962) comedia protagonizada por Cary Grant y Doris Day, "Nido de águilas" ("A Gathering of Eagles"-1963) película bélica con el protagonísmo de Rock Hudson, "Quak Before it Mells"-1964, comedia que supuso su primera labor como productor cinematográfico, "Querido corazón" ("Dear Heart"-1964), con Glenn Ford y Geraldine Page, "La mujer sin rostro" ("Mister Buddwing"-1966), drama basado en una novela de Eva Hunter, "Cuidado con el mayordomo" ("Fitzwilly"-1967), comedia con Dick Van Dyke, y "Fiebre de codicia" ("The Oink Jungle"-1968), película de aventuras protagonizda por James Garner y Eva Renzi.

  También en esta década, menos inspirado que la previa Mann tuvo tiempo para dirigir proyectos televisivos, entre ellos un telefilm sobre "Heidi", la célebre novela escrita por Jihanna Spiri. A partir de los años 70 Mann se volcó principalmente por el medio televisivo rodando entre otros muchos titulos una versión de la novela "Sin novedad en el frente"  ("All Quet on the Western Front"-1979) de Erich Maria Remarque. En el cine solamente estrenó tres películas "Jane Eyre"-1970, basada en el clásico literario de Charlotte Bronté, "David y Catrión-1971, película de aventuras con Michael Caine que adaptaba un libro de Robert L. Stevenson y "Tiempo de abedules" ("Birch Interwal-1976), drama protagomizado por Eddie Albert, que adaptó una novela de Joana Crawford.

  Con prioridad dirigió titulos como "Fuga de noche" ("Night Crossing"-1982), drama con John Hurt Y "Bronté" -1983, película biográfica sobre las hermanas Bronté que supuso su último trabajo paea el cine, prosiguiendo su carrera en el medio televisivo. El telefilm "Huida en invierno" ("Lily in Winter"-1994, protagonizado por Natalie Cole, fue su último trabajo en la dirección.

  La acción pues, nos lleva hasta el hotel Beauregard, en la localidad costera de Bornemouth en el sur de Inglaterra. Dicho hotel anuncia un abiente familiar, cocina casera y comedor con mesas separadas... Los hechos suceden en el otoño de 1958. Son huéspedes fijos el comandante Agnus Pellock, un militar jubilado con una gloriosa hoja de servicios; la joven Sybill Rallton-Bell, timida, sumisa y dominada por su madre, que sufre circunstanciales ataques de histeria; John Malcom, escritor norteamericano, que ahoga en el alcohol los recuerdos de un antiguo amor frustrado; Charles, estudiante de medicina; Jean, pareja de Charles; un profesor de cultura griega y otros. La dueña del hotel es la eficaz y atenta Pat Cooper... Acaba de llegar como huésped temporal Ann Shakland, antigua modelo y antigua esposa de Malcom...

  La película trata de drama y romance. Explora cuatro historias de amor diferentes: una se basa en afinidades derivadas de represiones similares; otra de dsr una segunda oportunidad a un amor del pasado; la tercera busca consuelo que alivie profundas frustraciones personales y la última es un amor joven de pareja de hecho, con connotaciones obsesivas. Los personajes son seres solitarios, desilusionados y marginsdos, que ocultan fracasos, frustrsciones y desesperación. Necesitan afecto, compasión, apoyo y amor.

  La comunicación entre los huéspedes resulta dificil, porque topa con prejuicios, convenciones sociales, inseguridades e incertidumbres. Actitudes intolerables. intransigentes, inflexibles y autoritarias entran en colisión con propuestas que perconizan comprensión, confiaza y afecto. Algunos personajes han de aprender no sólo a aceptar a los demás, sino también a ellos mismos. La pequeña sociedad variopinta que forman los huéspedes deviene un microcosmos que refleja y explica el mundo complejo de las relaciones interpersonales y de la convivecia en una sociedad que avanza.

  La película trata también temas diversos: las represiones sexuales, la practica del ostrascismo como forma de castigo, los estragos de la intolerancia y el autoritatismo, las necesidsdes de afecto que tienen todos los seres humanos, el alcoholismo, como falso medio de superar problemas personales, la importancia de la tolerancia y la comprensión humana, la trascendencia de las segundas oportunidsdes, la importancia de la comunicación basada en saber escuchar y saber explicarse sin reservas y sin barreras, la utilidad y eficacia de la comvivencia basdaa en la aceptación de las diferencias, la virtualidad del perdón de los errores ajrnos, etc.

  La película en fin desgrana una útil e interesante lección de las virtudes civicas básicas para ordenar una convivencia pacifica, duadera y eficiente.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raksin. Un compositor nacido en Filsdelfia. En su historial cuenta con más de 100 composiciones para el cine y más de 300 para la televisión. Fue conocido como el abuelo de las bandas sonoras. Uno de sus primeros trabajos fue en colaboración junto a  Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936). También será recordado por su tema en la película "Laura"(1944) y en donde Johnny Mercer puso la letra a este tema.

  Y aqui, ofreciéndo una partitura orquestal de acompañamiento descriptivo y ambiental, que invita a la reflexión critica. Añade la canción "Separate Tables", compuesta para la ocasión, con musica de Harry Warren y letra de Harold Anderson.

  La fotografia en blanco y negro se le fue asignada a Charles Lang Jr.. Un director de fotografia nacido en Utah. En los inicios de su carrera trabajó con una cámara Akeley, un aparato montado en un periscopio y diseñado por Carl Akeley era para hacer tomas de acción al aire libre, Sus primeras películas fueron para el cine mudo. En 1930 fichó para la Paramount y alli estuvo hasta casi el final de su carrera, introduciendo su propio estilo de iluminación como ya se vió en la primera versión de "Adios a las armas" ("A Farewetll to Arms"-1932) de Frank Borzage. Ocasionalmente  también trabajó para otros estudios como en "El fantasma y la señora Muir" )"The Ghost and Mrs. Muir"-1947) de la 20th Century F0x. En 1991 recibió el Premio honorífico de la American Society of Cinematographers, por una carrera que incluyó con 114 películas.

  Son escenas memorables la confesión de los embustes de Agnus a Sybil, la elegante secuencia del perdón de los erroresde Agnus, la conversación de John  y Ann y otras.

  Sensacional el reparto de actores elegidos aqui por Mann: Burt Lancaster, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) como John Malcom;  David Niven, "Los cañones de Navarone" ("The Gunsof Navarone"-1961) como Agnus Pollock; Deborah Kerr, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953) como Sybil Railton-Bell; Rita Hayworth, "Gilda"-1946 como Ann Shankland.

  Y muy bien arropados por Wendy Hiller, "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seasons"-1966) como Pat Cooper: Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la señora Ralton-Bell (madre de Sybil); Rod Taylor, "Los pájaros" ("The Birds"-1963) como Charles; Audrey Dalton, "El hijo pródigo" ("The Prodigal"-1955) como Jean; Felix Aylmer, "Ivanhoe"-1952 como Mr. Fowler...

  En definitiva: Una película en donde el miedo a la soledad está retratado correctamente y magistralmente interpretado. Una película recomendable. Sobresaliente.

  "Mesas separadas" obtuvo dos Oscar de siete nominaciones: David Niven como Mejor actor  y Wendy Hiller como Mejor actriz de reparto.

  A modo de curiosidsd: la pelicula se rodó en su totalidad en el Hotel Miramar de Bourmemouth (Dorset, Inglaterra).

 

 

Los jueves milagro (1957)

  "Luisito, no toques eso, que transmite el tétanos, ya lo sabes".

  "Luisito, aléjate de ahí".

  "Luisito"...

  Obra maestra de género de comedia satírico-religiosa y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de José Luis Codina. Un guionista y periodista nacido en Madrid. Desde los años 50 se dedicó a escribir guiones de películas trabajando en varias ocasiones con Luis Garcia Berlanga. Entre 1971 y 1972 dirigió junto a Manuel Martin Ferrand el programa "Siempre en domingo" de Televisión Española. Entre sus mas de 40 películas como guionista caben de destacar: "la fierecilla domada" (1956) protaginizada por Carmen Sevilla y Alberto Closas; "Novio a la vista" (1954) y "Plácido" (1964) ambas de Berlanga.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue por supuesto Luis Garcia Berlanga. Un cineasta nacido en Valencia. Cursó estudios de Derecho y Filosofia y Letras, aunque los abandonó para ingresar en 1947 en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid., donde más tarde fue profesor.

  Alli hizo amistad con Juan Antonio Bardem, con el que rodaria su primera película "Esa pareja feliz" (1951). En 1952, ya en solitario rodó "Bienvenido, Mister Marshall" con guión suyo, Bardem y Miguel Mihura, premiada en el Festival de Cannes.

  En 1961, en colaboración con Rafael Azcona, rodó "Plácido", una denuncia a la hipocresia social de la época, que fue nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera. En 1963, también con Azcona, realizó "El verdugo", que obtuvo el Premio de la Critica en el Festival de Venecia. Dentro de una linea más cómica se encuentra "Calabuch" (1956), La serie "Nacional"(1978-1980 y 1982), "La vaquilla"(1984) y "Todos a la cárcel" (1993).

  En el Festival de Karlovy Vary fue premiado como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Ha obtenido las siguientes  distinciones: Premio Principe de Asturias de las Artes en 1986, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1981 y ha sido condecorado con la Orden italiana de la Filmoteca Nacional de España y director de la colección de relatos eróticos "La sonrisa vertical".

  El 27 de mayo de 2008 depositó un legado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes el cual se abrió el 10 de junio de 2021 en el cual era un guión inédito de "¡Viva Rusia!", película que iba a continuar la triologia de "Nacional".

  La acción nos lleva hasta Fontecilla, un pueblo que vivió tiempos espléndidos gracias a la fama de su balneario, pero ahora sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadisimo turismo que apenas deja beneficios, ni siquiera el tren para ya en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa clientela, en convivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Cuando se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón, el problema queda resuelto...

  La película pues, suma comedia y cine fantástico. Presenta una jocosa sátira social de la España de mediados de los años 50. Se burla del papanatísmo y el borreguísmo que informan el fervor religioso de la gente sencilla, incrédula y manipulada. Se burla de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y de su enorme capacidad de influencia. Se burla de la utilización de la religión como instrumento de poder. Se burla de la cultura tramposa, picara y oportunísta de las fuerzas vivas. Se burla del egoísmo y del drástico individualísmo de las minoras. Se burla de la estrechez de miras que las guia; no buscan la promoción de los intereses del pueblo, sino de la dsatsfación de su codicia, su beneficio particular inmediato.

  Como parte de la sátira expone la pobreza intelectual de las escenas que se imparten en la escuela, las contenidas absurdas de las mismas y la presencia reiterada del recurso a los castigos fisicos como incentivo docente. Pone de manifiesto la dificultad de comunicación entre personas y grupos sociales, de acuerdo con una de las constantes del director. Su conocida misantropia explicaria la exclusión de la mujer en todo papel relevante y protagonista.

  La narración se desarrolla a un ritmo rápido y ágil. El relato, la historia de un fracaso, retiene la atención del espectador, le mantiene con la sonrisa en los labios y le lleva en varias ocasiones a la carcajada.

  La banda sonora fue obra de Franco Ferrara. Un compositor y director de orquesta nacido en Palermo (Italia). Empezó sus estudios musicales en su ciudad natal a la edad de cinco años. Casi de adolescente se trasladó a Bolonia donde completó sus estudios musicales dipolmándose en violin, piano, órgano y composición.

  Fueron muchos los premios y las distinciones que obtuvo en el curso de su carrera. En el cine se inició en 1945 poniendo música a la película "La puerta del cielo" dirigida por Vittorio De Sica. Entre su extensa filmografia caben de destacar titulos como por ejemplo: "La strada" (1954) de Federico Fellini; "El gatopardo" (1963) de Luchino Visconti y "La Biblia" (1966) de John Huston.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones ligeras de aires populares, ecos de feria y tono sarcástico y burlesco. El tema principal, de 10 notas es pegadizo y sugestivo. Añade fragmentos de "Gloria" del aria "Figaro" y temas de pasacalles.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Francisco Sempere. Un director de fotografia nacido en Madrid y muy conocido por sus encuadres, sus luces y sus movimientos de cámara donde eran una autentica maravilla. Su debut en el cine fue con la película "Hermano menor" (1952) protagonizada por Gustavo Rojo y Maria Asquerino. En su filmografia caben de destacar películas tan famosas como: "Los peces rojos" (1955) con Emma Penella y Arturo de Cordova; "Calabuch" (1956) de Luis Garcia Berlanga y "Plácido" (1961) tambien de Berlanga con Cassen y José Luis López Vázquez.

  Y aqui, presentando notables planos secuencias, escenas corales que reunen a muchos personajes y abundantes lances de humor visual.

  Son escenas memorables la representación de la primera aparición de San Dimas, la conversión de don José en un filántropo, las discusiones de los seis amigos por cuestiones de interés personal y el intento de convertir el agua en vino.

  Muy buenas todas las interpretaciones lideradas por un inmenso José Isbert, "El cochecito" (1960) metido en el cuerpo de don José, seguido por un grande de Hollywood, Richard Basehart  efectivamente el Ismael de "Moby Dick" (1956) y aqui en el papel de Martino, y por otro grande del cine italiano Paolo Stoppa, "La visita del rencor" ("The Visit"-1964) como don Salvador. Y con ellos un buen ramillete de secundarios de lujo: Juan Calvo, "Fray Escoba" (1961) como don Antonio; Alberto Romea, "Historias de la radio" (1955) como don Ramón; Félix Fernández, "La verbena de la Paloma" (1963) como don Evaristo. Y no podian faltar José Luis López Vázquez, "La escopeta nacional" (1978) como don Fidel y Manuel Alexander, "Calle Mayor" (1956) como  Mauro.

  Y algunos dirán pero es que no habia mujeres en este pueblo. Pues si señor también andaban por alli:  la gran Guadalupe Muñoz  Sampedro, "Un lujo a su alcance" (1975) como doña Paquita y también Julia Delgado Caro, "La violetera" (1958) como doña Eva.

  En definitiva: Toda unaobra maestra del cine español. Y un más que interesante relato de la realidad social de los años 50, atenazado por las penurias económicas de la autarquía, en fervor religioso y la cultura oficial de autoritarísmo y la legislación.  Matricula de Honor.

  A modo de curiosidad: La pelicula se rodó integramente en los exteriores del pueblo aragonés de Alhama de Aragón (Zaragoza). Y su estreno al público fue el 2 de febrero de 1959 en el cine Capitol de Madrid.

Escándalo en la corte (A Breath of Scandal-1961)

     En memoria de: Angela Lansbury

    ¡Jamás te cases con un hombre al que no amas!

  Entretenida película de género de comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense basada en la novela "Olympia" de Ferenc Moinár. Un periodista, dramaturgo y novelista nacido en Budapest (Hungria). Por ser judio, y durante la 2ª Guerra Mundial tuvo que exiliarse a Estados Unidos. Su novela más conocida es "Los muchachos del valle Pil", publicada en una revista para jovenes en 1906 y como libro en 1907 que se convirtió en un clásico de la literatura juvenil. También fue llevada al cine en una coproducción hungaro-estadounidense. Otras de sus novelas también llevada al cine fue ·El cisne" ("The Swan"-1956) protagonizada por Grace Kelly y Alec Ginness.

  Del guión se hizo cargo Walter Bernstein. Un productor y guionista nacido en Nueva York. Llegó a Hollywood en 1947 con un contrato con el  director Robert Rossen para la Columbia Pictures. En 1950 y debido a sus numerosas aficciones politicas de izquierda, su nombre apareció incluido en la lista negra de Hollywood. Sin embaro pudo seguir escribiendo guiones para la televisión, usando varios sudónimos.

  Empezó a ser reconocido en el mundo del cine cuando Sidney Lumet le contrató para escribir el guión de "Esa clase de mujer" ("That Kind of Woman"-1959) protagonizada por Sofia Loren. En 1994 recibió un premio otorgado por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos.

  "Escándalo en la corte" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza profesionales y dispuestos a aceptar cualquier trabajo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de los estudios del Hollywood clásico. Y el más indicado de todos ellos era Michael Curtiz. Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias, de terror, cine negro...pero su punto fuerte eran las películas de acción y aventuras, a las que infundia un contagioso brio. "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), sigue siendo una de las mejores peliculas de acción que jamás se han rodado.

  Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó películas biblicas al estilo de Cecil B. DeMille. En 1931 llegó a Estados Unidos y, con el nombre de Michael Curtiz (Su nombre de nacimiento era Manó Kertész Kaminer) no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes filmó mas de 80 películas de la productora, entre ellas: "Veinte mil años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Angeles con caras sucias"("Angels With Dirty Face"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth  and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió realizando un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas fue el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), que le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta meses antes de su muerte a los 75 años.

  Asi pues, Curtiz nos lleva hasta la ciudad de Viena allá por el año 1907. Y en donde una bella princesa que a peasr de haber sido desterrada, por sus indiscrecciones, de la mansión familiar, rechaza los proyectos de su madre que pretende casarla con un principe. Ella ha puesto los ojos en un atractivo ingeniero norteamericano, que está de visita y que cuenta con la aprobación de su padre...

  La película aborda varios temas que mueven a la reflexión. Presenta, en primer lugar una sociedad ociosa, que valora los titulos, las condecoraciones, los honores y el favor regio, mientras desprecia la inteligencia y el progreso. Contrasta con esta sociedad la figura del ingeniero norteamericano, que representa el espiritu emprendedor y el progreso.

  Las imágenes enfrentan el automovil del ingeniero con los coches/carrozas de la aristocracia vienesa, simbolizando la tensión entre progreso e inmovilísmo. La relación entre la pareja de enamorados pone en evidencia las diferencias entre disidencia y progreso. De ahi la necesidad que tiene ella de cambiar planteamientos y actitudes.

  La película está punteada de humor e ironia y algunos personajes, como el conde Sandorf, protagonizan intervenciones cómicas, por lo extravagantes que llegan a alcanzar al emperador. También apuesta por el amor romántico, desinteresado y sincero, como el  del heredero de la corona, Rodolfo, que antepuso su amor por  Maria Velsera a los intereses de Estado. Causa de su perdición en Mayerling (1889).

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición en el Conservatorio de Milán en 1927. En 1933, su ópera "Donna Lombarda", inspirada en una balada popular, se estrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, centró sus actividades de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con Vittorio De Sica y   Alessandro Blasetti, entre otros grandes directores. En 1965 se retiró del cine y se convirtió en profesor. Entre su extensa filmografa caben de destacar titulos como por ejemplo: "Ladrón de biciclettas" ("Ladri di biciclette"-1948), "Ulises"-1954 con Kirk Douglas de protagonista y "Ana de Brooklyn" ("Anna di Brooklyn"-1958).

  Y aqui, combinando valses y marchas vienesas con fragmento de saxo y clarinete en las escenas protagonizadas por el ingeniero americano y por supuesto de la princesa.

  La fotografia en un lujoso color fue dirigida por Mario Montuori. Un director de fotografia nacido en Roma. Comenzó su carrera cinematográfica en 1937, como asistente de operador. En 1940 fue reclutado y hasta 1943 fue  operador del Instituto Luce en el frente ruso. En 1949 debutó como director de fotografia, y sus colaboraciones incluyen películas de Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Alberto Latuada y Mario Soldati. A partir de finales de 1976 dejó el cine para dedicarse a la pintura. Entre sus más de 50 películas en su haber caben de destacar titulos como: "OK Nerón"-1951 con Silvana Pampanini, "Chao, chao bambina"-1959 con Elsa Martinelli, "Tres noches de amor" ("Tre notti d’amore"-1964) y "Año uno" ("Anno uno!"-1974) de Roberto Rossellini.

  Y aqui beneficiándose de unos excelentes decorados y un vestuario de gran vistosidad. Muestra sus preferencias por el rojo, el azul marino y el blanco.

  Muy bien todas las interpretaciones, comenzando por Sofia Loren "Dos Mujeres" "La ciociara"-1960) metida en el papel de Olympia, una princesa poco convencional y algo rebelde, seguida por John Gavin, "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959) como Charlie Foster, un ingeniero americano enamorado perdidamente de Olympia; Maurice Chevalier, "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957) como el principe Philip; Angela Lansbury, "El mensajero del miedo" ("The Manchurian Candidate"-1962) como la condesa Lina; Isabel Jeans, "Sospecha" ("Suspicion"-1941) como la princesa Eugenie; Tullio Carminati, "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) como Albert...

  En definitiva: Una película de época, que desarrolla una historia de amor con unos giros sorprendentes.  Sobresaliente.

  A modo de curiosidad, esta película es un remake de "Su noche de gloria" ("His Glorious Night"-1929) dirigida por Lionel Barrymore e interpretada por John Gilbert.

 

Hasta siempre!!!

               Angela Lansbury

                   Miss Fletcher

  El pasado 22 de octubre y a la edad de 97 años falleció la célebre actriz estadounidense Angela Lansbury.

  Hija de una actriz, fue evacuada de Inglaterra a Estados Unidos al comenzar la 2ª Guerra Mundial y se hizo estadounidense en 1951. Fue nominada al Oscar por su papel debutante como sirvienta ligona en la película "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), y otra vez como la maldita Sybil en "El retrato de Dorian Gray" ("The Picture of Dorian Gray"-1945). En este papel  que canturreaba una cancioncilla, ya se anunciaba,  sus posteriores éxitos en musicales teatrales como en "Sueeney Todd: The Domon Barber of Fleet Street" (1979), por el que recivió uno de sus cuatro premios Tony.

  Encantadora, robusta e inteligente, solia hacer de "la otra mujer" en películas como "Las chicas de Harvey" ("The Harvey Girls"-1946) y "El bufón del rey" ("The Court Jester"-1955).

  Cambió a mejor en papeles como el de la  madre en la película de Elvis Presley" ("Amor en Hawai"("Blue Hawaii"-1961), antes de otros trabajos más aclamados con Warren Beatty en "Su propio infierno" ("All Fall Down"-1962) y con Laurence Harvey en "El mensajero del miedo" ("The Manchurrian Candidate"-1962). En esta última abandonó su genio habitual para arrollar de forma incestuosa a su propio hijo, a quien le habian lavado el cerebro y convertido en un zombi asesino de comunistas, de modo que el idiota de su marido pueda llegar al poder al implantar un régimen con el que "la ley marcial pareciera una anarquia".

  En años posteriores, Angela se graduó en la interpretación de vigprosas y brillantes señoras de edad como en "La bruja novata" ("Besknobs and Broomsticks"-1971), "La dama del expreso" ("The Lady Vaniishes"-1979) o "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"-1980). Este último papel lo hizo con acierto para la televisión, encarnando a la escritora de novelas de misterio Jessica Fletcher en la serie "Se ha escrito un crimen" ("Murder She Wrote"-1984-1996), papel por el probablemente sea más conocida en la actualidad.

  Fue también la abuelita de "En compañia de lobos" ("The Company of Wolves"-1984) y puso la voz a la tetera en "La bella y la bestia" ("Beauty and the Beast"-1991). Su último trabajo fue "El regreso de Mary Poppins" ("Mary Poppiens Returns"-2018) dando vida a Lady Belloon.

  Angela Brigid Lansbury (Angela Lansbury)-Londres-16-octubre-1925-Los Angeles-11-octubre-2022.

                                ¡DESCANSE EN PAZ!