"Me estás volviendo loca tio, me estás liando..."

Estupenda película de género de intriga dirigida por el siempre elegante realizador y productor nacido en Toronto (Canadá), Norman Jewison "Jesucristo Superstar" ("Jesus Christ Superstar"). La película vió la luz gracias a un sólido y espectacular guión del bostoniano Alan Trustman, un escritor con escasas películas en su historial, pero eso si, todas o casi todas cubiertas de una gran dósis de acción y dinamísmo, como es el caso de posiblemente una de las mejores películas de acción que ha dado el séptimo arte, me refiero a la sin igual "Bullitt".

Aquí en esta historia Jewison nos traslada a Boston para meternos en los elegantes trajes del magnate Thomas Crown, que el "tio" planea un espectacular robo en un banco supuestamente impenetrable. La historia pués, no se concentra en el robo en si, sino también en el excepcional cerebro que lo organiza...

Una estupenda película, de verdad, y en donde el cineasta canadiense pone toda la carne en el asador, para meternos entre pecho y espalda una historia cargada de andrenalina por doquier, y al mismo tiempo una perfecta imágen de ese increible y audaz robo. Cuenta pués como digo, con escenas sumamente memorables y contadas con un gran pulso narrativo, algunas sobre todo formando ya parte de la historia del cine de acción "somos una gran pareja", esta frase lo dice todo, ya que los momentos que el dúo protagonísta comparten pantalla los diálogos son un disfrute para todos los espectadores, diálogos chispeantes a la vez que ácidos y llenos de frescura.

Muy bonita la fotografía a todo color, realizada por un hombre considerado uno de los diez cineastas más influyentes en una encuesta de los miembros de la Asociación Internacional de Cinematografía, ni más ni menos que Haskell Wexler que en 1966 y con "¿Quién teme a Virginia Woolf" ("Who’s Afraid of Virginia Woolf?", llegó a tocar la cima del olimpo cinematográfico, y como es de esperar mostrádonos aquí, unas magníficas imágenes tanto de interiores como de exteriores y recreándose sobre todo en las escenas del espectacular y audaz robo llevadas como digo, con un excelente manejo de cámara.

Maravillosa, si señor, la banda sonora llevada a cargo por el super-oscarizado compositor nacido en Paris, Michel Legrand "Verano del 42" ("Summer of 42") un hombre que empezó con el jazz, que continuó en asociación con el director francés Jacques Demy, revelándole como un gran melodista, para luego dar el gran salto a Estados Unidos, y en donde con esta película se salió por todas partes, logrando su tercer Oscar.

Y atención a la pareja protagonísta, una pareja destilando química por todos sus poros él, el inolvidable y llorado a la vez que inigualable Steve McQueen "La gran evasión" ("The Great Escape"), como ese millonario que planea un espectacular robo, pero no por motivos económicos sino más bien por una digamos necesidad psicológica, por puro placer en una palabra, ella la exquisita y admirable a la vez que sin par Faye Dunaway "Campeón" ("The Champ"), metida en la piel de Vicky Anderson, esa empleda de seguros a la que la agencia que debe de indemnizar al banco robado la manda para investigar por su cuenta dicho atraco, pero entre los dos se interpone un romántico e intelectual idilio de amor, atención a la escena de la partida de ajedrez. Sublimes los dos pero con mayúsculas.

Seis años más tarde los dos llegarían a encotrarse en la super-producción de género de catástrofes "El coloso en llamas" ("The Towering Inferno"), pero en papeles muy diferentes. Y muy bien secundados tanto por el "veterano" Jack Weston "Sola en la oscuridad" ("Wait Until Dark"), como por el "todo-terreno" Paul Burke "El valle de las muñecas" ("Valley of the Dolls") por citar a dos de los muchos y buenos que trabajan en esta sensacional película.

En definitiva, , una más que entretenida película, para gozar y disfrutar, con dos inmesos actores, un ambiente perfecto, y una banda sonora inolvidable, en una palabra. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

Michel Legrand, logró el Oscar a la mejor canción con el tema "Los molinos de tu espíritu" ("The Windmills of Your Mind"), donde se podía escuchar en una escena muy efectista entre McQueen y Dunaway y una cometa por medio.

En 1999 John McTiernan realizó un entretenido aunque innecesario remake titulado "El secreto de Thomas Crown", con Pierce Brosnan y Rene Russo, como pareja protagonísta. Aquel que haya visionado los dos títulos, que compre y compare.

"La mala leche que puede tener un tio con un martillo en la mano..."

Impresonante película ambientada en plena depresión económica americana y llevada al cine gracias a una novela del dramaturgo británico Alex Kershaw "La batalla de las Ardenas" ("Battle of the Bulge") y cuyo título en castellano fue "Vida de Jack London. Un soñador americano". Y de cuyo guión se hizo cargo el norteamericano Cristopher Knopf, un escritor con un curriculum impresionante, pero en el mundo de la televisión, puesto que según he podido saber, esta fué su única película como guionísta, pero cuenta en su haber series tan famosas como por ejemplo "Cimarrón" ("Cimarrón Strip").

"El emperador del norte" está dirigida por un realizador que es todo un símbolo del cine mundial gracias a sus películas la mayoría de género violento y critico a la vez, me refiero a Robert Aldrich "El último atardecer" ("The Last Sunset"), y aquí contándonos una como digo impresionante y brutal historia a la vez, ambientada en el año 1933 durante los años de la Gran Depresión, y en donde la única esperanza para los miles de mendigos y desheredados era viajar de polizones en los trenes que cruzaban el pais en busca de trabajo...

Estupenda película, si señor, y en donde aparentemente sin argumento alguno, pero con un guión muy denso: ese tren que cruza todo el Estado, y que viene a ser como un símbolo del progreso, el resurgir de un pais sumido en una gran crisis económica, que intenta coger en marcha un vagabundo protagonísta, para no quedarse atrás con el ánimo de sobrevivir, diriamos que significa el pueblo, mientras que el jefe de ese tren ese hombre temido y temible viene a representar el poder.

Así todo ello narrado con un buen ritmo por Aldrich, y en donde apenas hace concesiones para la galería, sin baches de interés ni lagunas de fondo, y mucho menos de efectos especiales, pero eso si, usando esa violencia interna, que tanto le caracteriza, logrando incluso en algunas escenas una brutalidad y dureza escalofriante.

Perfecta la banda sonora, obra del virginiano Frank De Vol "El gran McLintock" ("McLintock"), un estupendo compositor que a la edad de 14 años era ya miembro del Sindicato de Músicos, y en esta impresionante odisea subrayando perfectamente su música y sobresaliendo sobre todo la balada "El hombre y el tren" ("A Man and Train") poniendo de testimonio el ambiente rural de los años 30 y describiéndonos con precisión a unos personajes muy humanos gracias a esas notas sonoras.

Asombrosa la fotografía en un color semi-oscuro y usando a la perfección el formato panorámico, llevada bajo las órdenes del director fotográfico nacido en Nueva York Joseph Biroc, un hombre que colaboró frecuentemente con el director y al cual le debemos las imágenes de ese maravilloso cuento de Navidad titulado "¡Qué bello es vivir!" ("It’s a Wonderluf Life"), y en este tren mostrándonos como es de suponer unas imágenes impagables, y ganando enteros sobre todo aquellas en donde los dos protagonístas se enfrentan entre si.

Enorme el mano a mano entre esos dos colosos del séptimo arte. Uno Lee Marvin "Los profesionales" ("The Prfessionals") subido clandestinamente en ese maldito tren y dando vida precisamente a ese nº1, un vagabundo que viaja adonde quiere y cuando quiere, y al que no hay tren en todo el Estado que se le resista. El otro, Ernest Borgnine "La aventura del Poseidón" ("The Poseidon Adventure") encarnando al sádico Shack el jefe del convoy ese temido nº19 y obsesionado hasta el infinito de que nadie se cuele en su tren, inmensos los dos, llevando a sus espaldas todo el peso de esta sensacional película de más de dos horas de duración. Y muy bien también el tercero en discordia, pero neutralizado por estos dos soberbios actores, hablo de Keith Carradine "Heredarás la tierra" ("A Thousand Acres") como Cagaret, un aprendiz de granuja, inteligente y audaz que acompaña al "Kaiser" a lo largo de todo ese terrible viaje.

Resumiendo, no nos encontramos ante una obra maestra, aunque muy poco le falta, pero si es una película de gran clase, una película que por derecho propio se ha convertido en una pequeña joya del cine de culto y quizá una de las mejores rodadas sobre la depresión americana. Una película de visión obligatoria para los amantes del cine, del buen cine.  Sobresaliente.

"Los escombros de ahora ya no son tan cómodos como los de antes. La basura de este pais es una porquería..."

...Y desde entonces, su única obsesión es ser "como los demás..."

Excelente película de género dramático aderezada de varios contrastes, como por ejemplo: el de la Italia fascista y el marxismo francés, junto con la sexualidad castrada y el sexo liberal, una película llena pués de miedos y traumas de la infancia.

La historia está basada en una novela del escritor y periodísta italiano nacido en Roma Alberto Moravia "Dos mujeres" ("La ciociara"), un hombre el cual sus obras siempre o casi siempre se han caracterizado por su crítica frontal a la sociedad europea del siglo XX. Y dirigida por un director de cine italiano nacido en Parma, cuyos trabajos destacan por su espectacularidad visual, estoy hablando de Bernardo Bertolucci "El último tango en Paris" ("Last Tango in Paris"), y que supuso un reto creativo, dadas las infinitas posibilidades que le ofrecía esta historia.

La acción nos lleva al año 1937 para meternos en la vida de un tal Marcello Clerici, un profesor de filosofia casado, pero que vive atormentado por un recuerdo cuando a los trece años mató a un hombre que intentó tener relaciones sexuales con él...pero lo que él no sabe que...

Excelente película, aunque hay que reconocer no es de lo mejor del siempre discutido y discutible director italiano, pero que le supuso, eso si, un reto creativo, como bien digo al principio, ya que nos narra la historia de forma cronológica, al ir proporcionándonos digamos que los "trozos" de la vida del protagonísta, a la vez que desarrolla el presente. Haciéndonos mostrar la cara más cruel del personaje y su distanciamiento no sólo con las personas, sino con el mundo que lo rodea en general.

Cuenta pués, con escenas bastante interesantes y algunas digamos de verdadera obra maestra, la gran escena que transcurre en el restaurante, donde cara a cara bailan dos mujeres tanto opuestas como complementarias, es verdaderamente extraordinaria. Y en donde de verdad se ve la obsesión de Bertolucci con el cine clásico, ya que hasta incluso se puede ver una fotografía de Stan Lauren y Oliver Hardy, sin que nos explique los motivos.

Fabulosa la fotografía a cargo de uno de los directores más influyentes y originales de la historia del cine, estoy hablando del romano Vittorio Storaro "El último emperador" ("The Last Emperor") también de Bertolucci, un hombre que durante 35 años de carrera se ha dedicado a la investigación para reinventar la fotografía cinematográfica desde distintas disciplinas, y aquí usando una gama de colores verderamente fabulosas, puesto que  nadie como él nos ha enseñado tanto Paris, como Roma con ese misterio tanto profundo como desgarrador.

Estupenda, como tiene que ser, y para no desentonar con la fotografía, la banda sonora, llevada a las órdenes de uno de los compositores que llegó a convertirse en uno de los preferidos de la "nouvelle vague", y uno de los favoritos del director François Truffaut, si amigos me refiero al francés nacido en Roubaix, para más señas George Delerue "¡Viva Maria!".

Muy bien, si muy bien los actores aquí contratados por Bertolucci y encabezado por un impecable Jean-Louis Trintignant "Un hombre y una mujer" ("Un homme et une femme") metido en el atormentado cuerpo de Marcello Clerici, ese intelectual que mantiene una "decorosa" vida social y se aviene al nuevo orden fascista sin saber muy bien cuales son sus motivaciones. Pero por dentro, su conciencia es un infierno que le hace cometer actos de indiferencia absoluta, reflejados en el personaje de su madre o, en el de su mujer, extraordinario Trintignant, y con él la bellísima italiana Stefanía Sandrelli "La familia" ("La famiglia") como Giulia la esposa de Marcello, una mujer que solamente mantiene su matrimonio por la intensa relación sexual, y no por una verdadera comunicación personal entre ambos. Y junto a ellos, unos secundarios de campanillas, como por ejemplo: la francesa Dominique Sanda "La herencia Ferramonti" ("L’Ereditá Ferramonti"), y la "veterana" griega y excepcional actriz, aunque quizá algo olvidada Yvonne Sanson "El profeta" ("Il profeta"), esta metida en el personaje de la madre de Giulia.

En definitiva, una estupenda película, no es de las mejores de Bertolucci como digo, pero es un film con el que el director creó una escuela, puesto que logró gracias a sus planos y a sus encuadres, una historia que para si la quisieran muchos directores de la actualidad.  Notable.

"El conformista", logró en 1971 el David de Donatello a la mejor película.

"Es increible todo lo que un beso puede significar en la vida..."

Sobria, trágica, pero también excelente película dirigida por el brasileño de origen argentino Héctor Babenco "Tallo de hierro" ("Ironweed"), un hombre que comenzó en el mundo de la música, para después introducirse de lleno en el del cine, aunque sus comienzos fueron con documentales, concretamente con "El rey de la noche" del año 1975.

"El beso de la mujer araña" está basada en una novela del destacado escritor argentino Manuel Puig "Boquitas pintadas" y el guión corrió a cargo del norteamaricano nacido en Michigan Leonard Schrader "Yakuza" ("The Yakuza"), un notable escritor con una gran habilidad para escribir películas de idioma japonés.

Así pués, Babenco nos presenta una historia trágica y conmovedora, y nos lleva a una cárcel de máxima seguridad en un pais de Sudámerica, y en donde coinciden en la misma celda un homosexual y un político, haciendo de ellos por el tiempo que llevan juntos establecer una gran amistad, una amistad que hará que se entiendan y al mismo tiempo que se respeten el uno al otro...

Valiente película, si señor, y valiente exploración política, psicológica y sexual dentro de los confines de esa prisión de máxima seguridad, en donde nos encierra Babenco. Una película que cuenta con escenas verdaderamente desgarradoras a la vez que impactantes, sobre todo las que se desarrollan en esa celda cochambrosa y tercer mundista, y que decir de los diálogos entre eso dos personajes diametralmente opuestos: "Ahora sin querer me llevé la mano a mi ceja, buscándome el lunar" "¿Qué lunar? yo tengo un lunar, no vos" "Si ya sé. Pero me llevé la mano a mi ceja, para tocarme el lunar que no tengo"... verdaderamente sensacionales, de verdad.

Como sensacionales están los dos protagonístas de esta como digo conmovedora historia, uno William Hurt "Hijos de un dios menor" ("Children of a Lesser God"), metido hasta lo más infinito de su alma en una rompedora interpretación, la de Luis Molina, un escaparatísta encerrado por homosexualidad, alto, afeminado y amanerado, el otro Raul Juliá "La familia Addams" ("The Addams Family"), en un papel también de muchos quilates y por supuesto excepcionalmente verosimil, el de Valentín Arregui, un heterosexual, y prisionero político y que para matar el tiempo Luis le cuenta con todo lujo de detalles un melodrama que vió hace años atrás.

Soberbios los dos. Y con ellos una mujer, como tiene que ser, y aquí nos encontramos con la bellísima actriz brasileña Sonia Braga "Un lugar llamado milagro" ("The Milagro Beanfield War") metida en un papel tan díficil como complejo el de Leni Lamaison, una cantante francesa que bellamente acicalada y extremadamente sensible, se enamora de un oficial de la Gestapo, a pesar de que forma parte de la Resistencia francesa.

Excelente la fotografía llevada de la mano del argentino Rodolfo Sánchez "Pixote, la ley del más débil" ("Pixote a ley do mais fraco"), un hombre creo que muy poco conocido en nuestro pais, con muy poco cine en su corriculum, pero aquí y todo hay que decirlo logró un más que aceptable trabajo. Muy amena la banda sonora, obra del brasileño nacido en Rio de Janeiro John Neschling, un director de orquesta también y al igual  que Sánchez con muy poco cine en su haber, pero que en su pais goza de una gran reputación, hasta tal punto que llegó a ser director artístico de la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo desde 1997 hasta 2008, y aquí realzando más el clima de tensión con su particular y excepcional música.

En definitiva, una estupenda película, valiente y sorprendente, que obtuvo un destacado éxito a nivel internacional en su dia, y con unas actuaciones colosales tanto la de Hurt como la de Juliá, actuaciones en estado puro. Sobresaliente

William Hurt, logró el Oscar destinado al Mejor actor, y la película además obtuvo tres nominaciones: Película, Director y Guión adaptado.

Como curiosidad Héctor Babenco le dió las gracias en los titulos de crédito finales al actor Burt Lancaster, el motivo es muy sencillo, Lancaster fue el que inició el proyecto de la película y tenía la intención de interpretar el papel que al final acabó haciendo William Hurt.

Y como anécdota, cuando Hurt levantó su Oscar como mejor actor, quiso compartirlo con Raul Juliá y con el pueblo de Brasil.

En recuerdo de: Patrick Swayze

El primer baile...

El primer amor...

Una nueva manera de bailar...

Entretenida película de género romántico con numerosos números de baile, que resultó ser todo un bombazo taquillero y considerada a la vez como un clásico de la década de los ochenta.

"Dirty Dancing", está dirigida por el neoyorkino Emile Ardolino "El cielo se equivocó" ("Chances Ares") un verdadero experto en cine musical, que como digo logró un auténtico exito de cara a las taquillas, a base de un inteligente cóctel de imágenes atrayentes, música facilona, baile sensual y hasta le dió tiempo a meter problemas juveniles. Y sacada de un guión de la escritora también nacida en Nueva York, Eleanor Bergstein "Ahora me toca a mi" ("It’s my Turn"), pero donde de verdad esta mujer alcanzó fama mundial, fue en su trabajo como novelista en los libros de promoción del mítico y llorado Paul Newman.

La historia más o menos es esta: Nos encontramos allá en el verano de 1963 y en donde una joven indómita de diecisiete años que en contra de su voluntad viaja con su familia a Catskills y allí conocerá a un profesor de baile que da clases a turistas...

Como digo, entretenida historia sin más, y en donde Ardolino quiso rememorar aquellos también taquilleros éxitos como fueron "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever") y "Grease", ambas protagonizadas por el aquel entonces canijo John Travolta, y a decir verdad y a pesar de ser una historia de una simplicidad fuera de toda duda es perfecta para los objetivos que se marcó, es decir objetivos claramente comerciales, a pesar de que algunos críticos la calificaron en el dia de su estreno, como "la única película porno para chicas , hecha hasta el momento", sea como fuera, lo cierto que "Dirty Dancing" se convirtió en uno de los largometrajes norteamericanos más destacables de su década.

Cuenta con una bonita fotografía en un lujoso color a cargo del norteamericano Jeff Jur (en algunas de sus películas usa su nombre completo es decir Jeffrey Jur) "Te Eye", un especialista en series para la televisión, y que aquí en esta danza trabajó estrechamente con el director, para conseguir las imágenes que tenía en su mente, sobretodo en las escenas de baile, alcanzando en algunas un alto contenido erótico, dado la fecha de su realización.

Y atención a su magnífica banda sonora, obra y gracia del compositor nacido en Nueva Jersey, John Morris "La mujer de rojo" ("The Woman in Red"), un fantástico musico que empezó para la televisión, y que a partir de 1968 se alió con Mel Brooks, para después escribir casi todas las partituras de sus películas, y aquí creando un extraordinario manojo de espléndidas viejas canciones, aderezadas con otras de novísimo corte, como por ejemplo "The time of Your life", interpretada con gran sutileza por Bill Medley y Jennifer Warden.

Muy bien el elenco de actores, todos en sus correspondientes puestos, destacando la pareja formada por Patrick Swayze "Green Dragon" y Jennifer Grey "La fuerza del viento" ("Wind"). Patrick metido en el vigoroso cuerpo de Johnny, un experto profesor de baile y lo que es más, todo un amante consumado. Jennifer, como Baby esa aburrida e inocente adolescente, que se encuentra un buen dia con Johnny, y a raiz de ahí y después del primer baile...aparte de una pasional relación amorosa, se crea al mismo tiempo una mágica intercomunicación profesor-alumna, que por supuesto constituye la base principal de los números musicales de la historia.

Con ellos y entre otros también nos encontramos bailando, pero de manera muy diferente a los "veteranos" Jerry Orbach "Delitos y faltas" ("Crimes and Misdeanors") y a Kelly Bishop "Partes privadas" ("Private Parts"), dando vida a Jake y Marjorie Houseman, los padres de la indómita y enamoradiza Baby.

En fin, una entretenida película romántica de bajo presupuesto, que a pesar de las críticas en contra que tuvo por algunos medios de información, salió a flote, gracias también a su bonita y pegadiza banda sonora y sin olvidarnos de su excelente coreografía, y como no al baile de la parejita protagonísta, que en su dia saltaron chispas.  Notable.

"Dirty Dancing", logró el Oscar destinado a la mejor canción original "The time of Your life".

Como curiosidad, se han vendido hasta la fecha (según cifras oficiales) 32 millones de copias de la banda sonora, y habiendo sido disco de platino en 11 ocasiones.

¡Creo que no te asusta nada!

¿A mi? ¡A mi, me da miedo todo!. Me da miedo lo que vi. Me da miedo lo que hice. Quien soy, y especialmente tengo miedo a salir de este cuarto y no volver a sentir en toda mi vida lo que siento estando contigo...

Vamos a bailar.

¿Aquí?

Aquí...

Patrick Swayze

"El bailarín actor"

El pasado 14 de septiembre y a causa de un cáncer de páncreas que le fué diagnosticado a principios del año 2008, falleció en Los Angeles el actor Patrick Swayze.

Patrick era hijo de una coreógrafa y estudió danza desde muy temprana edad, y enseguida le surgieron contratos en musicales de Brodway. Representó varias obras musicales en el teatro como bailarín, entre las que se encontraba "Grease", antes de pasar a la gran pantalla, gracias a Francis Ford Coppola su descubridor.

Debutando en 1983 en la película "Rebeldes" ("The Outsiders") al lado de actores tan importantes como Matt Dillon y Tom Cruise, entre otros. Luego vendrían "Más allá del valor" ("Uncommon valor") dirigida por Ted Kotcheff y junto a Gene Hackman. En 1984 protagonizó la película "Amanecer rojo" ("Red Dawn"), de John Milius, junto a Charlie Sheen. En 1985 coprotagonizó junto a James Read la exitosa serie de televisión sobre la Guerra de Secesión "Norte y Sur" ("North and South"). En 1986 trabajó en la película "Forja de campeón" ("Yourgblood"), de Peter Merkle, junto a Rob Lowe.

Y en 1987 rodó "Dirty Dancing", película con la que se hizo mundialmente famoso. Una de las canciones de la banda sonora concretamente "She’s Like the Wind" ("Ella es como el viento"), que compuesta y cantada por él mismo, fue número dos durante varias semanas en la lista de éxitos de Estados Unidos y vendió miles de copias en todo el mundo. Ese mismo año también protagonizó uno de los capitulos de la serie "Cuentos asombrosos" producida por Steven Spielberg.

Entre 1988 y 1989, Patrick se hizo un actor muy cotizado, y pronto se convirtió en reclamo publicitario de grandes marcas de perfumes, ropa, etc. En esos años protagonizó filmes como "Con su propia ley" ("Next of Kim"). A principios de los noventa mantuvo su condición de estrella con varios exitos. En 1990 marcó otro hito taquillero de alcance mundial y recibió muchas criticas favorables con la película "Ghost", dirigida por Jerry Zucker y teniendo como compañeras a Demi Moore y Whoopi Goldberg.

En 1991, tras superar algunos problemas con el alcohol y las drogas, participó en otra exitosa película ambientada en el mundo del surf "Le llamaban Bodhi" ("Point Break"), dirigida por Kathryn Bigelow, y junto a Keanu Reeves. Al año siguiente protagonizó una película totalmente distinta "La ciudad de la alegría" ("City of Joy") dirigida por Roland Joffé y en donde interpretaba a un médico que viaja a la India para dar un nuevo significado a su vida.

En 1993 protagonizó la comedia infantil "El enemigo público nº1...mi padre" ("Father Hood"), junto a Halle Berry. En 1995 abordó posiblemente su papel más atípico en la comedia "A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar", y también "Tres deseos" ("Three Wishes"), junto  con Mary Elizabeth Mastrantonio. En 1998, después de un parón provocado por el poco éxito de taquilla de sus últimos trabajos, protagonizó la película de acción "Black Dog", de Kevin Hooks, y el thriller "Cartas de un asesino" ("Letters from a Killer") de Richard Kelly.

Patrick siguió alternando diversos géneros en sus últimos años en el cine. En 2001 interpretó "Green Dragon" y en 2002 trabajó en "Waking Up in Reno" una comedia dirigida por Jordan Brady y en la que compartió reparto con Billy Bob Thornton, Charlize Theron y Natasha Richardson. En 2003 participó en la película "11:14-Destino fatal" ("11:14"), de Greg Marcks, y también protagonizó y produjo la película One Last Dance" junto a su esposa, Lisa Niemi.

En 2004 volvió a la televisión para rodar la miniserie "Las minas del rey Salomón" ("King Solomon’s Mines"). También realizó un pequeño papel en la película "Dirty Dancing 2" e interpretó al malvado Garthen en "George y el Dragón" ("George and the Dragon"). En 2005, protagonizó "Icon", una versión libre para la pequeña pantalla de Frederick Forsyth, y participó en la comedia "Secretos de familia" ("Keeping Mum"), junto al cómico inglés Rowan Atkinson.

En 2006 puso voz al personaje animado Cosh en "La dama y el vagabundo 2" ("Lady and The Tramp II"). En 2007 interpretó al abogado Richard Pressburger en una película basada en hechos reales "Muerte y castigo" ("Jump!"). Su última participación para el cine tuvo lugar en 2008 en la película "Powder Blue" de Timothy Linh Bui y con Ray Liotta como compañero de reparto, entre otros.

Al detectársele el cáncer que terminaría con su vida, Patrick se sometió a un duro tratamiento pero decidió seguir trabajando y protagonizó la serie televisiva "The Brast" ("La bestia"), en la que interpretaba a un policia de Chicago con métodos pocos tradicionales. En abril de 2009 los médicos comunicaron al actor que el cáncer se habia extendido a su higado, aunque el 19 de mayo su representante desmintió los rumores, señalando que pronto regresaría al trabajo. Pero finalmente el 14 de septiembre el actor falleció a los 57 años de edad en un hospital de Los Angeles. Patrick dejó en audio un testimonio de despedida que formará parte de su autobiografía próxima a salir a la venta.

Su cuerpo fue incinerado después del funeral y sus cenizas llevadas a su rancho por su esposa Lisa.

"Fue un actor intenso, lleno de pasión y vigor. Definitivamente sacaba el máximo de ello y vivió cien vidas en una". (Rob Lowe)

"El siempre estará cerca". "Fue un hombre realmente bueno un hombre divertido a quien debo tanto que nunca podré compensarle". (Whoopi Goldberg)

Patrick Swayze - Houston (Texas) - 18 - agosto - 1952 - Los Angeles - 14 septiembre - 2009

¡DESCANSE EN PAZ!

Espérame corazón

si es que te vas primero

espérame que pronto yo me iré

allí donde tú estés.

Espérame corazón

si es que te vas primero

espérame que pronto yo me iré

para empezar de nuevo.

Nuestro amor es tan grande y tan grande

que nunca termina

y esta vida es tan corta

y no basta para nuestro idilio.

Por eso yo te pido una vez más

me esperes en el cielo

y allí entre nubes de algodón

haremos nuestro nido.

Nuestro amor es tan grande y tan grande

que nunca termina

y esta vida es tan corta

y no basta para nuestro idilio.

Por eso yo te pido una vez más

me esperes en el cielo

y allí entre nubes de algodón

haremos nuestro nido.

¿Tuvo Franco un doble?

Entrañable y entretenida película de género de comedia dirigida por el galardonado director vasco Antonio Mercero, que con su "Planta 4ª" obtuvo el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Montreal (Canadá).

"Espérame en el cielo" vió la luz gracias a un guión del propio Mercero (todas o casi todas sus películas son escritas por él mismo y con algún colaborador asiduo a sus trabajos), por el catalán Román Gubern "Volver a empezar", un escritor e historiador y por si fuese poco catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Barcelona, y por el madrileño Horacio Valcárcel "Canción de cuna", un prestigioso escritor y el favorito de José Luis Garci puesto que ha colaborado con él, en todas sus películas.

La historia que nos cuenta aquí Mercero empieza diriamos con una pregunta ¿Tenía Franco un doble?. Para saberlo comencemos viendo la historia y al finalizar podremos contestar a tal pregunta. Así pués nos metemos en la vida de un hombre llano del pueblo y que por gracia o por desgracia de tener un enorme parecido con Franco se ve envuelto en una serie de equívocos y aventuras a la vez que con situaciones de lo más hilarantes...

Muy entretenida la historia que nos cuenta el director vasco, de verdad, y además con un guión de lo más original, la hipótesis de que Franco se sirvió de un doble suyo para asistir a los eventos menos seguros y él dedicarse mientras a holgazanear en el Pardo o cazando y pescando en tal y cual sitio, de verdad que la idea estuvo genial y genial les salió la historia.

Cuenta pués, con escenas verdaderamente llenas de humor y hasta de "mala leche", por ejemplo: cuando el ¿caudillo? aparece en un burdel y uno de los que estaban alli "chiscando" se levanta en bolas de la cama saluda brazo en alto con un ¡Arriba España! y el tio se lanza por la ventana, y con unos diálogos sin desperdicio alguno. Pero también nos encontramos con escenas llenas de ternura al ver como dos personas mayores y después de muchos años de matrimonio se ven obligados a separarse para siempre y solamente comunicándose a través del NO-DO, patético de verdad, pero como digo llenas de una gran ternura. Una película que para mi, mereció mucho más de lo que la dieron.

La fotografía y por cierto muy bien cuidada y a todo color, salvo en algunos documentales donde sale el "auténtico", que por supuesto son en blanco y negro, corrió a cargo del sevillano Manuel Rojas "La estanquera de Vallecas", un veterano del cine patrio con casi doscientas películas a sus espaldas. Y atención para los nostálgicos y para los que peinan canas desde hace años, porque la banda sonora está llevada a cargo por el maestro también vasco Alonso Bernaola "Pasodoble", un eminente compositor, miembro de la denominada Generación del 51 y con innumerables premios en su haber, entre ellos el Premio Nacional de Música Cinematográfica. Y aquí mostrándonos un buen ramillete de canciones de la época, pero la que se lleva el gato al agua es el mítico bolero del cantante cubano Antonio Machín, con la canción que da titulo a esta película.

Estupendos los actores con los que aqui contó Mercero, aunque destacando ese matrimonio que un buen dia se ven separados por culpa de una operación llamada Hano (¿que cosas verdad?), él Pepe Soriano "El rey pasmado" ese Paulino Alonso un hombre sencillo que de golpe y porrazo y por tener un parecido con el hombre que por aquel entonces mandaba en el pais es secuestrado y trasladado a los sótanos de El Pardo donde se le instruye para caminar, hablar y comportarse como el dictador, viéndose obligado a inagurar pántanos recibir credenciales, etc. pero eso si, provocando los más divertidos equívocos, extraordinario aqui el estupendo actor argentino.

Ella, la inigualable Chus Lampreave "Volver" dando vida a Emilia la mujer de Paulino, que ve como un dia se llevan a su marido y aunque toda su familia le da por muerto, ella sabe que está desaparecido pero no muerto, genial como siempre la maravillosa actriz madrileña. Y bailando también al compás de las maracas de Machín, nos encontramos por allí, ni más ni menos que a José Sazartonil "Saza" "Todos a la cárcel", llamándose Alberto Sinsoles el mismísimo ministro de propaganda del régimen, que jodio el tio, y por si fuera poco el principal cabecilla de la dichosa operación esa, desternillante.

En fin, una entretenida e hilarante película, con unos diálogos llenos de genialidad, y que una vez vista, podriamos contestar a esa pregunta sobre el doble del dictador, y la respuesta seria de SI, pero nos encontramos con otro interrogante, en el año 1975 murió Franco y fue enterrado en el Valle de los Caidos. Ahí va el interrogante. ¿Quien verdaderamente está enterrado allí el "auténtico" o su "doble"?... Notable.

José Sazartonil, logró el Goya al Mejor Actor de reparto, y la película obtuvo las siguientes nominaciones: Película, Director, Actor (Pepe Soriano), Actriz de reparto (Chus Lampreave), Guión original y Maquillaje.

"Mirá, no es una relación como la que tuvimos nosotros, no, que la verdad...Con Esteban es mucho más tranquilo, respeta mi trabajo, respeta mi vida, yo le respeto a él. Y...bueno...no sé. Yo pensaba que lo otro, que ese fuego. Te quema y nada más. Entendí que...que el amor es otra cosa que tiene más que ver con el cariño, con el compromiso, con las cosas compartidas, con la seguridad, con la confianza. Con la confianza. Eso es amor, no esa cosa adolescente de Romeo y Julieta que... A mi ya no me enganchás con un cuento o pintándome un retrato. Vos sabés que además cuando yo me propongo algo... (Laura).

Buena e interesante película de género de comedia dramática y dirigida por una de las revelaciones más importantes del cine argentino de los últimos años, me refiero a Juan José Campanella que en el año 2001 y con "El hijo de la novia", logró ser nominado al Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

"El mismo amor, la misma lluvia" está basada en un guión del propio director y de Fernando Castets tambien nacido como Campanella en Buenos Aires y uno de los guionístas más exitosos del panorama cinematográfico actual y fiel colaborador del director ya que también fue el responsable de la excepcional "Luna de Avellaneda".

La historia nos lleva a los encuentros y desencuentros de una pareja allá en la Argentina de los años ochenta, y en donde a lo largo de casi dos décadas, vamos descubriendo todas las alegrias, ilusiones, esperanzas pero también desilusiones de estos dos personajes...

Muy bonita película, si señor, y en donde Campanella nos describe una primorosa historia llena de dolor y emoción, pero también de mucha alegría. Una historia interesante, de verdad, y que reflexiona sobre ese misterioso mundo de los sentimientos, del amor y del no amor. Una película que emociona desde el primer minuto "¿Vos creés en el destino?" "Creer o reventar". Una historia en si de las que mejor refleja una relación de pareja, sencilla, muy sencilla, pero enormemente verdadera. Y que pese a que el cine argentino quizá no tenga esa fuerza comercial que le haga realzarse hasta la cima del cine mundial, sin embargo si que posee esa fuerza para transmitir sentimientos y emociones a nivel universal, como este amor y esta lluvia.

Cuenta pues con escenas llenas de frescura y sinceridad, y por supuesto con momentos de gran intensidad y belleza expresiva, como por ejemplo: el roce de las manos de los dos protagonístas entre los barrotes de un calabozo en plena dictadura militar argentina.

Pero si a Campanella aquí le salió un tanto sentimetal como agridulce historia, mucho tuvieron que ver las buenas intenciones y el buen oficio de casi todo el reparto de actores, comenzando por su actor fetiche Ricardo Darín "La educación de las hadas", metido en el cuerpo y en el alma de Jorge ese joven escritor promesa de la literatura argentina, aunque en realidad vive de los cuentos románticos que escribe y que un buen dia y bajo una lluvia torrencial tropieza con un rostro femenino, ella es Soledad Villamil "No sos vos, soy yo", y aquí como Laura que ha bajado la ventana de un taxi para dejarse empapar por el agua. Un rostro al que Jorge volverá a buscar y a encontrar una y otra vez durante más de dos décadas, sensacionales los dos, si señor. Y perfectamente arropados por un buen puñado de actores argentinos entre ellos Eduardo Blanco "Tapas" Ulises Dumont "Morir en San Hilario" Rodrigo de la Serna efectivamente el Alberto Granado de la memorable obra maestra "Diarios de motocicleta" ("The Motorcycle Diaries")... y más, bastantes más.

Y todos fenomenalmente fotografiados por otro gran amigo del director, me refiero a Daniel Shulman un profesional de la cámara, con apenas una docena de películas en su haber, pero que con la citada "El hijo de la novia" tocó la cima del cine universal, y aquí logrando unas sensacionales imágenes y creando una ambientación sensacional, puesto que la historia tiene como telón de fondo los cambios históricos que vivió Argentina hasta la vuelta a la democracia.

Pero no todo son laureles en esta fenomenal película, ya que la banda sonora, es para mí lo más flojo de la historia (la encuentro digamos que demasiado cursi), a pesar de llevar la firma de otro argentino de postín como es Emilio Kauderer "Un lugar en el mundo", puesto que es un afamado compositor que empezó su carrera como pianista, para luego pasarse al mundo del cine e incluso dándole tiempo para componer canciones a cantantes famosos como es el caso de Ricky Martin.

En definitiva, una estupenda película, sencilla, pero muy grande a la hora de valorarla, ya que descubre una magia especial, fruto del buen hacer de los personajes de esta sentimental historia. Sobresaliente.

Siempre lo tuve en mi mente Ricardo era el único actor argentino que podría lograr la complejidad interpretativa que requería el personaje de Jorge (Juan José Campanella)

En recuerdo de: John Hughes

¡Quédate con el cambio sabandija asquerosa!...

Todo un clásico indiscutible del cine familiar y uno de los mayores éxitos del género de comedia de la década de los noventa.

"Solo en casa" está dirigida por el famoso realizador nacido en Pennsylvania Chris Columbus, un hombre que empezó como guionísta para acabar dirigiendo ni más ni menos que las dos primeras entregas de Harry Potter, la primera en el año 2001 "Harry Potter y la piedra filosofal" ("Harry Potter and the Philosopher’s Stone") y la segunda al año siguiente "Harry Potter y la cámara secreta" ("Harry Potter and the Chamber of Secrets"). Pero el verdadero padre de esta criatura fue el recientemente desaparecido John Hughes, uno de los hombres más prestigiosos de Hollywood, que aquí se encargó y se atrevió de hacerse cargo del guión.

La historia pues que se le ocurrió al fenomenal Hughes, es más o menos así: En vísperas de las fiestas de navideñas, los padres y hermanos del pequeño Kevin se preparan para pasar las vacaciones en Paris. A última hora, y debido a la salida precipitada de todos ellos, que por primera vez van de vacaciones juntos a Europa, se olvidan de Kevin que, castigado se ha quedado dormido. Además de la soledad, el niño tendrá que afrontar la llegada de dos ladrones que se proponen desvalijar la casa aprovechando el fin de semana navideño. Para librarse de ellos, el pequeño ingenia una serie de trampas y trucos con los que intenta protegerse el mismo y defender su hogar...

Vibrante y sorprendente película de género cómico, si señor, y todo un clásico para todas las edades, tampoco la vamos a catalogar de obra maestra de la comedia por supuesto, pero si una historia muy bien lograda, ya que de verdad en su dia provocó un gran revulsivo en el mundo del cine, y el resultado fue todo un taquillero exitazo. Una comedia pues de gran humor tanto buena como disfrutable, y en donde Columbus creó un estilo propio, pero eso si, luego imitado hasta la saciedad.

Cuenta como es de esperar con escenas verdaderamente descacharrantes entre el pequeño y los "terribles" ladrones y algunas llenas de ingeniosos gags, aunque también hay que reconocer que hay momentos digamos que un poco tontos, pero también tenemos que recordar que aunque es una película para toda clase de público, la historia está dirigida especialmente para los niños.

Estupenda fotografía a todo color, llevada a cabo por el argentino Julio Macat "Milagro en la ciudad" ("Miracle on 34th Street"), y aquí creándonos y recreándonos con unas estupendas fotografias tanto de interiores como de exteriores y logrando una ambientación navideña sumamente perfecta, tanto fue así que Columbus lo contrató para  fotografiar una segunda parte "Solo en casa II. Perdido en Nueva York" ("Home Alone 2: Lost in New York").

Fenomenal la banda sonora (como tenía que ser), ya que la lleva ese oscarizado maestro nacido en la ciudad de los rascacielos y conocido por todos como John Williams "La lista de Schindler" ("Schindler’s List") por si hubiese alguna duda, un compositor que su carrera se extiende en la friolera de cinco décadas y con cuatro Oscar alojados en su batuta.

Pero si el padre de la criatura fue John Hughes, aquí la verdera criatura (y nunca mejor dicho), y uno de los artifices de esta taquillera película, fue el por aquel entonces un pequeñajo y rubio muchachito llamado Macaulay Culkin "El buen hijo" ("The Good Son") que con apenas 10 años de edad, dejó boquiabiertos a propios y extraños, metido en el pellejo y dentro de su casa como ese Kevin McCallister (Kevin para los amigos y enemigos), un niño que accidentalmente se queda abandonado cuando su familia se marcha de vacaciones, pero que aprende a valerse por si mismo incluso de dos "bribones" que se proponen asaltar todas las casas cerradas de su barrio. Un papel que le catapultó a la fama de la noche a la mañana, lástima que su estrella se apagara por culpa de las juergas y algo mucho peor.

Pero también andaban ¿merodeando? por allí, dos tipejos de mucho cuidado, uno el gran y siempre carismático Joe Pesci "Uno de los nuestros", ("Goodfellas") dando vida a Harry ese "terrible" ladrón que no repara en nada con tal de desvalijar todas las casas sin importarle que se están celebrando esas  fiestas tan entrañables como son las navidades, pero no cuenta que en una de ellas hay una "inocente" criaturita dispuesta a defender "cara su vida". Y como en todos los casos un ladrón siempre tiene que ir acompañado por otro colega, y aqui se apuntó Daniel Stern "Cowboys de ciudad" ("City Slickers") como Marv, otro "gángster" que tal baila y no digamos como patina, geniales los dos, como geniales las trampas que les prepara Kevin.

Y tampoco hay que olvidarnos de los padres del niño, aunque ellos se olvidaron de él, y aquí nos encontramos cargados de maletas para viajar a Paris a John Heard "Mis queridos compatriotas" ("My Fellow Americans") y a Catherine O’Hara "Un golpe del destino" ("A Simple Twist of Fate") como Peter y Kate McCallister respectivamente, esos padres que cuando llegan a la capital de Francia se dan cuenta que su hijo pequeño se ha quedado en Chicago ¿solo en casa?...

En definitiva, todo un clásico de este género, toda una cadena de carcajadas monumentales, y con momentos también muy conseguidos de gran ternura, y que de verdad merece la pena de visionarla, y si es en familia, mucho mejor.  Notable.

"Solo en casa" estuvo nominada al Oscar en el apartado de mejor banda sonora.

En 1992 se rodó una segunda parte con todo el equipo  al completo de la primera, aunque no llegó a alcanzar el éxito  que la anterior no por ello dejó de ser también muy entretenida. Después vinieron dos secuelas más con diferente director y protagonistas, pero lo mejor es pasar hoja.

Como curiosidad Chris Columbus probó a más de trescientos niños antes de aceptar los consejos de John Hughes de contratar a Macaulay Culkin, al final el aqui guionísta y descubridor de la estrella infantil, se salió con la suya.

Jonh Hughes

"El rey de los adolescentes"

El mago de la comedia adolescente falleció el pasado 6 de agosto cuando se encontraba en Nueva York visitando a unos familiares. Durante el paseo matinal que estaba realizando, sufrió un infarto que le quitó la vida. Contaba 59 años.

Fue el director que revolucionó en los años 80 el cine de adolescentes. Dos títulos "Dieciséis velas" ("Sixteen Candles"-1984) y "El club de los cinco" ("The Breakfast Club"-1986) bastaron para hacerle merecedor de ese reconocimiento por todos los estudiosos de las películas para"tenagers". La jovencita que sufre porque los demás olvidaron de sus dieciséis cumpleaños, o el grupo que debe acudir a la escuela el sábado como castigo, eran premisas que servían para desplegar las pequeñas grandes tragedias que se sufren en la llamada "edad del pavo".

John Hughes habia nacido en Lansing (Michigan), el 18 de febrero de 1950. Aunque se movió en el mundo de la publicidad, le gustaban las ideas cómicas, y de hecho su primer trabajo para el cine serían sus ideas humorísticas para el guión de "Las vacaciones de una chiflada familia americana" ("European Vacation"-1983). Y aunque dirigió ocho películas, lo que más le gustaba era concebir ideas y escribir guiones, que plasmaba en papel a toda velocidad, razón por la que firmó muchos libretos de películas, producidas por él, aunque él no fuera el director.

De éstas las más célebres son las dos primeras entregas de la saga "Solo en casa" ("Home Alone") que sirvieron para el descubrimiento de Macaulay Culkin, ese niño encantador de una numerosa familia, que quedaba olvidado en su hogar y debía enfrentarse a unos torpes ladrones. En esa línea fue otro acierto la divertida "El peque se va de marcha" ("Baby’s Day Out"-1994), que tenía forma de cuento. En su faceta de guionísta entregó muchos títulos familiares, basados en cómics "Daniel el travieso" ("Dennis the Menace"-1992), personajes disneyanos "101 dámatas" (Más vivos que nunca) ("101 Dalmatians"-1996), y clásicos navideños "Milagro en la ciudad" ("Miracle on 34th Street"-1994).

Aunque en los últimos tiempos no se prodigaba, seguía concibiendo argumentos que firmaba con el seudónimo de Edmond Dantes, como es el caso de "No tan duro de pelar" ("Drillbit Taylor"-2008) o "Sucedió en Manhattan" ("Maid in Manhattan"-2002). Curiosamente John Candy, uno de los actores con los que trabajó repetidamente hasta protagonizó "Solos con nuestro tio" ("Uncle Buck"-1989) también falleció de forma súbita con 44 años. Hughes deja mujer, Nancy de 39 años, dos hijos y cuatro nietos. El mundo del cine pués ha perdido no sólo a un director esencial cuya influencia durará generaciones, sino a un gran hombre decente.

"Siempre fui fan de su trabajo y de él" (Macaulay Culkin)

John Hughes - Lansing (Michigan) - 18 - febrero - 1950 - Nueva York - 6 - agosto- 2009

¡DESCANSE EN PAZ!