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Zelig - 1983

   "No puedo, yo... yo tengo que volver a la ciudad... yo... tengo el seminario sobre la masturbación y, si no llego a la hora, empezarán sin mi."

  Excelente y a la vez brillante película de nacionalidad estadounidense y de género de comedia, escrita y dirigida por Woody Allen. Un cineasta nacido en Nueva York. Allenn se ha convertido en un icono del cine, tanto por su estilo como por su habilidad interpretativa única. pese a que Manhattan ha sido escenario donde han desarrollado su actividad generaciones de músicos, diseñadores, urbanístas, jardineros, novelístas y políticos, en la actualidad la isla es famosa por constituir el marco de casi todas las películas de este director. Al dejar su impronta en este singular paisaje, Allen ha aportado su propia mitología a los barrios, monumentos, equipos deportivos y tejido social de la metrópolis, especialmente a los enrarecidos entornos del Upper East Side.

  Sus películas muestran el estereotipo del judio neoyorkino irreligioso y en ascenso en la escala social que Allen encarna y a la vez trasciende. El humor de Woody Allen parte de ls comunidad judia estadounidense, y sus afinidades y hábitos.

  Nacido en Nieva York para ser más exacto en Brooklyn con el nombre de Allen Konigsberg, escogió el apodo "Woody" de adolescente y lo adoptó como nombre legal en 1952. Comenzó contando chistes a los 15 años de edad y al cabo de un par de años las emisoras comerciales ya se los compraban para que los utilizaran otras estrellas como Bob Hoope y Danny Kaye. Woody Allen también actuó como humorista en varios clubes, donde perfiló el oficio y su manejo de los tiempos antes de trabajar para el actor Sid Caesar en televisión. Su primer guión cinematográfico fue llevado a la pantalla por Cliver Donner bajo el título "¿Qué tal, Pussycat?" ("Wat´s New, Pussycat?"-1965). El siguiente paso fue co-dirigir junto a Senkichi Taniguchi "El número uno" ("Wat´s Up, Tiger Lily?"-1966) y finalmente pudo dirigir en solitario su primer largometraje: "Toma el dinero y corre" ("Take the Money and Pun"-1969).

  Desde entonces Woody Allen ha realizado practicamente una película anual durante casi 50 años, de los que gran parte se han convertido en iconos de culto. Sus titulos resultan tan conocidos como su propio nombre, y tanto sus ingeniosos chistes como sus temáticas argumentales han entrado en la leyenda del cine. Aparte de su fecundo trabajo como realizador, ha hecho apariciones estelares (o ha prestado su voz) en ppelículas de otros directores.

  Escritor a la par que cineasta durante muchos años Woody Allen ha colaborado regularmente con The New Yorker. Además su prolífica obra cinematográfica se han paseado diversos actores y actrices de renombre, como Sean Penn o Goldie Hawn, y sus películas


19/01/2018 10:53 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

Zandalee - 1991

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           Nueva Orleans...

            El  calor...

           El jazz...

           El pecado...

  Floja película de nacionalidad estadounidense y de género dramático-erótico con un guión de Mari Kornhauser, "Housebound"-2000. Una escritora nacida en Maryland. Desde el 2005 está enseñando el Programa de Escritura Creativa del Departamento de Inglés en la Universidad Estatal de Louisiana. Ese mismo año el huracán Katrina transformó su vida quedándose en Nueva Orleans y trabajando como periodísta informando sobre las inundaciones. En la actualidad es miembro de The Writers Guild  of América de Louisiana.

  "Zandalee" está dirigida por Sam Pillsbury. Un director nacido en Massachussets. Con 14 años emigró a Nueva Zelanda y con 23 comenzó a trabajar en la National Film Unit, propiedad del gobierno, uniéndose a un grupo de cineastas emergentes que estaban investigando temas y estilos nuevos. Su debut en el cine fue en 1981 con la película "El espantapájaros" ("The Scarecrow"), basada en la novela gótica de Ronald Hugh Morrieson. Presentada a través de los ojos de dos adolescentes, la película narra la llegada a un pueblo de los años 50 de un misterioso y extraño personaje (interpretado por el fordiano John Carradine). La película se convirtió en la primera película producida en Nueva Zelanda en ser presentada en el Festival de Cine de Cannes. Su última película hasta la fecha ha sido "Surf Party"-2013.

  La historia nos lleva hasta Nueva Orleans, alli una mujer llamada Zandalee vive con Thierry, su amado poeta y mardido. Pero su perfecta armonía se ve truncada por la muerte del padre de Thierry. Ahora el poeta centrará su vida en el negocio familiar, olvidando toda su inspiración artística. Desolada al ver como pierde a su marido, Zandalee busca consuelo en Johnny, un viejo amigo de Thierry, este la seduce, y ambos se ven inmersos en una apasionada y ardiente relación que acabará siendo obsesiva...

  Una película a decir verdad que a penas tiene sentido. Pillsbury utiliza mucho más erotísmo del necesario. Obtuvo mediocres criticas (yo creo que bien merecidas). Su desarrollo es francamente aburrido, y además de situaciones muy poco creibles. Solo destaca, su parte como thriller pero como digo nos ofrece escenas de sexo demasiado gratuitas.

  La música corrió a cargo de Pray Forrain. Un compositor nacido en Nueva Orleans (y a decir verdad muy poco se de él). Aquí nos ofrece un total de diez temas todos ellos repartidos entre jazz y blues compuestos por Jump  Whith Joey.

  La fotografia en un color claroscuro está dirigida por Walt Lloyd, "Tango para tres" ("Three to Tango". La película se rodó integramente en escenarios naturales donde se desarrolla la historia es decir en Nueva Orleans.

  Y en cuanto a los actores pues todos regulares, puesto que el director o no quiso o no pudo sacar todo lo que llevaban dentro, aunque ellos tampoco pusieron nada de su parte, comenzando por Nicolas Cage, "La roca" ("The Rock"-1996), como Johnny Collins, un siniestro personaje; Judge Reinhold, "Mentes turbulentas" ("Mindstorm"-2001), como Thierry Martin, amigo intimo de Johnny; Erika Anderson, "Pesadilla en Elm Street 5" ("A Nightmare a Elm Street 5"-1989), como Zandalee, la esposa insatisfecha de Thierry.

  Y seguidos por Joe Pantoliano, "Mentes en blanco" ("Unknown"-2006), como Gerri; Viveca Lindfors, "La mano" ("The Hand"-1981), como Tatta; Marisa Tomei, "El luchador" ("The Wrestler"-2008), como Remy.

  Resumiendo: Una película mediocre donde no se salva ni el erotísmo barato, puesto que tanto director como actores no pudieron enderezar el pésimo guión. No acostumbre a poner suspensos en mis comentarios, pero esta sería la primera vez que lo hiciera, aún asi seguiré con mi manera de dar nota a mis películas, lo dejo en un Aprobado y sea lo que Dios quiera.

  Como curiosidad: Sam Pillsbury tomó prestado algunos elementos de la novela "Thérése Raquin" de Emile Zola.

 

 

 

11/01/2018 10:20 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Z. La ciudad perdida (The Lost City of Z-2016)

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  Henry Costin: ¿Qués estás leyendo?

  Percy Fawcett: Un poema. De mi esposa. Es Kipling. Se llama "El explorador"

  Henry Costin: Aprobado

  Percy Fawcett: ¿Quieres oirlo?. Es un largo camino hasta llegar al Amazonas

  Henry Costin: Adelante

  Percy Fawcett: "Es absurdo, más lejos, es el limite de la conservación. Eso dijeron y lo creí. Abrí mi tierra y sembré mi cosecha. Construí mis graneros y até mis cercas... en la estación fronteriza. Me oculté en los predemontes donde los senderos terminan y se detienen. Hasta que una voz, tan mala como la conciencia, arrancó cambios interminables, con un susurro eterno y que repitió durante dias y noches: Algo oculto. Ve y encuentralo detrás de las cordilleras. Algo perdido detrás de ellas. Perdido y aguardántote. Ve."

  Entretenida película de nacionalidad estadounidense y de genero de aventuras, basada en el libro de David Grann. Un escritor y periodísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Connecticut College en 1989 y su carrera de periodísmo comenzó en 1994 como editor de copias en el The Hill, un periódico de Wanshigton. En 2009 recibió el Premio George Polk por su obra "Trial By Fire". En marzo de 2010 se publicó una antología de doce ensayos de Grann previamente publicados.

  "Z. La ciudad perdida" está dirigida por James Gray (también guionísta del film). Un cineasta nacido en Nueva York. Estudió en la School of Cinematic Arts de la Universidad del Sur de California. Con 25 años, Gray rodó su primera película como profesional "Cuestión de sangre" ("Little Odessa"-1994), una película de cine negro que cuenta la historia de un asesino a sueldo y su relación con su hermano tras regresar a su ciudad natal. La película ganó el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 1994. En 2000, Miramar Picturec distribuyó su segunda película "La otra cara del crimen" The Yards", escrita y rodada en 1998. Su tercera película "La noche es nuestra" ("Own The Night"-2007), compitió en el Festival de Cannes y obtuvo criticas desiguales de la prensa acreditada. En 2008 se estrenó la película "Two Lovers" inspirada en "Noches blancas" de Dostoyevsky.

  James Gray ha dirigido siete películas en 23 años (entre1994 y 2017), considerándose como un director de prestigio mundial y con fama de perfecionísta y de involucuarse ven todas las fases de un proyecto, desde la escritura del guión hasta el montaje final, dirección de actores, localizaciones, fotografía, seleción y supervisión musical, etc., lo que le convierten en un autor cinematigráfico.

  La acción pues, nos hace de participar en una expedición topográfica de la Royal Society a Bolivia, allí el soldado Percy Fawcett queda fascinado por la jungla y accede a participar en una expedición más remota, a pesar de alejarle de su mujer y sus hijos durante varios años. en la selva amazónica, Percy descubre vestigios de antiguas civilizaciones perdidas, y vuelve a Inglaterra convencido de la existencia de una metrópolis hundida, la misteriosa ciudad de Z. Aunque sus comportamientos son ridiculizados por la comunidad científica, Fawcett se embarca en un último viaje a la selva brasileña junto a su hijo para demostrar sus teorias...

  Una solamente entretenida película, pero que dada su larga duración (140 minutos), se hace sumamente pesada. Una pelicula de verdad donde prima el desquilibrio y en donde la mayoria de la historia se hace muy plana y es que para mi, cuando se hace un biopic, la ambientaión debe ser primordial y aqui lo consigue el director, pero cuando se quiere retratar la vida de un aventurero de los de antes, cuando el mundo aún estaba sin explorar, como en esta ciudad perdida, hay que planificar un guión que ofrezca algo más que un resumen sencillo de la trayectoria de este explorador, porque el guión (para mi) es un guión sin tensión, muy blando y muy previsible y lo que es peor sin intriga alguna. Y aqui está el fallo de Gray porque la película pudo haber dado mucho más de si (aunque suene a tópico), Gray deberia haber potenciado más los peligros en la selva y dado un ritmo más espectacular, y de seguro ahora mismo estariamos hablando de una gran película.

  Bonita la fotografía en color llevada a cargo por Darius Khondji. Un director de fotografia nacido en Theran. Tras pasar los años de formación cinematigráfica en Estados Unidos regresó a Francia en 1981 donde trabajó como asistente de fotografía e iluminación para anuncios publicitarios y más tarde para el cine. En 1990 con la película "Delicatessen" de Jean-Pierre Jeunet yMarc Caro comenzó a obtener la atención por su particular estética, lo que le valió trabajar posteriormente en el famoso thriller "Seven"-1995.

  Y en este viaje sin destino y por supuesto con poco interés mostrándonos unos buenos fotogramas aunque sin fuerza ritmíca y con escasa emoción. La película se rodó en su totalidad en Colombia y en Belfast (Irlanda del Norte) donde comenzó el rodaje.

  De la banda sonora se encargó Christopher Spelman, "La noche es nuestra" ("We Own The Night"-2007). Un compositor con muy poco cine en su haber y conocido por ser uno de los colaboradores de James Gray. Y aquí poco aporta al desarrollo de la historia, puesto que es como diria aquel querer y no poder (o viceversa). Yo creo que Spelman se inspiró más en los lugares que en los personajes, pero no llegó a lograr su mejor baza.

  En cuanto a los actores pues haciendo lo que pueden que ya es mucho, quizá lo mejor de la película, aunque mal aprovechados encabezado por Charlie Hunnam, "Pacific Rim"-2013, dando vida al explorador Percy Fawcett y seguido por Robert Pattinson, "La reina del desierto" ("Queen of the Desert"-2015), como Henry Costin; Sienna Miller, "El Francotirador" ("American Sniper"-2014), como Nina Fawcett, la esposa de Pierce; Tom Holland, "Al filo del invierno" ("Edge of Winter"-2016), como Jack Fawcett, el hijo de ambos.

  En definitiva: Una película que lo tuvo todo para haber sido una de las mejores del año en su género, pero por culpa de un guión muy mal planificado y una dirección que no supo dar su talla, se convirtió en un bonito envoltorio pero con un mal producto. Una película de ver y olvidar. Una lástima de verdad. Aprobado.

  Como anécdota. En un principio, la película iba a ser protagonizada por Brad Pitt, que es productor ejecutivo de la película.

 

 

 

 

 

02/01/2018 18:25 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy - 1942)

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  "Soy un yanqui engreido, Yanqui hasta la muerte".

  Magistral película de nacionalidad estadounidense y de género biográfico-musical, con un guión de Robert Buckner. Un productor y escritor nacido en Virginia. Estudió en la Universidad de Virginia y en la de Edimburgo. Se unió a la Warner Bros como escritor y con la película "Dodge City"-1939 comenzó su carrera de éxitos. Como productor ayudó a hacer una estrella a Jeff Chandler. A Buckner le ayudó en el guión Edward Joseph, "Crimen a medianoche" ("Who Done It?"-1942). Un veterano guionísta nacido en Texas y con más de 100 películas a lo largo de su extensa carrera. Sus comienzos fueron en el cine mudo y se hizo famoso gracias a las películas escritas para la pareja de cómicos Bud Abbott y Lou Costello.

  "Yanqui Dandy" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Prolífico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó espectáculos biblícos al estilo de Cecil B. DeMille. En 1926 llegó a Estados Unidos y,con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihály Kertéz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros, encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes dirigió más de 80 películas, entre ellas: "20.000 años en Sing Sing" (""20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels With Dirty Face"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" (" Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió realizando un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado  musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó un gran éxito comercial a su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Curtiz continuó dirigiendo hasta pocos meses antes de su muerte a los 75 años. Su última película fue el western "Los comancheros ("The Comancheros"-1961), protagonizada por John Wayne.

  La acción tiene lugar en Washington, Nueva York y otras ciudades de Estados Unidos entre 1871 y 1942 y nos mete en el cuerpo de George M. Cohan hijo de Jerry Cohan y Nellie, actores de variedades, y hermano de Jessie. Los cuatro forman el grupo "The Four Cohan". George se asocia con el productor Sam Harris y se relaciona con Mary aspirante a actriz. George es emprendedor realiza tareas de actor de variedades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de Yanqui Doddlie Dandy. Jerry de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Nellie es la espina dorsal de la familia, ayuda al marido y a los hijos y garantiza la unidad del grupo artístico que forman los cuatro. Mary deja que George ocupe el primer plano en cas y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto...

  La película destila alegria, jovialidad y optimísmo. De ese modo Curtiz crea el marco adecuado para transmitir sentimientos de cohesión social y de exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes de su estreno se había visto sorprendida por el ataque a Pearl Harbour (7-XII-1941) y la consiguiente entrada del pais en la II Guerra Mundial. La película forma parte del conjunto de trabajos realizados en Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la inteevención en el conflicto y del esfuerzo colectivo que la guerra exigia. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador de Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó a la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del pais.

  Curtiz pues, desarrolla una narración rápida, rica en elpses y de ritmo trepidente, que seduce el ánimo del público mayoritario y sostiene su atención. dentro de la tradición del género musical americano, crea una historia vusualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosísmo y musica sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado Cohan.

  Musica llevada bajo la dirección de Heinz Roemheld. Un compositor nacido en California. Fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad. Se graduó en la Escuela de Musica de Milwaukee a los 19 años, y actuó en varios teatros para ganar dinero y estudiar piano en Europa. En 1920 se fue a Berlin y mientras estuvo alli hizo varios conciertos con la Filarmoníca de dicha ciudad. A su regreso a Estados Unidos se trasladó a Los Angeles y se convirtió en un prominente compositor de cine. Ganador de un Oscar por "Yanqui Dandy" tiene también en su haber el haber compuesto musica para algunas escenas de "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939), aunque no fue acreditado en pantalla. se retiró en 1964 para concentrarse en su composición clásica. Es mundialmente conocido por la canción "Ruby" de la película "Pasión bajo la niebla" ("Ruby Gentry"-1952) que se ha convertido en un tema "standar".

  Y aquí reuniendo cortes de las composiciones más conocidas y más acreditadas de George Cohan, que acompaña con números de bailes espectaculares y de grata factura. Como musica añadida aporta canciones del momento y composiciones tradicionales como "Battle Hymm of the Republic" y "When Johnny Comes Marching Home". Se ofrecen un total fragmentos de unas 35 canciones diferentes, que se integran en el desarrollo de la historia y aportan elementos de progresión al relato.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de James Wong Howe. Un director de fotografía nacido en China. Se especializó en el uso de las sombras y en el enfoque profundo, lo cual permitía que tanto el primer plano como el lejano permaneciesen enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo. Entre 1930 y 1940, fue uno de los cineastas de los más renombrados de Hollywood. Estuvo nominado en diez ocasiones a los Oscar y lo ganó en dos ocasiones por "La rosa tatuada" ("The Rose Tattoo"-1955) y "Hud"-1963. Según una encuesta realizaa por la Internacional Cinematográfica Guild de Estados Unidos, es uno de los diez directores fotográficos de cine más influyente de todos los tieempos.

  Y en esta brillante biografía musical construyendo una visualidad que prima la espectacularidad de los números de baile y la sinceridad de los pasajes referidos a la vida del protagonísta.

  Sensacional James Cagney, "Al rojo vivo" ("White Heat"-1949) metido en la piel de George M. Cohan demostrando sus grandes dotes musicales. Y muy bien arropado por Joan Leslie; "La puerta del infierno" ("Hellgate"-1952), como Mary; Walter Huston, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre"´-1948) y Rosemary DeCamp, "El libro de la selva" ("The Jungle Book"-1942) dando vida a Jerry y Nellie Cohan, los padres de George. Y sin olvidar a Richard Whorf, "Luz en el alma" ("Christmas Holiday"-1944) como Sam Harris, y por supuesto a Jeanne Cagney, "Niebla en el alma" ("Don’t Bother to Knock"-1952), como Josie la hermana de George.

  En definitiva: Una pequeña gran joya del musical americano que raya la obra maestra. Una película no solo recomendable  para los que les gusten los musicales, sino, para todos los amantes del buen cine en general.  Matrícula de Honor.

  "Yanqui Dandy" logró 3 Oscar en 1942: Mejor actor (Jammes Cagney), Mejor banda sonora musical (Ray Heindorf y Heinz Roemheld) y Mejor sonido (Nathan Levinson).

  A modo anecdótico: Estaba previsto que la película empezara a rodarse el dia después del bombardeo de Pearl Harbour. La actriz Rosemary DeCamp recuerda estar escuchando con Walter Huston y Jeanne Cagney al presidente Rosevett por la radio, en su declaración de guerra a Japón y a Alemania. En ese momento, el director Michael Curtiz entró en el plató con James Cagney, todos se detuvieron a escuchar en silencio el himno nacional hasta que acabó. Al ver a las mujeres derramando lágrimas y a los hombres sentirse conmovidos, Curtiz dijo con su mejor acento húngaro:

  "Bien, chicos y chicas, tenemos que trabajar. Hemos tenido malas noticias, pero tenemos una maravillosa historia que contar al mundo, asi que dejemos de un lado las cosas tristes y empecemos".


   

21/12/2017 18:18 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Y Dios creó a la mujer (Et Dieu créa la femme - 1956)

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  "Esa chica se hizo para destruir a los hombres."

  Irregular película de nacionalidad francesa y de género dramático con toques de erotísmo, escrita por Raoul Lévy, "El desertor" ("The Defector"-1966). Un escritor, productor y director nacido en Amberes, y mayormente conocido por una serie de películas protagonizadas por Brigitte Bardot. Lévy se suicidó después de perder parte de su fortuna haciendo una película sobre la vida de Marco Polo. Se pegó un tiro frente a la puerta de la entrada de la casa de una amiga en St. Tropez. La amiga era Isabelle Pons, que recientemente había tenido un romance de dos años con Lévy.

  "Y Dios creó a la mujer" está dirigida por Roger Vadim (también guionísta junto a Lévy). Un director nacido en Paris. Fue uno de los fundadores de la "nouvelle vague" francesa, pero sus primeras películas apenas son recordadas porque enseguida se dedicó al cine comercial y su vida personal comenzó a ser más conocida que sus películas. Sus comienzos fueron escribiendo para Paris Match y realizando programas de televisión en directo. En 1956 realizó la que se convertiría en su obra de arte, "Y Dios creó a la mujer" ("Et Dieu créa la femme"), en la que intervenía su primera esposa Brigitte Bardot. Esta película rodada en Cinemascope y color, parece hoy insulsa, pero en aquella época fue revolucionaria por su desenfadado disfrute del desnudo, la sexualidad y el amor joven.

  La película fue un éxito internacional, debido en gran parte a su gran contenido sexual, a pesar de que Vadim la rodó en poco tiempo y con escaso presupuesto utilizando el mínimo de personal. Estas circunstancias pronto se convirtieron en un estímulo para los jovenes directores Jean Luc Godard y Françoise Truffaut, que se sintieron motivados a hacer películas con métodos similares, apareció así la "nouvelle vague" en Francia. Desgraciadamente, las películas de Vadim fueron adoptando un aire cada vez más comercial después de casarse con Annette Stroyberg y luego con Jane Fonda. En los años siguientes solo creó algunos trabajos de calidad, como "Relaciones peligrosas" ("Les Liaisons dangereuses"-1959), "El mourir de plaser"-1960 con Mel Ferrer y Annette Stroyberg y "Juegos de amor a la francesa" ("La ronde"-1964) con Jane Fonda, que más tarde intervino en la parodia de ciencia-ficción "Barbarella"-1967. En los años siguientes, Vadim dirigió la comedia "Querido profesor" ("Pretty Maids All in a Row"-1970) protagonizada por Rock Hudson y Angie Dickinson, y en los años ochenta tocó fondo  con "Y la creó para el escándalo" ("And God Created Woman"-1988) con Rebecca De Mornay. Sobrevivió a su escandalosa reputación escribiendo una serie de autobiografias y con apariciones en televisión.

  la acción tiene lugar en St. Tropez y alrededores en 1956 y narra la historia de Juliette Hardy de 18 años (menor de edad), huérfana, criada en un orfanato y es tomada en adopción por los padres de tres varones  de 20 a 25 años, trabaja en un quiosco-libreria de la familia. Esta se enamora del hijo mayor, pero se casa por despecho con el hermano menor...

  La película pues, está destinada a la exaltación de la protagonísta, crea un personaje muy alejado de los cánones europeos e internacionales que se imponen a partir de la revolución sexual y cultural de los años 60. Su figura incorpora una personalidad exageradamente infantil e ingenuamente sexual, dependiente de la madre, del capricho de los hermanos y de la iniciativa de los hombres. Sin aspiraciones laborales y desprovista de afanes de construirse un futuro autónomo e independiente, busca en el matrimonio, aunque no en fidelidad, las soluciones de presente y futuro. No aspira a la igualdad: se siente cómoda y satisfecha con su atractivo natural, por el que es adamirada y cortejada como objeto de deseo.

  Por el impacto sus escenas, son memorables el desnudo fugaz entre las sabanas tras la colcha y el baile sobre una mesa. Escenas escandalosas por aquella época y prohibidas en muchos paises. El Vaticano ordenó  quemar las copias exibidas en los cines de Italia.

  La música corrió a cargo de Paul Misraki, ("Llega un desconocido" ("Un meurtre est un meurtre"-1972). un compositor nacido en Turquia. Fue el pianísta principal de la orquesta de Rudy Ventura entre 1930 y 1939. Huyó a Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una breve estancia en Argentina terminó en Hollywood donde compuso música para varias películas de Jean Renoir. Después de la guerra regresó a Francia, trabajando en toda la década de los 50, donde participó en media docena o más de películas al año. En la década de los 60 trabajó con muchos de los principales directores franceses. Hizo un total de 115 canciones que han sido interpretadas, entre otros famosos como Yves Montad y Julliette Greco.

  Y aquí aportando una bonita combinación de melodias de la primera mitad de los años 50 y composiciones propias, festivas y brillantes.

  La fotografía en color y formato Cinemascope se la debemos a Armand  Thirard. Un director de fotografía francés y muy conocido por haber trabajado en dos obras maestras de la cinematografía francesa como fueron: "El salario del miedo" (Le salaire de la peur"-1953) y "Las diábolicas" ("Les diaboliques"-1955). Y aquí mostrándonos la belleza de los paisajes y realizando con fuerza plástica la imágen de la protagonísta, de la que ofrece los primeros desnudos, parciales y fugaces.

  En cuanto a los intérpretes, todos en su sitio: correcta Brigitte Bardot, "Una parisina"(Une parisienne"-1957), como Juliette Hardy, una chica huérfana, sexualmente muy precoz y activa; Jean Louis Trintignant, "Un hombre y una mujer" ("Un homme et une femme"-1966), como Michel Tardieu, el hermano menor, en una interpretación sobria y adecuada, como sobrio y correcto está Curd Jürgens, "Duelo en el Atlántico" ("The Enemy Below"-1957), en el papel de Eric Carradine y sin olvidar a Christian Marquand, "La ruta de Corinto" (La route  de Corinthe"-1967), como Antoine Tardieu, el hermano mayor de Michel.

  En definitiva: Una película de escaso valor cinematográfico a decir verdad, pero famosa por su éxito popular y por haber lanzado al estrellato internacional a la Bardot, elevada a la categoria de mito sexual. Aunque también la película con el paso de los años ha ganado un valor documental de interés.   Aprobado.

  Como curiosidad: el actor y director Christian Marquand, se inspiró en la figura de Juliette en su película "Candy"-1968.

10/12/2017 10:57 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Y llegó el dia de la venganza (Behold a Pale Horse - 1964 )

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                        "¿Por qué volvió?"

  Interesante película de nacionalidad estadounidense, aunque poco conocida por cierto sector de público y de género de aventuras ambientada en la posguerra española, basada en la novela "Killing a mouse on Sunday" de Emerich Pressburger. Un cineasta nacido en Miskolc (Hungria). Después de estudiar en las Universidades de Praga y de Stuttgart, inició la carrera de periodísta en Hungria y Alemania. A finales de la década de los años 20, empezó a trabajar como guionísta para la UFA en Berlin. El ascenso al poder de los nazis le obligó a exiliarse a Paris, donde continuó sus actividades como guionísta, para trasladarse más tarde a Londres.

  En el Reino Unido entró en contacto con una pequeña comunidad de cineastas húngaros que salieron de su pais evitando el nazísmo, como el influyente Alexander Korda, propietario de la productora London Films, que lo contrató como guionísta. Más tarde conoció a Michael Powell, con quien trabajó en "El espia negro" ("The Spy in Black"-1939). El tándem Powell-Pressburger dió a luz algunas de las más logradas películas del cine británico.

  Del guión se encargó  J. P. Miller, "Los jóvenes salvajes" ("The Young Savages"-1961). Un dramaturgo nacido en San Antonio (Texas). Después de graduarse en la Universidad de Rice a finales de 1930, se convirtió en un reportero a tiempo parcial en el Houston Post. En 1941 viajó a México como escritor especial pero no envió ninguna copia porque se interesó por el arte donde estudió en la Escuela de Artes Públicas de la Ciudad de México. Tiempo después regresó a Texas donde sirvió en la Marina del Pacífico Sur. Después de la Segunda Guerra Mundial estudió escritura en la Escuela de Arte dramático de Yale.

  "Y llegó el dia de la venganza" está dirigida por Fred Zinnemann. Un director nacido en Viena (Austria). Aunque inicialmente quiso ser musico, luego estudió derecho en la Universidad de Viena. Interesado por el cine se hizo cámara y trabajó en Alemania con cineastas de talento, entre ellos, Billy Wilder y Robert Siodmak, antes de emigrar a Estados Unidos. Alli, encontró trabajo como director de cortos para MGM, y ganó un Oscar al mejor cortometraje, con su biografia "That Mothers, Might Live"-1938.

  Su primer largometraje, "Redes"-1936, se rodó en México, con un elenco de actores locales no profesionales, su gusto por el realísmo y la autenticidad ya eran evidentes. Su primer éxito fue "La séptima cruz" ("The Seventh Cross"-1944), que narra las aventuras de unos fugados de un campo de concentración de la Alemania nazi. Una vez más el director destacó por su realísmo, esta vez centrado en la dureza de la vida en un campo de prisioneros.

  En los años 50, Zinnemann dirigió dos éxitos importantes. En "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952), un western con una estructura innovadora, Gary Cooper interpreta el papel de un sheriff que se queda solo para defender su ciudad frente a una banda de asesinos. En "De aquí a la eternidad" ("From  Here to Eternity"-1953) narra un intenso drama romántico que transcurre en una base del ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial. La película se hizo famosa por sus candentes escenas de sexo, y por la agudeza psicológica con que el director representa a los personajes.

  Su reputación le permitió rodar proyectos de alto presupuesto, como el western musical "Oklahoma"-1955 y el lujoso drama de época "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seasons"-1966), que ganó seis Oscar incluyendo el de mejor director. Siguió luego con una serie de éxitos como "Chacal" ("The Day of the Jackal"-1973), pero su película cumbre fue "Julia"-1977, que se basa en la obra de la dramaturga Lillian Hellman.

  Asi pues, Zinnemann nos lleva hasta la acabada guerra civil española (1936-1939). Y en donde Manuel Artiguez, un popular miembro del maquis, abandona España y se refugia en Francia. Veinte años más tarde, el hijo de su mejor amigo, atraviesa la frontera para pedirle que vuelva a España y mate a Viñolas, un capitán de la Guardia Civil responsable de la muerte de su padre. Pero Artiguez hastiado de todo, no atiende la petición del chico. Sin embargo cuando la madre del guerrillero cae gravemente enferma, Viñolas aprovecha la ocasión para tenderle una trampa...

  Una entretenida película, aunque por supuesto no es ni mucho menos lo mejor del director de origen austriaco. Una película que despertó los fantasmas de la guerra civil de España y por supuesto las iras del franquísmo. El resultado pues, evidencia cierta solidez formal aunque no consigue que la historia posea la suficiente credibilidad, puesto que para mi, Pressburger plantea un discurso político algo confuso. (Aunque sobre gustos no hay nada escrito).

  Excelente la fotografia en blanco y negro a cargo de Jean Badal, "¿Qué tal, Pussycat?" ("What’s New, Pussycat?-1965). Un direcctor de fotografía nacido en Budapest (Hungría). Se graduó en la Escuela de Arte Dramático y Cinematográfico de Budapest. Trabajó para la industria cinematográfica húngara antes de emigrar a Francia en 1956. Allí colaboró con Jacques Tati, François Literrier, Jules Dasin y por supuesto con Fred Zinnemann.

  Y en esta historia ambientada en la posguerra española haciéndo gala de su buen hacer para mostrar una fotografía muy lograda en un claroscuro muy adecuada a la época en la que se desarrolla la acción. La película se rodó en Francia porque en España no se pudo hacer a causa de la censura franquista. Aunque un equipo de rodaje se desplazó al Pais Vasco concretamente a Vitoria para hacerse una idea a la hora de rodar los exteriores en territorio francés, aunque tuvieron que tomar ciertas medidas para no ser sorprendidos por la policia  de la ciudad.

  Excelente la banda sonora creada por el oscarizado Maurice Jarre. Un compositor  nacido en Lyon (Francia). Se interesó bastante tarde por la musica y en 1946 debutó en la compañía Renaud-Barralt, formando duo con Pierre Boulez. Su carrera como compositor se inició en 1948 y en 1952 ya era un compositor muy popular y respetado en Francia. Pero el reconocimiento a nivel mundial le vino una década más tarde, cuando fue contratado para componer la banda sonora de la oscarizada "Lawrence de Arabia"-1962, con la que ganó un Oscar a la mejor banda sonora. De su colaboración con David Lean también siguieron otros grandes éxitos como "Doctor Zhivago"-1965, "La hija de Ryan" ("Ryan’s Daugther"-1970) y "Pasaje a la India" ("A Pasage to India"-1984). En 2003 anunció su retirada definitiva de la composición para el cine. En 2009 recibió un Oso de Oro en el Festival de Berlin por toda su carrera.

  Y en esta digamos que curiosa versión de la España profunda dirigiendo unos estupendos temas muy acordes con la situación de la trama, destacando para mi: Manuel’s Decision" y "Father Francisco in Hospital".

  Extraordinario el trio de actores protagonístas elegidos aqui por el director de origen austriaco: Gregory Peck, "Matar a un ruiseñor" ("To Kill a Morkinbird"-1962); Anthony Quinn, "Zorba el griego" ("Alexis Zorbas"-1964); Omar Sharif, "Doctor Zhivago"-1965. Peck como Manuel Artiguez demostrando que ha sido uno de los actores más equilibrados y versátiles que haya podido dar el cine de Hollywood, y de nuevo luciéndose en un papel mesurado y muy bien matizado, Quinn, como el capitán Viñolas, un personaje infiel y obsesivo, mostrando, quizas con más benignidad de lo que podía merecer, Shariff, es el cura Francisco, la oveja descarriada para algunos, pero edificante para otros, que saca la cara por una situación que, durante el oscuro regimen, jugó un papel bastante vergonzoso.

  Y con estos tres monstruos del cine universal también nos encomtramos al francés Raymond Pellegrin, "Pánico en la ciudad" ("Paura in cittá"-1978), como Carlos y al italiano Paolo Stoppa, "Becket"-1964, como Pedro y atención a la sensacional secundaria Mildred Dunnock" "Una mujer marcada" ("Butterfield 8"-1960) como Pilar la madre de Manuel.

  En definitiva: Una buena película aunque algo extraña debido al tema del que trata y dado su época de realización, pero también resulta interesante, puesto que se deja de ver y mantiene su atención de princioio a final, y más aún con el magnífico trio de protagonístas, y que, como bien dice un amigo mio ver a Anthony Quinn vestido de guardia civil no tiene desperdicio alguno.  Notable.

  La película como era de suponer estuvo prohibida en España por la censura franquísta, su estreno se produjo en 1979 es decir 15 años después de su realización, muy tarde a decir verdad.

  Como curiosidad: Según varios criticos especializados el personaje de Manuel Artiguez estuvo inspirado en el de Francesc Sabaté Llopart apodado "El Quico" nacido en Barcelona el 30 de marzo de 1915, luchó con la "Columna de los Aguiluchos" de la FAI en el frente de Aragón. Y tras haber perdido la guerra, tuvo que marcharse a Francia donde vivió como refugiado, pero sin dejar de hacer sucesivas incursiones a España para seguir luchando contra el régimen. Mientras seguía exiliado en Francia en 1959, Sabaté recibió una carta de un compañero de lucha que fue detenido y condenado a 30 años de prisión, y fiel a la amistad como siempre lo fue, junto a su grupo de  maquis (guerrilla antifranquísta) planeó una incursión de rescate, que lo llevaría a la muerte, el 5 de enero de 1960, muy cerca de cumplir los 45 años.



27/11/2017 19:07 Pablo #. sin tema Hay 10 comentarios.

Yakuza (The Yakuza - 1974)

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                    "Es un gesto inútil"

             "Será inútil, pero no es un gesto"

  Obra maestra de nacionalidad estadounidense y de género de acción, basada en una historia de Leonard Schrader, "El beso de la mujer araña" (""Kiss of the Spider Woman"-1985). Un director y guionísta nacido en Michigan, y muy notable por su capacidad de escribir películas en lengua japonesa. Se crió en una estricta familia calvinísta holandesa y no vió su primera película hasta que fue adulto. En 1968 se graduó en la Universidad de Iowa, donde estudió con Nelson Algren, Kurt Vonnegut, Robert Coover, José Donoso y Jorge Luis Borges.

  Del guión se hicieron cargo Paul Schrader (hermano de Leonard). Un guionísta y director nacido en Michigan. Educado al igual que su hernmano lo cual le marcaría profundamente y cuya influencia se deja sentir en toda su obra. Inició su carrera gracias al éxito de "Taxi Driver"-1976, aunque antes se graduó en el UCLA Film Studios, y se convirtió en critico de cine primero en el periódico Weekly Press de Los Angeles y más tarde para la revista cinema Magazine.

  A Schrader le ayudó Robert Towne. Un guinísta, director y actor nacido en Los Angeles. Sus principales trabajos han sido, "Chinatow"-1974, "Shampoo"-1975 y "Greystoke: La leyenda de Tarzán"-1984.

  "Yakuza" está dirigida por Sydney Pollack. Un cineasta nacido en Lafayette (Indiana). Empezó su carrera de actor trabajando en televisión entre 1959 y 1962. Luego ha continuado interpretando pequeños papeles de reparto en películas como "Maridos y mujeres" ("Husbands and Wives"-1992) de Woody Allen, o en "Eyes Wide Shut"-1999, de Stanley Kubrick. A principios de los años sesenta pasó a dirigir capítulos de programas de televisión como "La hora de Alfred Hitchcock 1962-1963.

  Su primer largometraje fue "La vida vale más" ("The Slender Thread"-1965), un drama de suspense social con Sydney Poitier y Anne Brancroft. Anunciaba el tono que adaptaría su carrera en la dirección: mensaje de fondo envuelto en entretenimiento con meritorias y premiadas interpretaciones de estrellas de Hollywood. En "Propiedad condenada" ("This Property is Condemned"-1966) contó con Robert Redford. Los dos amigos hicieron siete películas juntos, entre ellas "Las aventuras de Jeremich Johnson" ("Jeremich Johnson"-1973), "Tal como eramos" ("The Way We Were"-1973), "Los tres dias del cóndor" ("Three Days of the condor"-1975), "El jinete eléctico" ("The Electric Horseman"-1979) y "Memorias de Africa" ("Out of Africa"-1985), por la que ganó un Oscar al mejor director.

  Pollack ha dirigido a muchas otras estrellas de Hollywood: Jane Fonda, como bailarina de maratón en "Danzad, danzad, malditos" ("The Shoot Horses, Don’t They?"-1969), Al Pacino como un piloto de carreras en "Un instante una vida" ("Bobby Deerfield"-1977), Paul Newman y Sally Field en el drama de ética periodística "Ausencia de malicia" ("Absence of Malice"-1981), Tom Cruise en "La tapadera"("The Firm"1993) y otros. Una de sus películas más elogiadas, la comedia "Tootsie"-1982, presenta a Dustin Hoffman en el papel de un actor que se viste de mujer para participar en una serie de televisión, Pollack se dejó convencer por Hoffman para interpretar el personaje de agente. Los dos discutieron dentro y fuera de la pantalla, durante el rodaje y lograron sendas nominaciones al Oscar.

  La acción pues, nos mete de lleno en el personaje de Harry Kilmer que regrea al Japón después de una larga ausencia para ayudar a su amigo George Tanner para rescatar a su hija que ha sido secuestrada. Allí se reencuentra con la que fue su mujer, Elko, una japonesa a la que tuvo que abandonar a petición de Ken, el hermano de ella. Ken odia a Kilmer por ser estadounidense y por haber convivido con su hermana, pero a la vez tiene una deuda con él por haberle salvado durante las posguerra. Kilmer le pedirá que salde dicha deuda ayudándole a rescatar a la hija de su amigo...

  Una obra maestra del cine de su género. Si señor. Una película muy seria con una trama interesante que aborda muy bien las mafias Yakuza japonesas y otros subtemas y palos paralelos que implican desde varios prismas a los personajes de forma muy bien tejida y con gancho.  Toda ella se edifica alrededor de la tragedia en forma de parábola sobre valores como la amistad, el deber, la deuda y el agradecimiento.

  Muy buena la fotografía en color a cargo de Kozó Okazaki, "El reto del samurai" ("The Challenge"-1982). Un director de fotografía nacido en Tokio. A pesar de haber trabajado durante 50 años en el mundo de la cinematografía , toda su carrera la desarrolló en Japón y practicamente se le conoce solamente por su trabajo en "Yakuza".

  Y en esta obra digna de elogio mostrándonos unos fotogramas de muchos kilates muy luminosos y cargados de gran dinamísmo, vigor y romanticísmo. La pelicula se rodó en su totalidad en Japón salvo algunas escenas rodadas en la costa oeste de Estados Unidos.

  Sensacional la banda sonora de Dave Grusin , "El graduado" ("The Graduate"-1967). Un compositor y arreglísta nacido en Littleton (Colorado). Fue en la Universidad donde descubrió su interés por la música y en 1959 se trasladó a Nueva York para ingresar en la Manhattan School of Music y pronto comenzó a tocar para Andy Williams. Su carrera en solitario comenzó en 1962 y a partir de ahí dió comienzo su carrera como compositor de bandas sonoras para el cine y la televisión. En 2011, realizó el album en vivo y DVD "An Evening with Dave Grusin", con la Henry Mancini Institute Orchestra, interpretando temas de toda su carrera.

  Y en esta emocionante historia con el Japón como fondo mostrándonos unos temas apasionantes con acorde a cada una de las escenas, sobresaliendo el tema "Only the wind" escrito por Yu Aku.

  Magnífico Robert Mitchum posiblemente en uno de sus mejores papeles junto al de "Retorno al pasado" ("Out of the Past"-1947) metido de lleno en el cuerpo de Harry Kilmer, un hombre que formó parte de las tropas de ocupación estadounidenses en Japón, y vuelve a este pais para ayudar a un amigo cuya hija ha sido secuestrada.

  Y con el sensacional Mitchum otro sensacional Ken Takakura, "Black Rain"-1989 como Tanaka Ken;  y el siempre interesante Brian Keith, "Una dama entre vaqueros" ("The Rare Breed"-1966) como George Tanner, el amigo de Harry. Y sin olvidarnos de Richard Jordan, "El secreto de mi éxito" ("The Secret of My Success"-1987) como Dusty; Keiko  Kishi, "El más allá" (""Kaidan"-1964) como Eiko, la joven japonesa a la que Harry tuvo que abandonar. Y a otro grande del cine japonés James Shigeta, "Puente al sol" ("Bridge to the Sun"-1961) como Goro.

  Resumiendo: Una película que es auténtico cine negro, llena de lealtad, respeto, culpa, amistad... Una película completa. Una película Matrícula de Honor.

  A modo de información: La Yakuza es una mafia japonesa cuyo origen se remonta al siglo XVII. Utiliza los mismos métodos que las mafias occidentales y, como ellos,  controla los negocios más turbios. la prostitución, el blanqueo de dinero, el contrabando, etc. Después de la revolución Meiji (1868), que supuso la occidentalización del japón, muchos samurais pasaron a engrosar las filas de esta organización.

20/11/2017 19:56 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Yo te saludo, Maria (Je vous salue, Marie - 1984)

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 "La tierra y el sexo están entre nosotros. Afuera, no hay más que estrellas".

  Muy buena y también muy polémica película de nacionalidad francesa y de género dramático-psicológico escrita y dirigida por Jean-Luc Godard. Un cineasta nacido en Paris. Símbolo de la conciencia progresísta de los años sesenta, Godard comparte con el Che Guevara y John F. Kennedy una voluntad apasionada por cambiar el mundo, una profundidad intelectual, facilidad por la retórica y fama de radical. Su impacto fue tal que ninguna obra puede declararse hoy politicamente inocente.

  En los años cincuenta, Godard empezó a escribir para la prestigiosa revista Cahiers du cinema. El y otros críticos como François Truffaut, Claude Chabrol y Eric Rohmer, insatisfechos con las normas y las fórmulas del cine comercial, decidieron rechazar las conversaciones y poner énfasis en las emociones humanas directas y la acción impulsiva. El movimiento se convirtió en la nouvelle vague francesa.

  La primera película de Godard "Al final de la escapada" ("A bout de souffle"-1960) cayó como una bomba en el Festival de Cannes. Esta historia de un insignificante gángster evoca un Paris deshinbido y existencialísta, combinado con una moderna banda sonora de jazz, un dinámico ritmo de furiosas persecuciones, saltos de imágen bruscos, estallidos repentinos de violencia, sexo casual, travellings suaves y un ambiente de contemplación filosófica.  La película rebosa inmediatez espontánea, personificada en la encantadora escena en la que Jean Seberg y Jean Paul Belmondo pasean coqueteando por los Campos Eliseos.

  Godard repesivamente famoso por esta película, se convirtió en un héroe de la izquierda, un símbolo para el joven movimiento progresísta y pacifísta. "El soldadito" ("Le petit soldat"-1963) y "Los carabineros" ("Les Carabiners"-1963) son películas activistas. La primera fue prohibida por su critica de la guerra de Argelia y por contener una fuerte escena de tortura. La segunda es una dura sátira de la guerra.

  "Una mujer es una mujer" ("Une femme est une femme"-1961) y "Vivir su vida" ("Vivre sa vie"-1962) fueron las primeras películas en criticar el consumísmo (los personajes son una bailarina de strip-tease y una prostituta), pero también muestran una tierna fe en el amor. Las películas "Banda aparte" ("Bande á part"-1964) y "Lammy contra Alphaville" ("Alphaville"-1965) deconstruyen los géneros de la road movie y la ciencia-ficción. "El desprecio" ("Le mépris"-1963), un ataque feroz a Hollywood, es la película mas cercana de Godard. Se trata de una historia sobre el rodaje de "La Odisea" de Homero, por supuesto imposible de filmar, con colores suntuosos y exteriores exóticos, incluye desnudos, pistolas y grandes estrellas como Brigitte Bardot, Jack Palance y Michael Piccoli.

  En 1965, Godard abandonó las historias marcadas por el argumento para dar prioridad a la concepción del cine como arma revolucionaria, "Pierrot, el loco" ("Pierrot le fou"-1965), "La Chinoise"-1967) y "Week-end"-1967, siguen siendo agudas por sus metáforas abiertamente políticas. En todas ellas,  el marco narrativo es utilizado como vehículo para trasladar la critica ideológica: la route du soleil plagada de coches quemados en "Week-end" es la critica más despiadada a la sociedad del ocio hecha hasta el momento.

  Una vez que dejó del lado la narración, las películas de Godard se convirtieron en manifiestos de propaganda política que se sumaron a las manifestaciones de la protesta de 1968. Trabajó luego en una serie de panfletos que defendían la revolución proletaria y deconstruian el lenguaje cinematográfico. La desarticulación fue tan absoluta que hasta 1979 Godard no volvió a componer una historia. "Sálvese quien pueda" ("Sauve qui peut"-1980), alejada de la política, y más cercana al arte y la filosofía, ya presagió una vuelta al cine narrativo, "Pasión-1982, "Nombre: Carmen" ("Prénom: Carmen"-1983), "El rey Lear" ("King Lear"-1987), "Nouvelle vague"-1990 y "Hélas pour mui"-1992, le consolidaron como un creador maduro. Su peculiar "Histoire (s) du cinema" 1997-98 de ocho volúmenes, fue su testimonio más personal sobre el papel del cine en la sociedad durante un siglo.

  "Elogio de amor" (Éloge de l’amour"-2001) y "Nuestra música" ("Notre musique"-2004) reflejan su devoción por la literatura y la música clásica en escenas introspectivas dificiles de digerir, pero brillantes. Las películas de Godard han alterado el curso de la historia del cine por si solas, le dieron conciencia política cuando la necesitaba. Más adelante, simplemente se dedicó a hacer cine, lleno de sabiduria y belleza.

  Asi pues, la historia que nos cuenta el gran cineasta francés nos lleva hasta una joven llamada Maria, estudiante e hija del propietario de una gasolinera al que ayuda en sus tareas, aficionada al baloncesto y en donde un buen dia recibe la visita imprevista de un tal Gabriel en la gasolinera. Este le anuncia que será madre del hijo de Dios. Preocupada, consulta con su ginecólogo, que le confirma su estado. La situación turba profundamente a la muchacha, la sume en un proceso de desconcierto, disgusto y rechazo, tras una larga reflexión supera gracias a su generosidad, su espíritu de entrega y el descubrimiento de la fuerza de los instintos maternales. El novio José, taxista de profesión, informado por el ginecólogo de la virginidad de Maria, accede a casarse con ella. El niño nace felizmente, pero pronto abandona a los padres...

  Una buena película, si señor, buena y como digo problemática. Toda una fábula dramática que trata de explicar la concepción de Maria, el desgarro emocional que provoca en ella y las razones de su aceptación.

  Dos fueron los directores encargados de la fotografía: Jean- Bernard Menoud, "Le jour  des rois"-1991. Un director fotográfico nacido en Bulle (Suiza). Asistió a la Escuela de Fotografía Vevey, luego trabajó durante dos años como fotógrafo en arquelogía, antes de unirse al TSR en 1977. Ha sido director en numerosas películas y al mismo tiempo un máximo colaborador de Jean-Luc Godard. Y Jacques Firmann, "Le livre de Marie"-1985. Un director de cámara francés. A decir verdad poco o muy poco se sabe de este hombre, puesto que solamente tiene dos largometrajes en toda su carrera cinematográfica.

  Y en este drama de una madre, combinando entre los dos unos fotogramas brillantes tomados al natural y con composiciones de interior muy cuidados, iluminados con gran maestria, y de gran belleza visual.

  La banda sonora contiene fragmentos de Bach y Dvorak (el epílogo incluye fragmentos de Chopin y Mahler). Tengo que añadir que los desnudos de Maria se presentan con respeto, naturalidad y exentos siempre de sensualidad.

  Las interpretaciones de los protagonístas son exquisitas y convincentes, tanto la de Myriem Roussel, "El pequeño Marguery" ("A Petit Marguery"-1955), interpretado a Maria, una joven normal que un dia descubre que está embarazada a pesar de no haberse acostado con ningún hombre. Como la de Thierry Rode, "Zone rouge"-1986, interpretando a José, el novio de Maria, un taxista que no puede creeerse que pueda tener un hijo siendo su novia virgen. Y con ellos Philppe Lacoste, "Résidence sourveillée"-1987, como Gabriel. Y atención a una jovencísima Juliette Binoche, "El vuelo del globo rojo" (Le voyage du ballon rouge"-2007), como Juliette.

  En definitiva: Una película tipicamente godardiana en la que se mezcla complejidad y poesia, que fue objeto de una inmerecida atención debido a la polémica desatada a raiz de las criticas sufridas por parte de ciertos sectores católicos.  Sobresaliente.

  "Yo te saludo, Maria" ganó en el Festival de Berlín el Premio Interfilm-Otto Dibelius.

  Como curiosidad: La película contiene como prólogo un cortometraje titulado: "El libro de Maria", realizado por Anne Melville, discípula y tercera esposa de Godard.

 

 

15/11/2017 10:54 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Ya no puedo esperar (Can't Hardly Wait - 1998)

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  Una fiesta donde todo puede pasar...

  Pasable película de género de comedia romántica-juvenil escrita y dirigida por Deborah Kamplan, "La boda de mi novia" ("Made of Honor"-2008). Una directora y guionísta nacida en Abington (Pensilvania). Se matriculó en la Escuela Tisch de la Universidad de Nueva York. Desde entonces ha escrito bastantes películas junto a su esposo Keaton Willow aunque el matrimonio solamente duró nueve años de 2003 a 2012.

  A Kamplan le ayudó tanto en la dirección como en el guión Harry Elfont, "Josie  y las melódicas" ("Josie and the Pussycats"-2001). Un director y guionísta nacido en Philadelphia y criado en Moreland y al igual que como bien he dicho anteriormente ha dirigido y escrito junto con Deborah Kamplan varias películas de género romántico. Elfont está incluido en el Salón de la Fama de Moreland desde 1998.

  Así pues, la historia que nos cuentan la pareja de directores estadounidenses nos

mete en la vida de un joven escritor que está enamorado de una chica desde la primera vez que la vió, y su amor se ha hecho más intenso durante el curso. Este acude a una gran fiesta con la idea de declararse y más ahora que ha sido abandonada por su novio...

  Pasable película nada más, aunque se deja de ver. Una historia que contiene todos los típicos prsonajes que puedehaber en una pelicula hecha exclusivamente por y para adolescentes, y que como bien vemos cada uno tiene sus problemillas. La verdad y todo hay que decirlo y a pesar de que casi toda la historia se desarrolla ebn una fiesta no se hace pesada, simplemente por la de situaciones en las que atraviesan los personajes y que al final hasta te llegan a resultar todos bastante simpáticos.

  Excelente la fotografía en color dirigida por Lloyd Ahern. Un director fotográfico nacido en Los Angeles. De niño asistió a un concurso cinematográfico y fue elegido para interpretar el papel de Prince Child en la película "El principe valiente" ("Prince Valiant"-1954), su única aparición frente a la cámara. Después de completar su aprendizaje en el departamento de estudios de la CBS comenzó a trabajar como operador de cámara en la película para la televisión "Toda clase de extraños" (All the Kind Strangers"-1974) de Burt Kennedy. Su debut en la pantalla grande fue en 1992 con la película "El tiempo de los intrusos" ("Trespass") de Walter Hill, con este director ha llegado a ser uno de sus máximos colaboradores.

  Y en esta fiesta de jóvenes estudiantes universitarios ofreciéndonos unas bonitas imágenes llenas de gran colorido, la mayoría de la película fueron rodadas en interiores concretamente en los platós de la Columbia Pictures.

  Muy buena, mejor dicho buenísima la banda sonora (para mi lo mejor de la película) creada por David Kitay, "Mira quien habla" ("Look  Who’s Talking"-1989). Un compositor nacido en Los Angeles. Creció en un ambiente con amplias influencias musicales, su madre era cantante de ópera profesional. Comenzó a tocar la guitarra a los ocho años de edad. Se graduó en la Palisedes High School de Los Angeles y debido a su talento continuó grabando con figuras de la industria musical como el productor Barry Mann y más adelante con Aretha Franklin, The Four Tops y James Ingram entre otros.

  Y en esta típica comedia americana ofreciéndonos unos magníficos temas, y en donde no hay más remedio que destacar el "Romeo & Julieta" de Dire Straits.

  En cuanto al reparto de actores pues todos bien, vamos cunpliendo su misión, comenzando por la parejita de enamorados, que no son otros que Ethan Embry, "Player 5150"-2008, como Preston y Jenniffer Love Hewitt, "La verdad sobre el amor" ("The Truth About Love"-2005), como Amanda. Y muy cerca de ellos, Charlie Korsmo, "Los hombres no abandonan" ("Men Don’t Leave"-1990), como William; Lauren Ambrose, "El amor y otras cosas imposibles" ("The Other Woman"-1990), como Denise; Peter Facinelli, "Crepúsculo" ("Twilight"-2008), como Mike, y un largo etc. de jovenes actores la mayoría salidos de la televisión.

  En definitiva: la típica comedia americana de estudiantes que se deja ver al igual que después olvidar.  Aprobado.

  Como anécdota: Esta película ocupó el número 44 en la lista de Entertainmet Weekly de las 50 Mejores Películas sobre escuelas secundarias.

 


 


30/10/2017 18:27 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

...Y que le gusten los perros (Must Love Dogs - 2005)

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  "Me encanta internet. Mitad fantasía, mitad comunidad y encima puedes pagar los recibos desnuda."

  Muy entretenida película de género de comedia romántica, basada en una novela homónima de Claire Cook. Una escritora nacida en Alejandría (Virginia). Escribió su primera novela "Ready to Fall" cuando tenía 45 años de edad. Se graduó en el Scituate High School de Massachusetts. Su último año en la universidad de Haward como estudiante visitante se aficionó en el estudio de ficción., donde llegó a graduarse unos años después.

  Del guión se hizo cargo el aquí también director Gary David Goldberg. Un cineasta nacido en Nueva York. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo mientras vivia en Israel en 1972. En 1981 formó su propia compañía la Ubo Productions (por el nombre de su perro), creó la serie "Family Ties" que se emitió durante siete temporadas. Fue un  éxito de critica y público y actualmente aún sigue siendo vista, y ayudó a lanzar la carrera de Michael J. Fox. En 1989 produjo la película "Mi padre" ("Dad") con un reparto que unía a Jack Lemmon, Ted Danson y Olympia Dukakis. Esta película fue seguida por "Bye Bye Love"-1995. Goldberg a lo largo de su carrera recibió numerosos premios entre ellos al mejor escritor de televisión en el Festival de Cine de Austin en 2001.

  La acción tiene lugar en Los Angeles, y nos cuenta la historia de Sarah Nolan, una profesora de preescolar, de treinta y tantos años, está separada desde hace 8 meses, sin hijos. Carol y Christine, sus dos hermanas, abren a su nombre una web especializada en citas para encontrar pareja, con resultados irregulares...

  La película, pues, expolra el mundo de las segundas oportunidades para las personas separadas o viudas. Ni divorciarse ni enviudar son hechos que impidan encontrar de nuevo el amor, un amor que puede ser más maduro, sincero y profundo que el primero. Aquí Goldberg nos plantea los personajes como Sarah, Jake y Bob son casos diferentes, que coinciden en asociar la soledad con el desánimo. Sarah se ocupa de su trabajo, Jake de la construcción manual de embarcaciones de madera y Bob  de sus múltiples relaciones femeninas en intentos tendentes por igual a evadirse de la realidad.

  La película también nos muestra, las ventajas del internet y de sus avanzadas webs. La traviesa inserción de la ficha de Sarah en una de ellas por parte de sus hermanas le proporciona una lista de aspirantes, entre los que se encuentran personajes inesperados, extravagantes e impertinentes y alguno interesante. De una situación de soledad Sarah  pasa a otra doble relación: con Bob Connor y con Jake Anderson. Además la historia aboga abiertamente por la igualdad de géneros, el uso del preservativo masculino y las relaciones en pie de igualdad entre el hombre y la mujer. Y como punto final Goldberg nos explica la capacidad de iniciativa de la mujer, más decidida y más rápida que el hombre a la hora de tomar grandes decisiones.

  La banda sonora corrió a cargo de Craig Armstrong. Un compositor nacido en Glasgow (Escocia). Se graduó en la Royal Academy of Music en 1981, y desde entonces ha compuesto para la Royal Shakespeare y para la London Sinfonietta entre otras. La composición de Armstrong para la bande sonora de "Romeo y Julieta" (1966) le valió un premio BFTA. En 2001 recibió otro BAFTA, un Globo de Oro asi como un premio Golden Satellite por "Moulin Rouge" y en 2005 un Grammy por la mejor banda sonora de la película "Ray".

  Y en esta comedia romántica creando una musica brillante y emotiva, con ambientes de gran lirísmo completándolo con canciones añadidas, como "El tema de Lara" y "Dance All Night".

  La fotografía en color fue obra de John Bailey, "Mejor imposible" ("As Good As It Gets"-1997). Un director de fotografía nacido en Moberly (Missouri). Asistió a la Universidad de Santa Clara y a la de Loyola de Chicago. Durante su tercer año estudió lengua y cultura alemana en la Universidad de Viena, donde desarrolló una apreciación por la "nueva ola" francesa, En 1985 compartió el Premio de Mejor Contribución Artística en el Festival de Cannes. En agosto de 2017 fue elegido presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas por un periodo de cuatro años.

  Y en esta interesante historia de amor de las segundas oportunidades prestando atención especial a la expresión corporal y a los comportamientos individuales y de grupo. La película está rodada integramente en Los Angeles.

  Excelente el reparto de actores elegidos aqui por el director neoyorkino encabezado por la guapa Diane Lane, "Bajo el sol de la Toscana" ("Under the Tuscan Sun-2003), como Sarah, un papel a decir verdad acertado y simpático. Y con ella John Cusack, "La cosecha del hielo" ("The Ice Harvest"-2005), como Jake y completando el triángulo Dermot Mulroney, "Una aventura extraordinaria" ("Big Miracle"-2012), como Bob. Y atención al ya mítico Christopher Plummer, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), como Bill el padre de Sarah. Pero no hay que olvidar a Elizabeth Perkins, "Los Picapiedra" ("The Flinstones"-1994), y por supuesto a Alli Hillis, "Lo mejor de la vida" ("The Ultimate Life"-2013), como Carol y Christine respectivamente las dos hermanas de Sarah.

  En definitiva: Una película entretenida, divertida y agradable, de buen desarrollo (aunque a veces algo lento) y de vis cómica satisfactoria, aunque también tengo que reconocer algo inferior a lo esperado.    Notable.

  Como anécdota: El perro Madre Teresa fue interpretado por dos cachorros de seis meses, llamados Molly y Maeva. Ambos fueron adoptados por el director al final del rodaje.

17/10/2017 18:25 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.


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