Los jueves milagro (1957)

  "Luisito, no toques eso, que transmite el tétanos, ya lo sabes".

  "Luisito, aléjate de ahí".

  "Luisito"...

  Obra maestra de género de comedia satírico-religiosa y de nacionalidad española, llevada al cine con un guión de José Luis Codina. Un guionista y periodista nacido en Madrid. Desde los años 50 se dedicó a escribir guiones de películas trabajando en varias ocasiones con Luis Garcia Berlanga. Entre 1971 y 1972 dirigió junto a Manuel Martin Ferrand el programa "Siempre en domingo" de Televisión Española. Entre sus mas de 40 películas como guionista caben de destacar: "la fierecilla domada" (1956) protaginizada por Carmen Sevilla y Alberto Closas; "Novio a la vista" (1954) y "Plácido" (1964) ambas de Berlanga.

  El segundo guionista y a la vez director de la película fue por supuesto Luis Garcia Berlanga. Un cineasta nacido en Valencia. Cursó estudios de Derecho y Filosofia y Letras, aunque los abandonó para ingresar en 1947 en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid., donde más tarde fue profesor.

  Alli hizo amistad con Juan Antonio Bardem, con el que rodaria su primera película "Esa pareja feliz" (1951). En 1952, ya en solitario rodó "Bienvenido, Mister Marshall" con guión suyo, Bardem y Miguel Mihura, premiada en el Festival de Cannes.

  En 1961, en colaboración con Rafael Azcona, rodó "Plácido", una denuncia a la hipocresia social de la época, que fue nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera. En 1963, también con Azcona, realizó "El verdugo", que obtuvo el Premio de la Critica en el Festival de Venecia. Dentro de una linea más cómica se encuentra "Calabuch" (1956), La serie "Nacional"(1978-1980 y 1982), "La vaquilla"(1984) y "Todos a la cárcel" (1993).

  En el Festival de Karlovy Vary fue premiado como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Ha obtenido las siguientes  distinciones: Premio Principe de Asturias de las Artes en 1986, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1981 y ha sido condecorado con la Orden italiana de la Filmoteca Nacional de España y director de la colección de relatos eróticos "La sonrisa vertical".

  El 27 de mayo de 2008 depositó un legado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes el cual se abrió el 10 de junio de 2021 en el cual era un guión inédito de "¡Viva Rusia!", película que iba a continuar la triologia de "Nacional".

  La acción nos lleva hasta Fontecilla, un pueblo que vivió tiempos espléndidos gracias a la fama de su balneario, pero ahora sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadisimo turismo que apenas deja beneficios, ni siquiera el tren para ya en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa clientela, en convivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Cuando se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón, el problema queda resuelto...

  La película pues, suma comedia y cine fantástico. Presenta una jocosa sátira social de la España de mediados de los años 50. Se burla del papanatísmo y el borreguísmo que informan el fervor religioso de la gente sencilla, incrédula y manipulada. Se burla de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y de su enorme capacidad de influencia. Se burla de la utilización de la religión como instrumento de poder. Se burla de la cultura tramposa, picara y oportunísta de las fuerzas vivas. Se burla del egoísmo y del drástico individualísmo de las minoras. Se burla de la estrechez de miras que las guia; no buscan la promoción de los intereses del pueblo, sino de la dsatsfación de su codicia, su beneficio particular inmediato.

  Como parte de la sátira expone la pobreza intelectual de las escenas que se imparten en la escuela, las contenidas absurdas de las mismas y la presencia reiterada del recurso a los castigos fisicos como incentivo docente. Pone de manifiesto la dificultad de comunicación entre personas y grupos sociales, de acuerdo con una de las constantes del director. Su conocida misantropia explicaria la exclusión de la mujer en todo papel relevante y protagonista.

  La narración se desarrolla a un ritmo rápido y ágil. El relato, la historia de un fracaso, retiene la atención del espectador, le mantiene con la sonrisa en los labios y le lleva en varias ocasiones a la carcajada.

  La banda sonora fue obra de Franco Ferrara. Un compositor y director de orquesta nacido en Palermo (Italia). Empezó sus estudios musicales en su ciudad natal a la edad de cinco años. Casi de adolescente se trasladó a Bolonia donde completó sus estudios musicales dipolmándose en violin, piano, órgano y composición.

  Fueron muchos los premios y las distinciones que obtuvo en el curso de su carrera. En el cine se inició en 1945 poniendo música a la película "La puerta del cielo" dirigida por Vittorio De Sica. Entre su extensa filmografia caben de destacar titulos como por ejemplo: "La strada" (1954) de Federico Fellini; "El gatopardo" (1963) de Luchino Visconti y "La Biblia" (1966) de John Huston.

  Y aqui, ofreciéndo composiciones ligeras de aires populares, ecos de feria y tono sarcástico y burlesco. El tema principal, de 10 notas es pegadizo y sugestivo. Añade fragmentos de "Gloria" del aria "Figaro" y temas de pasacalles.

  La fotografia en blanco y negro fue dirigida por Francisco Sempere. Un director de fotografia nacido en Madrid y muy conocido por sus encuadres, sus luces y sus movimientos de cámara donde eran una autentica maravilla. Su debut en el cine fue con la película "Hermano menor" (1952) protagonizada por Gustavo Rojo y Maria Asquerino. En su filmografia caben de destacar películas tan famosas como: "Los peces rojos" (1955) con Emma Penella y Arturo de Cordova; "Calabuch" (1956) de Luis Garcia Berlanga y "Plácido" (1961) tambien de Berlanga con Cassen y José Luis López Vázquez.

  Y aqui, presentando notables planos secuencias, escenas corales que reunen a muchos personajes y abundantes lances de humor visual.

  Son escenas memorables la representación de la primera aparición de San Dimas, la conversión de don José en un filántropo, las discusiones de los seis amigos por cuestiones de interés personal y el intento de convertir el agua en vino.

  Muy buenas todas las interpretaciones lideradas por un inmenso José Isbert, "El cochecito" (1960) metido en el cuerpo de don José, seguido por un grande de Hollywood, Richard Basehart  efectivamente el Ismael de "Moby Dick" (1956) y aqui en el papel de Martino, y por otro grande del cine italiano Paolo Stoppa, "La visita del rencor" ("The Visit"-1964) como don Salvador. Y con ellos un buen ramillete de secundarios de lujo: Juan Calvo, "Fray Escoba" (1961) como don Antonio; Alberto Romea, "Historias de la radio" (1955) como don Ramón; Félix Fernández, "La verbena de la Paloma" (1963) como don Evaristo. Y no podian faltar José Luis López Vázquez, "La escopeta nacional" (1978) como don Fidel y Manuel Alexander, "Calle Mayor" (1956) como  Mauro.

  Y algunos dirán pero es que no habia mujeres en este pueblo. Pues si señor también andaban por alli:  la gran Guadalupe Muñoz  Sampedro, "Un lujo a su alcance" (1975) como doña Paquita y también Julia Delgado Caro, "La violetera" (1958) como doña Eva.

  En definitiva: Toda unaobra maestra del cine español. Y un más que interesante relato de la realidad social de los años 50, atenazado por las penurias económicas de la autarquía, en fervor religioso y la cultura oficial de autoritarísmo y la legislación.  Matricula de Honor.

  A modo de curiosidad: La pelicula se rodó integramente en los exteriores del pueblo aragonés de Alhama de Aragón (Zaragoza). Y su estreno al público fue el 2 de febrero de 1959 en el cine Capitol de Madrid.

Escándalo en la corte (A Breath of Scandal-1961)

     En memoria de: Angela Lansbury

    ¡Jamás te cases con un hombre al que no amas!

  Entretenida película de género de comedia-romántica y de nacionalidad estadounidense basada en la novela "Olympia" de Ferenc Moinár. Un periodista, dramaturgo y novelista nacido en Budapest (Hungria). Por ser judio, y durante la 2ª Guerra Mundial tuvo que exiliarse a Estados Unidos. Su novela más conocida es "Los muchachos del valle Pil", publicada en una revista para jovenes en 1906 y como libro en 1907 que se convirtió en un clásico de la literatura juvenil. También fue llevada al cine en una coproducción hungaro-estadounidense. Otras de sus novelas también llevada al cine fue ·El cisne" ("The Swan"-1956) protagonizada por Grace Kelly y Alec Ginness.

  Del guión se hizo cargo Walter Bernstein. Un productor y guionista nacido en Nueva York. Llegó a Hollywood en 1947 con un contrato con el  director Robert Rossen para la Columbia Pictures. En 1950 y debido a sus numerosas aficciones politicas de izquierda, su nombre apareció incluido en la lista negra de Hollywood. Sin embaro pudo seguir escribiendo guiones para la televisión, usando varios sudónimos.

  Empezó a ser reconocido en el mundo del cine cuando Sidney Lumet le contrató para escribir el guión de "Esa clase de mujer" ("That Kind of Woman"-1959) protagonizada por Sofia Loren. En 1994 recibió un premio otorgado por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos.

  "Escándalo en la corte" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza profesionales y dispuestos a aceptar cualquier trabajo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de los estudios del Hollywood clásico. Y el más indicado de todos ellos era Michael Curtiz. Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias, de terror, cine negro...pero su punto fuerte eran las películas de acción y aventuras, a las que infundia un contagioso brio. "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), sigue siendo una de las mejores peliculas de acción que jamás se han rodado.

  Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó películas biblicas al estilo de Cecil B. DeMille. En 1931 llegó a Estados Unidos y, con el nombre de Michael Curtiz (Su nombre de nacimiento era Manó Kertész Kaminer) no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes filmó mas de 80 películas de la productora, entre ellas: "Veinte mil años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Angeles con caras sucias"("Angels With Dirty Face"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth  and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió realizando un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas fue el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), que le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta meses antes de su muerte a los 75 años.

  Asi pues, Curtiz nos lleva hasta la ciudad de Viena allá por el año 1907. Y en donde una bella princesa que a peasr de haber sido desterrada, por sus indiscrecciones, de la mansión familiar, rechaza los proyectos de su madre que pretende casarla con un principe. Ella ha puesto los ojos en un atractivo ingeniero norteamericano, que está de visita y que cuenta con la aprobación de su padre...

  La película aborda varios temas que mueven a la reflexión. Presenta, en primer lugar una sociedad ociosa, que valora los titulos, las condecoraciones, los honores y el favor regio, mientras desprecia la inteligencia y el progreso. Contrasta con esta sociedad la figura del ingeniero norteamericano, que representa el espiritu emprendedor y el progreso.

  Las imágenes enfrentan el automovil del ingeniero con los coches/carrozas de la aristocracia vienesa, simbolizando la tensión entre progreso e inmovilísmo. La relación entre la pareja de enamorados pone en evidencia las diferencias entre disidencia y progreso. De ahi la necesidad que tiene ella de cambiar planteamientos y actitudes.

  La película está punteada de humor e ironia y algunos personajes, como el conde Sandorf, protagonizan intervenciones cómicas, por lo extravagantes que llegan a alcanzar al emperador. También apuesta por el amor romántico, desinteresado y sincero, como el  del heredero de la corona, Rodolfo, que antepuso su amor por  Maria Velsera a los intereses de Estado. Causa de su perdición en Mayerling (1889).

  La banda sonora corrió a cargo de Alessandro Cicognini. Un compositor nacido en Pescara (Italia). Se graduó en composición en el Conservatorio de Milán en 1927. En 1933, su ópera "Donna Lombarda", inspirada en una balada popular, se estrenó en el Teatro Regio de Turin. A partir de entonces, centró sus actividades de partituras musicales para más de 100 películas, colaborando a menudo con Vittorio De Sica y   Alessandro Blasetti, entre otros grandes directores. En 1965 se retiró del cine y se convirtió en profesor. Entre su extensa filmografa caben de destacar titulos como por ejemplo: "Ladrón de biciclettas" ("Ladri di biciclette"-1948), "Ulises"-1954 con Kirk Douglas de protagonista y "Ana de Brooklyn" ("Anna di Brooklyn"-1958).

  Y aqui, combinando valses y marchas vienesas con fragmento de saxo y clarinete en las escenas protagonizadas por el ingeniero americano y por supuesto de la princesa.

  La fotografia en un lujoso color fue dirigida por Mario Montuori. Un director de fotografia nacido en Roma. Comenzó su carrera cinematográfica en 1937, como asistente de operador. En 1940 fue reclutado y hasta 1943 fue  operador del Instituto Luce en el frente ruso. En 1949 debutó como director de fotografia, y sus colaboraciones incluyen películas de Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Alberto Latuada y Mario Soldati. A partir de finales de 1976 dejó el cine para dedicarse a la pintura. Entre sus más de 50 películas en su haber caben de destacar titulos como: "OK Nerón"-1951 con Silvana Pampanini, "Chao, chao bambina"-1959 con Elsa Martinelli, "Tres noches de amor" ("Tre notti d’amore"-1964) y "Año uno" ("Anno uno!"-1974) de Roberto Rossellini.

  Y aqui beneficiándose de unos excelentes decorados y un vestuario de gran vistosidad. Muestra sus preferencias por el rojo, el azul marino y el blanco.

  Muy bien todas las interpretaciones, comenzando por Sofia Loren "Dos Mujeres" "La ciociara"-1960) metida en el papel de Olympia, una princesa poco convencional y algo rebelde, seguida por John Gavin, "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959) como Charlie Foster, un ingeniero americano enamorado perdidamente de Olympia; Maurice Chevalier, "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957) como el principe Philip; Angela Lansbury, "El mensajero del miedo" ("The Manchurian Candidate"-1962) como la condesa Lina; Isabel Jeans, "Sospecha" ("Suspicion"-1941) como la princesa Eugenie; Tullio Carminati, "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) como Albert...

  En definitiva: Una película de época, que desarrolla una historia de amor con unos giros sorprendentes.  Sobresaliente.

  A modo de curiosidad, esta película es un remake de "Su noche de gloria" ("His Glorious Night"-1929) dirigida por Lionel Barrymore e interpretada por John Gilbert.

 

Hasta siempre!!!

               Angela Lansbury

                   Miss Fletcher

  El pasado 22 de octubre y a la edad de 97 años falleció la célebre actriz estadounidense Angela Lansbury.

  Hija de una actriz, fue evacuada de Inglaterra a Estados Unidos al comenzar la 2ª Guerra Mundial y se hizo estadounidense en 1951. Fue nominada al Oscar por su papel debutante como sirvienta ligona en la película "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), y otra vez como la maldita Sybil en "El retrato de Dorian Gray" ("The Picture of Dorian Gray"-1945). En este papel  que canturreaba una cancioncilla, ya se anunciaba,  sus posteriores éxitos en musicales teatrales como en "Sueeney Todd: The Domon Barber of Fleet Street" (1979), por el que recivió uno de sus cuatro premios Tony.

  Encantadora, robusta e inteligente, solia hacer de "la otra mujer" en películas como "Las chicas de Harvey" ("The Harvey Girls"-1946) y "El bufón del rey" ("The Court Jester"-1955).

  Cambió a mejor en papeles como el de la  madre en la película de Elvis Presley" ("Amor en Hawai"("Blue Hawaii"-1961), antes de otros trabajos más aclamados con Warren Beatty en "Su propio infierno" ("All Fall Down"-1962) y con Laurence Harvey en "El mensajero del miedo" ("The Manchurrian Candidate"-1962). En esta última abandonó su genio habitual para arrollar de forma incestuosa a su propio hijo, a quien le habian lavado el cerebro y convertido en un zombi asesino de comunistas, de modo que el idiota de su marido pueda llegar al poder al implantar un régimen con el que "la ley marcial pareciera una anarquia".

  En años posteriores, Angela se graduó en la interpretación de vigprosas y brillantes señoras de edad como en "La bruja novata" ("Besknobs and Broomsticks"-1971), "La dama del expreso" ("The Lady Vaniishes"-1979) o "El espejo roto" ("The Mirror Crack’d"-1980). Este último papel lo hizo con acierto para la televisión, encarnando a la escritora de novelas de misterio Jessica Fletcher en la serie "Se ha escrito un crimen" ("Murder She Wrote"-1984-1996), papel por el probablemente sea más conocida en la actualidad.

  Fue también la abuelita de "En compañia de lobos" ("The Company of Wolves"-1984) y puso la voz a la tetera en "La bella y la bestia" ("Beauty and the Beast"-1991). Su último trabajo fue "El regreso de Mary Poppins" ("Mary Poppiens Returns"-2018) dando vida a Lady Belloon.

  Angela Brigid Lansbury (Angela Lansbury)-Londres-16-octubre-1925-Los Angeles-11-octubre-2022.

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

El hombre que nunca existió (The Man Who Never Was - 1956)

           "El cadáver de Punta Umbria"

  Interesante pelicula de género bélico (2ª Guerra Mundial) y de nacionalidad británica-estadounidense, basada en una novela de Ewen Montagu. Un oficial de la Inteligencia Naval Británica, además de abogado y escritor nacido en Londres.

  Del guión se hizo cargo Nigel Balchin. Un escritor y psicólogo nacido en Potterne (Inglaterra) y muy conocido por sus novelas escritas inmediatamente después de la 2ª Guerra Mundial. Entre sus novelas llevadas al cine caben de destacar: "A 23 pasos de Baker Street" ("23 Paces to Baker Street"-1956) de Henry Hathaway, y "El bárbaro y la Geisha" ("The Barbarien and the Geisha"-1957) de John Huston.

  "El hombre que nunca existió" está dirigida por  Ronald Neame. Un cineasta nacido en Londres. Siempre será recordado como uno de los directores del cine de catástrofes por antonomasia, fue el responsable de "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972) con Gene Hackman y "Meteoro" ("Meteor"-1979) con Sean Connery dos clásicos de este género en la década de los años 70.

  Su dedicación al séptimo arte le vino de sus padres, él era director de películas mudas y ella fue actriz. De hecho, hizo sus primeros pinitos en la profesión con 16 años en una compañia británica. Antes de dirigir películas pasó por todos los estamentos de la profesión: ayudante de dirección, director de fotografia, guionista y productor, lo que le permitió trabajar con algunos de los más grandes como Alfred Hitchcock, a quien asistió en "Chantaje" ("Blakmeil"-1929). En su asociación con cineastas inglese destaca su trabajo como director de fotografia para David Lean en los años 40 en las peliculas "La vida manda" ("This Happy Breed"-1944) con Robert Newton, "Sangre, sudor y lágrimas" ("In Which We Serve"-1942) con John Mills y "Un espiritu burlón" ("Blithe Spirit"-1945) con Rex Harrison.

  Durante la 2ª Guerra Mundial contribuyó en el guión de la pelicula bélica "One of Our Aracefl Is Missing"-1942 de Emeric Pressburger y Michael Powell, lo que supuso una nominación al Oscar. Aún tendria otras candidaturas a la estatuilla también en los guiones de "Breve encuentro" (" Brief Encountrer"-1945), "Cadenas rotas" ("Great Expectations"-1946) y "Oliver Twist"-1948, las tres de David Lean, lo que a Neame le daria pie para su etapa en Hollywood.

  Apasionado por la técnica, no fue de extrañar que en 1952 produjera "The Magic Box " con Robert Donat en el papel principal. En Estados Unidos aún haria titulos literarios como "El millonario"("The Million Pound Note"-1954) con Gregory Peck, una adaptaciòn de Marx Twain, pero sin renunciar a sus gustos británicos, lo que se advirtió en sus trabajos con Alec Guinness en "Un genio anda suelto" ("The Horse’s Mouth"-1958) y "Whisky y gloria" ("Tunes of Glory"-1960).

  Pero su titulo estrella fue sin duda alguna "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"-1972), todo un hito del género de catástrofes, con ese barco volcado boca abajo, y los pasajeros y tripulacion buscando desesperadamente el poder salvarse. Afirma la leyenda que, como hombre de accion Neame trepó por si solo por el árbol de Navidad del barco, para que Shelley Winters (una de las protagonistas) se animara a hacer lo propio en cierto momento de la película; y lo cierto que la actriz lograria una nominación al Oscar.

  El intento de repetir éxito con "Meteoro" ("Meteor"-1979) no funcionó, lo que ahi se veia resultaba demasiado acartonado. Más interés tuvo su película anterior "Odessa" ("The Odessa File"-1974), un trhiller basado en el best-seller de Frederick Forsyth. Su última película fue la comedia "Un tipo raro" ("Foreing Body"-1986). Era la historia de un joven hindú que trabaja de recepcionista en un hotel-burdel de Calcuta, y es despedido a causa de un malentendido, protaginizada por Victor Banergee.

  La acción pues, tiene lugar durante la 2ª Guerra Mundial, en 1943, y en donde el ejército británico se encuentra en la necesidad de desembarcar en Sicilia por razones estratégicas pero alli hay instalado un importante contingente de fuerzas alemanas. Para evitar una masacre el bando aliado necesita engañar al enemigo, haciéndoles creer que desembarcarán en otro lugar para que asi el ejército alemán movilice parte de sus tropas en Sicilia hasta otros supuestos puntos del desembarco aliado. El comandante Ewen Montagu, seá el responsable de idear el engaño. La operación Mincemeat acaba de comenzar y el lugar será la costa española de Huelva concretamente en Punta Umbria...

  La película combina tanto el género dramático  como el bélico, (aunque no se ve ningún disparo). Explora con profusión de detalles la complejidad de las variables a tener en cuenta a la hora de diseñar una operación de engaño de un enemigo tan minucioso y detallista como el alemán, la atención y el esmero con lo que se ha de llevar a la practica el plan y las persecuciones a tomar en la fase de comprobación por parte del bando contrario de la veracidad de los datos que incorpora la operación.

  La historia explica la importancia de las acciones bélicas que no se desarrollan en los campos de batalla, entre las que se cuentan las gestiones diplomáticas, la manipulación de factores que influyen sobre la moral del contrario, la intimación, las amenazas, las mentiras y el engaño.

  La película también aborda con carácter monográfico las importantes, aunque en general mal conocidas y poco valoradas, operaciones de carácter monográfico, confusión y engaño de los oponentes. Se ha dicho que las guerras no las ganan los bandos mas fuertes, sino los que más y mejor engañan al enemigo. Hacer que éste cometa errores que debiliten sus posiciones ha sido la causa de éxitos y fracasos que han cambiado en muchos casos el curso de los conflictos.

  A la vez pone de relieve que la guerra es una realidad sucia, cruel e inhumana. No hay guerras limpias, honestas y honradas. su esencia está hecha de sangre, traición, engaño, destrucción, odio y muerte. La guerra es el reflejo de los peores instintos del ser humano, de sus pasiones ,ás ruines, de su enorme capacidad de odio y crueldad. El ingenio, la inteligencia y el conocimiento, las guerras, les convierte en medios de destrucción y muerte.

  Hay que reseñar por último que la película se presenta construida con admirable corrección. Basándose en un guión muy bien escrito, que retiene la atención del espectador a través de una hábil sucesión de secuencias. Los diálogos son ocurrentes y brillantes. La trama está hilvanada con verosimilidad y coherencia. La narración es fluida y consistente. Está bien conseguida la atmósfera de suspense que envuelve el relato. No faltan trazos sútiles de humor.

  La banda sonora fue cmpuesta por Alan Rawsthorne. Un compositor nacido en Lancashire (Inglaterra). Sus primeros éxitos tuvieron lugar en 1938, con las obras "Theme and Variations" para violines y "Symphonia Studios" para orquesta. Y por supuesto también puso música para el cine en varias películas entre ellas: "Al oeste de Zanzibar" ("West of Zanzibar"-1954) protagonizada por Anthony Steell y "Oleadas de terror" ("Floods of Fear"-1958) con Howard Keel en el papel principal.

  Y en esta historia de intriga y espionaje ofreciendo composiciones (de cuerda y piano) de gran belleza.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por Oswald Morris. Un director de fotografia nacido en Middlesex (Inglaterra). Su interés por el cine comenzó a temprana edad como proyeccionista en el cine de su localidad. En 1932 abandonó sus estudios y comenzó a trabajar en los Estudios de Wembley, y a los 20 años ya era operador de cámara. Su carrera se vió interrumpida por la 2ª Guerra Mundial, durante la cual trabajó como operador de radio-navegador. Al terminar la contienda fue operador de cámara en la película de David Lean "Oliver Twist"-1948 y más tarde hizo su debut como director de fotografia con la película "Salamandra dorada" ("Golden Salamander"-1952) protagonizada por Trevor Howard. Recibió tres nominaciones al Oscar por los musicales: "Oliver!"-1968, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"-1971) y  por "El mago" ("The Wiz"-1978).

  Y en esta historia de una calidad efectiva. Acompañando y dignificando la notable sobriedad de la película.

  Muy bien todos los actores a la cabeza de Clifton Webb, "Laura"-1944 como el comandante Ewen Montagu y seguido de la bellisima Gloria Grahame, "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955) como Lucy Sherwood; Stephen Boyd, efectivamente el Mesala de "Ben-Hur"-1959 en el papel de Patrick O’Reilly; Robert Flemyng, "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957) como el teniente George Acres; Josephine Griffin, "El enfermero espsñol" ("The Spanish Gardener"-1956) como Pam...

  En definitiva: Una película bien construida e imprescindible para todo el buen amante del cine en general.   Sobresaliente.

  A modo histórico: El célebre desembarco se produjo en Sicilia el 9 de julio de 1943.

Atila: Hombre o demonio (Attila - 1954)

        En recuerdo de: Irene Papas

  "Bajo los cascos de mi caballo nunca más crece la hierba" (Atila)

  Muy entretenida película de género de aventuras (Antigua Roma) y de nacionalidad italo-francesa. Llevada al cine con un guión escrito por Ennio De Concini. Un guionista nacido en Roma. Ganador de un Oscar al Mejor guión por la película "Divorcio a la italiana" ("Divirzio all’ italiana"-1961) con Marcello Mastroiani y Daniela Roca. Su debut en el cine fue con "El bandido calabrés" ("Il brigante Musolino"-1950) protagonizada por Amadeo Nazari y Silvana Mangano. Su última película fue "Cartoni animati"-1997.

  Y el segundo guionista fue Primo Zagilio. Un director y guionista nacido en Vercelli (Italia). Se inició en el mundo del cine en 1938 como ayudante de dirección en la pelicula "La esposa del rey" ("La sposa del rei"). En 1943 debutó como director con la película "Sucedió en Damasco" ("Accadde a Damasco"), a la cual siguieron otras muchas coproducciones hispano-italianas. Es muy conocido por sus pelìculas "spaghetti westerns", entre las que destaca "Winchester uno entre mil"-1968 protagonizada por Peter Lee Lawrence y Armando Calvo. Algunas de sus películas las firmó bajo el pseudónimo de Anthony Greep.

  "Atila: hombre o demonio"está dirigida por Pietro Francisci. Un director nacido en Roma y muy recordado por su película "Hércules" ("Labors of Hercules"-1958) con Steve Reeves, inspirada en el cine histórico de aventuras muy popular en los años 60. Su carrera cambió radicalmente con la dirección de la película de ciencia-ficción "Encuentros en las galaxias" ("215: Missione Hydra"-1966) con Leonora Ruffo. Licenciado en Derecho, a finales de los años treinta realizó una serie de documentales y, a veces, cortometrajes, que le valieron varios premios internacionales.

  Pasó al cine y a partir de los años cincuenta se dedicó a iniciativas más comerciales, por ejemplo, la continuación del entonces exitoso ciclo basado en personajes históricos legendarios, en particular aquellos con una fuerza increible: Maciste, Hércules, Ursus y otros. Su última película fue"Simbad y el califa de Bagdad"("Simbad e il califfo di Bagdad"-1973) con Robert Malcolm.

  La historia pues, tiene lugar entre los años 445 y 452 y en donde Atila y sus guerreros están arrasando el norte de Europa, reduciendo a todo aquel que se atreva a oponerse a ellos. Solamente la proverbial entereza del Papa León I convencerá al rey bárbaro a abandonar su desvastador saqueo en la Peninsula italiana...

  La película trata el género de drama histórico, y en donde el personaje de Atila se presenta como un ser complejo en el que caben los sentimientos de afecto, amor y ternura. Como rey cree que la estrategia militar de su imperio ha de basarse en la guerra y no en el diálogo y el pacto. Como jefe militar cree que la guerra no admite componendas ante la piedad y la compasión.

  Por lo demás, la película atribuye a Atila la responsabilidad de sus estrategias, excluyendo de la misma a su hermano Bleda y al pueblo huno. La cultura del pacto habia proporcionado a los hunos tratados muy favorables con el Imperio Romano de Oriente como el de Occidente, ambos tributarios de los hunos.

  La narración se ajusta a las referencias históricas disponibles, las complementa con hipótesis razonables y opta claramente por un tratamiento realista, en ocasiones hiperrealistas, que continúa al verismo aún a costa de mostrar la textura de cartón-piedra en la que se apoya. No hay lugar para el surrealismo, la magia, la fantasia y las fuerzas ocultas del más allá.

  El relato no está exento de solemnidad y de cierta grandilocuencia, posiblemente como consecuencia de la tajante seriedad que impone el director. Sólo en algunas secuencias puntuales se hace presente la maldad: muerte en cruz de un religioso, asesinato de Bleda.

  Otras escenas también puntuales, evocan el sentido trágico: paseo de Atila a caballo con el hijo en brazos por el campo de batalla convertido en campo de destruciòn y la muerte de Gala Plácida en plena soledad. Es memorable el encuentro de Atila y el Papa León I en las afueras  de Roma.

  La banda sonora fue obra de Raoul Kraushaar y Enzo Masetti. El primero un compositor nacido en Paris (nacionalizado estadounidense). Trabsjó en Hollywood en las décadas de 1940 y 1950. Después continuó trabajando en películas de bajo presupuesto durante 1960 y 1970. A partir de entonces, y hasta 1980, la mayor parte de su trabajo se centró en la televisión hasta su jubilación. Entre su filmografía caben destacar titilos como por ejemplo: "Hacha de guerra" ("Mohawk"-1956), "Furia en el Rio" ("Fury River"-1961) y sobre todo la ooscarizada "Cabaret"-1972.

  En cuanto a Enzo Masetti. Un compositor nacido en Bolonia (Italia). Sus comienzos fueron en el cine mudo, debutando en el sonoro con la película "Caballeria"-1936 protagonizada por Amadeo Nazzari y Anna Magnani. Entre sus películas más importantes caben citar titulos como por ejemplo: "La puerta del cielo" ("La porte del cielo"-1945) de Vittorio De Sica, "Fabiola"-1949 con Michele Morgan y "Esclavas de Cartago" ("Le schiave di Cartegini"-1956) con Gianna Maria Canale y los españoles Jorge Mistral, Rubén Rojo y Germán Cobos. Su última película fue "Hércules y la reina de Lidia" ("Ercole e la regina di Lidia"-1959) con Steve Reeves y Sylvia Koscina.

  Y aqui, componiendo la narración visual con apuntes descriptivos que enriquezen  amplian el sentido de la acción. Destaca el canto del aleluya que acompaña al encuentro de Atila y León I.

  La fotografia en color fue dirigida por Ricardo Pallottini, Giuseppe Rotunno, Aldo Tonti y Luciano Trasatti. El primero fue un director de fotografia nacido en Roma. Inició su carrera en 1952 con la película "Oggi sposi" ("Fué ella quien lo hizo"). En 1982 mientras se estaba rodando para la televisión "Tigre Joe" de Antonio Margheriti perdió la vida al estrellarse con una avioneta. Rotunno. Un director de fotografia nacido también en Roma. Colaboró con los mas importantes directores del cine italiano. Con Fellini hizo ocho películas. Fue nominado al Oscar a la Mejor fotografia por "Empieza el espectáculo" ("All That Jazz"-1979) de Bob Fosse.

  Aldo Tonti. Un director de fotografia nacido en Roma. Comenzó su carrera como fotógrafo y luego ingrsó en la industria del cine como ayudante de cámara. Su debut como director de fotografia fue en 1939 con la película "Pequeños naúfragos" ("Piccoli naufraghi") de Flavio Catzauara. Pero  su primera película importante fue "Obsesión"("Obssessione"-1943) de Luchino Visconti. Trabajó con los mejores directores tanto italianos como estadounidenses tales como: Federico Fellini, King Vidor y Jonh Huston entre otros. En 1961 ganó la Carta de Plata a la mejor fotografia por  "Los dientes del diablo" ("The Savage Innocents") de Nicholas Ray. Y en cuanto a Luciano Trasatti. Otro director de fotografia también italiano /(descozco su lugar de nacimiento). Pero en su historial cinematográfico cuenta con más de 80 peliculas. Su debut fue en 1952 con la pelìcula "La tratta delle Gianche" con Vittorio Gasman y Silvana Pampanini. En su extensa carrera caben de destacar titulos como por ejemplo: "El puente de los suspiros" ("Il ponte dei sospiri"-1964) con Brett Halsey y Gianna Maria Canale y "Los hijos de nadie" ("I figli di nessuno"-1979) con Mario Merola y Antonio Sabato.

  Y en este azote de Dios ofreciéndonos elegantes movimientos de cámara "travellings" impresionantes (el inicio sobre el poblado destruido por los hunos) y lances de acción bien filmados y montados con habilidad.

  Muy bien todas las interprtetaciones  al mando del siempre colosal Anthony Quinn, "Las sandalias del pescador" ("The Shoes of the Fisherman"-1968) metido en el cuerpo del temible Atila. Y con él dos bellezas del cine mundial la italiana Sofia Loren, "La sirena  y el delfin" ("Boy  on a Dolphin"-1957) en el papel de Honoria y la griega y recientemente fallecida Irene Papas, "La ley de la horca" ("Tribute to a Bad Man"-1956) como Grune.

  Pero también hay que destacar al francés Henri Vidal, "Fabiola"-1949 como Aetius y al italiano Ettore Manni, "Buen viaje Pablo"-1959 como Bleda el hermano de Atila.

  En definitiva; Una película minusvaliada por la critica que siempre la tuvieron por detras de la versión de Douglas Sirk. Pero para mi ésta es sin lugar a dudas más regia, más europea, y sobre todo más politica.  Sobresaliente.

  A modo de curiosidad: Anthony Quinn e Irene Papas rodaron juntos seis películas.

  "Atila: Hombre o demonio" ("Attila"-1954)

  "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961)

  "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964)

  "Juego de reyes" ("A Dream of Kings"-1969)

  "Mahoma, el mensajero de Dios" ("The Messege"-1976)

"El león del desierto" ("Lion of the Desert"-1980)

  Y el cortometraje "El asesinato de Julio César"-1972.

 

 

 

 

Hasta siempre!!!

                    Irene Papas

       La gran dama del cine y teatro griego

  El pasado dia 14 y a la edad de 96 años falleció la actriz griega Irene Papas. Irene tuvo un aprendizaje recibido de su padre, profesor de teatro clásico, y de su madre, una maestra de escuela que le narraba cuentos y fábulas. "Ella daba vida a aquellos relatos frente al espejo de su casa. Desde entonces, como buena intérprete, nunca mató a la niña que llevaba dentro", expresó en una ocasión la actriz.

  Estudió en la Escuela Nacional de Teatro Griego de Atenas y de ahí pasó a formar parte del elenco del Teatro Nscional de Grecia, en el que destacó cmo actriz trágica en "Las troyanas", "Medea" (Európides) y "Electra" (Sófocles).

  Irene Papas empezó su carrera cinematográfica en Grecia, donde se hizo popular. Descubierta por Elia Kazan, su fama internacional llegó gracias a sus actuaciones en producciones muy taquilleras, tales como: "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) o "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964), asi como en "Electra"-1962, dirigida por Michael Cocoyannis. Con este director emprendió una seguidilla de heroinas de tragedias griegas en varias películas: "Antígona"-1961, "Ifigenia"´-1977 y "Las troyanas"-1971, aqui junto a Katharine Hepburn y Vanessa Redgrave.

  Algunos personajes de la mitologia griega que representó fueron Medea, Electra, Clitemnestra, Helena, Penélope y Anticlea. También interpretó personajes de Federico Garcia Lorca en las obras teatrales "Yerma" y "Bodas de sangre", y a Catalina de Aragón en la película "Ana de los mil dias" ("Anne of the Thousand Days"-1969) junto a Richar Burton.

  En el verano de 1988 fue invitada al Festival de Teatro de Mérida (España), y presentó un recital de la nueva poesia griega en griego y en traducción al español, con perfecta pronunciación hispana y con el acompañamiento de un piano que secundaba la parte cantada.

  En el año 2002 fue nombrada "Mujer de Europa". Amiga personal del primer ministro griego Andreas Papandreu, tuvo un romance con Marlon Brando. El ditector Federico Fellini era un gran admirador del trabajo de Irene Papas. Estuvo casada con el actor y director Alkis Papas desde 1943 hasta 1947.

  También fue cantante: el CD"Irene Papas canta a Mikis Theodorakis", que fue lanzado oficialmente en 2006, aunque una selección mas amplia de los temas, todos cantados en griego, habia estado circulando como pirata durante muchos años. Era conocida por Theodorakis ya desde 1964, cuando trabajó en la película "Zorba el griego". Irene Papas interpretó con pasión y habilidad algunas de las canciones, que alcanzaron asi una calidad similar a la de la misma película: por ejemplo "Denial" en CD "Five Five Ten" esta excluida del CD, por lo que parece probable que daten de poco después de 1964. Los arreglos y la atmósfera general de las canciomes son tradicionales, con amplio empleo del busuki, un instrumento fundamental en el folklore griego.

  Irene Papas prestó voz para una pieza del álbum "666 (The Apocalypse of John",13/18"), del grupo Aphroddite’s Child. Más adelante grabaria con Vangelis.miembrofundador del mismo grupo, los álbunes "Odes" -1979 y "Rapsodies"-1985.

  En 1947 se casó con el director de cine Alkis Papas, se divorciaron en 1951. En 1954 conoció al actor Marlon Brando y mantuvieron una larga relación amorosa, que entonces tuvieron en secreto. Cincuenta años después,  cuando Brando  murió, ella dijo: "Nunca he amado a un hombre como amé a Marlon. Fue la gran pasión de mi vida, abslutamente el hombre que más me importaba y tambien el que más estimaba, dos cosas que generalmente son dificiles de conciliar".

  Su segundo matrimonio fue con el productor de cine José Khon en 1957, ese matrimonio se anuló posteriormente. Era tia del director de cine Manousos Manousakis y del actor Ales Manthopoulus. En 2003 formó parte del consejo de administración de la Anna- Marie Foundatiun, un fondo de ayuda a la población de las zonas rurales de Grecia. En 2013 comenzó a padecer la enfermedad de Alzheimer. Pasó sus últimos años en su ciudad de Chilimodi.

  Irene Lelekou (Irene Papas) - Chilimodi (Grecia) - 3-septiembre-1929 - Chilimodi (Grecia) - 14 - septiembre - 2022.

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

Rififi (Du rififi chez les hommes - 1955)

  Levántate perro. Quiero que tengas miedo. ¿Qué se siente?...

  Obra maestra de género policiaco (cine negro) y de nacionalidad francesa. llevada al cine con un guión de René Wheeler. Un director y guionísta macido en Paris. Co-escribió el guión de la película "La cage aux rossignols"-1945 junto con Georges Chaperot, por la que ambos recibieron  una nominación al Oscar al mejor guión. Esta historia más tarde serviria de inspiración para la pelicula "Los chicos del coro" (" ("Les Choristes"-2004 de Christophe Baretier.

  El segundo guionísta fue Auguste Le Breton. Un novelista nacido en Finisterre(Francia). Se quedó huérfano a muy temprana edad y el gobierno francés se hizo cargo del alojamiento en una Institución del Estado. En este lugar su crecimiento no le fue facil. Al salir de la Institución tuvo problemas de adaptación frecuentando lugares de mala reputaciòn: bares y garitos. Incluso pasó un tiempo con las pandillas de Montmartre familiarizándose con el mundo del crimen. Por razones inciertas se unió a la Resistencia durante la 2ª Guerra Mundial, eto le marcó su vida y animado por sus actuaciones en la guerra comenzó a escribir. Sus obras son conocidas por su franqueza de estilo e historia. Escribió cerca de 80 novelas muchas de ellas fueron adaptadas al cine.

  Y el tercer  guionísta y a la vez director de la pelicula fue Jules Dassin. Un cineasta nacido en Connecticut (Estados Unidos). Después de trabajar en la compañia de Yiddish Proletarian Theater de Nueva York, Dassin empezó a dirigir cortos en Hollywood. Sus primeras películas no destacaron, hasta que en 1947 realizó "Fuerza bruta" ("Brute Force"), un duro drama situado en una cárcel, donde Burt Lancaster hacia el papel de un prisionero enfrentado al jefe de los guardias de dicha cárcel.

  "La ciudad desnuda" ("The Naked City"-1948), rodada según un estilo semidocumental en Nueva York, fue un melodrama innovador con crimen incluido. "Mercado de ladrones" ("Thieves’ Highaway"-1949), una cruda película policiaca que contó con unas intensas interpretaciones de Richard Conte y Lee J.Cobb.

  La carrera de Dassin en Hollywood se vió interrumpida cuando el director Edward Dmytryck lo acusó de ser comunista ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas del Congreso. Se estableció en el Reino Unido, donde rodó otra excelente película de cine negro, "Noche en la ciudad"("Night and the City"-1950), protagonizada por Richard Widmark.

  Tiempo después se mudó a Francia para realizar el proyecto que le hizo mas conocido "Rififi"-1955, una tensa película sobre un atrevido robo de joyas, en la que el propio Dassin hizo un papel importante. Rodada en un Paris invernal, la secuencia del robo de la caja fuerte es una proeza de suspense silencioso.

  En "Nunca en domingo" ("Jamais le dimanche"-1960), dirigió a su segunda esposa, la actriz griega Melina Mercouri, en el papel de Ilya, una animosa prostituta que levanta el ánimo de todos los que la conocen, la película fue todo un éxito.

  Melina Mercouri también actuó en "Fedra"-1962, la versión que hizo Dassin de la obra teatral de Eurípides. La siguiente película de Dassin "Topkapi"-1964, fue un thriller-comedia protagonizada por Melina Mercouri y Maximilian Schell y fue todo un éxito, sus peliculas posteriores apenas tuvieron repercusión entre el público.

  La acción nos lleva hasta Paris allá en el año 1954 y nos mete en la vida de Tony Le Stephanois que, después de cumplir cinco años de condena sale de la cárcel con la intención de cambiar su vida, pero se encuentra que su amante está con un conocido gángster. Como carece de recursos económicos no le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches. Durante semanas prepara minciosamente con ellos un golpe perfecto: el atraco a una innacesible joyeria de Paris...

  La película habla de amistad, venganza, trabajo riguroso, violencia de género, delación, infancia, reinserción social de exreclusos. Es destacable el nivel de detalle y precisión con el que es descrito el atraco a la joyeria, en una escena de 32 minutos, en la que el silencio, la ausencia de música, la escasez de luz y la narración visual crean un clima de tensión, que atrapa al espectador hasta convertirlo en participe de la acción.

  Se condena sus paliativos la violencia contra la mujer en una secuencia escalofriante, cuyo punto culminante se narra en fuera de campo. Las secuelas en la espalda y hombros de Malo se muestran en una escena posterior. El trabajo bien preparado, hecho a conciencia y realizado con atención, es garantia de éxito, incluso cuando el objetivo es un atraco, siempre que nadie incurra en una ligereza por exceso de confianza.

  La perfecta realización de la operación da paso a un giro dramático, que gradualmente se eleva a trágico. Dassin añdió una escena que condena la delación, en clara referencia al daño terrible que causaron las que arrancó el Comité de Actividades Antinorteamericanas. La maldad de los delincuentes, constratada con la deliciosa inocencia de un niño de 5 años, en algunos casos se combina con respuestas heróicas, que denuncian la pobreza de medidas de reiserción del sistema penitenciario.

  La banda sonora fue dirigida por  Georges Auric. Un compositor nacido en Lodéne (Francia). Fue un niño prodigio puesto que a los 15 años ya tenia su primera composición publicada. Antes de los 20 años ya habia orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Escribió también música para el cine en películas tan famosas como por ejemplo: "Moulin Rouge"-1953 de John Huston y "Buenos dias tristeza" ("Bonjour tristesse"-1958) de Otto Preminger.

  Y en este atraco pluscuamperfecto basándose en una partitura de melodias jazzisticas, de ecos dramáticos y fatalistas. Incluye además fragmentos de bandas sonoras: "El salario del miedo"("Le Salaire de la peur"-1953) y la citada "Moulin Rouge" entre otras.

  La fotografia en blanco y negro fue obra de Philippe Agostini. Un director de fotografia nacido en Paris. Fue fundador de la Escuela Louis Lumiere en Paris. Sus comienzos fueron como asistente de operador tanto de Georges Perinal como de Armand Thirardi. En la década de 1930, inició una fructifera carrera como director de fotografia, trabajando con directores como por ejemplo: Robert Bresson, , Marcel Cané, Max Ophüls y Jules Dassin entre otros. Entre sus muchas peliculas en su filmografia caben de destacar, "La dama de las camelias" ("La dame aux camelies"-1953) de Raymond Bernard, "Topaze"-1951 protagonizada por Fernandel y "La bella de Cádiz"-1953 con Carman Sevilla y Luis Mariano, entre otras.

  Y en esta antológica historia, acentuándo la iluminacion sombría de las escenas. Conteniendo travellings, movinientos de cámara y una capacidad de inventativa cinematográfica, que evidencian un excelente montaje y una soberbia dirección. La escena de la entrada de Tony con el niño en Paris es sublime.

  Extraordinario Jean Servais, "El hombre de Rio" ("L’ Homme de Rio"-1964) metido hasta el alma en el papel de Tony le Stéphenoi. Y con él un gran ramillete de secundarios (aunque hoy dia algo olvidados) como por ejemplo: Carl Möhner, "La caida de Roma" ("Il crollo di Roma"-1963) como Jole Suédois; Robert Mann, "Objetivo matar" ("Coplan FX18 casse lout"-1965) como Mario Ferrati; Janine Darbey, "La soñadora americana" ("American Dreamer"-1984) como Louise; Robert Hossein, "Madame Sans Gene"-1961 como Grutter...

  En definitiva: Una película que transformó el panorama del cine negro europeo y que por supuesto le dió un impulso universal. Una obra maestra del género de obligada visión.  Matricula de Honor.

  "Rififi" logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Jules Dassin aparece en un papel bastante importante en esta película el de el mafioso Cesar "el Milanés".

Senso - 1954

  Los desórdenes de la pasión amorosa interfieren en las convulsiones de la historia en una composición pictórica refinada: Asi es esta película, concebida como una ópera.

  Maravillosa película de género melodramático, y de nacionalidad italiana, llevada al cine con un guión de Suso d’Amico. Un guionísta nacido en Roma. Tras su estancia en Suiza e Inglaterra decidió buscar trabajo y fue contratado por el Ministerio de las Sociedades como secretario personal del gerente general. Más tarde comenzó a escribir guiones para el cine, trabajando habitualmente con Fellini, Vittorio de Sica y Alberto Lattuada. Entre sus grandes éxitos caben citar: "Ladrón de bicicletas" ("Ladri di biciclette"-1948) de Vittorio de Sica y "Mortadela" ("La mortadellla"-1971) protagonizada por Sofia Loren, entre otras.

  El segundo guionísta fue Paul Bowles. Un escritor y compositor nacido en Nueva York. A los 19 años viajó a Paris donde publicó dos poemas surrealistas pero se desanimó y se dedicó a la música. Regresó a Nueva York donde  comenzaría a estudiar composición durante los años treienta. Fue su esposa Jane Aver la que le animó para volver a escribir. Para el cine escribió varios guiones  destacando "Senso"(1954) y "El cielo protector" ("The Sheltering Sky"-1980) de Bernardo Bertolucci.

  El tercer guionísta fue nada más y nada menos que Tennessee Williams. Un destacado dramaturgo nacido en Missisipi. En 1948 ganó el Premio Pulitzer de teatro por "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Deseo") que en 1951 Elia Kazan lo llevó al cine con Marlon Brando de protagonísta. Y en 1955 por "La gata sobre el tejado de zinc" ("Cat  on a Hort Tin Roof"). También llevada al cine en 1958 por Richard Brooks, con Elizabeth Taylor y Paul Newman como protagonistas. Su obra de 1952 "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto") llevada al cine también en 1955 por Daniel Mann y protagonizada por Burt Lancaster y Anna Magnani estaba dedicada a su compañero Frank Merlo, recibió el Premio Tony a la mejor obra. Los criticos del género sostienen que Williams escribia en estilo politico sureño. Es conocido mundialmente porque muchas de sus obras han sido llevadas al cine, y la mayoria con gran éxito de critica y público.

  Y el cuarto y último y también director de la película fue Luchino Visconti. Un respetado director de cine y de teatro nacido en Milán. Nació en el seno de una de las familias más ricas del norte de Italia, era uno de los siete hijos del duque de Modrone. Fue una figura realmente enigmática, muy vinculado al Partido Comunista italiano, durante toda su vida.

  Al proceder de una familia arostocrática, sus películas a menudo manifestaron la lucha entre sus anviciones politicas de izquierdas y su origen personal.

  Se ha considerado "Obsesión" ("Ossessione"-1943), la adaptación que hizo Visconti de "El cartero siempre llama dos veces" ("The Postman Always Rings Twice"-1946), la novela de James M. Cain, como el punto de partida del movimiento cinematográfico neorrealísta, al presagiar ya los rodajes en exteriores y al utilizar un estilo de interpretación más duro y naturalista.

  Tematicamente la corriente de ardiente sexualidad que subyace en la película influiria en buena parte de las películas de Visconti. Sin embargo, se acerca mucho más al núcleo del neorrealísmo la película "La tierra tiembla" ("La terra trema"-1948), con un tema centrado en la vida cotidiana y la participación de actores no profesionales.

  A diferencia de otros directores asociados con el movimiento, Visconti siguió trabajando mucho después de que se enterrara el neorrealísmo. Durante un tiempo pareció interesarse por explorar la historia de Italia con películas a menudo elaboradas con su propio estilo operístico y grandioso, como "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963), "Rocco y sus hermanos" ("Rocco e i suoi fratelli"-1960), significó un retorno al discurso social presagiado en sus primeras películas, aunque también subrayó su interés por la vida familiar rota y los efectos de una decadencia social omnipresente.

  Las últimas películas de Visconti suelen ser oscuras y a veces obsesivas como "Muerte en Venecia" ("Morte a Venezia"-1971).

  La acción nos lleva hasta el año 1866, y en donde Livia, una bella dama de una aristocrática familia italiana, vive un intenso romance con el teniente Franz Mahler, un oficial del ejércto austriaco, en plena guerra italiana frente a Austria...

  La pelicula suma historia, romance y guerra. Cronológicamente se sitúa en los últimos meses de la ocupacón militar por parte del Imperio Austro-húngaro de la Lombardia y el Veneto y en el inicio del nuevo estado de Italia bajo el liderazgo de Giuseppe Garibaldi (1807-1882), héroe de la unificación junto a Giuseppe Mazzini, Cavour y Victor Manuel II. 

  Exalta la acción de los patriotas garibaldinos, las manifestaciones patrioticas y anti-austriacas, la ópera, la figura de Verdi como icono del patriotismo italiano y la música del compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911).

  Muestra la agonia y la decadencia de la aristocraia como clase dominante, a causa de su insolaridad, individualísmo, codicia y colaborsaionísmo con el enemigo. La decadencia de la aristocracia brinda la oportunidad para que se imponga los sentimientos de un pueblo llano, compuesto de trabajadores del campo y la ciudad, a favor de la independencia, la justicia, la libertad y la solidaridad.

  La película desarrolla un melodrama clásico de pasiones arrebatadas, sentimientos desgarrados, relaciones movidas por la crueldad y el despecho, emociones exasperadas y frustraciones dolorosas. El hilo conductor viene dado por una pasión autodestructiva, no sometida a control, que engendra deslealtades, traiciones y venganzas.

  Visconti concibe el melodrama como un espectáculo completo por cuanto, en su opinión, compendia y explica lo que es la vida. El melodrama no es para él el fin de la representación, sino el medio más eficaz para evocar el dramade la vida de las personas y los pueblos. Con su ayuda construye una metáfora de los hechos históricos que alumbran el "Rissorgimiento", los deseos de la unificación del pais (Italia) y la reivindicación de los ideales de libertad, igualdad y solidaridad tomados de la Revolución Francesa. Los sentimientos del pueblo italiano en lucha contra los austriacos hallan su mejor expresión en "Il Trovatore", de Verdi, que abre el inicio de la película.

  La banda sonora ofrece pasajes reiterados de la 7ª Sinfonia de Anton Bruckner que añaden sentido épico y operístico a las escenas culminantes. Se ofrecen varios pasajes de la ópera "Il Trovatore" de Verdi (actos III y IV).

  La fotografia en un lujoso color fue dirigida por Aldo Graziati. Un director de fotografía nacido en Scorzé (Italia),. Se mudó a Francia en 1923 donde trabajó bastantes años como coreógrafo escénico y operador de cámara. Alli conoció a Michelangelo Antonioni, quien le invitó a volver a Italia. Se distinguió por su técnica depurada y sensibilidad tonal única, especialmente con los efectos de iluminación característico del blanco y negro del neorrealísmo. Entre sus trabajos caben de destacar peliculas como: "Milagro en Milán" ("Miracolo a Milano"-1951) y "Umberto D."-1952, ambas de Vittorio De Sica.

  El segundo fue Robert Krasker. Otro director de fotografía nacido en Alejandria (Egipto), aunque su nacimiento fue registrado en Australia. En 1937 viajó a Inglaterra y encontró trabajo en London Films de Alexander Korda, donde se convirtió en operador de cámara. Su primera pelicula como director de fotografia fue "The Gentle Sex"-1943, dirigida por el actor Leslie Howard. Su trabajo estuvo fuertemente influenciado por el cine negro, y el expresionísmo alemán. Es muy conocido por haber  trabajado en España en tres superproducciones:"Alejandro  Magno" ("Alexander the Great"-1956) protagonizada por Richard Burton, "El Cid"-1961 y "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman"-1964) ambas de Anthony Mann.

  Y en esta historia de amore en tiempos de guerra. Inspirándose los dos en la pintura italiana de 1860-70 y en autores como Francesco Hayez (1791-1882), Giovanni Fattori (1825-1908) y otros. Hacen uso de planos secuencia, una estética sobrecigedora y refinada, que se expresa desde el realísmo critico, y un movimiento de cámara intenso y complejo. Sintendo fascinación por los uniformes militares.

  Cuenta con escenas memorables como la batalla de Custoza (Sommacampagna, Verona), el fusilamiento en la noche de la celeración de la victoria austriaca de la misma batalla, el dramático reencuentro de Livia y Franz, el tumulto patriotico en el Teatro La Fenice, la emotova atención que dedica a la presencia de los servicios humsnitarios de la Cruz Roja en el campo de batalla y el recuerdo que evoca de su creación a raiz de la batalla de Solferino (1859).

  Excelente las interpretaciones de la pareja de enamorados, ella: Alida Valli, "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949) dando vida a Livia y él: Franley Granger, "Extraños en un tren" ("Stangers on a Train"-1951) metido en el uniforme militar de Franz. Y muy bien arropados por un grupo de estupendos secundarios tales como: Massimo Girotti, "El último tango en Paris" ("Ultimo tango a Parigi"-1972) como Roberto; Rina Morelli, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como Laura; Sergio Fantoni, "El premio" ("The Prize"-1963) como Luca...

  En definitiva: Una brillante película, muy recomendable para todos aquellos que les guste los melodramas morbosos de època. Sobresaliente.

  La película se rodó en escenarios naturales de Venecia, Verona y Vicenza (Villa Godi Valmarena), Teatro La Fenice de Venecia, Solferino (Lombardia) y en los platós de Titanus Studios (Roma).

  A modo de curiosidad, la película se proyectó por primera vez en público en septiembre de 1954 en el Festival de Venecia.