Hasta siempre!!!

                Franco Zeffirelli

                  "El director total"

  El pasado 15 de junio falleció a la edad de 96 años el famoso director italiano Franco Zeffirelli.

  Zeffirelli estaba dotado de una sensibilidad y un talento especial para la concepción escénica, fue internacionalmente reconocido por dirigir en la gran pantalla clásicos modernos, como su versión cinematográfica de la obra de teatro "Romeo y Juieta" ("Romeo and Juliet"-1968) de Shakespeare, por la que fue nominado al Oscar, la controvertida biografía-musical sobre Francisco de Asis, "Hermano Sol, hermana Luna ("Fratello Sole, sorella Luna"-1972) y su ambiciosa miniserie para la televisión "Jesús de Nazareth"-1977 (estrenada en cines en algunos paises).

  También fue nombrado miembro del Senado italiano en 1994, representando al partido conservador Forza Italia, de Silvio Berlusconi.

  Franco Zeffirelli nació, se formó y creció en Florencia, en un ambiente bilingüe, pues su familia tenía mucho contacto con un grupo de intelectuales británicos que ahí vivian de quienes se inspiró años más tarde para la realización de su película "Té con Mussolini" ("Tea with Mussolini"-1999).

  Durante la Segunda Guerra Mundial, peleó como partisano antes de unirse a soldados británicos del primer regimiento escocés, de quienes fue intérprete. En los años de la posguerra, estudió arte y arquitectura en la Universidad de Florencia, y trabajó con algunos de los grandes nombres del cine italiano como ayudante de dirección: Vittorio De Sica, Roberto Rossellini y Luchino Visconti, debutando como realizador con la comedia "Camping"-1958, protagonizada por el entonces emergente Nino Manfredi.

  En los años 1960, hizo renombre al escribir y dirigir sus propias obras teatrales en Londres y Nueva York, y pronto pasó esas ideas al cine. También fue director importante en producciones de ópera desde los años 1950 en Italia, Europa y Estados Unidos. Sobresaliente fue la producción en la Royal Opera House de "Tosca"-1964 con Maria Callas y Tito Gobbi, y varias producciones para el Metropolitan Opera House de Nueva York, incluyendo "La boheme" y "Turandot". Su amistad con Maria Callas llegó a ser tan estrecha que la plasmó en la película "Callas Forever"-2002, donde Jeremy Irons encarna a un personaje que parece un alterego del propio Zeffirelli.

  Tras empezar a ser reconocido por la película "La mujer indomable" ("The Taming of the Sherew"-1967), de William Shakespeare, donde dirigió a la pareja de moda del momento formada por Richard Burton y Elizabeth Taylor, dió el salto definitivo con "Romeo y Julieta", colocando esta versión como una de las más logradas de la historia, a nivel cinematográfico, y logrando todo un éxito de taquilla a nivel mundial. La película marcó toda una época, y el éxito se repitió en la siguiente producción del cineasta: "Hermano Sol, hermana Luna" en 1973. Tras ellas, comenzó una carrera bastante irregular, donde sobresalió su versión del clásico de King Vidor de 1931, "Campeón" ("The Champ"-1979) (rodada en Hollywood), sus operas llevadas al cine con resultados más que interesantes al lado de Plácido Domingo ("La traviata" y "Otello") y la lujosa versión de "Hamlet"-1990 protagonizada por Mel Gibson y recibida con entusiasmo por el público.

  Además, produjo la ambiciosa película para el cine y televisión "Jesús de Nazareth"-1977, con una actuación muy convincente de Robert Powell y una duracción de algo más de seis horas. Con un rutilante reparto de estrellas en papeles más o menos breves (Laurence Olivier, James Mason, Anthony Quinn, Anne Bancroft, Claudia Cardinale, Donald Pleasence, Fernando Rey, Rod Steiger, Ernest Borgnine y Olivia Hussey), es una de las versiones de la vida de Jesucristo más famosas de entre los más de cien filmes que han pasado por la pantalla. La película, muy bien ambientada, posee mayor rigor histórico que la mayoría y está bastante desmistificada, lo que provoca el conseso en casi todos los credos cristianos y quizas resulta la más recurrente en los canales de televisión durante la Semana Santa por ejemplo, en Chile se ha mostrado en televisión en cada Viernes Santo desde 1982.

  En 1996, dió un giro en su carrera cinematográfica y comenzó a bucear en otras inquietudes temáticas o estéticas, ofreciendo al público películas con repartos solventes, pero de más sobriedad y menor ambición artística: su versión de "Jane Eyre"-1996 merece interés, pero sus dos siguientes pelìculas se diluyen en guiones menos trabajados o certeros, y en puestas en escena más discutibles.

  En 2004 el presidente del Consejo Silvio Berlusconi le recomendó el diseño y supervisión de la escenografía en donde se produjo, el 29 de octubre de ese mismo año, la solemne firma de la primera Constitución Europea, celebrada en la histórica Sala de los Horacios y Curacios del Capitolio romano. La decisión del Gobierno italiano resultó controvertida, pues Zeffirelli, nacionalísta manifesto, nunca se mostró un entusiasta de la integración europea. A pesar de todo, la puesta en escena resultó, a la vista de todos espectacular.

  Gian Franco Cursi Zeffirelli (Franco Zeffirelli) - Florencia - 12 - febrero - 1923 - Roma - 15 - junio - 2019

                                   ¡ DESCANSE EN PAZ! 

 

Muerte a 33 r.p.m. (Trick Or Treat - 1986)

  "Las guerras del rock dominarán el apocalipsis"

  Entretenida película de género de terror-fantástico y de nacionalidad estadounidense llevada al cine con un guión de Michael S. Murphey. Un productor y guionísta  nacido en Nueva York y mundiaente conocido por haber producido la saga de "Pesadilla en Elm Street". El segundo fue Joel Soisson. Un escritor nacido también en Nueva York. Trabaja principalmente en el campo del cine independiente. Sus numerosas películas incluyen "Drácula 2000"-2000 y "Little Pink House"-2017 entre otras. Estudió bellas artes y animación de personajes en el Prett Institute y estudió cine en la Universidad del Sur de California y en el American Film Institute. Y el tercer y último guionísta fue Reth Topham.

  "Muerte a 33 r. p. m." está dirigida por Charles Martin Smith. Un director, escritor y actor nacido en California. Es muy popular por sus papeles en películas tales como: "American Griffiti"-1973 y "los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) entre otras. En 1976 audicionó el papel de Luke Skywalker en la primera película de "La guerra de las galaxias" ("Star Wars").

  La acción pues, nos mete en la vida de un tal Eddie que está harto precisamente de eso: de su vida. Sus padres están divorciados, no tiene casi amigos, se rien de él en el instituto por su aficción al heavy, la chica de sus sueños ni siquiera sabe que existe... pero lo peor, lo peor... lo peor es haberse enterado de la muerte de Sammi Curr, su idolo rockero y satanísta reconocido que estudió en el mismo instituto que Eddie. Es dificil seguir cuando con 16 años el mundo se yergue contra ti. Sin embargo, llega a su poder el último vinilo de Sammi, el disco inédito que puesto al revés cambia la realidad y trae el poder a un Eddie sediento de venganza contra todos los que le ignoraron...

  Una película para mi entretenida que quizá con algo más de presupuesto hubiera sido todo un clásico de terror. Cojemos la creencia popular de mensajes ocultos en los discos de heavy, su supuesta influencia satánica y la campaña puritana en contra de la música más dura nos dará el caldo de cultivo para esta película. A mediados de los 80 el Heavy Metal despuntaba y disfrutaba de un éxito arrollador, ciertos puritanos de Estados Unidos temian que esta música afectara a sus queridos vástagos y les conviertieran en adoradores de Satán o lo que es peor en gente critica con opinión propia. Prepararon varias campañas en contra de sus conciertos, sus discos y sus videos llegando incluso a llevar a juicio a Judas Priest culpándolos de todos los males de la sociedad.

  De la fotografía en un color claroscuro se encargó Robert Elswit, "Syriana"-2005 (por ejemplo). Un director de fotografía nacido en California. Frecuentemente trabaja con Paul Thomas Anderson, y es miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía (ASC).

  Y aquí logrando una fotografía ideal para resaltar los excesos de humo y niebla que acompañan a la mayoria de esta historia heavy.

  La música la dirigió Cristopher Young. Un compositor nacido en Nueva Jersey. Se graduó en el colegio Hampshire en Massachusetts como bachiller de artes (música), y posteriormente hizo un postgrado en la Universidad de North Texas. En 1980 se mudó a Los Angeles. En un principio, era trompetísta de jazz, pero al escuchar por primera vez los trabajos de Bernard Herrmann se decidió a convertirse en compositor filmico en la Escuela filmica UCLA bajo el mando del famoso David Raksin, entre sus muchas películas caben de destacar las bandas sonoras de "Jennifer 8"-1992 y "El núcleo" ("The Core"-2003).

  Y en este perverso heavy metal mostrándonos unos temas con acorde a la historia destacando para mi: "Trick or treat" de Fastwayi y "The haunted house of rock" de Whodini.

  Y en cuanto a los actores, pues todos en su sitio, encabezado por Marc Price, "Evasión del norte" ("The Rescue"-1988), como Eddie; Tony Frields, "Juerga tropical" ("Summer School"-1987), como Sammi Curr; Lisa Orgolini, "Resplandor en la oscuridad" ("Shining Trough"-1992), como Leslie; Doug Savant, "Godzilla"-1998, como Tim; Gene Simmons, "Muérete, mi amor" ("Wish You Were Dead"-2002), como Nuke; Elaine Joice, "El motel del infierno" ("Motel Hell"-1980), como Angie...

  Resumiendo: Graciosa película que no asusta pero entretiene. Y creo que debe ser vista por todo aquel aficcionado al Heavy Metal (que alguno quedará todavia).  Notable.

  A modo de curiosidad: Esta película fue la ópera prima como director de Charles Martin Smith. Como actor debutó en 1971 en la serie de televisión "La tribu de los Brady" ("The Brady Bunch"-1969-1974).

Sólo para hombres - 1960

             En recuerdo de: Analía Gadé

  ¡Una mujer trabajando!   Hasta donde vamos a llegar

  Muy divertida película de género de comedia y de nacionalidad española, adaptada maravillosamente de la obra teatral "Sublime decisión" de Miguel Mihura.. Un escritor y periodísta nacido en Madrid. Estudió bachiller en el Colegio San Isidoro de la capital de España. Al morir su padre abandonó los estudios para dedicarse al humor y la historieta en revistas como "Buen Humor" y "Muchas Gracias". Durante la década de 1920 trabajó como periodísta, fueron años de una cierta bohemia de tertulias en los cafés, donde conoció a importantes periodístas del género humorístico como Tono, Edgar Neville y Jardiel Poncela; este último le imfluyó poderosamente en el estilo.

  Aunque empezó a escribir antes de la guerra, su reconocimiento fue tardío, pues sólo estrenó con regularidad a partir de la década de los cincuenta: en 1932 escribió "Tres sombreros de copa", que no publicó hasta 1952 (veinte años despues de ser escrita).

  Durante la Guerra Civil Española, se refugió en San Sebastián con el bando sublevado y militó en la Falange Española. Allí fue director de una revista de propaganda para los soldados del frente: "La Ametralladora".

  Tras la contienda colaboró con el semanario "Tajo" donde dirigió la sección humorística "La Ametralladora". En 1941 pasó a colaborar con "La Codorniz", considerada como el estandarte paródico de las convenciones sociales del momento, publicación  que Mihura dorigió entre 1941 y 1944. El tema de la libertad apareció también en "Sublime decisión" (1955), "Mi adorado Juan" (1956) y "La bella Dorotea" (1963), si bien desde persoectivas diferentes. En la primera trata la enmancipación de la mujer a finales del siglo XIX. En la segunda, invita al espectador a vivir al margen de las estrictas y convencionales normas sociales. Y en la tercera, refleja el enfrentamiento de Dorotea con una sociedad mezquina y cruel.

  A partir de la década de los cincuenta se produjo un pequeño cambio en la obra de Mihura: la sátira se impone sobre el humor. Este viraje, que se apreció ya en "El caso de la señora estupenda" (1953) se consolida en "A media luz los tres". También participó en el guión de la película "Bienvenido Mr. Marshall"-1952 junto a Bardem y Berlanga.

  Del guión se hizo cargo el aqui también director es decir: Fernando Fernán Gómez. Un cineasta nacido en Lima (Perú). Fue miembro de la Real Academia Española desde el año 2000 hasta su fallecimiento en 2007.

  Nació en la capital peruana ya que su madre, la actriz Carola Fernán Gómez realizaba una gira teatral con la compañía de Maria Guerrero por Hispanoamérica, y a los pocos meses, su abuela se trasladó a Madrid, donde finalizó sus estudios de bachillerato tras la guerra española, iniciando allí la carrera de Filosofia y Letras. Su creciente interés por el teatro le llevó a dejar sus estudios, comenzando su carrera de actor en 1938 en la compañía de Laura Pinillos. Allí conoció a Enrique Jardiel Poncela que le brindó el papel en una de sus obras. En 1943 fue contratado por la productora CIFESA debutando en la película "Cristina Guzmán"-1943, de Gonzalo Delgrás, iniciando asi una prolífica carrera de actor de cine.

  En su filmografía ha trabajado a las órdenes de los más destacados directores del cine español: Edgar Neville, Carlos Saura, Mario Camus, y por supuesto con Bardem y Berlanga. A partir de la década de los 50 comenzó a dirigir, realizando entre el cine y la televisión numerosos titulos entre los que destacan "Mi hija Hildegart"-1977 y "El viaje a ninguna parte"-1986 entre otros muchos.

  Como autor teatral destaca su obra "Las bicicletas son para el verano"-1978. De sus últimos trabajos destacan "El abuelo"-1998 de José Luis Garci. Su larga trayectoria profesional está jalonada con prestigiosos galardones, como el Premio Nacional de Teatro en 1985, el Premio Nacional de Cinematografía en 1989 o el Premio Principe de Asturias de las Artes en 1995. 

  Asi pues, el gran Fernando nos lleva hasta finales del siglo XIX. Y en donde una bella joven comienza a trabajar en un ministerio haciendo el trabajo de un hombre y esto hace que provoque un gran escándalo. Además, muy pronto demuestra que es muchísimo más eficiente que la mayoría del personal masculino de la oficina. El hecho no deja a nadie indiferente y provoca infinidad de reacciones que van de la envidia a la admiración. Los cimientos de la sociedad machísta comienzan a resquebrajarse bajo los pies de una linda dama. Esta situación se desarrolla en una época de inestabilidad política en la que los cambios de gobierno son constantes...

  Una muy buena película de humor y en donde Fernando Fernán Gómez nos muestra una entrañable sátira social que ponde de vuelta y media el estrambolísmo de aquella época machísta.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Ricardo Torres, "Fray Escoba"-1961. Un director de fotografía nacido en Granada. Sus comienzos fueron a principio de los años 30. Cuenta con numerosos premios a nivel nacional. Aparte del cine también trabajó para la televisión destacando su trabajo en la exitosa serie del recientemente fallecido  Narciso Ibáñez Serrador, "Historias para no dormir" (1967-1968).

  Y aqui mostrándonos una buena fotografía y creando al mismo tiempo un gran ambiente de la época, con unos estupendos encuadres y una muy buena iluminación ópticay dándole así mucho más humor a esta divertida historia.

  Sensacional la pareja protagonísta interpretada por Fernando Fernán Gómez, "La vida alrededor"-1959, como Pablo; y Analía Gadé, "Una muchachita de Valladolid"-1958, como Flora. Y muy bien arropados por uns extraordinarios secundarios tales como: Manuel Alexander, Atraco a las tres"-1962, como Manolo; Elvira Quintillá, "Plácido"-1961, como Felisa, Juan Calvo, "Calabuch"-1956, como don Claudio; Rafaela Aparicio, "Mamá cumple cien años"-1973, como la mujer de Justo y por supuesto su marido aqui y en la vida real, Erasmo Pascual, "La chica del gato"-1964, como Justo.

  En definitiva: Una película española cien por cien, muy recomendable y más aún a los que les guste las muy buenas comedias.  Sobresaliente.

  Como curiosidad Fernando Fernán Gómez y Analía Gadé trabajaron juntos en nueve películas:

  "Viaje de novios"-1956

  "Las muchachas de azul"-1957

  "La vida por delante"-1958

  "Ana dice si"-1958

  "Luna de verano"-1959

  "La vida alrededor"-1959

  "Sólo para hombres"-1960

  "Mayores con reparos"-1967

  "La vil seducción"-1968

 

 

Hasta siempre!!!

                  Analía Gadé

             "La argentina española"

  El pasado 18 de mayo falleció la actriz Analía Gadé (de nombre auténtico Maria Esther Gorostiza Rodriguez) nació el 28 de octubre de 1931 en Córdoba (Argentina). Su padre era el empresario peletero y guionísta teatral español Fermín Gorostiza. Su hermano es el actor de teatro Carlos Gorostiza.

  En el año 1936 sus padres se divorciaron y la por aquel entonces Maria Esther fue ingresada en un internado religioso, en donde estuvo hasta los quince años. Llegó al cine tras acudir a un concurso de radio que quería seleccionar rostros nuevos para una película.

  La actriz fue elegida y decidió unir Ana con Rosalía para crear Analía. El apellido deriva de un concurso de chocolatinas llamados Godel. este nombre lo utilizó por primera vez para enviar en secreto cartas de amor a un primo.

  Debutó en el cine a finales de los años 40, época en la que compartió créditos con Fernando Lamas en "La rubia Mireya"-1948 y en "Cita en las estrellas"-1949 con Juan Carlos Thorry, actor y director con quien terminó casándose a comienzo de los años 50. El matrimonio se rompió a finales del decenio.

  Una de sus películas más estimables rodadas en Argentina fue "Los tallos amargos"-1956, película de Fernando Ayala basada en la novela de Adolfo Jasca. En la segunda mitad de los años 50 Analía llegó y se estableció en España, en donde triunfó tanto en el cine como en el teatro. En este último medio destacaron sus diversas colaboraciones con Juan José Alonso Millán.

  Una de las primeras películas rodadas en España por Analía fue "Viaje de novios"-1956 comedia de León Klimovsky que estaba co-protagonizada por uno de sus compañeros artísticos más habituales Fernando Fernán Gómez con quien puede ser vista también en titulos como "Las muchachas de azul"-1957, romance en el contexto de Galerias Preciados con dirección de Pedro Lazaga, "La vida por delante"-1958, "Ana dice si"-1958, "La vida alrededor"-1959, secuela de "La vida por delante", "Luna de verano"-1959, comedia ambientada en San Sebastián en la que Analia era una francesa que viajaba a España junto a Laura Valenzuela para preparar una tésis, "Sólo para hombres"-1960, adaptación de una obra feminísta de Miguel Mihura, "Mayores con reparos"-1966, película que la pareja de intérpretes (cada uno interpretando tres personajes distintos) también lo representó en teatro.

  La popularidad de Analía Gadé, cuyo talento como actriz iba mucho más allá que su belleza, le llevó a presentar su propio programa de televisión en los inicios de los 60. En los años 60 también compartió protagonísmo con José Luis López Vázquez, en "Operación:Embajada"-1963 o "Black Story"-1971; Alberto Closas, en "Una muchachita de Valladolid"-1958 o la citada "Operacíon: Embajada"; o Alfredo Landa, en "No disponible"-1968, y trabajó en producciones internacionales como "Madame Sans-Gêne"-1961, película con Sofía Loren en la que Analía interpretaba a Cristina Bonaparte, o la co-producción de misterio "Las cuatro noches de la luna llena-1963, en donde compartía reparto con Gene Tierney. En los aos 60 se convirtió en la mejor asmiga de Marha Hyer en "La mujer de otro"-1967, película de Rafael Gil que llevó a la pantalla una novela de Tocuarto Luca de Tena.

  En la década de los 70 fue dirigida por José Maria Forqué con guión de Rafael Azcona en "El ojo del huracán"-1971, película de intriga con Jean Sorel, participó en el giall hispano-italiano "La mansión de la niebla"-1972 e intervino junto a Fernando Rey en "La duda"-1972 drama basado en la novela "El abuelo" de Benito Pérez Galdós.

  Con el cantante Joan Manuel Serrat co-protagonizó "Mi profesora particular"-1973 y con Arturo Fernández hizo pareja en "El adúltero"-1975. En este periodo también protagonizó "Las largas vacaciones del 36"-1976, dirigida por Jaime Camino, y la película erótica de Jorge Grau "Cartas de amor de una monja"-1978. A partir de los 80 trabajó principalmente en el teatro.

  Analia sufrió un infarto cerebral en el año 1999. Recuperada volvió a representar teatro. Uno de sus últimos trabajos fue una adaptación de "Dulce pájaro de juventud", la conocida obra de Tennessee Williams. Al margen de su matrimonio mantuvo un romance con Espartaco Santoni. No tuvo hijos. Tras sufrir un cáncer, Analía Gadé falleció el 18 de mayo de 2019 a la edad de 87 años. Fue incinerada.

  Maria Esther Gorostiza Rodriguez (Analía Gadé) - Cordoba (Argentina) - 28 - octubre - 1931 - Madrid (España- - 18 - mayo- 2019.

                                    ¡DESCANSE EN PAZ!

 

 

Un par de zapatos del 32 (1973)

  "Hay que evitar cabos sueltos a cualquier precio".

  Estimable película de género de thriller y de nacionalidad española. Cuenta con un guión escrito por Luciano Ercoli. Un director y escritor nacido en Roma. Su carrera se extendió durante los años sesenta y setenta. Entre sus películas como director cabe de destacar el spaghetti-western, "La muerte camina con tacón alto" ("La morte cammina con i tacchi alti"-1971), protagonizada por su esposa la actriz española Nieves Navarro. El segundo fue José Manuel Martin. Un escritor y actor nacido en Avila. Inició su carrera como actor en el Teatro Español Universitario. En 1952 debutó enn el cine con "La llamada de Africa". Aunque siempre con papeles secundarios intervino en más de 100 películas españolas entre ellas "Los Tarantos"-1963, la primera película española que fue nominada al Oscar. Su último papel como actor también fue en la película "Descongélate"-2003 dirigida por Félix Sabroso y Dunia  Ayaso. El tercer guionísta fue José Luis Navarro. Un actor y escritor nacido en Madrid. Comenzó en 1960 con la película "Pasa la tuna" donde compartió guión con el director José Maria Elorrieta. Y su última pelìcula fue "Tren especial para Hitler"-1979. Una coproducción franco-española dirigida por Alain Payet. Y el cuarto y último fue el también director de la película Rafael Romero Marchent.

  Rafael Romero Marchent. Un diretor, guionísta y actor nacido en Msdrid, y hermano del también director Joaquín Romero Marchent. Se aficionó al espectáculo de forma instintiva y en plena adolescencia, y asi participó en funciones escolares como actor infantil. Poco después, al inicio de los años 40, ya desempeñó papeles minúsculos en diversas películas, con un reconocimiento profesional creciente, hasta el punto de tomar la decisión de profesionalizarse como intérprete y dejar inconclusos los estudios de Medicina. Asi pues, dió comienzo a los estudios de Baile y Arte Dramático mientras continuó trabajando como actor juvenil.

  De este modo, comenzó su primera fase profesional, la de galán de cine, fase que se define de verdad a partir de su cometido en El traje de luces"-1947, de Edgar Neville, y que se extendió durante diez años, tanto con nuevos papeles cinematográficos como por ejemplo en "La leona de Castilla" - 1951, de Juan de Orduña. A principio de los años 60, disminuyó drásticamente su labor de actor y comenzó los estudios de dirección, mientras trabajaba de ayudante y script en cerca de treinta películas, a menudo con su hermano Joaquín.

  Poco después, inició su etapa de director con un spaghetti-western titulado "Ocaso de un pistolero"-1965. Igualmente ha trabajado con mucho éxito en el medio televisivo con series tan famosas como: "Curro Jiménez" y "Cañas y barro". Por todo ello, el 27 de abril de 2007 recibió un sencillo homenaje en Madrid, rindiéndose tributo asi a un superviviente del cine español.

  La acción pues, es mas o menos asi: un director de un colegio y su querida contratan los servicios de un asesino profesional para que se deshaga del marido de ells. Este hombre aboteará un avión donde viaja la victima para que todo parezca un atentado político. Pero a los amantes todavía les queda un último fleco de su siniestro plan: cuando eliminan al asesino para que no pueda identificarles el crimen es sorprendido por un alumno del colegio. El director del centro sabe quien es, sólo que ha dejado unos zapatos del número 32...

  Una entretenida historia de intriga policiaca habilmente manejada por el director madrileño. Una película bastante estimable dentro de su género y capaz de mantener en vilo e interés de los espectadores que es a fin de cuentas el objetivo último y primordial de este tipo de cine.

  Evidentemente el tema como sucede casi siempre en esta clase de relatos peca de convencional y abundan en él las situaciones absurdas pero admitidos estos condicionamientos inherentes al género, hay que reconocer que la intriga se desarrolla con lógica, que el clima de tensión se mantiene de principio a fin, que la incógnita de la identidad del asesino es el único fundamento del suspense y que Romero Marchent ha sabido extraerle todas las posibilidades al transcribirlo en unas imágenes brillantes, sencillas y expresivas.

  La fotografia en color se le fue encomendada a Godofredo Pacheco, "¡Ahi va otro recluta!"-1960. Un director de fotografía nacido en Madrid. Era hijo del fotógrafo Juan Pacheco, con quien co-dirigió su propio estudio fotográfico durante la Guerra Civil española. tras hacer el servicio militar, trabajó como ayudante de cámara en el cine. Desde 1955 fue director de fotografía y responsable de las películas de guerra, westerns y terror de bajo presupuesto, trabajando varias veces con directores como Leon Klimovsky y Jesús Franco.

  Y aquí, mostrándonos unas perfectas imágenes ya en su último trabajo con las ciudades francesas de Montpellier, Marsella y Tolón, como fondo.

  La música la dirigió Stelvio Cipriani. Un compositor nacido en Roma. Aunque no prevenia de un entorno musical, cuando era niño estaba fascinado por el órgano de su iglesia. Su sacerdote le dió sus primeras lecciones de musica y alentó tanto a él como a su familia. Este pasó sus exámenes y estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia desde la edad de 14 años, luego tocó en bandas de cruceros que le permitió conocer a Dave Brubeck. A su regreso a Italia acompañó a Rita Pavone al piano. Su primera banda sonora para el cine fue el spaghetti western "El precio de un hombre" ("The Bounty Killer"-1966). En una entrevista de 2007, dijo que había compuesto música para el Papa Juan Pablo II, y por aquel entonces estaba trabajando con el Papa Benedicto XVI.

  Y aqui haciendo gala de su gran profesionalidad y en donde nos muestra unos temas de la época y con acorde a la historia, dándole asi más tensión y emoción a las vivencias de todos sus personajes.

  Y en cuanto a los actores, pue bien todos en sus respectivos puestos. Comenzando con el norteamericano (aunque aqui ya en horas bajas), Ray Milland, "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) en el papel del profesor Roger Melli. Y con Milland la guapa italiana Sylva Koscina, "Nuestro hombre en Milán" ("La mala ordina"-1972), en el papel de Sonya Dorigni, la madre del niño. Y con ellos un buen puñado de secundarios españoles, tales como: Ramiro Oliveros, "Cabo de vara"-1978, como el Inspector Mathieu; Maria Silva, "Esperando a papá"-1980, como la profesora Teacher; Eduardo Calvo, "Tengamos la guerra en paz"-1977, como Marcel Boulone, y sin olvidar al pequeño Fernando E. Romero, "La llamada del lobo" ("Il richiano del lupo"-1975), como Jean Dorigny, el testigo ocular del crimen.

  En definitiva: No es una obra maestra del género, ni mucho menos. Pero si es un entretenida película de crimen y misterio con influencias giallescas y hichcockianas. La trama es bastante original con un Ray Milland haciendo de paranoico asesino en búsqueda del joven testigo. Si te gustan las tramas de crimenes y misterio esta es ideal para su visionado. Con un acertado final a mi gusto.  Notable.

  Como curiosidad: El director madrileño le dió a la película un titulo en inglés para su promoción en Estados Unidos el titulo era: "The Stundent Connection".

El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much - 1956)

               En recuerdo de: Doris Day

        When  I was just  a little girl

         I asked my mother, what will be

         Will I be pretty

         Will I be rich

         Here’s what she said to me

         Que será, será...

  Extraordinaria e inquietante película de género de intriga y de nacionalidad estadounidense. Y, segunda versión del maestro del suspense la primera la realizó en 1934 teniendo como protagonístas a Leslie Banks y Peter Lorre entre otros. La historia está basada en una novela de Charles Bennett y D.B. Wyndham-Lewis. El guión fue escrito por John Hayes. Un escritor nacido en Massachusetts. Durante su periodo de educación en la infancia, entre los grados de segundo y quinto, tuvo muchas faltas de asistencia debido a sus infeecciones en los oidos. Fue durante este periodo cuando descubrió su pasión por la lectura. Durante sus estudios superiores se convirtió en el jefe de redactores de el The Spectator, el periódico del colegio y a la edad de 16 años fue el encargado de redactar el anuario. Tanto gustó su trabajo que llamó la atención de los responsables del periódico de su ciudad natal, el Evening Gazette, donde se le encargó que escribiera pequeños articulos sobre las actividades de los Boy Scout.

  Más tarde empezó a interesarse por el mundo de la radio y ganó un concurso escribiendo historias radiofónicas para la Crosley Corporation en Cincinnati. Su éxito en la radio trajo consigo una invitación de los estudios Universal para que escribiera guiones cinematográficos. Su primera aparición en los créditos de una película fue en "Hermanos ante el peligro" ("Red Ball Express"-1952). Hayes colaboró con Alfred Hitchcock en cuatro películas y estuvo nominado al Oscar por "Vidas borrascosas" ("Peyton Place"-1957). Tras varios años de retiro regresó para escribir junto al director Charles Haid, un drama familiar de aventuras "Voluntad de hierro" ("Iron Will"-1994) protagonizaa por Kevin Spacey.

  Como bien he dicho la película está dirigida por Alfred Hitchcock. Un director genio del suspense y maestro del thriller. Nacido en Londres. Cuando murió en 1980, Alfred Hitchcock había realizado 58 largomertrajes, pero no había ganado ningún Oscar. Para algunos Hitchcock es uno de los grandes directores, el maestro indiscutido del suspense. Desde el principio de su carrera se empeñó en demostrar la idea de que el suspense y la sorpresa son similares. Con la sorpresa, el público descubre algo que no sabía. Con el suspense, el espectador sabe algo que el personaje ignora y está deseando ver que pasará cuando se entere.

  Hitchcock se crió en Leytostone en el East End de Londres. Y estudió en los jesuitas. Escribía cuentos macabros le aterraban las cárceles y la policia, estaba muy unido a su madre y le intrigaban los horarios de los trenes, sobre todo los que iban a lugares muy lejanos.

  Tras redactar anuncios para una compañía eléctrica en los años veinte escribió diálogos para Famous Players-Lasky y después ayudó en los rodajes, donde conoció a Alma Reville. Se casaron en 1926 y constituyeron un matrimonio armonioso ya que Alma le ayudaría lealmente en los guiones y el montaje. También era una cocinera formidable. En el trabajo Hitchcock solia ser sobrio y directo, amistoso con sus colaboradores, pero tan exigente que más de un guionísta fue despedido después de largas sesiones de colaboración, si no veia las cosas igual que el director en una cuestión vital.

  Para Hitchcock hacer películas era sobre todo una cuestión óptica. Visualizaba los planos y las secuencias y muchas veces trabajaba con bocetos detallados. tras una mala experiencia con el quisquilloso David O. Selnick en "Rebeca"-1940, ideó una forma de rodar que hacia imposible montar de otra manera que no fuera la que él quería. Se hizo muy famoso con sus películas británicas, como "El enemigo de las rubias" (The Lodger A Story of the London Fog"1927), sobre un asesino en serie, "La muchacha de Londres" ("Blackmail"-1929) el primer largo sonoro británico. Los thrillers de espionaje "39 escalones" ("The 39 Steps"-1935), "Alarma en el expreso" ("The Lady Vanishes"-1938) y "Sabotaje" (la mujer solitaria) "(Sabotage" (The Woman Alone"-1936). En los años cuarenta, ya  en Estados Unidos, dirigió elegantes películas en blanco y negro: "Sospecha" ("Suspicion"-1941); "Sabotaje" ("Saboteur"-1942), con un emocionante final en la Estatua de la Libertad; "La sombra de una duda" ("Shadow of a Doubt"-1943), sobre una atormentada familia de California; "Recuerda" ("Spellbound"-1945), en torno al psicoanálisis; "Encadenados" ("Notorious"-1946) sobre una célula nazi en Sudamérica; y "El proceso Paradine" ("The ParadineCase"-1947), sobre una mujer acusada de asesinar a su marido ciego.

  A finales de los 40, Hitchcock ya producia sus propias películas: "La soga" ("The Rope"-1941), rodada en fragmentos de 11 minutos, parece una sola y fluida toma. Dado lo voluminosas que eran entonces las cámaras del technicolor y la intensa iluminación que necesitaban, los rodajes eran complicados porque había que mover decorados y coreografiar estrategicamente los movimientos. Las interpretaciones tenian que ser de gran calidad, ya que cada toma era muy larga y dificil de repetir.

  Más allá de la experimentación técnica, lo verdaderamente magistral de Hitchcock era que mezclaba una profunda reflexión filosófica sobre temas de importancia universal con brillantes y detallados comentarios sociales, a veces muy ácidos. Los espectadores aprecian la obra de Hitchcock por su intenso carácter visual, la meticulosa colocación y el movimiento de la cámara y su prifundo sentido del color y la forma. Por si fuera poco, los diálogos no solo son ingeniosos y atinados, si no refinados y a veces sorprendentes.

  Para ver hasta que punto Hitchcock enriqueció el cine solo hay que recordar al fotógrafo paralizado por su escayola en "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954); al turista americano que grita en un concierto en la segunda versión de "El hombre que sabía demasiado" ("The Man Who Knew Too Much"-1956); la desorientada combinación de travelling y zoom en la torre de "Vértigo"-1958; a Cary Grant metiéndose en un campo de maiz para escapar de una avioneta fumigadora en "Con la muerte en los talones" ("North by Norttwest"-1959); a Janet Leigh duchándose en "Psicosis" ("Psycho"-1960); a Tippi Hedren atacada por las gaviotas en "Los pájaros" ("The Birds"-1963) o robando en "Marnie la ladrona" ("Marnie"-1964).

  La acción pues, nos lleva hasta la familia MacKenna que están pasando unas felices vacaciones en Marruecos. Un dia, en un zoco de Marrakech, un francés al que habían conocido un dia antes es asesinado pero, poco antes de morir, le revela al señor MacKenna un recado al oido, algo referente a un inminente atentado político que tendrá lugar en Londres. Debido a esta información privilegiada, el hijo del matrimonio es secuestrado y sus padres reciben la pertinaz amenaza: deben callar o, de lo contrario, el niño morirá. El matrimonio MacKenna abandona Marruecos y se dirige a la capital británica, donde intentará rescatar a su hijo y, en la medida de lo posible, impedir el crimen...

  Una muy buena película. Si señor. Y en donde el maestro del suspense ns cuenta una historia dramática de misterio e intriga que deviene un thriller de espionaje. Retoma el tema de la persona normal que sin buscarlo, se ve envuelta en asuntos peligrosos y enfrentada a un misterio que le supera. El núcleo de la intriga está constituido con la ayuda de pistas falsas, malentendidos, simulaciones, conspiraciones, traiciones e imprevistos, que elevan la película al nivel de atractiva pieza de misterio y suspense, con momentos culminantes como la llegada del señor MacKenna al local de los taxidermístas y los incidentes que se producen en el interior del mismo. Como de costumbre, la historia está salpicada de humor.

  La banda sonora corrió a cargo de Bernard Hermann. Un compositor nacido en Los Angeles. A los 13 años quedó deslumbrado por la música de Héctor Berlioz, lo que marcó su decisión de convertirse en compositor. En 1934 fue contratdo como director y compositor de la CBS. Durante los años cincuenta, su carácter fue transformándose en un individuo antisocial, agresivo y solitario. Pero en 1955 se produjo el comienzo de su afortunada relación profesional con Hitchcock y en donde cosechó la mayoria de sus grandes éxitos. Regresó a Estados Unidos reclamado por el director Brian de Palma, un fanático del cine del maestro del suspense. Estuvo nominado en varias ocasiones al Oscar, pero solamente lo consiguió en una ocasión con la película "El hombre que vendió su alma" ("All That  Money Can Buy"-1941).

  Y aqui añadiendo una canción original "Wathever Will Be, Will Be" ("Qué será, será") de Jay Livingstone y Ray Evans, que canta Doris Day y tararea en varias ocasiones. 

  La fotografía le fue encomendada a Robert Burks. Un director de fotografía nacido en California. Tenía solo 19 años cuando encontró su primer trabajo como técnico de efectos especiales para la Warner Bros, primero ascendió a camarográfo y más tarde a director de fotografía. Su primer trabajo para el cine fue el documental "Jammin ’ the Blues"-1944. Y en 1953 se trasladó a la Paramount Pictures donde colaboró con Alfred Hitchcock a lo largo de una década. Además de Hitchcock, Burks colaboró con varios directores en numerosas películas, cabe de destacar la oscarizada "Un retazo de azul" ("A Patch of Blue"-1965), protagonizada por Sidney Poitier y Shelley Winters.

  Y aqui, ofreciéndonos unos encuadres torcidos, planos  cenitales y "travellings" de muy buena factura. Rodada en Vistavisión y technicolor, realza la intensidad de la acción, su ritmo rápido y la grandeza de la odisea de los personajes principales.

  La película se rodó en Marrakesh (Marruecos) y Londres.

  Excelentes las interpretaciones de la pareja protagonísta, formada  por el aqui matrimonio: James Stewart, "La ventana indiscreta" ("Rear Window-1954) y Doris Day, "Confidencias a medianoche" ("Pillow Talk"-1959) como Benjamin  y Josephine MacKenna, ese matrimonio que se ve envuelto en una angustiosa pesadilla. Y perfectamente arropados por otro matrimonio: Bernard Miles, "Cadenas rotas" ("Great Expectations"-1946) y Brenda de Banzie, "La pantera rosa" ("The Pink Panther"-1963), como los malvados Edward  y Lucy Drayton.

  Sin olvidarnos del estupendo actor francés Daniel Gélin, "Solo rojo" ("Soleil Noir"-1966), como Louis Bernard, y a la siempre guapa e interesante Carolyn Jones, "Imperio de titanes" ("Ice Palace"-1960), en el papel de Cindy Fontaine. Y también tiene mucho que ver en esta historia de suspense el pequeño Christopher Olsen, "Llega un pistolero" ("The Fasteat Gun Alive"-1956), como Hank el hijo secuestrado del matrimonio MacKenna. 

  En definitiva: No es la mejor de Hitchcock. Pero si es una película que no tiene desperdicio alguno, como todo el cine de este maestro, eso por supuesto. ¡Qué viva el buen cine!.  Sobresaliente.

  "El hombre que sabía demasiado" logró el Oscar a la mejor canción. Y estuvo nominada a la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: el papel principal femenino estaba destinado para Grace Kelly, pero por aquel entonces la musa de Hitchcock estaba retirada del cine.

         

Hasta siempre!!!

                                Doris Day

          "La novia de América"

  El pasado 13 de mayo a los 97 años de edad y a consecuencia de una neumonía grave  falleció al actriz y cantante Doris Day.

  Doris Day, cuyo verdadero nombre era Doris Mary Ann Kappelhoff nació en Cincinnati (Ohio) el 3 de abril de 1922. Hija de una familia de clase media, sus inicios profesionales sucedieron en la radio. Fue una de las cantantes surgidas en la década de 1940 que, junto con Dinah Shore, Billie Holliday, Patti Page y Sarah Vaughan, crearon la modalidad vocal femenina en la música pop tradicional. Sin embargo, se consagró principalmente en el cine, donde incursionó desde su juventud cuando fue contratada para rodar la película "Romanza en alta mar" ("Romance on the High Seas"-1948).

  Desde mediados de los años 50, sus papeles fueron cada vez más importantes y fue reconocida por sus condiciones actorales para la comedia. Entre las películas donde actuó destacan "Mi marido se divierte" ("The Tunnel of Love"-1958), "Confidencias de medianoche" ("Pillow Talk"-1959), "Un grito en la niebla" ("Midnight Lace"-1960), "Jumbo" ("Billy Rose’s Jumbo"-1962) y "Apártate, cariño" ("Move Over, Darling"-1963), por las cuales recibió una gran cantidad de premios y distinciones. Fue dirigida por directores como Michael Gordon, Michael Curtiz, Alfred Hitchcock y David Butler, y compartió escena junto a alguno de los actores más importantes de aquellos tiempos en Hollywood como Richard Widmark, Frank Sinatra, James Stewart, Clark Gable y Rock Hudson, hasta que se retiró del cine en 1968.

  El resto de su carrera estuvo ligado a la música y a la televisión. Llegó a protagonizar una exitosa serie televisiva "The Doris Day Show", que se transmitió en la CBS desde 1968 hasta 1973, durante cinco temporadas. A partir de la década de los 70, se abocó al activísmo en defensa de los animales. Con el paso de los años, su trabajo disminuyó pero aún asi editó dos discos, "The Lobe Album"(1994) y "My Heart" (2011).

  Hija de Alma Sophie Kappelhoff y de William Kappelhoff nacidos en Ohio, de ascendencia alemana era la menor  de dos hermanos, fue llamada "Doris" por la actriz de cine mudo Doris Kenyon. De religión católica, sus padres se divorciaron cuando ella era una niña. Posteriormente adoptaría las creencias de la religión cristiana.

  Ya desde pequeña empezó a bailar ganando un contrato que le permitió con tan sólo doce años, viajar a Hollywood con su compañero, Jerry Doherty. A los 19 años sufrió un accidente automovilístico que le impidió cumplir sus sueños de ser bailarina, por lo que se centró en el canto y en la actuación.

  En 1939 comenzó su carrera profesional formando parte de las llamadas Big Bands. En esa época acompaño a cantantes como Barney Rapp y Les Brown en las actuaciones que realizaban en vivo en clubes nocturmos y teatros. Fue el propio Rapp quien le sugerió que cambiase su nombre por el de "Doris Day", por la canción "Day after Day" que era parte de su repertorio. A ella nunca le gustó su nombre artístico, ya que pensaba que sonaba a nombre de stripper, sin embargo, su nombre siempre ha estado asociado a una imágen de inocencia.

  Junto a Les Brown lanzó más de una docena de sencillos, entre ellos "Sentimental Journey" y "My Dreams Are Getting Befter All the Thime", canciones que alcanzaron el primer puesto de popularidad Billboard Hot 100.

  A finales de 1940, Doris comenzó a participar en audiciones para películas. En 1948 debutó en el cine en la película musical "Romanza en alta mar" ("Romance on the Hight Seas"), donde interpretó a Gergia Garrett, para conseguir dicho trabajo compitió con un total de cien actrices que también querian ese papel. Allí fue dirigida por Michael Curtiz y compartió escena con Jack Carson y Janis Paige.

  Para la Warner Bros, Doris rodó otros musicales entre ellos"Té para dos" ("Tea for Two-1950), "Starlift"-1951 y "Operación matrimonio" ("By the Light of the Silvery Moon"-1953). Ese mismo año protagonizó "Calamity Jane", cuyo titulo en España fue "Doris Day en el Oeste", la película ganó el Oscar a la mejor canción original "Secret Love".

  En 1955, recibió alguna de las mejores criticas de su carrera artística por la interpretación de la cantante Ruth Etting en "Quiéreme o déjame"("Love mer or Leave Me"-1955), junto a James Cagney. Además de Cagney, Doris también compartió cartel con algunas estrellas masculinas más importante de Hollywood, como James Stewart, Cary Grant, David Niven o Clark Gable.

  En la película de Alfred Hitchcock "El hombre que sabía demasiado" ("The Man Who Knew Too  Much"-1956), cantaba la canción "Que Sera, Sera" ("Whatever Will Be, WillBe"), que ganó el Oscar. Según contó Jay Livingston (autor de la canción junto a Ray Evans), Doris prefería otra canción de la película, "We’ll Love Again", e intentó no grabar la canción "Que Sera, Sera". Cuando los estudios le obligaron a grabarla, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo de Livingston: "Es la última vez que oirás esta canción". "Que Sera, Sera" se convirtió en la canción identificada de Doris, usada en su película "No os comais las margaritas" ("Please Don’t Eat the Daisies"-1960) y en la canción cabecera de su programa de televisión. La canción fue versionada por Sly & the Family Stone en 1973.

  La actriz protagonizó junto a Richard Widmark la película dirigida por Gene Kelly "Mi marido se divierte" ("The Tunnel of Love"-1958). La película supuso su primera nominación al Globo de Oro a la Mejor actriz en comedia o musical. Posteriormente actuó junto a Rock Hudson en la comedia titulada "Confidencias a medianoche" (Pillw Talk"-1959), bajo la dirección de Michael Gordon, también con gran éxito de critica y taquilla. El papel le trajo su primera nominación al Oscar y una nueva candidatura al Globo de Oro. Doris y Rock hicieron otras dos películas juntos "Pijama para dos" ("Lover Come Back"-1961) y "No me mandes flores" ("Send Mee No Flowers"-1964), trabajó junto a Cary Grant en "Suave como el visón" ("That Touch  of Mink"-1962) y junto a James Garner hizo otras dos películas "Su pequeña aventura" (" The Thrill of it All"-1963) y "Apártate, cariño" ("Move Over, Darling"-1963).

  A pesar del paso del tiempo y del cambio de gustos del público, Doris se quedó estancada en el mismo tipo de películas. La critica y el público comenzaron a cansarse de las películas que interpretaba. Siguiendo los consejos de su tercer marido, Marty Melcher, interpretó "Capricho" ("Caprice"-1967) junto a Richard Harris, y que según la propia actriz es una de sus peores interpretaciones. También  asesorada por su marido, Doris rechazó el papel de Mrs. Robinson en "El graduado" ("The Graduate"-1967), (papel que fue a parar a manos de Anne Bancroft). 

  A la muerte de Melcher, doris descubrió que éste había despilfarrado toda la fortuna de la actriz, dejándola en la quiebra, Doris demandó a Jerry Rosenthal, socio de su marido, por posible estafa, ganándole la demanda y haciéndole pagar la cantidad de 20 millones de dólares.

  Además, se enteró de que su difunto marido había firmado un contrato para que la actriz realizara una serie de televisión. Entre 1968 y 1973, protagonizó su propio programa, "The Doris Day Show", que tenía como canción de cabecera el tema "Que Sera, Sera". Desde que terminó la serie, estuvo practicamente retirada del mundo del espectáculo.

  Una memorable actuación fue la que hizo al lado de Kirk Douglas en "El trompetísta" ("Young Man  With a Horn"-1950), en la cual aparecía como villana Lauren Bacall y en la que Harry James interpreta la trompeta que simulaba tocar Kirk. La película no tuvo mucho éxito comercial pero es memorable por las interpretaciones del trio protagonísta.

  Desde que "Doris Day’s Best Friends" llegó a su fin, Doris se retiró del mundo del espectáculo. A partir de entonces, se dedicó a la promoción de los derechos de los animales. Creó la Liga Animal Doris Day (The Doris Day Animal League) para la protección de los animales en peligro, donde fue una de las más influyentes activistas de ese movimiento.

 Posteriormente recibió varios reconocimientos por su larga trayectoria. En 1989, por ejemplo, se le otorgó el premio Cecil B. DeMille y en 1991 el premio American Comedy por su contribución a la comedia cinematográfica. En el año 2011, grabó un álbum titulado "My heart", con 89 años. 

  Doris Day estuvo casada cuatro veces: Con Al Jordan, músico al que conició en la banda de Barney Rapp, desde marzo de 1941 hasta 1943, Doris tenía por entonces 19 años, y su único hijo, Terry nació de este matrimonio. El músico se suicidó después del divorcio. Con George Weidler, saxofonísta, estuvo casada entre marzo de 1946 y mayo de 1949. Weidler fue el que hizo que Doris se convierirtiera al cristianísmo. Con Marty Melcher se casó el dia de su vigésimo noveno cumpleaños, en 1951. Este matrimonio duró bastante más que sus dos anteriores, Melcher adoptó a Terry (convirtiéndose en Terry Melcher) y produjo muchas de las películas de la actriz. El matrimonio terminó en abril de 1968 con la mueerte de Melcher. Su cuarto y último matrimonio fue con Barry Comden estuvo casada desde abril de 1976 hasta 1981. Comden fue el único de sus maridos que no estuvo relacionado con el mundo del espectáculo.

  Mary Ann Kappelhoff (Doris Day) - Cincinnati (Ohio) - 3 - abril - 1922 - Carmel Valley (California) - 13 - mayo - 2019.

                                   !DESCANSE EN PAZ¡

Oslo, 31 de agosto (Oslo, 31. August - 2011)

           ¿Qué nos une a la vida?

       ¿Qué nos aboca a la muerte?

  Excelente película de género dramático y de nacionalidad noruega, basada en una novela de Driev La Rochelle. Un escritor y guionísta nacido en Paris. Durante su juventud fue lector de autores como Thomas Kipling o Walt Whitman. En 1932 viajó a Argentina, invitado por Victoria Ocampo donde conocería a Jorge Luis Borges. En 1934 optó por el fascismo con la publicación del ensayo "Socialisme fasciste". Fue defensor y colaborador con la Alemania nazi durante la ocupación de Francia.

  El guión fue escrito por Eskil Vogt. Un director y guionísta nacido en Oslo (Noruega). Cuenta entre sus palmares el Premio World Cinema Screenwriting Award en el Festival de Cine de Sundance por la película "Blind"-2014 película también galardonada en el 64º Festival de Cine de Berlin. Vogt además es uno de los mayores colaboradores del director y también guionísta Joachim Trier.

  "Oslo, 31 de agosto" está dirigida por Joachim Trier (también colaborador en el guión). Un director nacido en Oslo (Noruega). Cuando era adolescente, fue patinador superior, que comenzó a filmar y producir sus propios videos de patinaje. Su pasión por el cine se incrementó en sus primeros veinte años y esto lo llevó a sus estudios en el Europen Film College en Ebeltoft de 1995 a 1996 y en la Escuela Nacional de Cine y Televisión del Reino Unido. Sus películas se centran principalmente en la memoria y la identidad, que considera temas esenciales para el cine, y ha expresado que los proyectos futuros se referirán principalmente a sus intereses personales.

  Su debut en el cine fue con la película "Reprise"-2006, que sigue la historia de dos aspirantes a escritores y su relación volátil. Lanzada por Miramar films, recibió varios premios en festivales de cine en Toronto, Estambul, Rotterdam, Milán y Karlovy Vary, y le llevaron a ser nombrado uno de los 10 directores to Watch de la revista Variety en 2007.

  Su película "Oslo, 31 de agosto" ("Oslo, 31. August"-2011), se estrenó en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cinde de Cannes. Y está considerada una adaptación de "The Fire Within" ("El fuego fatuo"-1963) de Louis Malle, pero con la ubicación cambiada de Paris a Oslo. La película recibió el reconocimiento de la critica y apareció en las listas de las diez mejores 2012 de varios criticos.

  Fue nombrado como uno de los miembros del jurado para la "Cinefondation" y secciones de cortometrajes del Festival de Cine de Cannes de 2014.

  La primera película en inglés de Trier fue "El amor es más fuerte que las bombas" ("Louder Than Bombs"-2015) protagonizada por Jessie Eisenberg, Gabriel Byrne e Isabelle Huppert, y fue muy bien recibida. Fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2015. La cuarta película de Trier, un horror sobrenatural-romance fue "Thelma"-2017, se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto y se seleccionó como la entrada noruega a la Mejor Película en Idioma Extranjero en la 90º edicción de los Premios de la Academia celebrada en 2018, de "Thelma" se han vendido a más de cien paises y se ha exibido en cincuenta festivales, ganando quince premios.

  Asi pues, el director noruego nos mete en la vida de un tal Anders que está a punto de acabar un tratamiento de desintoxicación en un centro rural. Como parte de su terapia, una mañana va a la ciudad a una entrevista de trabajo. Aprovechando el permiso, se queda en la ciudad y se encuentra con gente que hacia mucho tiempo que no veia. Es un hombre inteligente, guapo y de buena familia, pero se siente profundamente perturbado por las oportunidades que ha desaprovechado. Sin embargo, cuando llega la noche sueña con la posiblidad de encontrar el amor y empezar una nueva vida llena de ersperanza, confiando en el porvenir a partir del dia siguiente...

  Una buena a la vez que delicada película y en donde explora esta dificil y etérea frontera que separa la vida de la muerte, las ganas de vivir y las ganas de escapar de la vida, las ganas de pasarlo bien o de sencillamente, no pasarlo mal. Sin juicios ni veredictos, sin explicación ni remordimiento, sin ganas de hacer el mal aunque se esté pasando un calvario impreciso y amorfo... pero no hay acto sin consecuencia ni tropiezo sin efecto, todo va sumando lentamente hasta que algún vaso rebose y ya nada parece poder recomponerse y volver a la normalidad. Hemos dejado pasar la vida y no sabemos como retomar el curso de los acontecimientos sin que nos enfrentemos a lo que algunos llaman fracaso, abominación o muerte.

  Es también un viaje a ninguna parte o un viaje al fondo del alma herida, que no por desolador o triste nos priva del doloroso reconocimiento de una caida que no sabemos como ni cuando ni porqué empezó pero que parece no tener fin. La atenta mirada del director disecciona la amarga desintegración de una inteligencia precalera, de un espíritu sensible, de una persona educada y arropada por familia y amigos, que, sin embargo, no encuentra su hueco en la vida ni sabe como rehacer unos puntos que ha ido quemando durante años de adicciones varias que le han llevado hasta encontrarse con los recovecos más desoladores de si mismo. Y extiende la mano, pide ayuda, pero ya no hay nadie, ya no queda nada.

  Estupenda la fotografía en color dirigida por Jakob Ihre. Un director de fotografía nacido en Noruega. Y uno de los máximos colaboradores de Trier. De él siempre ha dicho el cineasta que es un hombre talentoso con una visión muy clara. Es un maravilloso colaborador y su fotografía es muy personal.

  Y en este final del verano noruego mostrándonos unas imágenes inmejorables en un color claroscuro danóle así más intensidad a la historia rodada integramente en Oslo (noruega) y alrededores.

  De la banda sonora se hizo cargo Ola Flotttum, "El amor es más fuerte que las bombas" ("Louder Than Bombs"-2015). Un musico y compositor oruego. Sus comienzos fueron grabando con Vacuum Breel, y haciendo un duo con Peter Flatm Eilertsen, aunque fue de corta duración. Luego comenzó en la banda Stigma, que pronto cambió su nombre a The White Birch. También grabó en solitario como Portrait Of David, y por supuesto también ha compuesto música para muchas películas sobresaliendo las trabajadas junto a Trier.

  Y en esta impecable e impacable historia mostrándonos unos temas de suma importancia, y en donde tengo que destacar canciones como "Vinnie" interpretada por Kung Fu Girls; "Under Youn spell" interpretada por Desire; "Exit ghost" interpretada por Torgny, etc.etc. 

  Muy bien todos los actores destacando Anders Danielsen Lie, "La odisea de Alice" ("Fidelio, I’ odyssée d’ Alice"-2014), metido en el cuerpo de Anderss un hombre que a sus 34 años ha desaprovechado muchas oportunidades, y siente que su vida ya ha terminado.

  Seguido por Hans Olav Brenner, "Tsatsiki, Dad and the OliveWar"-2015, como Thomas; Ingrid Olava, "Harajuku"-2018, como Rebekka; Malin Crépin, "Prime Time"-2012, como Malin.

  Resumiedo: Una película poética e incómoda, triste y valiente, para gente despierta y atenta. Una película para mi, de las mejores referencias cinematográficas del 2012.   Sobresaliente

  "Oslo, 31 de agosto". Estuvo nominada a la Mejor película extranjera en los Premios César y tuvo una mención especial en el Festival de Cannes.