Dias de vino y rosas (Days of Wine and Roses-1962)

 

"Recoged las rosas mientras podais.

Largos no son los dias de Vino y Rosas.

De un nebuloso sueño,

surge nuestro sendero,

y se pierde en otro sueño"...

Impresionante y a la vez desgarradora película y sin duda alguna y junto a "Dias sin huella" ("The Lost Weekend") de Billy Wilder, la mejor historia realizada sobre el escabroso tema del alcoholísmo.

"Dias de vino y rosas" está basada en un telefilme realizado en 1958 por John Frankenheimer "Siete dias de mayo" ("Seven Days in May") por citar una de sus inimitables películas, e interpretado por Cliff Robertson "Charly" y Piper Laurie "El buscavidas" ("The Hustler").

Esta historia nos la cuenta el productor, guionísta y sobre todo director nacido en Oklahoma, Blake Edwards, si amigos el padre de "La pantera rosa" ("The Pink Panther"), y gracias también a un estupendo guión del texano J. P. Miller, un destacado dramaturgo con tres nominaciones al Premio Emy, y que alcanzó la gloria gracias a esta película (el telefilme también es obra suya) por supuesto, aunque también obra en su poder la contundente "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages") también de Frankenheimer.

Así pues, el aquí incomparable Edwards nos mete en lo que a priori parece ser una divertida de sus muchas comedias que obran en su haber, para después finalizar en un terrible drama. Un terrible drama sobre el descenso a los infiernos de un matrimonio de clase media americana. El un relaciones públicas de una gran empresa y ella, una secretaria de la misma, ambos se conocen, contraen matrimonio y comienzan una vida feliz, especialmente tras el nacimiento de una preciosa niña. Pero, a partir de ahora la historia es cuando verdaderamente cambia su destino...

Impresionante película, si señor, y en donde Edwards no escatima en nada para mostrarnos lo que verdaderamente es el alcoholísmo en toda su dimensión y miseria, y mostrándonos unas escenas tan terribles como desgarradoras, tan desgarradoras como crueles, tan crueles como la vida misma. Imponente Edward, pero en todos los sentidos. La escena en el vivero buscando el protagonísta la botella de alcohol, rebuscando maceta por maceta, destrozándolo todo, una escena que ya ha pasado a los anales de la historia del cine dramático. Y que decir de los diálogos: "Nos hemos convertido en unos borrachos. Esa el la única razón de que me hayan echado de cinco empleos en un año". Increibles como auténticos, de verdad.

Como increible son las imágenes en blanco y negro llevadas de la mano del californiano Philp Lathrop, un fiel colaborador de Edwards, pero en su haber también cuenta con grandes películas, como por ejemplo: "El rey del juego" ("The Cincinnati Kid") y en esta impactante historia mostrándonos unas imágenes verderamente soberbias y duras a la vez, pero también conmovedoras.

Y aderezada con una magistral banda sonora de otro magistral maestro, estoy hablando del mítico Henry Mancini, otro asiduo colaborador del director y con casi trescientas partituras de películas en su haber, aunque solamente con un Oscar en sus vitrinas, precisamente lo logró en esta película, y aquí consiguiendo el hombre aliviar un poco con sus melodias las realístas imágenes que estamos viendo en la pantalla.

Soberbias la interpretaciones de ese matrimonio llevados a la locura por culpa de una maldita botella de licor. El, Jack Lemmon "El apartamento" ("The Apartment") en su primera incursión cinematográfica en el campo del drama, dando vida a ese joven ejecutivo de relaciones públicas llamado Joe Clay, un hombre con problemas con la bebida, puesto que lo utiliza como via de escape a sus problemas laborales. Inmenso nadie se creia que Lemmon pudiese meterse en este papel de tan grandes dimensiones dramáticas. Ella, Lee Remick "Chantaje a una mujer" ("Experiment in Terror"), dando muerte a Kirsten Arneson, esa bella mujer a quien apasiona el chocolate, pero que una vez casada, esa pasión la cambia por el alcohol, no encontrando la necesaria fuerza de voluntad para dejarlo, y seguir los pasos de su marido. Extraordinaria y bellísima, incluso despeinada y con una botella de ginebra en la mano, o lo que es peor, en la boca.

Y junto a ellos, un eterno secundario de lujo, el incomparable Charles Bickford "Duelo al sol" ("Duel in the Sunn"), dando vida y muerte a Ellis Arnesen, padre de Kirsten, ese hombre de nacionalidad sueca, dueño de un vivero que decide ayudarles trayéndolos a su casa para trabajar en el campo, y afiliándoles a una asociación de "alcohólicos anónimos", consiguiéndo aparentemente que dejen la bebida para siempre, pero... Grandiosos los tres, en unas actuaciones portentosas en verdadero estado puro.

En definitiva, una impactante historia sobre el alcoholísmo y sus terribles consecuencias, y en donde de hay que reconocer fue una verdadera lástima que el genial Blake Edwards no hiciese más películas dramáticas. Una película completamente IMPRESCINDIBLE. Y con un final... Matrícula de Honor.

"Dias de vino y rosas", logró el Oscar a la Mejor canción, obra del formidable como digo Henry Mancini, canción que da título a la película "Days of Wine and Roses".

Tanto Jack Lemmon, como Lee Remick, estuvieron nominados como mejores actores principales. Premios que fueron a recaer a Gregory Peck por "Matar un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird") y a Anne Bancroft por "El milagro de Ana Sullivan") ("The Miracle Worker"), además también estuvo nominada al mejor diseño de vestuario (Don Feld).

 

 

 

 

La condesa rusa (The White Countess-2005)

 

En recuerdo de: Natasha Richardson

"Una mujer condenada a realizar un trabajo deshonroso, en medio de una terrible vorágine"...

Interesante y correcta película a la vez, aunque sin embargo pienso que podía haber sido mucho mejor, y dirigida por el californiano nacido en Berkeley, James Ivory "La copa dorada" ("The Golden Bowl"), un director que aparentemente todas sus películas son muy parecidas, pero que a la hora de la verdad unas se quedan más cortas que otras. Y esta para mí, se encuentra entre estas últimas, pero que correcta y algo interesante si es, de verdad.

"La condesa rusa", está basada en un guión del japonés Kazuo Ishiguro un novelísta que aunque nacido en Nagasaki a los seis años se trasladó con su familia a Londres donde allí fijaría su residencia definitiva, y con películas tan notables en su haber, como por ejemplo: "Lo que queda del dia" ("The Remains of the Day"), también de Ivory.

Este pues, nos traslada a la ciudad de Shangai, allá por el año 1936 y en donde en dicha ciudad corren muy malos tiempos, ya que las intrigas políticas y la ocupación japonesa con el célebre y sangriento bombardeo a la ciudad, los dramas personales se van enmarcando en toda una inmensa vorágine humana a causa tanto de los judios europeos, como de los rusos exiliados y como no, con los japoneses dedicados a los más miserables negocios...

Muy buenas algunas de sus escenas y con una colosal ambientación, aquí si que se ve muy bien ese gusto estético que siempre ha tenido Ivory a la hora de elaborar esta clase de historias, donde hay que destacar sobre todo las escenas de las bayonetas, aunque también a decir verdad, para mi, le faltan diria que un poco de emoción, pero Ivory es así, y así hay que aceptarlo.

Excelente, para mi lo mejor de la película, la fotografía en color a cargo del australiano Christopher Doyle "Eros", un hombre que practicamente todo su trabajo lo ha realizado para directores orientales, como por ejemplo: Wong Kar-wai y Zhang Yuan, teniendo en sus vitrinas el Premio a la Mejor Fotografía de Cine de Asia, logrado en el año 1983. Y aquí deleitándonos con unas magníficas tomas dando la sensación de encontrarnos en ese Shangai de los años 30, una ciudad donde la mayoría de antes de la guerra los restos están rodeados de modernos rascacielos e inmensas y luminosas luces de neón, una como digo excelente ambientación, lo mejor de la película, si señor.

Bonita, pero tampoco para tirar cohetes, ya que algunas veces está carente de ritmo, me refiero a la banda sonora del compositor norteamericano nacido en Massachusetts, Richard Robbins "Place Vandôme", y en esta condesa rusa, ofreciéndonos un buen ramillete de melodias (aunque como bien digo, algunas carentes de ritmo), pero si nos podemos encontrar, o mejor oir, con algunas composiciones de jazz, como por ejemplo: "Mood Indigo" del mítico Duke Ellington, y hasta incluso el célebre "Carnaval" (Opus 9) del inigualable Robert Schuman.

Y atención a los actores, que aunque hay que reconocer no están a su altura ni mucho menos, si es interesante ver juntas al clan Redgrave, es decir a Vanessa, a su hermana Lyn, y a su hija Natasha. Aunque los protagonístas de esta historia son la pareja formada por el inglés Ralph Fiennes "El jardinero fiel" ("The Constant Gardener"), metido en el cuerpo de Tood Jackson, un ex-diplomático ciego, con un pasado traumático, y que está a vuelta de todo, para así enterrar de una vez y para siempre ese pasado que lo atormenta dia tras dia.

Y, la bellísima y tristemente desaparecida Natasha Richardson "El pico de las viudas" ("Widows’ Peak"), dentro del alma de esa tal Sofia Belinskya, una joven y bella condesa rusa pero ya en sus horas bajas, y que sobrevive a salto de mata, como dama de compañia (o prostituta ocasional), en clubes nocturnos, solamente para poder mantener a su extensa y abigarrada familia. Y acompañándoles en la aventura nos encontramos con un extraordinario plantel de auténticos secundarios, entre ellos como bien digo un poco más arriba, la madre de Natasha, la gran e inimitable Vanessa Redgrave "La casa de los espíritus" ("The House of the Spirits"), y a su hermana Lynn Redgrave "Algo casi perfecto" ("The Next Best Thing"), y sin olvidar al gran actor japonés Hiryuki Sanada "El último samurai" ("The Last Samurai").

En fín, una correcta película, pudo haber sido toda una maravilla (aunque suene a tópico), ya que el bueno de Ivory desperdició una tremenda y gran historia, pero que le faltó algo de épica, quedándose corto el espectáculo. Pero como ya he dicho, y lo dicen, el cineasta californiano, así nació, y así  pienso que morirá. Aprobado.

Como anécdota, esta fue la última película producida por el indio Ismail Merchant, un productor con seis Oscar en su haber, y más de cincuenta películas producidas.

 

 

 

HASTA SIEMPRE!!!

Natasha Richardson

"Muy Natasha"

Cumpliendo el tópico que rodea a las familias de intérpretes, la vida de Natasha Richardson no escapó a la profesión de su madre Vanessa Redgrave, de sus tios, Corin y Lynn, y de sus abuelos, sir Michael Redgrave y Rachel Kempson. Hija además del cineasta Tony Richardson, uno de los cabecillas del free cinema, miembro de una de las grandes sagas de actores ingleses, que por ahora cierran ella y su hermana Joely Richardson, dos años más joven.

Natasha Richardson falleció a los 45 años tras golpearse el pasado 18 de marzo en la cabeza en un accidente de esqui en la estación de Mont Tremblant, cerca de Quebec (Canadá). Trasladada primero a una clínica cercana, cuando parecía que su estado no era grave, posteriormente fue atendida en el hospital de Sacré-Coeur, en Montreal, donde Richardson entró en coma por culpa de un traumatísmo craneal.

A su lado ya estaba su marido, el también actor Liam Neeson, que viajó desde Toronto donde rodaba la película "Chloe", y en Nueva York, en el domicilio familiar, se quedó Vanessa Redgrave al cuidado de los dos hijos de la pareja. Un portavoz del complejo de Mont Tremblant aseguró: "La actriz se resbaló en una pista para principiantes, mientras recibía una lección de esqui. Iba acompañada de un instructor, que llamó a una patrulla, y, a pesar de que al principio no mostraba ninguna herida, fue inmovilizada por su seguridad. Solo una hora después empezó a sentirse mal".

A petición de su marido, y para que los hijos estuvieran a su lado, un jet privado trasladó al matrimonio al dia siguiente a Nueva York, al hospital Lennox Hill, donde su situación crítica empeoró a muerte cerebral. Allí sus amigos y su familia pudieron despedirse de ella.

Richardson disfrutaba mucho más con el teatro que en el cine y la televisión, aunque la primera vez que actuó en un filme de su padre, "La última carga" ("The Charge of the Light Brigade"), con cuatro años. Estudió en la Central School of Spech and Drama de Londres, su ciudad natal, y volvió ya como profesional detrás de las cámaras en "Every pictures tells store", en 1984, a sus 21 años. A partir de ese momento compaginó el cine con el teatro, tanto en Londres como en Broadway. En la capital británica debutó en el West End con un montaje de "La gaviota", de Chejov, con el que ganó el galardón al mejor debutante en los premios de la crítica teatral de Londres.

En 1986 actuó en "Gothia", de Ken Russell, y su interpretación llamó la atención de Pat O’Connor, que le llamó para "Un mes en el campo" ("A Month in the Country"), con Colin Firth y Kenneth Branagh, y de Paul Schrader, que la contrató para protagonizar "Patty Hearts". Entre los múltiples premios teatrales que ha cosechado a lo largo de su carrera está un Tony en 1988 por su participación en la versión de "Cabaret" que dirigió Sam Mendes, en Broadway, y todo un tipo de galardones, tanto en Londres como en Nueva York, por su trabajo en "Anna Christie". Su colaboración con Sam Mendes y la compañía Roundabout se repitió con éxito en 2005, cuando encarnó a Blanche Du Bois en "Un tranvia llamado deseo", con John C. Reilly como Stanley Kowalski.

En el cine las cosas le fueron bien hasta mediados de los noventa. Tras "Patty Hearst", enlazó "Creadoresde sombras" ("Fat Man and Little Boy"), con Paul Newman, "El cuento de la doncella" ("The Handmaid’s Tale"), de Volker Schlöndorff y con Robert Duvall, "El placer de los extraños" ("The Comfortof Strangers"), de nuevo con Schrader, o "El pico de las viudas" ("Widows’ Peak"), de John Irvin.

Divorciada del cineasta Robert Fox, en 1994 conoció en el rodaje de "Nell" a su actual marido, Liam Neeson, y decidió relajar su vida profesional para dedicarse a su familia, un parón que sólo traicionó en 1998 cuando encarnó a la madre de Lindsay Lohan en "Tu a Londres y yo a California" ("The Parent Trap"). Con el cambio de siglo y tras el éxito de "Cabaret", Richardson volvió a la gran pantalla con "Chelsea Walls", "Waking Up in Reno", "Sucedió en Manhattan" ("Maid in Manhattan"), la estupenda "Obsesion" ("Ayslum") o "La condesa rusa" ("The White Countess"). El año pasado, en "El atardecer" ("Evening"), de Lajos Koltai, cumplió un sueño largo tiempo ansiado, trabajar con su madre (y hacer en la pantalla también de madre e hija), y en un drama sentimental con secreto familiar en su interior titulado "Wild Child", su último papel en el cine.

De carácter guerrillero, no se amilanó cuando varios periódicos aseguraron en 1998 que su matrimonio estaba en crisis, y ganó el posterior juicio por libelo en Estados Unidos (poseia la nacionalidad estadounidense). Reputada cocinera, su casa era lugar de encuentro en Nueva York de la numerosa colonia actual británica.

NATASHA RICHARDSON - Londres - 11 - mayo - 1963 - Nueva York - 18 - marzo - 2009.

¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

Domingo negro (Black Sunday- 1976)

"Estás segura de poder controlarlo".

"En la medida con que se controla a un niño... un niño inteligente... depende de mi por completo".

Brillante a la vez que sobria película de acción con intriga incluida basada en la novela de Thomas Harris, un escritor americano y más conocido por una serie de novelas sobre su personaje más famoso, me refiero a Hannibal Lecter, que se ha convertido en todo un icono cultural. Y llevada al cine con un guión del neoyorkino Ernest Lehman "El rey y yo" ("The King and I") del dramaturgo australiano Kenneth Ross "Consejo de guerra" ("Breaker Morant") y del estadounidense, aunque nacido en La Habana, Ivan Moffat, un extraordinario escritor que se atrevió ni más ni menos, que con la colosal "Gigante" ("Giant").

"Domingo negro", lleva la firma de uno de los directores más solventes de la década de los setenta, un hombre nacido en Nueva York, y cuyo nombre es John Frankenheimer "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz") por si teneis alguna duda de él.

La película gira alrededor del problema del terrorísmo en Oriente Medio y Frankenheimer nos relata la carrera contra-reloj en la que varios agentes tanto de Estados Unidos, como de Israel van pisando los talones a los terrorístas, para impedir un terrible atentado...

Una buena historia, si señor, y además repleta de acción y suspense, y aderezada con catástrofes incluidas. Y es que de verdad el director nos traslada a una visión pesimísta de un mundo yo diría que hundido, destruido y hasta maltratado por unas como siempre equivocadas decisiones políticas, (Steven Spielberg, también trató este tema en su película "Munich").

Demoledoras algunas de sus escenas y llevadas como no, con un ritmo tan preciso como acertado y culminando con las finales, en donde Frankenheimer crea tanta tensión en su relato, que le hace a uno de estar pegado en el asiento, sencillamente genial, de verdad os lo digo. Escenas pués, cargadas de auténtica andrenalina y gracias a las interpretaciones de unos actores de categoría internacional.

Comenzando con el inglés Robert Shaw, un excelente y sobrio actor fallecido prematuramente pero que nos dejó para el recuerdo papeles tan memorables, como el del capitán Quint, aquel primer caza-tiburones de la ya mítica "Tiburón" ("Jaws"), y en este maldito domingo negro, metido en el personaje central del Mayor David Kabakow el líder del grupo anti-terrorísta que no solamente se dedica a ser el bueno de la película, si no que salva al mundo de un desastre total, gracias a su rapidez y eficacia.

Y dándole buena réplica y llevándole por el camino de la amargura, la suiza Marthe Keller "Ojos negros" ("Oci ciorne") encarnando a Dahlia, una joven agente perteneciente al grupo terrorísta "Septiembre negro" y que en un descuido de Kabakow, esta escapa produciéndose así esa carrera contra-reloj, antes dicha, ya que está preparando un enorme atentado en Estados Unidos, junto al norteamericano nacido en Chicago, Bruce Dern "Todos los caballos bellos" ("All the Pretty Horses"), metido en el uniforme del capitán Michael Lander, y atención al cameo del propio Frankenheimer, como el director (por supuesto) de una cadena de Televisión.

Y excelentemente fotografiados a todo color y en pantalla grande, por el texano John A. Alonzo, un pionero de la fotografía y creador de una técnica de iluminación diferente, pero que quizá sea recordado por su inmejorable trabajo en "El precio del poder" ("Scarface"), y aquí por supuesto tampoco quedándose manco, ya que logra unas espectaculares fotografías repletas de una enorme acción, y rodadas con gran maestría, las espectaculares persecuciones con tiroteos incluidos por las calles de Nueva Orleans, son dignas de verse.

De la banda sonora pués que se va a decir, llevando como lleva el sello del maestro norteamericano David Amram "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass"), para que veais más o menos de quien se trata, un polifacético compositor que también se dió a conocer como escritor, y que llegó a colaborar con personajes tan célebres como por ejemplo: el insuperable Leonard Bernstein en la musica, y el mítico Arthur Miller en el apartado de la escritura.

En definitiva, una estupenda pelicula llena de acción y tensión,y que para mi, es algo más que un relato llevado al cine de terror y suspense. Notable.

A modo histórico, el "Septiembre negro" fue una organización terrorísta palestina fundada en 1970, y su acto más conocido fue la "masacre de Munich", nombre que se le dió al secuestro y asesinato de once atletas israelies durante los Juegos Olímpicos de 1972. En el acto perdieron la vida cinco miembros del grupo terrorísta y un policia alemán.

En 1973 la organización fue totalmente desmantelada, aunque en 1974 y a raiz de otros actos terrorístas por distintas agrupaciones la comenzaron a relacionar, pero lo más probable es que grupos como por ejemplo: Abu Nidal y el Frente de Liberación Palestino, fuesen los encargados de tales atentados.

 

Dersu Uzala (1975)

"Un frio intenso, cansancio, hambre... que insignificante es el hombre ante la naturaleza"...

Hermosa a la vez que espléndida historia, dirigida por ese genio del cine universal nacido en Tokio, y apodado "el emperador del cine", su nombre, ni más ni menos: Akira Kurosawa ("Ran"), por ejemplo.

Así pués, Kurosawa con un soberbio guión obra de él mismo, y de Yuri Nagibin, un famoso novelísta nacido en Moscú y autor de inumerables cuentos cortos, pero que fué en esta película donde verdaderamente se dió a conocer en el mundo del cine, lograron entre los dos hacer una película cuyo éxito fué de una gran considerabilidad a la hora de valorarla tanto la crítica como el público. La historia está basada en hechos reales y sacada de la novela de Vladimir Arseniev, un polifacético personaje también ruso que fué explorador, naturalísta, cartógrafo y como no también escritor, y fué precisamente en uno de sus viajes donde conoció personalmente a un anciano cazador de la tribu de los hezhen, llamado Dersu Uzala, cuya amistad con le inspiró a escribir este libro con el mismo título.

La acción de esta espectacular obra épica nos traslada a Siberia a principios del siglo XX, y gira en torno a la relacción entre un oficial de una expedición cartográfica y un anciano campesino de piernas arqueadas que vive en los bosques y es reclutado como guia de dicha expedición...

Una gran película de aventuras, si señor, y por si fuera poco el maestro tuvo que rodarla en unas muy duras condiciones meteorológicas, ya que está filmada en los mismos lugares donde transcurre la acción, y en donde de verdad y a base de unos increibles y largos flash-back y una escueta voz de fondo de uno de los protagonístas, Kurosawa logró una para mi, obra maestra.

Contiene pués, escenas realmente sensacionales y además filmadas en 70 m/m, sobre todo aquellas de las refriegas con los bandidos, y para mi, quizá la más tensa es cuando se desata una amenazadora tormenta y los protagonístas utilizan teodolito y hierbas para levantar un refugio en medio del yermo, espectacular pero con mayúsculas.

Pero claro, aquí también tuvo mucho que ver, mejor dicho tuvieron mucho que ver, ya que fueron tres artesanos de la cámara fotográfica los encargados de poner imágenes a la historia, como fueron los rusos Yuri Gantoman y Fyodor Dobronrabou y el japonés y al mismo tiempo colaborador habitual del director, Asakazu Nakai, y como digo poniendo toda la carne en el asador con sus impresionantes fotografías a todo color y rodadas en unos inmensos algunas veces y desoladores en otras parajes naturales.

Impresionante a la vez que desgarradora la banda sonora, y como no todo un punto fuerte a favor de la película, un deleite para el sentido del oido, de verdad, y creada por el maestro soviético Isaac Schwrtz, un verdadero genio de la musica con más de cien bandas sonoras en su haber, y aquí como digo deleitándonos con unas melodias verdaderamente fantásticas la del título principal "El otoño Taiga" es realmente fabulosa.

Y llegamos al plato fuerte de este apetitoso festín cinematográfico: los actores, aunque esta vez el genio japonés no contó con su actor fetiche, me refiero a Toshiro Mifune, pero si con Maksim Munzuk ("Valentina"), un veterano actor nacido en Mezhegyei (Rusia) muy poco conocido ya que toda su carrera la ha desarrollado en su pais natal, creo que esta película es la única conocida e interpretada por él, y dando vida a Dersu Uzala, ese viejo cazador que vive en los bosques y que es reclutado como guia, y al que los subordinados del capitán le consideran un personaje cómico, pero es evidente que su sabiduría natural lo ha preparado mucho mejor de lo que en realidad aparenta, para mi, uno de los más bellos personajes que el cine de Kurosawa nos ha podido dar.

Y junto a él, Yuri Solomin "La tienda roja" ("The Red Tent") otro actor de origen soviético muy famoso en su pais por sus innumerables trabajos realizados, tanto en cine como en teatro, y que incluso llegó a ser Ministro de Cultura de Rusia desde 1990 a 1992, y en esta historia de amistad metido en el uniforme del capitán Vladimir Arseniev, un personaje noble y amable y que a pesar de venir de la "civilización" no duda en convivir con ese viejo de la taiga, aprendiendo al final una lección que nunca jamás olvidará.

En resumen, una espectacular historia de aventuras, pero también todo un canto a la amistad y a la bondad desinteresada y que nos enseña al mismo tiempo la convivencia y la necesidad del hombre a convivir con la naturaleza, aunque también por desgracia a la destivatividad de una ¿civilización? como la nuestra...   Matrícula de Honor.

"Dersu Uzala", logró el Oscar en el año 1975 a la Mejor película de habla no inglesa. Y el Gran Premio en el Festival Internacional de Moscú.

 

 

Demonios en el jardín (1982)

"Un niño siempre es un testigo de cuanto sucede a su alrededor, y el protagonísta de "Demonios en el jardín" pasa de ser testigo a ser notario de todo lo que le rodea".  (Manuel Gutierrez Aragón)

Excelente película y en donde el director cántabro Manuel Gutierrez Aragón "Una rosa de Francia", nos cuenta rozando la perfección una historia sobre esa España de la posguerra presidida por la opulencia de los vencedores y la triste miseria de los perdedores.

"Demonios en el jardín" está inspirada en un guión del propio Gutierrez Aragón y del también productor Luis Megino "Mi querida señorita". Así pués nos trasladamos allá a los "tristes" años de la posguerra española para meternos de lleno en la vida de una familia para asistir a una boda, y en donde Juan uno de sus miembros decide trasladarse a Madrid después de tener una pelea con su hermano mayor, y una vez en la capital se alista al ejército de Franco. Y allí y en el bando de los vencedores lograr labrarse un brillante porvenir, pero el hombre dispone, y el destino...

Como digo, una excelente película, y excelente también ese retrato que nos muestra el director de aquella mísera a la vez que hipócrita vida de aquellos años marcados por la Guerra Civil, años de arribísmo y de estraperlo, y con todos sus odios y traiciones familiares, de verdad que el director nacido en Torrelavega roza como digo la perfección.

Cuenta con escenas cargadas de gran dramatísmo, pero mezcladas también con algunas llenas de un gran sentido del humor, hay una sobre todo en donde el personaje del niño que está deseando de ir al cine, y una vez que ve a Silvana Mangano en aquella mítica película de Alberto Lattuada titulada "Ana" ("Anna"), el chaval se siente como un pecador al ver a la despampanante y bellísima actriz italiana, menear el culo de esa manera , pobre Juanito de verdad.

Brillantes todas las actuaciones, con uno de los repartos más selectos del cine español de por aquel entonces, y en donde de verdad Gutierrez Aragón supo sacar un extraordinario partido a todos. Y destacando el fenomenal mano a mano entre dos actrices reinas de la interpretación, como son las madrileñas Angela Molina "Diario de una ninfómana" y Ana Belén "El amor perjudica seriamente la salud".

La primera metida en la piel de Angela, esa joven que un dia queda embarazada por un amor quizá no deseado o tal vez demasiado deseado, y que una vez que da a luz, ve como su madre le arrebata al niño, un personaje de verdad tan rebelde como sincero, y para mi, uno de los mejores papeles de esta gran actriz. Y en cuanto a la segunda, metida en otra clase de piel, en la de Ana, esa otra joven que un dia se casa con Oscar, una boda completamente equivocada, ya que ese mismo dia y durante el banquete salen a relucir en ese jardín, todos los trapos sucios familiares, acabando en una violenta pelea, magníficas las dos, aunque quizá un poco mejor la hija de Antonio Molina.

Como magnífica al igual, otra madrileña hasta la médula Encarna Paso "El bosque animado", metida en las hieles de Gloria, esa madre aparentemente generosa pero lo que es en realidad, una mujer llena de soberbia y dominadora hasta términos infinitos. Y con ellas Imanol Arias "Territorio comanche", como Juan, un hombre que al tener una pelea con su hermano decide irse de su casa y alistarse en el ejército y dejando embarazada a Angela, y todo por culpa de Eusebio Poncela "Los Borgia", como Oscar el hermano mayor y marido de Ana y al mismo tiempo protagonísta de que una fiesta, se convierta en un drama familiar.

Y atención al niño Alvaro Sánchez Prieto, en su única aparición en la pantalla grande, y aquí como Juanito, ese niño casi enfermizo, y que lo único que le interesa es conocer a su padre Juan, al que nunca ha visto, pero que el destino le prepara una sospresa, y por cierto no muy agradable que se diga cuando llega el momento de conocerlo.

Muy amena a la vez que estimulante la banda sonora a cargo del maestro navarro Javier Iturralde "Dias contados", un hombre que empezó como saxofonísta de jazz, y acabó haciendo arreglos a artistas de fama y renombre universal, como por ejemplo: Julio Iglesias y Luis Cobos. Y en este diabólico jardín aportando unas inolvidables melodias de aquella época, destacando sobre todo el pasodoble "Coplas" del legendario maestro sevillano Juan Mostazo.

Bonita, muy bonita mejor dicho, como es de esperar la fotografía, llevada de la mano ni más ni menos que por el "africano" nació en Tánger, pero español hasta ni Dios sabe donde José Luis Alcaine "Volver", un inmeso director de fotografía con cinco Goya en sus vitrinas y con la friolera de quince nominaciones, y por si fuera esto poco, el primero en utilizar la luz de tubos fluorescentes como única luz principal, allá en la década de los setenta. Y mención especial, como no, para el italiano Andrea D’Odorico, un prestigioso y preciosísta montador que se ocupó de los decorados y ambientación, logrando una auténtica maravilla a la hora de valorar el montaje y el ambiente de esta historia.

En concreto, una estupenda película todo un drama familiar salpicado con geniales toques de humor, y todo un auténtico retrato de aquel sórdido ambiente de la posguerra. Una película que a pesar del tiempo transcurrido, sigue manteniendo para mi, la misma esencia que el dia de su estreno, y que por supuesto a nadie deja indiferente. Una película española. Sobresaliente.

"Demonios en el jardín", logró la Concha de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de San Sebastián. Y el Fotograma de Plata a la Mejor película española.

 

Una estatuilla llamada OSCAR (y 3)

Y para poner punto y final a esta 81ª Edición de los Oscar. Y una vez hecho el comentario de una de las mejores y más oscarizadas películas de la historia, un resumen de la batalla constante que Fred Zinnemann libró con el productor, ya que este rechazaba un guión tras otro. Así pués, esto es lo que sucedió más o menos antes de empezar a rodarse.

"De aquí a la eternidad"

¿Cuantos hombres crees que ha habido?

No lo se. ¿Puedes darme una cifra?

Sin una calculadora, no...

Publicada en 1951, "De aqui a la eternidad", una novela de 850 páginas escrita por James Jones, fue adquirida por el presidente de la Columbia Pictures, Harry Cohn. Se trata de una mirada brutal y descarnarda a la vida militar ambientada durante los dias anteriores al ataque sobre Pearl Harbor, "De aquí a la eternidad" se consideraba un libro imposible de trasladar a la gran pantalla. Cohn, que había pagado 87.000 dólares por los derechos, no se arredró, y decidió conservar en la medida de lo posible el espíritu de la novela. La adaptación la escribiría Daniel Taradash y la dirigiría un director de fama universal, Fred Zinnemann.

Mientras el equipo creativo estaba ya consolidado, la selección de los cinco protagonístas acabó siendo tan polémica como la propia historia. Para el papel del soldado Robert E. Lee Prewitt. Cohn tenía la firme intención de contar con Aldo Ray "La colina de los diablos de acero" ("Men in War") o John Derek "Exodo" ("Exodus") dos actores que Columbia tenía contratados. En su lugar Zinnemann presionó para tener a Montgomery Clift, y al final convenció a Cohn, que tuvo que pagar 150.000 dólares por los servicios de Clift. Para el sargento Milton Warren, Columbia había pensado en Edmond O’Brien "Viaje alucinante" ("Fantastic Voyage"), hasta que de repente Burt Lancaster estuvo disponible (al precio de 120.000 dólares). Para interpretar a la ninfómana Karen Holmes, el estudio se puso en contacto con una actriz veterana, Joan Crawford "Johnny Guitar", que aceptó el papel hasta que por problemas con el vestuario decidió descolgarse del proyecto. La sustituta sería Deborah Kerr. Y mientras que Zinnemann deseaba a Julie Harris "Al este del edén" ("East of Eden") para el papel de Alma Lorene, Cohn, que pensaba que no era la actriz adecuada para el papel contrató a Donna Reed en su lugar.

Sin duda, el fichaje más famoso de todo el reparto fue el de Frank Sinatra, como Angelo Maggio. Sinatra insistió sin descanso a Cohn para que le diera el papel, incluso estaba dispuesto a hacerlo gratis. Sin embargo, la suerte estaba de parte de Sinatra, ya que Eli Wallach "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"), candidato a interpretar a Maggio, se salió del proyecto para actuar en "Camino Real", de Tennessee Williams, en Broadway. Sinatra pudo hcer una prueba que le supondría la revitalización de su carrera y 8.000 dólares.

"De aqui a la eternidad" se rodó en Hawaii durante 41 dias, y costó 2 millones de dólares. El ejército de Estados Unidos,al que no le había agradado la novela por su critica al sistema militar, aceptó colaborar en la producción si se introducían cambios en la historia de Jones. Entre las concesiones están el destino del capitán Dana Holmes. En la novela, el personaje es ascendido por sus acciones, mientras que en la película Holmes es separado del servicio.

Estrenada el 4 de agosto de 1953, "De aquí a la eternidad" llegó a recaudar 18 millones de dólares, la 10ª mayor recaudación de aquella década. Y es todo un ejemplo de lo que es una película hecha por auténticos profesionales.

Muchas gracias a The Motion Picture Guide, ya que sin su autorización, me hubiese sido imposible realizar este comentario.

 

Una estatuilla llamada OSCAR (2)

Y siguiendo la fiesta de los Oscar, que menos que comentar (por supuesto) una película oscarizada (pero oscarizada de verdad). El año pasado quise comentarla pero, se adelantó "Casablanca". Este año no, este año puedo, debo, y quiero comentar.

"De aqui a la eternidad" "(From Here to Eternity"-1953)

"Nunca en mi vida me había sentido tan infeliz, hasta que me enamoré de ti"...

Mítica y posiblemente una de las mejores películas de la historia del cine, y basada en el best-seller del escritor estadounidense nacido en Illinios James Jones. Un hombre que gracias a su experiencia durante la II Guerra Mundial, inspiró la mayoría de sus obras en el género bélico, lo que hizo de él, que fuera reconocido mundialmente, un hombre que con el paso del tiempo está considerado como todo un autor de culto.

"De aquí a la eternidad", está dirigida por todo un artesano y creador de películas realmente emblemáticas, como fue el austriaco nacionalizado norteamericano Fred Zinnemann "Solo ante el peligro" ("High Noon"), por citar una de sus muchas tarjetas de visitas, que aquí junto al guionísta Daniel Taradash "Encubridora" ("Rancho Notorious"), un escritor licenciado en Harvard y también con experiencias bélicas, lograron una sensacional historia antibelicísta sobre la corrupción, la brutalidad y la mezquinidad del Ejército.

La historia nos lleva al año 1941 al cuartel de Schofield en la base militar de Pearl Harbor, en Hawai, y en donde nos metemos en las vidas de varios personajes, unos personajes todos abrumados por su pasado, por su presente e incluso por su futuro...

Memorable e intensa película, si señor, y en donde Zinnemann tuvo que luchar contra viento y marea para superar las barreras que por aquel entonces le puso la censura militar, pero aún así, logró lo que se propuso contarnos, una historia de manera sumamente efectiva y creando al mismo tiempo un máximo de tensión tanto físico, como psicológico.

Una película que cuenta con escenas que son todo un icono del cine, como la del célebre baño en la playa entre los protagonístas principales (Lancaster y Kerr). Una de las escenas para mi, más apasionadas y románticas que jamás se hayan filmado en una película de este género. Una escena tan atrevida como incomparable, tan incomparable como inimitable, una escena que ya es historia, y para la historia del cine. Y con unos diálogos tan míticos como la película: "La vida es una mierda ¿lo sabía?" - "Si, señor, es absolutamente asquerosa"...

Excepcional fotografía en blanco y negro, el director de origén vienés así lo quiso para que las escenas de guerra diesen más fuerza a la historia y dando la sensación de estar viendo en algunas ocasiones un auténtico documental, el ataque aéreo verdaderamente magistral, y todo gracias a la cámara del oscarizado Burnett Guffey "Bonnie & Clyde" y por  si esto fuese poco usando el formato Cinemascope, pocos o muy pocos fotográfos de por aquella época se atrevieron a realizar una película bélica en blanco y negro, y con esta lente de 70m/m, todo un espectáculo visual, de verdad, como tiene que ser.

Excelente también la banda sonora, aunque para mi, quizá la parte débil de la película, pero llevada con buen ritmo por el compositor nacido en Indiana, George Duning, un genial musico que empezó tocando la trompeta y el piano para programas de radio, para después ser un asiduo colaborador del director Richard Quine "La misteriosa dama de negro" ("The Notorious Landlady").

Impresionante el reparto de actores, pienso que esta fue la mejor baza que se jugó Zinnemann, porque verdaderamente sin ellos esta historia hubiese caminado por senderos muy diferentes. Y encabezados todos por un inconmensurable Burt Lancaster "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"), metido hasta el mismísimo cuello del sargento Milton Warden, un hombre atrapado en un romance muy peligroso, y dandose junto a él, el baño, como digo más famoso de la historia del cine, la bellísima e inolvidable Deborah Kerr "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"), como Karen Holmes, esa esposa adúltera y hambrienta de sexo, aunque también hay que tener en cuenta su triste realidad y lo desgraciado e infame que es su marido.

Y con ellos Montgomery Clift "Yo confieso" ("I Confess"), metido en el uniforme del soldado Robert Prewitt, un famoso trompetista y antiguo boxeador que dejó la lucha por dejar ciego a un compañero de boxeo, y que para su infortunio se ve obligado a boxear haciéndole la vida imposible ante su negativa. Y emborrachándose con él, otro soldado y al mismo tiempo su mejor amigo, Frank Sinatra "Como un torrente" ("Some Came Running"), en un papel verdaderamente desgarrador el de Angelo Maggio, pero un papel que le valió también alcanzar la madurez como actor, y entre ellos otra mujer, preciosa y encantadora, me refiero a Donna Reed"Qué bello es vivir" ("It’s a Wonderful Life"), esa prostituta llamada Alma y enamorada perdidamente de Prewitt, sublimes todos, pero tampoco hay que olvidarnos de un inmenso e impagable Ernest Borgnine "El emperador del norte" ("The Emperor of the North Pole"), como ese sádico sargento militar de prisiones llamado "Fatso", y que jura odio eterno al soldado Maggio. Impagables todos, y en medio de esta cruda historia de amor y guerra el inminente ataque japonés a Pearl Harbor.

En definitiva, una más que mítica película, llevada por Zinnemann con un grandioso pulso narrativo lleno de lucidez e ingenio, con unas actuaciones portentosas y en donde hay que decir, que después de ese beso en la playa, el cine ya no fué lo mismo. Una película IMPRESCINDIBLE.  Matrícula de Honor.

"De aquí a la eternidad", logró en el año 1953 ocho Oscar: Mejor Película, Director, Actor secundario (Frank Sinatra), Actriz secundaria (Donna Reed), Guión (Daniel Taradash), Fotografía en blanco y negro (Burnett Guffey), Sonido (John Livadary) y Montaje (William Lyon). Tanto Burt Lancaster como Montgomery Clift fueron nominados como mejores actores protagonistas, premio que fué a recaer a William Holden por "Traidor en el infierno" ("Stalag 17"), otra película también de género bélico.

En 1979 la película dió origen a una miniserie televisiva de seis horas de duración, dirigida por Buzz Kulik "Villa cabalga" ("Villa Rides") e interpretada por William Devane "Yanquis" ("Yanks") en el papel de Milton Warden, Natalie Wood "West Side Story" en el de Karen Holmes, Steve Railsbacks "La chica del calendario" ("Calendar Girl") como Prewitt, Joe Pantoliano "Memento" como Maggio, Kim Basinger "Soñé con Africa" ("I Dreamed of Africa") como Alma y Peter Boyle "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankestein") como Fatson.

Pese a algunas sospresas de reparto este producto televisivo carecia de la calidad de su homónima cinematográfica, especialmente en los papeles de Prewitt y Maggio. No había ninguna necesidad de volver a hacer lo que los mejores talentos de Hollywood ya habian hecho tiempo atrás.