La vida intima de Julia Norris (To Each His Own-1946)

         En recuerdo de: Olivia de Havilland

  "Parecia que me estaba interpretando a mi misma y no a otra."  (Olivia de Havilland)

  Intensa película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de charles Brackett. Un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en 1915 en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920. La segunda, "Week End" (1925), llamó la atención de Harold Ross que le ofreció un trabajo como critico en su prestigiosa revista The New York.

  Durante esta época publicó otras dos novelas. En los años 30 se trasladó a Hollywood y empezó a trabajar como guionista cinematográfico su primer guión fue para la película "La última avanzada" ("The Last Outpost"-1935) protagonizada por Cary Grant. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y entre 1949 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Logró tres Oscar a lo largo de su carrera por "Dias sin Huella" ("The Last Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953).

  Del guión se hicieron cargo Jacques Théry y Dodie Smith. El primero fue un guionista nacido en Paris. Su primera pelicula fue "Una noche de redada" ("Un soir de rafle"-1931) con Annabelle como proyagonísta femenina, y su último guión para el cine fue precisamente "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946). Aunque en 1954 trabajó para la televisión francesa en un episodio de la serie "Lux, Video, Ttheatre.

  El segundo (o mejor dicho la segunda). Una escritora nacida en Manchester (Inglaterra). En 1931 escribió su primera novela "Autumm Crocus" que obtuvo un gran éxito. Durante los años 40 ella y su esposo se mudaron a Estados Unidos. Su obra más conocida alli fue "101 dálmatas" ("The Hundred and one Dalmatians") que la escribió en 1956 y en 1961 Walt Disney la llevó al cine en dibujos animados.

  "La vida intima de Julia Norris" está dirigida por Mitchell Leisen. Un cineasta nacido en Michigan. Tras estudiar la carrera de Arquitectura, trabajó como diseñor de interiores, años antes de iniciar, en 1919, su trayectoria como diseñador de cine.

  Su primer trabajo en el cine fue como diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de 1920 trabajó también para Raoul Walsh, Allan Dwan y Ernst Lubitsch. Todo esto le proporcionó una gran experiencia, asi que hizo de trampolín para saltar a la dirección (el camino normal fue el suyo, y no de empezar como guionísta, como fue el caso de Preston Sturges o John Huston). Logró ser asistente de dirección de Cecil B. DeMille en "El signo de la cruz" ("The Sign of the Cross"-1932). Fue nominado al Oscar por su dirección artística gracias a su trabajo en la película "Dinamita" (Dynamite"-1929) de Cecil B. DeMille.

  Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta 1933 en la Paramoun Pictures con "Canción de cuna" ("Cradle Song"-1933), un drama protagonizado por Dorothea Wleck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con los grandes melodramas, las comedias románticas y solo a veces con las comedias llamadas de "humor delirante"

  Una de sus películas más recordadas fue la adaptación de la obra de Alberto Casella, "La muerte de vacaciones" ("Death Takes a Holiday"-1934), con Fredric March. Rodó la brillante "Campos de espera" ("Four Hours to Kill"-1937), protagonizada por Jean Arthur y con un guión de Preston Sturges que fué otro gran éxito del director.

  Pero asi mismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro. Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el cine. Ya en "Adelante, mi amor ("Arise, My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó "Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fué su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él)

  Pero asimismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro.

  Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el  cine. Ya en "Adelante, mi amor" ("Arise , My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó"Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fue su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él) fueron la pareja protagonísta, con gran éxito. Un fiscal acusa a una chica por robo de joyas, y el juicio se pospone hasta que pase la Navidad. El fiscal lleva a la protagonista a Indiana, y la lleva a casa de su madre, que está de camino a su propia casa. Como la madre la rechaza, ella pasa la Navidad con la familia de él, lo que dará lugar a su encuentro.

  Asi mismo destacó con "Ella y su secretario" ("Take a Letter Darling-1942), con Rosallind Russell y Fred MacMurray, y con "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946), escreita por Charles Brackett que le valió un oscar a Olivia de Havilland. Estas fueron las películas más destacadas en la carrera de Mitchell Leisen. En la década de 1950 Leisen abandonó el cine parcialmente para dedicarse a la televisión, pero aún haria alguna contribución con "Eligiendo novio" ("The Girl Most Likely"-1958) una comedia musical con Jane Powell y Clift Robertson que sería su última película como director.

  Tras largo tiempo trabajando en la televisión volvió a la pantalla grande pero esta vez con un documental titulado "Spree"-1967. Un documental sobre la vida de la malograda actriz Jane Mansfield.

  La acción pues, tiene lugar en Piersen Falls, Nueva York y Londres, a lo largo de unos 25 años entre 1918 y 1943 y en donde una joven llamada Josephine "Jody" Norris, hija única del propietario del drugstore de la pequeña localidad de Piersen Falls, es seducida por un apuesto militar de aviación llamado Bart Cosgrove,  que está de paso por el pueblo para la venta de bonos de guerra (1ª Guerra Mundial). Unos meses mas tarde muere en acto de servicio. Jody se convierte en madre soltera. Tras el nacimiento (febrero 1918) en Nueva York de su hijo Griggsy (diminutivo de Gregory), que es tomado en adopción por sus amigos Alex y Corinne Piers...

  El relato pues, explica una historia de los sufrimientos y sinsabores de una madre soltera, separada de su hijo a causa de los prejuicios sociales. La película la podriamos clasificar entre drama y romance. Y en donde el director nos presenta una narración rica en sugerencias, sutilezas, indicaciones disimuladas, elipsis y sobreentendidos, que completa y refuerza mediante encuadres, juegos de luz, gestos naturales, elementos del escenario y otros medios visuales. Para captar debidamente la intensa riqueza de detalles significativos que contiene la pelicula, el espectador es invitado a seguirlo con atención y picardia. Pocas cosas suceden y se ven en la historia que no aporten información relevante y sugestiva.

  Una de las propuestas que el director expone es la lucha entre las ideas viejas y nuevas, entre el presente caduco y los cambios que anuncian una época nueva, entre lo abocado a la desesperación y lo emergente para imponerse más allá de la voluntad de las personas. Tiene interés contemplar el contraste entre la luz débil del interior del drugstore y la brillante luminosidad del exterior, el contraste entre las formas modernas (en 1922) del flamante coche aparcado frente al drugstore y la fachada envejecida y deteriorada del mismo.

  Otra de las ideas que en mi pinión subraya el director es la contraposición de la pobreza y el estancamiento de la pequeña localidad y las oportunidades de prosperidad de la ciudad de Nueva York. Lo pone de manifiesto a través de diversos y variados recursos, entre lo que cabe estar a modo de ejemplo el vestido y el modo de comportarse de Mac, antiguo pretendiente de Jody, residente en Nueva York, en comparación con los de los jóvenes residentes en Prersen Falls.

  Sobre todo le interesa al director defender y exaltar la dignidad de la mujer, su capacidad para los negocios no inferior a la del hombre, la corrección y validez de la igualdad de conductos de la relación de la mujer y el hombre, etc.

  Si observamos bien y con detenimiento la aparente seducción de Jody por el piloto, se observan indicaciones que más bien hablan de la seducción de él por ella, aunque en todo caso la situación no es ni clara ni concluyente, como probablemente pretende el director. Se deleita mostrando el fracaso como personas y en los negocios de hombres y mujeres y el éxito de mujeres y hombres, desmitificando uno de los viejos prejuicios más arraigados en relacción a la igualdad de géneros.

  Presta especial atención a la evolución del personaje protagonísta a lo largo de 25 años, desde su espléndida juventud veinteañera pretendida por todos los chicos del pueblo, hasta su madurez de la media edad. Hace referencia al error común de las mujeres que concentran en la maternidad todas sus ilusiones y ambiciones. El director también nos explica con parsimonia que la femenidad puede realizarse a través de otros menesteres si la mujer sabe cambiar y enriquecer su filosofía de género. Nos lo demuestra observando la larga trayectoria desde concepciones convencionales e impuestas hasta la aceptación de su maternidad como algo legítimo, honorable y digno.

  El melodrama que constituye el hilo conductor de la historia es tratado con contención. moderación y equilibrio. Es elevado con la aportación de un conjunto de reflexiones sobre la dignidad de la mujer, que reflejan el estado de opinión sobre el papel de la misma que se manifiesta y generaliza en el pais  tras el comienzo de la 2ª Guerra Mundial. Habla de lo imprevisible de la vida, la necesidad de la adaptación al cambio, la solidaridad, etc. Como de costumbre, cede la oposición central a la mujer, a la que distingue con un trato exquisito y diferente. No falta el humor, que encomienda a la madre cargada de hijos en Persen Falls, la conversación en la oscuridad de la noche en Londres, la tarta de bodas, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago, empezó como compositor clásico y concertista de violin, pero decidió pasarse a la música popular cuando entró en la orquesta de Isham Jones. Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio de Paris. Mediada la década de 1930 se trasladó a Hollywood donde se concertó en el mundo del cine, grabando música ligera y dando apoyo musical a cantantes de fama, entre ellos Bing Crosby.

  A finales de 1934 firmó contrato con la Decca Records y siguió trabajando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Los Angeles. Ganó dos Emmy, uno en 1950 y otro en 1954. En el cine compuso más de 300 bandas sonoras en peliculas tan emblemáticas como por ejemplo: "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) de John Ford y "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) de William Wyler.

  Y en este drama inolvidable ofreciendo una partitura de tonos suaves y de apoyo, que incorpora una emotiva canción bailable ("Si me quieres tanto como yo a ti") y una canción irónica que es la versión melódica del tema principal, a cargo de Mac.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Daniel L. Fapp. Un director de fotografía nacido en Kansas City. Y mundialmente conocido por su fotografía en la oscarizada e inolvidable "West Side Story"-1961, por la que ganó un merecido Oscar. También fue nominado al oscar por "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958) de Delbert Mann.

  Y aqui aportando una visualidad ingeniosa y sugerente, colocando la cámara del rodaje de cada escena.

  Maravillosa Olivia de Havilland, "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939) metida en el cuerpo de Josephine "Jody" Norris. Y con ella Mary Anderson, "Travesia peligrosa" ("Dangerous Crossing"-1953) como Corinne Piersen; Roland Culver, "Espias en acción" ("A Man Could Get Killed"-1966) como Lord Desham; Virginia Welles, "Querida Ruth" ("Dear Ruth"-1947) como Liz Lorimer; Bill Goodwin, "Los lios de Susana" ("Brundle of Joy"-1956) como Mac Tilton; John Lend , "Alta sociedad" ("High Society"-1956) como Bart Cosgrone...

  En definitiva: Sin duda, una de los mejores y más infravalorados melodramas de la época dorada de Hollywood. Una película Sibresaliente.

  Olivia de Havilland logró el Oscar a la Mejor actriz.

  A modo de curiosidad: Llama la atención el error de traducción del creador o creadores del titulo español (usando Julia en lugar de Jody).

Hasta siempre!!!

                 Olivia de Havilland

          "La última estrella del Hollywood dorado"

  El pasado 25 de julio y a la edad de 104 años falleció de muerte natural la mitica actriz Olivia de Havilland.

  Como actriz, fue la última superviviente del cine clásico de Hollywood y, por tanto la última también del mítico reparto de  la película "Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind"-1939), por lo que fue nominada al Oscar a la mejor actriz por su interpretación como Melanie Hamilton.

  Fue hermana de la también actriz Joan Fontaine (1917-2013), con quien no mantuvo relación desde 1975 hasta el fallecimiento de esta, 38 años  después. El 21 de junio de 2017, a los 100 años de edad, fue nombrada Dama del Imperio Británico, por la reina de Inglaterra Isabel II, siendo la persona más longeva que ha recibido esta  disticción.

  Era hija promogénita de padres británicos, él era abogado que ejercía en Japón, nacida en Tokio al igual que su hermana. Pero a causa de una salud debilitada, y tras la separación de sus padres, se trasladó con su madre y hermana a Estados Unidos concretamente a California, donde cursó sus estudios.

  En febrero de 1919, su madre persuadió a su esposo para que llevara a la familia de regreso  a Inglaterra por clima mas adecuado para sus hijas enfermas. Navegaron hasta San Francisco, donde la familia se detuvo para tratar de amigdalitis a Olivia. Después de que Joan desarrolló una neumonía. La madre decidió quedarse con sus hijas alli, donde finalmente se instalaron en Saratoga. Su padre abandonó a la familia y se casó con su ama de llaves japonesa.

  Olivia fue criada para apreciar las artes, comenzando con leciones de ballet a la edad de cuatro años y leciones de piano un año después. Aprendió a leer antes de los siete años, y su madre,que ocasionalmente enseñaba teatro, música y elocución, le recitaba pasajes de Shakespeare, para fortalecer su dicción. Durante este tiempo, su hermana Joan, comenzó a llamarle "Livvie", un apodo que duraria toda su vida. Olivia ingrsó en la Escuela Primaria de Saratoga en 1922 y le fue bien en sus estudios. Le gustaba leer, escribir poesias y dibujar, y una vez representó a su escuela primaria en un concurso de ortografía del condado, quedando en segundo lugar.

  En abril de 1925 su madre se volvó a casar esta vez con George Milas Fontaine, gerente de unos grandes almacenes en San José era un buen proveedor y un hombre de negocios respetable, pero su estricto estilo de crianza generó animosidad y más tarde rebelión en sus dos hijastras.

  Olivia continuó su educación en la escuela scundaria Los Gatos cerca de su casa en Saratoga. Alli destacó en la oratoria y el hockey sobre hierba y participó en obras de teatro escolares y en el club de teatro escolar, llegando a ser la secretaria del club. Con planes de convertirse en maestra de inglés y habla, también asistió al Convento de Notre Dame en Belmont.

  En 1933, una Olivia adolescente hizo su debut en el teatro de aficcionados con "Alicia en el pais de las maravillas", una producción de Saratoga Community Players basada en la novela de Lewis Carroll. También apareció en varias obras de teatro escolares, incluyendo "The Marchant of Venice" y "Hansel y Gretel". Su pasión por el drama eventualmente le llevó a una confrontación con su padrastro, quien le prohibió participar en otras actividades extracurriculares. Cuando se enteró de que habia ganado el papel principal de Elizabeth Bennet en la producción de la escuela de recaudación de fondos de Jane Austen "Orgullo y prejuicio", él le dijo que tenia que elegir entre quedarse en casa o aparecer en la obra teatral y que no se le ocurriese volver a casa. No queriendo decpcionar a su escuela y sus compañeros de clase, se fue de su casa y se instaló con un amigo de la familia.

  Después de graduarse en la escuela secundaria en 1934, le ofrecieron una beca para estudiar en el Mills College de Oakland para seguir su carrera elegida como profesora de inglés. También le ofrecieron el papel de Puck en la producción de Saratoga Community Theatre de "El sueño de una noche de verano" de Shakespeare. Ese mismo verano, el director austriaco Max Reinhardt vino a California para una nueva producción importante de la misma obra que se estrenaría en el Hollywood Bowl. Después de que uno de los asistentes de Reinhardt la viera actuar en Saratoga, le ofreció el segundo puesto de suplente para el papel de Hermia. Una semana antes del estreno, el suplente Jean Rouverol y la actriz principal Gloria Stuart abandonaron el proyecto, dejando a Olivia, de 18 años, para interpretar a Hermia.

  Con su mente todavia decidida a convertirse en maestra, Olivia inicialmente vaciló, pero finalmente Reinhardt y el productor ejecutivo Henry Blanke la persuadió de firmar un contrato de cinco años con Warner Bros, el 12 de noviembre de 1934, con un salario de 200 dólares por semana, lo que marcaba el comienzo de una carrera profesional de actuación que abarcaría más de 50 años.

  A partir de ese momento formó parte de un equipo consolidado en la Warner, con Errol Flynn (que luego confesó haber estado perdidamente enamorado de ella en aquel momento) como pareja y Michael Curtiz como director. Junto a Errol Flynn protagonizó siete películas, en las que, aunque siendo de temática muy distinta, ella siempre representaba el mismo personaje, de la amada del aventurero, fiel seguidora del héroe. Algunas de estas  peliculas fueron "El capitán Blood" (Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) o "Dodge ciudad sin ley" ("Dodge City"-1939).

  Los años 1940 fueron los más importantes de su carrera, ya que protagonizó "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Owen"-1946) de Michael Leisen y "La heredera" ("The Heiress"-1949) de William Wyler junto a Montgomery Clift, que supondrian los dos Oscar de su carrera. Sin embargo, en el año 1939 ya había interpretado uno de los papeles que más importancia y reconocimento le depararia a nivel mundial, el de Melanie Hamilton en "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939), por lo que consiguió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria, aunque el premio se lo llevó su compañera de reparto, Hattie McDaniel, que interpretaba el papel de Mamy y fue la primera actriz afroamericana en conseguirlo.

  En el año 1941 fue de nuevo nominada al oscar a la mejor actriz por su papel en "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941), pero esta vez fue su hermana Joan Fontaine, nominada por "Sospecha" ("Suspicion"-1941), de Alfred Hitchcock la que se lo llevó. La mala relación que mantenian las dos hermanas pudo apreciarse en la entrega de los Oscar, cuando Joan rechazó las felicitaciones de Olivia al subir a recoger su galardón.

  A pesar de que los años 1940 fueron los mejores de su carrera, fue en esta época cuando tuvo un problema judicial con la Warner, se quejaba de los papeles que le proporcionaban no tenian ningún valor artístico y pensaba que los mejores se los cedian siempre a Bette Davis (un ejemplo evidente es la película "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), entonces el estudio, en represalia no le concedió ningún papel en más de seis meses, Olivia les demandó cuando intentaron prorrogar su contrato de siete años alegando que le debian esos seis meses como castigo. Ganó la demanda pero estuvo casi tres años sin trabajar.

  A partir de los años 1950, sus papeles se fueron distanciando cada vez más. De esta última etapa de su carrera,sus papeles más importantes fueron "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955), de Stanley Kramer, "La noche es mi enemiga" ("Libel"-1959), de Anthony Asquith, y "Canción de cuna para un cadáver" ("Hush... Hush, Sweet Charlotte"-1964), de Robert Aldrich. En 1955 encarnó a una noble española, la polémica "La princesa de Ebolí" ("That Lady"-1955), de Terence Young.

  Dejó relegado el cine a partir de 1960 y se dedicó al teatro y la televisión, que emergía en aquellos tiempos, trabajando a lo largo de esta década en varias series exitosas como "Norte y Sur" ("North and South"-1985). Desde entonces, vivió practicamente retirada, y una de sus últimas apariciones fue como presentadora de uno de los premios de la 75ª edición de los Oscar en 2003.

  Olivia de Havilland narró el documental de 2009, "Recuerdo mejor cuando pinto". Se trataba sobre la importancia del arte en el tratamiento de Alzehimer. El 22 de marzo de 2011, se presentó el documental en una proyección especial en Paris.

  El 17 de noviembre de 2008, a la edad de 92 años, Olivia recibió la Medalla Nacional de las Artes. El 9 de septiembre de 2010 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, una distinción que otorga el Presidente de la República de Francia.

  En febrero de 2011 Olivia de Havilland apareció en la ceremonia de entrega de los premios César. Jodie Foster lo presentó y Olivia recibió una gran ovación con el público puesto en pie.

  Falleció por causas naturales el 25 de julio de 2020 a los 104 años de edad en su residencia de Paris mientras dormia, apagándose asi con ella la última estrella de la época dorada de los mejores años del cine de Hollywood de todos los tiempos.

  Olivia Mary de Havilland (Olivia de Havilland) - 1 - julio - 1916 - Tokio (Japón) - 25 - julio - 2020 - Paris (Francia)

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

Los jueves milagro - 1957

  "Luisito, no toques eso, transmite el tétanos, ya lo sabes..."

  "Luisito, alejate de ahí..."

  "Luisito,..."

  Espléndida e ingeniosa película de género de comedia y de nacionalidad española.

  El guión fue escrito por José Luis Colina. Un ptolífico guionísta y colaborador en varias películas de Luis Garcia Berlanga. Y de otros muchos éxitos del cine español de los años 50. Un hombre de gran talento y notable sentido del humor. Fue director de Televisión Española. Entre sus películas como guionísta tiene titulos muy emblemáticos tales como: "El piyayo"-1956 y "Plácido"-1961, entre otras muchas mas.

  El segundo y a vez director de la película fue Luis Garcia Berlanga. Un cineasta nacido en Valencia. Berlanga está unanimamente considerado como uno de los maestros del cine español. Nacido en 1921, atrajo la atención internacional con el estreno de su primer proyecto como director en solitario "Bienvenido, Mister Marshall"-1953. Esta película, una aproximación satírica a las costumbres de la España de Franco y también a los intentos del régimen por salir del aislamiento internacional, ganó el premio internacional y una mención especial en el Festival de Cannes, y fue nominada para el gran premio del mismo.

  Poco antes de rodar esta película, Berlanga había trabajado con otro director español importante, Juan Antonio Bardem, codirigiendo la comedia ligera "Esa pareja feliz"-1953. Aunque es posible que fuera de España se le siga conociendo sobre todo por "Bienvenido, Mister Marshall", Berlanga siempre hizo sus mejores películas a principio de los años sesenta, cuando forjó la sociedad creativa más importante de toda su carrera con el guionísta Rafael Azcona. Juntos colaboraron en "Plácido"-1961 y en "El verdugo"-1963, un par de películas de humor negro que atacaban la moral corrupta del Estado español.

  La segunda de ellos resultó demasiado problemática para las autoridades españolas, y durante los cuatro años siguientes a Berlanga le costó hacer despegar ninguno de sus proyectos. Una vez acabada la dictadura de Franco en 1975, el director pudo volver a trabajar con libertad. Realizó una serie de farsas satirizando a viejos personajes que se habían mantenido en el poder durante (e incluso después) la transsición a la democracia. Tras el estreno de "Paris Tombuctú"-1999, Berlanga anunció que se retiraba del mundo del cine, bajando asi el telón de una de las filmografías más únicas e infrovaloradas del cine europeo de posguerra.

  Asi pues, el gran Berlanga nos lleva hasta Fuentecilla, un pequeño pueblo aislado (el tren nunca para en la estación), con un antiguo balneario de aguas termales con propiedades curativas, reconocido en el pasado, pero caido actualmente en el olvido. Seis amigos, que componen las fuerzas vivas de la localidad, deciden representar un milagro para promocionar el turismo, la actividad económica en el lugar y sus propios intereses...

  Forman el grupo el alcalde (don Antonio), el maestro (don Salvador), el médico (don Manuel), el farmaceútico (don Evaristo), el propietario del balneario (don Ramón) y un propietario agrícola (don José).

  Muy buena película. Si señor. Y en donde suma comedia y cine fantástico. Berlanga nos presenta una jocosa sátira social de la España de mediados de los años 50. Se burla del papanatísmo y el borreguísmo que informan el fervor religioso de la gente sencilla, crédula y manipulada. Se burla de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y de su enorme capacidad de influencia.

  Se burla de la utilización de la religión como instrumento de poder. Se burla de la cultura tramposa, picara y oportunísta de las fuerzas vivas. Se burla del egoísmo y del drástico individualísmo de las mismas. Se burla de la estrechez de miras que las guia. no buscan la promoción de los intereses del pueblo, sino la satisfación de su codicia, su beneficio particular inmediato.

  Como parte de la sátira expone la pobreza intelectual de la lecciones que se imparten en la escuela, los contenidos absurdos de las mismas y la presencia reiterada del recurso a los castigos fisicos como incentivo docente. Pone de manifiesto la dificultad de comunicación entre personas y grupos sociales, de acuerdo con una de las costumbres del realizador. Su conocida misontropia explicaria la exclusión de la mujer en todo papel revelante y protagonísta.

  La primera etapa de la filmografía de Berlanga, a la que pertenece la película, se caracteriza por la influencia que causa de René Clair, Frank Capra y del nerrealísmo italiano. Es esta una de las comedias más logradas del director, pese a los problemas que tuvo con la censura y las interferencias que sufrió de organizaciones religiosas. La película está impregnada de ironía, ternura, critica aguda y humor negro. Aunque su estreno constituyó un fracaso de taquilla.

  La narración se desarrolla a un ritmo rápido y ágil. El relato, la historia de un fracaso, retiene la atención del espectador, le mantiene con la sonrisa en los labios y les lleva en varias ocasiones a la carcajada. Son escenas destacadas la representación de la primera aparición de San Dimas, la conversión de don José en un filántropo, las discusiones de los seis amigos por cuestiones de interés personal, el intento de conversión del agua en vino y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Franco Ferrara. Un compositor y director de orquesta nacido en Florencia. Después de obtener varios diplomas en piano, violín, órgano y composición musical en el Conservatorio de Bolonia, comenzó su carrera como violinísta en Bolonia, Roma y Florencia (1933-1940). Animado a asumir la dirección debutó en 1938 en Florencia comenzando una brillante carrera. En 1948, se retiró de la dirección en conciertos públicos debido a problemas de salud, pero siguió conduciendo para los registros y fue contratado como maestro en la Academia Nazionale de Santa Cecilia de Roma.

  También es muy conocido como director de música cinematográfica con películas como: "Hombre o demonio" ("Attila"-1954) protagonizada por Anthony Quinn y Sofia Loren, y "Anibal"-1959 con Victor Mature en el papel principal.

  Y aqui ofreciendo unas composiciones de aires populares, ecos de feria y tono sacártico y burlesco. El tema principal, de 10 notas, es pegadizo y sugestivo. Añade además fragmentos del "Gloria, del aria "Figaro" ("El barbero de Sevilla") de Rossini, y temas de pasacalles.

  La fotografía en blanco y negro es obra de Francisco Sempere. Un director de fotografía nacido en Madrid. Comenzó como ayudante de cámara de Fred Mandel en "Nuestra Natacha" -1936 de Benito Perojo y operador de cámara de José Aguayo durante buena parte de los años cuarenta. Su estreno como operador fue con "Hermano menor"-1952 de Domingo Vilademot y trabajaría habitualmente en esta década de los cincuenta con Nieve Conde (en todas sus películas, cinco, entre "Rebeldia"-1954 hasta "El inquilino"-1958. Con él volvió en "Más allá del deseo"-1976. Con Berlanga lo hizo en varias de sus películas (desde "Calabuch"-1956, hasta el episodio de "Las cuatro verdades"-1962). Con Marco Ferrari trabajó en dos de las tres películas que el italiano rodó en España, "El pisito"-1958 y "Los chicos"-1959. Francisco Regueiro, uno de los valores del Nuevo Cine Español requirió sus servicios para "Amador"-1965, y luego pondría su oficio en películas con José Maria Forqué, Pedro Lazaga y Rovira Beleta, con Luis Maria Delgado trabajó en su última película "Hierba salvaje"-1979.

  Y aqui, presentando notables planos secuencias, escenas corales que reúnen a muchos personajes y abundantes lances de humor visual. Los exteriores fueron rodados en el pueblo aragonés de Alhama de Aragón y los interiores en los platós de los Estudios Chamartin de Madrid.

  Extraordinario el elenco interpretativo a nivel internacional elegido aqui por el maestro Berlanga. Capitaneados por un inmenso (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de don José, seguido por un actor de fama universal me refiero a a Richard Basehart, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Martino; el italiano Paolo Stoppa, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como don Salvador; Juan Calvo, "Marcelino pan y vino"-1955 como don Antonio; Alberto Romea, "Historias de la radio"-1955 como don Ramón; Félix Fernández, "La verbena de la Paloma"-1963 como don Evaristo; Manuel de Juan, "La hija de Juan Simón"-1957 como don Manuel. Y en este "milagro del cine español" también andaban por allí a dos grandes de nuestro cine, aunque en breves papeles: Manuel Alexandre "Atraco a las tres"-1962 como Mauro y José Luis López Vázquez, "Mi querida señorita"-1972 como don Fidel. Y como anécdota en los titulos de crédito aparece un tal Luisito Varela, que no es ptro que Luis Varela de niño, y muy conocido haciendo de jefe en la exitosa serie de televisión "Camera café", y aqui como Luisito.

  En definitiva: Una pequeña joya del cine español. Una película muy recomendable de ver, con la que uno se divertirá y le hará de reflexionar.  Sobresaliente.

 

 

Atraco perfecto (The Killing - 1956 )

  "Hay que asegurarse que la recompensa es digna de riesgo."

  Exreaordinaria película de género de acción y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Lionel White. Un novelista y periodísta nacido en Nueva York. Fue reportero de crimenes y comenzó a escribir novelas de suspense en 1950. Escribió más de 35 libros la mayoria traducidos a varios idiomas. Entre sus muchas novelas llevadas al cine caben de destacar además de "Atraco perfecto", "La trampa del dinero" ("The Money Trap"-1965) protagonizada por Glenn Ford y "La noche del dia siguiente" ("The Night of the Following Day""-1969) con Marlon Brando en el papel principal.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Stanley Kubrick. un cineasta nacido en Nueva York. De niño aprendió a jugar al ajedrez, un juego de estrategia, y cuando cumplió trece años recibió una cámara de regalo. Más adelante, su visión del mundo se fué enriqueciendo con la capacidad de reconocer las relaciones dinámicas entre la gente y de representar esas luchas a través de un objetivo.

  Produjo el documental "Flying Padre"-1951 y dirigió otros dos documentales, "Day of the Fight"-1951 y "The Seafarers"-1953, una película que costó a Kubrick su primer matrimonio. Luego realizó "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), después de las cuales el actor Kirk Douglas le invitó a dirigir "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), sobre la Pimera Guerra Mundial.

  La sociedad entre Douglas y Kubrick dió origen a "Espartaco" ("Spartacus"-1960), que se convirtió en un escaparate para el actor y el director, aunque el segundo no se mostró dispuesto a someterse a las presiones de las estrellas. En esta historia del mitico héroe romano, dirigió emocionantes escenas de lucha. Sin embargo las interferencias del estudio en la producción de la obra le enfurecieron tanto que abandonó Hollywood, tras su segundo matrimonio fallido. Después de trasladarse al Reino Unido, Kubrick pasó el resto de su vida en un relativo aislamiento y se volvió cada vez más misterioso y excéntrico.

  Su siguiente película "Lolita"-1962, era una adaptación de la novela de Vladimir Nabakob sobre la pedofilía, luego Kubrick respondió a las tensiones de la Guerra Fria con la comedia negra "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" ("Dr. Strangelove, of How I Leonard to Stop Worrying and Love the Bomb"-1964), que marcaba a la perfección el espíritu de la época y se convirtió en una referencia para el movimiento pacifísta. Su éxito le reportó tres nominaciones al Oscar al mejor guión, dirección y producción y le consolidó como uno de los grandes directores de su generación, un estatus confirmado con el viaje al futuro de "2001. Una odisea en el espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968).

  "La naranja mecánica" ("A Clokwork Orange"-1971), una adaptación de Anthony Borgess, sobre un rufián incorregible que empeora con la terapia que sigue, que y continúa siendo una película muy controvertida. Esta película sufrió la censura tanto por lo que representa de forma explicita (violaciones, violencia de grupo y crueldad abyecta) como lo que sugiere sobre la condición humana.

  La reputación de Kubrick como director riguroso, exigente y perfeccionista se confirmó con su comportamiento durante el rodaje de "Barry Lyndon"-1975, pelicula encargada como una superproducción de época. Esta obra, donde mostró su tendencia a ejercer un control total de todo el proceso artistico, le proporcionó otras tres nominaciones al Oscar y alimentó el mito de su fuerza creativa. Decir que "El resplandor" ("The Shining"-1980) es una película de terror es correcto pero incompleto. Esta adaptación de una novela de Stephen King es en realidad una reflexión sobre el estrellato de Jack Nicholson. Es una descripción de los efectos de aislamiento en la psique de un hombre con problemas  resulta inevitable ver una alegoria del propio director durante los últimos años.

  Kubrick se adentró en la guerra de Vietnam en "La chaqueta metálica" ("Full Metal Jacket"-1987), una expresión de la locura del Primer Mundo ejercida en el Tercer Mundo, y de unos hombres convertidos en autómatas a través del pensamiento grupal y del castigo fisico. La pelìcula consiguió otra nominación de la Academia al mejor guión, gustó tanto a la critica como al público. El último trabajo de Kubrick "Eyes Wide Shut"-1999), realizado poco antes de su muerte, es un viaje de descubrimiento: desvela un mundo de tensión sexual y moral a través de la aventura de un médico. El público la recibió con frialdad y la critica con dureza por el erotismo explicito.

  En conjunto, la obra de Kubrick suele ser reflexiva y dificil para el público, pero resulta al mismo tiempo brillante, ya que plantea con fuerza una serie de preguntas sobre la naturaleza humana y su deseo de conseguir un estatus.

  La acción pues, nos mete en la vida de un tal Johnny Clay que, tras pasar cinco años en prisión ha planeado el atraco perfecto y decide ejecutar su plan. Se trata de robar la recaudación de un hipódromo. Para ello recluta a un grupo que le ayude a llevar acabo el asaalto: Randy Kennan, un policia corrupto; Mike O’Reilly, que necesita el dinero para proporcionar un tratamiento a su mujer enferma; George Petty, un pusilánime que quiere darle a su ambiciosa e infiel esposa una vida mejor y Nikki Areane, un tirador que debe disparar a un caballo durante una de las carreras. Johnny  lidera la banda en el atraco, cuando la muerte del animal, abatido por Areane, genera una gran confusión en gradas y oficinas del hipódromo, Nikki también es alcanzado por los disparos del vigilante del aparcamiento, donde se había apostado para disparar al caballo... 

  La película suma crimen, drama, thriller y cine negro, y concibe como un homenaje a "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) de John Huston, película que impresionó fuertemente a Kubrick cuando la vió de joven. Hace pues, un estilo narrativo no lineal, que resulta innovador, consistente en explicar los hechos desde diversos puntos de vista de varios personajes. Para ello algunas escenas se repiten, como la salida de la carrera de caballos. El uso de este recurso hace que la trama parezca más compleja y dificil de lo que realmente es. Se incluye la voz de un narrador anónimo, que podría ser la conciencia de Johnny, y se recurre a flasbacks para explicar antecedentes.   

  El relato se podria decir que se divide en tres partes clássicas (planteamiento, nudo y desenlace). El guión está escrito con fluidez y contundencia, la historia es atractiva y la intriga resulta absorbente. Los diálogos se glosan en intervenciones breves, secas y cortantes. Incorpora los elementos propios del cine negro clásico: personajes cinicos, ambientes nocturnos, atmósfera opresiva, comportamientos perversos, mujer fatal, flashbacks, etc. El suspense se basa en un hábil manejo de la incertidumbre, conductas disruptivas, sorpresas, errores (confusión de caseta), manias (obsesión de Johnny por la puntualidad) y casualidades.

  La película propone una interesante reflexión sobre la importancia de la planificación y la fuerza superior del azar y la fatalidad en un mundo limitado, en el que la perfección y la ausencia de riesgos no existe.

  La banda sonora corrió a cargo de Gerald Fried. Un compositor nacido en Nueva York. Compuso musica para conocidas series de televisión de los años 60 y 70 como por ejemplo: "Mission imposible" y "Raices". Colaboró con Kubrick en varias de sus películas "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1953) y "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) entre otras. Fue nominado para cinco Premios Emmy, ganándolo en 1977 por el documental "Roots: One Year Later".

  Y en este atraco aportando una partitura original de música pegadiza e insistente, que crea sentimientos de temor, tensión y angustia.

  La fotografía en blanco y negro corresponde a Lucien Ballard. Un director de fotografía nacido en Oklahoma. Comenzó trabajando en películas para la Paramount en 1929 cargando camiones y se entrenaba para asistente de cámara, después comenzó a trabajar con Henry Hathaway en "Correo dipolmático" ("Dipolmatic Courier"-1952) y "El principe valiente" ("Prince Valiant"-1954). Su primera película como director de fotografia fue ese mismo año con "Fugitivos rebeldes" ("The Raid"-1954) protagonizada por Van Heflin y dirigida por Hugo Fregonese, su última película fue "Un tio muy especial" ("Rabbit Test"-1978) con Billy Crystal como protagonísta y Joan Rivers de director.

  Y en este interesante atraco "casi perfecto" ofreciéndo un atractivo recital de sombras, luces, contraluces y claroscuros, de inspiración expresionísta, propia del cine negro clásico. Ofrece encuadres inferiores, torcidos y oblicuos, que crean sensaciones de peligro y riesgo. Evita tanto como puede el juego de plano/contraplano, que substituye por travellings laterales y largos planos fijos, que aportan realismo. La narración, de ritmo intenso y enfebrecido, culmina en una escena final antológica, muy imitada en cine "Código del hampa" ("The Killers"-1964) de Don Siegel.

  Muy bien Sterling Hayden, "Johnny Guitar"-1954, metido en el personaje de Johnny Clay, un expresidiario que decide dar el último golpe de su vida y asi poder retirarse  junto con su amada Fay.

  Y seguido por Gleen  Gray, "Rio Rojo"-1948 como Fay; Ted de Corsia, "La dama de Shanghai" ("The Lady from Shanghi"-1948), como Randy Kennan; Joe Sawyer, "Gilda"-1946, como Mike O’Reilly; Elisha Cook Jr. "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), como George Peatty; Marie Windsor, "La soga de la horca" ("Cahill U. S. Marshall"-1973) como Sherry la esposa de George; Timothy Carey, "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) como Nikki Areane; Vince Edwards, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"-1968) como Val Cannon...

  En definitiva: Una muy buena película con un gran trabajo de un joven Kubrick (28 años), en fase de aprendizaje y progresión hacia una espléndida madurez.  Sobresaliente.

  "Atraco perfecto" estuvo nominada al BAFTA a la mejor película.

 

Conspiración de silencio (Bad Day at Black Rock - 1955)

  "Un mal dia lo tiene cualquiera"...

  Obra maestra de género de intriga - racismo y de nacionalidad estadounidense, baada en un  relato corto "Bad Day  at Hondo" de Howard Brestim. Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Regis Hign School en 1932 y comenzó a trabajar como escritor para programas de radio. En 1946 escribió esta novela que más tarde fué llevada al cine con todos los honores. Otra de sus novelas también llevada a la pantalla grande fue "Plactinum High School"-1960 protagonizada por Mickey Rooney.

  Del guión se hizo cargo Millard Kaufman. Un guionísta y también novelísta nacido en Baltilmore. Se graduó en la Batilmore City College y finalmente en la Universidad Johns Hopkins. Se alistó en la Infanteria de Marina en 1942 sirviendo en Guadalcanal. En 1949 escribió el guión para el cortometraje "Regtime Bear", que fue la primera aparición del famoso pesonaje Mr. Magoo. Fue nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en 1955 con "Hombres de Infanteria" ("Take the High Ground!".

  "Conspiración de silencio" está dirigida por John Sturges. Un cineasta nacido en Illinois. Comenzó su carrera en el taller de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. Estando de servicio en el Cuerpo del Ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documantales, y tras volver a Hollywood realizó una película, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946). Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción y dramas como se dió el caso de su obra maestra "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955) donde demostró lo que podia hacer con un buen guión y una buena estrella Spencer Tracy.

  Siguieron y con enorme éxito "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, donde reveló su talento para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialistas en este género de Hollywood.

  Su carrera siguió con dos exclentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El últino tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el wester épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores. Basándose en "Los siete samurais ("Seven Samurai"-1954), de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México.

  Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) drama que transcurre en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas.

  En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Watt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood fueron decepcionantes.

  La acción pues, tiene lugar en un dia de 1945, acabada la Segunda Guerra Mundial y nos narra la historia de un veterano militar llamado John J. Maccreedy, un ciudadano de Los Angeles que se desplaza al pueblo de Black Rock para hablar con un granjero japonés-estadounidense, llamado Kamoko, a quien quiere comunicar que su propio hijo falleció tratando de salvarle la vida en Italia durante la contienda. Pero lo que Maccredy desconoce, aunque tendrá la oportunidad de ir descubriendo todo sobre la marcha, es que dicho hombre fue asesinado a causa de los prejuicios que el bombardeo de Pearl Harbor despertó entre los lugareños, practicamente en uno de ellos: Reno Smith que además fue rechazado en la oficina de reclutamiento del ejército de Estados Unidos, cuando quiso alistarse para combatir contra los japoneses...

  Extraordinaria película. Si señor. Y en donde Sturges nos muestra como las actitudes racistas y xenófabas pueden desencadenar tragedias personales y colectivas, injustas y rigurosamente punibles. Los prejuicios y la intolerancia que los informan no tieen sentido, carecen de justificación, se alimentan de odio y engendran odio, inseguridad y angustia.

  Se muestra una comunidad en la que el imperio de la ley ha sido desplazado por grupos de granujas a las órdenes del tal Reno, un desalmado que mantiene a los convencinos sometidos a su capricho y aislados del exterior. Pero la presencia de ese forastero desestabiliza el precario equilibrio de dominación y sometimiento que rige al amparo del miedo. Su lucidez, astucia, valentia y su rechazo del miedo, ponen en evidencia la debilidad del impostor.

  La banda sonora fue dirigida por Andre Previn. Un  compositor nacido en Berlin (Alemania). En 1938 su familia emigró a Estados Unidos huyendo del régimen nazi y en 1943 consiguió la nacionalidad estadounidense. En 1948 comenzó su carrera estableciéndose en Los Angeles y durante bastante tiempo trabajó en el departamento musical de la MGM, dirigido por Arthur Freed. A finales de 1950 grabó discos como pianista de jazz colaborando con Shelly Mcnne y Benny Carter.

  En 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres. Su carrera en Hollywood se concentró en la composición de numerosas películas musicales. Fue nominado al Oscar en numerosas ocasiones, lográndolo en cuatro de ellas por "Gigi"-1958, "Porgy & Bess"-1959, "Irma la dulce"-1963 y "My Fair Lady"-1964.

  Y en este maldito dia en un pueblo americano, mostrándo una música que suena con fuerza y solemnidad, interpretada por una orquesta de viento y percursión.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por William C. Mellor. un director de fotografía nacido en Missouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con George Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959), donde logró sendos Oscar y con William Wellman en  "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, como por ejemplo "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y en varios musicales de la MGM.

  Y en esta historia llena de prejuicios e intolerancias, haciendo uso de encuadres excelentes, escenas nocturnas iluminadas con sabiduria, un discreto recurso a la "noche americana", planos medios bien centrados en la pantalla Cinemascope y los travellings excepcionales de la  presentación del tren.

  Sensacional Spencer Tracy, "Lanza rota" ("Broken Lance"-1954) en el papel de John Macreedy. Y seguido por otro sensacional Robert Ryan, "La colina de los diablos de acero" ("Men in War"-1957), como Reno Smith.

  Y acompañandoles un elenco de grandes y magníficos actores tales como: Lee Marvin, "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), como Hector David; Ernest Borgnine, "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), como Coley Trimble; Dean Jagger, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), como Tim Horn; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959, como Doc Velie; John Erickson, Fuego verde" ("Green Fire"-1954), como Peter Wirth. Y por supuesto que no podría faltar una mujer y en este caso se trata de la bellísima Anne Francis, "Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle"-1955), y aqui dando vida a Liz Wirtz, la hermana de Peter. 

  Resumiendo: Una obra maestra de su género. Ua película dotada de grandes virtudes que convence y emociona. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

 "Conspiración de silencio" estuvo nominada al Oscar en tres apartados: Director, Actor (Spencer Tracy) y Guión.

  A modo de curiosidad: Ernest Borgnine que en  esta película tiene un papel secundario, ese mismo año logró el Oscar al mejor actor por su interpretación en "Marty".

La strada - 1954

  "Creo que he realizado esta película porque me he enamorado de esa niña-viejita un poco loca y un poco santa, de ese payaso despreñado, ridiculo y tierno que he llamado Gelsomina y que aún hoy, consigue llenarme de melancolía cuando oigo el sonido de su trompeta". (Federico Fellini).

  Obra maestra del neorrealísmo italiano y de género dramático con un guión de Tullio Pinelli. Un guionísta nacido en Turin (Italia). Trabajó inicialmente como abogado mientras escribia teatro, su obra "Los padres etruscos" le valió un contrato para el cine que cambió su vida. Trabajó con Fellini y Rossellini en "El amor de 1948", adaptación de "La voz humana" de Jean Cocteau, película donde añadió "El milagro", donde inicialmente el mismo Fellini actuaba cono San José. En 1949 adaptó "El molino del Po" de Alberto Lattuada y "La Estepa" basada en una obra de Antón Chejov.

  Pinelli supo captar y trasladar al guión las ideas de Fellini. Trabajó en ocho películas con Pietro Germi entre 1951 y 1972, con Mario Monicelli y con Vittorio de Sica en "El jardin de los Finzi Contini"-1971.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Federico Fellini. Un cineasta nacido en Rimini (Italia). La valoración de Fellini ha fluctuado con el paso del tiempo reconocido mundialmente en los años sesenta como uno de los grandes maestros, su obra ha sido acusada recientemente de ser demasiado sentimental e inusual, poco eficaz, carente de orientación politica y excesivamente preciosísta desde el punto de vista visual.

  Aquellas cualidades de sus películas que en determinado momento parecieron audaces y novedosas (la celebración de los inadaptados y los parias, el paso del realísmo a la fantasia y viceversa y la presentación de la decadencia y de la criminalidad sin condenarlas) tienden a verse hoy ensombrecidas por aquellas que, en otro tiempo parecian más tranquilizadoras y tradicionales: el compromiso con la  narrativa y la caracterización, la transmisión de las emociones, el optimísmo subyacente y el amor por el mundo del espectáculo y el artificio.

  Fellini accedió a la industria del cine a principio de los cuarenta como guionísta y actor ocasional. Sus primeras películas como director mostraban ya sus preocupaciones, pero lo que hoy se denomina estilo Fellini se fue perfeccionando a lo largo de tres obras maestras consecutivas, "La strada"-1954, "Almas sin conciencia" (Il bidone"-1955 y "Las noches de Cabiria" ("Le notti di Cabiria"-1957), quizá su mejor película. En las tres participó su esposa la actriz Giulietta Masina.

  Estas películas, extrañas pero totalmente accesibles son visualmente imaginativas y poseen una rica textura, combinando la excentridad inquebrantable con una atractiva simplicidad y una generosidad de espiritu. Los argumentos de las tres películas son deptimentes. La primera presenta el personaje interpretado por Masina como una muchacha ingenua a la que su madre vende a un forzudo protagonizado por Anthony Quinn, él la maltrata y la rechaza, y sólo descubre su verdadero valor cuando ella muere. La segunda es la historia picaresca de una banda de estafadores itinerantes, disfrazados de sacerdotes, que roban a los pobres. En ella Masina hizo un papel secundario poco lucido de ama de casa, pero en la tercera protaginizó a una ingenua prostituta, cuyos sueños de amor y de felicidad se enfrentan sin cesar a la tristeza y a la mala suerte.

  El estilo propio de Fellini eleva estas películas por encima del realísmo, casi hasta el rango de cuento de hadas, con brillos exteriores, una composición estilizada, un reparto de actores secundarios rico y a veces grotesco, partituras fascinantes y distintivas compuestas por Nino Rota y las increibles interpretaciones de Masina. Su climax dramáticos transcienden su pesimismo inmediato para convertirse en experiencias profundamente conmovedoras para el espectador, catárticas más epifanias que tragedias.

  "La dolce vita"-1960, que confirmó y consolidó el prestigio internacional de Fellini, es brillante, elegante y sigue siendo relevante por sus excepticos valores frente a una sociedad que se aleja de sus valores más esenciales. Su rasgo más característico sigue siendo su postura de objetividad total, como el enorme Cristo que vuela por encima de Roma. Pero se detecta una fuerte confianza en si mismo, nueva en este director, una especie de taquigrafía metodológica que parece sugerir que Fellini sabia ya que se había consolidado y que podría permitirse asumir el papel de maestro, ostentoso y menos riguroso. Con "8 1/2"-1963 volvió la vista hacia dentro; a pesar de su habitual maestria de estilo, parece mostrar su atisbo de autoindulgencia, un intento de convertir el bloqueo de un director en una crisis existencial.

  Se podria decir que el fuerte sentimiento que tenia Fellini de si mismo como autor acabó apoderándose de él después de 1963: "Satiricón"-1969 y "Casanova de Fellini"-1976 parecen un momumento a su orgullo desmedido. Sus películas posteriores son todas dignas de verse, pero solo "Amarcord"-1973 es realmente imprescindible. Fellini no temia que le tacharan de iluso, pero nunca consiguió superar el nivel de las tres películas realizadas antes que "La dolce vita".

  Asi pues, el maestro italiano nos lleva a un lugar de Italia en los primeros años de la posguerra, y nos cuenta la historia de una muchacha, llamada Gelsomina, que es vendida por su madre a un forzudo actor de circo, llamado Zampanó, el cual la trata con rudeza, agresiones verbales y abusos. Ella lo soporta todo con resignación, mientras huye de la realidad a través de sus sueños. En un circo coinciden con un funambulísta, alegre, jovial, excentrico, amable y respetuoso, que entabla amistad con Gelsomina y provoca los celos de Zampanó...

  La película se centra en la descripción de dos personajes contrapuestos, unidos por el azar, que viven en un carromato montado sobre una vieja motocicleta.

  El se gana la vida haciendo un número ciecense de fuerza: es presuntuoso, agresivo, irascible y brabucón. Ella, mucho mas joven, es sencilla, inocente, ingenua, generosa y pacífica, pese a que su vida está marcada por la violencia. Cuando nace en ellos un atisbo de amor, este no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad de marginación, desarriego y miseria, que se enmarca en la insolización de la pobreza de Italia tras la Segunda Guerra Mundial.

  La tragedia de los protagonístas y de quienes le rodean, es marcada con un lirismo sorprendente y con toques de humor. La asociación de poesia y tragedia constituye el rasgo más sobresaliente de la pelìcula. La playa es el lugar de encuentro, recreo, refugio y despedida, en el que los personajes buscan ayuda, reposo, trabajo y amor.

  La banda sonora fue creada por Nino Rota. Un compositor nacido en Milán. Estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari, del que llegaría a ser director. Ganó una beca para estudiar en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Ricardo Muti. El estilo de Nino Rota, neorromántico, queda inscrito dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos. Entre sus bandas sonoras para el cine cabe de destacar "El Padrino II"-1974 por la que logró el codiciado Oscar, puesto que fué nominado en numerosas ocasiones.

  Y aqui, creando una melodia central presentando una progresión sorprendente: Gelsomina la balbucea fragmentariamente al principio la completa gracias al funambulísta (que la interpreta con un violín de miniatura), la repite con la trompeta de Zampanó y al final suena en formato orquestal, de recuerdo y homenaje.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Otello Martelli. Un director de fotografía nacido en Roma. Asiduo colaborador de Roberto Rossellini, Federico Fellini y Vittorio De Sica entre otros. Aunque especialmente fue colaborador habitual de Fellini desde 1950 con películas como: "La strada"-1954 y "La dolce vita"-1960.

  Y aqui, extrayendo el rostro de Giulietta Masina con expresiones antológicas, en tomas tan expresivas como fugaces. Presenta además travellings que subrayan el sentimiento de estar siempre en camino hacia un destino incierto y sin fin.

  Soberbias las interpretaciones de la pareja protagonísta comenzando por Giulietta Masina, "Las noches de Cabiria" (Le notti di Cabiria"-1957), metida en el cuerpo de Gelsomina. Y Anthony Quinn, "Lawrence de Arabia"-1962, en el papel de Zampanó. Y con ellos otro grande del cine internacional Richard Basehart, "Los hermanos Karamazov" ("The Brothers Karamazov"-1958), como el funambulísta.

  En definitiva: Una obra maestra del neorrealísmo italiano. Una película para revisar una y otra vez por todo lo que contiene. Una película Imprescindible.

  "La strada" logró el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa.

 

 

   

Traidor en el infierno (Stalagat 17 - 1953)

  "Si os vuelvo a ver, finjamos que nunca nos hemos conocido."

  Entretenida película de género bélico-carcelario y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Donald Bevan y Edmund Trzcinski. El primero un dramaturgo nacido en Massachusetts. También fue caricatulísta en el famoso restaurante neoyorquino Sardi durante más de 20 años, y redactor en el New York Times de Nueva York. El segundo otro damaturgo nacido en Nueva York. Fue miembro de la 8ª Fuerza Aérea, su avión fue derribado cuando sobrevolaba territorio alemán y fue enviado al campo de prisioneros Luft Stalag 17 B. Fue cuando al acabar la guerra escribió junto a Bevan sus peripecias ocurridas en este campo de prisuoneros. (Los dos tuvieron un pequeño papel en esta película).

  Del guión se hicieron cargo Edwin Blum. Un guionísta nacido en Atlantic City (Estados Unidos), aunque se crió en San Francisco. En 1933 se mudó a Los Angeles con la esperanza de hacer su carrera de guionísta en Hollywood. Inicialmente fue empleado como escritor anónimo y asistente de Ernest Pascal. En 1938 fue contratado por la 20th Century Fox y más tarde por Columbia, MGM y Paramount Pictures. Su primer trabajo como guionísta fue en la película "Las nuevas aventuras de Tarzán" ("The New Aventures of Tarzan"-1935) y su último trabajo en el cine fue con "Pisa a fondo" ("Gung Ho"-1986) dirigida por Ron Howard.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue Billy Wilder. Un cineasta nacido en Polonia (nacionalizado estadounidense). Uno de los mejores directores y guionístas que jamás haya tenido Hollywood, resumió en cierta ocasión en un ejemplo tremendo de modestia: "Me limité a hacer las películas que me hibiera gustado ver". Wilder se encuentra en algunas de las imágenes y las frases mas memorables de la historia del cine, como Marilyn Monroe sobre una rejilla de ventilación del Metro con su famoso vestido blanco vaporoso levantado. Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos transvestidos en "Con faldas y a lo loco ("Some Like It Hot"-1959) o el convincente retrato de Fred McMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), incluso fue el responsable de que Greta Garbo se riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939).

  Billy Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eléctricos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus películas se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda pparecer extraño en un director tan asociado con las comedias, trabajó siempre desafiando los limites de la censura estadounidense debido a su elección provocativa de los temas, como el adulterio "Perdición" ("Double Idemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias si huella" ("The Lost Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria- Hungria que más tarde se anexionaría Polonia, Wilder recibió de su madre el apodo "Billy" a causa de la fascinación que ella sentia por la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlin como corresponsal en un periódico, el joven Wilder descubrió su interes por el cine. Se convirtió en guionista, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris donde debutó como director en "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934).

  Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine alli, convirtiéndose en un notable guionísta de películas. Quiza debido a que el inglés no era su lengua materna a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias clásicas entre ellas, "Ninotcka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941).

  Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Minor"-1942), con un guión escrito conjuntamente con Brackett. La colaboración con el escritor de novela negra Raymond Chandler para adaptar una obra de James M. Cain permitió a Wilder realizar su primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Idemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de "persiana veneciana", y una narración de voz en off. Durante el resto de los años cuarenta, Wilder rodó películas muy aclamadas como "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950), su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intimos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir titulos de creación propia. De su producción en este nuevo capitulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"1955) y su primera colaboración como guionísta con el otro socio importante de su carrera J. A. L. Diamond "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Spirit of St. Louis"-1957), Diamond y Wilder colaboraron en los restantes proyectos de sus carreras. Asi como en las comedias sublimes "Con faldas y a lo loco" (Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte del reducido grupo de directores que habian ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película.

  Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impidió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti!"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974). Durante su carrera, Wilder ganó dos Oscar como director y tres como guionísta.

  La acción pues, tiene lugar en el campo de concentración Stalag 17, situado en Alemania, cerca del Danubio, durante los dias 24-26 de diciembre de 1944. El narrador es Clarence Harvey Cook, ayudante de Sefton. El lider del barracón es Hoftman, el jefe de información es Price, el bufón es Harry Shapiro, el ganso es Stanilas "Chimpancé" Kasava, el mudo es Joey. El sargento nazi se llama Schulz y el coronel es von Scherbach...

  La película suma los géneros de comedia, drama, suspense y guerra. Deriva hacia la comedia negra y transforma en farsa la situación de los prisioneros retenidos por los nazis. El campo está destinado a sargentos, reúne a unos 600 prisioneros de guerra, que distribuye en 8 barracones de 75 personas cada uno. Explica las condiciones de vida de los prisioneros: comida horrible, duchas en letrinas, trato cruel y caprichoso. El suspense se apoya en la identificaxión del espia nazi infiltrado. La acción corresponde a la Segunda Guerra Mundial. Wilder establece un correcto equilibrio entre el drama y comedia, tensión y humor, desgracia e hilaridad. Desvela que la guerra es una fuente rica de humor negro, que será utilizada en películas posteriores como por ejemplo: "M.A.S.H."-1970 de Robert Altman.

  La obra es para mi, una de las grandes películas sobre prisioneros de guerra de la Segunda Guerra Mundial "El puente sobre el rio Kwai" ("The Bridge on the River Kwai"-1957), "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). El humor de Wilder no anula ni rebaja el vigor del drama, realiza su fuerza lacerante. No se mofa del dolor, enseña a sobrellevarlo (en Auschwitz perdió parte de su familia). No renuncia a la memoria, desea potenciarla.

  La película lleva la huella del realizador: cita melómanas (Wagner), actores de cine (Clark Gable), cinéfilas "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940), "Lo que el viemto se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), "Infierno en las nubes" ("Flying Leathernecks"-1951), coches singulares (vehículo del CICR), trenes y estaciones (Frankfort).

  Basa la comicidad en personajes arquetipicos (el cinico, el bufón, el cartero...), artilugios curiosos (destiladora), el ingenio personal que burla controles (antena de radio), extrañas maneras de encender una cerilla (barba, gabán). Añade planos de humor visual (gestualidad de "chimpancé). Se burla del autoritarísmo, la crueldad, las órdrnes caprichosas, la vanidad, la mentira y las simulaciones).

  La banda sonora corrió a cargo de Franz Waxman. Un compositor nacido en Alemania (nacionalizado estadounidense). A los 16 años se matriculó en la Academia de Música de Dresde (Alemania) donde estudió composición y dirección. Sus comienzos en el cine fue con una partitura para Robert Liebmann en su película "El ángel azul" ("The Blue Angel"-1930). En 1933 abandonó Alemania y se trasladó junto con su esposa a Paris y más tarde a Hollywood. Es internacionalmente conocido por sus trabajos para el género musical, y con películas tan emblemáticas como por ejemplo: "La novia de Frankestein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) o "La ventana indiscreta" (Rear Window"-1954).

  También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959. Waxman  también fundó el Festival de Musica de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número de estrenos en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos como de compositores de música de concierto. A lo largo de su carrera cinematográfica recibió un total de 12 nominaciones al Oscar, lográndolo en dos ocasiones por "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951).

  Y aquí ofrecéndo una brillante partitura original que complementa con variaciones sobre el tema "Wen Johnny Cames Marching Home Again".

  La fotograia en blanco y negro la dirigió Ernest Laszló. Un director de fotografía nacido en Hungria (pero como todos nacionalizado estadounidense). Durante toda su carrera dirigió más de 60 películas, y muy conocido por sus frecuentes colaboraciones con los directores Robert Aldrich y Stanley Kramer. Fue miembro de la Sociedad Estadounidense de Cinematigráfos, y presidente de 1972 a 1974. También fue miembro activo de la Alianza Internacional de Empleados de Teatro. Emigró a Estados Unidos y comenzó como camarógrafo en películas mudas como "Alas" ("Wings"-1927) y en 1947 lo hizo como director de fotografía. Logró un Oscar por su pelìcula "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965) de Stanley Kramer.

  Y aqui, haciendo uso de un sugestivo blanco y negro, sirviéndose de un trabajo de cámara sobrio y eficaz, presentando encuadres inquietantes (rostro de Joey, fango) y ofreciéndo con deleite imágenes de humor visual (botas del coronel).

  Muy bien William  Holden, "Grupo salvaje" ("The Wild Bounch"-1969), bordando el papel de Sefton. Y seguido por Don Taylor, "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), como Dunbar; Gil Strafton, "Los lios de Susana" ("Bundle of Joy"-1956), como Cooky; Richard Erdman, "Objetivo: Birmania" ("Objetive: Burma!"-1945), como Hoffman; Peter Graves, "Aterriza como puedas" ("Airplane!"-1980), como Price; Harvey Lembeck, "Escándalo en la playa" ("Beach Party"-1963), como Harry Shapiro; Robert Strauss, "La tentación vive arriba" (The Seven Year Itch"-1955), como Kasava. Y atención a Otto Preminger, exactamente el director de grandes obras maestras como por ejemplo "Laura"-1994, y aqui metido en las botas del coronel von Scherbach.

  En definitiva: No es de lo mejor del gran Wilder pero de seguro pasareis un buen rato viéndola. Notable.

  William Holden logró el Oscar al Mejor actor, y la película obtuvo dos nominaciones más: Director y Actor secundario (Robert Strauss). Fue el año de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953)

 

 

¡Viva Zapata! - 1952

  Porfirio Diaz: "Mis niños... tengan paciencia."

  Emiliano Zapata: "Nosotros no comemos tortilla de paciencia, si no de maiz".

  Muy buena película de género dramático-biográfico (revolución mexicana) y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Edgcumb Pichon. Con un sólido guión de John Steinbeck. Un escritor nacido en California. Se graduó en la Escuela Secundaria de Salinas en 1919 y estudió literatura en la Universidad de Stanford. En 1929 escribió su primera novela "La copa de Oro", una historia de ficción histórica basada en la vida del pirata Henry Morgan. En 1939 escribió "Las uvas de la ira", considerada su obra maestra. La novela la adaptó John Ford para una película protagonizada por Henry Fonda "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) ganadora de dos Oscar. En 1952 publicó "Al este del Edén" que lo llevó al cine Elia Kazan, "Al este del Eden" ("Esat of Eden"-1955), con James Dean y con un Oscar a la mejor actriz secundaria. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1962 por su "escritura realísta e imaginativa, combinando el humor simpático y la aguda percepción social".

  "¡Viva Zapata!" está dirigida por Elia Kazan. Un cineasta nacido en Estambul (Turquia), nacionalizado estadounidense.

  En la posguerra, el teatro de Broadway, con sus representaciones pioneras de la vida psicosexual, ejerció una profunda influencia en el cine de Hollywood, de lo que buena pparte se debe a Elia Kazan. Su adaptación de la obra teatral de Tennessee Williams "Un tranvia llamado Deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) inaguró la tradición de dramas adultos a pequeña escala, en blanco y negro, que también sirvieron a la industria en su era de recesión económica posterior a la guerra.

  Durante el resto de la década, explotó con gran éxito de critica este género. "Un rostro en la multitud" ("A Face in the Crowd"-1957) aborda un tema muy respetado en Estados Unidos: el populísmo sureño, basado en el culto de la personalidad del statu quo blanco, anglosajón y protestante del Este. "Baby Doll"-1956 combina una mirada cínica y cómica sobre la mojigatería sexual con las estilizaciones neorrealístas propias del realísmo europeo.

  "Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass"-1961) recrea eficazmente para el cine las intensas meditaciones del dramaturgo William Inge sobre los problemas sexuales del Medio Oeste, y en concreto los efectos paralizantes sobere las mujeres del denominado "doble estandar". La película anticipó casi una década el inicio de la tradición del cine artístico estadounidense durante el renacimiento de Hollywood y la creación de un tipo diferente de películas para mujeres.

  Convocado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, Elia Kazan delató a otros comunistas de la industria cinematográfica, una indicación que Hollywood nunca le perdonó del todo.

  Elia Kazan tiene otras películas que excavan en la vista del realísmo social europeo y el teatro artístico: "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets"-1950), en el que un personaje blanco hace de negro, "¡Viva Zapata!"-1952, "Al este del Eden" ("East of Eden"-1955) y "Rio salvaje" ("Wild River"-1960), que trata el inevitable descontento ante el progreso social y el cambio generacional. Incluso los proyectos más convencionales de Kazan manifiestan una maestria y una sofisticación intelectual que los hace superar el mero entretenimiento.

  Asi pues, Kazan nos lleva hasta el Sur de Méjico, entre 1909 y 1919. Y nos relata la historia de Emiliano Zapata, lider del movimiento campesino que reclama las tierras propias ocupadas por los terratenientes. Ante el fracaso de las gestiones pacíficas, se erige en uno de los cabecillas de la insugerencia ante el presidente Porfirio Diaz, despótico y tiránico. En marzo de 1911 se incorpora con los suyos a las fuerzas maderístas, que junto con las de Pancho Villa provocan la caida de Diaz. El nuevo presidente Francisco Madero, es asesinado (1913) por el general Victoriano Huertas que se proclama presidente. El desarrollo de la guerra lleva a Huertas al exilio (1914) y Venustiano Carranza, jefe de una facción revolucionaria, ocupa la presidencia, desde la derrota a Villa (1915) y busca la muerte de Zapata...

  La película exalta la figura de Emiliano Zapata, honesto, leal y sincero, que lucha por los suyos, sin querer nada a cambio. El propósito de Zapata de obtener la devolución a los campesinos de las tierras que les fueron arrebatadas fracasa ante Porfirio Diaz, Madero y Huertas, por lo que se ve obligado a mantener la lucha.

  La película muestra la revolución de Zapata como una lucha por la libertad de trabajar las propias tierras y la paz de vivir sin riesgos de perder la vida a manos de sicarios de los poderosos. La figura del héroe sobresale por su valentia y su amor por Josefa, su esposa con la que comparte momentos de gloria y de penuria.

  La banda sonora corrió a cargo de Alex North. Un compositor nacido en Chester (Estados Unidos). Estudió en la Julliard School of Music de Nueva York siguiendo sus estudios en Rusia. A su vuelta a Estados Unidos compuso música teatral para varios autores, entre los que se encontraban Elia Kazan, que le daría la oportunidad de hacer su estreno en el cine.

  Compuso una gran partitura para la película "2001: Una odisea del espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968), pero la descartó para luego incluir música clásica de Richard y Johan Straus, y otros. Coincidiendo con el 25 aniversario de la película, salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith, dirigiendo a la National Philarmonic Orchestra de Londres.

  Fue candidato al Oscar en 14 ocasiones, pero no se le concedió ninguno. sin embargo, en la entrega de los Oscar de 1985, se le concedió un Oscar honorífico en reconocimiento a sus desatacadas bandas sonoras.

  También fue creador de la música de una de las series más famosas de la televisión: "Hombre rico, hombre pobre" ("Rich Man, Poor Man"-1976) y de la canción "Unchained melody", bastante recordada y utilizada como fue en la película "Ghost"-1990.

  Yen este relato de un lider revolucionario, noble y generoso aportando una partitura de profundo dramatísmo que incluye canciones populares, como "Valentina", "Las mañanitas" y otras.

  La fotografía en blanco y negro la dirigió Joseph MacDonald. Un director de fotografía nacido en Méjico. Sus comienzos fueron como asistente de camarográfo a principio de 1920 y en 1940 se convirtió en director fotográfico comenzando en la 20th Century Fox. Por lo general fue el primer director nacido en Méjico y el segundo en filmar una película en Cinemascope "Como casarse con un millonario" ("How to Marry a Millonaire"-1953), el primero fue Leon Shamroy con "La túnica sagrada" ("The Robe"-1953).

  Yen esta gran aventura reflexiva desarrollando una narración de singular belleza, con primeros planos psicológicos, sombras expresionístas, preferencia por los claroscuros y movimientos de gran precisión.

  Magistral la interpretación de Marlon Brando, "La ley del silencio" ("On the Waterfront"-1954) metido en el cuerpo de Emiliano Zapata. Y  extraordinario como siempre Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), como Eufemio Zapata, hermano de Emiliano. Y entre los dos la excelente y bellísima Jean Peters, "Niágara"-1953,como Josefa la esposa de Emiliano.

  Y muy destacables también Joseph Wiseman, "En nombre de la ley" ("Lawman"-1971), como Fernando Aguirre, un personaje al que siempre acompaña la muerte; Arnold Moss, "El reinado del terror" ("Reign of Terror"-1949), como don Nacio; Alan Reed, "Desayuno con diamantes" (Breakfas at Tiffany’s"-1961, como Pancho Villa; Frank Silveira, "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955), como Victoriano Huerta...

  Resumiendo: Una película con interpretaciones soberbias, sobresaliente fotografía, un guión que es de acero puro, magistral banda sonora y una inmejorable dirección.  Matrícula de Honor.

  "¡Viva Zapata!" obtuvo cinco nominaciones y Anthony Quinn logró el Oscar al mejor actor de reparto.

  A modo histórico Emiliano Zapata Salazar (Emiliano Zapata) nació en Annecuilco, Morelos (México) el 8 de agosto de 1875 y murió asesinado en Chinameca, Morelos (México) el 10 de abril de 1919.