Un lugar en el sol (A Place in the Sun - 1951)

                          Angela / George

  George: Te amo, Te he amado desde el primer momento en que te vi. Incluso creo que te amaba antes de verte.

  Angela: Y me  preguntabas porque te había invitado esta noche. Te diré porqué. Yo también te amo y me asusta, pero es maravilloso.

  George: Maravilloso estando juntos, poder abrazarte, mirarte, estrecharte contra mi. Pero que sucederá la próxima semana, durante el verano. Te amaré muchísimo más y te irás.

  Magnífica película (aunque le falta un pelín para obra maestra) de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en la novela "Una tragedia humana" de Theodore Dreiser. Un novelísta nacido en Indiana. A los 15 años se trasladó a Chicago y asistió durante un año a la Universidad de Indiana, y más tarde comenzó a trabajar como reportero del Chicago Daily Globe. Su primera novela fue "Sister Carrie" ("Nuestra hermana Carrie"). Sus últimas novelas "El baluarte"-1946 y "El estoico"-1947, aparecieron postumamente ya que falleció en 1945.

  El guión fue escrito por Michael Wilson. Un guionista nacido en Oklahoma. Se graduó en la Universidad de Berkeley y a partir de 1941 comenzó a escribir guiones. Fue incluido en la lista negra del cine de Hollywood por ser comunísta, por lo que tuvo que emigrar a Europa hasta 1950 que volvió de nuevo a Estados Unidos. Fue nominado en varias ocasiones al Oscar, ganándolo en 1957 por "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"). Con Wilson colaboró en el guión Harry Brown. Un novelista nacido en Portland. Su primer trabajo fue con el documental "The True Glory"-1945, dirigido por Carol Reed y ese mismo año escribió "Un paseo bajo el sol" ("A Walk in the Sun"-1945) protagonizada por Dana Anrews. Su última novela llevada al cine (con un guión de Leigh Brackett) fue "El Dorado"-1966, interpretada por John Wayne y Robert Mitchum bajo la direción de Howard Hawks.

  "Un lugar en el sol" está dirigida por George Stevens. Un director nacido en California. Fue cinco veces candidato al Oscar como mejor director de las cuales lo ganó en dos ocasiones, y seis de sus películas fueron nominadas a la categoría de mejor película.

  Cada una de las películas de Stevens llevan su sello personal. Era un artesano con buen ojo para el detalle y capacidad de crear un mundo creible en la pantalla. En "Raices profundas" ("Shane"-1953), un clásico indiscutible, Alan Ladd da vida a un héroe carismático que encabeza a un grupo de pequeños ganaderos contra un despótico ranchero. Con una utilización épica de paisaje y una excelente interpretación de los actores, sigue siendo uno de los westerns más populares.

  Otro de los talentos de Stevens era su capacidad para sacar lo mejor de cada reparto consiguiendo que algunos de los mejores actores de Hollywood hicieran brillantes interpretaciones.

  Es posible que George Stevens desarrollara estas habilidades cuando empezaba a aprender el oficio: fue actor infantil antes de participar en películas como cámara, y empezó a dirigir  cortos de comedia a principio de los años treinta.

  Su primer gran éxito fue "Sueños de juventud" ("Alice Adams"-1935), una comedia basada en la novela de Booth Tarkington sobre las pretensiones sociales. Más adelante, Stevens demostró lo que podría hacer con un guión ingenioso y grandes actores. En "En alas de la danza" ("Swing  Time"-1936), dirigió a Fred Astaire y Ginger Rogers en la cúspide  de su fama. Luego realizó "Olivia" ("Quality Street"-1937), "Señorita en desgracia" ("A Damsel in Distress"-1937) y "Ardid femenino" ("Vivacious Lady"-1938).

  Durante la Segunda Guerra Mundial, George Stevens se unió al Cuerpo de Comunicaciones del Ejército de Estados Unidos, y firmó dramáticas escenas de guerra, como la liberación del campo de concentración de  Dachau. 

  Tras sus experiencias bélicas rodó "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951), una versión de la sombría novela de Theodore Dreiser con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift. Después realizó con James Dean "Gigante" "Giant"-1956) que le proporcionó el Oscar al mejor director. Los métodos de trabajo de Stevens, muy meticulosos, le impidieron hacer más películas. Tras "La historia más grande jamás contada" ("The Greatest Story Ever Told"-1965), una versión épica de los Evangelios, su prestigio entró en decadencia.

  La acción nos lleva hasta un tramo próximo a Chicago de una novísima autopista que enlaza la ciudad con las vias que llevan al Medio Oeste, una localidad indeterminada del Medio Oeste, Kansas City y Warsaw City y alrededores, entre marzo y septiembre de 1950 o 1951. Alli nos encontramos a un joven solitario, de familia humilde llamado George Eastman. Este abandonó la casa paterna hace tiempo, después de la muerte de su padre. Se crió en un severo ambiente religioso, dada la condición de sus padres trabajadores asalariados de la Bethel Independent Mission (Kansas City). Dejó Chicago y comenzó a trabajar como subalterno en un hotel, para después dirigirse al Medio Oeste. Alli espera que su tio Charles Eastman, próspero fabricante de trajes de baño, le dé un buen trabajo. George es  ingenuo, ambicioso, débil de carácter y carece de cualidades de lider. Es atractivo, apuesto y amable. Conoce a Alice Tripp y comienza una relación con ella, Alice es compañera de trabajo, y también conoce a Angela Wickers de 18 años esta es de familia adinerada...

  La película pues, suma romance, thriller y análisis social. Desarrolla una intensa y trágica historia de amor, que focaliza la atención en la exploración de los aspectos psicológicos de los personajes, sus sentimientos, tensiones, deseos, ambiciones, frustraciones y conflictos. Reclama a los actores y actrices que presten gran atención a la expresión corporal. Se sirve de primeros planos de rostro completo para crear en el espectador sentimientos de proximidad a los protagonístas y de participación en la intimidad de los mismos.

  La acción se mueve entre dos mundos visualmente diferentes. El de Alice es oscuro, húmedo, lluvioso, solitario, frio y está amenazado por la posibilidad de una intromisión perturbadora de la Sra. Roberts. El de Angela es luminoso, soleado, amplio, tranquilo, confortable y acogedor. El primero representa el universo de la clase trabajadora, explotada, pobre y oprimida, mientras el segundo representa la opulencia, la prosperidad, el poder y el bienestar. Pasar de un mundo a otro es practicamente imposible. Quienes lo intenten corren riesgos elevados.

  Stevens presenta a partir de la mitad de la película augurios cada vez más claros y frecuentes de la muerte. En los diálogos se alude a ella, los claroscuros y las sombras evocan y se añaden representaciones explícitas de la misma, con el cuadro que reproduce la imágen shakesperiana de Ofelia, muerta en el lago y medio cubierta por las aguas heladas del mismo. Pese a la intensidad del drama, su desarrollo se presenta de manera contenida y mesurada, sin perjudicar sus efectos dolorosos y desoladores.

  Algunas escenas de la película se encuentran entre las más conmovedoras que ha producido el cine. Junto a "Raices profundas" (Shane"-1953) y "Gigante" ("Giant"-1956) conforman los que algunos han venido a llamar la "triología de la familia" de George Stevens.

  La película habla de las diferencias de clase, la discriminación social, la búsqueda del bienestar y la felicidad, la amistad y el amor, la fragilidad de los sueños, la dureza de la soledad, la dificultad de separar las interpretaciones correctas y erróneas de los hechos, la hipocresía, la doble vida, etc. Asocia la religión a la ignorancia, la falta de formación del joven protagonísta y a visiones distorsionadas e ingenuas de la realidad. Condena la pena de muerte.

  La banda sonora estuvo dirigida por Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (pero nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es mundialmente conocido principalmente por sus trabajos para el género musical. Fue el compositor de peliculas muy emblemáticas tales como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959 y "La canción de Theresienstadt" durante la Segunda Guerra Mundial. Waxman también fundó el Festival de Música de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos, como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aqui ofreciéndonos una partitura memorable, que contiene un tema extraordinario de amor. Añade como música adaptada un fragmento instrumental de la canción "Mona Lisa" de Livigstone y Evans.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de William C. Mellor. Un director de fotografía nacido en Misouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con Geroge Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place inthe Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of nne Frank"-1959) donde lograría sendo Oscar y con William Wellman en "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, incluido "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y varios musicales de la MGM.

  Y aqui componiendo una visualidad propia del cine negro clásico, con claroscuros constrastados, sombras densas y encuadres desquilibrados. Constrastan con ella las luces dispersas y los blancos abundantes que rodean a Angela en su mundo de ensueño e irrealidad. La película se rodó en escenarios naturales de Echo Lake, Lake Tahoe y Cascada Lake (California). Y los interiores en los platós de los estudios Paramout Picture (Hollywood).

  Sobresaliente el trio protagonista: Montgomery Clift, "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity""-1953), como George Eastman; Elizabeth Taylor, "Una mujer marcada" "Butterfield 8"-1960), como Angela Vickers; y Shelley Winters, "La noche del cazador" (The Night of the Hunter"-1955), como Alice Tripp.

  Y con ellos: Anne Revere, "La barrera invisible" ("Gentleman’s Agreement"-1947), como Hannah Eastman; Keefe Braselle, "Venga tu sonrisa" ("Bring  Your Smile Along"-1955), como Earl Eastman. Y atención a Raymond Burr, "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954), aunque la mayoría le conocerán por ser el protagonísta de la famosa serie de televisión, "Ironside"-1967, y aqui en el papel del fiscal Frank Marlowe.

  En definitiva: Todo un clásico con mayúsculas. Y uno de los amores imposibles de la historia del cine. Sobresaliente.

  "Un lugar en el sol" logró 6 Oscar en 1951: Director, Guión (Michael Wilson y Harry Brown), Banda sonora (Frank Waxman), Fotografía en blanco y negro (William Melllor), Vestuario en blanco y negro (Edith Head) y Montaje (William Hornbeck).

  Como curiosidad: la película fue estrenada en plena histeria de la "caza de brujas" y los nombres de la actriz Anne Revere y del guionista Michael Wilson fueron añadidos a la lista negra.

Eva al desnudo (All About Eve- 1950)

                  Eva / Addison

  Addison: Que yo te quiera se me antoja ahora como algo inverosímil, pero quizá sea esa precisamente la razón. Eres una persona inverosímil, Eva. Y yo también, eso tenemos en común; junto con el desprecio por la humanidad, incapacidad para amar y ser amados e insaciable ambición y talento. Nos merecemos el uno al otro. ¿Estás escuchándome? Pues contesta.

  Eva: si, Addison.

  Addison: ¿Y te das cuenta y estás conforme en lo que eres solamente mia?

  Si, Addison.

  Addison: Entonces a dormir, y buena suerte esta noche.

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense basada en el relato "The Wisdom Of Eve" (1946), de Mary Orr. Una escritora nacida en Nueva York. Estudió en la Universidad de Syraccuse y en la Academia Estadounidense de Arte Dramático de Manhattan. Su novela más exitosa fue precisamente "All About Eve" que se publicó ese mismo año en la revista "Cosmopolitan". Y en 1951 esa misma revista publicó una secuela titulada "Más sobre Eva".

  El guión fue escrito por el mismo directpr de la película es decir por Joseph L. Mankiewicz. Un cineasta nacido en Pensilvania. Antes de dirigir pasó mas de quince años trabajando como guionísta y productor en Hollywood, donde escribió muchas de las películas más destacadas de los años 30 y,  produjo para diversos directores, como George Cukor en "Historias de Filadelfia" (The Philadelphia Story"-1940). Su primer intento como director fue con "El castillo de Dragonwyck" ("Dragonwyck"-1946), una película demasiado efectísta, lastrada también por un mal reparto y unas interpretaciones mediocres.

  la primera gran película de Mankiewicz fue "Cartas a tres esposas" ("A Lefter the Three Wives"-1949) que desarrolló a partir de un relato que encontró en una revista femenina sobre una mujer fatal soltera que roba el marido a una de sus tres mejores amigas. La película trasciende con creces el tema y deslumbra con observaciones perspicaces sobre las clases sociales.

  Sus personajes, elaborados con gran detalle, cobran vida con un diálogo cortante bajo la experta dirección de Mankiewicz. La pelicula también proporciona algunas interesantes reflexiones sobre el desarrollo de la cultura de masas, los trastornos que provoca la guerra, la cultura constante y el feminísmo. El resto de su producción es notablemente variada, con una serie de películas instruidas y atractivas, aunque destaquen desde el punto de vista visual. Mankiewicz alcanzó fama por supervisar las últimas etapas de uno de los desastres más notables de Hollywood "Cleopatra"-1963, donde demostró que no era un maestro del espectáculo a gran escala.

  El medio en que mejor se desenvolvía era la comedia de costumbres ingeniosa, un género que dominó como nadie "Carta a tres esposas" es sin duda una obra de arte pero, "Eva al desnudo" ("All About Eve"-1950) no tiene rival. Este drama entre bastidores ofrece una reflexión oscura y pesimísta sobre la farsa y la celebridad y sobre las maneras de conseguirlas.

  Aunque había más de Broadway que de Hollywood, la película parece un comentario algo perverso sobre la industria a la que estaba unido Mankiewicz, un intelectual educado por la Ivy League. Posiblemente se muestra resentido con el cine comercial y su obsesión con las estrellas, guionístas y directores.

  La acción pues, tiene lugar en Nueva York y su presente narrativo se situa en 1949-50. Entre presente y pasado recoge observaciones de unos tres años. La joven Eva Harrington, admiradora de la veterana actriz de teatro Margo  Channing, es presentada por su amiga Karen, esposa del dramaturgo Lloyd Richards. Eva pronto se gana la confianza de Margo, lo que le permite relacionarse con el critico teatral Addison DeWitte, el director de escena Bill Simpson y la asistenta Birdie. Margo, de 40 años, actriz veterana, enamorada de su trabajo, gran profesional, es caprichosa, envidiosa y dominante. Eva, que es joven, ambiciosa, falsa y manipuladora, oculta un pasado oscuro. Addison es vanidoso, cinico y carece de escrúpulos. Bill, casado con Margo, es el "alter ego" del realizador. Se insinúa la homosexualidad de Eva y Addison.

  La película combina drama y sátira social. La trama se focaliza en investigar y descubrir toda la verdad sobre Eva. La narración se pone en boca de Karen, Margo y, sobre todo, Addison. Los recuerdos y punto de vista cada uno de ellos se presentan a través de un hábil juego de siete flashbacks, característico del método de trabajo de Mankiewicz.

  El guión es incisivo, sútil y brillante. Incorpora muchos diálogos, como le gusta al director, que los presenta bien construidos, condensados y desarrollados con fluidez y sentido del humor. Los caracteres están bien definidos y hábilmente matizados. La puesta en escena es elegante, atractiva y eficaz.

  Explora temas esencialmente humanos como la ambición, el amor, la amistad, los celos, la hipocresia, el cinísmo, la deslealtad, la infidelidad, la traición. Estudia los efectos que ejercen sobre las personas el paso del tiempo y la edad. Analiza con seriedad y rigor, los mecanismos del éxito en el teatro, en el cine de Hollywood (abundan las referencias veladas a la meca del cine), en el mundo y en la historia.

  Potencia la tensión mostrando la acción (lo que se dice, se hace...) y la correspondiente reacción (lo que se piensa, se cree, se acepta...). Este recurso se hace particularmente patente en la secuencia de la entrega del premio Sarah Siddons: mientras el presentador habla de las virtudes y méritos de Eva Harrington, se intercalan planos con los rostros incrédulos y renuentes de sus amigos (Margo, Karen, Addison). La secuencia central de la película es, posiblemente, la de la fiesta de cumpleaños de Bill, donde Margo estalla emocionalmente, presa de ira y celos.

  La película constituye un homenaje al teatro y al cine, por su argumento y por los numerosos detalles que al mismo dedica Mankiewicz: referencias, indicaciones, alusiones, etc. . La decoración y el vestuario evocan el teatro.

  La banda sonora corrió a cargo de Alfred Newman. Un compositor nacido en Connecticut. Y uno de los más importantes de la historia de este arte en Estados Unidos. Consiguió durante toda su carrera 45 nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvon el premio en cuatro ocasiones:en 1940 fue nominado por cuatro películas al mismo premio. Su colaboración con John Ford como con otros directores fue muy fructífea. Estas fueron sus cuatro pelìculas ganadoras del Oscar: "La banda de Alexander" ("Alexander’s Ragtime Band"-1938), "Tin Pan Alley"-1940, "La canción de Bernardette" ("The Song of Bernardette"-1943) y "Llámame Señora" ("Call Me Madam"-1953).

  Y aqui aportando una partitura de 23 cortes originales, de melodias intimístas y una fanfarria dedicada al teatro. La fiesta de cumpleaños incorpora piezas melancólicas, reflejo del estado de ánimo de Margo. Añade dos composiciones ajenas: "Sueño de amor" 1 y 2 de Listz y "Beau Soir", de Debussy.

  De la fotografía en blanco y negro se hizo cargo Milton Krasher. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en 1930 y en 1950 fue contratado por la 20th Century Fox donde estuvo practicamente hasta su retirada en 1976. Entre sus casi 100 trabajos para el cine solamente ganó un Oscar y fue con "Creemos en el amor" ("Three Coins in the Fountain"-1954), una de las primeras películas rodadas en Cinemascope.

  Y aquí ofreciéndonos una narración realista, equilibrada y clasicísta, de magnífica composición y excelente dibujo, ajena a los modos expresionístas. La película se rodó en escenarios naturales de Manhattan, San Francisco y Connectuicut, y en los platós de la 20th Century Fox en Los Angeles.

  Extraordinario el reparto de actores encabezado por una soberbia Bette Davis, "La loba" ("The Little Foxes"-1941) metida en el cuerpo de Margo Channing. Y seguida muy de cerca por la bellísima Anne Baxter, "Yo confieso" ("I Confess"-1953), como Eva Harrington; George Sanders, "Rebeca" ("Rebecca"-1940), como Addison DeWitt; Celeste Holm, "Alta sociedad" ("High Society"-1956), como Karen Richards; Gary Merrill, "Al borde del peligro" ("Where the Sidewalk Ends"-1950), como Bill Simpson; Thelma Ritter, "El hombre de Alcatraz" ("Birdman of Alcatraz"-1962), como Birdie Coonan. Y atención aunque en un breve papel a una jovencísima Marilyn Monroe, "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y aqui como Miss Casswell...

  En definitiva: Una obra maestra sobre el mundo del teatro de Broadway. Y una de las mejores películas de la historia del cine.  Matricula de Honor.

  "Eva al desnudo"  logró 6 Oscar en 1950: Película, Director, Actor secundario (George Sanders), Guión (Joseph L. Mankiewicz), Sonido (Thomas T. Moulton) y vestuario en blanco y negro (Edith Head y Charles Le Maire).

Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love and a Time to Die - 1958)

     En recuerdo de:  John Gavin

  "Vivimos en un mundo donde nos escondemos para hacer el amor..."Pero la violencia es practicada a plena luz del dia".

  Obra maestra de género bélico con drama y romance incluido y de nacionalidad estadounidense, basada de una novela de Erich Maria Remarque. Un escritor alemán nacido en Osnabrück. Participó en la Primera Guerra Mundial, hecho en el cual se inspiró para escribir su máxima obra literaria "Sin novedad en el frente" (1929), historia en la que describe con implacable claridad y cálida compasión el sufrimiento provocado por dicha guerra.

  En 1932, abandonó Alemania y se instaló en un principio en el cantón del Tesino (Suiza). En 1939 emigró a los Estados Unidos, junto con su primera esposa Ilse Jutta Zambona, con la que se casó y divorció dos veces. Ambos se nacionalizaron estadounidenses en 1947. Al año siguiente regresó a Europa. En 1958 se casó con la actriz Paulette Godard y permaneció casado hasta su muerte en 1970.

  A Erich Maria Remarque se le considera como uno de los más famosos enemigos del nazismo. En 1933, muchas de sus obras fueron destruidas durante las quemas públicas de libros que llevaron a cabo los nazis en Alemania entre el 10 de mayo y el 21 de junio.

  Estas fueron sus novelas llevadas al cine: "Sin novedad en el frente" ("All Quiel on the Western Front"-1930), "Tres camaradas" ("Three Comrades"-1938) y "Tiempo de amar, tiempo de morir" ("A Time to Love and Time to Die"-1958). En 1979 se hizo otra versión de "Sin novedad en el frente" para la Televisión dirigida por Delbert Mann.

  Del guión se hizo cargo Orin Jannings. Un guionísta nacido en Nueva York y dada su prematura muerte solamente cuenta en su historial guiones para seis películas. La primera en 1949 titulada "Mr. Soft Touch" protagonizada por Glenn Ford, y la última "The Gene Krupa Story"-1959) con Sal Mineo en el papel del legendario bateria de jazz Gene Krupa.

  "Tiempo de amar, tiempo de morir" está dirigida por Douglas Sirk. Un director nacido en Hamburgo (Alemania), pero nacionalizado estadounidense.

  Hijo de padres daneses, Douglas Sirk empezó como director teatral. Dirigió su primera película alemana "Zwei Genis"-1934, y durante algún tiempo trabajó en la industria cinematográfica nazi. Pero su segunda esposa era judia y la pareja abandonó Alemania para trasladarse a Hollywood. Tras cambiar su nombre por Douglas Sirk (su verdadero nombre era Hans Detlef Sierck), dirigió su primera película en Estados Unidos "El verdugo de Hitler ("Hitler’s Madman"-1943), un drama sobre el asesinato del lider nazi Reinhard Heydrich en Checoslovaquia.

  Con todas las películas que Douglas Sirk realizó en Hollywood durante esta primera época fueron piezas de género ligeras. En "Su gran deseo" ("All I Desiré"-1953), se puede detectar un indicio de su cine posterior. Se trata  de un melodrama en el que Barbara Stanwyck agita las aguas de un pueblecito que dejó diez años atrás al regresar a él.  Sirk triunfó con "Obsesión" ("Magnificent Obsesion"-1954), un drama en el que la conducta iresponsable de un plaboy malcriado (Rock Hudson) provoca la muerte de un hombre mejor que él. Arrepentido busca la solución en las buenas acciones y se enamora de la viuda del muerto (Jane Wiman). Este emparejamiento estelar se repitió en "Solo el cielo lo sabe" ("All that Heaven Allows"-1955), donde Wyman interpreta a una viuda que inicia un idilio con un joven jardinero a pesar de la oposición de la familia.

  La obra maestra de Douglas Sirk "Escrito sobre el viento" ("Written on the Wind"-1956), donde los neuróticos hijos de un rico petrolero enredan a un amigo de la infancia, interpretado por Rock Hudson, en sus embrollos sentimentales. Su última película en Hollywood, "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959), fue un gran éxito comercial y una demostración de su capacidad para convertir un material de serial radiofónico en cine sutilmente elaborado, Lana Turner hace amistad con una mujer afroamericana y su hija, dándoles trabajo como sirvientas. Pero se desata la tragedia cuando la hija empieza a hacerse pasar por blanca.

  Las películas de Douglas Sirk fueron elogiadas por los jovenes e iconoclastas criticos franceses de "Cahiers du Cinema", y su cine fue ganando relevancia con el tiempo; por ejemplo, se puede apreciar su influencia en la obra del director alemán Rainer Warner Fassbinder.

  Asi pues,  y aqui en su penúltima película, Douglas Sirk nos lleva hasta el comienzo de la primavera de 1944 en el frente ruso de Alemania (sin mayores especificaciones) y en la pequeña ciudad de Werden (Renania del Norte), durante algo más de un mes, con especial referencia a los 21 dias de permiso del soldado Ernst Graeber. Este se reecuentra inesperadamente con Elizabeth, hija única de 20 años, del médico de cabecera de su familia, el Dr. Kause. En Werden, Ernst se relaciona con su antiguo condiscípulo Oscar Binding, con su antiguo maestro el profesor Polhmann y con los militares de la enfermeria Hermann, Boetcher, Reuter y otros. Ernst tiene 24 años, lleva algo más de dos años sin visitar Werden y es honesto, sincero, susceptible y algo ingenuo. En el frente su mejor amigo es Immerman. Elizabeth es de carácter fuerte, tiene gran sentido de la dignidad y del amor propio, trabaja en una planta de confección de capotes militares, se encuentra sola y vive preocupada por su padre, deportado a un campo de concentración y condenado a trabajos forzados por haber manifestado que pensaba que Alemania no podía ganar la guerra...

  La película suma drama, romance y guerra. Desarrolla una narración realista, que se apoya en el uso de contrastes y antitésis (amor/odio, muerte / primavera, horror / ternura...), en un estilo fluido y ligero, con unos diálogos naturales (alejados de la farragosidad de la novela) y una portentosa visualidad. Crea una atmósfera trágica que con variación de matices informa todo el metraje. El espacio en el que tirne lugar la acción principal se presenta derruido por las bombas, convertido en formas fantasmagóricas, distorsionadas y fragmentadas por lo que transforman en un lugar de congoja y pesadillas.

  Douglas Sirk incorpora a esta historia numerosos signos de la muerte. Practicamente toda la ciudad de muerte. Lo hace por medio de elementos anteriores a la guerra (caballo disecado), amenazas ciertas (Gestapo), personas ocultas en lugares inhóspitos, dibujos en las paredes del refugio (bombas que caen sobre personas indefensas), ceremonias fúnebres (comitiva de entierro), sonido y efectos de los bombardeos (traje en llamas de una mujer) etc.

  La presencia singular de la muerte se convierte en un fenómeno masivo en la casa del comisario político del lugar, cuyas paredes muestran los bustos disecados de multitud de gamos, cornamentas de ciervos sacrificados y escopetas de caza.

  La película compone un magnifico recital de imágenes, planos y sugerencias visuales, que constituyen uno de sus principales valores. No son composiciones caprichosas, ni ocurrencias gratuitas, ni artifices innecesarios. Ponen de manifiesto parte de una realidad que no se expresan bien solo con palabras e imágenes. La descripción de la barbarie de una guerra se ha de hacer con imágenes, palabras, sonidos inusuales (como el roce de un alambre sobre las cuerdas de un piano roto) y la puesta en tensión de la invitación y la imaginación del espectador. Lo imaginable, lo inconcebible de una guerra se ha de explicar con la metodología que el director despliega en la película.

  Es magnífico el juego de imágenes, planos y sonidos con los que se describe lo que fue la casa de los padres de Ernst y la infancia feliz del niño. Magnífica también la descripción elíptica, emotiva y desgarrada de las escenas de la estación del tren. Combinan los vidrios rotos de la cristalera, las formas cortantes y agresivas de sus restos y la cruz que dibujan los listones que los sostienen. En una de ellas la cruz se superpone a la que guarda el descanso de un soldado en combate. Algunos objetos fisicos (caja de puros) y algunas referencias gráficas (lobos que se alimentan de despojos humanos) hielan el alma. 

  La seriedad y el rigor del tema no impiden la presencia del humor envuelto siempre en objetivaciones grotescas, como el peso (90 kg) de Alma Boettcher, la fijación fetichísta por las mujeres muy gordas, las referencias a cocodrilos y los relatos autobiográficos de Reuter, siempre sin final.

  La banda sonora corrió a cargo de Miklós Rózsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria) y muy especializado en películas de corte histórico. Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño un gran éxito con sus conciertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Alli, el compositor Marcel Dupré le aconsejó mudarse a Paris, cosa que hizo en 1932. En 1934, su amigo el compositor Arthur Honneger, lo introduzco en la musica cinematográfica. Se trasladó a Londres para perfeccionar su arte y alli, su amigo y compatriota Alexander Korda lo llevó a Hollywood para participar en la música de la película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940). Permaneció en California por el resto de su vida, aportando música a más de 100 películas.

  Fue candidato al Oscar en 16 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1960.

  Y aqui sumando lirismo y un fuerte dramatismo, describiendo con emoción la fatiga y la desmoralización de la tropa en "La marcha", la intensidad del amor en "Their last Night" y la patética melancolía en "A Time to Die". Añade además una canción, "A Time to Love", que en el restaurante "El Germania" canta una vocalísta no acreditada.

  La fotografia en color y formato Cinemascope (creo que es la única pelicula de Sirk en este formato), corrió a cargo de Russell Metty. Un director de fotografía nacido en Los Angeles. Un musico que compuso muchas de las grandes bandas sonoras salidas de Hollywood en las décadas de 1940, 1950 y 1960. En 1961 obtuvo el Oscar a la mejor fotografía por "Espartaco". Entre las 150 películas en las que trabajó son especialmente recordadas: "Escrito sobre el viento" ("Written on the Wind"-1956); "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958), "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959); "Vidas rebeldes" (The Misfits"-1961) y "Sierra prohibida" ("The Appaloosa"-1966).

  Y aqui, creando combinaciones de planos que aúnan brevedad, dinamismo, profundidad emocional y fuerza descriptiva.  La película se rodó en escenarios naturales de Atelier Spandau (Berlin) y en las proximidades de dicha ciudad, y los interiores en los estudios Universal de Los Angeles.

  Extraordinario y en su primer papel como protagonísta John Gavin, "Psicosis" ("Psycho"-1960), dando vida a Ernst Graeber, un soldado alemán que combate en el frente ruso y, que obtiene un permiso  para volver a Alemania. Y junto a él Liselotte Pulver, "Uno, dos, tres" ("One, Two, Three"-1961), como Elizabeth Kruse, una joven alemana con la que Ernst inicia un bello romance.

  Con ellos, Keenan Wynn, "El oro de McKenna" ("MacKenna’s Gold"-1969), como Reuter; Jock Mahoney, "Un dia de furia" ("A Day of Fury"-1956), como Immerman; Don DeFore, "Demasiado tarde para lágrimas" ("Too Late for Tears"-1949), como Hermann  Boettecher. Y en breves papeles nos encontramos a Klaus Kinski, "Fitzcarraldo"-1982, como un teniente de la Gestapo y a un jovencísimo Jim Hutton, "Boinas verdes" ("The Green Berets"-1968), como el soldado Hirschland.

  En definitiva: Una obra maestra de su género. Una película humana y tan real como la vida misma. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

  "Tiempo de amar, tiempo de morir" estuvo nominada al Oscar al Mejor sonido.

 

  Como curiosidad: El escritor de la novela Erich Maria Remarque tiene un breve pero importante papel en esta película concretamente el del profesor Polhmann.

Hasta siempre!!!

                      John Gavin

                 Actor y Diplomático

  El dia 9 de febrero de 2018 (perdón por el retraso), falleció a la edad de 86 años el actor y dipolmático estadounidense John Gavin.

  Nacido en una familia adinerada con ascendencia mexicana por parte de madre (Delia Diana Pablos) e irlandesa por parte de padre (Herold Ray Goldenor), realizó sus estudios en la Universidad de Stanford, en donde se graduó con una especialización en historia económica de Latinoamérica. Tras finalizar sus estudios, ingresó en el Ejército, donde fué asignado al área de inteligencia de la Armada de Estados Unidos y sirvió tres años como oficial en la Guerra de Corea, a bordo del portaaviones USS Princenton (CV-37).

  Tras cumplir el servicio militar y con la mente de convertirse en dipolmático luego de estudiar leyes, se ofreció para un puesto técnico en una película sobre la Armada, pero el director lo rechazó y lo incentivó a dedicarse a la actuación.

  Sin estar del todo convencido, firmó su primer contrato con la Universal Pictures (puramente para experimentar) y con la intención de probar carrera como actor (por un año solamente). Luego dijo que aunque sus ideas iban para un lado completamente distinto en ese momento Hollywood "le abrió los ojos".

  La Universal apostó fuerte por él  y le dió el papel protagonísta en una de las películas más vistosas que había producido por aquel entonces el estudio "Tiempo de amar, tiempo de morir" ("A Time to Love and Time to Die"-1958), por la cual ganó el Globo de Oro a la nueva estrella del año. Posteriormente formó parte de "Imitación a la vida" ("Imitation of Life"-1959, "Psicosis" ("Psycho"-1960) de Alfred Hitchcock, la película histórica "Espartaco" ("Spartacus"-1960) en la que interpretaba a Julio César, "La calle de atrás" ("Back Street"-1961), junto a Susah Hayward y el musical "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967). A su vez participó en series televisivas protagonizando la serie "Destry"-1964.

  Durante los setenta realizó giras teatrales participando en los musicales "The Fantastickc" y "Seesam", el cual tambien protagonizó en Broadway. En 1971 fue electo presidente del Sindicato de Actores de Cine, cargo que ocupó hasta 1973 cuando fue derrotado en la reelección por Dennis Weaver.

  En el área diplomática, en 1961, fue nombrado asesor especial del secretario general de la OEA (Organización de los Estados Americanos). En 1981, abandonó la producción de un musical en Broadway antes de comenzar los ensayos al ser designado por el presidente Ronald Reagan embajador de Estados Unidos en México. Durante su gestión hubo momentos muy tensos en las relaciones entre ambos paises y parte de la prensa mexicana lo acusaba de ser "inservible a México y su pueblo". Finalmente, Gavin renunció en abril de 1986.

  Se casó con la actriz Cicely Evans en 1957, con quien tuvo dos hijas y se divorció en 1965. En 1974, contrajo matrimonio con Constance Towers, quien tenía dos hijos de su anterior matrimonio.

  John Anthony Golenor (John Gavin) - 8 - abril - 1931 - Los Angeles (Estados Unidos) - 9 - febrero - 2018 - Beverly Hills, California (Estados Unidos).

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

Pasajero 57 (Passanger 57 - 1992)

  El es un policia mal hablado, mal encarado y con malos modos...

  Entretenida, sin más, película de género de acción y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de Stewart Raffill y Dan Gordon. El primero, un guionísta y director nacido en Inglaterra. Comenzó en la industria del cine como supervisor y finalmente como dueño de su propia compañía, y en donde alquilaba animales para sus películas y programas de televisión tales como: "El león" ("The Lion"-1962), "El teniente Robinson" ("L. t. Robinson Crusoe, U.S.N."-1967) y como director hizo su debut con "El tierno guerrero" ("The Tunder Warrior"-1971).

  En cuanto a Dan Gordon, otro escritor y guionista nacido en Estados Unidos, concretamente en California. Como guionísta ha escrito películas como por ejemplo: "Wyatt Earp"-1994 y "Huracán Carter" ("The Hurrican"-1999), entre otras. Es co-fundador del Instituto Zaki Gordon (761), una escuela de cine en Sedona (Arizona) y también es  miembro del Gremio de Directores de América desde 1985.

  Del guión se hicieron cargo el propio Gordon y ayudado por David Loughery. Un guionísta nacido en Chicago. Con una veintena de películas en su haber, ha sabido ponerse a la altura de los mejores guionístas de Hollywood con películas como: "Star Trek V: La última frontera" ("Star Trek V: The Final Frontier"-1989), "Los tres mosqueteros" ("The Three Musketeers"-1993) y "Asalto al tren del dinero" ("Money Train"-1995).

  "Pasajero 57" está dirigida por Kevin Hooks. Un actor y director nacido en Filadelfia. Con 10 años, Kevin protagonizó el aclamado "J T "-1969 en el episodio titulado "Chldren’s Hour". Más tarde apareció en  la exitosa serie "Sounder"-1972. También interpretó para la televisión al jugador de baloncesto Morris Thorpe en "The White Shadows" que se emitió entre 1978 y 1981, y en 1986 protagonizó la comedia para la cadena ABC "Afterschool Specials". Para el cine como director cabe destacar películas como "Fugitivos encadenados" ("Fled"-1996) y "Black Dog"-1998.

  La acción pues, nos lleva hasta un tal Charles Rane que está considerado uno de los más peligrosos terrorístas del mundo, y va custodiado por agentes federados. Rane es trasladado a Los Angeles en avión para ser juzgado por los crimenes cometidos. A pesar de las medidas de seguridad, Rane consigue liberarse y se hace con el mando del avión, pero no cuenta que en el mismo avión, sentado en el asiento número 57, viaja John Cutter, un especialísta en lucha antiterrorísta...

  Tipica y tópica película de acción a mayor gloria de su protagonista, y en donde no cabe exigir otra cosa que no sea el puro entretenimiento. Contiene algunas buenas escenas de acción, para que en resumidas cuentas no llegue uno a aburrirse, hay que decir que algunas de ellas están muy bien logradas.

  Buena fotografía en color llevada a cargo de Mark Irwin. Un director de fotografía nacido en Toronto (Canadá). Estudió ciencias políticas en la Universidad de Waterloo y cinematografía en la Universidad de York. Es ampliamente conocido por sus primeras colaboraciones con David Cronenberg en películas como: "Tensión en el circulo" ("Fast Company"-1979), "Scanners"-1981, "Videorama"-1983, "La zona muerta" ("The Dead Zone"-1983) y "La mosca" ("The Fly"-1986).También ha sido colaborador habitual para varios directores tales como: Wes Crawen, Todd Philips y los hermanos Farrelly. Ha trabajado principalmente en los géneros de cine de terror y comedia. Ha recibido hasta la fecha cuatro veces el Premio CSG a la mejor fotografía y una nominación al Premio Genie.

  Y en esta entretenida historia (aunque nada del otro mundo), mostrando una buena fotografía en color, y con algunas buenas escenas de acción y algo también de humor, aunque hay que decir que con el paso del tiempo ha perdido algo de dinamísmo, pero en mi opinión te da lo que le pides, entretenimiento sin más.

  La banda sonora corrió a cargo de Stanley Clarke. Un compositor nacido en Filadelfia. Asistió a la Academia Musical de su ciudad natal y más tarde a la Universidad de las Artes. De principio pretendia convertirse en el primer músico de color de la Orquesta de Filadelfia, hasta que conoció al pianísta de jazz Chick Corea y en 1973 fundaron la banda Return Forever. En 1981 se unió al mitico Paula McCarteny donde tocó dos años con él. Y en 1987 fue cuando se pasó a la música de cine y televisión. Su primer trabajo fue un episodio de la exitosa serie "Kung-Fú", y su primera banda sonora para la pantalla grande fue con la película "Book of Love"-1990, una comedia juvenil dirigida por Robert Shaye. Su último trabajo hasta la fecha ha sido con la película "Undercover Brother 2"-2019 de Leslie Small. Cuenta en su haber con tres Premios Grammy.

  Y en este oportuno pasajero, haciendo uso de su buena profesionalidad para mostrarnos una agradable música ambiental y variada de temas y estilos, con cálidas melodias de acompañamiento, junto a temas de acción.

  En cuanto a los actores pues, todos en sus respectivos puestos, aunque el que sobresale es su principal pritagonísta es decir Wesley Snipes, "La trampa del asesino" ("The Contractor"-2007), metido en el cuerpo de ese pasajero 57 que es lo mismo que John Curter todo un especialísta en lucha contra el terrorísmo. Y dándole buena réplica Bruce Payne, "Operación Aurora" ("Aurora: Operation Intercept"-1995), como Charles Rane, un peligroso terrorísta con el que Curter se las trae "tiesas" con él.

  Y con ellos en el avión: Tom Sizemore, "Presencias misteriosas" ("The Intruders"-2015), como Delvecchio; Bruce Greenwood, "Trece dias" ("Thirteen Days"-2000), como Stuart Ritchie; Alex Datcher, "El experto" ("The Expert"-1995), como Marti Slayton; Elizabeth Hurley, "Al diablo con el diablo" ("Bedazzled"-2000), comoSabrina Ritchie...

  En definitiva: Una película entretenida y poco más, hecha expresamente para lucimiento de su protagonísta que disfruta de lo lindo dando patadas a diestro y siniestro. Y bueno como diria aquel vas a pasar un rato entretenido y al poco tiempo te olvidas de ella. Aprobado.

  A modo de curiosidad: El proyecto original del guión situaba la acción por la noche, pero se decidió que la historia sucediera durante el dia para ahorrar dinero. 

 

Los comancheros (The Comanchers - 1961)

          En recuerdo de: Stuart Whitman

         La ley... Los sin ley... Los amantes.

  Muy buena y a la vez divertida película de género de western y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Paul Wellman. Un escritor y periodísta nacido en Oklahoma, y muy conocido por sus novelas sobre el salvaje oeste, la mayoria de ellas llevadas al cine tales como: "La novia de acero" ("The Iron Misteress"-1952) protagonizada por Alan Ladd;"Apache"-1954, con Burt Lancaster y "Jubal"-1956 con Glenn Ford, entreo otras más.

  Del guión se hicieron cargo James Edward Grant. Un escritor y guionísta nacido en Chicago con más de 50 películas en su historial. Sus comienzos fueron en 1936 con "Grandes ojos marrones" ("Big Brown Eyes") con Cary Grant. Fue uno de los máximos colaboradores de John Wayne trabajando con él en una docena de películas, entre ellas: "Hondo"-1953, "El Alamo"-1960 y "El gran McLintock!"-1963.

  El segundo guionísta fue Clair Huffaker. Un escritor nacido en Utah, y muy especializado en novelas del oeste, muchas al igual que su compatriota Grant, llevadas al cine. Sirvió en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial y al finalizar la contienda se trasladó a Europa por una temporada. Entre sus novelas llevadas a la pantalla grande caben de destacar "Rio Conchos"-1964, "Estrella de fuego" ("Flaming Star"-1960) y "!00 rifles"-1969. También escribió para la televisión donde cabe de destacar algunos episodios la exitosa serie "Lawman"-1958-1962.

  "Los comancheros" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria), pero nacionalizado estadounidense.

  Los directores de confianza profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituciéndole sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico. Y el más destacado de todos ellos ese era Michael Curtiz. Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias, de terror, cine negro..., pero su punto fuerte eran las películas de acción y aventuras, a las que infundía un contagioso brio. "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938), sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó películas biblicas al estilo de Cecil B. DeMille. En 1926 llegó a Estados Unidos, y con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihály Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes filmó más de 80 películas de la productora, entre ellas: "20.000 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing2-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigde"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels Whit Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1949), "Yanky Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" (Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942 con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Michael Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte, a los 75 años.

  Asi pues, el maestro Curtiz, aqui en su última pelìcula, nos lleva al año 1843, y en donde el capitán Jack  Cuter, un "ranger" de Texas, captura a un tal Paul Regret, un jugador que habia matado al hijo de un juez. De camino a Luisiana, donde Cutter debe entregar al prisionero, paran en un rancho que es atacado por una banda de delincuentes llamados "los comancheros". El grupo, liderado por un antiguo oficial del ejército conferderado, vende armas y alcohol a los indios comanches. Este suceso obliga a Cutter y Regret a unir sus fuerzas de manera inesperada. En un momento de la escaramuza Regret consigue huir a caballo, pero en lugar de dejar a su captor abandonado, regresa con refuerzos de los "rangers", que consiguen rechazar el ataque. Ya como aliados, Cutter y Regret mantienen nuevos enfrentamientos con los comancheros y los indios. Durante estas refriegas, Regret se reencuentra con Pilar Graile, una misteriosa mujer, hija del cabecilla comanchero...

  Excelente película con el coctel habitual del cine de su director, mezclando habilmente la aventura, el western clásico, con una buena dósis de humor y por supuesto mucha acción. Un western pues, rodado con mucho oficio que nos ofrece todo aquello que nos gusta del género.

  La fotografía en color y formato Cinemascope fue dirigida por William H. Clothier. Un director de fotografía nacido en Illinois. Ingresó en la industria del cine, por medio de la Warner Bros, su primera pelìcula fué "Alas" ("Wings"-1927). Entre 1933 y 1938, trabajó en España, donde fue encarcelado durante la Guerra Civil española. Fue teniente coronel de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

  En 1955 filmó "El zorro de los océanos" ("The Sea Chase") su primer proyecto como dirctor de fotografía con John Wayne y Lana Turner. Con Wayne colaboró en 21 películas. incluyendo: "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) de John Ford. Se retiró con la película "Ladrones de trenes" ("The Train  Robbes") de Burt Kennedy.

  Y en esta buena muestra del western, mostrándos unas escenas con maravillosos paisajes, rodados en escenarios naturales de Utah y Arizona.

  De la banda sonora se hizo cargo el extraordinario Elmer Bernstein. Un compositor nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron estudiando con Aaron Copland y luego ingresó en la Academia Julliand. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y actuar también en la banda militar de Glenn Miller.

  Sus inicios en la música cinematográfica fueron como discipulo de Jerome Moross, Alex North y del propio Aaron Copland. Sus composiciones cinematográficas altenan el estilo jazzístico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodias muy recordadas, como "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960) o "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). Ganó un Oscar por "Millie, una chica moderna" ("Thoroughly Modern Millie"-1967), de las diez ocasiones en que fue nominado. Compuso para Michael Jackson en su video-clip "Thriller" para hacer la música de miedo que oimos en este (no referido a la canción "Thriller" que fue compuesta por Rod Temperton.

  Y en esta despedida del gran Curtiz, el también gran Bernstein hace de destilar una música como en tantas de sus composiciones, y como en tantas de las bandas sonoras escritas para el western, dándole optimísmo, alegría, euforia y vitalidad, perfectamente ajustadas al cine de planos generales.

  Sensacional el reparto de actores encabezado por John Wayne "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) metido en el cuerpo de Jake Cutter, un ranger de Texas que debe de llevar a cabo una dificil y arriesgada misión. Y con él, Stuart Whitman, "Rio Conchos"-1964, en el papel de Paul Regret, un jugador por el al que Cutter debe de llevar ante el juez para juzgarlo y llevarlo a horca, pero que al final se harán amigos inseparables. Y con ellos Ina Balin, "Desde la terraza" ("From the Terrace"-1960), como Pilar Graile, la hija del cabecilla comanchero; Nohemich Persoff, "El viaje de los malditos" ("Voyage of the Damnet"-1976), como Graile, el padre de Pilar. Y atención a otro grande del cine, que, aunque en un breve pero gran papel y llenando por si solo esta gran pantalla en Cinemascope, me refiero a Lee Marvin, "A quemarropa" ("Point Black"-1967), dando vida a Tully Crow. Y no podian faltar dos fijos en este tipo de género como son: Bruce Cabot, "El gran Jack" ("Big Jack"-1971), como el mayor Henry, y el hijo de Wayne es decir Patrick Wayne, "El Alamo"-1960) y aqui como Tobe...

  En definitiva: Una gran película . Y todo un gran epitafio para el maestro Michael Curtiz con todo el aroma y sabor que destilan los westerns clásicos. Sobresaliente.

  Como curiosidad: El comanchero es una figura real del oeste americano, ya que es una palabra que elude a aquellos bandidos del oeste que se aprovechaban de los indios comanches vendiéndoles armas y alcohol.

 

Hasta siempre!!!

                        Stuart  Whitman

                  Guapo, fuerte y formal

  El pasado 16 de marzo y a la edad de 92 años falleció el actor estadounidense Stuart Whitman. Un actor muy conocido por su legendaria carrera tanto en el cine como en la televisión.

  Creció en Nueva York hasta la edad de los doce años. Hasta que su familia se ubicó en Los Angeles. Al terminar  sus estudios secundarios en 1945 y retirarse con honores en el Cuerpo de Ingenieros de los Estados Unidos en 1948. Decidió estudiar actuación y apareció en papeles pequeños en películas como: "Cuando los mundos chocan" ("When Worlds Collide"-1951) de Rudolph Maté y "Ultimatum a la tierra" ("The Day the Earth Stood Still"-1951) de Robert Wise.

  Hasta 1957, tuvo una racha de trabajo participando en películas dirgidas por notables directores. En la televisión fue un invitado frecuente en series como: "Dr. Christian", "The Roy Rogers Show" "Death Valley Days" y también tuvo un papel recurrente en "Patrulla de tráfico" ("Highway Patrol"-1955-1959). Esto le llevó al papel en "Johnny Trouble"-1957, protagonizada por Ethel Barrymore.

  A finales de 1950, la 20th Century Fox comenzó el desarrollo de nuevos talentos. El principal productor Buddy Addler eligió a Whitman para ser uno de los nuevos nombres que formaron con la Fox como parte de construcción de programas de estrellas de 3 y 4 millones de dólares. Durante los dos años siguientes, continuó trabajando con directores prominentes, en el reparto principal. Estos eran William A, Wellman con "Los jóvenes invasores" ("Darby’s Rangers"-1958) con James Garner; Frank Borzage con "China Doll"-1958; Don Siegel con "Hound-Dog Man""-1959, Richard Fleischer con "Duelo en el barro" ("There Thousand Hills"-1961); Andrew L. Stone con The Decks Ran Red"-1958; Henry Coster con "La historia de Ruth" ("The Story of Ruth"-1960); Stuart Rosenberg con "El sindicato del crimen" ("Murder, Inc"-1960); Michael Curtiz con "Los comancheros" (The Comancheros"-1961) con John Wayne.

  Establecido ya como actor, siguió apareciendo tanto en el cine como en la televisión desde 1962 hasta 1972. Continuó con notables directores en películas que tuvieron varios grados de éxito. Sus papeles destacados en ese tiempo fue en la película épica sobre la Segunda Guerra Mundial con la participación de estrellas mundiales "El dia más largo" ("The Longest Day"-1962) y la película de Ken Annakin "Aquellos chalados en sus locos cacharros" ("Those Magnificent Men in their Flying Machines"-1965).

  Al final tuvo un periodo en películas de la comedia británica, que trataba de los primeros dias de la aviación, la cual tuvo un gran éxito de taquilla. Tomó el papel principal en la serie del oeste titulada "Cimarrón"-1967-1968. La serie de 23 episodios no llenó las exceptativas a pesar de tener una gran producción con grandes costos pero no elevó el indice de audiencia por lo cual no fue renovada. En 1972, Whitman, actuó en la película de terror "La larga noche de la furia" ("Night of the Lepus"). De acuerdo al actor, la pobre calidad de la película afectó a su reputación profesional.

  Desde este punto hasta 1987, regularmente apareció en series de televisión importantes de ese tiempo, algunas de ellas incluyen: "The Streets of San Francisco", "S.W.A.T." y "She Wrote", entre las más importantes. Apareció en películas para la televisión y en mini-series como: "The Pirate", "Condominium", entre otras. Durante este tiempo apareció en varios géneros de películas incluyendo protagonísmos como Fred Williamson en "Mean Johnny Barrows"-1976; "Tres mujeres peligrosas" ("Crazy Mama"-1975) de Jonathan Demme y en varias colaboraciones con el director René Cardona Jr. etc.

  En 1988, representó a "Superboy", una adaptación del libro de comics el cual interpretó hasta 1992. Al final interprtó a Jonathan Kent, el padre adoptivo del superhéroe. En 1990, tuvo un papel recurrente en "California" ("Knots Landing"), una serie que duró desde 1979 hasta 1993. En ese tiempo, actuó dos veces en westerns especiales de dos horas de duración.

  Primero fue en 1993 en el debut de Bruce Campell en "Las aventuras de Brisco Country Jr.". La segunda ocasión fue en 1994 con Chuck Norris en la serie "Walker, Texas Rangers" en el episodio "La Reunión". Apareció en varias series de televisión con gran proyección asi como en otros proyectos hasta el año 2000. Se retiró como actor después de estas actuaciones.

  Stuart Makwell Whitman (Stuart Whitman) - San Francisco (Estados Unidos) - 1 - febrero - 1928 - Montecitto, California (Estados Unidos) - 16 - marzo - 2020.

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

 

55 dias en Pekin (55 Days at Peking-1963)

  "Los barcos navegan sobre las aguas y sobre el agua naufragan. El fin de mi dinastía la llegado"...

  Magnífica película de género de aventuras coloniales y de nacionalidad estadounidense, escrita por Philip Yordan. Un productor y guionísta nacido en Chicago. Desarrolló su actividad como guionísta en la década de 1940 hasta principio de la de 1990. Colaboró en varias ocasiones con directores importantes de Hollywood, entre los cuales se encotraban: Anthony Mann, Nicholas Ray o André de Toth. Su contribución al cine negro incluye titulos como: "Dillinger"-1945, "Odio entre hermanos" ("House of Strangers"-1949), "Brigada 21" ("Detective Story"-1951), "Agente especial" ("The Big Combo"-1955) y "Más dura será la caida" ("The Harder They Fall-1956), entre otras.

  También fue conocido como "doctor de guiones", escribiendo libretos de otros gionístas, especialmente durante la caza de brujas, pues algunos escritores no podian firmar con su verdadero nombre por su uinclusión en la lista negra de Hollywood. El mismo Yordan también sería victima del maccarthismo , por lo que hubo de establecerse en Europa.

  Se estableció en España durante la década de 1960 y 1970. En este periodo colaboró con el productor independiente Samuel Bronston, contribuyendo en los guiones de "Rey de reyes" ("King of Kings"-1961), "El Cid"-1961, "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking"-1963), "La caida del imperio romano" ("The Fall of the Roman Empire"-1964) y "El fabuloso mundo del circo" ("Circus World"-1964). Al comenzar la producción de "El Cid", Bronston adquirió los derechos de  una historia de Rafael Gil, sobre la que existía un primer guión de Vicente Escrivá. Bronston rechazó el guión de Escrivá y contrató a Yordan para que escribiese un nuevo texto. En este periodo escribió y produjo los "spaguetti westerns", "Capitán Apache" ("Captain Apache"-1971) y "El hombre de Rio Malo" ("Bad Man’s River"-1971). Los dos protagonizadas por Lee Van Cleef.

  A Yordan le ayudó esta vez en el guión Bernard Gordon. Un guionísta nacido en Connecticut (Estados Unidos). Su primer guión fue para la pelìcula"Flesh and Fury"-1952, una imágen del boxeo arenosa protagonizada por un primerizo Toni Curtis. A esta le siguió "Historia de un condenado" ("The Lawless Breed"-1953) un western con Rock Hudson. En 1954 dejó la Universal por motivos politicos y fue contrarado por la Columbia Pictures donde estuvo trabajando por un tiempo con el seudónimo de Raymond T. Marcus, asi trabajó en algunas películas en su mayoría de serie B como por ejemplo: Zombies of Mora Tau"-1957.

  A través de su amistad  con Philip Yordan, encontró trabajo regular en Madrid para Samuel Bronston. A su regreso a Estados Unidos tuvo problemas para encontrar trabajo por lo que tuvo que regresar de nuevo a España donde acabó su carrera con dos películas más: "La última aventura del general Custer ("Custer of the West"-1967) y "Al este de Java" ("East of Java"-1968).

  "55 dias en Pekin" está dirigida por Nicholas Ray. Un director nacido en Wisconsin. Estudió arquitectura con Frank Lloyd Wright, de quien aprendió el valor de la linea horizontal, que luego se convertiría en una marca distintiva en sus películas. Empezó su carrera como director con "Los amantes de la noche" ("They Live by Night"-1948). Luego dirigió más de veinte películas, entre ellas: "Llamad a cualquier puerta" ("Knock on Any Door"-1949), "Nacida para el mal" ("Born to Be Bad"-1950), "Hombres errantes" ("The Lusty Men"-1952), "Muerte en los pántanos" ("Wind Across Everglades"-1958) y "55 dias en Pekin" ("55 Days at Peking-1963).

  Durante el rodaje de esta última sufrió un ataque cardiaco, lo cual provocó una pausa en su carrera, que no se renaudó hasta mediados de los años setenta. Enseñó arte dramático en la Universidad de Nueva York, influyó en los directores Wim Wenders y Jim Jarmusch, y fue todo un héroe para los criticos de la "nouvelle francesa". Cinco de sus películas se consideran como obras maestras, "En un lugar solitario" ("In a Lonely Place"-1950), una de las películas de cine negro más poéticas y conmovedoras que se han rodado, está protagonizada por Humphrey Bogart, en el papel de un guionísta, y por Gloria Grahame (esposa de Ray), como la mujer que primero le ama y luego le confunde.

  En "Jonny Guitar"-1954, trabajan Sterling Hayden como el vaquero más pacifico del cine, Joan Crawford y Mercedes McCambridge, "Más poderoso que la vida" ("Bigger than Life"-1956) se centra en los problemas con las drogas en la clase media, "Amarga victoria" ("Bitter Victory"-1957), es una historia bélica sobre conflictos y esperanzas en el desierto africano, "Rebelde sin causa" ("Rebel Without a Cause"-1955), con James Dean, habla de la delincuencia juvenil.

  A la hora de dirigir a sus actores, creia que la linea de sentimiento y de expresión de un personaje debia ser la guia para la estructura de la toma. Su muerte en 1979 se retrata en el "docudrama" "Relámpago sobre el agua" ("Lighting Over Water"-1980), que Wim Weders co-dirigió y completó.

  La acción pues, nos lleva hasta el año 1900, durante la Rebelión Bóxer, que se opone a la influencia extranjera en China, las delegaciones internacionales en Pekin son asediadas por la revuelta. El mayor Matt Lewis, un infante de marina del ejército estadounidense, lidera una fuerza internacional que defiende las embajadas. En el recinto en el que se encuentran las sedes diplomáticas, sitiado por los rebeldes, el embajador británico reúne a los dignatarios para organizar la defensa.

  Entre los diplomáticos, destaca por su belleza la baronesa rusa Natalia Ivanoff, que inicia una relación sentimental con el mayor Lewis. Los sitiados racionan comida y agua a la espera de refuerzos, mientras la emperatriz Tzu Hsi, lider del movimiento intenta vencer la resistencia de los asediados con la ayuda del ejército chino, pero una alianza integrada por ocho paises consigue sofocar la rebelión...

  Una buena película de aventuras. Si señor, basda en el colonialísmo de principio del siglo XX, y en donde varias potencias mundiales que se encontraban en China son acosadas para que abandonen el pais. Muy bien dirigida y con un ritmo acelerado en la acción, aunque a veces se hace algo pesada debido a su largo metraje. Pero como digo es una buena película con momentos apasionantes, puesto que Ray nos lanza un mensaje de integridad y principios ante la presión exterior, cautivando con esa premisa a los cinéfilos  clasicos y seguidores del género.

  La fotografía en color y pantalla gigante formato de 70m/m, fue obra de Jack Hildyard. Un director de fotografía nacido en Londres. Hizo varias películas con David Lean, incluyendo "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957) por la que consiguió el Oscar a la mejor fotografia en color. Su primer trabajo como director fue con la película"Enrique V"-1944 de Laurence Olivier. También fue nominado a los Premios BAFTA por su trabajo en "Hotel Internacional" ("The VIPs"-1963), "El Rolls-Royce amarillo" ("The Yellow Rolls-Royce"-1964) y "Modesty Blaise"-1966. En 1990 fue galardonado con el Premio a la Trayectoria de la Sociedad Británica de Cinematógrafos.

  Y en estos interminables dias de asedio, mostrándo unas escenas lumínicas y alusivas, y creando una gran labor repleta de detalles estimulantes y esteticamente decorativos que hacen de transportar al espectador, puesto que logra una labor grandiosa y altamente vistosa con sus portentosas imágenes.

  La banda sonora fue obra de Dimitri Tiokin. Un director de musica nacido en Ucrania (pero nacionalizado estadounidense). Nació en el seno de una familia judia, bajo el dominio de la antigua Rusia zarísta, pero siendo niño sus padres se trasladaron a San Petersburgo, donde estudió armonia y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se trasladó a Berlin, donde siguió su carrera meteórica. Años más tarde se trasladó a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.

  Si su nombre no resulta conocido, su musica y canciones son mundialmente conocidas principalmente "Hig Noon", la canción que dió titulo a la película "Solo ante el peligro"-1952, "O.K. Corral" de "Duelo de titanes"-1957 o "The green leaves of summer" de El Alamo"-1960. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales sobre el conflicto.

  En uno de los Oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach... Fue nominado en quince ocasiones al Oscar, ganándolo en tres ocasiones por: "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), "Escrito en el cielo" ("The High and the Mighty"-1954)  y "El viejo y el mar" (The Old Man and the Sea"-1958). Curiosamente, durante la década de 1950, sus potentes orquestaciones y dinámicas melodias, muy caracterísicas de la Escuela Rusa, se convirtieron en la más distinguible seña de identidad del género del western.

  Y en esta heróica defensa apuntalando una banda sonora melódica y tranquilizadora por un lado  e inquietante por otro, según la acción, en un bello y dramático acompañamiento musical que arrolla y enardea las escenas de batalla, añadiendo también emotividad en las escenas románticas.

  Sensacional el trio protagonísta elegido aqui por el maestro Ray, comenzando por Charlton Heston "Ben-Hur"-1959 metido en el uniforme del mayor Lewis; David Niven (para mi el mejor), "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) y aqui como Sir Arthur Robertson, y entre los dos Ava Gardner, "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964) en el papel de la condesa Natalia Ivanoff.

  Y con ellos un buen puñado de buenos y grandes secundarios, tales como: Flora Robson, "Narciso negro" ("Black Narcissus"-1947), como la emperatriz Tzu Hsi; John Ireland, "Espartaco" (Spartacus"-1960), como el sargento Harry; Leo Genn, "Moby Dick"-1956, como el general Jung-Lu. La película al ser rodada totalmente en España, Ray pues eligió también a otros grandes actores españoles, asi pues nos encontramos a José Nieto, "Marcelino pan y vino"-1955,como el ministro italiano; Alfredo Mayo, "¡A mi la legión"-1942, como el ministro español; Fernando Sancho, "Torrepartida"-1956, como el ministro belga...

  En definitiva: Una buena película de aventuras, en la que Nicholas Ray dicen que iba cambiando el guión dia a dia, lo que, paradojicamente, no alteró ni un ápice el resultado final de la historia, quedando en todo un clásico del cine de su género.  Sobresaliente.

  "55 dias en Pekin" obtuvo dos nominaciones a los Oscar: Mejor banda sonora y canción.

  A modo de curiosidad: Charlton Heston afirmó que su relación laboral con Ava Gardner era nefasta debido al comportamiento poco profesional de la actriz durante el rodaje. No obstante, Heston también comentó que disfrutó en gran medida al poder trabajar con David Niven.

  Y curiosamente también: Charlton Heston que tanto disfrutó durante el rodaje con David Niven, nunca volvieron a trabajar juntos. En cambio con Ava Gardner si que lo hizo y fue en "Terremoto" ("Earltquake"-1974), (cosas del cine digo yo).