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Bienvenido a Pablo Cine

Una estatuilla llamada OSCAR (1)

Una estatuilla llamada OSCAR (1)

"Un saludo a España y mil besos"

    (Penelópe Cruz)

        Pues si queridos amigos y amigas,otro Oscar que se viene para ¿España?

        ¿merecido?...   ¿no merecido?..

        Y otro año más hemos vuelto a desfilar por la célebre y ya octogenaria alfombra roja.

          Este año se ha cumplido la 81ª edicción, que se celebró en el Teatro Kodak de Los Angeles. Hasta el año pasado la ceremonia de entrega de estos premios ha tenido lugar 25 veces en el Dorothy Chandler Pavillion, 11 en el Pantages Teathre, 10 en el Shrine Auditorium, 8 en el Santa Mónica Civic Auditorium, 6 en el Hotel Ambassador, 7 en el teatro Kodak, 3 en el Grummains Chinese Theatre y una, la primera (en 1929), en el Hollywood Roosevelt Hotel.

         Y estos son los ganadores y ganadoras de esta ya más que octogenaria edicción:

          Mejor película: "Slumdog Millionaire"

          Mejor director: Danny Boyle, por "Slumdog Millionaire"

          Mejor actor principal: Sean Penn, por "Mi nombre es Harvey Milk" ("Milk")

           Mejor actriz principal: Kate Winslet, por "El lector" ("The Reader")

           Mejor actor de reparto: Heath Ledger (Oscar póstumo), por "El caballero oscuro" ("The Dark Kinght")

            Mejor actriz de reparto: Penelópe Cruz, por "Vicky Cristina Barcelona"

            Mejor guión original: Dustin Lance Black, por "Mi nombre es Harvey Milk" ("Milk")

             Mejor guión adaptado: Simon Beaufoy, por "Slumdog Millionaire"

             Mejor dirección de fotografía: Anthony Dof Mantle, por Slumdog Millionaire

             Mejor montaje: Chris Dickens, por "Slumdog Millionaire"

             Mejor dirección artística: Donald Graham y Victor J. Zolfo, por "El curioso caso de Benjamín Button" ("The Curious Case of Benjamin Button")

            Mejor musica original: A.R.Rahman, por "Slumdog Millionaire"

            Mejor canción original: "Jai Ho" de A.R.Rahman y Gulzer, por "Slumdog Millionaire"

           Mejor dirección de vestuario: Michael O’Connor, por "La duquesa" ("The Duchess")

            Mejor maquillaje: Greg Cannom, por "El curioso caso deBenjamín Button" ("The Curious Case of Benjamin Button")

           Mejor sonido: Ian Tapp, Richard Pryke y Resul Pookutty, por "Slumdog Millionaire"

           Mejor montaje de sonido: Richard King, por "El caballero oscuro" ("The Dark Knight")

           Mejores efectos visuales: Eric Barba, Steve Preeg y Craig Barron, por "El curioso caso de Benjamin Button" ("The Curious Case of Benjamin Button")

          Mejor documental: "Man on Wire", dirigido por James Marsh

          Mejor película de animación: "Wall-E", dirigida por Andrew Staton

           Mejor película de habla no inglesa: "Departures" ("Okurubito") dirigida por  Yojiro Takita (Japón)

           Mejor corto metraje: "Spielzeugland" dirigido por John Alexander Freydank

           Mejor corto metraje documental: "Smille Pinki", dirigido por Megan Mylan

            Mejor corto metraje de animación: "La mainson en Petits Cubes", dirigido por Kunio Kato.

           Premio humanitario: Jean Hearsholt para Jerry Lewis, por su labor humanitaria, en concreto por sus esfuerzos para ayudar a quien padecen distrofia muscular.

           Y como bien dije el año pasado, y lo diré también si Dios quiere el que viene:

            "Ni son todos los que están, ni están todos los que son"...

 

Danton (1982)

Danton (1982)

       "Me fuí a reflexionar, y decidí que preferia ser decapitado a decapitador"...

            Excelente película, y yo diría que tal vez hasta necesaria, de género histórico y dirigida por el maestro polaco Andrzej Wajda "Cenizas y diamantes" ("Popiól I Diamant") y en donde realiza siempre dentro de esa línea tan característica en él, una auto-biografía centrándose en un episodio clave de la Revolución Francesa.

            Con un guión del propio Wajda y muy bien arropado por el francés Jean-Claude Carriere "Diario de una camarera" ("Le Journal d’une femme chambre") película dirigida por nuestro gran Luis Buñuel, e inspirada en la pieza ("L’Affaire Danton"-1929) del dramaturgo polaco Stanislawa Przybszewska (indescifrable el apellido) un hombre que practicamente solamente escribió libros inspirados en esta época.

            La acción nos traslada a los años de la Convención y nos analiza el célebre proceso contra Danton en el año 1794 y las acciones de Robespierre en aquella época denominada "Época del Terror"...

           Una película sobria, si señor, y en donde el célebre director polaco nos narra de manera sumamente correcta esa reconstrucción histórica de esos últimos dias de Danton, y en donde yo creo que no se puede describir mejor esta historia, como aquí lo hace Wajda.

           Extraordinarias algunas escenas y llenas de una gran tensión, destacando sobre todo las de la Asmblea Nacional, o la de la cena entre los dos políticos, escenas de que ya de por si solas equivalen a un sobresaliente, y además aderezadas con unos diálogos prodigiosos, y en los que hay que destacar los llevados a cabo en ese choque brutal entre esos políticos de fuerte personalidad, pero deideales diferentemente opuestos: "el pueblo solamente quiere vivir en paz, tener algo que comer"... "pero tu ni conoces al pueblo ni tampoco sus pasiones", impresionante el recital que nos dan estos dos hombres, con mayúsculas, si señor.

            Y si impresionantes están dialogando, tampoco se quedan atrás a la hora de actuar, comenzando con un inmenso Gérard Depardieu "Asterix en los Juegos Olímpicos" ("Astérix aux jeux Olympiques") llenando toda la pantalla, como ese Georges Danton ese diputado que tiene que volver de su retiro para poner fin a tanto, y tanto exceso revolucionario,,inmenso y enorme, de verdad. Y con él su "amigo", mejor dicho su enemigo Wojciech Pszonick,un formidable actor de cine y teatro polaco con cerca de ochenta películas en su haber, aunque quizá todas desconocidas para muchos de nosotros, aunque trabajó con nuestra Carmen Maura en "El pacto del silencio" ("Le Pacte du silence") y en esta historia como Maximilien Robespierre, un personaje tan terrorífico, como humano, también es verdad, asombroso y dando toda una lección interpretativa.

          Y con estos aquí dos colosos,el francés Patrice Chéreau "El último mohicano" ("The Last of the Mohicans") dando vida a ese dubitativo y a veces miedoso Camille Desmoulins, y a otro actor polaco nacido en Torun, Boguslaw Linda, otro también desconocido actor pero con un curriculum en su pais impresionante, donde hay que destacar la serie "Quo Vadis?" del año 2001, metido en la piel del célebre y sufrido Petronius, y aquí metido en otra piel, pero muy distinta en la de Saint Just el sanguinario amigo de Robespierre.

           Y todos ellos excelentemente fotografiados gracias a la cámara del checoslovaco Igor Luther "El tambor de hojalata"("Die Blechtrommel"), un consumado director de fotografía y ganador de un Globo de Oro, y aquí usando unos inmejorables tonos semi-oscuros y maravillándonos con unos decorados de ese Paris del siglo XVII verdaderamente sublimes.

           Brillante banda sonora del francés Jean Prodomides (esta película, creo que fué su últimotrabajo), y en donde se hizo mundialmente famoso poniendo la musica en la saga policiaca de "El comisario Maigret" ("Maigret tend un piege") interpretada por el mítico actor francés Jean Gabin, y aquí aportando unas espléndidas y brillantes compsiciones que contribuyen a crear un clima aún más fatalísta a este espectacular drama.

           En definitiva, una extraordinaria película,tan excelente como necesaria, muy bien ambientada y sensacionalmente interpretada. Y en donde Wajda hace todo un alegato a favor de lo que todos queremos para siempre: la LIBERTAD. Sobresaliente.

          "Danton", logró el César al Mejor director. Y el Premio BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa.

           Como anécdota, según el historiador francés Cheussinand Nogret la película restituye la universalidad del crimen cometido en nombre de la ideología. Mientras que su colega Alain Decaux decia al mismo tiempo, pero con mucha ironía que Robespierre es Lennin y Danton era Trostky, una polémica que dió motivo para que la película no se estrenase en Polonia hasta el año 1989.

 

 

El gran combate (Cheyenne Autumm-1964)

El gran combate (Cheyenne Autumm-1964)

                  En recuerdo de: Ricardo Montalban

             Este gran combate comenzó en concreto el 7 de septiembre de 1868. Cuando tres jefes cheyennes esperaron con ansiedad la llegada a la reserva de una Comisión del Congreso de Estados Unidos, con la que esperaron exponer sus necesidades.

            Pero en vista que dicha Comisión no llegó en el dia señalado, los indios decidieron abandonar su cautiverio y se marcharon al norte, hacia su tierra natal...

           Extraordinaria película, y último western dirigido por un maestro inigualable del género como lo fue el gran John Ford, su última película fue "7 mujeres"("7 Woman"), rodada dos años después. Y es que de verdad ningún director de cine contribuyó a dar desde sus comienzos tanta plenitud al género del oeste, como lo hizo el maestro nacido en Nueva Inglaterra.

           Y en donde nos lleva con un impresionante equipo y con más de trescientos indios, ni más ni menos que a la reserva de Oklahoma,donde estos se están muriendo de hambre debido a lo estéril de la zona.

            Cansados de esperar la ayuda del ejército, deciden regresar a su hogar, por lo que emprenden un viaje de más de 2.000 kilómetros, y en donde se verán perseguidos sin piedad por la caballería americana que les ataca constantemente y sin darles tregua alguna...

            La historia está basada en un soberbio guión del oscarizado e intímo amigo de Ford, James R. Webb otro especialísta en westerns y que ya venía avalado por dos excelentes películas como fueron: "Apache" y "Vera Cruz" ("Veracruz"), ambas dirigidas por Robert Aldrich y esta última con nuestra mitica Sara Montiel robándole la "cartera" al mismísimo Gary Cooper.

            La película pués, yo diría que es un largo y tortuoso peregrinaje de estos indios para regresar a sus tierras de origen, y en donde de verdad Ford hace todo un canto final a este género al que tanto y tanto tiempo estuvo apegado. Ya que nos habla de la familia, del amor, de la raza, de esos impresionantes paisajes que tan suyos eran, como el Monumental Valley, y por supuesto del humor,porque a pesar de que es una historia de concesiones dramáticas, también tiene cábida esa pizca de humor que el siempre solía poner en casi todas sus películas.

           Cuenta pués, con escenas verdaderamente fascinantes y de una enorme gran belleza, y sobretodo en las de batalla entre indios y soldados llenando toda la gran pantalla y logrando una gran perfección.

           Gracias como no, a la soberbia fotografía en color y rodada con cámaras Super-panavisión 70mm (la única película de Ford rodada en este formato) a cargo de otro especialísta del género, como lo fue William H. Clothier, un hombre para que os hagais la idea con más de cincuenta westerns a sus espaldas, y en donde nos maravilló también con otro film precisamente de Ford "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"), y aquí como digo deleitándose y fascinandonos con esas escenas de batalla y esos  inmensos paisajes naturales como los del citado Monumental Valley y sus impresionantes cañones y mesetas.

          Espectacular y sobrecogedora la banda sonora, llevada bajo la dirección orquestal del compositor estadounidense nacido en Pensilvania, Alex North "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire") un prestigioso compositor nominado catorce veces a los Oscar,pero que por cosas del destino, no se le concedió ninguno, y en esta historia creando unas bellísimas y a veces desgarrantes partituras inmejorables,y dando ese toque tan típico y característico, como a Ford tanto le gustaba haciendonos de identificarnos más aún con él, en todas sus películas, a pesar de que la especialidad de North era el cine épico, pero aquí supo de verdad captar toda la precisión y belleza de esta colosal historia.

          Y atención al potente grupo de actores, que el maestro del oeste se llevó en su viaje, quizá el único que falta es su gran y viejo amigo John Wayne (aunque lo mismo andaba por allí,y no nos dimos cuenta), pero si vimos a Richard Widmark que tres años atrás ya trabajó con Ford en "Dos cabalgan juntos" ("Two Rode Together"), un western en el que también los indios desempeñaban un papel muy importante. Widmark aquí es el capitán Thomas Archer ese oficial de caballería que pretende solucionar el problema del pueblo cheyenne, puesto que estos quieren regresar a su tierra natal y llegando incluso a desobedecer las órdenes de sus superiores para evitar una guerra, una guerra que por desgracia será inevitable a pesar de todos los intentos de este hombre.

          Y a su lado y enamorándose de él al final (como debe de ser) la mítica y eterna rubia platino de Hollywood, Carrol Baker "Horizontes de grandeza" ("The Big Country") una maestra cuáquera llamada Deborah que prefiere seguir con sus pequeños alumnos indios y emprender con ellos ese largo éxodo hasta Wyoming, antes de someterse al régimen de vida civil que le espera.

          Y en este gran combate también andaban por allí James Stewart "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"), como un divertido y algo viejales Wyatt Earp y a Arthur Kennedy ("Nevada Smith") metido en el curioso personaje de "Doc" Hollyday, y atención a la escena de estos dos personajes en una partida de póker, junto a otro fordiano de excepción John Carradine "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"). Y, a Karl Malden ("Patton"), y hasta incluso un soberbio gángster, pero aquí metido en el impecable uniforme del Secretario del Interior, ni más ni menos, estoy hablando de Edward G. Robinson "Perdición" ("Double Idemnity").

           Pero quedan todavía los aqui buenos de la película, comenzando por Gilbert Roland ("Bandido") y seguido de Sal Mineo, efectivamente el joven y tímido Platón de "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"), y una mujer, madre y esposa Dolores del Rio "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947),también de Ford, y terminando aunque quedan muchos más, Ricardo Montalban, que ya hizo de piel roja casi al comienzo de su carrera en Hollywood en "Más allá del Missouri" ("Acroos the Wide Missouri"),y aqui metido hasta el infinito en el cuerpo y hasta en el alma de "Pequeño Lobo", ese hombre con dos guerras por medio, una la de tener que luchar por su orgullo, la otra por tener que luchar contra su propio honor y dignidad. Titánicos todos, si señor.

           En definitiva,último gran western del genial Jonh Ford y en donde nos muestra y no como lo hizo precisamente en su obra maestra "La diligencia" ("Stagecoach") a ese indio en toda su humanidad y que la verdad es todo un canto de amor a un pueblo al cual Ford amaba pero mucho detrás de las cámaras. Una película que no es para mi una obra maestra, y no se porque, pero si es una película que va más allá del... Sobresaliente.

           "El gran combate", estuvo nominada al Oscar a la mejor fotografía en color (William H. Clothier), la ganadora ese año fue ("My Fair Lady").

           Como curiosidad, en este periodo de 1964 corría en Estados Unidos una fuerte opinión a favor de los pieles rojas, que más tarde se reflejaría en películas como "Soldado azul" ("Soldier Blue") de 1970, y con el rechazo del Oscar al mejor actor por parte de Marlon Brando en 1973.

 

 

 

HASTA SIEMPRE!!!

HASTA SIEMPRE!!!

 RICARDO MONTALBAN

       "El latino amante"

           El dia 14 de enero y a la edad de 88 años falleció en su casa de Los Angeles, y a consecuencia de una complicación de cáncer linfático, el actor mexicano Ricardo Montalban, que en la segunda mitad del pasado siglo intervino en no pocas películas, y especialmente en series de televisión, con las que alcanzó gran popularidad.

       Su imágen de latin lover a la que acompañaba una bonita voz, más unas discretas pero suficientes dotes para la interpretación, le abrieron las puertas del éxito. Antes de arribar a Hollywood a mediados de los años cuarenta habia intervenido en varias películas mexicanas, una de ellas "Pepita Jiménez", junto a la española exiliada Rosita Diaz Gimeno.

           En Estados Unidos pretendieron cambiarle el nombre por el de Rick Martin, a lo que el actor se negó. Como igualmente rechazó siempre la nacionalidad estadounidense, a pesar de que en Hollywood, y ocasionalmente Broadway, hizo lo mejor de su carrera.

          Junto a la estrella acuática Esther Williams intervino en películas de entretenimiento como "Fiesta brava" ("Fiesta"-1947), "En una isla contigo" ("On an Island with You"-1948) o "La hija de Neptuno" ("Neptune’s Daughter"-1949), y practicamente siempre junto a otras estrellas en el resto de su filmografía: con Pier Angeli y Cyd Charisse en "Sombrero" (1953), con Lana Turner en "Mi amor brasileño" ("Latin Lovers"-1953), actriz con la que volvería a coincidir en el melodrama "La mujer X" ("Madame X"-1966).

          En ocasiones su aspecto físico le condicionó a interpretar personajes exóticos: de indio, junto a Clark Gable en "Más allá del Missouri" ("Across the Wide Missouri"-1951), igualmente de indio en "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) de John Ford, de japonés en "Sayonara" (1957) junto a Marlon Brando, de malvado Khan en "Strar Trek" (1982), de mexicano distinguido en "Ladrones de trenes" ("The Train Robbers"-1973), junto a John Wayne, de millonario latino en "Noches en la ciudad" ("Sweet Charity"-1969), junto a Shirley MacLaine.

           Con Carmen Sevilla protagonizó "Los amantes del desierto" (1957), uno de los rodajes más complicados del cine español, ya que durante su filmación en Egipto estalló la guerra del canal de Suez. Hasta cuatro directores intervinieron para acabar el rodaje, que se prolongó de forma inusual. Veinte años después "Los amantes del desierto" fue doblada de nuevo por Tip y Coll y estrenada con el titulo "Asalto al castillo de la Moncloa", caricatura de la democracia recién estrenada en España. El cineasta Carlos Jover dedicó uno de sus documentos al actor titulado "Ricardo Montalban en España", realizado en 1985.

          El deseo de Ricardo Montalban de mantener su nacionalidad mexicana se prolongó en su afán por mejorar la imágen pública de los latinos a través de la fundación "Nosotros", que creó en 1970, ayudando con ella a otros actores a defender sus derechos. Montalban habia obtenido un premio Emmy por su trabajo en el telefilm "La conquista del oeste" ("How the West Was Won"-1978), y había sido nominado a los premios Tony por el musical "Jamaica", en 1957.

         Trabajó hasta el final de su vida a pesar de la dolencia grave que padecía, como consecuencia de un accidente durante un rodaje, del que no mejoró a pesar de varias intervenciones quirúrgicas.

          En una de sus últimas entrevistas, Montalban habló sobre su padecimiento físico después de la última operación de médula espinar que le hicieron en 1993 y por lo que quedó postrado y con permanente dolor: "He perdido la sensación en la pierna derecha, no puedo decir si siento lo caliente o lo frio y en la izquierda tengo parálisis asi que me arruinaron la vida, pero tengo mucha fe en Dios y siempre digo hágase tu voluntad en el cielo como en la tierra y lo acepto porque soy católico". Fue lo que dijo el actor.

         El nombre de Ricardo Montalban está inmortalizado en la Avenida de las Estrellas, a la altura del 7021 de Hollywood Boulevard. Y en el centro turístico de esta ciudad y a pocos metros del célebre teatro Kodak y del más célebre aún teatro Chino, hay un teatro que lleva su nombre donde suelen presentar obras de origen hispánico.

                 Ricardo Gonzalo Pedro Montalban Merino (Ricardo Montalban) México - 25 - XI - 1920 - Los Angeles (California) - 14 - I - 2009.

   ¡DESCANSE EN PAZ!

 

Durmiendo con su enemigo (Sleeping with the Enemy-1990)

Durmiendo con su enemigo (Sleeping with the Enemy-1990)

        Una historia de lucha a muerte, ella por sobrevivir y salvarse de la bonita vida que lleva, él porque es un loco paranoíco, asesino y silencioso...

            Entretenido thriller de intriga dirigido por el director nacido en Briarclitf (Nueva York) Joseph Ruben, un hombre que a decir verdad cuenta con películas bastante destacables y más cuando aborda el tema más oscuro de las instituciones americanas como ya hizo en "La muerte  ronda a cada paso" ("The Stepfather"), aunque yo pienso que "Durmiendo con su enemigo", fue su primer gran éxito comercial.

            El guión corrió a cargo del también productor de cine y uno de los escritores mejor pagados de Hollywood, me refiero al californiano Ronald Bass, y en donde dos años antes logró el Oscar por la supervalorada "Rain Man", y sacada de una novela de la escritora norteamericana Nancy Price, ganadora de dos premios Emmy.

           La historia pues, se centra en la vida de un matrimonio, Laura y Martin, que llevan cuatro años casados. Pero que cuando se enamoraron y decidieron casarse no se podían imaginar que la profundidad del amor de él por ella, desembocara en una pasión con límites obsesivos...

            Entretenida sín más, como digo esta película a caballo entre el drama y el suspense, y el caso es que a priori la cosa pintaba bien, pero hay que reconocer que el bueno de Ruben por mucho que se empeñe, está a años luz del gran Hitchcock. Aunque la premisa es interesante y entretenida dentro de lo que cabe, puesto que el tema de la violencia doméstica es un género que por desgracia siempre está presente. Cuenta con escenas bastante buenas y algunas llenas de buen suspense (sobre todo las finales), aunque como digo faltándoles algo de fuerza, para parecer mucho más reales.

           Extraordinaria e impactante, eso si (para mi, la mejor aliada de la película) la banda sonora, llevada bajo la dirección del también californiano y oscarizado compositor Jerry Goldsmith, un hombre que tocó todos los géneros a lo largo de su carrera, peero donde se le reconoció de verdad su verdadero talento fue en "La profecía" ("The Owen") de Richard Donner, y aquí saliéndose por todos los sitios, ya que nos podemos encontrar desde unos inquietantes temas del compositor francés Hector Berlioz con su "Sinfonía fantástica" a la cabeza, hasta pegadizos e incluso relajantes, como "Runaround Sue" del italiano-americano Dion Di Mucci, más conocido como Dion, extraordinaria si señor, lo mejor de la película sín lugar a dudas.

           Y excelente, y muy bien cuidada a la vez, y sobre todo en las escenas nocturnas, la fotografía en color llevada con la cámara del neoyorkino John Lindley, que un año más tarde volvería a trabajar con Ruben en "El buen hijo" ("The Gosd Son"), y aquí como digo cuidando muy bien cada fotograma, sobre todo donde la noche está presente.

          Bien, bueno bastante bien la interpretación de Julia Roberts, que le proporcionó la oportunidad de seguir manteniendo a priori el nivel de popularidad logrado con la taquillera "Pretty Woman", y dando vida a Laura Burney al principio y después a Sara Waters, esa mujer que se enamoró del hombre equivocado y se ve obligada a tomar medidas desesperadas para poder escapar de su destructiva relación, un papel bastante interesante y lo mejor que está muy alejada de sus típicas y tópicas comedias románticas.

         Y con ella, Patrick Bergin "El mundo perdido" ("The Lost World"), un actor que a decir verdad nunca da la talla suficiente, y aquí aunque sale airoso en algunas ocasiones tampoco se puede calificar su actuación de sobresaliente, ya que solamente mantiene un poco la tensión, y para de contar, metido en el malsano cuerpo de Martin Burney, ese marido psicópata y desquilibrado, con la única obsesión en su mente de acabar con la vida de su esposa a la que creia muerta en un accidente. Y también nos encontramos al aquí, muy discreto Kevin Anderson "Más allá de la ambición" ("Miles From Home"), un actor para mi bastante excepcional,pero la mayoría de las veces muy mal aprovechado, y aquí como Ben Woodward, un joven profesor, con el que la nueva Laura, tambien pretende tener una nueva vida junto a él, pero que por desgracia jamás podrá escapar de esa pesadilla que constantemente le persigue.

          En fín, una película que pudo haber dado algo más de si (aunque suene a tópico), pero hay que reconocer que Ruben aquí no anduvo fino. Una película que a priori tenía muy buena apariencia y se quedó en otra historia más de intriga con toques de drama, o un drama con toques de intriga, pero eso si, entretenidilla algo es, y que como dice el dicho, "algo es algo, dijo al ver un hueso el galgo".   Aprobado.

          Como anécdota, Julia Roberts declaró una vez acabado el rodaje que se llevó a cabo en la ciudad de Abbeville (Carolina del Sur), que aquello fue un auténtico "desierto viviente", ya que sus habitantes eran horriblemente racístas y que no volvería jamás a aquel lugar.

 

Desmontando a Harry (Deconstructing Harry-1997)

Desmontando a Harry (Deconstructing Harry-1997)

          Voz del ascensor del infierno:

                5ª Planta: Carteristas de metro, mendigos agresivos y criticos literarios.

                 6ª Planta: Extremístas de ultraderecha, asesinos en serie, abogados que salen por televisión.

                 7ª Planta: Medios de comunicación, lo sentimos esta planta está completa.

                 8ª Planta: Criminales de guerra evadidos, telepredicadores y asociación de armas.

                Última Planta: Todo el mundo fuera.

          Desternillante comedia y en donde ese genio del cine nacido en Nueva York y de nombre Woody Allen, quizá nos cuente aquí la historia más ácida de toda su carrera.

          La sorprendente historia que nos cuenta Allen, se centra en el personaje de Harry Block, un escritor que ha hecho carrera convirtiendo su vida en una ficción apenas disimulada. Y que después de pasar por la friolera de seis psiconalístas y tres esposas, sigue sin asumir su responsabilidad y se engaña pensando que su relación con una mujer más joven es ciertamente la apropiada...

           Una película de verdad realmente ingeniosa y no me canso de decirlo, ya que cuenta con un guión del propio Allen (cosa natural) que no tiene desperdicio alguno, porque cuenta con una gran multitud de gags y unos diálogos verdaderamente brillantes: "debido a mi inmadurez, tengo un encanto juvenil", descacharrante, de verdad, todo un prodigio de ingenio, y que como digo al principio el "tio"no deja títere con cabeza, y en donde por supuesto todas sus convivencias quedan expuestas de una manera muy clara a la vez que muy divertidas.

          Y que decir de casi todas sus escenas (por no decir todas), pués otro de los puntos fuertes de esta inspiradísima historia y en donde nos tiene guardada una sospresa final, su descenso a los infiernos, ese infierno personal que el destino (llamemoslo así) le tiene preparado al personaje central. Y sin olvidar los excepcionales guiños que le hace al maestro sueco Ingmar Bergman con algunas de sus peliculas como por ejemplo: "Como en un espejo" ("Säsom i en spegel") y sobre todo a "Fresas salvajes" ("Smultronstället").

          Asombrosa la banda sonora a cargo de un variado y nutrido grupo de grandes y buenos compositores, desde Antonio Carlos Jobin más conocido como Tom Jobin, un compositor de bossanova y considerado como uno de los grandes exponentes de la musica brasileña y en donde logró fama mundial con su composición "Desafinando", hasta Edward Heyman, un compositor y arreglista nacido en Nueva York que comenzó a trabajar en Hollywood al lado del mitico Victor Young "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"), y todos pues colaborando de forma sensacional en cada uno de los pasajes de esta película.

         Y bailando, cantando, haciéndonos de reir y miles de cosas más, un excelente elenco de primeras estrellas, encabezadas por supuesto por Woody Allen, bajado el "tio" hasta los infiernos y metido en el traje y con las gafas puestas de ese tal Harry Block, un escritor ya cincuentón que acaba de publicar una novela de éxito, con una fuerte carga autobiográfica y que tiene que hacer un viaje a la Universidad donde él enseño, pero durante el trayecto...

          Y muy pegados a él, nos encontramos a Robin Williams "Retrato de una obsesión" ("Ome Hover Photo"), dando vida al personaje de Mel, un hombre desenfocado y que de verdad consigue un gag visual verdaderamente antológico, y a una estupenda Judy Davis "Tardes con Gaudí" ("Gaudi Afternnons"), como Lucy una mujer, totalmente desquiciada, y también a Demi Moore "Un plan brillante" ("Flawless"), como Helen y aquí dando un giro a su carrera en un papel de una mujer obsesionada por las costumbres judias, y al "maesto de ceremonias" Billy Crystal "Una terapia peligrosa" ("Analyze This"), y hasta el tambien actor-director Richard Benjamin "Amor al primer mordisco" ("Love at First Bite"), y bueno interminable las "estrellas" que aparecen y brillan en este cielo particular de Harry.

          Pero si tengo que también mencionar a Eric Lloyd "Mi colega Dusnton" ("Dunston Checks In"), metido en el pequeño pellejo de Hilly el nada y más y nada menos hijo de Harry, atención... Harry: Hilly, ¿te acuerdas de que una vez hablamos de Freud?. Pues Freud una vez dijo que las dos cosas más importantes para una buena vida son el trabajo que tenemos y el sexo. Esas son las dos cosas. Las mujeres son diosas... Hilly: ¿Dios es mujer?... Harry: No, no digo que Dios sea una mujer, lo diré de otro modo: las mujeres están. No sabemos si Dios existe, pero las mujeres están. Y no en el cielo imaginario, sino aquí, en la Tierra, Y algunas de ellas, Hilly, algunas de ellas... ¡ejem!... compran lenceria en Victoria’s Secret. (Menuda conversación padre e hijo).

          Y para que no falte de nada a esta obra maestra, una fotografía de lujo a cargo del italiano nacido en Roma Carlo Di Palma, un prestigioso cineasta que empezó trabajando con el maestro Michelangelo Antonioni "El desierto rojo" ("Il deserto rosso"), por ejemplo y acabó siendo intimo colaborador de Allen, ya que trabajó a lo largo de diez años en un total de trece películas, esta precisamente fue la última de su extensa carrera cinematográfica, y aquí demostrando ser tambien un genio como el director, ya que nos ofrece una serie de planos-secuencias que dan a la historia un aire a modo de docu-drama televisivo, toda una genialidad, si señor.

            En definitiva, quizá para mi, junto con "Annie Hall" la última gran película de Allen, una verdadera obra maestra, porque de verdad aquí el "tio" está como pez en el agua, burlándose de todo y de todos. Una película brillante, hábil, reiterante y sobre todo maliciosa. Una película RECOMENDABLE e IMPRESCINDIBLE. Una película  Matrícula de Honor.

            "Desmontando a Harry", solamente estuvo nominada al Mejor guión original (Woody Allen).

               Como curiosidad, Allen intentó que la película fuese protagonizada por Dustin Hoffman o Robert De Niro, pero por lo visto sus agendas de trabajo se lo impidieron, por lo que tuvo que hacerlo el mismo.

La noche de los gigantes (The Stalking Moon-1969)

La noche de los gigantes (The Stalking Moon-1969)

            En recuerdo de : Robert Mulligan

             ¿Cómo es posible?

             ¿Quien es Usted?

              ¿Habla nuestro idioma?

              ¿Cómo se llama?

              Sara Carver

             ¿Cuando fue capturada?

              Hace mucho... mucho tiempo...

            Crepuscular y a veces claustrofóbico western y magistralmente realizado por el recientemente fallecido director neoyorkino Robert Mulligan. "La noche de los gigantes" está basada en una novela del escritor norteamericano Theodore V. Olsen, un hombre especializado en novelas del oeste y la mayoría atípicas, y esta como al igual que "Soldado azul" ("Soldier Blue") son un buen ejemplo.

            El guión corrió a cargo del galardonado Alvin Sargent al que se le deben las tres entregas (hasta el momento) de "Spider-Man", y de Wendell Mayes, un hombre que empezó su carrera como actor, pero fue como guionísta donde se dió a conocer, y sobre todo después de ser nominado al Oscar por la sensacional "Anatomía de un asesinato" ("Anatomy of a Murder"), aunque el padre digamos de esta historia fue el productor-director Alan J. Pakula "El informe pelícano" ("The Pelican Brief"), por citar una de sus últimas películas como director.

          La acción de esta historia nos traslada al viejo Arizona y concretamente en el año 1881, y nos metemos en polvoriento traje de un buen tipo, un tipo llamado Sam Werner, un explorador profesional, que después de veinte años al servicio del ejército, va a cumplir su última misión: la de tomar parte en la persecución de un grupo de apaches que se han escapado de la reserva. Pero cuando este les atrapa descubre atónito que entre ellos hay una mujer blanca, una mujer que dice llamarse Sara Carver y a quien acompaña su hijo mestizo,un niño de ocho años de edad. La historia pués, comienza aquí...

            Estupenda película, si señor, un western más que notable y en donde Mulligan nos cuenta una historia con momentos de mucha angustia, una angustia que se apodera de uno, porque de verdad la atmósfera que se respira a lo largo de todo el metraje es sumamente angustiosa, y además mostrándonos al mismo tiempo unas escenas llenas de acción y de tensión por parte de todos sus personajes,hay algunas como por ejemplo las de persecución al despiadado indio salvaje, que son realmente escalofriantes, y para darle un toque aún más de suspense Mulligan hace que este personaje sea siempre invisible, para mostrarnosle solamente al final, colosal aquí Mulligan sin discusión alguna.

         Como colosales la pareja protagonísta, aunque sobresaliendo un poco más ese gigante (y nunca mejor dicho) del cine llamado Gregory Peck, que siete años antes ya se habia cubierto de gloria en el posiblemente papel de su vida, el de Atticus Finch en la inolvidable obra maestra "Matar un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird"), y aquí en esta inquietante historia dando vida a Sam Werner, ese explorador a punto de jubilarse y deseando dejar atrás todo su pasado, y asi poder iniciar una nueva vida, pero el destino se vuelve caprichoso con él, ya que se encuentra al principio a una de las más elegantes actrices de Hollywood, me refiero a la rubia Eva Marie Saint, una actriz que no pudo tener mejor debut en el cine, ya que lo hizo de la mano de Elia Kazan y al lado de Marlon Brando en la famosa película "La ley del silencio"("On the Waterfront") y como fue de esperar le valió un Oscar a la mejor actriz secundaria, y en esta noche de gigantes metida en la angustiosa vida de Sarah Carver, esa bella mujer madre de un hijo mestizo que fue raptada por los indios hace mucho tiempo, y que acepta ser escoltada por el ejército teniendo que atravesar un gran desierto y enormes montañas y lo que es peor verse perseguida por el padre de ese niño. Sensacionales los dos, aunque como digo un poco eclipsada por la figura de Peck.

        Y con ellos un buen ramillete de buenos actores secundarios, sobresaliendo el aquí desconocido Robert Forster "Firewall", como Nick Tana, ese amigo del protagonísta y un hombre lleno de dudas por todas partes, y atención a un actor que quizá muy pocos conozcan Nathaniel Narcisco, que es ni más ni menos que el padre del niño mestizo, su nombre "Salvaje".

           Y todos muy bien fotografiados gracias a la cámara de uno de los más prestigiosos directores de fotografía de la Paramount, Charles Lang, y que creó un nuevo estilo de iluminación en el blanco y negro como lo demostró en "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932), película por la que logró un Oscar siendo nominado en 18 ocasiones más a lo largo de toda su carrera, y aquí logrando unos maravillosos y largos planos en un color semi-oscuro para darle más inquietud a esta historia.

          Muy bonita, de verdad la banda sonora del compositor nacido en Chicago, Fred Karlin, "Almas de metal" ("Westword") un hombre que empezó tocando la trompeta,para convertirse después en uno de los compositores y arreglistas más famosos de la radio y televisión norteamericana, y con más de 150 composiciones para telefilmes, y en esta película como es de esperar consiguiendo unos efectos sensacionales con un simple rasgueo de guitarra, unos efectos de tensión inimitables.

         En resumidas cuentas, un excelente western lleno de acción y tensión y en donde Mulligan no solamente aborda la denuncia sobre la xenofobia, si no que además nos cuenta una historia llena de acción, tensión y terror, y que para mi, ha superado perfectamente el paso del tiempo. Y atención a las escenas finales,entre el cazador y su presa.   Sobresaliente.

           Como curiosidad, Alan J.Pakula y Robert Mulligan, trabajaron juntos en seis películas: "Matar un ruiseñor" ("To kill a Mockingbird"-1962), "Amores con un extraño" ("Love the Proper Stranger"-1963), "La última tentativa" ("Baby the Rain Must Fall"-1963), "La rebelde" ("Inside Daisy Clover"-1965), "Contra corriente" ("Up the Down Staircase" -1967), y "La noche de los gigantes" ("The Stalking Moon"-1969).

HASTA SIEMPRE!!!

HASTA SIEMPRE!!!

               ROBERT  MULLIGAN

El director de actores

            Toda una generación de espectadores quedó inevitablemente marcada por un título como "Matar un ruiseñor" ("To Kille Mockingbird"). También por una película como "Verano del 42" ("Summer of 42"), y miles de cinéfilos, hoy desolados aún recuerdan la explosiva magia de un western casi abstracto "La noche de los gigantes" ("The Stalking Moon"), y de una película terrorífica tan estremecedora como personal "El otro" ("The Other").

         Todas ellas fueron filmadas por Robert Mulligan. El gran cineasta estadounidense que falleció en la madrugada del sábado 20 de diciembre a los 83 años de edad en su casa de Connecticut.

         Paradigma de la llamada "generación de la televisión". Mulligan nació el 23 de agosto de 1925. Tras estudiar en Fordham, sirvió en la Marina durante la II Guerra Mundial y, acabada la contienda, inició su carrera televisiva en la CBS, hasta que logró dirigir sus propios productos a lo largo de la década de los cincuenta. Series y telefilms como "Goodyear Televisión Playhouse" "Suspense" y "The Philco Televisión Playhouse" llevan su sello como director. En 1959 fue galardonado con un Emmy por su trabajo en "The Moon and Sixpence", que supuso el debut televisivo en Estados Unidos del gran Laurence Oliver.

           Mulligan debutó en el cine en 1957 con "El precio del éxito" ("Fear Strikes Out"), una inolvidable biografía deportiva interpretada por Anthony Perkins. Pronto llegarían obras mayores que mostrarían a un director tan sútil como personal, siempre atento a los resortes expresivos de la imágen, además de un riguroso director de actores. En 1962, Mulligan se convierte en un clásico adaptando la novela "Matar un ruiseñor" de Harper Lee, y crea un filme memorable, una fascinante fábula de contundentes intenciones antirracístas que entrelaza una trama infantil y el relato de un juicio por violación. Una obra que, además, convirtió en un héroe a su protagonísta, Atticus Finch, siempre recordado con el rostro del impagable Gregory Peck.

             Sin aspavientos ni fuegos de artificio, Mulligan construiría una poderosa carrera, en 1963 llega "Amores con un extraño" ("Love with the Proper"), que emparejaba a Natalie Wood y Steve McQueen, en 1968 aparece "La noche de los gigantes, un imborrable western, fantasmagórico y tétrico, en el que Mulligan se reencuentra con Gregory Peck, Mulligan conoce otro explosivo éxito popular con la entrañable "Verano del 42" y un año después llega otro de sus títulos clave, "El otro", una adaptación de la novela de Tom Tryon, actor protagonísta de "El cardenal" ("The Cardinal"), en la que el director explora las zonas más oscuras del universo infantil, historia malsana y asfixiante, modelo de cine terrorífico.

          Poco a poco Mulligan espacia sus películas, pero la intensidad de estas permanece intacta, como muestran "El hombre clave" ("The Nickle Ride") de 1974, una excitante y brutal inmersión a la mafia de Los Angeles, y "El próximo año a la misma hora" ("Same Time, Next Year") de 1978,una deliciosa adaptación de una obra de Broadway de Bernard Slade, que recorre con inimitable sutilidad más de 20 años de la historia estadounidense, en torno a los sucesivos encuentros anuales de una pareja de amantes.

           Mulligan se retiró del cine en 1991 con "Un verano en Lousiana" ("The Man in the Moon"), en la que aún daba leciones de dirección a cientos de realizadores advenedizos. Fue la última obra  de un autor que en estos tiempos, huérfanos de sensibilidad, debió filmar decenas de películas más.

           "El gran riesgo de hacer una película como "Matar un ruiseñor", está en pensar que es una oportunidad de saltar a la tribuna de la regregación-integración".

             Estas palabras fueron dichas por Mulligan al New York Times en el año 1961, cuando la película se estaba empezando a rodar. En el año 2003 el Instituto de Cine Estadounidense emitió una lista con los máximos héroes de la historia del cine y colocó a Atticus Finch como el nº1.

      ROBERT MULLIGAN - Nueva York - 23 - VIII - 1925 - Connecticut - 20 XII - 2008

                                                                          ¡DESCANSE EN PAZ!