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Vacaciones en Roma (Roman Holiday-1953)

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  "Soñé que estaba durmiendo en la calle y que, de pronto, se acercó un joven alto y fuerte y me trató bruscamente. Un sueño maravilloso".

  Bellísima película de género de comedia romántica y basada en una historia de Dalton Trumbo, "Johny cogió su fusil" ("Johny Got His Gun"-1971), (por ejemplo). Un novelísta y director nacido en Colorado. Se vió obligado a testificar ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses en 1974, y debido a esto, tuvo que usar seudónimos en sus trabajos. Fue miembro de los llamados "Los Diez de Hollywood", grupo que rechazó la investigación autoritaria y se negó a testificar en los famosos juicios del macarthismo (caza de brujas). Una de sus últimas películas, "Acción ejecutiva" ("Executive Action"-1973), se basó en diversas teorias conspiratorias sobre el asesinato del presidente Kennedy.

  El guión corrió a cargo del propio Trumbo acompañado de Ian McLellan Hunter, "Su testigo" ("Your Witness"-1950). Un guionísta nacido en Londres, y otro más propuesto en la lista negra. En la década de 1990, la Academia trató de rectificar algunos de los errores que habían cometido dutante la Guerra Fria entre ellos se encontraba Hunter al que le habían desposeido de su Oscar por "Vacaciones en Roma", la estatuilla se le fué entrgada a su hijo pero este lo rechazó. Y el tercer guionísta fue John Dighton, "El discípulo del diablo" ("The Devil’s Disciple"-1959). Uhn dramaturgo nacido también en Londres. En sus comienzos fue empleado en Ealing Studios, y allí colaboró en los guiones de célebres comedias. La mayoría de sus guiones fueron adaptados tanto al cine como al teatro, teniendo en su haber un Oscar y varias nominaciones.

  "Vacaciones en Roma" está dirigida por William Wilder. Un director de origen suizo-alemán nacido en Mulhouse (Francia). un pionero de la utilización de la profundidad del campo y  potenciador de la naturalidad y el drama, creador de grandiosas películas épicas.

  En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilizaión de la profundidad de campo (como bien he dicho) y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido: se trata de un cineasta destronado por la crítica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como falta de personalidad, su buen gusto como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del oeste para Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Samuel Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adaptaban obras clásicas de la literatura; la versión de "Cumbres borrascosas" ("Wutherin Heights"-1939) de Wyler sigue siendo estupenda, dos obras dev teatro de Lilian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Little Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfecciones, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podía ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver-1942), una película propagandística del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realísta de la guerra en el documental "Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress"-1944, seguida de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solían adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, si no al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una hstoria sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más en las obras intimístas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn, y "La gran prueba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de John Fowles, sobre una inquietante obsesión.

  La historia tiene lugar en Roma a lo largo de unas 24 horas y en donde una joven princesa de un pais europeo imaginario está de viaje oficial de buena voluntad por varias capitales europeas. Cansada del protocolo y con deseos de visitar la ciudad eterna a su aire, abandona sigilosamente la embajada de su pais. Por las calles de Roma conoce a un joven periodísta americano, que se hace pasar por un comerciante de abonos. La joven princesa es ingenua e inocente, en cambio el americano es oportunísta e interesado hasta donde puede...pero...

  La película suma los géneros de comedia y romance y la definición de caracteres es muy buena, la evolución resulta convincente, los diálogos son brillantes y ocurrentes. Wyler deja constancia de su poderoso vigor narrativo. Creando una atmósfera de elegancia, encanto y simpatía, que cautiva la atención del espectador y seduce su complicidad. Añade trozos de humor ligero, blanco y festivo que resuelve sumando palabra e imágen.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Franz Planer, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959). Un director de fotografía nacido en Karisbad, Austria-Hungria (ahora República Checa). Sus comienzos fueron como pintor, pero se dió cuenta que la fotografía se estaba convirtiendo en muy popular, y reemplazaría el requisito de los artistas con talento y esto le hizo cambiar de carrera. Primero comenzó en Alemania y en 1937 se trasladó a Estados Unidos para trabajar en Hollywood, donde llegó a rodar más de 130 películas a lo largo de su exitosa carrera.

  Y en esta historia romántica desplegando una narración que trasmite sentimientos de fascinación y encantamieto. Abudan los planos tomados desde abajo, los "travellings" y las imágenes cautivadoras. Abundan planos que han pasado a formar parte de la memoria del cine (paseo en Vespa, visita a la escalinata de la Plaza de España, sospresa en la Boca de la Verdad, etc.). La película se rodó integramente en Roma y en los estudios Cinecittá de Roma). 

  La banda sonora se la debemos a Georges Auric, "Orfeo" ("Orphe’e-1950). Un compositor nacido en Francia concretamente en Lodéne, Hérault. Fue un niño prodigio a los 15 años ya tenía su primera composición publicada y antes de los 20 años ya había orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Mientras estudió en el Conservatorio conoció a Jean Cocteau y cuando este comenzó a hacer películas Auric empezó a escribir para él a principios de los años 30. En 1962 dejó el cine y se hizo cargo de la Opera Nacional de Paris. Fue presidente de la Sociedad de Autores, compositores y editores de música (SACEM) desde 1954 hasta 1978. Y en estas bellísimas vacaciones en la ciudad eterna, ofreciéndonos una partitura descriptiva, romántica y ambiental, que subraya la magia del relato.

  Muy bien Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), en el papel de Joe, un periodísta americano que por casualidad conoce a una joven y que es ni más ni menos que una princesa. Y montando en Vespa por la ciudad de Roma, la aquí pricipiante y encantadora Audrey Hepburn, "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961) en el papel de Ana una joven princesa que un buen dia y tratando de eludir el protocolo se escapa del palacio para visitar la ciudad de incógnito. Y compartiendo protagonísmo el aquí extraordinario Eddie Albert, "Siete mujeres" ("7 Woman"-1966) en el papel de Irving el amigo y cómplice de Joe.

  Pero en este cuento romántico también andaban por la ciudad de los césares Hartley Power, "Herencia contra reloj" ("To Dorothy a Son"-1954), como Mr. Hennessy; Harcourt Williams, "Terror en el tren" ("Time Bomb"-1953), como el Embajador; Margaret Rawlings, "Sigueme" ("Follow Me!"-1972), como la condesa Vereberg.

  Resumiendo: Una obra maestra dentro de un género que se ha convertido en basura con el tiempo (salvo en honrosas excepciones). Una película que incluyó a una de las más hermosas y talentosas actrices de aquella época y de todos los tiempos, y demostró que al cine de entretenimiento le puede sobrar calidad, concepto que hoy en dia no parecen conjugarse del todo.  Una película Matrícula de Honor.

  "Vacaciones en Roma" logró tres Oscar, Audrey Hepburn como Mejor Actriz, Mejor Argumento original (Dalton Trumbo) y Mejor Vestuario (Edith Head).

  Como curiosidad: Gregory Peck llamó a su agente para pedirle que el nombre de Audrey apareciera junto al suyo en los créditos iniciales y carteles promocionales. En un principio iba a ser el suyo el único destacado por tratarse de la estrella protagonísta, pero él sabía que Audrey destacaría, es más, la consideraba una fuerte candidata a ganar el Oscar con esa película (y así ocurrió).

15/05/2017 10:38 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Viridiana - 1961

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  Viridiana: Yo no soy como usted, que tiene a su esposa.

  Don Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga.

  Obra maestra de género dramático-religioso y considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos del cine español. Escrita por Julio Alejandro de Castro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor nacido en Huesca y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Luis Buñuel (que también colaboró en el guión), y considerado como uno de los mejores escritores cinematográficos de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado.

  Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz año, amor mio". A princpios de los años 80 regresó a España, tras estar 39 años en México, en esta época se le dieron reconocimientos como en el Festival de Cine de Huesca en 1989 y la distinción que la Diputación General de Aragón le otorgó en 1993.

  "Viridiana" está dirigida por Luis Buñuel (como en la mayoría de sus películas también co-guionísta). Un director nacido en Calanda (Teruel) y considerado como el padre del surrealísmo cinematigráfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado  en colaboración con Salvador Dalí. La películas incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado con una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y aústera "Diario de una camarera" ("Le journal d’ une femme  de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual y el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesía" ("Le charme discret de la burgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera exponer la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza, y en la finca de don Jaime tio de Viridiana, esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por indicación de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime, que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, frágil e idealísta. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficcionado a la música de órgano. Jorge, hijo biológico de  don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película, suma drama y análisis sociológico. Y en donde enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en su tio a causa del gran parecido con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de la novicia se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos de su tio. El idealísmo y la ingenuidad de Viridiana entran en conflicto con el espíritu materialísta y utilitarísta de su primo Jorge. La personalidad, las creencias y las actividades de la joven se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perpectivas...

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convicciones y, como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestaciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdote, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes como el cuchillo que se dobla en forma de cruz. Una hoguera de objetos en desuso evoca posiblenente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica a la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilia, abusos sexuales, intento de violación, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...). Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, símbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, la paloma blanca es una premonición de la pérdida de la inocencia, etc..

  La narración es rica en lances de humor negro y surrealísta. Contiene irreverencias, situaciones absurdas y referencias iconoclastas. Dedica especial atención a temas religiosos, como la virginidad, la inocencia, la oración, la caridad, la beneficencia, la vida consagrada, etc.. Le interesa explorar las profundidades del alma humana, explicar la complejidad y contradicciones de las personas, analizar su evolución y cambios, mostrar las limitaciones de la lucidez y la racionalidad..

  La banda sonora corrió a cargo de Gustavo Pittaluga, "El baile"-1959. Un compositor de orquesta nacido en Madrid, que como otros miembros de su generación musical se esforzó en modernizar la musica española y en superar la influencia del nacionalísmo, siguiendo los pasos de Manuel de Falla en sus obras más avanzadas, como "El concierto para clave", "El retablo de Maese Pedro" o "Noches en los jardines de España". De esta manera se convirtió en uno de los representantes más importantes del neoclasicísmo musical del siglo XX en España. Y aquí nos ofrece fragmentos del "Aleluya" de Hendel, de la "Misa de Réquiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonía de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Shake Your Care Away").

  La fotografía en blanco y negro se le fue asignada a José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido también en Madrid. Debutó como director fotográfico con la película "Castañuela"-1945 de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, su última intervención en casi 120 películas. Restando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en títulos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor" -1948, "El último cuplé"-1957. Así midmo con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregulaer carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel. Los exteriores de la película fueron rodados en escenarios naturales de una finca en las afueras de Toledo, y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

  Dos pesos pesados del cine español frente a frente: Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1979, como don Jaime un viejo hidalgo español que vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, y Francisco Rabal, "Los santos inocentes"-1984, como Jorge, el hijo natural de don Jaime que con su llegada cambiará definitivamente el destino de todos los personajes. Y junto a estos dos extraordinarios actores de nuestro cine la mexicana Silvia Pinal, "El ángel exterminador"-1962 en el papel de Viridiana, una joven novicia que a punto de tomar los hábitos debe abandonar el convento para visitar a su tio que no es otro que don Jaime.

  Pero en esra obra maestra del genio de Calanda también podemos a ver a unos secundarios de auténtico lujo tales como la gran Lola Gaos, "Furtivos"-1975, como Enedina; Margarita Lozano, "La mitad del cielo"-1986, como Ramona; José Calvo, "Tristana"-1970, como don Amalio; Maria Isbert, "Cara de acelga"-1987, como Beggar, y haciendo su debut con 9 añitos, Teresa Rabal, "Las gatas tienen frio"-1970, como Rita.

  En definitiva: Otra obra maestra del gran Buñuel, con un reparto sensacional y un guión lleno de surrealísmo, naturalísmo, irreverencia, tragedia y hasta humor negro, para una historia inolvidable e imprescindible.   Matrícula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de anécota: como bien podemos imaginar debido al año de su producción, la película fue prohibida en España, debido a su alto porcentaje de crítica política y social del momento. Pero esto no quedó aquí, el Vaticano también la denunció después de verla. Pese a todas estas acusaciones Buñuel declaró en varias ocasiones que: "Las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas prtetensiones".

  "Viridiana" se estrenó en España en mayo de 1977.

 

 

  

 



06/05/2017 18:26 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Verano del 42 (Summer of ' 42 - 1971)

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  Vendrán nuevos amores... pero en mi ser vivirá... mi gran amor de verano. Mi verano del 42...

  Bellísima, elegante y sensible película de género dramático-romántico con un guión de Herman Raucher, "Dulce noviembre" ("Sweet November"-1968). Un escritor nacido en Nueva York. Después de graduarse en la escuela secundaria asistió a la de Nueva York donde estudió publicidad y trabajó como dibujante. Tiempo después fue contratado por la 20th Century Fox como publicísta. Raucher es a menudo acreditado como un escritor fantasma de la película "The Great Santini" ("El gran Santini"-1979). Sin embargo este no trabajó en dicha película, la idea errónea surge de hecho de que en la década de 1980, Raucher fué contratado para escribir el episodio piloto de una adaptación fallida de la película.

  "Verano del 42" está dirigida por Robert Mulligan. Un director nacido en Nueva York, autor de dramas, de películas conmovedoras de época y adaptaciones literarias. Robert Mulligan estudió comunicación en la Universidad de Fordham y luego sirvió en la marina de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después trabajó en el departamento editorial del New York Times, antes de probar suerte en la televisiónn.

  Durante los años 50 se hizo un nombre en la ficción televisiva, dirigió a Basil Rathbone en su última interpretación de Sherlock Holmes en "Suspense" ("Suspense: The Dance-1953) para la televisión y realizó episodios de "The Philco Televisión Playhouse" y "Playhouse 90".

  Su primera película para el cine fue "El precio del éxito" ("Fear Strikes Out"-1957), en la que Anthony Perkins interpreta a un jugador de beisbol que supera una enfermedad mental y a un padre dominante, marcó la dirección de su carrera. También dirigió a Tony Curtis en "Perdidos en la gran ciudad" ("The Rat Race"-1960) y a Rock Hudson en "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961).

  En 1962 Mulligan hizo un gran éxito con "Matar a un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird") una fiel adaptación del clásico de Harper Lee. En esta película ambientada en el Sur profundo, Gregory Peck interpreta a un abogado que defiende a un afroamericano contra una acusación infundida de violación y a sus propios hijos contra los prejuicios raciales. Mulligan fué nominado al Oscar al mejor director, mostró su habilidad para conseguir un trabajo excelente de los actores, Gregory Peck ganó un Oscar al mejor actor.

  Siguió especializándose en películas sensibles y de época como "Verano del 42" ("Summer of ’ 42"-1971), y adaptaciones literarias como "El próximo año a la misma hora" (Same Time, Next Year"-1978). Incluso cuando dirigía un western o una película de gánsteres, el tratamiento era lento y matizado dejaba que el suspense se creara en situaciones que se entendían gracias a los personajes en vez de a los recursos de género.

  La historia nos lleva a una isla frente a la costa de Estados Unidos allí tres amigos pasan las vacaciones de verano. La segunda Guerra Mundial se encuentra en plena escalada,  pero en ese lugar reina la tranquilidad. Mientras sus dos compañeros se interesan por las chicas de su edad y por jugar, Hermie se enamora de una mujer joven llamada Dorothy, casada con un piloto militar, Hermie le brina su amistad a Dorothy mientras su esposo muere en la guerra, por lo que culmina un romance entre los dos...

  Una obra maestra del género, si señor. Puesto que Mulligan ha sido uno de esos directores que ha dado al cine muchas obras maestras como por ejemplo este "Verano del 42". Es una película sencilla, pero ahí es donde reside su encanto: Un hombre que recuerda aquel maravilloso verano. Las aventuras en la playa con sus dos amigos, sus "ligues" adolescentes (no muy agraciados por cierto), las sesiones de cine, los libros de audultos... Pero todo esto se desvanece cuando la ve a ella, a esa misteriosa y bella mujer, cuyo marido parte hacia la guerra.

  Una película de verdad que trata muchos temas, pero los principales son el de esa pérdida de la inocencia, del primer amor, y el de la nostalgia que sigue la estética de la época. Cuenta con secuencias memorables por ejemplo la conversación que tiene lugar cuando Oscy y Hermie quieren copiar el libro de los padres de Benjil. Pero que decir de la última recta de la película que verdaderamente es de una belleza incontenible.

  Muy bonita la fotografía en color y magnificamente ambientada por Robert Surtees, "Ben-Hur"- 1959 (por citar otra de sus obras maestras). Un director de fotografía nacido en Kentucky. Se graduó en la Universidad de California y poco después fue contratado por la Universal como operador de cámara. Su primera película como director de fotografía fue "The Precious Fredmon" ("El precio del poder"-1942) una película de propaganda hecha para el ejército norteamericano. Tiempo después se pasó a MGM donde permaneció y produjo todo su trabajo con más de 100 películas y muchos premios en su larga trayectoria cinematográfica. También desempeñó un gran papel en la innovación tecnológica, siendo el primero en utilizar un teleobjetivo (500 mm) en "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Y en este primer amor de adolescente demostrando su profesionalidad con una excepcional fotografía creando un ambiente magnífico de aquella época de los años 40, y con unos primeros planos de gran belleza. Los exteriores se rodaron en su mayoría en la isla de Nantucket en el estado de Massachussets.

  Muy bonita la banda sonora (como debe de ser) a cargo de Michel Legrand, "Primavera en otoño" ("Brezy"-1973). Un compositor nacido en Paris. desde los 10 años hasta los 21 estudió en el Conservatorio de Música de Paris, después estudió siete años con Nadia Boulanger. Después trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis. Mucha de su música estaba destinada a películas francesas, aunque también lo hizo en la producción de películas estadounidenses. En la década de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Ray Charles y Diana Ross. Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco ocasiones.

  Y en esta evocación romántica ofreciéndonos una música única orquestada en mil variaciones; piano, violín, cuerda, etc., pero único es el tema de los títulos de crédito, el del abrazo en el cine, el del disco en la escena de la seducción, el de los encuentros de Gary Grimes y Jeniffer O’Neill, etc.. Un tema que define a la película por si mismo, romántico, de gran melodia, popularísimo en todo el mundo y muy imitado. Y  atención también al tema "The Summer Knows". Inmenso Legrand y su Oscar lo dice todo.

 

 Como al igual de inmensa está Jennifer O’Neill, "Caravanas" ("Caravans"-1978), (en la película de sun vida) metida en cuerpo y alma en el papel de Dorothy, una hermosa mujer cuyo marido se ha enrolado en el ejército... y enamorándose perdidamenre de ella en este verano del 42 Gary Grimes, "La soga de la horca" ("Cahill U.S. Marshal"-1973) como Hermie, un chico apuesto pero muy tímido que se enamora locamente de Dorothy y creo que ninguno olvidará aquel verano. Y con ellos los dos amigos de Hermie: Jerry Houser, "El castañazo" ("Slap Shot"-1977) , como Oscy; y Oliver Conant, "Curso del 44" ("Class of 44"-1973), como Benjie.

  En definitiva: Una película de enorme hermosura, nostálgica y llena de melancolía. Una película que es puro arte cinematográfico de la mejor calidad.  Matrícula de Honor.

  "Verano del 42" logró el Oscar a la mejor banda sonora original (Michael Legrand) y obtuvo tres nominaciones: guión original, fotografía y montaje.

  Notas de Pablo Cine: Esta película llegó a los espectadores al poco tiempo de acabar su rodaje y mantiene su naturalidad y sencillez con el paso de los años asi como la credibilidad de su historia. Los actores protagonístas, son actores de esta única película, nunca más volvieron a destacar en ninguna otra, pero en "Verano del 42" estuvieron verdaderamente sensacionales. Jennifer O´Neil es un icono que imparte por su belleza natural y su tristeza y Gary Grimmes se convierte en el creible adolescente enamorado que huye de la adolescencia en su inolvidable verano del 42.

01/05/2017 10:40 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vestida para matar (Dressed to Kill - 1980 )

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  "Es triste que un sueño sea más real que el mundo que lo rodea a una."

  Muy buena película de género terror-policiaco escrita y dirigida por Brian De Palma. Un director nacido en Nueva Jersey. Mucho se le ha criticado a De Palma por imitar a Alfred Hitchcock, pero el público actual le considera un maestro del suspense. se le atribuyen algunos de los momentos más memorables de la historia del cine grandiosos panoramas de tensión y violencia a cámara lenta.

  Aunque sus primeras películas no estaban muy logradas, "Saludos" ("Greetings"-1968) y "Hola, mamá" ("Hi, Mom!"-1970) fueron éxitos de cine independiente. Aquellas películas tenían premeditadamente un aspecto descuidado, reflejo tanto de los bajos presupuestos como de las influencias contraculturales de la época. Brian De Palma no comenzó a brillar hasta que demostró su admiración por Hitchcock con el uso de la pantalla partida en "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "El fantasma del paraiso" ("Phnatom of the Paradise"-1974.

  Consiguió un gran éxito de público con su adaptación de "Carrie"-1976, de Stephen King. Demostró que podía combinar el uso de la cámara lenta, la pantalla partida, los primeros planos, la música y los sonidos aislados para generar suspense en la escena del baile. Continuó perfeccionando esa técnica en películas posteriores, especialmente en el caso de "Vestida para matar" ("Dressed to Kill"-1980), "Impacto" ("Blow Out"-1981) y "Femme fatale"-2002), todas ellas piezas cargadas de suspense.

  El talento de Brian De Palma brilla especialmente por las películas de gánsteres y de acción. También le han ayudado contar en ocasiones con el talento de guionístas como Oliver Stone en "El precio del poder" ("Scarface"-1983), David Mamet en "Los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) y David Koepp en "Atrapado en su pasado"("Carlito’s Way"-1993) y "Misión imposible" ("Mission: Impossible"-1996). ¿Quién puede olvidar al inmigrante cubano que interpreta Al Pacino convertido en mafioso esnifando una montaña de cocaina en "El precio del poder"?. O a Robert de Niro en el papel del gángster Al Capone en "Eliot Ness"?. O a Tom Cruise, el agente secreto de "Misión imposible"?, suspendido sobre el suelo, aparentemente sujeto solo por un hilo?. En estos momentos, el cine de Brian De Palma no es bueno, es excelente.

  Así pues, el "rey del suspense" ¡ojo!" no el "mago", nos mete en el cuerpo de una mujer insastifecha sexualmente que acude a su psiquiatra como terapia. Más tarde, flirteará en un museo con un extraño hombre, lo cual encadenará su pesadilla...

  Muy buena película, si señor. Y toda una muestra del quehacer cinematográfico del artesanal Brian De Palma. Una película increiblemente redonda, con una bellísima protagonísta feemenina haciendo escenas verdaderamente magistrales como la del museo (sin necesidad de diálogos, jugando al gato y al ratón), el prólogo en la ducha o el ya clásico asesinato en el ascensor. De Palma pues, deja patente su amor a Hitchcock y como no a sus "Psicosis" ("Pyscho"-1960), pero no solo homenajea, si no que con ello crea y reinventa de forma sorprendente. "Vestida para matar" es una película de terror, en convivencia con el drama, pero predomina el miedo y el suspense más integrante. No es una obra maestra como la de Hitchcock pero poco le falta porque es una película exquisita, plena en detalles, erotísmo, imágenes bellas; de una carga onírica y sexual desbordante; y sobre todo, elegante muy elegante.

  Estupenda la fotografía en color de Ralf  D. Bode, "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever"-1977).Un director de fotografía nacido en Berlin (Alemania), aunque nacionalizado estadounidense. Se trasladó con su familia a Vermont cuando contaba 13 años de edad. Allí se graduó y de principio comenzó como actor, al poco tiempo se matriculó en la Escuela Dramática de Yale. También sirvió como fotógrafo en el ejército de Estados Unidos.

  Y en esta memorable historia cargada de suspense mostrándonos unos fotogramas extraordinarios algunos de ellos en pantalla partida (como le gusta a De Palma) y así de esta manera hace lograr unas fascinantes escenas plenas de acción, terror, suspense y erotísmo. La película se rodó en diferentes localidades de Manhattan. Los interiores del museo se rodaron en el "Philadelphia Museum of Art", ya que la productora no consiguió los permisos necesarios para rodar en el MET de Nueva York, aunque los exteriores si se rodaron allí.

  Maravillosa la banda sonora de Pino Donaggio, "El gato negro" ("Il gatto nero"-1981). Un cantante y compositor nacido en Burano (Italia). Comenzó a estudiar violín a la edad de 10 años y a los 14 hizo su debut en solitario en un concierto de Vivaldi para la radio italiana. Con el descubrimirnto del rock and roll durante el verano de 1959 terminó su carrera clásica cuando hizo su debut de canto con Paul Anka. Luego comenzó a escribir sus propias canciones. Participó en el Featival de San Remo en 1961. En 2012 fue galardonado con el Lifetime Achievement Award de la Word Sountrack Academy por su larga trayectoria musical.

  Y en esta inquietante historia mostrándonos unos temas de auténtica obra maestra. Temas muy diferentes para la secuencia inicial de "la ducha", con el tema principal de la película y con una voz femenina incluida dado el erotismo de la escena, en la música inolvidable de la secuencia de "el museo" que es todo un ejercicio de estilo, y en el tema de amor de "Liz y Peter". A destacar también la parodia de "Muerte en el ascensor" y la típica sospresa-susto final por cortesia del director evidenciando en la música en "El asilo-La pesadilla".

  Sensacional Angie Dickinson, "A quemarropa" ("Point Blank"-1967), metida en el maravilloso cuerpo (a sus 50 años) de Kate Miller una madre y ama de casa frustrada sexualmente que vive con su hijo y está en terapia con un psiquiatra, que no es otro que el también sensacional e incombustible Michael Caine, "Las normas de la casa de la sidra" ("The Cider House Rules"-1999) como el Dr. Robert Elliott, el hombre que en una de sus citas Kate quiere seducirle pero este le rechaza...

  Y con esta gran pareja de monstruos sagrados del cine universal nos encontramos con ellos a Nancy Allen, "Robocop"-1987, como Liz Blake; Keith Gordon, "Christine"-1983, como Peter Miller el hijo de Kate; Dennis Franz, "A la caza del lobo rojo" ("The Package"-1989), como el detective Marino; David Margulies, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979), como el Dr. Levy.

  Resumiendo: una película de obligado visionado tanto por los amantes del cine en general como por los desgustadores de lo macabro en particular, que sabrán disfrutar desde la primera hasta la última escena.  Sobresaliente.

  Como anécdota. El guión de "Vestida para matar" salió a subasta y despertó el interés de varias productoras, siendo finalmente vendido a Filmways Pictures por 200.000 dólares. El proyecto avanzó rápidamente, enseguida George Litto se sumó a la producción en calidad de productor y en poco tiempo se le dió luz verde a la película.

22/04/2017 17:44 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

¡Viven! (Alive! - 1993 )

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  "Me siento orgulloso de ser un hombre en un dia como hoy. ¡Vivo!. Que he vivido para verlo. Y verlo en un sitio tan increible. Absorberlo. Te quiero amigo. Mira... Es magnífico. Es Dios. Y nos llevará por encima de todo, te lo juro..."

  "Sabes que moriremos."

  "Puede ser. Pero si morimos, moriremos andando."

  Muy buena película de género de aventuras y supervivencia, basada en hechos reales. Cuenta con un guión de John Patrick Shanley, "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987). Un dramaturgo y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Universidad de Nueva York. Es autor de más de treinta obras de teatro, que han sido traducidas en todo el mundo, incluyendo muchas producciones en Estados Unidos. También se graduó en la Escuela Steinhardt de Cultura, Educación y Desarrollo Humano en la Universidad de Nueva York con el titulo en Teatro Educativo y es miembro del Ensamble Theatre.

  "¡Viven!" está dirigida por Frank Marshall. Un director y productor nacido en California. En 1991, junto con su esposa Kathleen Kennedy y Steven Spielberg, fundó la productora Amblin Entertainment y, en 1991, de nuevo junto a su esposa, fundó la The Kennedy/Marshall Company, un contrato de colaboración con Universal Pictures.

  Marshall como productor y junto con Spielberg ha trabajado en algunos de los mayores éxitos de taquilla estadounidenses desde 1973. Comenzó como responsable de exteriores  y productor asociado en películas como "The Last Picture Show"-1971, "¿Qué me pasa, doctor" ("What’s UP Doc?"-1972) y "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Sus siguientes y más conocidos trabajos fueron "E.T., el Extraterrestre"-1982, las sagas de "Indiana Jones", "Gremlins" y "Regreso al futuro", además de "Poltergeist"-1982, "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), "El imperio del sol" ("Empire of the Sun"-1987), o "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" ("Who Framel Roger Rabbit"-1988) (todas estas como digo en colaboración como productor con Steven Spielberg).

  En cuanto a la dirección debutó en el cine con la película "Aracnofobia" ("Arachhnophobia"-1990). Ha estado (como director) nominado al Oscar en cinco ocasiones.

  Así pues, Marshall nos cuenta una historia basada en hechos reales. La terrible experiencia de un grupo de jugadores de rugby del equipo nacional de Uruguay, cuyo avión se estrelló en medio de la cordillera de los Andes en octubre de 1972. Completamente aislados, los dias pasaban sin que nadie fuera a rescatarles, por lo que se vieron obligados a recurrir al canibalísmo, comiéndose la carne de los compañeros fallecidos, mientras los más fuertes preparaban un viaje desesperado a través de las montañas en busca de alguién que pudiera rescatarles...

  Magnífica película, si señor. Una historia de fé y supervivencia del espíritu humano. Una película en donde nos muestra que hasta en medio de las peores desgracias nunca nos hallamos solos. De que puede que los caminos y destinos que estos conllevan al seguirles ya se encuentran trazados en la vida, más sin embargo no podemos alcanzarlos si nosotros no hacemos algo al respecto. De tomar dedcisiones tan difíciles que pongan a prueba nuestra integridad moral y nos hagan dudar de nuestra propia bondad, de si es ético sobrevivir a costa de nuestros semejantes. De la enorme importancias de la voluntad, pero sobre todo de la fé para lograr vencer obstáculos que parecen imposibles. Pues si, de esto se trata esta gran película, otra de esas que han marcado un lugar especial en el cine y por supuesto en el espectador.

  Cuenta con escenas espeluznantes como la del accidente del avión, las de las avalanchas, la antropofagia y que decir de las incursiones por la montaña, todas ellas rodadas con un gran realísmo.

  La fotografía en color corrió a cargo de Peter James, "Paseando a Miss Daisy" ("Driving Miss Daisy"-1989). Un director de fotografía nacido en Sidney (Australia). Comenzó sus estudios en Charterhouse School, tras los cuales se especializó en la Academia Cinematográfica. Posteriormente pasó varios años en Estados Unidos, y su trayectoria comenzaría en Canadá (lugar precisamente donde se rodó la película).

  Y aquí como digo mostrándonos unas imágenes espeluznantes y donde nos atrapa en cada una de las escenas todas ellas llenas de un gran realísmo que por supuesto es otro punto a favor de esta gran película. Los exteriores fueron rodados como he dicho en Canadá en tres lugares diferentes: en una montaña a 2.500 metros de altura (para lo cual se estableció un campamento), en otro sitio al pie de la montaña. Y en un set de Vencouver, donde se ambientaron las escenas de algunos interiores.

  Preciosa y precisa la banda sonora de James Newton Howard, "Soy Leyenda" ("I Am Legend"-2007). Un exitoso compositor nacido en Los Angeles. A través de su prolífica carrera como compositor, músico y escritor de canciones Howard también ha compuesto partituras de todas las escalas y géneros, ganando múltiples nominaciones por sus trabajos. Inició sus estudios de música desde temprana edad al cursar sus estudios en la Music Academy of the West de Santa Mónica (California). Posteriormente dejó la universidad para colaborar con Elton John como teclísta durante los años 70 e inicio de los 80 antes de convertirse en compositor de películas a mediados de los 80. Su orquestación tiende a ser luminosa, más alejada de otros estilos como por ejenplo el de John Barry. Es frecuente la presencia que tienen en sus obras los clarinetes, las flautas y todas las maderas en general.

  Y en esta odisea real mostrándonos 11 maravillosos temas a los que yo destacaría por ejemplo: "First Night". Una angustiosa melodía en la que se desarrolla por medio de cuerdas e instrumentos de viento (oboes y flautas). ""Finding the Tail". Es el tema central, que va in crescendo hasta llegar a un nuevo y sinfónico tema con el que se describe el hallazgo de la cola del avión. "The Final Climb". Es también una hermosa melodia que combina por medio de cuerdas, un tanto elogiaca. Y atención a "End Credits". Un antológico tema de exuberancia orquestal. Construido en forma de suite y utilizado una vez entrados ya en los títulos de crédito.

  Muy bien todos los actores (aunque la mayoría algo desconocidos por aquel entonces). Y aquí metidos en su mayoría en personajes reales. Comenzando por Ethan Hawke, "La mujer del quinto" ("The Woman in the Fifth"-2011) como Nando Parrado, y seguido por Josh Hamilton,  Un intruso en Harvard" ("With Honors"-1994) como Roberto Canessa; Vincent Spano, "El espíritu de Brooklyn" ("A Brooklyn State of Mind"-1996) como Antonio Balbi; Bruce Ramsay, "La isla de los muertos" ("Island  of the Dead"-2000) como Carlitos Páez; John Newton, "Un héroe en casa" ("The Christmas Card-2006) como Antonio Vizintin; David Kriegel, "Magos y hechiceros" ("Quest of the Delta Knights"-1993) como Hugo Diaz; Illena Douglas, "Las californianas" ("The Californians"-2005) como Lilliana Methol. Y un fenomenal prólogo-epílogo con John Malkovich, "La sombra del vampiro" ("Shadow of the Vampire"-2000).

  En definitiva: Una estupenda película basada en una gran historia de amistad y supervivencia. Una película sobria y creible.  Sobresaliente.

          "El mundo entero a sus amigos uruguayos"

  Estas son las cifras de los hechos: Sobrevivieron 16 personas. Murieron 29. Estuvieron 72 dias aislados en los Andes (desde el 13 de octubre hasta el 22 de diciembre de 1972). Sopotaron temperaturas de hasta 40 grados bajo cero: Los nombres de los dos supervivientes que consiguieron cruzar las montañas fueron Nando Parrado y Roberto Canessa.

  Un año después del suceso, en 1974, se editó el libro "Alive: The Story of the Andes Servivors", del escritor británico Piers Paul Read, base de la película.

  En 1976 el mexicano René Cardona Jr. dirigió una película sobre el mismo tema titulada "Supervivientes de los Andes". Pero lo mejor es olvidar este bodrio mal dirigido y peor interpretado.

13/04/2017 10:49 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

V de Vendetta (V For Vendetta - 2006 )

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  "El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo."

  Excelente película de género de acción salpicada con el de ciencia-ficción, e inspirada libremente en el cómic del mismo  título, de Alan Moore (guionísta) y David Lloyd (dibujante), y cuya publicación se inició en la revista británica "Narrior" en 1982.

  Del guión se hicieron cargo las hermanas Wachowski (Andy y Larry Wachowski), "Lazos ardientes" ("Bound"-1996). Dos directoras, guionísta y productoras nacidas en Chicago. comenzaron en una carpinteria mientras creaban historietas en sus ratos libres. Poco tiempo después del estreno de "Matrix Reloaded"-2003), (ambas guionístas) se rumoreó que Larry había empezado a hacer pequeñas apariciones públicas vestido de mujer utilizando el nombre de Lana. El 8 de marzo de 2016, Andy reveló, durante una entrevista al periódico LGBT de Chicago Windy City Times, que igualmente se declaraba una mujer transgénero.

  "V de Vendetta" está dirigida por el aqui debutante como director James McTeigue. Un director nacido en Australia. Realizó sus primeros estudios en la escuela de los Hermanos Marístas en Sydney (su ciudad natal), luego asistió a la secundaria Cromer High School completando estudios terciarios de Cine, en la Universidad Charles Sturt. Comenzó a trabajar como asistente de dirección en películas australianas menores, a finales de los años 80.

  En 1994 fué segundo asistente del director Michael Blakemore en la película protagonizada por Sam Neill. "Country Life", ocupando la misma posición en la películas de acción, "Steet Fighter"-1994. Su carrera continuó como asistente de dirección en importantes películas estadounidenses y australianas como "Matrix"-1999, "Star Wars: Episodio II -El ataque de los clones"-2002, "Matrix reloaded"-2003, "Matrix revoloutions"-2003 o "Speed Racer"-2008.

  En 2006 debutó como director con la película "V de Vendetta". Y un año más tarde fue director de algunas escenas (aunque sin figurar en los títulos de crédito) del thriller "Invasión" ("The invasion") cuyo elenco encabezaron Nicole Kidman y Daniel Craig. Su siguiente trabajo como director fue en otra producción de los hermanos o hermanas (como mejor guste) Wachowski, el thriller de acción "Ninja Assassin"-2009 que contó con un presupuesto de 40 millones de dólares. Recientemente McTeigue ha completado la filmación de "El enigma del cuervo" ("The Raven"-2012) protagonizada por Luke Evans y John Cusak. Su último proyecto ha sido la película "Message from the King" y también otra sobre el famoso gángster Al Capone.

  La acción de aproximadamente un año de duración nos lleva hasta Londres, en el 2020, tras la 3ª Guerra Mundial cuando Inglaterra está gobernada por el régimen dictatorial del canciller Adam Sutler. Un terrorísta de ideología anarquìsta, desquilibrado y dotado de extraños poderes, al que llaman V y que se cubre el rostro con una máscara de Guy Fawkes, lucha por la libertad y pone en peligro el poder tiránico que domina el pais. Vive sediento de venganza contra quienes le han desfigurado el rostro y le han torturado. Evey Hammond una joven huérfana hija de padres asesinados por la Dictadura y ajena a la política, encarna al ciudadano común, portador de miedos y temores, renuente a implicarse en la lucha contra el poder y opuesto a basar la vida en el odio...

  La película pues es un relato de aventuras superheróicas pensando para el público jóven. Inspirada en una negra y pesimísta visión del ser humano, dibuja un mundo orweliano, situado en el Reino Unido en un futuro próximo. Formula ideas y propuestas que mueven a la reflexión. Analiza el enfrentamiento tradicional entre seguridad y libertad, el enfrentamiento evalua la compatibilidad de libertad y opresión, explora cuales son los principales valores de la convivencia e invita a pensar hacia donde va el mundo en el que vivimos. La lucha entre la libertad y opresión en el mundo actual y en el futuro previsible, es la lucha contra el miedo y el rechazo de la diferencia que se manifiesta de múltiples formas (totalitarísmo, exclusión social, marginación, homofobia, etc.). Establece que los totalitarísmos engendran cada vez mayores inseguridades, miedos y temores.

  El rechazo de la diferencia se basa en percepciones erróneas de la realidad, que suelen depender de prejuicios, fanatalísmos, intolerancias y fundamentalísmos. La diferencia es propia de la naturaleza donde hay naturaleza hay diversidad. La naturaleza se manifiesta a través de la diferencia, que la enriquece. La venganza de V tiende a realizarse a través de dos vias: La utilización contra el  opresor de los mismos métodos (violencia, terror, manipulación y mentira) que se utiliza y el impulso de los afanes de libertad que han de levantar contra el tirano la resistencia multidinaria, cívica y pacífica de la ciudadanía. Se propone derrocar y eliminar al tirano.

  Sus métodos son diversos y contradictoris, como lo es su personalidad, que suma elementos de "El conde de Montecristo", "El fantasma de la Opera", "Supermán", "Robín de los bosques" y otros héroes reales, de leyenda y de ficción. Como todas las cosas del mundo, V no es el héroe ideal perfecto.

  La banda sonora corrió a cargo de Dario Marianelli, "Orgullo y prejuicio" ("Pride and Prejudice"-2005). Un compositor nacido en Pisa (Italia). Estudió piano y composición en Florencia y Londres. Después de un año como compositor postgraduado en la Guidhall School of Music and Drama, donde también fue presidente de la Sociedad de Música Contemporánea. Durante los últimos años ha escrito música para varias películas, dramas de televisión, documentales, teatro, danza contemporánea y conciertos. Y en este lider de ficción adaptando temas sugestivos como "Evey" y "Valerie". Añade melodias populares ("La chica de Ipanema") y clásicas (Tchaikousky y Beethoven).

  La fotografía en color, se le fué encargada a Adrian Biddle, "La princesa prometida" ("The Princess Bride"-1987). Un director de fotografía nacido en Londres. En su juventud fue un nadador con talento, y fué a través de esto lo que le hizo entrar en el mundo del cine. Comenzó sus trabajos para la compañia de publicidad del director Riddley Scott donde trabajó en un gran número de anuncios para el director y cuando éste se mudó al cine Biddle le siguió. Y en esta sobresaliente adaptación del comic reproduciéndo una estética pop, de colores oscuros y tonos sombríos dando así más realce a esta historia de ficción. Los exteriores fueron rodados en Londres y Berlín, y los interiores en los estudios Babelsberg (Postdam).

  Excelente el elenco de actores elegidos aqui por el realizador australiano, encabezado por Natalie Portman, "Cisne negro" ("Black Swan"-2010) en el papel de Evey una jóven huérfana que después de un toque de queda es rescatada por un misterioso enmascarado, seguida de Hugo Weaving, "El atlas de las nubes" ("Cloud Atlas"-2012) en el papel de V, un extraño personaje que tapa su rostro con una máscara; John Hurt, "Los crímenes de Oxford"-2008, en el papel de Adam Sutler, un dictador que tiene dominado al pais; Stephen Rea, "Desafio a la muerte" ("Until Death"-2007) como el detective Finch; Stephen Fry, "Gente con clase" ("Relative Valves"-2000), como Deitrich.

  Resumiendo: Una de las mejores adaptaciones que se han hecho de un comic, interesante, compleja, la historia engancha y se vuelve cada vez más interesante durante el transcurso de la película.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: La mítica escena en la que V desencadena un dominó de fichas rojas que dejan al descubierto una V gigante con 22.000 piezas en el que trabajaron cuatro profesionales durante la friolera de 200 horas.


09/04/2017 10:30 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Una noche en la ópera (A Night at the Opera - 1935 )

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  "Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?".

  Obra maestra de género de comedia y posiblemente una de las mejores películas de este género salidas de los estudios MGM, y basada en un argumento de James Kevin McGuinness, "Rio Grande"-1950. Un guionísta y productor de cine nacido en Irlanda. Un hombre con cerca de 40 guiones escritos para el cine además de escribir para la famosa revista The New Yorker. Emigró a Nueva York en 1904 y llegó a Los Angeles en la década de 1920 para trabajar en la industria del cine como escritor y más tarde como productor.

  Del guión se hizo cargo George S. Kaufman, "Vive como quieras" (You Can’t Take it With"-1938). Uno de los más famosos dramaturgos y productores nacido en Pittsburgh. Se graduó en secundaria en 1907 y aunque intentó estudiar la carrera de Derecho lo dejó al poco tiempo desencantado y pasó por una serie de pintorescos trabajos como el de vendedor de cintas de sombrero. Por último comenzó la carrera como periodísta y consiguió ser el critico del New York Times durante más de diez años. Fué miembro fundador de la Mesa redonda de Algokin. Ganó el premio Pulitzer de teatro dos veces como autor y el premio Tony como director con el musical "Guys and Dolls". A Kaufman le ayudó en el guión Morrie Rysking, "Damas de teatro" ("Stage Door"-1937). Un dramaturgo nacido en Nueva York. Fué autor de numerosos guiones y letras musicales para las producciones teatrales de Broadway y películas en Hollywood. Estuvo nominado en dos ocasiones a los Oscar y durante muchos años fue miembro del Partido Socialista de Estados Unidos, aunque su política siempre se movió hacia la derecha, eso le hizo ser un activísta político conservador hasta el dia de su fallecimiento.

  "Una noche en la ópera" está dirigida por Sam Wood. Un realizador nacido en Filadelfia. Un maestro de diversos géneros, su enfoque arrancó interpretaciones merecedoras de un Oscar a numerosos actores y actrices.

  Está claro que Sam Wood, que dirigió "Una noche en la ópera" ("A Night at the Opera"-1935) y "Un dia en las carreras" ("A Day at the Race"-1937), no se entendió con los hermanos Marx. Les consideraba indecorosos, mientras que a ellos les disgustaba la falta de humor del director y su empeño en repetir tomas. Se cuenta que tras varias tomas de "Un dia en las carreras", Wood dijo despectivamente de Groucho: "No se puede hacer un actor de barro". A lo que Groucho replicó rápidamente: "Ni un director de madera".

  En gran parte, la historia parece haber dado la razón a Groucho, teniendo en cuenta que los numerosos y celebrados éxitos de Wood como: "Adios Mr. Chips" ("Goodbye Mr. Chips"-1939), "Sinfonía de la vida" ("Our Town"-1940) y "¿Por quién doblan las campanas?" ("For Whon the Bell Tolls"-1943), eran películas comerciales a prueba de bombas, que algunos contemporáneos suyos habrían podido realizar igual de bien y casi con  seguridad, con más personalidad. Pero también hay que reasaltar su profesionalidad y las numerosas joyas olvidads de su filmografía, por no mencionar los once actortes dirigidos por él propuestos para el Oscar.

  Destacan las delicias ligeras de MGM, "Pagada" ("Paid"-1930) y "Tú eres mio" ("Hold Your Man"-1933), con Joan Crawford exibiendo su habitual gama emocional en la primera y Clark Gable y Jean Harlow echando chispas en la segunda. Jean Arthur nunca estuvo mejor que en "El diablo burlado" ("The Devil and Miss Jones"-1941); lo mismo se puede decir de Joan Fontaine en "Abismos" ("Ivy"-1947), un buen ejemplo del melodrama rural; y Don Ameche en "Lo que desea toda mujer" ("Guest Wife"-1945) una comedia romántica con Claudette Colbert ofreciendo el tipo que solía reservar para Frank Capra o Preston Sturges. Nada revela tan cruelmente las carencias de un director como la farsa y, por mucho que duela contradecir a Groucho Marx, a Wood se le dió muy requetebién el oficio de director.

  Aí pues, Wood nos mete en el cuerpo de los hermanos Marx y en donde quieren meter en la alta sociedad a dos amantes que forman parte de la ópera, pero que se les impide porque el hombre no es aceptado como tenor. Tras varios trucos típicos de los hermanos, estos se las apañan para que el tenor principal esté ausente y de esta manera el joven tenor pueda tener una oportunidad...

  Una obra maestra del género, si señor. Una película que es de comedia cómica, pero también es una historia de amor  con musical incluido. Y en donde los hermanos Marx dan rienda suelta a su hunor corrosivo, anárquico y surrealísta. En esta ocasión se burlan de la vanidad, los formalísmos burocráticos y hasta de la pretensión de conseguir relaciones, amistades y prestigio con dinero.

  Cuenta con escenas memorables como la del encuentro en el restaurante de Milán, la cena y el canto en la cubierta del barco (por cierto con una excelente coreografía), el contrato entre Groucho y Chico, la algarabía en el teatro de Nueva York y que decir la del camarote.

  Incluye expresiones que se han hecho famosas: "Como pienso despacio, necesito todo el dia". "Si me despide, retiro su proposición de matrimonio", "Todo en ella me recuerda a Ud., excepto Ud.". Abunda el humor visual: la mariposa que sale de debajo de una barba, el puro de Groucho entre dos rodajas de pan con mostaza, el grito a lo Tarzán de Groucho, los saltos de Harpo asido a las cuerdas de la tramoya, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Herbert Stothart, "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz"-1939). Un compositor y arreglísta nacido en Wisconsin. Estudió música en la Universidad de Wisconsin-Madison. Fue contratado por primera vez por el productor Arthur Hammerstein para ser director musical en compañias de gira por Broadway. Compuso música para la famosa opereta "Rose-Marie" y pronto se unió a muchos compositores famosos. Herbert pasó toda su vida en los estudios de MGM. Estuvo nominado al Oscar en doce ocasiones pero solamente lo logró una vez.

  Y en esta trepidante comedia ocupando su música un lugar preminente. Incluye dos canciones originales: "Cosi, cosá" y "Alone" esta última se convirtió en la canción del año. Incorpora también arias de "Il Pagliacci", en el Scala de Mián y de "Il Trovatore" en Nueva York. Harpo interpreta con el arpa una versión propia de "Alone".

  La fotograía en blanco y negro corrió a cargo de Merrit B. Gerstad, "La parada de los monstruos" ("Freaks"-1932). Un director de fotografía nacido en Chicago. Después de trabajar como cinegrafísta para la Universal, se cambió a MGM y posteriormente a la Warner Bros donde finalizó su carrera después de haber trabajado durante 25 años y con cerca de 80 películas en su filmografía.

  Y en este icono del cine de humor luciendo excelentes contrastes de luz y un dinamísmo poco común, apoyado en un acertado montaje. Ofreciéndonos unas proyecciones de sombras con hermosas tomas, y primeros planos (Harpo tocando el arpa) y por supuesto con unas imágenes contrapicadas (aparejos del barco). La película se rodó en Nueva York y Los Angeles.

  Descacharrantes los hermanos Marx: Groucho como Otis B. Driftwood, un cazadotes que se hace pasar por especialísta en finanzas; Chico como Florentino un desocupado que al final encuentra un empleo como agente y Harpo como Tomaso el asistente del vanidoso tenor.

  Y con los hermanos Marx nos encontramos con Kitty Carlisle, "Fuga apasionada" ("She Loves Me Not"-1934) como Rose una soprano enamorada de un tenor que no es otro que Allan Jones, "Noche en el trópico" ("One Night the Tropics"-1940) en el papel de Ricardo. Pero también andaban metidos en lios en esta noche de ópera: Margaret Dumont, "Tienda de locos" ("The Big Store"-1941) como la señorita Claypool; Sig Ruman, "Ser o no ser" ("tTo Be or Not to Be"-1942) en el papel de Gottlieb.

  En definitiva: Toda una obra maestra del cine de comedia. Una película que te hará de reir o sonreir (depende de tu estado de ánimo)... pero jamás llorar o dejarte indiferente. Una película: Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: Hubo un rumor que hablaba sobre la presencia del padre de los Marx, Sam Marx en la escena en la que el barco sale del muelle. Lo inquietante es que el padre murió dos años antes. El rumor surgió porque él tuvo un cameo en una escena similar en "Pistoleros de agiua dulce" ("Monkey Bussiness"-1931).

 

01/04/2017 10:17 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Un rostro de mujer (A Woman's Face - 1941)

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  "La belleza de una mujer la mayoría de las veces está en su...interior."

  Memorable película de género melodramático y adaptada de una obra de teatro del dramaturgo Francis de Cruisset. Un dramaturgo y novelísta nacido en Bruselas. Y con un guión de Donald Ogden Srtewart, "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940). Un escritor y guionísta nacido en Ohio. Estudió en la Universidad de Yale. Al finalizar la Primera Guerra Mundial se instaló en Nueva York, donde comenzó a escribir novelas satíricas. Este tipo de novelas iban acordes al gusto de la época. Poco a poco se fué ganando reputación en el mundo del cine gracias a sus diálogos con chispa. En 1975 escribió su autobiografía titulada: "By a Stoke of Luck".

  A Donald le ayudó en el guión Elliot Paul, "Rapsodia azul" ("Rapsody in Blue"-1945). Un periodísta nacido en Massachusetts. Se graduó en la Escuela Secundaria Malden. Estuvo de corresponsal en la Guerra Civil Española y de allí se inspiró para escribir "Vida y Muerte de un pueblo español" donde fué muy bien recibida en Estados Unidos. Paul se burló del puritanísmo hipócrita de Hollywood en un libro satírico publicado en 1942, aunque tuvo problemas con la censura injusta del Código Hays.

  "Un rostro de mujer" está dirigida por George Cukor. Un director nacido en Nueva York. Un hombre de dramas elegantes, director de actores capaz de obtener interpretaciones deslumbrantes, en especial de las estrellas femeninas. Podría parecer un cumplido equívoco decir de un director que lo que más se recuerda de sus películas son las interpretaciones, pero George Cukor, especialmente conocido por sacar lo mejor de actrices temperamentales, le gustaba que le consideraran el director de actores por antonomasia.

  George Cukor fue además uno de los directores más sútiles y más cultos de Hollywood, con un don para rodar perfectas escenas de diálogos y para preservar la escena de obras teatrales y novelas. Su "David Copperfield"-1935, sigue siendo la mejor versión de la obra de Dickens que ha hecho Hollywood. Y aunque no fue del todo capaz de convertir a Leslie Howard y Norma Shearer (que sumaban 82 años entre los dos) en "Romeo y Julieta" ("Romeo & Juliet"-1936), es díficil imaginar otro director que pudiera simplemente intentarlo.

  La confianza con que Cukor manejaba reparto de grandes estrellas se hizo evidente por primera vez en "Cena a las ocho" ("Dinner at Eight"-1933), un sublime intento de recrear el éxito de la multiestelar "Gran Hotel" ("Grand Hotel"-1932) de Edmund Goulding, donde sobresale una soberbia actuación cómica de Joan Harlow. Este raro talento para mantener contentos unos egos frágiles, sin perturbar el entarimado de una narración colectiva hizo de él candidato ideal para "Mujeres" ("The Woman"-1939), que consiguió milagrosamente mostrar lo mejor de Norma Sheare, Rosalind Russell, Joan Crawford, Paulette Goddar y Joan Fontaine. Por la misma razón, no cabe duda de que el emocionante espectáculo tan habilmente manejado por Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939) habria tenido mucho menos peso emocional si Cukor no hubiera estado allí para motivar y arrancar una interpretación tan completa a Vivian Leigh.

  Cukor dirigió dos veces a Greta Garbo y cuatro a Joan Crawford, pero la actriz con la que tuvo la asociación más fructífera fue con Katharine Hepburn. Su estilo frágil e insolente solo se traducía en un éxito de taquilla de vez en cuando pero él más que ningún otro director, era capaz de sacar su lado humano más vulnerable sin comprometer su autoridad. También exoplotó su versatilidad utilizándola en la adaptación literaria de "Las cuatro hermanitas" ("Little Woman"-1933), en la sofisticada comedia "Vivir para gozar" ("Holiday"-1938) y en rarezas como "La gran aventura de Silvia" ("Sylvia Scarlett"-1935), donde aparecía disfrazada de chico.

  "La costilla de Adán" (Adam´s Rib"-1949) es la mejor de las películas de Katharine con Spencer Tracy; pero su mejor colaboración fue "Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story"-1940) donde el personaje de Tracy Lord (Katharine) exibe una inolvidable mezcla de hielo y fragilidad. En esta película, Cary Grant y James Stewart respondieron al toque de Cukor con matices y sutilezas nunca vistos. Con él, incluso actores secundarios experimentados como Roland Young y John Holliday, que no podían hacer una mala interpretación aunque quisieran, mejoraban algunos puntos.

  Las mejores obras de Cukor se caracterizan también por la precisión no ostentosa de la cámara, los decorados, la iluminación y la composición eran siempre tan perfectos como poco aparentes. Para él, la buena dirección era invisible. Por ejemplo, en sus manos "Luz que agoniza" ("Gaslight"-1944), básicamente un melodrama teatral, se convirtió en pura elegancia, con un detallísmo suntuoso e interpretaciones, magnéticas, de Ingrid Bergman y Charles Boyer. Y todo sin afectar el propósito narrativo. Sigue siendo un thriller estremecedoramente bueno.

  El hundimiento del sistema de estudios dejó a Cukor sin más opción que las películas de prestigio, caras y seguras. La producción lujosa, , los grandes presupuestos y las atractivas estrellas no bastaron para convertir "My Fair Lady"-1964 o "El pájaro azul" (The Blue Bird"-1976) en proyectos dignos de su talento, aunque su comunicaión instintiva con las actrices arrancó un buen trabajo de Marilyn Monroe en "El multimillonario" ("Let’s Make Love"-1960). Dadas las circustancias, poco importaba que "Ricas y famosas" ("Rich and Famous"-1981) fuera una fallida puesta al dia de "Vieja amistad" ("Old Acquaintence"-1943) de Vicent Sherman; lo importante es que Cukor, con 82 años, aún estaba allí para dirigirla.

  Asi pues, la historia que nos cuenta el maestro Cukor nos lleva hasta Estocolmo (Suecia) y Forssa (Finlandia) a lo largo de unos dos años entre 1940-41 y en donde una mujer llamada Anna Holm, soltera, resentida, amargada y frustrada tiene desfigurada desde los 5 años una parte del rostro a causa de un accidente doméstico. Desde los 16 años se dedica al chantaje, liderando una banda de delincuentes al mismo tiempo que es propietaria de un refugio rural que explota como restaurante. Las conversaciones de los clientes facilitan información útil para planear acciones delictivas. Es una mujer inteligente y hábil, tiene madera de lider, padece algunas secuelas fisicas debido al accidente (un cierto grado de fotofobia, una cierta inestabilidad que le hace tropezar con frecuencia...) y secuelas psiquicas (soledad, resentimiento, odio...).

  La película suma drama, drama psicológico, suspense y trhiller. Está narrada en flashbacks, que recogen las declaraciones de los testigos del juicio que tiene lugar en los Tribunales de Estocolmo contra Anna como presunta autora de un homicidio. Dividida en dos partes, la película explora los efectos de la soledad en el comportamiento humano y las relaciones que se dan entre los defectos fisicos que afectan a la aparienciia personal, su interiorización y las cadenas de reacciones de compensación, superación o rechazo que generan. La primera parte del relato presenta una descripción del mundo interior de la protagonísta, de sus reacciones psicológicas y de sus actitudes generales. Cukor compone una explicación psicológica que esquematiza los procesos y de manera que la explicación sea inteligible para el público. Con intenciones explicativas y dramáticas carga las tintas en el dibujo de las disfunciones psicológicas, sin excederse y sin comprometer el equilibrio conjunto de la película.

  La segunda parte queda separada por un lapso de tiempo de dos años, según no los explica en los diálogos. El salto temporal, que puede pasar desapercibido al espectador, cierra la presentación del personaje y la complejidad de su mundo interior y exterior, para dar paso al nudo del relato, en el que la atención se centra, sobre todo, en la evolución del personaje y sus cambios de calidad y percepción. La evolución se observa en el marco de un contexto de tensión y conflicto, que alimenta situaciones de notable dramatísmo.

  Varias líneas dramáticas convergen hacia un momento culminante, de intensa y prolongada emoción. Le acompaña una rápida sucesión de planos tomados desde varias posiciones y distancias. La música de fondo cesa para dar paso a sonidos ambientados (viento, cascada, campanillas...). Para mi este es el momento mágico en el que uno olvida que es espectador.

  Cukor aprovecha la ocasión, cómo es habitual en él, para crear insertos de intencionalidad transgresora en su momento. Destacando el baile, de gran sensualidad y potente erotísmo (dada la época), de una pareja de mujeres lesbianas en el restaurante. Llama la atención la forma explícita de presentar el adulterio múltiple de una bella mujer de amores efímeros. No falta por supuesto el personaje masculino de sexualidad ambigua. La construcción de personajes luce la habilidad del director, especialmente indicada para el retrato de mujeres, como los de la protagonísta, el ama de llaves, la esposa del cirujano, etc.. Queda mucho mejor definida la figura del personaje malvado que la del personaje positivo.

  La película incorpora referencias literarias (cartas de amor de George Sand, Alfred de Musset, John Kects, Robert Browning...), referencias de musicos (Chopín antes y después de conocer a George Sand), diferenciación de composiciones musicales (sinfonias, conciertos...) y otros detalles cultos que dan brillo al relato.

  La banda sonora se la debemos a Bonislau Kaper, "Lili"-1953. Un compositor nacido en Varsovia, aunque nacionalizado estadounidense. Un hombre que trabajó en Alemania, Francia y por supuesto en Estados Unidos. Compuso música para decenas de películas desde la decáda de los años 30 hasta comienzo de los 70. Es también recordado por haber compuesto conocidos standars de jazz, y también trabajó en Broadway.

  Y en este rostro del alma componiendo una partitura funcional al servicio de la acción y del relieve estético de la película, inserando canciones y bailes folklóricos suecos, cortes tan sugerentes como el dedicado a descubrir el movimiento de la lanzadera del telar y otros. Cómo música añadida adapta el "Estudio, op.15, nº2 de Chopín que la protagonísta femenina interpreta tras decir "esto es lo que pienso de las cartas de amor."

  De la fotografía en blanco y negro se encargó Robert Planck, "Los tres mosqueteros" ("The Three Musketeers"-1948). Un director de fotografía nacido en Indiana. Comenzó sus estudios en 1929 y trabajó en más de 100 películas la mayoría para MGM. En 1958 se pasó a la televisión hasta 1965 año en que se retiró definitivamente. Durante toda su carrera obtuvo cuatro nominaciones al Oscar pero no lo logró en ninguna ocasión.

  Y en este  gran melodrama lleno de tensión sobresaliendo la creación de atmósferas opresivas e inquietantes. Dentro de estas, la mejor en mi opinión es la del intento de seducción criminal de la protagonísta femenina mediante el halago, el estímulo de la vanidad, el erotísmo del beso y comentarios sobre la música y el amor. Los exteriores fueron rodados en Sun Valley (Idaho), y los interiores en los platós de MGM.

  Extraordinaria Joan Crawford, "¿Qué fué de Baby Jane?" ("What Ever Happened to Baby Jane?"-1962) (por citar otra de sus grandes interpretaciones), y aquí como Anna Holm, una mujer acusada de asesinato que se somete a una operación de cirugía estética para cambiar su vida. Y con la inmensa Crawford otro grande del Hollywood dorado, Melvyn Douglas, "Hud"-1963), como el Dr. Gustaf Segert, el hombre que cambió la vida de Anna.

  Pero en esta sobresaliente historia también nos encontramos a Conrad Veidt, "Casablanca"-1942 como Torsten Barring; Ossa Massen, "Almas en tinieblas" ("Night Unto Night"-1949) como Vera Segert; Reginald Owen, "Su pequeña aventura" ("The Thrill of it All"-1963) como Bernard Dalvik, y un interminable ramillete de grandes y buenos secundarios que gracias Cukor dieron todo lo que llevaban dentro.

 En definitiva: Todo un gran melodrama, muy bien estructurado, conciso y con una gran dósis de intriga y tensión.  Sobresaliente.

  En 1938 el director sueco Gustaf Molander realizó una versión con el mismo título en castellano, protaginizada por Ingrid Bergman. Así pues esta de Cukor podriamos considerarla como un remake de la película sueca (aunque la trama es muy distinta).

28/03/2017 18:44 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Ulises (Ulisse-1954)

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  "Malditos seais griegos profanadores, y tu Ulises mil veces maldito, que la ira de Neptuno caiga sobre todos vosotros."   (Casandra)

  Magnífica película de género de aventuras mitológicas y para mi, el mejor "peplium" italiano de la historia, y basada en "La Odisea" (siglo IX antes de Cristo), de Homero.

  El guión fue escrito por el mismo director es decir Mario Camerini. Ayudado por Franco Brusati, "Romeo y Julieta" ("Romeo and Juliet"-1968). Un guionísta, director y dramaturgo nacido en Milán. Estudió en Italia, Suiza e Inglaterra y se graduó en derecho y ciencias políticas. Posteriormente a finales de los años 40, se trasladó a Roma donde colaboró con los mejores directores de la época. A finales de los 50 comenzó a escribir también para el teatro. Sus comedias siempre han sido interpretadas por algunos de los más grandes actores italianos. El tercer guionísta fue Ennio Concini, "Divorcio a la italiana" ("Divirzio all’ italiana"-1961). Un guionísta de cine y televisión nacido en Roma. Fué un autor especialmente fructífero con más de 150 guiones en su haber de los más diversos géneros, desde la épica histórica y literaria, el mitológico y el terror, desde el melodrama a la comedia italiana. es considerado como el padre del floreciente género de ficción italiano. Fué el único escritor italiano que colaboró con Stanley Kubrick. El cuarto fue (hubo siete guionistas en total), Ben Hecht, "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1957). Un director, dramaturgo y novelísta nacido en Nueva York y llamado "el Shakespeare de Hollywood". Fue el primer guionísta que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima que muchos de los guiones que escribió lo fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de los años 40 y principio de los 50. El boicot fue una respuesta al apoyo activo de Hecht al movimiento sionísta de Palestina. El sexto fue Ivo Perilli, "Barrabás" ("Barabba"-1961). Un director y escritor nacido en Roma. Después de dirigir su primera película como director (que por cierto fue muy desafortunada), continuó con la escritura de guiones, para varios directores. Fue un hombre muy activo en los programas de la dell’EIAR y luego en la RAI, en espectáculos de variedades y en vodevil. Y el séptimo y último (pienso que ninguna película haya tenido tantos guionístas), fué Irwin Shaw, "El baile de los malditos" ("The Young Lions"-1958). Un escritor nacido en Nueva York. Un hombre que incursionó en diferentes géneros: drama, novela, cuento y guiones, tanto radiales como cinematográficos. Recibió numerosos premios, incluyendo el O. Henry 1944 por "Walking Wounded" y tres Playboy Awards.

  "Ulises" está dirigida por Mario Camerini. Un director nacido en Roma. Un cineasta sensible, con melancolía irónica y un estilo suave y elegante. Repetidamente premiado en Venecia, realizó sus mejores obras en los años treinta, estableciéndose como uno de los realizadores más importantes de la época. Durante la Primera Guerra Mundial fue oficial de francotiradores. Acabada la contienda regresó a Roma donde volvió a trabajar como guionísta. Su primera película fue "Jolly"-1923 y su última "Don Camilo e i Giovanni d’ogg"-1972. A lo largo de estos 50 años Camerini dirigió y escribió 45 películas, y a sus órdenes tuvo los actores italianos más famosos de la época incluyendo un jovencísimo Vittorio De Sica.

  La acción tiene lugar entre los siglos XIII y XI A. de C. en la travesia por el mar entre Troya e Itáca. El poema de Homero se basa en escritos y tradicciones anteriores, que recoge y funde en un texto de gran valor. Mezcla referencias históricas y legendarias. Se considera cierta la existencia de Troya, de la que se conoce la ubicación. Parece probada su destrucción y despoblamiento a causa del asedio y toma de la misma con motivo de una guerra entre griegos y troyanos. La causa de la guerra sería el rapto de la princesa griega Helena por el principe troyano Paris. "La Odisea" narra el accidentado viaje de regreso a casa de Ulises, tras diez años de guerra. La película adapta con notable identidad el texto de Homero.

  La historia pues, suma los géneros de aventuras histórico - mitológico y por supuesto "peplum". Divide la narración en cuatro cuadros: visita a la tierra de Cires, instancia en el Reino de los feacios, peripecias en la isla de los Cíclopes y episodio de las sirenas. La narración hace uso del "flasback" para explicar la recuperación de la memoria de Ulises durante su paso por la tierra de los feacios. Cada cuadro se ajusta a una estética y a un cromatísmo diferente: en el primero se hace uso de un tono burlón y fantasioso y de un cromatísmo abigarrado (rojo, azules y verdes);  en el segundo, la narración adquiere una dimensión irónica y temible, mientras los espacios y el cromatísmo divienen progresivamente opresivos; en el tercero subraya el ritmo visual de la acción, que tiene lugar en un espacio cerrado y tenebroso; y en el cuarto se explora la dualidad del protagonísta, ante el hogar y aficcionado al riesgo, en el marco de un juego de luces y colores sombríos.

  "Ulises preparó el terreno y facilitó el rodaje de "Hércules" ("Labois of Hercules"-1958) y el desarrollo posterior del género "peplum". capta y reproduce el aire milenario, dramático y fantástico de "La Odisea", de la que constituye la adaptación al cine más celebrada. Las escenas de lucha localizan la atención en la fuerza, agilidad y habilidad del protagonísta, cuya grandeza se subraya mostrándo su superioridad sobre las manifestaciones de los dioses (imágen de Hércules, maldición de Casandra, etc.). El guión en suma construye un relato sencillo, razonable y simpático.

  La banda sonora está dirigida por Alessandro Cicognini, "Pan, amor y fantasía" ("Pane, amore e fantasia"-1953). Un compositor nacido en Pescara (Italia). De joven recibió una formación en el Conservatorio de Milán. Cuando contaba 27 años compuso la ópera "Donna lombarda", inspirada en una popular balada italiana. A partir de entonces centró sus actividades en componer partituras para el cine, colaborando a menudo con cineastas como Vittorio De Sica y Alessandro Blasetti. Su estilo se ha descrito como tardío-romántico, y se caracterizó por la inmediatez y el catchiness (documentos históricos).

  Y en este viaje hacia Itáca ofreciéndonos unos cortes muy notables ("Ulises, "Penélope"), a los que añade fragmentos de gran fuerza descriptiva, ("Isla de los Cíclopes, "Canto de las sirenas"), entre otras.

  La fotografía en color se le fué recomendada a Harold Rosson, "Duelo al sol" ("Duel in the Son"-1946). Un cineasta nacido en Nueva York. Sus comienzos fueron como agente en los estudios Vilagrahg allá por el año 1908. En 1941 se trasladó a California y se unió a Metro Pictures. Después de una exitosa y larga carrera en Hollywood se retiró en 1958 pero en 1966 salió de su retiro para la película de Howard Hawks, "El Dorado" protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum.

 

  Y en esta épica y grandiosa odisea griega ofreciéndonos un hábil uso de la luz como de las sombras, con un brillante cromatísmo y acertado despliegue visual. Los interiores fueron rodados en Roma, en los estudios Ponti-De Laurentiis. Y los exteriores, en los lugares considerados entonces como aquellos presentados en los viajes de Ulises con varias solvedades. Debido a un terremoto no se pudo rodar en Itaca.

  Inmenso Kirk Douglas, "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956) metido en el heróico cuerpo de Ulises (el mejor Ulises de la historia del cine), ese guerrero griego que navegará durante diez largos años, teniendo que superar terribles dificultades antes de llegar a su palacio de Itaca. Y con el insuperable Douglas, la bellísima Silvana Mangano, "Arroz amargo" ("Riso amaro"-1949), como Penélope, la fiel y sufrida esposa de Ulises y también en el papel de la misteriosa Circe (interpreta dos papeles muy diferentes, aunque su belleza es la misma), y Anthony Quinn, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Antinoos, uno de los pretendientes de Penélope.

  Y con estas tres estrellas del cine universal, también nos encontramos con unos secundarios de muchos quilates del cine italiano como por ejemplo: Franco Interlenghi, "Padres e hijos" ("Padri e figli"-1957) como Telémaco el hijo de Ulises y Penélope; Rossana Podestá, "Helena de Troya" ("Helen of Troy"-1956), se dá la casualidad de que en esta película interpreta el papel de Helena la reina griega raptada por Paris, y que desencadenó la guerra entre griegos y troyanos), pero en esta de "Ulises" interpretando a Nausica la hija del rey de los feacios; Elena Zareschi, "A sangre y fuego" ("Col ferro e col fuoco"-1962) como Casandra. Y a tener en cuenta a un aqui desconocido Umberto Silvestri, "El conformísta" ("Il conformista"-1970) interpretando al cíclope Polifemo.

  Resumiendo: Una gran película de aventuras, de las de siempre, con ese toque aventurero directo y simple que marcó toda una generación de películas y que, un servidor de ustedes, echa en falta en las producciones de hoy en dia (al menos, en muchas). Todo un buen ejemplo de ese cine de evasión que ves, disfrutas y encima se te queda grabado en la memoria bien en forma de Polifemo borracho, de héroe vestido de mendigo o de un caballo de Troya muy bien hecho. Y decidme, ¿que más se le puede pedir a una película de aventuras?. Pues eso... Sobresaliente.

  "Ulises" fue la película más taquillera en Italia de la temporada 1954-1955.

  Como anécdota: El director Georg Wilhei Pabst se iba a hacer cargo de la dirección de la película, pero al final solamente se encargó de la fase preparatoria.

22/03/2017 11:02 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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          Y como punto y final a esta gran fiesta de los Oscar, un comentario más sobre esta extraordinaria y oscarizada película como es: "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985).

            "Yo tenía una granja en Africa..."

                              

  "Yo tenía una granja en Africa...", así comienza la novela autobiográfica de la escritora danesa Isak Dinesen, cuyo verdadero nombre era Karen Blixen, que sirvió de inspiración a "Memorias de Africa". Se trata de una hermosa historia de amor que fue protagonizada por dos de los actores más populares de las últimas décadas, Meryl Streep y Robert Redford. Con una fotografía muy hermosa y una banda sonora que invita al romance, la película obtuvo siete premios Oscar sobre 11 nominaciones, entre ellos los de mejor película y director, y fué el quinto titulo más taquillero de 1985, por detrás de "Regreso al futuro" ("Back to the Future"), "Rambo 2" ("Rambo: First Blood Part II"), Rocky IV" y "El color púrpura" ("The Color Purple"). Al cineasta Sidney Pollack le fascinaba la personalidad de Isak Dinesen, por lo que estuvo leyendo diversas obras referidas a esta autora antes de comenzar la producción. El guionísta Kurt Luedtke hizo un magnífico trabajo al mezclar escritos de la propia Dinesen, con el que dió título a la película, con otras obras como Isak Dinesen: The Life of a Storyteller, de Judith Thurman, y Silence Will Speak, de Errol Trzebinski, para construir el guión de la película. Cuando finalmente quedó listo, a Pollack le pareció que nadie mejor que Meryl Streep podía interpretar a esta mujer. el papel principal masculino se le concedió a su buen amigo Robert Redford, al que ya había dirigido en otras ocasiones. Al realizador le pareció fundamental rodar la película en los escednarios naturales en los que transcurre la acción. Hasta intentó llevar las cámaras a la auténtica plantación que había poseidp la novelísta en Africa. Sin embargo por problemas burocráticos se tuvo que conformar con otros paisajes de Kenya.

  En enero de 1985, después de intensos preparativos el equipo empezó a rodar en Africa. El trabajo se prolongó hasta el mes de junio y fué bastante díficil. El clima africano les jugó más de una mala pasada. Porque peor que las altas temperaturas fué la época de las lluvias torrenciales, que mantuvo paralizada la producción durante varios dias. En Kenya surgieron también algunos problemas inesperados. Las autoridades de la región tenían prohibido terminantemente el uso de animales salvajes en espectáculos de cualquier tipo. Eso motivó que Pollack tuviera que solicitar un águila, tres perros y cinco leones, que fueron trasladados desde California. Otra curiosidad fue la manera en la que afrontó el director una secuencia en la que, según el guión, las plantas de café de la finca de la protagonísta habían florecido. Para conseguir el efecto, Pollack ordenó colocar un poco de espuma de afeitar sobre cada planta, lo que resultó una labor terriblemente lenta. Menos gracia tuvo para los integrantes del equipo un brote de malaria que dejó en cama a muchos de ellos. No obstante, a pesar de que las condiciones del rodaje en Africa no siempre fueron favorables, Sidney Pollack tuvo la oportunidad de rodar unas imágenes realmente espectaculares, que, sin duda, ningún otro decorado hubiera podido igualar.

  El estreno de "Memorias de Africa" produjo mucha expectación, sobre todo por ver juntos en pantalla a Meryl y Redford. Y pese a la larga duración de la película (160 minutos), al público le encantó, por supuesto, sobre todo a la audiencia femenina, lo que hizo resurgir en Hollywood durante los siguientes años la temática de corte abiertamente romántico.

         "Denys me había dado una brújula "para seguir el rumbo" dijo, pero más tarde comprendí que navegábamos con rumbos distintos."

 

    

 

 

17/03/2017 10:13 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.


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