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Vampiresas 1933 (Gold Diggers of 1933 - 1933)

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  "Hoy puede ser un gran dia."

  Deliciosa película de nacionalidad estadounidense de género comedia-musical e inspirada en la pieza teatral de 1919 de Avery Hopwood y, adaptada por primera vez al cine mudo en 1923.

  El guión fue escrito por Erwin S. Gelsey, "Volando hacia Rio de Janeiro" ("Flying to Rio"-1933). Un prominente guionísta nacido en Nueva York. Fue una figura muy conocida en Hollywood y en varias ocasiones en su carrera, sirvió como redactor de la hostoria del musical para los principales estudios de Hollywood. La mayoría de sus películas estuvieron en todo su apogeo de los musicales de los años 30 y 40. A Gelsey le ayudó James Seymour, "Desfile de candilejas" ("Fotlight Parade"-1933). Un hombre con muy poco cine en su haber solamente se le acredita en cuatro películas, todas ellas como co-guionísta, pero su nombre siempre aparece en los títulos de crédito.

  "Vampiresas 1933" está dirigida por Mervyn LeRoy. Un prolífico director nacido en San Francisco. La infancia de Mervyn LeRoy fue bastante difícil. Dejó el colegio a los doce años, empezó a actuar en el vodevil y en 1919 decidió probar suerte en Hollywood. Animado por su primo, encontró empleo en el departamento de vestuario de Famous Players-Lasky.

  Después de aparecer ante la cámara en papeles cortos de películas ligeras, LeRoy dedicó su talento a escribir gags y trabajó en una serie de comedias y melodramas populares. En 1930 debutó como director en la Warner Brothers con el duro drama "Hampa dorada" ("Little Caesar"-1931), que lanzó al estrellato al actor Edward G. Robinson e inició el ciclo de películas de gánsteres de principio de los años treinta. En 1931, LeRoy era ya uno de los principales directores de la Warner, especializado en el brutal realísmo de la Gran Depresión, con películas como "Sed de escándalo" ("Five Star Final"-1931) y la que tal vez sea su mejor obra como director, "Soy un fugitivo" ("I Am Fugitive From  a Chain Gang".1932), que incluia una dura denuncia de las condiciones existentes en las prisiones del sur de Estados Unidos. Dirigió las partes dramáticas de "Vampiresas 1933" ("Gold Diggers of 1933"-1933) y demostró su gusto por la farsa en la estrepitosa comedia "Ana, la del remolcador" ("Tugboat Annie"-1933).

  LeRoy dejó la Warner en 1938 para pasar a MGM donde actuó más como productor, pero volvió con el drama criminal "Senda prohibida" ("Johnny Eager"-1942), la biografía "Madame Curie"-1943 y la patriotica "Treinta segundos sobre Tokio" ("Thirty Seconds over Tokyo"-1944). En los años cincuenta pasó a las grandes producciones con "Quo Vadis"-1951. nunca perdió de vista lo que el público quería encontrar en las películas. Si sus últimos titulos parecen algo flojos, lo compensó sobradamente con sus primeros dramas sociales, que siguen siendo fascinantes del primer cine sonoro de Hollywood.

  La acción pues, , tiene lugar en Nueva York en 1932/1933, a lo largo de varios meses. LeRoy nos cuenta la historia de cuatro corístas: Carol, Trixie, Polly y Fay, que dejan su trabajo para probar suerte en el mundo del espectáculo, pero al empresario que las ha contratado para el show "Melodía olvidada", sufre el embargo de los decorados, mobiliario y vestuario el dia anterior del estreno. La intervención judicial interrumpe el ensayo general, en el que Fay ha interpretado la canción "We’re in The Movie". Las otras tres chicas, que viven juntas y sobreviven hurtando leche a los vecinos, conocen a un desconocido compositor vecino llamado Brad, que les puede sacar del apuro...

  La película pues glosa el contraste entre la opulencia de los ricos y la miseria de los pobres, como las gentes del espectáculo, durante los años de la Gran Depresión. La historia se refiere al paro, la escasez y la desolación de la época, contra la que levanta un trabajo optimísta, alegre y divertido. El relato hace uso de los chistes breves y rápidos, lances visuales cómicos, personajes estrafalarios y equívocos hilarantes en una composición liviana y divertida.

  De la banda sonora se hizo cargo Al Dubin, "La calle 42" ("42 nd Street"-1933). Un compositor nacido en Zurich (Suiza). escribió las letras de varios espectáculos musicales representados en Broadway. Sin embargo, su mayor fama quizás le deparó en las películas musicales de la época. En 1970 entró a formar parte del salón de la Fama de los Compositores. A Dubin le ayudó Harry Warren, "La tragedia de la Bounty" ("Mutiny on the Bounty"-1935). Un compositor y letrista nacido en Nueva York. Fue el primer compositor de canciones centrado principalmente en el cine y nominado en once ocasiones al Oscar a la mejor canción, Warren compuso más de 800 canciones con la canción "Chattanooga Choo Choo" ganó su primer disco de oro y sus canciones se han escuchado en más de 300 películas.

  Y aquí incluyendo entre los dos unas bonitas melodias y brillantes números de música y baile, como por ejemplo: "Puttin ’ In The Park" (picante), "Shadow Waltz" (elegante) y "Remember My Forgotten Man" (trágica y crítica).

  La fotografía corrió a cargo de Sol Polito, "Robín de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938). Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia), emigró a los Estados Unidos a la edad de 13 años y asistió a la escuela en Nueva York donde comenzó a trabajar en la industria del cine como fotógrafo. Después de la experiencia como asistente de laboratorio y asistente de cámara, fue promovido camarógrafo de iluminación en 1917. Se trasladó de Nueva York a Los Angeles dos años después para continuar su carrera en First National Pictures y Warner Bros. Trabajó en más de 170 películas, pero es mayormente conocido por su trabajo con los directores Michael Curtiz y Mervyn LeRoy.

  Y aquí haciendo plasmar la cámara sobre las escenas, sirviéndose de tomas fijas y de movimientos de gran fuerza visual. La película se rodó integramente en Warner Studios de Burbank  (California).

  Muy bien las cuatro "vampiresas" protagonístas cada una en su sitio, comenzando por Joan Blondell, "No estoy sola" ("The Blue Veil"-1951) como Carol; Aline MacMahon, "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955) como Trixie; Ruby Keeler, "Dos hermanas rebeldes" ("Mother Carey’s Chiekens"-1938) como Polly; y Ginger Rogers, "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Business"-1952) como Fay.

  Y con estas cuatro maravillosas mujeres, Warren William, "Arizona"-1940 en el papel de J. Lawrence un presumido millonario; Guy Kibbee, "Casi un ángel" ("It Started with Eve"-1941) como Franeul el abogado de Lawrence; Dick Powell, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1953) como Brad, un compositor y vecino de las chicas´.

  Resumiendo: Una película de una frescura inigualable, con números musicales visualmente espléndidos y en los que gravita la proximidad del cine mudo de la anterior década. Una película que no solo ha resistido el paso del tiempo porque no puede entrar en la historia e involucrarse en el enredo, un enredo tan simple como eficaz y eso por supuesto sin dejar de ser espectador.  Sobresaliente.

  "Vampiresas 1933" estuvo nominada al Oscar al Mejor sonido. La ganadora fue "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932).

  A modo de curiosidad: "Vampiresas 1933" contó con un presupuesto de 500.000 dólares y se estrenó el 27 de mayo de 1933.

 

 

 

14/06/2017 10:18 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vorágine (Whiripool - 1949)

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  "Cualquiera que despierto se comportase como lo hiciera en sueños sería tomado por loco".

                                  (Sigmund Freud)

  Excelente película de género de cine negro y basada en una novela de Guy Endore, "También somos seres humanos" ("Story of G.I. Joe"-1945). Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Durante toda su carrera produjo una gran variedad de novelas, guiones y panfletos, tanto publicadas como no publicadas. Apoyó programas no gubernamentales de rehabilitación de drogas y se convirtió en un defensor de la Fundación Synanon, una controvertida comunidad del sur de California dedicada a reformar y rehabilitar drogadictos y alcohólicos.

  El guión lo escribieron Ben Hecht, "Luna nueva" ("His Girl Friday"-1940). Un guionísta y director de cine nacido en Nueva York. Tras graduarse en una escuela secundaria, se mudó a Chicago donde empezó una carrera de periodísmo. A los 16 años encontró trabajo como periodísta, primero en el Chicago Journal y luego en el Chicago Daily News. Después de la Primera Guerra Mundial fue enviado a Berlín como corresponsal y allí en 1921 escribió su primera novela. El segundo guionísta fué Andrew Solt, . Un novelista nacido en Budapest. Sus comienzos fueron en 1942 y aunque su carrera no fue muy extensa con unas 20 películas en su haber, si fue muy fructífera con titulos tan emblemáticos como "Mujercitas" ("Little Woman"-1949) y "Juana de Arco" ("Joan of Arc"-1948), por ejemplo.

  "Vorágine" está dirigida por Otto Preminger. Un director nacido en Viena (Austria). Preminger emigró a Estados Unidos para cumplir sus sueños de convertirse en director de cine. Desde su primera película de cine negro "Laura"-1944, hasta su thriller "El rapto de Bunny Lake" ("Bunny Lake Missing"-1965), demostró una notable capacidad de ser independiente, inteligente y exitoso. Aunque probablemente sus últimas películas no merezcan ser recordadas, no se puede ignorar lo mucho que contribuyó al Hollywood clásico.

  Las películas de Preminger se asociaron con la "objetividad" y la "ambiguedad". Ambas son esenciales para su puesta en escena, pero no le impidieron tomar partido. En sus mejores obras, Preminger muestra inequivocamente su postura, mediante un agudo sentido del detalle y un riguroso uso de la cámara. Su consciencia de la complejidad de la psicología humana (esa famosa ambiguedad) explora el hecho de que raras veces sus personajes sean diáfanos. Sus películas exigen al espectador revisar constantemente su punto de vista.

  Un ejemplo de ello es la manera en que Preminger rodó el interrogatorio del detective a Waldo Lydecker en la primera secuencia de "Laura". La insistencia del primero sobre los detalles le importa muy poco al segundo, que está ocupado prestando atención a su ropa, esta era la única manera que tenía Preminger de señalar el carácter femenino de su personaje y, por tanto, su homosexualidad. En "Cara de ángel" ("Angel Face"-1952) la fascinación que siente Robert Mitchum por la joven heroína pronto se convierte en una morbosa combinación de voyeurísmo y masoquísmo, y se revela mediante un complejo juego de miradas y reverencias que involucra al espectador. En "Anatomía de un asesinato" ("Anatomy of a Murder"-1959) se muestra como la ley tiene necesidad de conceder el beneficio de la duda incluso cuando todo parece estar muy claro.

  Así pues, Preminger nos cuenta la historia de una joven casada con un eminente psiconalísta, que padece cleptomanía a causa de un trauma psicológico de su infancia. La debilidad psicológica de la joven es utilizada por un hombre sin escrúpulos, para dominarla bajo hipnotísmo y obligarla a sevirle como falsa autora del asesinato de una antigua amante, a la qur¡e debe dinero...

  La película contiene un clima de creciente intriga, bien dosificada y pulcramente descrita. Preminger hace que la cámara se mueva con delicadeza y parsimonia, mediante travellings muy medidos, zooms  lentos y desplazamientos laterales que permiten identificar el centro de la atención con facilidad.

  La fotografia en blanco y negro fue llevada a cargo de Arthur C. Miller, "El signo del zorro" ("The Mark of Zorro"-1940). Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera como actor a los 13 años y a los 19 se unió a Pathé Fréres donde se convirtió en director de fotografía. En 1918 él y su hermano fundaron la Union Industrial, tiempo después se trasladó a Hollywood con un contrato para la Paramount. Fué presidente de la Sociedad Americana de Cinematografías. Y aquí ofreciéndonos unas estupendas imágenes que se caracterizan por la corrección de los encuadres y un adecuado movimiento de los personajes, además de la composición equilibrada en la mayoría de las escenas y por supuesto a la atención que se presta a la visualización de un dibujo muy cuidado.

  La banda sonora de David Raksin, "Apache"-1954. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para películas y más de 300 para televisión fue conocido como "el abuelo de las bandas sonoras". Su primera composición fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) y su última "¿Qué le pasa a Helen?" ("Wat’s the Matter with Helen?"-1971). Y aquí basándose en una bonita partitura muy adecuada con la intriga de la historia.

  Muy bien y plena de belleza Gene Tierney, "La mano izquierda de Dios" ("The Left Hand of God"-1955) metida en el cuerpo de Ann Sutton, una cleptómana casada con un conocido psquiatra que no es otro que Richard Conte, "La cuadrilla de los once" ("Ocean’s Eleven"-1960) en el papel del Dr. Sutton, como he dicho el esposo de Ann. Y formando el trio protagonísta el aqui maquiavélico (pero extraordinario actor) José Ferrer, "El motin del Caine" ("The Caine Motiny"-1954) como David Korvo un malvado que hipnotiza  a Ann para convertirla en coartada para un crimen.

  Y con estos tres grandes del cine universal, unos secundarios de auténtico lujo tales como: el siempre excelente Charles Bickford, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) como el teniente Cotton; Barbara O’Neil, "Secreto tras la puerta" ("Secret Beyond the Door"-1947) como Theresa Randolph; Constance Collier, "La soga" ("Rope"-1948) como Tina Cosgrove.

  En definitiva: Una entretenida película, no es lo mejor de Preminger  eso hay que decirlo, pero si es una historia en donde tiene muchas bazas a su favor una de ellasb es ver  a una Gene Tierney en el cenit de su belleza y el trabajo excepcional de dos extraordinarios actores Conte y Ferrer.   Notable.

  Como curiosidad Gene Tierney fue la musa de Otto Preminger ambos rodaron juntos las siguientes películas.

  "Tempestad sobre Washington" ("Advise & Consent"-1962)

  ""Al borde del peligro" ("Where the Sidewalk"-1950)

  "Vorágine" ("Whirpool"-1949)

  "Laura"-1944

 

 



08/06/2017 18:16 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vive y deja morir (Live and Let Die - 1973)

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               En recuerdo de: Roger Moore

  "La primera ocasión en la que Roger Moore interpretaba al agente con licencia para matar...

  Entretenida película de género de aventuras y octavo título de la serie de James Bond. Cuenta con un guión de Tom Mankiewicz, "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds are Forever"-1971). Un guionísta, director y productor tanto de cine como de televisión, nacido en Los Angeles y más conocido por su trabajo en las películas de 007 y por sus contribuciones en "Supermán" ("Supermán: The Movie"-1978) y la serie de televisión "Hart to Hart"-1979 protagonizada por Robert Wagner y Stefanie Powers.

  "Vive y deja morir" está dirigida por Guy Hamilton. Un director nacido en Paris. Nació en la capital francesa porque allí residian sus padres que eran ingleses. Trabajó como asistente para Carol Redd en películas como por ejemplo: "El idolo caido" ("The Fallen idol"-1948) y "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949). Su primera película como director absoluto fue"The Ringer"-1952 con Herbert Lom como protagonísta. Desde los años 50 hasta los 80 dirigió 22 películas, entre las cuales se incluyen cuatro películas de la serie James Bond.

  En un principio fue elegido para dirigir "Supermán"-1978, pero debido a problemas fiscales sólo se le permitió permanecer en Inglaterra durante treinta dias, todo esto mientras la producción se mudaba a los Pinewood Studios. Posteriormente el trabajo de director fue asignado a Richard Donner.

  La acción tiene lugar en Nueva York, Nueva Orleans y la isla caribeña de San Monique, en 1972/73, a lo largo de varias semanas. Hamilton nos narra un episodio de James Bond un agente británico, elegante, perspicaz y mujeriego, que sustituye los cigarrillos por puros, deja el sombrero y no consume martinis. Su misión le enfrenta a dos personajes siniestros, Mr. Big (gánster de Harlem) y el Dr. Kananga (lider político de la isla del Caribe), (ambos son el mismo personaje), que trafican con drogas y colaboran en manejos tenebrosos...

  La película pues, desarrolla un relato de acción, aventuras, crimen y suspense, con predominio de la acción. La investigación del asesinato casi simultáneo de tres agentes británicos en las tres ciudades citadas anteriormente, implica a Bond en una larga y azarosa persecución de lanchas rápidas en una zona pantanosa de la isla caribeña. En otra ocasión Bond ocupa un autobús urbano de dos pisos para huir de varios coches, Bond también ocupa una avioneta de instrucción para escapar de la persecución de sus enemigos, que impiden su despegue y la someten a una carrera de acoso sobre las pistas del aeropuerto. (Cómo bien se puede ver la acción está tanto en tierra como en el mar y en el aire). También el agente británico como al igual que otros personajes disponen de curiosos "gadgets", tales como un reloj imantado, reloj con esfera que corta cuerdas por rotación, spray manual lanzallamas, flauta-transmisor de radio, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de George Martin (antiguo productor de The Beatles). Un productor musical nacido en Londres y frecuentemente mencionado como "el quinto Beatle". Influenciado por una amplia gama de estrellas musicales que abarcan a Cole Porte y Johnny Dankworth, asistió a la Escuela Guidhall de Música y Drama desde 1947 hasta 1950 estudiando piano y oboe. En la década de los 50 produjo comedias y novedosas grabaciones con Peter Sellers y Spike Milligan entre otros. En reconocimiento de sus servicios a la industria musical y la cultura poular fue nombrado Caballero del Reino en 1996.

  Y aquí ofreciéndonos un acertado conjunto de ritmos pop y funk, que combina con variaciones del tema Bond. Añade también como canción titular una atractiva composición de Paul McCartney.

  La fotografía en color se la debemos a Ted Moore, "Operación Trueno" ("Thunderball"-1969). Un camarógrafo con casi 50 películas en su haber nacido en Sudáfrica. Se trasladó a Inglaterra cuando contaba 16 años de edad y allí sirvió en la Royal Air Force (RAF) durante la Segunda Guerra Mundial, uniéndose a la unidad de películas y allí comenzó a afiliar por este arte. En 1962, Broccoli y el director Terence Young lo eligieron como director de fotografía para una adaptación de Ian Fleming, "Agente 007 conta el Dr. No" ("Dr. No") después continuaría haciendo otras seis películas de la saga James Bond. Ganador de un BAFTA y un Oscar fue el primer sudáfricano en ganar un Premio de la Academia. Y aquí manteniéndo un estilo dinámico y espectacular de la saga.

  De notable se le puede calificar el debut de Roger Moore, "Panorama para matar" ("A View to a Kill"-1985), metido en elegante traje de James Bond y en donde en esta historia tiene que investigar la muerte de tres agentes británicos. Y con Moore la inolvidable Jane Seymour, "De boda en boda" ("Wedding Crashers"-2005) en el papel de una hermosa y misteriosa mujer llamada Solitaire, y sin olvidarnos del televisivo y aqui maligno Yaphet Kotto, "Perseguido" ("The Running Man"-1987), en el doble papel de Mr. Big y el Dr. Kananga; Clifton James, "El hombre de la pistola de oro" ("The Man With the Golden Gun"-1974), como el sheriff Pepper. Y dos fijos en esta saga, ella: Lois Maxwell, "James Bond contra Gldfinger" ("Goldfinger"-1964), como la famosa secretaria Moneypenny, el: Bernard Lee, "Desde Rusia con amor" ("From Russia With Love"-1963), como el no menos famoso "M".

  En definitiva: No es lo mejor de la saga de Roger Moore, pero si es una película entretenida muy del nivel de Bond, aunque eso si, sin llegar al nivel de las grandiosas aportaciones del gran Sean Connery.   Notable.

  "Vive y deja morir", estuvo nominada al Oscar a la mejor canción: "Live and Let Die" (Paul y Linda McCartney).

  Como curiosidad: Sean Connery rechazó la suma de 5 millones y medio de dólares para interpretar esta película. Connery le dió a Roger Moore su aprobación para que pudiera heredar su papel, llamándolo "un Bond ideal".

01/06/2017 18:43 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                    Roger Moore

                El Santo que fué Bond

  El pasado dia 23 falleció a la edad de 89 años el actor británico Roger Moore.

  Sir Roger George Moore nació en Londres el 14 de octubre de 1927, Moore se hizo muy famoso por su interpretación en la serie televisiva "El Santo" ("The Saint") desde 1962 hasta 1969 y por ser el sucesor de Sean Connery en el papel del espia británico James Bond desde 1973 hasta 1985. Moore se desempeñó como embajador de Unicef desde 1991 hasta su muerte.

  Nacido en Londres, sus padres fueron Lillian "Lily" Pope, un ama de casa, y George Moore, un policia. Inicialmente, quiso ser dibujante de historietas, y de hecho su primer empleo fue en este ámbito en una revista londinense. No conforme con su elección, trabajó como modelo masculino, y además quiso ser actor, para eso tomó clases de actuación en una modesta academia de Londres.

  Debido a su gran apostura y belleza masculina, no le fue difícil abrirse en el medio teatral y cinematográfico de por aquel entonces. Uno de sus primeros papeles, como actor fue ser uno de los centuriones de "César y Cleopatra" ("Caesar and Cleopatra"-1945) junto a Vivien Leigh. Ya definitivamente su meta en el cine, siguió cursos de Arte Dramático en la Royal School de Londres, trabajó poco a poco después en el teatro y en la radio.

  En 1953 se trasladó a Estados Unidos, donde hizo un pequeño papel al lado de Richard Widmark en la película "Manos peligrosas" ("Pickup on South Street"-1953), aunque solo alcanzó la fama cuando en 1957 regresó a Inglaterra para encarnar al "Invanhoe" en la serie televisiva del mismo titulo.

  Desde 1962 hasta 1969 trabajó en la serie "El Santo" interpretando al personaje Simón Templar, creado por Leslie Charteris, un ladrón que roba a personajes de cuestionable moral o abiertamente criminales, la serie televisiva sería muy famosa en la pantalla  chica y Moore es aún el actor más identificado del personaje. En 1971 interpretó a Lord Brett Sinclair en la serie "Los Persuasores" ("The Persuaders") junto a Tony Curtis (como Danny Wilde). El argumento involucraba a dos millonarios, aventureros resolviendo misterios y ayudando a personas especialmente bellas mujeres, con problemas. La serie duró una temporada de 24 episodios.

  En 1973, James Bond llamaría a su puerta, Sean Connery había dejado muy encarrillada su imágen con dicho personaje y Moore debió darle un clásico estilo inglés apuesto y elegante. Se mantuvo en siete películas de la misma saga, hasta que debido a su edad (58 años) ya no pudo representar más al personaje y fue sustituido por el actor Timothy Dalton.

  El 11 de octubre de 2007, Moore fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trabajo tanto en el cine como en la televisión. La estrella de Roger Moore fue la nº 2350 instalada, y está adecuadamente ubicada en el 7007 de Hollywood Boulevard.

  Roger Moore estaba retirado del cine y se dedicaba a actividades humanitarias. Moore apareció en la campaña publicitaria de Londres para organizar las Olimpiadas de 2012 y, aunque ya no actuaba en el cine, puso su voz en la película "Here Comes Peter Cottontail"-1971 y más recientemente en la película "Agent Crush"2008.

  Roger George Moore - Londres - 14 - octubre - 1927 - Crans-Montana (Suiza) - 23 - mayo - 2017.

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

                           



 

25/05/2017 10:47 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Vacaciones en Roma (Roman Holiday-1953)

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  "Soñé que estaba durmiendo en la calle y que, de pronto, se acercó un joven alto y fuerte y me trató bruscamente. Un sueño maravilloso".

  Bellísima película de género de comedia romántica y basada en una historia de Dalton Trumbo, "Johny cogió su fusil" ("Johny Got His Gun"-1971), (por ejemplo). Un novelísta y director nacido en Colorado. Se vió obligado a testificar ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses en 1974, y debido a esto, tuvo que usar seudónimos en sus trabajos. Fue miembro de los llamados "Los Diez de Hollywood", grupo que rechazó la investigación autoritaria y se negó a testificar en los famosos juicios del macarthismo (caza de brujas). Una de sus últimas películas, "Acción ejecutiva" ("Executive Action"-1973), se basó en diversas teorias conspiratorias sobre el asesinato del presidente Kennedy.

  El guión corrió a cargo del propio Trumbo acompañado de Ian McLellan Hunter, "Su testigo" ("Your Witness"-1950). Un guionísta nacido en Londres, y otro más propuesto en la lista negra. En la década de 1990, la Academia trató de rectificar algunos de los errores que habían cometido dutante la Guerra Fria entre ellos se encontraba Hunter al que le habían desposeido de su Oscar por "Vacaciones en Roma", la estatuilla se le fué entrgada a su hijo pero este lo rechazó. Y el tercer guionísta fue John Dighton, "El discípulo del diablo" ("The Devil’s Disciple"-1959). Uhn dramaturgo nacido también en Londres. En sus comienzos fue empleado en Ealing Studios, y allí colaboró en los guiones de célebres comedias. La mayoría de sus guiones fueron adaptados tanto al cine como al teatro, teniendo en su haber un Oscar y varias nominaciones.

  "Vacaciones en Roma" está dirigida por William Wilder. Un director de origen suizo-alemán nacido en Mulhouse (Francia). un pionero de la utilización de la profundidad del campo y  potenciador de la naturalidad y el drama, creador de grandiosas películas épicas.

  En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilizaión de la profundidad de campo (como bien he dicho) y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido: se trata de un cineasta destronado por la crítica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como falta de personalidad, su buen gusto como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del oeste para Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Samuel Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adaptaban obras clásicas de la literatura; la versión de "Cumbres borrascosas" ("Wutherin Heights"-1939) de Wyler sigue siendo estupenda, dos obras dev teatro de Lilian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Little Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfecciones, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podía ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver-1942), una película propagandística del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realísta de la guerra en el documental "Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress"-1944, seguida de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solían adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, si no al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una hstoria sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más en las obras intimístas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn, y "La gran prueba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de John Fowles, sobre una inquietante obsesión.

  La historia tiene lugar en Roma a lo largo de unas 24 horas y en donde una joven princesa de un pais europeo imaginario está de viaje oficial de buena voluntad por varias capitales europeas. Cansada del protocolo y con deseos de visitar la ciudad eterna a su aire, abandona sigilosamente la embajada de su pais. Por las calles de Roma conoce a un joven periodísta americano, que se hace pasar por un comerciante de abonos. La joven princesa es ingenua e inocente, en cambio el americano es oportunísta e interesado hasta donde puede...pero...

  La película suma los géneros de comedia y romance y la definición de caracteres es muy buena, la evolución resulta convincente, los diálogos son brillantes y ocurrentes. Wyler deja constancia de su poderoso vigor narrativo. Creando una atmósfera de elegancia, encanto y simpatía, que cautiva la atención del espectador y seduce su complicidad. Añade trozos de humor ligero, blanco y festivo que resuelve sumando palabra e imágen.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Franz Planer, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959). Un director de fotografía nacido en Karisbad, Austria-Hungria (ahora República Checa). Sus comienzos fueron como pintor, pero se dió cuenta que la fotografía se estaba convirtiendo en muy popular, y reemplazaría el requisito de los artistas con talento y esto le hizo cambiar de carrera. Primero comenzó en Alemania y en 1937 se trasladó a Estados Unidos para trabajar en Hollywood, donde llegó a rodar más de 130 películas a lo largo de su exitosa carrera.

  Y en esta historia romántica desplegando una narración que trasmite sentimientos de fascinación y encantamieto. Abudan los planos tomados desde abajo, los "travellings" y las imágenes cautivadoras. Abundan planos que han pasado a formar parte de la memoria del cine (paseo en Vespa, visita a la escalinata de la Plaza de España, sospresa en la Boca de la Verdad, etc.). La película se rodó integramente en Roma y en los estudios Cinecittá de Roma). 

  La banda sonora se la debemos a Georges Auric, "Orfeo" ("Orphe’e-1950). Un compositor nacido en Francia concretamente en Lodéne, Hérault. Fue un niño prodigio a los 15 años ya tenía su primera composición publicada y antes de los 20 años ya había orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Mientras estudió en el Conservatorio conoció a Jean Cocteau y cuando este comenzó a hacer películas Auric empezó a escribir para él a principios de los años 30. En 1962 dejó el cine y se hizo cargo de la Opera Nacional de Paris. Fue presidente de la Sociedad de Autores, compositores y editores de música (SACEM) desde 1954 hasta 1978. Y en estas bellísimas vacaciones en la ciudad eterna, ofreciéndonos una partitura descriptiva, romántica y ambiental, que subraya la magia del relato.

  Muy bien Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), en el papel de Joe, un periodísta americano que por casualidad conoce a una joven y que es ni más ni menos que una princesa. Y montando en Vespa por la ciudad de Roma, la aquí pricipiante y encantadora Audrey Hepburn, "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961) en el papel de Ana una joven princesa que un buen dia y tratando de eludir el protocolo se escapa del palacio para visitar la ciudad de incógnito. Y compartiendo protagonísmo el aquí extraordinario Eddie Albert, "Siete mujeres" ("7 Woman"-1966) en el papel de Irving el amigo y cómplice de Joe.

  Pero en este cuento romántico también andaban por la ciudad de los césares Hartley Power, "Herencia contra reloj" ("To Dorothy a Son"-1954), como Mr. Hennessy; Harcourt Williams, "Terror en el tren" ("Time Bomb"-1953), como el Embajador; Margaret Rawlings, "Sigueme" ("Follow Me!"-1972), como la condesa Vereberg.

  Resumiendo: Una obra maestra dentro de un género que se ha convertido en basura con el tiempo (salvo en honrosas excepciones). Una película que incluyó a una de las más hermosas y talentosas actrices de aquella época y de todos los tiempos, y demostró que al cine de entretenimiento le puede sobrar calidad, concepto que hoy en dia no parecen conjugarse del todo.  Una película Matrícula de Honor.

  "Vacaciones en Roma" logró tres Oscar, Audrey Hepburn como Mejor Actriz, Mejor Argumento original (Dalton Trumbo) y Mejor Vestuario (Edith Head).

  Como curiosidad: Gregory Peck llamó a su agente para pedirle que el nombre de Audrey apareciera junto al suyo en los créditos iniciales y carteles promocionales. En un principio iba a ser el suyo el único destacado por tratarse de la estrella protagonísta, pero él sabía que Audrey destacaría, es más, la consideraba una fuerte candidata a ganar el Oscar con esa película (y así ocurrió).

15/05/2017 10:38 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Viridiana - 1961

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  Viridiana: Yo no soy como usted, que tiene a su esposa.

  Don Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga.

  Obra maestra de género dramático-religioso y considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos del cine español. Escrita por Julio Alejandro de Castro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor nacido en Huesca y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Luis Buñuel (que también colaboró en el guión), y considerado como uno de los mejores escritores cinematográficos de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado.

  Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz año, amor mio". A princpios de los años 80 regresó a España, tras estar 39 años en México, en esta época se le dieron reconocimientos como en el Festival de Cine de Huesca en 1989 y la distinción que la Diputación General de Aragón le otorgó en 1993.

  "Viridiana" está dirigida por Luis Buñuel (como en la mayoría de sus películas también co-guionísta). Un director nacido en Calanda (Teruel) y considerado como el padre del surrealísmo cinematigráfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado  en colaboración con Salvador Dalí. La películas incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado con una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y aústera "Diario de una camarera" ("Le journal d’ une femme  de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual y el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesía" ("Le charme discret de la burgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera exponer la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza, y en la finca de don Jaime tio de Viridiana, esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por indicación de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime, que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, frágil e idealísta. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficcionado a la música de órgano. Jorge, hijo biológico de  don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película, suma drama y análisis sociológico. Y en donde enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en su tio a causa del gran parecido con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de la novicia se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos de su tio. El idealísmo y la ingenuidad de Viridiana entran en conflicto con el espíritu materialísta y utilitarísta de su primo Jorge. La personalidad, las creencias y las actividades de la joven se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perpectivas...

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convicciones y, como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestaciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdote, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes como el cuchillo que se dobla en forma de cruz. Una hoguera de objetos en desuso evoca posiblenente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica a la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilia, abusos sexuales, intento de violación, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...). Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, símbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, la paloma blanca es una premonición de la pérdida de la inocencia, etc..

  La narración es rica en lances de humor negro y surrealísta. Contiene irreverencias, situaciones absurdas y referencias iconoclastas. Dedica especial atención a temas religiosos, como la virginidad, la inocencia, la oración, la caridad, la beneficencia, la vida consagrada, etc.. Le interesa explorar las profundidades del alma humana, explicar la complejidad y contradicciones de las personas, analizar su evolución y cambios, mostrar las limitaciones de la lucidez y la racionalidad..

  La banda sonora corrió a cargo de Gustavo Pittaluga, "El baile"-1959. Un compositor de orquesta nacido en Madrid, que como otros miembros de su generación musical se esforzó en modernizar la musica española y en superar la influencia del nacionalísmo, siguiendo los pasos de Manuel de Falla en sus obras más avanzadas, como "El concierto para clave", "El retablo de Maese Pedro" o "Noches en los jardines de España". De esta manera se convirtió en uno de los representantes más importantes del neoclasicísmo musical del siglo XX en España. Y aquí nos ofrece fragmentos del "Aleluya" de Hendel, de la "Misa de Réquiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonía de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Shake Your Care Away").

  La fotografía en blanco y negro se le fue asignada a José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido también en Madrid. Debutó como director fotográfico con la película "Castañuela"-1945 de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, su última intervención en casi 120 películas. Restando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en títulos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor" -1948, "El último cuplé"-1957. Así midmo con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregulaer carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel. Los exteriores de la película fueron rodados en escenarios naturales de una finca en las afueras de Toledo, y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

  Dos pesos pesados del cine español frente a frente: Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1979, como don Jaime un viejo hidalgo español que vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, y Francisco Rabal, "Los santos inocentes"-1984, como Jorge, el hijo natural de don Jaime que con su llegada cambiará definitivamente el destino de todos los personajes. Y junto a estos dos extraordinarios actores de nuestro cine la mexicana Silvia Pinal, "El ángel exterminador"-1962 en el papel de Viridiana, una joven novicia que a punto de tomar los hábitos debe abandonar el convento para visitar a su tio que no es otro que don Jaime.

  Pero en esra obra maestra del genio de Calanda también podemos a ver a unos secundarios de auténtico lujo tales como la gran Lola Gaos, "Furtivos"-1975, como Enedina; Margarita Lozano, "La mitad del cielo"-1986, como Ramona; José Calvo, "Tristana"-1970, como don Amalio; Maria Isbert, "Cara de acelga"-1987, como Beggar, y haciendo su debut con 9 añitos, Teresa Rabal, "Las gatas tienen frio"-1970, como Rita.

  En definitiva: Otra obra maestra del gran Buñuel, con un reparto sensacional y un guión lleno de surrealísmo, naturalísmo, irreverencia, tragedia y hasta humor negro, para una historia inolvidable e imprescindible.   Matrícula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de anécota: como bien podemos imaginar debido al año de su producción, la película fue prohibida en España, debido a su alto porcentaje de crítica política y social del momento. Pero esto no quedó aquí, el Vaticano también la denunció después de verla. Pese a todas estas acusaciones Buñuel declaró en varias ocasiones que: "Las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas prtetensiones".

  "Viridiana" se estrenó en España en mayo de 1977.

 

 

  

 



06/05/2017 18:26 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Verano del 42 (Summer of ' 42 - 1971)

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  Vendrán nuevos amores... pero en mi ser vivirá... mi gran amor de verano. Mi verano del 42...

  Bellísima, elegante y sensible película de género dramático-romántico con un guión de Herman Raucher, "Dulce noviembre" ("Sweet November"-1968). Un escritor nacido en Nueva York. Después de graduarse en la escuela secundaria asistió a la de Nueva York donde estudió publicidad y trabajó como dibujante. Tiempo después fue contratado por la 20th Century Fox como publicísta. Raucher es a menudo acreditado como un escritor fantasma de la película "The Great Santini" ("El gran Santini"-1979). Sin embargo este no trabajó en dicha película, la idea errónea surge de hecho de que en la década de 1980, Raucher fué contratado para escribir el episodio piloto de una adaptación fallida de la película.

  "Verano del 42" está dirigida por Robert Mulligan. Un director nacido en Nueva York, autor de dramas, de películas conmovedoras de época y adaptaciones literarias. Robert Mulligan estudió comunicación en la Universidad de Fordham y luego sirvió en la marina de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después trabajó en el departamento editorial del New York Times, antes de probar suerte en la televisiónn.

  Durante los años 50 se hizo un nombre en la ficción televisiva, dirigió a Basil Rathbone en su última interpretación de Sherlock Holmes en "Suspense" ("Suspense: The Dance-1953) para la televisión y realizó episodios de "The Philco Televisión Playhouse" y "Playhouse 90".

  Su primera película para el cine fue "El precio del éxito" ("Fear Strikes Out"-1957), en la que Anthony Perkins interpreta a un jugador de beisbol que supera una enfermedad mental y a un padre dominante, marcó la dirección de su carrera. También dirigió a Tony Curtis en "Perdidos en la gran ciudad" ("The Rat Race"-1960) y a Rock Hudson en "Cuando llegue septiembre" ("Come September"-1961).

  En 1962 Mulligan hizo un gran éxito con "Matar a un ruiseñor" ("To Kill a Mockingbird") una fiel adaptación del clásico de Harper Lee. En esta película ambientada en el Sur profundo, Gregory Peck interpreta a un abogado que defiende a un afroamericano contra una acusación infundida de violación y a sus propios hijos contra los prejuicios raciales. Mulligan fué nominado al Oscar al mejor director, mostró su habilidad para conseguir un trabajo excelente de los actores, Gregory Peck ganó un Oscar al mejor actor.

  Siguió especializándose en películas sensibles y de época como "Verano del 42" ("Summer of ’ 42"-1971), y adaptaciones literarias como "El próximo año a la misma hora" (Same Time, Next Year"-1978). Incluso cuando dirigía un western o una película de gánsteres, el tratamiento era lento y matizado dejaba que el suspense se creara en situaciones que se entendían gracias a los personajes en vez de a los recursos de género.

  La historia nos lleva a una isla frente a la costa de Estados Unidos allí tres amigos pasan las vacaciones de verano. La segunda Guerra Mundial se encuentra en plena escalada,  pero en ese lugar reina la tranquilidad. Mientras sus dos compañeros se interesan por las chicas de su edad y por jugar, Hermie se enamora de una mujer joven llamada Dorothy, casada con un piloto militar, Hermie le brina su amistad a Dorothy mientras su esposo muere en la guerra, por lo que culmina un romance entre los dos...

  Una obra maestra del género, si señor. Puesto que Mulligan ha sido uno de esos directores que ha dado al cine muchas obras maestras como por ejemplo este "Verano del 42". Es una película sencilla, pero ahí es donde reside su encanto: Un hombre que recuerda aquel maravilloso verano. Las aventuras en la playa con sus dos amigos, sus "ligues" adolescentes (no muy agraciados por cierto), las sesiones de cine, los libros de audultos... Pero todo esto se desvanece cuando la ve a ella, a esa misteriosa y bella mujer, cuyo marido parte hacia la guerra.

  Una película de verdad que trata muchos temas, pero los principales son el de esa pérdida de la inocencia, del primer amor, y el de la nostalgia que sigue la estética de la época. Cuenta con secuencias memorables por ejemplo la conversación que tiene lugar cuando Oscy y Hermie quieren copiar el libro de los padres de Benjil. Pero que decir de la última recta de la película que verdaderamente es de una belleza incontenible.

  Muy bonita la fotografía en color y magnificamente ambientada por Robert Surtees, "Ben-Hur"- 1959 (por citar otra de sus obras maestras). Un director de fotografía nacido en Kentucky. Se graduó en la Universidad de California y poco después fue contratado por la Universal como operador de cámara. Su primera película como director de fotografía fue "The Precious Fredmon" ("El precio del poder"-1942) una película de propaganda hecha para el ejército norteamericano. Tiempo después se pasó a MGM donde permaneció y produjo todo su trabajo con más de 100 películas y muchos premios en su larga trayectoria cinematográfica. También desempeñó un gran papel en la innovación tecnológica, siendo el primero en utilizar un teleobjetivo (500 mm) en "El graduado" ("The Graduate"-1967).

  Y en este primer amor de adolescente demostrando su profesionalidad con una excepcional fotografía creando un ambiente magnífico de aquella época de los años 40, y con unos primeros planos de gran belleza. Los exteriores se rodaron en su mayoría en la isla de Nantucket en el estado de Massachussets.

  Muy bonita la banda sonora (como debe de ser) a cargo de Michel Legrand, "Primavera en otoño" ("Brezy"-1973). Un compositor nacido en Paris. desde los 10 años hasta los 21 estudió en el Conservatorio de Música de Paris, después estudió siete años con Nadia Boulanger. Después trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis. Mucha de su música estaba destinada a películas francesas, aunque también lo hizo en la producción de películas estadounidenses. En la década de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Ray Charles y Diana Ross. Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco ocasiones.

  Y en esta evocación romántica ofreciéndonos una música única orquestada en mil variaciones; piano, violín, cuerda, etc., pero único es el tema de los títulos de crédito, el del abrazo en el cine, el del disco en la escena de la seducción, el de los encuentros de Gary Grimes y Jeniffer O’Neill, etc.. Un tema que define a la película por si mismo, romántico, de gran melodia, popularísimo en todo el mundo y muy imitado. Y  atención también al tema "The Summer Knows". Inmenso Legrand y su Oscar lo dice todo.

 

 Como al igual de inmensa está Jennifer O’Neill, "Caravanas" ("Caravans"-1978), (en la película de sun vida) metida en cuerpo y alma en el papel de Dorothy, una hermosa mujer cuyo marido se ha enrolado en el ejército... y enamorándose perdidamenre de ella en este verano del 42 Gary Grimes, "La soga de la horca" ("Cahill U.S. Marshal"-1973) como Hermie, un chico apuesto pero muy tímido que se enamora locamente de Dorothy y creo que ninguno olvidará aquel verano. Y con ellos los dos amigos de Hermie: Jerry Houser, "El castañazo" ("Slap Shot"-1977) , como Oscy; y Oliver Conant, "Curso del 44" ("Class of 44"-1973), como Benjie.

  En definitiva: Una película de enorme hermosura, nostálgica y llena de melancolía. Una película que es puro arte cinematográfico de la mejor calidad.  Matrícula de Honor.

  "Verano del 42" logró el Oscar a la mejor banda sonora original (Michael Legrand) y obtuvo tres nominaciones: guión original, fotografía y montaje.

  Notas de Pablo Cine: Esta película llegó a los espectadores al poco tiempo de acabar su rodaje y mantiene su naturalidad y sencillez con el paso de los años asi como la credibilidad de su historia. Los actores protagonístas, son actores de esta única película, nunca más volvieron a destacar en ninguna otra, pero en "Verano del 42" estuvieron verdaderamente sensacionales. Jennifer O´Neil es un icono que imparte por su belleza natural y su tristeza y Gary Grimmes se convierte en el creible adolescente enamorado que huye de la adolescencia en su inolvidable verano del 42.

01/05/2017 10:40 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vestida para matar (Dressed to Kill - 1980 )

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  "Es triste que un sueño sea más real que el mundo que lo rodea a una."

  Muy buena película de género terror-policiaco escrita y dirigida por Brian De Palma. Un director nacido en Nueva Jersey. Mucho se le ha criticado a De Palma por imitar a Alfred Hitchcock, pero el público actual le considera un maestro del suspense. se le atribuyen algunos de los momentos más memorables de la historia del cine grandiosos panoramas de tensión y violencia a cámara lenta.

  Aunque sus primeras películas no estaban muy logradas, "Saludos" ("Greetings"-1968) y "Hola, mamá" ("Hi, Mom!"-1970) fueron éxitos de cine independiente. Aquellas películas tenían premeditadamente un aspecto descuidado, reflejo tanto de los bajos presupuestos como de las influencias contraculturales de la época. Brian De Palma no comenzó a brillar hasta que demostró su admiración por Hitchcock con el uso de la pantalla partida en "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "El fantasma del paraiso" ("Phnatom of the Paradise"-1974.

  Consiguió un gran éxito de público con su adaptación de "Carrie"-1976, de Stephen King. Demostró que podía combinar el uso de la cámara lenta, la pantalla partida, los primeros planos, la música y los sonidos aislados para generar suspense en la escena del baile. Continuó perfeccionando esa técnica en películas posteriores, especialmente en el caso de "Vestida para matar" ("Dressed to Kill"-1980), "Impacto" ("Blow Out"-1981) y "Femme fatale"-2002), todas ellas piezas cargadas de suspense.

  El talento de Brian De Palma brilla especialmente por las películas de gánsteres y de acción. También le han ayudado contar en ocasiones con el talento de guionístas como Oliver Stone en "El precio del poder" ("Scarface"-1983), David Mamet en "Los intocables de Eliot Ness" ("The Untouchables"-1987) y David Koepp en "Atrapado en su pasado"("Carlito’s Way"-1993) y "Misión imposible" ("Mission: Impossible"-1996). ¿Quién puede olvidar al inmigrante cubano que interpreta Al Pacino convertido en mafioso esnifando una montaña de cocaina en "El precio del poder"?. O a Robert de Niro en el papel del gángster Al Capone en "Eliot Ness"?. O a Tom Cruise, el agente secreto de "Misión imposible"?, suspendido sobre el suelo, aparentemente sujeto solo por un hilo?. En estos momentos, el cine de Brian De Palma no es bueno, es excelente.

  Así pues, el "rey del suspense" ¡ojo!" no el "mago", nos mete en el cuerpo de una mujer insastifecha sexualmente que acude a su psiquiatra como terapia. Más tarde, flirteará en un museo con un extraño hombre, lo cual encadenará su pesadilla...

  Muy buena película, si señor. Y toda una muestra del quehacer cinematográfico del artesanal Brian De Palma. Una película increiblemente redonda, con una bellísima protagonísta feemenina haciendo escenas verdaderamente magistrales como la del museo (sin necesidad de diálogos, jugando al gato y al ratón), el prólogo en la ducha o el ya clásico asesinato en el ascensor. De Palma pues, deja patente su amor a Hitchcock y como no a sus "Psicosis" ("Pyscho"-1960), pero no solo homenajea, si no que con ello crea y reinventa de forma sorprendente. "Vestida para matar" es una película de terror, en convivencia con el drama, pero predomina el miedo y el suspense más integrante. No es una obra maestra como la de Hitchcock pero poco le falta porque es una película exquisita, plena en detalles, erotísmo, imágenes bellas; de una carga onírica y sexual desbordante; y sobre todo, elegante muy elegante.

  Estupenda la fotografía en color de Ralf  D. Bode, "Fiebre del sábado noche" ("Saturday Night Fever"-1977).Un director de fotografía nacido en Berlin (Alemania), aunque nacionalizado estadounidense. Se trasladó con su familia a Vermont cuando contaba 13 años de edad. Allí se graduó y de principio comenzó como actor, al poco tiempo se matriculó en la Escuela Dramática de Yale. También sirvió como fotógrafo en el ejército de Estados Unidos.

  Y en esta memorable historia cargada de suspense mostrándonos unos fotogramas extraordinarios algunos de ellos en pantalla partida (como le gusta a De Palma) y así de esta manera hace lograr unas fascinantes escenas plenas de acción, terror, suspense y erotísmo. La película se rodó en diferentes localidades de Manhattan. Los interiores del museo se rodaron en el "Philadelphia Museum of Art", ya que la productora no consiguió los permisos necesarios para rodar en el MET de Nueva York, aunque los exteriores si se rodaron allí.

  Maravillosa la banda sonora de Pino Donaggio, "El gato negro" ("Il gatto nero"-1981). Un cantante y compositor nacido en Burano (Italia). Comenzó a estudiar violín a la edad de 10 años y a los 14 hizo su debut en solitario en un concierto de Vivaldi para la radio italiana. Con el descubrimirnto del rock and roll durante el verano de 1959 terminó su carrera clásica cuando hizo su debut de canto con Paul Anka. Luego comenzó a escribir sus propias canciones. Participó en el Featival de San Remo en 1961. En 2012 fue galardonado con el Lifetime Achievement Award de la Word Sountrack Academy por su larga trayectoria musical.

  Y en esta inquietante historia mostrándonos unos temas de auténtica obra maestra. Temas muy diferentes para la secuencia inicial de "la ducha", con el tema principal de la película y con una voz femenina incluida dado el erotismo de la escena, en la música inolvidable de la secuencia de "el museo" que es todo un ejercicio de estilo, y en el tema de amor de "Liz y Peter". A destacar también la parodia de "Muerte en el ascensor" y la típica sospresa-susto final por cortesia del director evidenciando en la música en "El asilo-La pesadilla".

  Sensacional Angie Dickinson, "A quemarropa" ("Point Blank"-1967), metida en el maravilloso cuerpo (a sus 50 años) de Kate Miller una madre y ama de casa frustrada sexualmente que vive con su hijo y está en terapia con un psiquiatra, que no es otro que el también sensacional e incombustible Michael Caine, "Las normas de la casa de la sidra" ("The Cider House Rules"-1999) como el Dr. Robert Elliott, el hombre que en una de sus citas Kate quiere seducirle pero este le rechaza...

  Y con esta gran pareja de monstruos sagrados del cine universal nos encontramos con ellos a Nancy Allen, "Robocop"-1987, como Liz Blake; Keith Gordon, "Christine"-1983, como Peter Miller el hijo de Kate; Dennis Franz, "A la caza del lobo rojo" ("The Package"-1989), como el detective Marino; David Margulies, "El eslabón del Niágara" ("Last Embrace"-1979), como el Dr. Levy.

  Resumiendo: una película de obligado visionado tanto por los amantes del cine en general como por los desgustadores de lo macabro en particular, que sabrán disfrutar desde la primera hasta la última escena.  Sobresaliente.

  Como anécdota. El guión de "Vestida para matar" salió a subasta y despertó el interés de varias productoras, siendo finalmente vendido a Filmways Pictures por 200.000 dólares. El proyecto avanzó rápidamente, enseguida George Litto se sumó a la producción en calidad de productor y en poco tiempo se le dió luz verde a la película.

22/04/2017 17:44 Pablo #. sin tema Hay 1 comentario.

¡Viven! (Alive! - 1993 )

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  "Me siento orgulloso de ser un hombre en un dia como hoy. ¡Vivo!. Que he vivido para verlo. Y verlo en un sitio tan increible. Absorberlo. Te quiero amigo. Mira... Es magnífico. Es Dios. Y nos llevará por encima de todo, te lo juro..."

  "Sabes que moriremos."

  "Puede ser. Pero si morimos, moriremos andando."

  Muy buena película de género de aventuras y supervivencia, basada en hechos reales. Cuenta con un guión de John Patrick Shanley, "Hechizo de luna" ("Moonstruck"-1987). Un dramaturgo y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Universidad de Nueva York. Es autor de más de treinta obras de teatro, que han sido traducidas en todo el mundo, incluyendo muchas producciones en Estados Unidos. También se graduó en la Escuela Steinhardt de Cultura, Educación y Desarrollo Humano en la Universidad de Nueva York con el titulo en Teatro Educativo y es miembro del Ensamble Theatre.

  "¡Viven!" está dirigida por Frank Marshall. Un director y productor nacido en California. En 1991, junto con su esposa Kathleen Kennedy y Steven Spielberg, fundó la productora Amblin Entertainment y, en 1991, de nuevo junto a su esposa, fundó la The Kennedy/Marshall Company, un contrato de colaboración con Universal Pictures.

  Marshall como productor y junto con Spielberg ha trabajado en algunos de los mayores éxitos de taquilla estadounidenses desde 1973. Comenzó como responsable de exteriores  y productor asociado en películas como "The Last Picture Show"-1971, "¿Qué me pasa, doctor" ("What’s UP Doc?"-1972) y "Luna de papel" ("Paper Moon"-1973). Sus siguientes y más conocidos trabajos fueron "E.T., el Extraterrestre"-1982, las sagas de "Indiana Jones", "Gremlins" y "Regreso al futuro", además de "Poltergeist"-1982, "El color púrpura" ("The Color Purple"-1985), "El imperio del sol" ("Empire of the Sun"-1987), o "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" ("Who Framel Roger Rabbit"-1988) (todas estas como digo en colaboración como productor con Steven Spielberg).

  En cuanto a la dirección debutó en el cine con la película "Aracnofobia" ("Arachhnophobia"-1990). Ha estado (como director) nominado al Oscar en cinco ocasiones.

  Así pues, Marshall nos cuenta una historia basada en hechos reales. La terrible experiencia de un grupo de jugadores de rugby del equipo nacional de Uruguay, cuyo avión se estrelló en medio de la cordillera de los Andes en octubre de 1972. Completamente aislados, los dias pasaban sin que nadie fuera a rescatarles, por lo que se vieron obligados a recurrir al canibalísmo, comiéndose la carne de los compañeros fallecidos, mientras los más fuertes preparaban un viaje desesperado a través de las montañas en busca de alguién que pudiera rescatarles...

  Magnífica película, si señor. Una historia de fé y supervivencia del espíritu humano. Una película en donde nos muestra que hasta en medio de las peores desgracias nunca nos hallamos solos. De que puede que los caminos y destinos que estos conllevan al seguirles ya se encuentran trazados en la vida, más sin embargo no podemos alcanzarlos si nosotros no hacemos algo al respecto. De tomar dedcisiones tan difíciles que pongan a prueba nuestra integridad moral y nos hagan dudar de nuestra propia bondad, de si es ético sobrevivir a costa de nuestros semejantes. De la enorme importancias de la voluntad, pero sobre todo de la fé para lograr vencer obstáculos que parecen imposibles. Pues si, de esto se trata esta gran película, otra de esas que han marcado un lugar especial en el cine y por supuesto en el espectador.

  Cuenta con escenas espeluznantes como la del accidente del avión, las de las avalanchas, la antropofagia y que decir de las incursiones por la montaña, todas ellas rodadas con un gran realísmo.

  La fotografía en color corrió a cargo de Peter James, "Paseando a Miss Daisy" ("Driving Miss Daisy"-1989). Un director de fotografía nacido en Sidney (Australia). Comenzó sus estudios en Charterhouse School, tras los cuales se especializó en la Academia Cinematográfica. Posteriormente pasó varios años en Estados Unidos, y su trayectoria comenzaría en Canadá (lugar precisamente donde se rodó la película).

  Y aquí como digo mostrándonos unas imágenes espeluznantes y donde nos atrapa en cada una de las escenas todas ellas llenas de un gran realísmo que por supuesto es otro punto a favor de esta gran película. Los exteriores fueron rodados como he dicho en Canadá en tres lugares diferentes: en una montaña a 2.500 metros de altura (para lo cual se estableció un campamento), en otro sitio al pie de la montaña. Y en un set de Vencouver, donde se ambientaron las escenas de algunos interiores.

  Preciosa y precisa la banda sonora de James Newton Howard, "Soy Leyenda" ("I Am Legend"-2007). Un exitoso compositor nacido en Los Angeles. A través de su prolífica carrera como compositor, músico y escritor de canciones Howard también ha compuesto partituras de todas las escalas y géneros, ganando múltiples nominaciones por sus trabajos. Inició sus estudios de música desde temprana edad al cursar sus estudios en la Music Academy of the West de Santa Mónica (California). Posteriormente dejó la universidad para colaborar con Elton John como teclísta durante los años 70 e inicio de los 80 antes de convertirse en compositor de películas a mediados de los 80. Su orquestación tiende a ser luminosa, más alejada de otros estilos como por ejenplo el de John Barry. Es frecuente la presencia que tienen en sus obras los clarinetes, las flautas y todas las maderas en general.

  Y en esta odisea real mostrándonos 11 maravillosos temas a los que yo destacaría por ejemplo: "First Night". Una angustiosa melodía en la que se desarrolla por medio de cuerdas e instrumentos de viento (oboes y flautas). ""Finding the Tail". Es el tema central, que va in crescendo hasta llegar a un nuevo y sinfónico tema con el que se describe el hallazgo de la cola del avión. "The Final Climb". Es también una hermosa melodia que combina por medio de cuerdas, un tanto elogiaca. Y atención a "End Credits". Un antológico tema de exuberancia orquestal. Construido en forma de suite y utilizado una vez entrados ya en los títulos de crédito.

  Muy bien todos los actores (aunque la mayoría algo desconocidos por aquel entonces). Y aquí metidos en su mayoría en personajes reales. Comenzando por Ethan Hawke, "La mujer del quinto" ("The Woman in the Fifth"-2011) como Nando Parrado, y seguido por Josh Hamilton,  Un intruso en Harvard" ("With Honors"-1994) como Roberto Canessa; Vincent Spano, "El espíritu de Brooklyn" ("A Brooklyn State of Mind"-1996) como Antonio Balbi; Bruce Ramsay, "La isla de los muertos" ("Island  of the Dead"-2000) como Carlitos Páez; John Newton, "Un héroe en casa" ("The Christmas Card-2006) como Antonio Vizintin; David Kriegel, "Magos y hechiceros" ("Quest of the Delta Knights"-1993) como Hugo Diaz; Illena Douglas, "Las californianas" ("The Californians"-2005) como Lilliana Methol. Y un fenomenal prólogo-epílogo con John Malkovich, "La sombra del vampiro" ("Shadow of the Vampire"-2000).

  En definitiva: Una estupenda película basada en una gran historia de amistad y supervivencia. Una película sobria y creible.  Sobresaliente.

          "El mundo entero a sus amigos uruguayos"

  Estas son las cifras de los hechos: Sobrevivieron 16 personas. Murieron 29. Estuvieron 72 dias aislados en los Andes (desde el 13 de octubre hasta el 22 de diciembre de 1972). Sopotaron temperaturas de hasta 40 grados bajo cero: Los nombres de los dos supervivientes que consiguieron cruzar las montañas fueron Nando Parrado y Roberto Canessa.

  Un año después del suceso, en 1974, se editó el libro "Alive: The Story of the Andes Servivors", del escritor británico Piers Paul Read, base de la película.

  En 1976 el mexicano René Cardona Jr. dirigió una película sobre el mismo tema titulada "Supervivientes de los Andes". Pero lo mejor es olvidar este bodrio mal dirigido y peor interpretado.

13/04/2017 10:49 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

V de Vendetta (V For Vendetta - 2006 )

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  "El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo."

  Excelente película de género de acción salpicada con el de ciencia-ficción, e inspirada libremente en el cómic del mismo  título, de Alan Moore (guionísta) y David Lloyd (dibujante), y cuya publicación se inició en la revista británica "Narrior" en 1982.

  Del guión se hicieron cargo las hermanas Wachowski (Andy y Larry Wachowski), "Lazos ardientes" ("Bound"-1996). Dos directoras, guionísta y productoras nacidas en Chicago. comenzaron en una carpinteria mientras creaban historietas en sus ratos libres. Poco tiempo después del estreno de "Matrix Reloaded"-2003), (ambas guionístas) se rumoreó que Larry había empezado a hacer pequeñas apariciones públicas vestido de mujer utilizando el nombre de Lana. El 8 de marzo de 2016, Andy reveló, durante una entrevista al periódico LGBT de Chicago Windy City Times, que igualmente se declaraba una mujer transgénero.

  "V de Vendetta" está dirigida por el aqui debutante como director James McTeigue. Un director nacido en Australia. Realizó sus primeros estudios en la escuela de los Hermanos Marístas en Sydney (su ciudad natal), luego asistió a la secundaria Cromer High School completando estudios terciarios de Cine, en la Universidad Charles Sturt. Comenzó a trabajar como asistente de dirección en películas australianas menores, a finales de los años 80.

  En 1994 fué segundo asistente del director Michael Blakemore en la película protagonizada por Sam Neill. "Country Life", ocupando la misma posición en la películas de acción, "Steet Fighter"-1994. Su carrera continuó como asistente de dirección en importantes películas estadounidenses y australianas como "Matrix"-1999, "Star Wars: Episodio II -El ataque de los clones"-2002, "Matrix reloaded"-2003, "Matrix revoloutions"-2003 o "Speed Racer"-2008.

  En 2006 debutó como director con la película "V de Vendetta". Y un año más tarde fue director de algunas escenas (aunque sin figurar en los títulos de crédito) del thriller "Invasión" ("The invasion") cuyo elenco encabezaron Nicole Kidman y Daniel Craig. Su siguiente trabajo como director fue en otra producción de los hermanos o hermanas (como mejor guste) Wachowski, el thriller de acción "Ninja Assassin"-2009 que contó con un presupuesto de 40 millones de dólares. Recientemente McTeigue ha completado la filmación de "El enigma del cuervo" ("The Raven"-2012) protagonizada por Luke Evans y John Cusak. Su último proyecto ha sido la película "Message from the King" y también otra sobre el famoso gángster Al Capone.

  La acción de aproximadamente un año de duración nos lleva hasta Londres, en el 2020, tras la 3ª Guerra Mundial cuando Inglaterra está gobernada por el régimen dictatorial del canciller Adam Sutler. Un terrorísta de ideología anarquìsta, desquilibrado y dotado de extraños poderes, al que llaman V y que se cubre el rostro con una máscara de Guy Fawkes, lucha por la libertad y pone en peligro el poder tiránico que domina el pais. Vive sediento de venganza contra quienes le han desfigurado el rostro y le han torturado. Evey Hammond una joven huérfana hija de padres asesinados por la Dictadura y ajena a la política, encarna al ciudadano común, portador de miedos y temores, renuente a implicarse en la lucha contra el poder y opuesto a basar la vida en el odio...

  La película pues es un relato de aventuras superheróicas pensando para el público jóven. Inspirada en una negra y pesimísta visión del ser humano, dibuja un mundo orweliano, situado en el Reino Unido en un futuro próximo. Formula ideas y propuestas que mueven a la reflexión. Analiza el enfrentamiento tradicional entre seguridad y libertad, el enfrentamiento evalua la compatibilidad de libertad y opresión, explora cuales son los principales valores de la convivencia e invita a pensar hacia donde va el mundo en el que vivimos. La lucha entre la libertad y opresión en el mundo actual y en el futuro previsible, es la lucha contra el miedo y el rechazo de la diferencia que se manifiesta de múltiples formas (totalitarísmo, exclusión social, marginación, homofobia, etc.). Establece que los totalitarísmos engendran cada vez mayores inseguridades, miedos y temores.

  El rechazo de la diferencia se basa en percepciones erróneas de la realidad, que suelen depender de prejuicios, fanatalísmos, intolerancias y fundamentalísmos. La diferencia es propia de la naturaleza donde hay naturaleza hay diversidad. La naturaleza se manifiesta a través de la diferencia, que la enriquece. La venganza de V tiende a realizarse a través de dos vias: La utilización contra el  opresor de los mismos métodos (violencia, terror, manipulación y mentira) que se utiliza y el impulso de los afanes de libertad que han de levantar contra el tirano la resistencia multidinaria, cívica y pacífica de la ciudadanía. Se propone derrocar y eliminar al tirano.

  Sus métodos son diversos y contradictoris, como lo es su personalidad, que suma elementos de "El conde de Montecristo", "El fantasma de la Opera", "Supermán", "Robín de los bosques" y otros héroes reales, de leyenda y de ficción. Como todas las cosas del mundo, V no es el héroe ideal perfecto.

  La banda sonora corrió a cargo de Dario Marianelli, "Orgullo y prejuicio" ("Pride and Prejudice"-2005). Un compositor nacido en Pisa (Italia). Estudió piano y composición en Florencia y Londres. Después de un año como compositor postgraduado en la Guidhall School of Music and Drama, donde también fue presidente de la Sociedad de Música Contemporánea. Durante los últimos años ha escrito música para varias películas, dramas de televisión, documentales, teatro, danza contemporánea y conciertos. Y en este lider de ficción adaptando temas sugestivos como "Evey" y "Valerie". Añade melodias populares ("La chica de Ipanema") y clásicas (Tchaikousky y Beethoven).

  La fotografía en color, se le fué encargada a Adrian Biddle, "La princesa prometida" ("The Princess Bride"-1987). Un director de fotografía nacido en Londres. En su juventud fue un nadador con talento, y fué a través de esto lo que le hizo entrar en el mundo del cine. Comenzó sus trabajos para la compañia de publicidad del director Riddley Scott donde trabajó en un gran número de anuncios para el director y cuando éste se mudó al cine Biddle le siguió. Y en esta sobresaliente adaptación del comic reproduciéndo una estética pop, de colores oscuros y tonos sombríos dando así más realce a esta historia de ficción. Los exteriores fueron rodados en Londres y Berlín, y los interiores en los estudios Babelsberg (Postdam).

  Excelente el elenco de actores elegidos aqui por el realizador australiano, encabezado por Natalie Portman, "Cisne negro" ("Black Swan"-2010) en el papel de Evey una jóven huérfana que después de un toque de queda es rescatada por un misterioso enmascarado, seguida de Hugo Weaving, "El atlas de las nubes" ("Cloud Atlas"-2012) en el papel de V, un extraño personaje que tapa su rostro con una máscara; John Hurt, "Los crímenes de Oxford"-2008, en el papel de Adam Sutler, un dictador que tiene dominado al pais; Stephen Rea, "Desafio a la muerte" ("Until Death"-2007) como el detective Finch; Stephen Fry, "Gente con clase" ("Relative Valves"-2000), como Deitrich.

  Resumiendo: Una de las mejores adaptaciones que se han hecho de un comic, interesante, compleja, la historia engancha y se vuelve cada vez más interesante durante el transcurso de la película.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: La mítica escena en la que V desencadena un dominó de fichas rojas que dejan al descubierto una V gigante con 22.000 piezas en el que trabajaron cuatro profesionales durante la friolera de 200 horas.


09/04/2017 10:30 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.


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