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Vestida para matar (Dressed to Kill - 1980 )

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  "Es triste que un sueño sea más real que el mundo que lo rodea a una."

  Muy buena película de género terror-policiaco escrita y dirigida por Brian De Palma. Un director nacido en Nueva Jersey. Mucho se le ha criticado a De Palma por imitar a Alfred Hitchcock, pero el público actual le considera un maestro del suspense. se le atribuyen algunos de los momentos más memorables de la historia del cine grandiosos panoramas de tensión y violencia a cámara lenta.

  Aunque sus primeras películas no estaban muy logradas, "Saludos" ("Greetings"-1968) y "Hola, mamá" ("Hi, Mom!"-1970) fueron éxitos de cine independiente. Aquellas películas tenían premeditadamente un aspecto descuidado, reflejo tanto de los bajos presupuestos como de las influencias contraculturales de la época. Brian De Palma no comenzó a brillar hasta que demostró su admiración por Hitchcock con el uso de la pantalla partida en "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "El fantasma del paraiso" ("Phnatom of the Paradise"-1974.

  Consiguió un gran éxito de público con su adaptación de "Carrie"-1976, de Stephen King. Demostró que podía combinar el uso de la cámara lenta, la pantalla partida, los primeros planos, la música y los sonidos aislados para generar suspense en la escena del baile. Continuó perfeccionando esa técnica en películas posteriores, especialmente en el caso de "Vestida para matar" ("Dressed to Kill"-1980), "Impacto" ("Blow Out"-1981) y "Femme fatale"-2002), todas ellas piezas cargadas de suspense.

  El talento de Brian De Palma brilla especialmente por las películas de gánsteres y de acción. También le han ayudado contar en ocasiones con el talento de guionístas como Oliver Stone en "El precio del poder" ("Scarface"-1983), David Mamet en "Los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) y David Koepp en "Atrapado en su pasado"("Carlito’s Way"-1993) y "Misión imposible" ("Mission: Impossible"-1996). ¿Quién puede olvidar al inmigrante cubano que interpreta Al Pacino convertido en mafioso esnifando una montaña de cocaina en "El precio del poder"?. O a Robert de Niro en el papel del gángster Al Capone en "Eliot Ness"?. O a Tom Cruise, el agente secreto de "Misión imposible"?, suspendido sobre el suelo, aparentemente sujeto solo por un hilo?. En estos momentos, el cine de Brian De Palma no es bueno, es excelente.

  Así pues, el "rey del suspense" ¡ojo!" no el "mago", nos mete en el cuerpo de una mujer insastifecha sexualmente que acude a su psiquiatra como terapia. Más tarde, flirteará en un museo con un extraño hombre, lo cual encadenará su pesadilla...

  Muy buena película, si señor. Y toda una muestra del quehacer cinematográfico del artesanal Brian De Palma. Una película increiblemente redonda, con una bellísima protagonísta feemenina haciendo escenas verdaderamente magistrales como la del museo (sin necesidad de diálogos, jugando al gato y al ratón), el prólogo en la ducha o el ya clásico asesinato en el ascensor. De Palma pues, deja patente su amor a Hitchcock y como no a sus "Psicosis" ("Pyscho"-1960), pero no solo homenajea, si no que con ello crea y reinventa de forma sorprendente. "Vestida para matar" es una película de terror, en convivencia con el drama, pero predomina el miedo y el suspense más integrante. No es una obra maestra como la de Hitchcock pero poco le falta porque es una película exquisita, plena en detalles, erotísmo, imágenes bellas; de una carga onírica y sexual desbordante; y sobre todo, elegante muy elegante.

  Estupenda la fotografía en color de Ralf  D. Bode, "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever"-1977).Un director de fotografía nacido en Berlin (Alemania), aunque nacionalizado estadounidense. Se trasladó con su familia a Vermont cuando contaba 13 años de edad. Allí se graduó y de principio comenzó como actor, al poco tiempo se matriculó en la Escuela Dramática de Yale. También sirvió como fotógrafo en el ejército de Estados Unidos.

  Y en esta memorable historia cargada de suspense mostrándonos unos fotogramas extraordinarios algunos de ellos en pantalla partida (como le gusta a De Palma) y así de esta manera hace lograr unas fascinantes escenas plenas de acción, terror, suspense y erotísmo. La película se rodó en diferentes localidades de Manhattan. Los interiores del museo se rodaron en el "Philadelphia Museum of Art", ya que la productora no consiguió los permisos necesarios para rodar en el MET de Nueva York, aunque los exteriores si se rodaron allí.

  Maravillosa la banda sonora de Pino Donaggio, "El gato negro" ("Il gatto nero"-1981). Un cantante y compositor nacido en Burano (Italia). Comenzó a estudiar violín a la edad de 10 años y a los 14 hizo su debut en solitario en un concierto de Vivaldi para la radio italiana. Con el descubrimirnto del rock and roll durante el verano de 1959 terminó su carrera clásica cuando hizo su debut de canto con Paul Anka. Luego comenzó a escribir sus propias canciones. Participó en el Featival de San Remo en 1961. En 2012 fue galardonado con el Lifetime Achievement Award de la Word Sountrack Academy por su larga trayectoria musical.

  Y en esta inquietante historia mostrándonos unos temas de auténtica obra maestra. Temas muy diferentes para la secuencia inicial de "la ducha", con el tema principal de la película y con una voz femenina incluida dado el erotismo de la escena, en la música inolvidable de la secuencia de "el museo" que es todo un ejercicio de estilo, y en el tema de amor de "Liz y Peter". A destacar también la parodia de "Muerte en el ascensor" y la típica sospresa-susto final por cortesia del director evidenciando en la música en "El asilo-La pesadilla".

  Sensacional Angie Dickinson, "A quemarropa" ("Point Blank"-1967), metida en el maravilloso cuerpo (a sus 50 años) de Kate Miller una madre y ama de casa frustrada sexualmente que vive con su hijo y está en terapia con un psiquiatra, que no es otro que el también sensacional e incombustible Michael Caine, "Las normas de la casa de la sidra" ("The Cider House Rules"-1999) como el Dr. Robert Elliott, el hombre que en una de sus citas Kate quiere seducirle pero este le rechaza...

  Y con esta gran pareja de monstruos sagrados del cine universal nos encontramos con ellos a Nancy Allen, "Robocop"-1987, como Liz Blake; Keith Gordon, "Christine"-1983, como Peter Miller el hijo de Kate; Dennis Franz, "A la caza del lobo rojo" ("The Package"-1989), como el detective Marino; David Margulies, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979), como el Dr. Levy.

  Resumiendo: una película de obligado visionado tanto por los amantes del cine en general como por los desgustadores de lo macabro en particular, que sabrán disfrutar desde la primera hasta la última escena.  Sobresaliente.

  Como anécdota. El guión de "Vestida para matar" salió a subasta y despertó el interés de varias productoras, siendo finalmente vendido a Filmways Pictures por 200.000 dólares. El proyecto avanzó rápidamente, enseguida George Litto se sumó a la producción en calidad de productor y en poco tiempo se le dió luz verde a la película.

22/04/2017 17:44 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

¡Viven! (Alive! - 1993 )

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  "Me siento orgulloso de ser un hombre en un dia como hoy. ¡Vivo!. Que he vivido para verlo. Y verlo en un sitio tan increible. Absorberlo. Te quiero amigo. Mira... Es magnífico. Es Dios. Y nos llevará por encima de todo, te lo juro..."

  "Sabes que moriremos."

  "Puede ser. Pero si morimos, moriremos andando."

  Muy buena película de género de aventuras y supervivencia, basada en hechos reales. Cuenta con un guión de John Patrick Shanley, "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987). Un dramaturgo y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Universidad de Nueva York. Es autor de más de treinta obras de teatro, que han sido traducidas en todo el mundo, incluyendo muchas producciones en Estados Unidos. También se graduó en la Escuela Steinhardt de Cultura, Educación y Desarrollo Humano en la Universidad de Nueva York con el titulo en Teatro Educativo y es miembro del Ensamble Theatre.

  "¡Viven!" está dirigida por Frank Marshall. Un director y productor nacido en California. En 1991, junto con su esposa Kathleen Kennedy y Steven Spielberg, fundó la productora Amblin Entertainment y, en 1991, de nuevo junto a su esposa, fundó la The Kennedy/Marshall Company, un contrato de colaboración con Universal Pictures.

  Marshall como productor y junto con Spielberg ha trabajado en algunos de los mayores éxitos de taquilla estadounidenses desde 1973. Comenzó como responsable de exteriores  y productor asociado en películas como "The Last Picture Show"-1971, "¿Qué me pasa, doctor" ("What’s UP Doc?"-1972) y "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Sus siguientes y más conocidos trabajos fueron "E.T., el Extraterrestre"-1982, las sagas de "Indiana Jones", "Gremlins" y "Regreso al futuro", además de "Poltergeist"-1982, "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), "El imperio del sol" ("Empire of the Sun"-1987), o "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" ("Who Framel Roger Rabbit"-1988) (todas estas como digo en colaboración como productor con Steven Spielberg).

  En cuanto a la dirección debutó en el cine con la película "Aracnofobia" ("Arachhnophobia"-1990). Ha estado (como director) nominado al Oscar en cinco ocasiones.

  Así pues, Marshall nos cuenta una historia basada en hechos reales. La terrible experiencia de un grupo de jugadores de rugby del equipo nacional de Uruguay, cuyo avión se estrelló en medio de la cordillera de los Andes en octubre de 1972. Completamente aislados, los dias pasaban sin que nadie fuera a rescatarles, por lo que se vieron obligados a recurrir al canibalísmo, comiéndose la carne de los compañeros fallecidos, mientras los más fuertes preparaban un viaje desesperado a través de las montañas en busca de alguién que pudiera rescatarles...

  Magnífica película, si señor. Una historia de fé y supervivencia del espíritu humano. Una película en donde nos muestra que hasta en medio de las peores desgracias nunca nos hallamos solos. De que puede que los caminos y destinos que estos conllevan al seguirles ya se encuentran trazados en la vida, más sin embargo no podemos alcanzarlos si nosotros no hacemos algo al respecto. De tomar dedcisiones tan difíciles que pongan a prueba nuestra integridad moral y nos hagan dudar de nuestra propia bondad, de si es ético sobrevivir a costa de nuestros semejantes. De la enorme importancias de la voluntad, pero sobre todo de la fé para lograr vencer obstáculos que parecen imposibles. Pues si, de esto se trata esta gran película, otra de esas que han marcado un lugar especial en el cine y por supuesto en el espectador.

  Cuenta con escenas espeluznantes como la del accidente del avión, las de las avalanchas, la antropofagia y que decir de las incursiones por la montaña, todas ellas rodadas con un gran realísmo.

  La fotografía en color corrió a cargo de Peter James, "Paseando a Miss Daisy" ("Driving Miss Daisy"-1989). Un director de fotografía nacido en Sidney (Australia). Comenzó sus estudios en Charterhouse School, tras los cuales se especializó en la Academia Cinematográfica. Posteriormente pasó varios años en Estados Unidos, y su trayectoria comenzaría en Canadá (lugar precisamente donde se rodó la película).

  Y aquí como digo mostrándonos unas imágenes espeluznantes y donde nos atrapa en cada una de las escenas todas ellas llenas de un gran realísmo que por supuesto es otro punto a favor de esta gran película. Los exteriores fueron rodados como he dicho en Canadá en tres lugares diferentes: en una montaña a 2.500 metros de altura (para lo cual se estableció un campamento), en otro sitio al pie de la montaña. Y en un set de Vencouver, donde se ambientaron las escenas de algunos interiores.

  Preciosa y precisa la banda sonora de James Newton Howard, "Soy Leyenda" ("I Am Legend"-2007). Un exitoso compositor nacido en Los Angeles. A través de su prolífica carrera como compositor, músico y escritor de canciones Howard también ha compuesto partituras de todas las escalas y géneros, ganando múltiples nominaciones por sus trabajos. Inició sus estudios de música desde temprana edad al cursar sus estudios en la Music Academy of the West de Santa Mónica (California). Posteriormente dejó la universidad para colaborar con Elton John como teclísta durante los años 70 e inicio de los 80 antes de convertirse en compositor de películas a mediados de los 80. Su orquestación tiende a ser luminosa, más alejada de otros estilos como por ejenplo el de John Barry. Es frecuente la presencia que tienen en sus obras los clarinetes, las flautas y todas las maderas en general.

  Y en esta odisea real mostrándonos 11 maravillosos temas a los que yo destacaría por ejemplo: "First Night". Una angustiosa melodía en la que se desarrolla por medio de cuerdas e instrumentos de viento (oboes y flautas). ""Finding the Tail". Es el tema central, que va in crescendo hasta llegar a un nuevo y sinfónico tema con el que se describe el hallazgo de la cola del avión. "The Final Climb". Es también una hermosa melodia que combina por medio de cuerdas, un tanto elogiaca. Y atención a "End Credits". Un antológico tema de exuberancia orquestal. Construido en forma de suite y utilizado una vez entrados ya en los títulos de crédito.

  Muy bien todos los actores (aunque la mayoría algo desconocidos por aquel entonces). Y aquí metidos en su mayoría en personajes reales. Comenzando por Ethan Hawke, "La mujer del quinto" ("The Woman in the Fifth"-2011) como Nando Parrado, y seguido por Josh Hamilton,  Un intruso en Harvard" ("With Honors"-1994) como Roberto Canessa; Vincent Spano, "El espíritu de Brooklyn" ("A Brooklyn State of Mind"-1996) como Antonio Balbi; Bruce Ramsay, "La isla de los muertos" ("Island  of the Dead"-2000) como Carlitos Páez; John Newton, "Un héroe en casa" ("The Christmas Card-2006) como Antonio Vizintin; David Kriegel, "Magos y hechiceros" ("Quest of the Delta Knights"-1993) como Hugo Diaz; Illena Douglas, "Las californianas" ("The Californians"-2005) como Lilliana Methol. Y un fenomenal prólogo-epílogo con John Malkovich, "La sombra del vampiro" ("Shadow of the Vampire"-2000).

  En definitiva: Una estupenda película basada en una gran historia de amistad y supervivencia. Una película sobria y creible.  Sobresaliente.

          "El mundo entero a sus amigos uruguayos"

  Estas son las cifras de los hechos: Sobrevivieron 16 personas. Murieron 29. Estuvieron 72 dias aislados en los Andes (desde el 13 de octubre hasta el 22 de diciembre de 1972). Sopotaron temperaturas de hasta 40 grados bajo cero: Los nombres de los dos supervivientes que consiguieron cruzar las montañas fueron Nando Parrado y Roberto Canessa.

  Un año después del suceso, en 1974, se editó el libro "Alive: The Story of the Andes Servivors", del escritor británico Piers Paul Read, base de la película.

  En 1976 el mexicano René Cardona Jr. dirigió una película sobre el mismo tema titulada "Supervivientes de los Andes". Pero lo mejor es olvidar este bodrio mal dirigido y peor interpretado.

13/04/2017 10:49 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

V de Vendetta (V For Vendetta - 2006 )

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  "El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo."

  Excelente película de género de acción salpicada con el de ciencia-ficción, e inspirada libremente en el cómic del mismo  título, de Alan Moore (guionísta) y David Lloyd (dibujante), y cuya publicación se inició en la revista británica "Narrior" en 1982.

  Del guión se hicieron cargo las hermanas Wachowski (Andy y Larry Wachowski), "Lazos ardientes" ("Bound"-1996). Dos directoras, guionísta y productoras nacidas en Chicago. comenzaron en una carpinteria mientras creaban historietas en sus ratos libres. Poco tiempo después del estreno de "Matrix Reloaded"-2003), (ambas guionístas) se rumoreó que Larry había empezado a hacer pequeñas apariciones públicas vestido de mujer utilizando el nombre de Lana. El 8 de marzo de 2016, Andy reveló, durante una entrevista al periódico LGBT de Chicago Windy City Times, que igualmente se declaraba una mujer transgénero.

  "V de Vendetta" está dirigida por el aqui debutante como director James McTeigue. Un director nacido en Australia. Realizó sus primeros estudios en la escuela de los Hermanos Marístas en Sydney (su ciudad natal), luego asistió a la secundaria Cromer High School completando estudios terciarios de Cine, en la Universidad Charles Sturt. Comenzó a trabajar como asistente de dirección en películas australianas menores, a finales de los años 80.

  En 1994 fué segundo asistente del director Michael Blakemore en la película protagonizada por Sam Neill. "Country Life", ocupando la misma posición en la películas de acción, "Steet Fighter"-1994. Su carrera continuó como asistente de dirección en importantes películas estadounidenses y australianas como "Matrix"-1999, "Star Wars: Episodio II -El ataque de los clones"-2002, "Matrix reloaded"-2003, "Matrix revoloutions"-2003 o "Speed Racer"-2008.

  En 2006 debutó como director con la película "V de Vendetta". Y un año más tarde fue director de algunas escenas (aunque sin figurar en los títulos de crédito) del thriller "Invasión" ("The invasion") cuyo elenco encabezaron Nicole Kidman y Daniel Craig. Su siguiente trabajo como director fue en otra producción de los hermanos o hermanas (como mejor guste) Wachowski, el thriller de acción "Ninja Assassin"-2009 que contó con un presupuesto de 40 millones de dólares. Recientemente McTeigue ha completado la filmación de "El enigma del cuervo" ("The Raven"-2012) protagonizada por Luke Evans y John Cusak. Su último proyecto ha sido la película "Message from the King" y también otra sobre el famoso gángster Al Capone.

  La acción de aproximadamente un año de duración nos lleva hasta Londres, en el 2020, tras la 3ª Guerra Mundial cuando Inglaterra está gobernada por el régimen dictatorial del canciller Adam Sutler. Un terrorísta de ideología anarquìsta, desquilibrado y dotado de extraños poderes, al que llaman V y que se cubre el rostro con una máscara de Guy Fawkes, lucha por la libertad y pone en peligro el poder tiránico que domina el pais. Vive sediento de venganza contra quienes le han desfigurado el rostro y le han torturado. Evey Hammond una joven huérfana hija de padres asesinados por la Dictadura y ajena a la política, encarna al ciudadano común, portador de miedos y temores, renuente a implicarse en la lucha contra el poder y opuesto a basar la vida en el odio...

  La película pues es un relato de aventuras superheróicas pensando para el público jóven. Inspirada en una negra y pesimísta visión del ser humano, dibuja un mundo orweliano, situado en el Reino Unido en un futuro próximo. Formula ideas y propuestas que mueven a la reflexión. Analiza el enfrentamiento tradicional entre seguridad y libertad, el enfrentamiento evalua la compatibilidad de libertad y opresión, explora cuales son los principales valores de la convivencia e invita a pensar hacia donde va el mundo en el que vivimos. La lucha entre la libertad y opresión en el mundo actual y en el futuro previsible, es la lucha contra el miedo y el rechazo de la diferencia que se manifiesta de múltiples formas (totalitarísmo, exclusión social, marginación, homofobia, etc.). Establece que los totalitarísmos engendran cada vez mayores inseguridades, miedos y temores.

  El rechazo de la diferencia se basa en percepciones erróneas de la realidad, que suelen depender de prejuicios, fanatalísmos, intolerancias y fundamentalísmos. La diferencia es propia de la naturaleza donde hay naturaleza hay diversidad. La naturaleza se manifiesta a través de la diferencia, que la enriquece. La venganza de V tiende a realizarse a través de dos vias: La utilización contra el  opresor de los mismos métodos (violencia, terror, manipulación y mentira) que se utiliza y el impulso de los afanes de libertad que han de levantar contra el tirano la resistencia multidinaria, cívica y pacífica de la ciudadanía. Se propone derrocar y eliminar al tirano.

  Sus métodos son diversos y contradictoris, como lo es su personalidad, que suma elementos de "El conde de Montecristo", "El fantasma de la Opera", "Supermán", "Robín de los bosques" y otros héroes reales, de leyenda y de ficción. Como todas las cosas del mundo, V no es el héroe ideal perfecto.

  La banda sonora corrió a cargo de Dario Marianelli, "Orgullo y prejuicio" ("Pride and Prejudice"-2005). Un compositor nacido en Pisa (Italia). Estudió piano y composición en Florencia y Londres. Después de un año como compositor postgraduado en la Guidhall School of Music and Drama, donde también fue presidente de la Sociedad de Música Contemporánea. Durante los últimos años ha escrito música para varias películas, dramas de televisión, documentales, teatro, danza contemporánea y conciertos. Y en este lider de ficción adaptando temas sugestivos como "Evey" y "Valerie". Añade melodias populares ("La chica de Ipanema") y clásicas (Tchaikousky y Beethoven).

  La fotografía en color, se le fué encargada a Adrian Biddle, "La princesa prometida" ("The Princess Bride"-1987). Un director de fotografía nacido en Londres. En su juventud fue un nadador con talento, y fué a través de esto lo que le hizo entrar en el mundo del cine. Comenzó sus trabajos para la compañia de publicidad del director Riddley Scott donde trabajó en un gran número de anuncios para el director y cuando éste se mudó al cine Biddle le siguió. Y en esta sobresaliente adaptación del comic reproduciéndo una estética pop, de colores oscuros y tonos sombríos dando así más realce a esta historia de ficción. Los exteriores fueron rodados en Londres y Berlín, y los interiores en los estudios Babelsberg (Postdam).

  Excelente el elenco de actores elegidos aqui por el realizador australiano, encabezado por Natalie Portman, "Cisne negro" ("Black Swan"-2010) en el papel de Evey una jóven huérfana que después de un toque de queda es rescatada por un misterioso enmascarado, seguida de Hugo Weaving, "El atlas de las nubes" ("Cloud Atlas"-2012) en el papel de V, un extraño personaje que tapa su rostro con una máscara; John Hurt, "Los crímenes de Oxford"-2008, en el papel de Adam Sutler, un dictador que tiene dominado al pais; Stephen Rea, "Desafio a la muerte" ("Until Death"-2007) como el detective Finch; Stephen Fry, "Gente con clase" ("Relative Valves"-2000), como Deitrich.

  Resumiendo: Una de las mejores adaptaciones que se han hecho de un comic, interesante, compleja, la historia engancha y se vuelve cada vez más interesante durante el transcurso de la película.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: La mítica escena en la que V desencadena un dominó de fichas rojas que dejan al descubierto una V gigante con 22.000 piezas en el que trabajaron cuatro profesionales durante la friolera de 200 horas.


09/04/2017 10:30 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Una noche en la ópera (A Night at the Opera - 1935 )

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  "Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?".

  Obra maestra de género de comedia y posiblemente una de las mejores películas de este género salidas de los estudios MGM, y basada en un argumento de James Kevin McGuinness, "Rio Grande"-1950. Un guionísta y productor de cine nacido en Irlanda. Un hombre con cerca de 40 guiones escritos para el cine además de escribir para la famosa revista The New Yorker. Emigró a Nueva York en 1904 y llegó a Los Angeles en la década de 1920 para trabajar en la industria del cine como escritor y más tarde como productor.

  Del guión se hizo cargo George S. Kaufman, "Vive como quieras" (You Can’t Take it With"-1938). Uno de los más famosos dramaturgos y productores nacido en Pittsburgh. Se graduó en secundaria en 1907 y aunque intentó estudiar la carrera de Derecho lo dejó al poco tiempo desencantado y pasó por una serie de pintorescos trabajos como el de vendedor de cintas de sombrero. Por último comenzó la carrera como periodísta y consiguió ser el critico del New York Times durante más de diez años. Fué miembro fundador de la Mesa redonda de Algokin. Ganó el premio Pulitzer de teatro dos veces como autor y el premio Tony como director con el musical "Guys and Dolls". A Kaufman le ayudó en el guión Morrie Rysking, "Damas de teatro" ("Stage Door"-1937). Un dramaturgo nacido en Nueva York. Fué autor de numerosos guiones y letras musicales para las producciones teatrales de Broadway y películas en Hollywood. Estuvo nominado en dos ocasiones a los Oscar y durante muchos años fue miembro del Partido Socialista de Estados Unidos, aunque su política siempre se movió hacia la derecha, eso le hizo ser un activísta político conservador hasta el dia de su fallecimiento.

  "Una noche en la ópera" está dirigida por Sam Wood. Un realizador nacido en Filadelfia. Un maestro de diversos géneros, su enfoque arrancó interpretaciones merecedoras de un Oscar a numerosos actores y actrices.

  Está claro que Sam Wood, que dirigió "Una noche en la ópera" ("A Night at the Opera"-1935) y "Un dia en las carreras" ("A Day at the Race"-1937), no se entendió con los hermanos Marx. Les consideraba indecorosos, mientras que a ellos les disgustaba la falta de humor del director y su empeño en repetir tomas. Se cuenta que tras varias tomas de "Un dia en las carreras", Wood dijo despectivamente de Groucho: "No se puede hacer un actor de barro". A lo que Groucho replicó rápidamente: "Ni un director de madera".

  En gran parte, la historia parece haber dado la razón a Groucho, teniendo en cuenta que los numerosos y celebrados éxitos de Wood como: "Adios Mr. Chips" ("Goodbye Mr. Chips"-1939), "Sinfonía de la vida" ("Our Town"-1940) y "¿Por quién doblan las campanas?" ("For Whon the Bell Tolls"-1943), eran películas comerciales a prueba de bombas, que algunos contemporáneos suyos habrían podido realizar igual de bien y casi con  seguridad, con más personalidad. Pero también hay que reasaltar su profesionalidad y las numerosas joyas olvidads de su filmografía, por no mencionar los once actortes dirigidos por él propuestos para el Oscar.

  Destacan las delicias ligeras de MGM, "Pagada" ("Paid"-1930) y "Tú eres mio" ("Hold Your Man"-1933), con Joan Crawford exibiendo su habitual gama emocional en la primera y Clark Gable y Jean Harlow echando chispas en la segunda. Jean Arthur nunca estuvo mejor que en "El diablo burlado" ("The Devil and Miss Jones"-1941); lo mismo se puede decir de Joan Fontaine en "Abismos" ("Ivy"-1947), un buen ejemplo del melodrama rural; y Don Ameche en "Lo que desea toda mujer" ("Guest Wife"-1945) una comedia romántica con Claudette Colbert ofreciendo el tipo que solía reservar para Frank Capra o Preston Sturges. Nada revela tan cruelmente las carencias de un director como la farsa y, por mucho que duela contradecir a Groucho Marx, a Wood se le dió muy requetebién el oficio de director.

  Aí pues, Wood nos mete en el cuerpo de los hermanos Marx y en donde quieren meter en la alta sociedad a dos amantes que forman parte de la ópera, pero que se les impide porque el hombre no es aceptado como tenor. Tras varios trucos típicos de los hermanos, estos se las apañan para que el tenor principal esté ausente y de esta manera el joven tenor pueda tener una oportunidad...

  Una obra maestra del género, si señor. Una película que es de comedia cómica, pero también es una historia de amor  con musical incluido. Y en donde los hermanos Marx dan rienda suelta a su hunor corrosivo, anárquico y surrealísta. En esta ocasión se burlan de la vanidad, los formalísmos burocráticos y hasta de la pretensión de conseguir relaciones, amistades y prestigio con dinero.

  Cuenta con escenas memorables como la del encuentro en el restaurante de Milán, la cena y el canto en la cubierta del barco (por cierto con una excelente coreografía), el contrato entre Groucho y Chico, la algarabía en el teatro de Nueva York y que decir la del camarote.

  Incluye expresiones que se han hecho famosas: "Como pienso despacio, necesito todo el dia". "Si me despide, retiro su proposición de matrimonio", "Todo en ella me recuerda a Ud., excepto Ud.". Abunda el humor visual: la mariposa que sale de debajo de una barba, el puro de Groucho entre dos rodajas de pan con mostaza, el grito a lo Tarzán de Groucho, los saltos de Harpo asido a las cuerdas de la tramoya, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Herbert Stothart, "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Un compositor y arreglísta nacido en Wisconsin. Estudió música en la Universidad de Wisconsin-Madison. Fue contratado por primera vez por el productor Arthur Hammerstein para ser director musical en compañias de gira por Broadway. Compuso música para la famosa opereta "Rose-Marie" y pronto se unió a muchos compositores famosos. Herbert pasó toda su vida en los estudios de MGM. Estuvo nominado al Oscar en doce ocasiones pero solamente lo logró una vez.

  Y en esta trepidante comedia ocupando su música un lugar preminente. Incluye dos canciones originales: "Cosi, cosá" y "Alone" esta última se convirtió en la canción del año. Incorpora también arias de "Il Pagliacci", en el Scala de Mián y de "Il Trovatore" en Nueva York. Harpo interpreta con el arpa una versión propia de "Alone".

  La fotograía en blanco y negro corrió a cargo de Merrit B. Gerstad, "La parada de los monstruos" ("Freaks"-1932). Un director de fotografía nacido en Chicago. Después de trabajar como cinegrafísta para la Universal, se cambió a MGM y posteriormente a la Warner Bros donde finalizó su carrera después de haber trabajado durante 25 años y con cerca de 80 películas en su filmografía.

  Y en este icono del cine de humor luciendo excelentes contrastes de luz y un dinamísmo poco común, apoyado en un acertado montaje. Ofreciéndonos unas proyecciones de sombras con hermosas tomas, y primeros planos (Harpo tocando el arpa) y por supuesto con unas imágenes contrapicadas (aparejos del barco). La película se rodó en Nueva York y Los Angeles.

  Descacharrantes los hermanos Marx: Groucho como Otis B. Driftwood, un cazadotes que se hace pasar por especialísta en finanzas; Chico como Florentino un desocupado que al final encuentra un empleo como agente y Harpo como Tomaso el asistente del vanidoso tenor.

  Y con los hermanos Marx nos encontramos con Kitty Carlisle, "Fuga apasionada" ("She Loves Me Not"-1934) como Rose una soprano enamorada de un tenor que no es otro que Allan Jones, "Noche en el trópico" ("One Night the Tropics"-1940) en el papel de Ricardo. Pero también andaban metidos en lios en esta noche de ópera: Margaret Dumont, "Tienda de locos" ("The Big Store"-1941) como la señorita Claypool; Sig Ruman, "Ser o no ser" ("tTo Be or Not to Be"-1942) en el papel de Gottlieb.

  En definitiva: Toda una obra maestra del cine de comedia. Una película que te hará de reir o sonreir (depende de tu estado de ánimo)... pero jamás llorar o dejarte indiferente. Una película: Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: Hubo un rumor que hablaba sobre la presencia del padre de los Marx, Sam Marx en la escena en la que el barco sale del muelle. Lo inquietante es que el padre murió dos años antes. El rumor surgió porque él tuvo un cameo en una escena similar en "Pistoleros de agiua dulce" ("Monkey Bussiness"-1931).

 

01/04/2017 10:17 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Un rostro de mujer (A Woman's Face - 1941)

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  "La belleza de una mujer la mayoría de las veces está en su...interior."

  Memorable película de género melodramático y adaptada de una obra de teatro del dramaturgo Francis de Cruisset. Un dramaturgo y novelísta nacido en Bruselas. Y con un guión de Donald Ogden Srtewart, "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940). Un escritor y guionísta nacido en Ohio. Estudió en la Universidad de Yale. Al finalizar la Primera Guerra Mundial se instaló en Nueva York, donde comenzó a escribir novelas satíricas. Este tipo de novelas iban acordes al gusto de la época. Poco a poco se fué ganando reputación en el mundo del cine gracias a sus diálogos con chispa. En 1975 escribió su autobiografía titulada: "By a Stoke of Luck".

  A Donald le ayudó en el guión Elliot Paul, "Rapsodia azul" ("Rapsody in Blue"-1945). Un periodísta nacido en Massachusetts. Se graduó en la Escuela Secundaria Malden. Estuvo de corresponsal en la Guerra Civil Española y de allí se inspiró para escribir "Vida y Muerte de un pueblo español" donde fué muy bien recibida en Estados Unidos. Paul se burló del puritanísmo hipócrita de Hollywood en un libro satírico publicado en 1942, aunque tuvo problemas con la censura injusta del Código Hays.

  "Un rostro de mujer" está dirigida por George Cukor. Un director nacido en Nueva York. Un hombre de dramas elegantes, director de actores capaz de obtener interpretaciones deslumbrantes, en especial de las estrellas femeninas. Podría parecer un cumplido equívoco decir de un director que lo que más se recuerda de sus películas son las interpretaciones, pero George Cukor, especialmente conocido por sacar lo mejor de actrices temperamentales, le gustaba que le consideraran el director de actores por antonomasia.

  George Cukor fue además uno de los directores más sútiles y más cultos de Hollywood, con un don para rodar perfectas escenas de diálogos y para preservar la escena de obras teatrales y novelas. Su "David Copperfield"-1935, sigue siendo la mejor versión de la obra de Dickens que ha hecho Hollywood. Y aunque no fue del todo capaz de convertir a Leslie Howard y Norma Shearer (que sumaban 82 años entre los dos) en "Romeo y Julieta" ("Romeo & Juliet"-1936), es díficil imaginar otro director que pudiera simplemente intentarlo.

  La confianza con que Cukor manejaba reparto de grandes estrellas se hizo evidente por primera vez en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight"-1933), un sublime intento de recrear el éxito de la multiestelar "Gran Hotel" ("Grand Hotel"-1932) de Edmund Goulding, donde sobresale una soberbia actuación cómica de Joan Harlow. Este raro talento para mantener contentos unos egos frágiles, sin perturbar el entarimado de una narración colectiva hizo de él candidato ideal para "Mujeres" ("The Woman"-1939), que consiguió milagrosamente mostrar lo mejor de Norma Sheare, Rosalind Russell, Joan Crawford, Paulette Goddar y Joan Fontaine. Por la misma razón, no cabe duda de que el emocionante espectáculo tan habilmente manejado por Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939) habria tenido mucho menos peso emocional si Cukor no hubiera estado allí para motivar y arrancar una interpretación tan completa a Vivian Leigh.

  Cukor dirigió dos veces a Greta Garbo y cuatro a Joan Crawford, pero la actriz con la que tuvo la asociación más fructífera fue con Katharine Hepburn. Su estilo frágil e insolente solo se traducía en un éxito de taquilla de vez en cuando pero él más que ningún otro director, era capaz de sacar su lado humano más vulnerable sin comprometer su autoridad. También exoplotó su versatilidad utilizándola en la adaptación literaria de "Las cuatro hermanitas" ("Little Woman"-1933), en la sofisticada comedia "Vivir para gozar" ("Holiday"-1938) y en rarezas como "La gran aventura de Silvia" ("Sylvia Scarlett"-1935), donde aparecía disfrazada de chico.

  "La costilla de Adán" (Adam´s Rib"-1949) es la mejor de las películas de Katharine con Spencer Tracy; pero su mejor colaboración fue "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940) donde el personaje de Tracy Lord (Katharine) exibe una inolvidable mezcla de hielo y fragilidad. En esta película, Cary Grant y James Stewart respondieron al toque de Cukor con matices y sutilezas nunca vistos. Con él, incluso actores secundarios experimentados como Roland Young y John Holliday, que no podían hacer una mala interpretación aunque quisieran, mejoraban algunos puntos.

  Las mejores obras de Cukor se caracterizan también por la precisión no ostentosa de la cámara, los decorados, la iluminación y la composición eran siempre tan perfectos como poco aparentes. Para él, la buena dirección era invisible. Por ejemplo, en sus manos "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), básicamente un melodrama teatral, se convirtió en pura elegancia, con un detallísmo suntuoso e interpretaciones, magnéticas, de Ingrid Bergman y Charles Boyer. Y todo sin afectar el propósito narrativo. Sigue siendo un thriller estremecedoramente bueno.

  El hundimiento del sistema de estudios dejó a Cukor sin más opción que las películas de prestigio, caras y seguras. La producción lujosa, , los grandes presupuestos y las atractivas estrellas no bastaron para convertir "My Fair Lady"-1964 o "El pájaro azul" (The Blue Bird"-1976) en proyectos dignos de su talento, aunque su comunicaión instintiva con las actrices arrancó un buen trabajo de Marilyn Monroe en "El multimillonario" ("Let’s Make Love"-1960). Dadas las circustancias, poco importaba que "Ricas y famosas" ("Rich and Famous"-1981) fuera una fallida puesta al dia de "Vieja amistad" ("Old Acquaintence"-1943) de Vicent Sherman; lo importante es que Cukor, con 82 años, aún estaba allí para dirigirla.

  Asi pues, la historia que nos cuenta el maestro Cukor nos lleva hasta Estocolmo (Suecia) y Forssa (Finlandia) a lo largo de unos dos años entre 1940-41 y en donde una mujer llamada Anna Holm, soltera, resentida, amargada y frustrada tiene desfigurada desde los 5 años una parte del rostro a causa de un accidente doméstico. Desde los 16 años se dedica al chantaje, liderando una banda de delincuentes al mismo tiempo que es propietaria de un refugio rural que explota como restaurante. Las conversaciones de los clientes facilitan información útil para planear acciones delictivas. Es una mujer inteligente y hábil, tiene madera de lider, padece algunas secuelas fisicas debido al accidente (un cierto grado de fotofobia, una cierta inestabilidad que le hace tropezar con frecuencia...) y secuelas psiquicas (soledad, resentimiento, odio...).

  La película suma drama, drama psicológico, suspense y trhiller. Está narrada en flashbacks, que recogen las declaraciones de los testigos del juicio que tiene lugar en los Tribunales de Estocolmo contra Anna como presunta autora de un homicidio. Dividida en dos partes, la película explora los efectos de la soledad en el comportamiento humano y las relaciones que se dan entre los defectos fisicos que afectan a la aparienciia personal, su interiorización y las cadenas de reacciones de compensación, superación o rechazo que generan. La primera parte del relato presenta una descripción del mundo interior de la protagonísta, de sus reacciones psicológicas y de sus actitudes generales. Cukor compone una explicación psicológica que esquematiza los procesos y de manera que la explicación sea inteligible para el público. Con intenciones explicativas y dramáticas carga las tintas en el dibujo de las disfunciones psicológicas, sin excederse y sin comprometer el equilibrio conjunto de la película.

  La segunda parte queda separada por un lapso de tiempo de dos años, según no los explica en los diálogos. El salto temporal, que puede pasar desapercibido al espectador, cierra la presentación del personaje y la complejidad de su mundo interior y exterior, para dar paso al nudo del relato, en el que la atención se centra, sobre todo, en la evolución del personaje y sus cambios de calidad y percepción. La evolución se observa en el marco de un contexto de tensión y conflicto, que alimenta situaciones de notable dramatísmo.

  Varias líneas dramáticas convergen hacia un momento culminante, de intensa y prolongada emoción. Le acompaña una rápida sucesión de planos tomados desde varias posiciones y distancias. La música de fondo cesa para dar paso a sonidos ambientados (viento, cascada, campanillas...). Para mi este es el momento mágico en el que uno olvida que es espectador.

  Cukor aprovecha la ocasión, cómo es habitual en él, para crear insertos de intencionalidad transgresora en su momento. Destacando el baile, de gran sensualidad y potente erotísmo (dada la época), de una pareja de mujeres lesbianas en el restaurante. Llama la atención la forma explícita de presentar el adulterio múltiple de una bella mujer de amores efímeros. No falta por supuesto el personaje masculino de sexualidad ambigua. La construcción de personajes luce la habilidad del director, especialmente indicada para el retrato de mujeres, como los de la protagonísta, el ama de llaves, la esposa del cirujano, etc.. Queda mucho mejor definida la figura del personaje malvado que la del personaje positivo.

  La película incorpora referencias literarias (cartas de amor de George Sand, Alfred de Musset, John Kects, Robert Browning...), referencias de musicos (Chopín antes y después de conocer a George Sand), diferenciación de composiciones musicales (sinfonias, conciertos...) y otros detalles cultos que dan brillo al relato.

  La banda sonora se la debemos a Bonislau Kaper, "Lili"-1953. Un compositor nacido en Varsovia, aunque nacionalizado estadounidense. Un hombre que trabajó en Alemania, Francia y por supuesto en Estados Unidos. Compuso música para decenas de películas desde la decáda de los años 30 hasta comienzo de los 70. Es también recordado por haber compuesto conocidos standars de jazz, y también trabajó en Broadway.

  Y en este rostro del alma componiendo una partitura funcional al servicio de la acción y del relieve estético de la película, inserando canciones y bailes folklóricos suecos, cortes tan sugerentes como el dedicado a descubrir el movimiento de la lanzadera del telar y otros. Cómo música añadida adapta el "Estudio, op.15, nº2 de Chopín que la protagonísta femenina interpreta tras decir "esto es lo que pienso de las cartas de amor."

  De la fotografía en blanco y negro se encargó Robert Planck, "Los tres mosqueteros" ("The Three Musketeers"-1948). Un director de fotografía nacido en Indiana. Comenzó sus estudios en 1929 y trabajó en más de 100 películas la mayoría para MGM. En 1958 se pasó a la televisión hasta 1965 año en que se retiró definitivamente. Durante toda su carrera obtuvo cuatro nominaciones al Oscar pero no lo logró en ninguna ocasión.

  Y en este  gran melodrama lleno de tensión sobresaliendo la creación de atmósferas opresivas e inquietantes. Dentro de estas, la mejor en mi opinión es la del intento de seducción criminal de la protagonísta femenina mediante el halago, el estímulo de la vanidad, el erotísmo del beso y comentarios sobre la música y el amor. Los exteriores fueron rodados en Sun Valley (Idaho), y los interiores en los platós de MGM.

  Extraordinaria Joan Crawford, "¿Qué fué de Baby Jane?" ("What Ever Happened to Baby Jane?"-1962) (por citar otra de sus grandes interpretaciones), y aquí como Anna Holm, una mujer acusada de asesinato que se somete a una operación de cirugía estética para cambiar su vida. Y con la inmensa Crawford otro grande del Hollywood dorado, Melvyn Douglas, "Hud"-1963), como el Dr. Gustaf Segert, el hombre que cambió la vida de Anna.

  Pero en esta sobresaliente historia también nos encontramos a Conrad Veidt, "Casablanca"-1942 como Torsten Barring; Ossa Massen, "Almas en tinieblas" ("Night Unto Night"-1949) como Vera Segert; Reginald Owen, "Su pequeña aventura" ("The Thrill of it All"-1963) como Bernard Dalvik, y un interminable ramillete de grandes y buenos secundarios que gracias Cukor dieron todo lo que llevaban dentro.

 En definitiva: Todo un gran melodrama, muy bien estructurado, conciso y con una gran dósis de intriga y tensión.  Sobresaliente.

  En 1938 el director sueco Gustaf Molander realizó una versión con el mismo título en castellano, protaginizada por Ingrid Bergman. Así pues esta de Cukor podriamos considerarla como un remake de la película sueca (aunque la trama es muy distinta).

28/03/2017 18:44 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Ulises (Ulisse-1954)

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  "Malditos seais griegos profanadores, y tu Ulises mil veces maldito, que la ira de Neptuno caiga sobre todos vosotros."   (Casandra)

  Magnífica película de género de aventuras mitológicas y para mi, el mejor "peplium" italiano de la historia, y basada en "La Odisea" (siglo IX antes de Cristo), de Homero.

  El guión fue escrito por el mismo director es decir Mario Camerini. Ayudado por Franco Brusati, "Romeo y Julieta" ("Romeo and Juliet"-1968). Un guionísta, director y dramaturgo nacido en Milán. Estudió en Italia, Suiza e Inglaterra y se graduó en derecho y ciencias políticas. Posteriormente a finales de los años 40, se trasladó a Roma donde colaboró con los mejores directores de la época. A finales de los 50 comenzó a escribir también para el teatro. Sus comedias siempre han sido interpretadas por algunos de los más grandes actores italianos. El tercer guionísta fue Ennio Concini, "Divorcio a la italiana" ("Divirzio all’ italiana"-1961). Un guionísta de cine y televisión nacido en Roma. Fué un autor especialmente fructífero con más de 150 guiones en su haber de los más diversos géneros, desde la épica histórica y literaria, el mitológico y el terror, desde el melodrama a la comedia italiana. es considerado como el padre del floreciente género de ficción italiano. Fué el único escritor italiano que colaboró con Stanley Kubrick. El cuarto fue (hubo siete guionistas en total), Ben Hecht, "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1957). Un director, dramaturgo y novelísta nacido en Nueva York y llamado "el Shakespeare de Hollywood". Fue el primer guionísta que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima que muchos de los guiones que escribió lo fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de los años 40 y principio de los 50. El boicot fue una respuesta al apoyo activo de Hecht al movimiento sionísta de Palestina. El sexto fue Ivo Perilli, "Barrabás" ("Barabba"-1961). Un director y escritor nacido en Roma. Después de dirigir su primera película como director (que por cierto fue muy desafortunada), continuó con la escritura de guiones, para varios directores. Fue un hombre muy activo en los programas de la dell’EIAR y luego en la RAI, en espectáculos de variedades y en vodevil. Y el séptimo y último (pienso que ninguna película haya tenido tantos guionístas), fué Irwin Shaw, "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958). Un escritor nacido en Nueva York. Un hombre que incursionó en diferentes géneros: drama, novela, cuento y guiones, tanto radiales como cinematográficos. Recibió numerosos premios, incluyendo el O. Henry 1944 por "Walking Wounded" y tres Playboy Awards.

  "Ulises" está dirigida por Mario Camerini. Un director nacido en Roma. Un cineasta sensible, con melancolía irónica y un estilo suave y elegante. Repetidamente premiado en Venecia, realizó sus mejores obras en los años treinta, estableciéndose como uno de los realizadores más importantes de la época. Durante la Primera Guerra Mundial fue oficial de francotiradores. Acabada la contienda regresó a Roma donde volvió a trabajar como guionísta. Su primera película fue "Jolly"-1923 y su última "Don Camilo e i Giovanni d’ogg"-1972. A lo largo de estos 50 años Camerini dirigió y escribió 45 películas, y a sus órdenes tuvo los actores italianos más famosos de la época incluyendo un jovencísimo Vittorio De Sica.

  La acción tiene lugar entre los siglos XIII y XI A. de C. en la travesia por el mar entre Troya e Itáca. El poema de Homero se basa en escritos y tradicciones anteriores, que recoge y funde en un texto de gran valor. Mezcla referencias históricas y legendarias. Se considera cierta la existencia de Troya, de la que se conoce la ubicación. Parece probada su destrucción y despoblamiento a causa del asedio y toma de la misma con motivo de una guerra entre griegos y troyanos. La causa de la guerra sería el rapto de la princesa griega Helena por el principe troyano Paris. "La Odisea" narra el accidentado viaje de regreso a casa de Ulises, tras diez años de guerra. La película adapta con notable identidad el texto de Homero.

  La historia pues, suma los géneros de aventuras histórico - mitológico y por supuesto "peplum". Divide la narración en cuatro cuadros: visita a la tierra de Cires, instancia en el Reino de los feacios, peripecias en la isla de los Cíclopes y episodio de las sirenas. La narración hace uso del "flasback" para explicar la recuperación de la memoria de Ulises durante su paso por la tierra de los feacios. Cada cuadro se ajusta a una estética y a un cromatísmo diferente: en el primero se hace uso de un tono burlón y fantasioso y de un cromatísmo abigarrado (rojo, azules y verdes);  en el segundo, la narración adquiere una dimensión irónica y temible, mientras los espacios y el cromatísmo divienen progresivamente opresivos; en el tercero subraya el ritmo visual de la acción, que tiene lugar en un espacio cerrado y tenebroso; y en el cuarto se explora la dualidad del protagonísta, ante el hogar y aficcionado al riesgo, en el marco de un juego de luces y colores sombríos.

  "Ulises preparó el terreno y facilitó el rodaje de "Hércules" ("Labois of Hercules"-1958) y el desarrollo posterior del género "peplum". capta y reproduce el aire milenario, dramático y fantástico de "La Odisea", de la que constituye la adaptación al cine más celebrada. Las escenas de lucha localizan la atención en la fuerza, agilidad y habilidad del protagonísta, cuya grandeza se subraya mostrándo su superioridad sobre las manifestaciones de los dioses (imágen de Hércules, maldición de Casandra, etc.). El guión en suma construye un relato sencillo, razonable y simpático.

  La banda sonora está dirigida por Alessandro Cicognini, "Pan, amor y fantasía" ("Pane, amore e fantasia"-1953). Un compositor nacido en Pescara (Italia). De joven recibió una formación en el Conservatorio de Milán. Cuando contaba 27 años compuso la ópera "Donna lombarda", inspirada en una popular balada italiana. A partir de entonces centró sus actividades en componer partituras para el cine, colaborando a menudo con cineastas como Vittorio De Sica y Alessandro Blasetti. Su estilo se ha descrito como tardío-romántico, y se caracterizó por la inmediatez y el catchiness (documentos históricos).

  Y en este viaje hacia Itáca ofreciéndonos unos cortes muy notables ("Ulises, "Penélope"), a los que añade fragmentos de gran fuerza descriptiva, ("Isla de los Cíclopes, "Canto de las sirenas"), entre otras.

  La fotografía en color se le fué recomendada a Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios Vilagrahg allá por el año 1908. En 1941 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una exitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks, "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

 

  Y en esta épica y grandiosa odisea griega ofreciéndonos un hábil uso de la luz como de las sombras, con un brillante cromatísmo y acertado despliegue visual. Los interiores fueron rodados en Roma, en los estudios Ponti-De Laurentiis. Y los exteriores, en los lugares considerados entonces como aquellos presentados en los viajes de Ulises con varias solvedades. Debido a un terremoto no se pudo rodar en Itaca.

  Inmenso Kirk Douglas, "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el heróico cuerpo de Ulises (el mejor Ulises de la historia del cine), ese guerrero griego que navegará durante diez largos años, teniendo que superar terribles dificultades antes de llegar a su palacio de Itaca. Y con el insuperable Douglas, la bellísima Silvana Mangano, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949), como Penélope, la fiel y sufrida esposa de Ulises y también en el papel de la misteriosa Circe (interpreta dos papeles muy diferentes, aunque su belleza es la misma), y Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Antinoos, uno de los pretendientes de Penélope.

  Y con estas tres estrellas del cine universal, también nos encontramos con unos secundarios de muchos quilates del cine italiano como por ejemplo: Franco Interlenghi, "Padres e hijos" ("Padri e figli"-1957) como Telémaco el hijo de Ulises y Penélope; Rossana Podestá, "Helena de Troya" ("Helen of Troy"-1956), se dá la casualidad de que en esta película interpreta el papel de Helena la reina griega raptada por Paris, y que desencadenó la guerra entre griegos y troyanos), pero en esta de "Ulises" interpretando a Nausica la hija del rey de los feacios; Elena Zareschi, "A sangre y fuego" ("Col ferro e col fuoco"-1962) como Casandra. Y a tener en cuenta a un aqui desconocido Umberto Silvestri, "El conformísta" ("Il conformista"-1970) interpretando al cíclope Polifemo.

  Resumiendo: Una gran película de aventuras, de las de siempre, con ese toque aventurero directo y simple que marcó toda una generación de películas y que, un servidor de ustedes, echa en falta en las producciones de hoy en dia (al menos, en muchas). Todo un buen ejemplo de ese cine de evasión que ves, disfrutas y encima se te queda grabado en la memoria bien en forma de Polifemo borracho, de héroe vestido de mendigo o de un caballo de Troya muy bien hecho. Y decidme, ¿que más se le puede pedir a una película de aventuras?. Pues eso... Sobresaliente.

  "Ulises" fue la película más taquillera en Italia de la temporada 1954-1955.

  Como anécdota: El director Georg Wilhei Pabst se iba a hacer cargo de la dirección de la película, pero al final solamente se encargó de la fase preparatoria.

22/03/2017 11:02 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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          Y como punto y final a esta gran fiesta de los Oscar, un comentario más sobre esta extraordinaria y oscarizada película como es: "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985).

            "Yo tenía una granja en Africa..."

                              

  "Yo tenía una granja en Africa...", así comienza la novela autobiográfica de la escritora danesa Isak Dinesen, cuyo verdadero nombre era Karen Blixen, que sirvió de inspiración a "Memorias de Africa". Se trata de una hermosa historia de amor que fue protagonizada por dos de los actores más populares de las últimas décadas, Meryl Streep y Robert Redford. Con una fotografía muy hermosa y una banda sonora que invita al romance, la película obtuvo siete premios Oscar sobre 11 nominaciones, entre ellos los de mejor película y director, y fué el quinto titulo más taquillero de 1985, por detrás de "Regreso al futuro" ("Back to the Future"), "Rambo 2" ("Rambo: First Blood Part II"), Rocky IV" y "El color púrpura" ("The Color Purple"). Al cineasta Sidney Pollack le fascinaba la personalidad de Isak Dinesen, por lo que estuvo leyendo diversas obras referidas a esta autora antes de comenzar la producción. El guionísta Kurt Luedtke hizo un magnífico trabajo al mezclar escritos de la propia Dinesen, con el que dió título a la película, con otras obras como Isak Dinesen: The Life of a Storyteller, de Judith Thurman, y Silence Will Speak, de Errol Trzebinski, para construir el guión de la película. Cuando finalmente quedó listo, a Pollack le pareció que nadie mejor que Meryl Streep podía interpretar a esta mujer. el papel principal masculino se le concedió a su buen amigo Robert Redford, al que ya había dirigido en otras ocasiones. Al realizador le pareció fundamental rodar la película en los escednarios naturales en los que transcurre la acción. Hasta intentó llevar las cámaras a la auténtica plantación que había poseidp la novelísta en Africa. Sin embargo por problemas burocráticos se tuvo que conformar con otros paisajes de Kenya.

  En enero de 1985, después de intensos preparativos el equipo empezó a rodar en Africa. El trabajo se prolongó hasta el mes de junio y fué bastante díficil. El clima africano les jugó más de una mala pasada. Porque peor que las altas temperaturas fué la época de las lluvias torrenciales, que mantuvo paralizada la producción durante varios dias. En Kenya surgieron también algunos problemas inesperados. Las autoridades de la región tenían prohibido terminantemente el uso de animales salvajes en espectáculos de cualquier tipo. Eso motivó que Pollack tuviera que solicitar un águila, tres perros y cinco leones, que fueron trasladados desde California. Otra curiosidad fue la manera en la que afrontó el director una secuencia en la que, según el guión, las plantas de café de la finca de la protagonísta habían florecido. Para conseguir el efecto, Pollack ordenó colocar un poco de espuma de afeitar sobre cada planta, lo que resultó una labor terriblemente lenta. Menos gracia tuvo para los integrantes del equipo un brote de malaria que dejó en cama a muchos de ellos. No obstante, a pesar de que las condiciones del rodaje en Africa no siempre fueron favorables, Sidney Pollack tuvo la oportunidad de rodar unas imágenes realmente espectaculares, que, sin duda, ningún otro decorado hubiera podido igualar.

  El estreno de "Memorias de Africa" produjo mucha expectación, sobre todo por ver juntos en pantalla a Meryl y Redford. Y pese a la larga duración de la película (160 minutos), al público le encantó, por supuesto, sobre todo a la audiencia femenina, lo que hizo resurgir en Hollywood durante los siguientes años la temática de corte abiertamente romántico.

         "Denys me había dado una brújula "para seguir el rumbo" dijo, pero más tarde comprendí que navegábamos con rumbos distintos."

 

    

 

 

17/03/2017 10:13 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y como en años anteriores (siempre digo lo mismo). Pues comentar una buena película y a ser posible oscarizada, hay muchas y muy buenas por supuesto y a veces es difícil su elección. Este año y después de visualizar algunas me he decido por una y muy buena por cierto (al menos para mi y para la Academia), su título:

         Memorias de Africa (Out of Africa - 1985)

  "Y cuando veo que no puedo seguir soportándolo, aguanto aún un momento más y entonces sé que puedo soportar cualquier cosa."

  Obra maestra de género de aventuras con romance incluido y basada en hechos reales

  La historia está inspirada en la obra homónima de Isak Dinesen. Una escritora nacida en Dinamarca. Si bien ya había publicado algunos trabajos con diversos seudónimos, pero después de acabar la Segunda Guerra Mundial y retornar a su carrera literaria comenzó a usar su verdadero nombre. "Memorias de Africa" fué sin duda la que le catapultó a la fama a nivel mundial basada practicamente en su autobiografía.

  El guión corrió a cargo de Kurt Luedtke, "Ausenciaa de malicia" ("Absence of Malice"-1981). Un escritor nacido en Michigan y gran colaborador del director Sydney Pollack. Antes de convertirse en guionísta fue reportero de un periódico, llegando a alcanzar el rango de editor ejecutivo del prestigioso periódico Detroit Free Press.

  "Memorias de Africa" está dirigida por Sydney Pollack. Un actor y director nacido en Indiana. Empezó su carrera como actor trabajando en televisión entre 1959 y 1962. Luego continuó interpretando pequeños papeles en sus propias películas e importantes papeles de reparto en obras como : "Maridos y mujeres" (Husbands and Wives"-1992) de Woody Allen, o en "Eyes Wide Shut"-1999, de Stanley Kubrick. A principios de los años sesenta pasó a dirigir capitulos de programas de televisión como "La hora de Alfred Hitchcock" (1962-1963).

  Su primer largometraje fue "La vida vale más" ("The Slender Thread"-1965), un drama de suspense social con Sydney Poitier y Anne Bancroft. Anunciaba el tono que adoptaría su carrera en la dirección: mensaje de fondo envuelto en entretenimiento con meritorias y premiadas interpretaciones de las estrellas de Hollywood. En "Propiedad condenada" ("This Property is Condermned"-1966) contó con Robert Redford. Los dos amigos hicieron siete películas juntos, entre ellas "Las aventuras de Jeremiah Johnson" "Jeremiah Johnson"-1972), "Tal como eramos" ("The Way We Were"-1973), "Los tres dias del cóndor" ("Three Days of the Condor"-1975), "El jinete eléctrico" ("The Electric Horseman"-1979) y "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985), por la que ganó un Oscar al mejor director.

  Pollack ha dirigido a muchas otras estrellas de Hollywood: Jane Fonda como bailarina de maratón en "Danzad, danzad malditos" ("They Shoot Horses, Don’t They?"-1969). Al Pacino como un piloto de carreras en "Un instante, una vida" ("Bobby Deerfield"-1977), Paul Newman y Sally Field en "Ausencia de malicia" ("Absence of Malice"-1981), un drama de ética periodística, Tom Cruise en La tapadera" ("The Firm"-1983) y otros. Una de sus películas más elogiadas, fue la comedia "Tootsie"-1982, que presentaba a Dustin Hoffman en el papel de un actor que se viste de mujer para participar en una serie de televisión. Pollack se dejó convencer por Hoffman para interpretar el personaje protagonísta. Los dos discutieron dentro y fuera de la pantalla dutante todo el rodaje pero aún asi lograron sendas nominaciones al Oscar.

  Asi pues, Pollack nos lleva hasta principios del siglo XX y en donde una joven llamada Karen contrae matrimonio de conveniencia con el barón Blixen, un mujeriego empedernido. Ambos se instalan en Kenia con el propósito de explotar una plantación de café. Entre los dos nace un apasionado amor por la tierra y por las gentes del lugar. Pero también ella se enamora perdidamente de Denys Finch-Hatton, un hombre aventurero y romántico, un personaje digamos que a la antigua usanza, que ama la libertad por encima de todas las cosas...

  Una obra maestra, si señor. Y en donde Pollack combina con gran equilibrio el melodrama romántico intimísta con el aroma al cine de aventuras. Una película que es puro romanticísmo épico, revestido con indudable aroma clásico imperecedero, con un ritmo sereno y de momentos contemplativos. Y todo esto combinado con una puesta en escena prodigiosa donde se combinan unos bellísimos escenarios africanos, atomizados por una extraordinaria fotografía a todo color.

  Fotografía creada por David Watkin, "Carros de fuego" ("Chariots of Fire"-1981). Un innovador director de fotografía nacido en Inglaterra. Fue uno de los primeros fotógrafos cinematográficos en experimentar el uso de la luz de rebote como una fuente de luz suave. Sus comienzos fueron en la Unidad de Cine del Ferricarril del Sur en 1948 como asistente de cámara y en 1950 escaló las filas hasta llegar a ser director de fotografía. Antes de fallecer en 2008 escribió dos autobiografías concretamente en 1998 publicadas el mismo año de su muerte.

  Y en esta historia memorable africana haciéndo uso de su gran prestigio y en donde el continente africano nunca estuvo también retratado. Los exteriores fueron rodados en su totalidad en las colinas de Ngong Hills ubicadas al sudoeste de Nairobi. Y los interiores en unos inmensos platós construidos a 20 kilómetros de la misma ciudad.

  Maravillosa la banda sonora compuesta por el maestro John Barry, "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves"-1990), (por citar otra de sus obras maestras). Un compositor nacido en Inglaterra. De pequeño quedó inflenciado por las películas que veia en el cine, al mismo tiempo que daba clases de composición a cargo de Francis Jackson, organísta de la catedral de York. La orquestación de Berry combina en su mayoria las trompetas con las cuerdas creando así un sonido facilmente reconocible. Su música normalmente realza la respuesta del público a la hora de ver sus películas. Entre sus palmarés cuenta con cinco Oscar y el haber sido el compositor de la mayoria de las películas de la saga de James Bond.

  Y en esta historia a la altura de los mejores clásicos mostrándonos una música que fue todo un best-sellers a nivel mundial, con unas melodias maravillosas y que a pesar de que es una historia de amor que transcurre en Africa el compositor quitó todo el color local africano para centrarse en el aspecto amoroso y escribir unos temas al cual más bellos siguiendo con su creencia de que no hay que aburrir al público con la repetición siempre del mismo leimotiv. La melodía principal nos remite directamente al tema central de "La gran ruta hacia China" pero hay dos temas más de refinadísima inspiración que nos devuelve al John Barry de sus años dorados: el "Karen’s Theme y sobre todo el "Alone in the Farm". También nos deleita con el "Concierto para clarinete K.622" de Mozart, cuya presencia en la película es meramente anecdótica y espectaculares fragmentos que acompañan los pasos por el continente africano como "Flying over Africa" y Karen’s Journey".

  Extraordinaria la pareja protagonísta ella: Meryl Streep, "Los puentes de Madison" ("The Bridges of Madison County"-1995), como Karen y él: Robert Redford, "Una proposición indecente" ("Indecent Proposal"-1993), como Denys. Y con la sensacional pareja romántica y aventurera Klaus Maria Brandauer, "La casa Rusia" ("The Russia House"-1990) como el barón Hans Bliken.

  Pero también nos encontramos en esta inolvidable historia a Michael Kitchen, "Un abril encantador" ("Enchanted April"-1992) como Berkeley; Malick Bowens, "La marcha" ("The Mach"-1990) como Farah; Rachel Kempson, "El pequeño Lord" ("Little Lord Fauntteroy"-1980) como Lady Belfield y hasta al veterano Leslie Phillips, "Rafi, un rey de peso" ("King Ralph"-1991) como Sir Joseph Byrne.

  En definitiva: Una peícula imprescindible y redonda hasta limites pocas veces alcanzados en el cine de este género. Una película...Matrícula de Honor.

  "Memorias de Africa" logró 7 Oscar en 1985: Película, Director, Guión, Fotografía, Banda sonora, Dirección artísica (Stephen Grimes y Josie MacAvin) y Sonido (Chris Jenkins, Gary Alexander, Larry Stensvold y Peter Handford).

  Como anécdota: A Audrey Hepburn le ofrecieron el papel de Karen Blixen pero lo rechazó por motivos personales, y finalmente fue Meryl Streep la que interpretó el papel (se da la curiosidad que Meryl era 20 años más joven que Audrey).

  La película contó con un presupuesto de 31 millones de dólares, y consiguió recaudar solamente en Estados Unidos más de 87 millones de dólares.

10/03/2017 17:58 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Una estatuilla llamada Oscar (1)

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  Otro año mas y ya van 89 y en donde la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas volvió a entregar en el Dolby Theatre de Hollywood más conocido como el Kodak Theatre volvió a abrir sus puertas para hacer la entrega de esta ya casi nonagenaria edición de los premios Oscar.

  Y estos fueron los elegidos en este año de 2017. Pero no si antes haber tenido un pequeño percance a la hora de elegir la mejor película puesto que los actores Warren Beatty y Faye Dunaway encargados de abrir el sobre del mejor film ganador se lo dieron a "La La Land", cuando en realidad la ganadora era ""Moonlight". Pero en fín todo quedó en una anécdota más que sumar a otras tantas muchas que ha habido y habrá en esta noche mágica del cine.

  Y estos fueron los ganadores, que como siempre ni son los que erstán ni están o los que son.

  Mejor Película: "Moonlight" de Barry Jenkins

  Mejor Director: Damien Chazelle poor: "La La Land"

  Mejor Actor: Casey Affleck por : "Manchester frente al mar" ("Manchester by the Sea")

  Mejor Actriz: Emma Stone por : "La La Land"

  Mejor Actor de reparto: Mahershala Ali por : "Moonlight"

  Mejor Actriz de reparto: Viola Davis por : "Fences"

  Mejor Guión original: "Manchester frente al mar" ("Manchester by the Sea") (Kenneth Lonergan)

  Mejor Guión adaptado:  "Moonligth" (  Barry Jenkis)

  Mejor Película de habla no inglesa: "El viajante" ("The Salesman") de Asghar Farhedi (Irán)

  Mejor Pelicula de animación: "Zootrópolis" ("Zootopia") de Byron Howard, Rich Moore & Jared Bush

  Mejor Fotografía: "La La Land" (Linus Sandgren)

  Mejor Montaje: "Hasta el último hombre" ("Hacksaw Ridge" ) de Mel Gibson

  Mejor Vestuario: "Animales fantásticos y dónde encontrarlos" ("Fantastic, Beasts and Where to Find Them") de David Yates

  Mejor Maquillaje: "Escuadrón suicida"  ("Suicide Squad") de David Ayer

  Mejor Banda Sonora: "La La Land" (Justin Hurwitz)

  Mejor Canción" "City of Stars" ("La La Land")

  Mejores Efectos visuales: "El libro de la selva" ("The Jungle Book") de John Debney

  Mejor Diseño de producción: "La llegada" ("Arrival") de Denis Villeneuve

  Mejor Montaje de sonido: "La llegada" ("Arrival") de Denis Villeneuve

  Mejor Mezcla de sonido: "Hasta el último hombre" ("Hacksaw Ridge" de Mel Gibson

  Mejor Documental: "O.J.: Made in América"  de Ezra Edelman

  Mejor Cortometraje de ficción: "Sing" ("¡Canta!") de Garth Jennings

  Y esto es todo mis queridos amigos esperemos al año que viene para volver de nuevo a ver pisar a los famosos por esa anciana alfombra roja.

07/03/2017 10:00 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El hombre elefante (The Elephant Man - 1980)

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                 En recuerdo de: John Hurt

  "¡No soy un animal! ¡Soy un ser humano! ¡Soy... un... un hombre!"

   

  Magnífica película de género dramático-biográfico, basada aunque libremente en la información que sobre J . Merrick aportan dos obras: "The Elephant Man and Other Reminiscences" (1923), de Frederick Treves, y "The Elephant Man, a Study in Human Dignity" (1971), de Ashley Montagu. El guión pues no tiene relación con la obra de teatro "The Elephant Man" (1979), ni con otras creacciones de ficción.

  El guión fue escrito por Christopher De Vore, "Frances"-1982. Un escritor con solamente tres películas en su historial, aunque todas lograron un gran éxito cinematográfico a nivel de critica y de público. Le ayudó Eric Bergren, "Tempestad en la llanura" ("The Dark Wind"-1991). Un guionísta nacido en Pasadena. Estudió artes  teatrales en la Universidad del Sur de California y ayudó a De Vore a escribir los guiones de sus tres películas. En 1981 se puso detrás de la cámara para dirigir el cortometraje "They Have not Seen This", basado en su propio guión. El tercer guionísta fue el mismo director es decir David Lynch.

  "El hombre elefante" pues está dirigida por David Lynch. Un director nacido en Montana. Un innovador creador de dramas enigmáticos que provocan la impresión de adentrarse en una pesadilla circular y surrealísta. Con sus narraciones sus películas no se explican, se experimentan: a este director nunca se le han dado bien las palabras, es más un filósofo preverbal que un evangelísta, pregunta en lugar de dar respuestas.

  Personaje obsesivo, tardó más de seis años en completar su primer proyecto "Cabeza borradora" ("Eraserhead"-1977), surrealísta, romántica y dura, es una película profundamente perturbadora. Realizada en blanco y negro sobre una banda sonora industrial, no es de extrañar que se convirtiera en un clásico de culto. Los elogios cosechados por la biopic "El hombre elefante" (" The Elephant Man"-1980), igual de deprimente que la anterior pero basada en hechos reales, y de nuevo rodada en blanco y negro, parecieron allanarle el camino hacia proyectos a gran escala al estilo de Hollywood, pero la superproducción de ciencia-ficción "Dune"-1987 no satisfizo las expectativas.

  "Terciopelo azul" ("Blue Velvet"-1986) constituye un antidoto despiadado contra los dramas juveniles de la década de 1950: explora la extorsión, la decadencia sexual y la violencia espoleada por las drogas que se esconden bajo un pueblo paradisiaco. "Corazón salvaje" ("Wild at Heart"-1990), la road-movie en tributo a Elvis Presley que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, completaría su fijación por los personajes provincianos de Estados Unidos.

  "Carretera perdida" ("Lost Highway"-1997), con su creciente despreocupación por la lógica narrativa y sus saltos del realísmo a la violencia gore o a la alucinación surrealísta en el espacio de unas pocas escenas, refleja a David Lynch más fébril. Paranoica y noir, esta película es la versión lynchiana del free jazz. Con la ayuda de una impresionante banda sonora a cargo de David Bowie y Trent Reznor, "Carretera perdida" sumerge al espectador en el universo del director.

  De modo muy similar, "Mulholland Drive"-2001, supo atraer al público, pero el momento de gloria habia pasado y Lynch decidió tocar otras teclas como internet, la animación o el video digital. No obstante, "Inland Empire"-2006 - en la que las vidas de los actores empiezan a reflejar la de los personajes que interpretan - es todavia una película extremadamente autorreflexiva, más espeluznante que nunca.

  La acción tiene lugar en Londres a lo largo de seis años (1884-1890). Y en donde el médico cirujano Frederick Treves acude a una barraca de la feria donde J. Merrick "el hombre elefante" es exibido al público por dinero. Un tal Bytes lo tiene a su cargo y lo explota como medio de subsistencia. Treves conviene con él la liberación de Merrick para ingresarlo en el Hospital de Londres. A Frederick le mueven razones humanitarias pero también profesionales. Descubre con sospresa que Merrick tiene un conciente intelectual normal y una sensibilidad también normal...

  La película pues, suma drama, historia, biopic, critica social y enfermedad. Y en donde Lynch formula un alegato a favor de las personas desiguales, en especial de los que son de modo más aparente. La historia expone una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, sino en las capacidades de las personas afectadas. Estableciendo una definición de belleza basada en cualidades del espíritu (respeto, tolerancia, simpatía, solidaridad, afecto...). Y muestra como las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactivan cuando se constata su humanidad e indefensión. No asusta la fealdad, sino la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar el ejercicio de sus capacidades. Porque nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.

  La banda sonora corrió a cargo de John Morris, "El jovencito Frankenstein" ("Young Frankenstein"-1974). Un compositor nacido en Nueva Jersey. Sus comienzos fueron en 1968 con la película "Los productores" ("The Producers") que también fue la primera película de Mel Brooks, después seguiría componiendo musica para muchas de sus películas. Tiene también en su haber el haber sido el único compositor que consiguió filmar a los Ramones en 1974.

  Y aquí ofreciéndonos una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, con el que glosa la satisfación de Merrick ante el avance de su integración social.

  La fotografia en blanco y negro y en formato Cinemascope se la debemos a Freddie Francis, "Un lugar en la cumbre" ("Room at the Top"-1959). Un cineasta nacido en Londres. Comenzó como operador de cámara donde trabajó en muchas películas de practica. Después de servir en el ejército y a su regreso a la vida civil pasó diez años también como operador pero trabajando con grandes directores como John Huston. Debutó como director de fotografia con la película "La salamandra de oro" (Gold in Salamander"-1950) en colaboración con Oswald Morris.

  Y en este drama profundo creando composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebrístas. Haciendo uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes. Con proyecciones de sombras, rincones sombrios, contraluces inquietantes y juegos de claroscuro que evoca el cine de terror de la Hammer (en el que Francis trabajó de joven). Los exteriores de la película se rodaron en escenarios reales de Londres y los interiores en los platós de Lee Internacional Studios (Wembley y Londres) y de Shapperton Studios (Surrey, Inglaterra).

  Sensacionales tanto Anthony Hopkins, "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs"-1991), en el papel del doctor Frederick Treves, como John Hurt, "Infierno en Alabama" ("Jayne Mansfield’s Car-2012) en el papel de John Merrick, "el hombre elefante". Y muy bien acompañados de la siempre extraordinaria Anne Bancroft, "El graduado" ("The Graduate"-1967), en el papel de Madge Kendal, una famosa actriz, y por el estupendo John Gielgud, "Carros de fuego" ("Chariots of Fire"-1981) en el papel de Carr Gomm el administrador del hospital. Sin olvidarnos de Hannah Gordon, "La familia Cropton" ("Spring and Port Wine"-1970), como Ann, la esposa de Frederick y de Fredie Jones, "El secreto de la pirámide" ("Young Sherlock Holmes-1985), como Bytes..

  En dedinitiva: Una obra maestra del cine de su género. Una pelicula impresionante, conmovedora, triste y melancólica. Pero también esperanzadora y rica en sugerencias humanitarias. Una película... Matrícula de Honor.

  "El hombre elefante" estuvo nominada en ocho apartados, incluyendo, película, director y actor (John Hurt). Este fue el año de "Gente corriente" ("Ordinary People") de Robert Redford.

  Como curiosidad científica, la enfermedad que padecia Merrick según los diagnósticos actualizados hablan del síndrome de Proteo, una enfermedad congénita, poco común, progresiva e incurable, identificada y descrita por el Dr. Michael Cohen en 1979.

 

27/02/2017 18:20 Pablo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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