Familia (1996)

    En recuerdo de: Juan Luis Galiardo

  "El que diga que es mejor estar solo que mal acompañado, es porque nunca ha estado verdaderamente solo".

  Espléndida e inteligente película de género de comedia, aderezada con algo de drama y, basada en un guión del aqui debutante director Fernando León de Aranoa, "Los lunes al sol" (por citar una buena película también), un joven cineasta nacido en Madrid, licenciado en Ciencias de la Imágen por la Universidad Complutense de Madrid, y cuyos comienzos fueron en series para la televisión tales cómo: "Turno de oficio".

  La historia pues, que nos cuenta Aranoa es un poco triste, pero eso si con mucho sentido del humor. Todo se desarrolla en un sólo dia, y comienza cuando un padre se levanta el dia de su cumpleaños, y al que su familia le está esperando para darle los regalos y cantarle el típico "cumpleaños feliz". Todo como vemos es una historia normal, pero la cosa cambia cuando le toca el turno al regalo de su hijo pequeño, el hombre se enfada y dice que no le gusta... 

  Estupendo el debut tras las cámaras de Fernando León de Aranoa, porque de verdad "Familia" es una magnífica película, y es que ya de por sí, el cineasta madrileño nos cuenta una historia sencilla, si muy sencilla, pero perfectamente trenzada y lo que es mejor aún, sin grandes alardes técnicos. Cuenta con escenas memorables, y en donde yo destacaría la escena final, magistral escena, si señor.

  Excelente fotografía en un color claro-oscuro, a cargo de Alfredo F. Mayo "Una rosa de Francia", un prestigioso realizador fotográfico tambien madrileño de nacimiento, y ganador de un Premio Goya por "Las cartas de Alou". Y en esta peculiar familia, mostrándonos unas imágenes verdaderamente primordiales, la mayoría rodadas en los interiores de la casa (como si de una obra de teatro se tratara), aplicando a todas ellas, gracias a su exhautivo estudio de luz, un estilo estéticamente impecable. No es de extrañar que este profesional de la fotografía, haya trabajado para los mejores directores españoles desde Carlos Saura hasta Pedro Almodóvar, pasando por Luis García Berlanga y Vicente Aranda, y por supuesto con Fernando León de Aranoa.

  De la música, poco puedo decir, ya que también hay muy poca y son varios los autores. A decir verdad es quizá lo peor de la película, pero tampoco hay que darlo mucha importancia.

  Y no hay que darlo importancia, porque aquí para solucionar este pequeño fallo de la música, nos encontramos con un impresionante reparto de actores, capitaneados por un soberbio Juan Luis Galiardo, "El caballero Don Quijote" (por ejemplo) metido hasta el alma en la piel de Santiago, ese padre y esposo que se levanta el dia de su 55 cumpleaños rodeado de una abundante familia, y que todos le demuestran su amor al mismo tiempo que le colman de regalos. Pero hay algo que no encaja, ya que Santiago es un hombre solitario, y que realmente esa no es su familia verdadera, ¿o si?. Y junto con la brillante interpretación del gran Juan Luis hay que destacar a una estupenda y recuperada Amparo Muñoz "Tierra de cañones" en el papel de Carmen y, Agata Lys "Los santos inocentes", encarnando a Sole, y cómo no a, Chete Lera "Tocar el cielo" haciendo de Ventura. Y atención a la también debutante y aqui con apenas veinte añitos Elena Anaya "La piel que habito", dando vida a Luna. Extraordinario el elenco de actores elegidos por el estupendo Aranoa, en esta espléndida e inteligente película.

  En definitiva, una pequeña joya de nuestro cine, que nos invita a pensar como nos comportamos en nuestra vida cotidiana, desde un punto de vista amable, pero señalando los problemas y por supuesto las contradiciones.   Sobresaliente.

  Fernando León de Aranoa recibió el Goya como Mejor Director Novel.

Hasta siempre!!!

                        JUAN LUIS GALIARDO

                                El galán socarrón

  El pasado dia 22 de junio falleció en la Clínica de la Zarzuela de Madrid, a los 72 años de edad el actor Juan Luis Galiardo, uno de los últimos galanes del cine español. Juan Luis Galiardo se encontraba en la unidad de cuidados paliativos, como consecuencia de una "rápida y devastadora enfermedad", según indicaron sus más allegados.

  Este maestro de la escena dió vida a personajes representativos del cine español, como "El diputado voto del señor Cayo", "Madregilda", "Familia", "El caballero Don Quijote" o "La chispa de la vida". Este hombre socarrón, impetuoso y locuaz trabajó con los grandes del cine español, bajo la batuta de Luis García Berlanga, Manuel Gutiérrez Aragón, Fernando Fernán Gómez, José Luis Cuerda o Francisco Regueiro.

  Pese al cáncer de pulmón que padecía Juan Luis no abandonó el trabajo y siguió acudiendo al plató hasta el último momernto. No en vano, conciliaba el rodaje de la serie "Gran Hotel" con "El avaro", su última obra de teatro.

  Por deseo del actor, fue incinerado después de recibir las muestras de cariño y admiración en el Tanatorio de la M-30 de Madrid. La familia expresó en un comunicado su agradecimiento por las muestras de pesar recibidas.

  Juan Luis Galiardo nació en San Roque (Cádiz), obtuvo su mayor reconocimiento con el Goya al Mejor Actor en el año 2000 por su interpretación de "Adios con el corazón", última parte de la triología que comenzó con "Suspiros de España". En la década de los 70 su carrera parecía encaminada a especializarse en los papeles de galán. En 1971 participó en el rodaje de "Marco Antonio y Cleopatra" ("Anthony and Cleopatra") de Charlton Heston, al tiempo que intervino en "Rojo, blanco y..." ("Bianco, rosso e...") de Alberto Lattuada y al lado de Sofia Loren.

  Su buena planta y galanura le abrieron las puertas del cine, donde su presencia era requerida para trabajar con algunas estrellas del momento, como Carmen Sevilla, con quien compartió reparto en "La promesa" de Angel del Pozo. Gracias a esta película se le adjudicó el premio de "Galán más popular de 1976 en Nueva York", distinción que otorgaba la revista "Nuestro cine".

  Por los años 80 trabajó en el extranjero, especialmente en México, donde era asiduo de la televisión. En 1981 apareció en "Rastro de muerte" del director Arturo Ripstein. De vuelta a España fue uno de los puntales de la exitosa serie "Turno de oficio", de Antonio Mercero, una producción que forma parte de la educación sentimental de los españoles. Al lado de Juan Echanove, Carmen Elias e Irene Gutiérrez Caba, encarnó a "El Chepa". Precisamente este papel le abrió muchas puertas y le ofreció la posibilidad de demostrar su talento polifacético en titulos como "El diputado voto del señor Cayo" (1986) de Antonio Giménez Rico, o "La guerra de los locos" (1986), de Manuel Matji. En los 90, "Suspiros de España (y Portugal)" y "Familia" fueron sus grandes películas y lo acercaron aún más al público mayoritario.

  A partir del año 2000, Juan Luis Galiardo intercaló papeles en producciones taquilleras, "Torrente 2, misión Marbella" o "El oro de Moscú", con otras actuaciones en las que desempolvó grandes clásicos de la literatura española, como "El caballero Don Quijote" o "Lázaro de Tormes". Llegó a interpretar a Miguel de Cervantes en "Miguel y Williams". Su incomparable presencia fisica y su versatilidad le permitieron también encarnar a Fidel Castro en "Dios o Demonio". A la vez, su carrera en televisión le proporcionó nuevas satisfaciones, con "Martes de Carnaval" por la que fue candidato al premio de la  Unión de Actores o "23-F el dia más dificil del Rey", en 2009. En esta etapa se prodigó en el teatro llevando a las tablas las "Comedias Bárbaras" de Valle Inclán, el "Edipo Rey" de Sófocles y "El avaro", de Moliére, entre otras obras.

  Su carrera profesional hizo de él un personaje extremadamente popular. Su ironía, su proceder, y su manera hedonísta de entender la vida lo convirtieron en un personaje muy querido por el gran público y por sus compañeros.

  Juan Luis Galiardo - 2 de marzo de 1940 - San Roque (Cádiz) - 22 de junio de 2012 - Madrid

                                           ¡DESCANSE EN PAZ!

  "Un actor como la copa de un pino" (Alfonso Ussia)

  "Yo solo puedo decir de Juan Luis que se dedicaba más a los demás que a él mismo" (José Bonilla)

  "Nos ha enseñado dos cosas: que hay que trabajar hasta el último dia, y que ese último dia tiene que ser tranquilo" (Imanol Arias)

  "Antes de morirse me dijo que estaba prohibido llorar" (Juan Echanove)

 

 

 

Horizontes perdidos (Lost Horizon - 1937)

  "Hay momentos en la vida de todo hombre que se vislumbra la eternidad".

  Extraordinaria película (aunque sin llegar a obra maestra), de género de aventuras, aderezado por drama y fantasía.

  "Horizontes perdidos" está basada en una novela del británico James Hilton, un escritor que encontró el éxito a una temprana edad y, en 1942 ganó un Oscar por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver"). Cuenta con un guión de Robert Riskin "Vive como quieras" ("You Can’t It With You"), un célebre guionísta y dramaturgo nacido en Nueva York y muy conocido por sus colaboraciones con Frank Capra.

  Y es el mismísimo Frank Capra el encargado de contarnos esta fantástica historia. A Frank Capra "Millonario de ilusiones" ("A Hole in the Head"), un cineasta nacido en Sicilia (Italia), no lo vamos a descubrir ahora, ya que no necesita presentación alguna en el ámbito mundial del cine, con sus más de cincuenta películas a lo largo de cuarenta años como realizador de numerosas obras maestras y con cuatro Oscars en su haber y un Globo de Oro.

  Así pues, el gran Capra nos mete en un avión con varios pasajeros a bordo y, entre uno de ellos se encuentra un diplomático inglés (el protagonísta), el avión sufre un accidente al cruzar el Himalaya y, cuando creen que la muerte es inevitable, son rescatados por los habitantes de Shangri-La, una idílica y utópica ciudad que se encuentra oculta en el Tibet...

  Una estupenda película, si señor, muy bien rodada y con una magnífica ambientación, una película que destila digamos que cierto tenebrísmo pero moralizante y con una puesta en escena magistral, una historia que para mi, es todo un ejemplo de la gran humanidad, y el buen hacer de este cineasta, puesto que nos comunica un mensaje sobre la vida de nuestra sociedad, esa sociedad que hoy en dia sigue siendo la realidad de nuestro mundo.

  Bellísima la fotografía en blanco y negro a cargo del norteamericano nacido en Denver, Joseph Walker  "Sucedió una noche" ("It Happened One Night"), otro hombre muy vinculado con Capra, con cerca de ciento cincuenta películas y, aquí demostrándo que la cámara fotográfica no tenía secretos para él, ya que nos muestra unas bellísimas imágenes tanto de paisajes naturales, como de sus espléndidos decorados de esa mítica ciudad tibetana. Atención al movimiento de cámara de la última escena, puesto que Walker utilizó un movimiento novedoso donde se permite contemplar la enorme fila de dolientes que van a rendir homenaje a su patriarca desde unos ángulos y encuadres no habituales. El director John Millius le homenajeó en 1982 en su pélicula "Conan, el bárbaro" ("Connan the Barbarian"), concretamente tambien en el final de la película.

  Estupenda banda sonora del siempre estupendo y mítico maestro nacido en Ucrania, pero como "casi" todos nacionalizado estadounidense hablo de, Dimitri Tiomkin "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone") por citar una de las casi cien bandas sonoras que cuelgan en su historial, un compositor con tres Oscars en su haber y, con la friolera de haber sido nominado en quince ocasiones. Y en esta historia de un paraiso encantado y en donde el tiempo no se detiene, mostrándonos unas sensacionales partituras, construidas por un catálogo de impresionantes canciones de bella factura. Unas melodias retentivas de inspiración desbordante, de verdad que todas las canciones son preciosas, desde el tema principal "Lost Horizon" que da título a la película, hasta el tema "Share the joy" ("Comparir alegria"), una canción que se escucha cuando los perdidos viajeros divisan Shangri-La.

  Excepcional el reparto de actores, capitaneados por Ronald Colman "Doble vida" ("A Double Life") cumpliendo sobradamente lo que el director pretendía y metiéndose en el personaje de Robert Conway, un político inglés que sobrevive a un accidente aéreo junto con otros personajes. Pero el destino de este hombre no era morir, era algo muy diferente, puesto que estaba destinado a sustituir tras su muerte al Gran Lama. Admirable la labor de este personaje interpretado por el gran Colman, un personaje que es capaz de ver más allá de las cortas miradas de su hermano, cuyo papel recayó sobre John Howard "La isla de los hombres perdidos" ("Isle of Missing Men") dando vida a George Conway, como digo el hermano de Robert, un  hombre ambicioso que no es capaz de entender las ventajas de la vida de esa maravillosa ciudad.

  Y arropándolos muy bien nos encontramos a Sam Jaffe "Ben-Hur" en el papel de el Gran Lama, a Edward Everett Horton "Arsénico por compasión" ("Arsenic and Old Lace" como un famoso paleontólogo, a Jane Wyatt "Puente de mando" ("Task Force") y, sin olvidarnos del fordiano Thomas Mitchell "La diligencia" ("Stagecoach"), como Henry Barnard, un financiero perseguido por la policia. Todos como he dicho excepcionales demostrándo sus hechuras como actores de primera fila.

  En definitiva, una estupenda película que, aunque no la considero como obra maestra, no deja de ser por ello, una historia admirable tanto por su contundencia estética, como argumental. Una película yo diría muy bien que, no apta para incrédulos (que son muy pocos) y si para aquellos que buscan joyas del cine (que somos muchos).  Sobresaliente.

  "Horizontes perdidos" logró dos Oscar en 1937 en los siguientes apartados: Mejor dirección artística (Stephen Goosson) y Mejor montaje (Gene Haulick y Gene Milford). Además obtuvo estas nominaciones: Película, Actor secundario (H. B. Warner), Banda sonora, Sonido y Ayudante de dirección.

  En 1973 Charles Jarrott dirigió una versión musical en color y Cinemascope, con canciones de Burt Bacharach y portagonizada por Peter Finch, Liv Ullmann y Sally Kellerman, pero a decir verdad todo salió carente de atractivo.

Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story - 1940)

  "La más hermosa vista de este maravilloso mundo es ver a la clase privilegiada disfrutando de sus privilegios..."

  Obra maestra se mire por donde se mire y una de las mejores comedias que se han filmado en toda la historia del cine.

  "Historias de Filadelfia" está basada en una obra de teatro escrita en el año 1939, por el comediógrafo neoyorkino Philip Barry "Sin amor" ("Without Love") y, fue el famoso director Joseph L. Mankiewicz "Cleopatra" en el que por aquel entonces solamente se ocupaba de la producción, al que se le ocurrió llevarla al cine. Gracias también a un extraordinario guión del escritor nacido en Ohio, Donald Ogden Stewart "Locuras de verano" ("Summertime"), un novelista que poco a poco se fué ganando cierta reputación en el mundo del cine, gracias a sus diálogos con chispa. De hecho muchas veces, su trabajo como guionísta consistía únicamente en escribir o supervisar los diálogos de otros, como así ocurrió en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight") o "El prisionero de Zenda" ("The Prisioner of Zenda").

  La dirección fue a parar a las manos del gran realizador George Cukor "My Fair Lady" ("Mi bella dama"), un magnífico cineasta nacido en Nueva York, con más de cincuenta películas en su historial cinematográfico, con un Oscar en su haber y cuatro nominaciones y, que en su dia se le puso la etiqueta como un director de actrices, pues supuestamente supo arrancar sus mejores interpretaciones a las estrellas que trabajaron con él.

  La historia, y que historia nos lleva como bien dice el titulo a la ciudad de Filadelfia, y nos mete de lleno en la vida de una consentida Tracy Lord que está preparando por todo lo alto su segunda boda con un importante hombre de negocios. Pero en las visperas de tal evento, su exmarido se presenta con dos periodístas, con la sana intención de hacer un buen reportaje para la prensa sensacionalísta. La tensión entre la antigua pareja no tarda en aflorar, y la historia comienza...

  Una obra maestra en todo los sentidos de género de comedia, ya que la historia incluye de todo: desde enredos hasta lucha de sexos, pasando hasta por las criticas sociales. Una película pues de ambiente sofisticado y además sustentada con unas soberbias interpretaciones del terceto protagonísta, y en el trazo como digo anteriormente del siempre elegante director neoyorkino. Cuenta con escenas que ya forman parte de la historia del cine de comedia, la del baño en la piscina es para llevarla al reino de las carcajadas. Y qué decir de sus diálogos todos llenos de inteligencia: "Asi que esta es la Suite Nupcial"..."Pues traiganos unos sandwiches de caviar y una botella de cerveza".

  Interpretaciones compuestas por tres monstruos del cine universal, ella: Katharine Hepburn, "La costilla de Adán" ("Adam’s Rib") como esa mimada y consentida Tracy Lord, hija de una familia acaudalada muy conocida en la ciudad, divorciada de un tal Dexter Haven, pero que ahora se le ha metido entre ceja y ceja casarse con otro tal George Kittredge, el típico millonario arribísta social, un tipo oscuro, absurdo y mediocre. Y ellos, uno: Cary Grant, "Con la muerte en los talones" ("North by Nortwest"), dando vida a ese tal Dexter Haven, un hombre todo lo contrario a su futuro esposo, puesto que es de un temperamento indómito, mandón, pícaro, desvergonzado, y si se tercia más caprichoso que ella, el otro: James Stewart, "Winchester 73", como Macauley Connor, un periodísta con aires de escritor, que ha sido invitado por Dexter para escribir el reportaje de la boda y dispuesto a ponerlo todo patas arriba, y hacer que los planes de la novia se vayan al carajo. Soberbios los tres, y los tres nominados, como tenia que ser. Pero atención a los secundarios, donde tengo que destacar a John Howard, "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty") metido en el traje de George Kittredge, el nuevo "novio" de Tracy y, Ruth Hussey, "Paso al noroeste" ("Northwest Passage") en el papel de Elizabeth Imbrie, una reportera gráfica compañera de Connor.

  Excelente la música del maestro alemán nacido en Alta Silesia,  Franz Waxman, "El crepúsculo de los dioses" ("Sunsent Boulevard"), un director de orquesta que no necesita presentación alguna con dos Oscars en sus vitrinas y doce nominaciones en su haber, y aquí saliéndose por todos los sitios con su banda sonora, y en donde incluye unas partituras que son todo una delicia para el sentido del oido del espectador, destascándo sobre todo: "Main Tittle" y "The True Love" a parte de una marcha nupcial del prusiano Erich Mendelsohn.

  Sobresaliente la fotografía en blanco y negro a cargo de Joseph Ruttenberg, "Misterio en el barco perdido" ("The Wreck of the Mary Deare"), otro maestro  de la cámara nacido en San Petesburgo, aunque como es de suponer nacionalizado norteamericano. Y en esta sensacional y divertida historia demostrando que los cuatro Oscars ganados no fueron de casualidad, puesto que el manejo de cámara aquí usado es toda una maravilla, combinando los fondos blancos con un inteso  brillo, y los negros en un claroscuro sensacional, increible la pericia que administra este hombre de origen ruso.

  Resumiendo, una obra maestra del género de comedia, con un trio de ases en estado de gracia, unos diálogos contundentes, un guión extraordinario y una dirección que es todo un prodigio. Una película que ya forma parte por derecho propio de los anales del mejor cine de todos los tiempos.   Matrícula de Honor.

  "Historias de Filadefia", logró dos Oscars en 1940: Mejor Actor (James Stewart) y Mejor Guión Adaptado (Donald Ogden Stewart). Y fue nominada en los siguientes apartados: Película, Director, Actriz (Katharine Hepburn) y Actriz Secundaria (Ruth Hussey).

  En 1956 Charles Walters dirigió un remake titulado "Alta sociedad" ("High Society") con Grace Kelly, Bing Crosby y Frank Sinatra, interpretado los respectivos papeles de Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. La verdad es que esta versión salió bastante buena, aunque sin estar a la altura de la original.

 

Himno de batalla (Battle Hymn-1957)

  "No tengas miedo. La tierra es un lugar tenebroso y lleno de malas pasiones. La gente se detesta mutuamente. Piensa que más allá hay una puerta. Cuando esa puerta se abre y nos es permitido entrar, abrimos los ojos a la verdadera luz. Eso es todo. Sólo hay un paso de las tinieblas a la luz..." (Coronel Dean Hess).

  Interesante película de género bélico y quizá una de las menos logradas de su director, pero no por ello deja de ser una buena historia como digo interesante.

  "Himno de batalla" está basada en la historia biográfica del autor del libro Dean Hess, que también asumió la asesoría personal de la filmación. Y cuenta con un guión del californiano Vincent B. Evans "Una llama en el espacio" ("Chain Lightning") un escritor muy poco conocido, pero con unos buenos comienzos en su carrera cinematográfica gracias a una estrecha amistad con el director William Wyler y por el aquel entonces actor Ronald Reagan. Y por el también californiano Charles Grayson "El bárbaro y la geisha" ("The Barbarian and the Geisha").

  La historia nos la cuenta Douglas Sirk "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"), un cineasta apodado "el rey del melodrama" nacido en Hamburgo y nacionalizado norteamericano, pero que al final de su carrera "americana" y achacando una enfermedad decidió regresar a su pais de nacimiento (Alemania) porque en Hollywood no se sentia agusto por culpa del maccarthysmo.

  La acción nos lleva a la guerra de Corea para meternos de lleno en la vida del coronel Dean Hess, un antiguo piloto de bombardero durante la Segunda Guerra Mundial, y en donde advierte que ha fracasado como pastor metodísta, después de unos años de dedicación a su ministerio. Su problema son los remordimientos por error, cuando pilotaba un bombardero, una bomba cayó sobre un orfanato alemán y mató a treinta y siete niños...

  Una buena película de género bélico- biográfico, si señor, y en donde el maestro del melodrama aqui metido en un conflicto de guerra y religioso a la vez, se pone detrás de la cámara para contarnos con ese tono dulzón que le caracterizaba esta historia basada en hechos reales. Una película que nos muestra los horrores de la guerra, aunque con un aire más humanitario que cualquier otra historia de este tipo, aunque cuenta como es de esperar con algunas escenas que llegan a impresionar, puesto que el director alemán consigue dotarlas de gran interés a base de intensidad cinematográfica.

  Muy bonita la fotografía destacando la perfecta utilización del Cinemascope creada por el excelente director fotográfico nacido en Los Angeles, Russell Metty "Sed de mal" ("Touch of Evil"), un hombre con cerca de medio centenar de obras en su haber, varias veces nominado, pero que con "Espartaco" ("Spartacus") logró por fin levantar la ansiada y deseada estatuilla. Y en este himno de guerra logrando fotografiar una estupendas imágenes a todo color y en donde cabe de destacar las escenas aéreas.

  Muy buena también la banda sonora a cargo del compositor y arreglísta nacido en Illinios y graduado en el Conservatorio de Música de Chicago, Frank Skinner "Capitán Newman" ("Captain Newman, M.D."). Y en donde la secuencia final con el "Glory-Glory-Alelujah" de la célebre abolicionísta y activísta norteamericana Julia Ward Howe es una apoteósis multinacional en la que la avalancha de niños hacia los aviones de salvamento y los soldados blancos y negros, parecen entonar aquello de que "no toda máquina de guerra sirve para la destrucción".

  Buen trabajo el de todos los actores, encabezado por el actor fetiche de Sirk, Rock Hudson "No me mandes flores" ("Send Me No Flowers") como Dean Hess, ese militar que ha llegado a la conclusión de que su misión apostólica ha sido todo un fracaso, ya que el hombre vive atormentado por los remordimientos que le ocasiona haber sido, durante la Segunda Guerra Mundial, piloto de un bombardero norteamericano. Seguido por la guapa y exquisita actriz , y aqui como su fiel y sumisa esposa Martha Hyer "La jauría humana" ("The Chase"). Después nos encontramos a un actor especializado en papeles de villano Dan Duryea "La mujer del cuadro" ("The Woman in the Window"), pero aquí haciendo todo lo contrario, metido en el uniforme del sargento Herman, un gran amigo y colaborador del coronel Hess. Y atención a Anna Kashfi "La montaña siniestra" ("The Mountain") en el papel de Soon Yang. Esta actriz muy poco conocida por cierto sector de público, ya que tuvo una breve carrera en Hollywood, pero que se hizo mundialmente famosa al contraer matrimonio con Marlon Brando.

  En defintiva, una entretenida película que cuenta con una construcción bastante sólida, un estupendo colorido y con momentos de suspense.  Notable.

  A modo de curiosidad Douglas Sirk y Rock Hudson trabajaron juntos en nueve ocasiones:

"Angeles sin brillo" ("The Tarnished Angles"-1957)

"Himno de batalla" ("Battle Hymn"-1957)

"Hoy como ayer" ("Naver Say Goodbye"-1956)

"Escrito sobre el viento" ("Written on the Wing"-1956)

"Orgullo de raza" ("Captain Lightfoot"-1955)

"Sólo el cielo lo sabe" ("All that Heaven Allows"-1955)

"Raza de violencia" ("Taza, Son of Cochise"-1954)

"Obsesión" ("Magnificent Obsession" - 1954)

"¿Alguién ha visto a mi chica?" ("Has Anybody Seen My Gal"-1952)

 

Hatari! (1962)

  Asi que ha estado bebiendo un poco, ¿no?.

No señora. He estado bebiendo mucho.

  Todo un clásico del género de aventuras y en donde los personajes se adueñan de la historia.

"Hatari!" que en lengua swahili quiere decir ¡Peligro! cuenta con un espléndido guión de la escritora norteamericana nacida en Los Angeles, Leigh Brackett "El imperio contraataca" ("The Empire Strikes Back"), una escritora muy vinculada a las novelas de ciencia-ficción y misterio, y una de las preferidas del maestro Howard Hawks, ya que a parte de esta película escribió los guiones de "El sueño eterno" ("The Big Sleep"), "Rio Bravo" y "El Dorado".

  La historia nos la relata, como digo más arriba, el maestro Howard Hawks "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Bussiness"), un cineasta que no necesita presentación alguna, nacido en Indiana con numerosas películas oscarizadas aunque, ironías de la Academia solamente tuvo una nominación y un Oscar honorífico en 1975.

  La acción nos traslada a las inmensas llanuras de Tanganika, y allí nos mete de lleno en las andanzas de varios cazadores de animales, pero no son cazadores normales, ya que las fieras las cazan vivas para venderlas a los zoos. Pero un buen dia hará que todo cambie en la vida de estos cazadores, al aparecer por allí una fotógrafa que pide unirse al grupo...la suerte está echada...

  Todo un clásico como muy bien he dicho, si señor, y posiblemente junto con "Mogambo" de John Ford la mejor película de safaris de la historia del cine, una película auténticamente hawskiana, divertidísima y deliciosa tanto en la risa como en la aventura, una película que viene como anillo al dedo a esa profesión siempre peligrosa y a veces mortal de los cazadores de animales vivos. Porque de verdad los 152 minutos de metraje de la película que se dice pronto, se pasan como un suspiro viendo esas escenas llenas todas de un gran dinamísmo.

  Soberbias escenas fotografiadas con la cámara de otro grande del cine y también californiano, me refiero a Russell Harlan "Matar un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird"), un veterano maestro fotográfico, cuyos comienzos fueron como actor de doblaje en el cine, para finalmente dedicarse a la toma de imágenes, donde así estuvo la friolera de treinta años consecutivos, teniendo en su haber seis nominaciones a los Oscar. Y en esta trepidante aventura africana mostrándonos sin truco alguno, unos maravillosos paisajes de Tanganika (la mayoría rodados en exteriores), uno de los cazaderos más abundantes de Africa. Magnífico Russell sacando el mayor partido a todo y a todos.

  Deliciosa y entrañable la música creada por el inagotable e incansable compositor norteamericano nacido en Cleveland, Henry Mancini "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"), un músico con influecias latinas, puesto que sus padres eran emigrantes italianos, y que siempre será recordado por la música que acompaña a esa pequeña "pantera rosa" (por la que recibió un Grammy) y por su colaboración en la mayoría de las películas de Blake Edwards. Y en esta vibrante cacería explorando musicalmente la sábana africana dotándola de ritmos cálidos y por supuesto sin alejarse en absoluto de su reconocible estilo. Atención a la partitura de los títulos de crédito "Baby Elephant walk", una de las melodías más populares surgidas de una película de la historia del cine.

  Sensacional el reparto multinacional de actores elegidos aquí por Howard Hawks. Con un soberbio John Wayne "Centauros del desierto" ("The Searchers") a la cabeza y en plena forma física, pero esta vez dejando el caballo para montarse en un todo-terreno y meterse en el gigantesco cuerpo de Sean Mercer, ese jefe de cazadores encargado de capturar a los animales para luego venderlos a los distintos zoos del mundo, todo lo hace de maravilla, hasta que de pronto aparece la italiana Elsa Martinelli "Hotel Internacional" ("The V.I.P.s") como Dallas" una fotógrafa italiana que es enviada por el zoológico de Basilea para hacer fotos de los animales, y detrás del "Duque" y de Elsa, y todos muy bien preparados podemos ver al alemán Hardy Kruger "Barry Lyndon", y al norteamericano y gracioso Red Buttons "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure"), y al mexicano Valentín de Vargas "Sed de mal" ("Touch of Evil") y a otro norteamericano y compañero de reparto de Wayne en muchas de sus películas, Bruce Cabot "Boinas verdes" ("The Green Berets") y sobre todo a la francesa Michéle Girardon "El signo de Leo" (Le Signe du Lion"), en el papel de Brandy Delacourt la dueña de la reserva de animales, que al final se enamora de...

  Extraordinario todo el elenco de actores mundiales, demostrándo su buen hacer al mismo tiempo que intentando hacernos de disfrutar de esas emocionantes escenas de caza de animales vivos, de momentos de amistad, de situaciones cómicas y cómo no, de algún romance que otro.

  En definitiva, una magnífica película de género de aventuras, rodada con precisión, con un guión repleto de frases e inteligentes diálogos, con una fotografía memorable, una música maravillosa. Y con unos actores impresionantes. Una película totalmente recomendable, con entretenimiento garantizado.  Matrícula de Honor.

  "Hatari!" estuvo nominada al Oscar en el apartado de Mejor fotografía en color.

  A modo de curiosidad Henry Mancini compuso la inolvidable pieza músical para el cachorro elefante. Este, adoptado por un zoo australiano, murió en noviembre de 2000.

 

 

El diario de Noa (The Notebook-2004)

                            Para Rocio

  "El mejor tipo de amor es aquel que despierta el alma y nos hace aspirar a más, nos enciende el corazón y nos trae paz a la mente. Eso es lo que tú me has dado y lo que yo esperaba darte siempre. Te quiero. Ya nos veremos".

                                Noa

                                         

  Una grata sospresa, si señor, una grata y encantadora sospresa, puesto que para mi, es una de las grandes historias de amor que ha dado el cine en los últimos años.

  "El diario de Noa" está basada en la novela de Nicholas Spaks "Mensaje en una botella" ("Message in a Bottle"), un escritor norteamericano nacido en Omaha y cuyas novelas han alcanzado un enorme éxito a nivel internacional. La mayoría tratando temas como por ejemplo: el amor, la religión, la tragedia y el destino. El guión corrió a cargo del mismo Nicholas y ayudado por Jan Sardi "Deseo compartido" ("Love’s Brother") y Jeremy Leven "La deccisión de Anne" ("My Sister’s Keeper"), el primero un exitoso guionísta nacido en Australia y nominado a un Oscar por "Shine", el segundo un productor, director y escritor nacido en Indiana, graduado en la Universidad de Harvard, y en donde allí fundó una sátira revista titulada "The Proposition" que funcionó durante diez años.

  La historia nos la cuenta Nick Cassavetes "Atrapada entre dos hombres" ("She’s so Lovely"), Nick es hijo de los actores John Cassavetes fallecido en 1989 y Gena Rowlands, y en donde nos lleva a una residencia de ancianos, donde un hombre lee a una mujer una historia de amor escrita en un viejo cuaderno de notas. Es un diario, el diario de Noa...

  Formidable película, si señor, una película que no digo sea una obra maestra (aunque poco le falta), pero que pasará  a la historia en el género del cine romántico, porque de verdad lejos de caer dentro de sensibelerías baratas y redundar el romanticísmo, Cassavetes aborda la historia con otros temas, tales como la constancia, la perseveración, la desigualdad social y la enfermedad, todo esto en el transcurso del tiempo, y que decir de sus diálogos, diálogos preciosos: "Dime lo que quieres que sea, y lo seré por ti" "Eres tonto" "Podría serlo". Contiene como es de esperar escenas maravillosas, la de la barca bajo la lluvia tiene una tensión sexual impresionante, que de por si ya vale por toda la película.

  Como impresionante es la banda sonora dirigida por Aaron Zigman "Déjate llevar" ("Take the Lead"), un compositor musical especializado en bandas sonoras para el cine, nacido en San Diego y ganador de un Premio Daytime Emmy, y en donde incluye un preludio de Frédéric Chopin, una sonata de Ludwing Beethoven, varios temas de baile de la década de los cuarenta, y algunas composiciones instrumentales muy intimístas. Estupendo Aaron Zigman, aqui en su segunda experiencia en la pantalla grande.

  Espléndida fotografía a todo color, dirigida por Robert Fraisse "Siete años en el Tibet" ("Seven Years in Tibet") un director de fotografía nacido en Paris y nominado al Oscar por "El amante" ("L’amant") y en esta gran historia de amor desarrollándo una narración visual tan emotiva como emocionante, creando unas imágenes de gran belleza, sobre todo en los atardeceres y en las noches, sensacional Fraisse demostrándo su buen hacer como gran maestro que es del cine francés.

  Excelentes las actuaciones tanto de los jovenes Ryan Gosling "Fracture", dando vida a Noa Calhoun ese noble trabajador que en un pequeño pueblo de Seabrook, un buen dia conoce a Rachel McAdadams "De boda en boda" ("Wedding Crashers"), que no es otra que Allie Hamilton, una joven de familia acomodada, y entre los dos surge un maravilloso romance, aunque los obstáculos están a la orden el dia, pero pasarán juntos un verano inolvidable, antes de ser separados, primero por sus orgullosos padres, después por la maldita guerra.

  Y los veteranos también tienen mucho que decir, él James Garner "La gran evasión" ("The Great Escape"), ella Gena Rowlands "La llave el mal" ("The Skeleton Key"), metidos en el cuerpo de Duke y Allie Calhoun respectivamente, pero todos sabemos que en realidad son Noa y Allie con muchos años más.

  En definitiva, una muy pero que muy bonita película de amor, bien escrita, bien narrada y muy bien interpretada. Una película que nos cuenta como la vida, suma dulzura y dolor, emoción y sacrificio, lirísmo y amargura.  Sobresaliente.

  Como anécdota curiosa en una entrevista que hicieron a Ryan Gosling, contó que durante el rodaje de la película tenía muchas ganas de darse un relajante baño turco, donde él creía que una chica le abanicaría mientras otra le metía uvas por la boca (se creia que era un Dios de la Antigua Grecia), pero lo que se encontró allí fue algo completamente diferente, un hombre grande y peludo que le lavaba con una pastilla de jabón. ¡Que cruel es la vida!.

 

 

 

La noche de los Oscars ( y 3 )

  Como broche de oro, y para ya rematar esta fantástica noche de los Oscars, un breve repaso para comentar de que manera James Cameron lograra hacer de "TITANIC" algo más, que una catástrofe.

                                   "¡Soy el rey del mundo!"

  Corría el año 1987, cuando el cineasta James Cameron vió en la televisión un documental sobre el hallazgo de los restos del Titanic, hundido en las aguas del Atlántico. El testimonio de los supervivientes le impresionó de tal forma que, enseguida, comenzó a pensar en la idea de hacer una película sobre la tragedia. No obsatante, hasta 1995 no se involucró de verdad en el proyecto. La idea de Cameron no era hacer una película más de catástrofes, sino un gran espectáculo. Su proyecto era tan ambicioso que el estudio Twentieh Century Fox decidió aliarse con Paramount para poder afrontarlo. A pesar de todo, por entonces nadie se imaginaba que "Titanic" iba a ser la producción más cara realizada hasta la fecha.

  James Cameron se encargó personalmente de escribir el guión, dando casi mayor protagonísmo a la historia de amor que viven los dos jóvenes en el barco que al terrible naufragio. A la hora de componer el reparto, se barajaron los nombres de numerosas jóvenes  estrellas, como Chirs O’Donnell "Límite vertical" ("Vertical Limit") o Gwyneth Paltrow "Shakespeare in Love", pero el director confió los principales papeles a dos actores no excesivamente conocidos hasta ese momento: Leonardo Di Caprio "Red de mentiras" ("Body of Lies") y Kate Winslet "Descubriendo nunca jamás" ("Finding Neverland"). En julio de 1996 comenzó el rodaje de la película, con un presupuesto de 150 millones de dólares, en los estudios Baja Fox de México, donde se construyó una réplica casi a escala real del famoso transatlántico. El trabajo fue largo, duro e intenso. A pesar de que Cameron consiguió mantener controlada la compleja producción, no pudo evitar que los gastos aumentasen. Los ejecutivos de los estudios no tardaron en ponerse nerviosos. Al problema del coste enseguida se añadió el de la fecha de estreno. Todo se había diseñado para que la película llegase a las salas el 2 de julio de 1997, y algunos retrasos ponían en peligro las previsiones. El realizador tuvo que soportar presiones de todo tipo. En marzo de 1997 finalizó el rodaje con los actores e, inmediatamente, comenzó a ocuparse de los efectos especiales, uno de los platos fuertes de la producción. Hasta 18 compañías especializadas trabajaron paralelamente para hacer posibles los 500 efectos que precisaba el largometraje. Por medio de la tecnología digital, James Cameron pudo hacer verdaderas diabluras, y no sólo en las espectaculares escenas del hundimiento del barco. Pero las peores pesadillas de los ejecutivos de Fox y Paramount se hicieron realidad: el coste se había disparado hasta aproximarse peligrosamente a los 300 millones de dólares y la película no estaba lista para estrenar en la fecha prevista. Durante algunos meses, algunas publicaciones especializadas se hicieron eco de lo que estaba ocurriendo con "Titanic", sugiriendo que tal vez estábamos ante el mayor "naufragio" de la historia del cine. Absolutamente seguro de su trabajo, Cameron aguardó en silencio hasta que la película pudo estrenarse finalmente en diciembre de 1997.

  Lejos de ser un fracaso, "Titanic" pasó en poco tiempo a ser una de las películas más vistas de la historia del cine. Arrasó en las taquillas de todo el mundo y se convirtió en un auténtico fenómeno. Leonardo Di Caprio pasó a ser la indiscutible nueva estrella de Hollywood y a James Cameron no hubo ya nadie que se atreviese a hacerle un reproche. Esta arrolladora y espectacular mezcla de cine romántico y catastrófico consiguió, además, nada menos que 11 premios de la Academia. incluyendo el de mejor película y director.

  "El corazón de una mujer es un profundo océano de secretos."