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Siete novias para siete hermanos (Seven Brides for Seven Brothers - 1954 )

    "¿Es que en este pueblo no hay muchachas casaderas?"

  Memorable y maravillosa película de género musical y de nacionalidad estadounidense que se adaptó a una narración de Stephen  Vincent Benet inspirada en "El rapto de las Sabinas".

  Del guión se hicieron cargo el matrimonio compuesto por Albert Hackett y su esposa Frances Goodrich. Albert fue un dramaturgo y guionísta nacido en Nueva York. Inició su carrera artística como actor infantil teatral. Estudió en la Profesional Children’s School. A finales de los años 20 se trasladó junto a su esposa a Hollywood y ambos se encargaron de escribir el guión de un éxito teatral titulado "Up  Pops the  Devil". el matrimonio fue nominado al Oscar al mejor guión por "La cena de los acusados" ("The Thin Man"´-1934), "El padre de la novia" ("Father of the Bride"-1950), "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954) y "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959). Además, consiguieron el Premio Pulitzer de Teatro y el Premio del Circulo de Críticos Dramáticos de Nueva York por su obra teatral "El diario de Ana Frank".

  El otro guionísta fue Dorothy Kingsley. Una escritora nacida en Nueva York. Sus comienzos fueron para la radio y mientras trabajaba en un programa fué cuando pensó que podía escribir mejor material viéndolo que oyéndolo. A ella pues, se le deben titulos de grandes musicales como por ejemplo: "Bésame Kate" ("Kiss Me Kate"-1953) y "La amada de Júpiter" ("Jupiter’s Darling"-1954). En 1969 logró un papel decisivo en la serie televisiva "El precio de la fama" ("Backen’s World"), basada en las actividades detrás de la cámara en los ficticios Century Studios de Hollywood. 

  "Siete novias para siete hermanos" está dirigida por Stanley Donen. Un director nacido en Columbia (Carolina del Sur) y mundialmente conocido como "el rey de los musicales".

  Stanley Donen se asocia con algunos de los musicales más innovadores de Hollywood de finales de los años 40 y 50. Bailarin en 1941 inició una duradera asociación con Gene Kelly, primero en los espectáculos teatrales de este y luego en películas. Se le confió a Donen la puesta en escena de los números musicales de "Llévame a ver el partido" ("Take Me Out to the Ball"-1949), donde Kelly actuaba junto a Frank Sinatra y Esther Williams.

  La primera película de Stanley Donen como director fue "Un dia en Nueva York" ("On the  Town"-1949), de nuevo con Sinatra y Kelly, que compartió la dirección. Juntos crearon un nuevo estilo de baile en la pantalla, menos pulido y sofisticado que el de Fred Astaire, Stanley Donen dirigió de nuevo con Kelly, "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’ in the Rain"-1952), considerada una de las obras maestras del musical, ofrece algunos bailes extraordinarios de Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds, por no hablar de la impresionante actusción de Cyd Charisse.

  "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides  for Seven Brothers"-1954) fue un magnífico musical, con coreografía de Michael Kidd, Donen volvió a trabajar con Gene Kelly y Michael Kidd en "Siempre hace buen tiempo" ("It’s Always Fair  Weather"-1955), "Una cara con ángel" ("Funny Face"-1957), más convencional, permitió a Donen trabajar de nuevo con Fred Astaire. En "Juego de pijamas" ("The Pajame Game"-1957), compartió la dirección con George Abbott, y dirigió la obra teatral original.

  Tras un par de comedias románticas con Cary Grant, "Bésalas por mi" ("Kiss Them for Me"-1957) e "Indiscreta" ("Indiscret"-1958), Donen volvió a compartir dirección con George Abbot en "Malditos Yanquis" ("Damn Yankees!"-1958), un musical ambientado en el mundo del beisbol. Después de abandonar el musical por la comedia y las películas románticas, trabajó dos veces mas con Cary Grant en "Página en blanco" ("The Grass is Greener"1960) y "Charada" ("Charade"-1963). En "Dos en la carretera" ("Two for the Road"-1967) trató de combinar una road movie con el romanticísmo. Las últimas películas  de Donen son manidas, carentes de la magia y frescura de sus primeros trabajos.

  La historia nos mete en la vida de los hermanos Pontipee siete rudos leñadores y todos solteros, que viven en una cabaña en las montañas. Sus vidas cambian  radicalmente, cuando Adam, el hermano mayor, encuentra novia en el pueblo, se casan y se la lleva a vivir a la cabaña. Los demás hermanos deciden entonces hacer lo mismo y van a la ciudad en busca de novia. Tan empeñados están en casarse que no dudan en secuestrar a seis chicas y se las llevan a vivir con ellos...

20/05/2018 09:54 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Seis dias y siete noches (Six Days Seven Nights - 1998 )

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  Robin: ¿No es usted de esos tios?

  Quinn: ¿Qué tios?

  Robin: Esos tios tios. Los mandas a la selva con un trapo usado y una navaja y te levantan un centro comercial...

  Entretenida película de género de comedia (y una pizca de acción) y de nacionalidad estadounidense. Cuenta con un guión de Michael Bromning, "9dias" ("Bad Company"-2002). Un guionísta nacido en Londres, y con escaso trabajo para la pantalla grande, pero bastante para la televisión, teniendo en su haber series tan famosas como "Los vengadores" ("The Avengers"-1961) protagonizada por Patrick MacNee y Diana Rigg.

  "Seis dias y siete noches" está dirigida por Ivan Reitman. Un cineasta nacido en Kománo (actual República Checa). Hijo de supervivientes de la Segunda Guerra Mundial, su familia emigró a Canadá en 1950. Estudió en el Oakwood Collegiate Institute de Toronto. Su primer trabajo como productor lo realizó para la televisión en el CITY-Tv de Toronto, el que dejó después de un año, para realizar estudios en la Universidad McMaster de la misma ciudad canadiense. Posteriormente produjo dos películas del director David Cronenberg: "Vinieron de dentro de..." ("Shivers"-1975) y "Rabia" ("Rabid"-1977).

  Su gran oportunidad le llegó con la película "Desmadre a la americana" ("Animal House"-1978), de la que fue productor, y "Los incorregibles albóndigas" ("Meatbails"-1979), la cual dirigió. De ahí en adelante produjo y dirigió una serie de exitosas comedias en las décadas de 1980 y 1990, como "El pelotón chiflado" ("Stripes"-1981), "Los cazafantasmas" ("Ghost Busters"-1984), "Los gemelos golpean dos veces" ("Twins"-1988) y "Dave, presidente por un dia" ("Dave"-1993), para ir desplazándose hacia la producción de películas, participando como productor ejecutivo y productor de películas como "Beethoven, uno más en la familia" ("Beethoven"-1992), "Partes privadas" ("Private Parts"-1997) y otras.

  Es el propietario de la productora cinematográfica The Montecito Picture Company, la cual fundó en el año 2000. Recibió en el 2009 la Orden de Canadá, en el grado de Oficial, por sus contribuciones como director y productor, y por su promoción de la industria del cine y la televisión de Canadá. En el 2011 estrenó la película "Sin compromiso" (""No Strigs Attached"), dirigida por él. Su última película como productor hasta la fecha es "Summer of Love"-2017).

  La acción pues,  nos mete en la vida de Robin Monroe, una famosa editora de revistas femeninas de Nueva York, y para pasar sus vacaciones elige como destino una maravillosa isla del Pacifico, a la que acudirá en compañía de su novio. Para poner la guinda a unas vacaciones perfectas, el novio de Robin se declara y le pide matrimonio, proposición que aceptará sin dudarlo. Pero todo se complica cuando Robin recibe una llamada urgente de su trabajo y tiene que volver a Nueva York. Para llegar a tiempo, Robin debe recurrir al piloto Quinn Harris, la única persona en toda la isla que puede llegar a Tahiti, desde donde sale el avión. Quinn es un hombre huraño que se ha retirado a vivir en la isla en busca de la paz interior. Durante el viaje, su aeroplano se estrella y vivirán una experiencia límite en mitad de la isla en una aventura en la que lucharán por su supervivencia a la espera de que aparezca un avión de rescate...

  Una entretenida película de comedia romántica y con algún toque de acción. Por su`puesto no está hecha como una obra inolvidable de cine ni tampoco hará historia, pero para mi,  es una de esas películas que aunque de principio ya sabes como va a ser su final, te hacen de pasar un buen rato, aunque al poco tiempo eso si, ya te has olvidado de ella.

  La fotografía en un lujoso color se la debemos a Michael Chapman. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Cuando era jóven, el cine apenas le interesaba, estaba más metido en los deportes que en la fotografía. Después de la escuela secundaria, asistió a la Universidad de Columbia, donde se especializó en inglés. Después de su graduación, trabajó temporalmente como guardafrenos para el ferrocarril Erie Lackwanne en el medio oeste y luego sirvió durante un largo periodo en el ejército de Estados Unidos. Fue su suegro el que le animó para meterse en la industria del cine comenzando su carrera cinematográfica como operador de cámara antes de dar el salto cinematográfico como director de fotografía.

  Se hizo famoso por sus dos colaboraciones con Martin Scorsese, "Taxi Driver"-1976 y "Toro salvaje" ("Raging Bull"-1980). El estilo de Chapman tiende a presentar altos contrastes y un uso agresivo de colores fuertes. También es experto en configurar movimientos complejos de cámara de forma rápida e improvisar en el set. Ha sido nominado en dos ocasiones al Oscar y en el 2016 recibió el Lifetime Archivemant Award en el 24º Festival Internacional de Cine del Arte de la Cinematográfic Camerimage.

  Y aquí, mostrándonos en un magnífico color unos paisajes preciosos que de verdad dan envidia sana con esas playas de fina arena y aguas turquesas. La película se rodó en Nueva York y en la isla de Kavai de Haway.

  Muy bien puesta la musica a cargo de Randy Edelman. Un compositor nacido en Nueva Jersey en el seno de una familia judia. Asistió al Conservatorio de Musica de Cincinnati. Produjo varios álbunes solistas de canciones (algunos de los cuales fueron grabados por The Carpenters). Una de sus primeras partituras fue para la película "Acción ejecutiva" ("Executive Action"-1973). Durante la década de 1980 y princpio de la del 90, también colaboró con  Ivan Reitman en muchas de sus películas. Su musica de "The Adventures of Brisco County Jr." se presentó durante la cobertura de los Juegos Olímpicos de la NBC. Además se usó durante la ceremonia de la Serie Mundial de 1997.

  Y aquí, presentándonos unos bonitos temas con acorde a la historia y en donde hay que destacar la genial versión de "The Calypssonicus".

  Excelente la pareja protagonísta, él: Harrison Ford, "Lo que la verdad esconde" ("What Lies Beneath"-2000) como Quinn Harris, el dueño de un avión, un tipo bebedor y pendenciero; ella: Anne Heche, "El tercer milagro" ("The Therd Miracle"-1999) como Robin Monroe, una ambiciosa editora  que en plenas vacaciones debe de regresar a su trabajo pero el único avión disponible es precisamente el de Quinn, que por cierto este le desagrada profundamente.

  Y con la carismática pareja, David Schwimmer, "Verano de corrupción" ("Apt Pupil"-1998) como Frank Martin, el prometido de Robin. Pero en esta paradisiaca isla tambieén correteaban por allí Cliff Curtis, "Mil palabras" ("A Thousand Words"-2012) y Danny Trejo, "El juego de la justicia" ("Throwdown"-2014), el primero como Kip y el segundo como Pierce los dos haciendo de piratas armados hasta los dientes.

  En definitiva Una entretenida película de comedia simpática y convencional que consigue entrtener frente a otras de guión más rebuscado pero que solo gustan a un tipo específico de espectadores.  Notable.

  Como curiosidad: A Harrison Ford le dejaron elegir a la actriz que protagonizaría con él la película, y pese a que se barajaban nombres tan importantes  como el de Julia Roberts, Ford prefirió a la joven Anne Heche.

10/05/2018 11:09 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Cinco tumbas al Cairo (Five Graves to Cairo - 1943 )

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  ¿Donde está el camarero?

  Lo mataron, señor

  ¿Quien?

  Ustedes, señor, cuando sus aviones bombardearon anoche

  Tienen ustedes unos aviones preciosos...

   Disfrutable película de género de intriga y espionaje con algún ribete de humor y de nacionalidad estadounidense basada en la comedia "Hotel Imperial" de Lajos Biró. Un novelísta, dramaturgo y guionísta nacido en lo que es ahora Oradia (Rumania). Escribió guiones y novelas para muchas peliculas "Las cuatro plumas" ("The Four Feathers"-1939), (por ejemplo), desde principios de la decáda de 1920 hasta finales de 1940. Se trasladó al Reino Unido donde trabajó como jefe de escenarios para London Films Productions dirigido por Alexander Korda. En 1929 fue nominado para el Oscar al mejor guión original por "La última orden" ("The Last Command"-1928). Fué la única nominación que tuvo en su larga trayectoria cinematográfica.

  "Cinco tumbas al Cairo" está dirigida por Billy Wilder. Un cirector nacido en Polonia. Uno de los mejores directores y guionístas que haya dado Hollywood, resumió en cierta ocasión su carrera en un ejemplo tremendo de modestia. "Me limité a hacer las películas que me hubieran gustado ver".Wilder se encuentra tras algunas de las imágenes y las frases más memorables de la historia del cime, como Marilyn Monroe sobre la rejilla de la ventana del Metro con su famoso vestido blanco y vaporoso levantado, Jack Lemmon y Tony Curtis disfrazados de músicos travestidos en "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959), o el convincente Fred McMurray como vendedor de seguros convertido en asesino en "Perdición" ("Double Indemnity"-1944). Incluso fue el responsable de que Greta Garbo riera en la primera comedia que hizo como actriz en "Ninotchka"-1939.

  Wilder creó uno de los cánones más brillantes y eclécticos del trabajo cinematográfico estadounidense. Sus películas se caracterizan por sus elaborados argumentos, sus brillantes personajes y sus inteligentes diálogos. Aunque pueda parecer extraño en un director tan asociado a la comedia, trabajó siempre desafiando los límites de la censura estadounidense, debido a su elección provocativa de los temas como el adulterio "Perdición" ("Double Indemnity"-1944), el alcoholísmo "Dias sin huella" ("The Last Weekend"-1945) y el joven mantenido "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950).

  Nacido en 1906 en una zona de Austria-Hungría que más tarde se anexionaría Polonia, Wilder recibió de su madre el apodo de "Billy" a causa de la cultura estadounidense. Tras acabar en Berlín como corresponsal en un periódico, el joven Wilder descubrió el interés por el cine. Se convirtió en guionísta, pero cuando Hitler se hizo con el poder se trasladó a Paris, donde debutó como director con "Curvas peligrosas" ("Mauvaise graine"-1934). Más adelante llegó a Hollywood sin saber hablar inglés, pero pronto aprendió el idioma y la manera de hacer cine de allí, convirtiéndose  en un notable guionísta de películas.

  Quizá debido a que el inglés no era su lengua madre, a Wilder siempre le gustó trabajar con un socio. Con Charles Brackett escribió una serie de comedias, entre ella "Ninotchka"-1939 y "Bola de fuego" ("Ball of Fire"-1941). Pronto fue ascendido a director en "El mayor y la menor" ("The Major and the Miner"-1942) con un guión escrito conjuntamente con Brackett. La colaboración con el escritor de novela negra Raymond Chandler para adaptar la obra clásica de James M. Cain permitió a Wilder realizar su primera obra clásica, la película "Perdición" ("Double Idemnity"-1944). Este hito cinematográfico estableció varias convenciones en el cine negro, como el uso de una iluminación ambiental de , y una narración en voz en off. Durante el resto de los años cincuenta, Wilder rodó películas muy aclamadas, como "Dias sin huella "("The Lost Weeken"-1945) y "El crepúsculo de los dioses" ("Sunsent Boulevard"-1950) su última colaboración con Brackett.

  Después, la comedia de Wilder se volvió más cínica, sus interludios dramáticos más intensos, y su confianza artística creció con su capacidad de escribir, producir y dirigir titulos de creación propia. De su producción en este nuevo capítulo de su vida destacan la tragedia "El gran carnaval" ("Ace  in the Hole"-1951), "Sabrina"-1954, "La tentación vive arriba" ("The Seven Year Itch"-1955) y su primera colaboración con el guionista con el otro socio importante I. A. L. Diamond "Ariane" ("Love in the Afternoon"-1957).

  Con la excepción de "El héroe solitario" ("The Sprit of St. Louis"-1957), Diamond y Wilder colaboraron en los restantes proyectos de su carrera. Asi crearon las comedias sublimes "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) y "El apartamento" ("The Apartment"-1960). Con esta última Wilder entró a formar parte de un reducido grupo de directores que habían ganado el Oscar al mejor director, mejor película y mejor guión por la misma película. Cuando una nueva generación pasó a dominar Hollywood en los años setenta, los veteranos como Wilder fueron ignorados a menudo, lo que no le impidió rodar "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?" ("Avanti"-1972) y "Primera plana" ("The Front Page"-1974).

  Asi pues, el maestro Wilder en su tercera realización nos lleva hasta el desierto de Libia durante la Segunda Guerra Mundial, en junio de 1942, y en donde el ejército británico se retira del Norte de Africa ante el victorioso avance del mariscal Rommel, dejando a un solo hombre detrás de sus lineas en el desierto entre Libia y Egipto. John Bramle, es el único superviviente y se refugia en un remoto hotel perdido en pleno desierto...

  Una buena película, si señor, aunque tiempos más tarde Wilder haría sus grandes obras maestras. La película pues, construye un absorbente relato de intriga, espionaje y acciones bélicas (sin combates). Y en donde el rspionaje alemán y británico añaden elementos de tensión, duda e incertidumbre. Aunque también existen momentos de humor negro.

  La música estuvo a cargo de Miklós Rozsa. Un compositor nacido en Budapest (Hungria). Después de estudiar en su pais obteniendo desde muy pequeño gran éxito con sus cociertos y composiciones, continuó sus estudios en el Conservatorio de Leipzig. Allí,  el compositor Marcel Dupré le aconsejó mudarse a Paris, cosa que este hizo en 1932.

  En 1934, su amigo y compositor Arthur Nonegger, lo introdujo en la música cinmatográfica. Posteriormente se trasladó a Londres para perfecionar su arte y de alli, su amigo y compatriota Alexander Korda, lo llevó a Hollywood para participar en la música de la película "El ladrón de Bagdad" ("The Thief of Bagdad"-1940). Permaneció en California el resto de su vida, aportando su música a más de 100 películas. Fué candidato al Oscar en 16 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por "Recuerda" ("Spelibound"-1945), "Doble vida" ("A Double Life"-1947) y "Ben-Hur"-1959).

  Y aquí ofreciéndonos composiciones de aire marcial, solemne, épico y romántico, integrados en la acción.

  La fotografían en blanco y negro corrió a cargo de John F. Seitz. Un director de fotografía nacido en Chicago. Su carrera en Hollywood comemzó en 1908, como ayudante de laboratorio en la Essavay Films Company en Chicago. Pasó después a trabajar como técnico de laboratorio para la Amercan Films también de Chicago. En 1916, durante la época del cine mudo, se estableció por su cuenta, logrando un gran éxito en la película de Rodolfo Valentino "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse"-1921). Favorito de Billy Wilder trabajó con él en numerosas películas entre ellas: "Dias sin huella" ("The Lost Weekend"-1945) de la que fué candidato al Oscar.

  A lo largo de su carrera, fue nominado en 7 ocasiones. Y en 1929 fue presidente de la American Society of Cinematographers (A.S.C.). En 2002 dicho organísmo dió su nombre al premio Heritage.

  Y aqui, creando ambientes sordidos y siniestros, de luces tenuas contrastados con negros itensos. Hace uso de una acertada iluminación y de inquistivos movimientos de cámara. La película se rodó en el desierto de Arizona y en los estudios Paramount Pictures.

  Muy bien todos los actores y todos en sus respectivos puestos de combate. Comenzando por Franchont Tone, "Aquí viene el novio" ("Here Comes the Groom"-1951) aqui en el doble papel de el capitán John J. Brombel y el de un camarero llamado Paul Davos. Brombel es el único superviviente de la caida de Tobrouk por las tropas nazis, es una victima más de la guerra y siente aversión por la figura del mariscal Rommel. Y seguido por un gran Erich von Stroheim, "Tormenta sobre Lisboa" ("Storm Over Lisbon"-1944) como el mariscal Erwin Rommel, un personaje aterrador y abominable, diabólicamente inteligente. Y con ellos dos una jovencísima (19 años) Anne Baxter, "Yo confieso" ("I Confess"-1953), como Mouche una camarera francesa, una joven frágil y cautelosa.

  Pero no hay que olvidar del siempre interesate (y aqui poniendo la nota de humor) Akim Tamiroff, "Topkapi"-1964, como Farid, el encargado egipcio del hotel, un tipo voluble, servil y acomodaticio; y Peter Van Eyck, "El agente del diablo" ("The Devil’s Agent"-1962) como el teniente alemán Schwegler, un oficial servicial al servicio del mariscal. Y para terminar con este gran reparto internacional también recordamos a Fortunio Bonanova, El desfile de la muerte" ("Thunder in the Sun’s"-1959) como el general italiano Sebastiano .

  En definitiva: Una película que pese a sus estereotipos y demás, resulta muy entretenida con más de un momento de "suspense". Y para mi, muy agradable de ver. Notable.

  "Cinco tumbas al Cairo" obtuvo 3 nominaciones en 1943: fotografía, dirección artística y montaje.

  Como curiosidad: La película contó con un presupuesto de 1 millón de dólares y su estreno en Estados Unidos fue el 4 de mayo de 1943.

01/05/2018 11:29 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Ragtime (1981)

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           En recuerdo de : Milos Forman

  Un hombre negro dijo: "¡Respétame o mátame!"

  Magnífica película de género dramático (con tintes racista y policiaco) y de nacionalidad estadounidense. Inspirada en una novela de E. L. Doctorow. Un escritor nacido en Nueva York. Después de graduarse en 1952 trabajó en la Universidad de Columbia, antes de ser enrolado en el ejército y enviado a Alemania.

  Comenzó su carrera como lector en Columbia Pictures y posteriormente fue el editor principal de Dial Express, de 1964 a 1969.

  Aunque había escrito varios libros con anterioridad a 1971, fue con la publicación "El libro de Daniel" cuando comenzó a ser reconocido y aclamado. Cuatro años después salió su siguiente libro "Ragtime", que representó un éxito comercial y fue aclamado por la critica especializada, Milos Forman lo llevó alcine en 1981.

  Desde 2006, Doctorow ocupó la cátedra Glusckman de Letras Estadounidenses en la Universidad de Nueva York.

  "Ragtime" como bien he dicho está dirigida por Milos Forman. Un director nacido en Cáslav (República Checa). Un cineasta que ha dirigido numerosas películas sobre personajes rebeldes, excéntricos e iconoclastas. "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"-1975), que le valió su primer Oscar al mejor director, y "El escándalo de Larry Flynt" ("The People vs. Larry Flynt"-1996), enfrentan a los marginados con la autoridad institucional y plantean al espectador sus opiniones sociales y morales.

  Después de impulsar el nuevo cine checo con películas como "Los amores de una rubia" ("The Loves of a Blonde"-1965), se trasladó a Estados Unidos en los años setenta, irrumpió con fuerza en Hollywood con la mencionada "Alguién voló sobre el nido del cuco", que barrió en los Oscar. El argumento convierte a Randie Patrick McMurphy, un delincuente de poca monta, en un héroe antisistema.

  Le sucedió una decepcionante adaptación con "Hair"-1979, éxito teatral de los años sesenta, Forman ya había intentado hacer una versión cinematográfica de esta obra al llegar a Estados Unidos, pero no consiguió sus derechos hasta mucho después de que el musical hippy perdiera gran parte de su impacto. "Ragtime"-1981 es un retrato ecléctico de la sociedad estadounidense de principios del siglo XX centrada en la potente historia de Calhouse Walker hijo, que busca justicia en el mundo de los blancos. Aunque Forman logró convencer a James Cagney para que realizara una interpretación fascinante, la película no cosechó el éxito esperado de taquilla pero si el de la crítica especializada.

  Forman consiguió otro gran éxito con "Amadeus"-1984, que le valió su segundo Oscar al mejor director. Este biopic supuso la vuelta de Forman a su casa, ya que el rodaje se realizó en su Praga natal. Su facilidad por las caracterizaciones provocativas ofreció al público una mirada aguda e insólita sobre Mozart (Tom Hulce), asi como sobre los personajes corrientes que le rodeaban destacando la interpretación que F. Murray Abraham hizo de Antonio Salieri, galardonada con un Oscar.

  Milos Forman también colaboró en el programa de cine de la Universidad de Columbia desde los años setenta. Siguió escribiendo guiones, aunque ninguna de sus últimas obras han alcanzado la gloria de las anteriores.

  La acción tiene lugar en Nueva York en torno a 1904, año de las elecciones presidenciales que ganó Theodore Rosevett. Y nos cuenta la historia de un pianísta afroamericano llamado Coalhouse Walker Jr., un hombre joven y decente. Un dia, una pandilla de bomberos blancos, sin razón, defecan sobre su coche nuevo y se lo destrozan. Sin embargo, todos sus intentos legales de conseguir una compensación fallan.... Su historia enmarca el mosaico trágicómico de los destinos de otros personajes protagonístas de esta película. (Entre ellos el romance de un playboy celoso con una vedette, la vida sosegada de una familia acomodada y la de un inmigrate ruso).

  Por este motivo, un nombre de su propia dignidad y de la de su raza, se toma la justicia por su mano y pide la condena de los culpables, arma en mano. Estados Unidos vive por ese tiempo una época llena de esperanzas e historias trágicas, a partir de los cuales, a ritmo de "ragtime", la nación se fundió en un mosaico de inmigrantes, grupos de aventureros, artistas y soñadores. Una nación que debía conseguir, en poco tiempo, una posición soberana en el mundo...

  La banda sonora se la debemos al aqui debutante Randy Newman. Un compositor nacido en Los Angeles, en el seno de una familia judia. Siendo un bebé, sus padres se trasladaron a Nueva Orleans. Alli vivió hasta los 11 años. Entre sus bandas sonoras hay que destacar a parte de la de "Ragtime" la de "El mejor" ("The Natural"-1984). En 1972 publicó su disco "Sail away" que alcanzó el puesto nº163 en la lista Billboard. En este disco aparecen canciones como "Sail way" (que da nombre al disco y que entró a formar parte del repertorio de Ray Charles). El trabajo de Newman como compositor de cine comenzó en 1971 cuando compuso la música para la película de Norman Lear "Un mes de abstinencia" ("Cold Turkey"). Cuenta n su haber la friolera de 15 nominaciones al Oscar, pero no lo ha ganado en ninguna ocasión.

  Y aquí, incluyendo 18 temas, de melodias melancólicas y nostálgicas, con predominio de estilo ragtime. Son excelentes la canción "One More Hour", que cierra la proyección, y la música instrumental y solos de piano que se intercalan en el metraje.

  De la fotografía se encargó Miroslav Ondricek. Un director de fotografía nacido en Praga. Estudió cine en el Barrandov Studio Training School y comenzó a hacer películas durante la Nueva Ola Checa. Su primer trabajo de largometraje fue "Iluminación intima" ("Intimini Osvetleni"-1965). Más tarde conoció a Milos Forman donde continuó una larga colaboración laboral en películas como "Hair"-1979, "Ragtime"-1981 y "Amadeus"-1984.

  Y aquí, aprovechando la excelencia de los escenarios y el vestuario para construir una narración visual exhuberante, de gran belleza.

  Excelentes todos los intérpretes y todos a un gran nivel, comenzando por el mítico, (y aqui en su última aparición para el cine) James Cagney, "Veneno implacable"("Come Fill the Cup"-1951) en el papel de el comisario Waldo. Y con el gran Cagney, Howard E. Rollins Jr., "Drunks"-1955, como Coalhouse Walker Jr.; Moses Gunn, "El sargento de hierro" ("Heartbreak Ridge"-1986), como Brooker Washington; Elizabeth McGovern, "El rey de la colina" ("King  of the Hill"-1993), como Evelyn Nesbit; Brad  Dourif, "Situación límite" ("Catch 44"-2011), comoYounger Brother; Debbie Allen, "Cheque en blanco" ("Blank Check"-1994), como Sarch. Y atención a otras dos viejas glorias del Hollywood dorado: Pat O’Brian, "La ciudad indomable" ("Town Tamer"-1965), como Delphin y Donald O’Connor, efectivamente el Cosmo de la maravillosa "Cantando bajo la lluvia" ("Singin’in the Rain"-1952) y aquí como el instructor de Dance Evelyn’s.

  En definitiva: Una espléndida película con una gran creación de la atmósfera y unas interpretaciones sublimes de todos los actores. Una auténtica joya rozando la obra maestra, imprescindible para todo amante del cine.   Sobresaliente.

  "Ragtime" obtuvo 8 nominaciones al Oscar.incluidos actor secundario (Howard E. Rollins Jr.) y actriz secundaria (Elizabeth McGovern)

  Este fue el año de Carros de fuego ("Chariots of Fire), que logró 4 Oscar de 7 nominaciones.

  A modo de curiosidad: Ragtime, abreviado en ocasiones como "rag" es un género musical estadounidense que se popularizó a finales del siglo XIX derivado de la marcha, caracterizado por una melodia sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos impares (primer y tercero). Entre sus raices aparecen elementos de marcha en el estilo de John Philip Sousa y de ritmos provenientes de la musica africana.

 

20/04/2018 09:57 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                   Milos Forman

  El cineasta que hizo del humor las mayores tragedias

  El paado dia 13 y tras una corta enfermedad falleció en su casa de Hartford (California) y rodeado de su familia a los 86 años de edad el director de origen checo Milos Foorman.

  Milos Forman era hijo de padres protestantes. A temprana edad, quedó huérfano, después de que su madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por el nazísmo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Forman vivió con unos parientes y luego descubrió que su padre  era un arquitecto judio.

  Después de la guerra acudió a la escuela pública Krále Jriho en la ciudad de Podebrady, donde sus comoañeros de estudios fueron Viclav Havel y los hermanos Masin. Posteriormente, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga, donde uno de sus maestros fue Otakar Vávra.

  Dirigió varias comedias checas en Checoslovaquia. Sin embargo en 1968 cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el pais para poner fin a lo que se llamó la Primavera de Praga se encontraba en Paris negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del pais ilegalmente. Se trasladó entonces a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector (junto a Frantisek Daniel) de la división de cine de Columbia. Uno de sus protegidos fue el futuro director James Mengold.

  A pesar de las dificultades iniciales, empezó a dirigir en su nuevo pais y alcanzó notable éxito en 1975 con la adaptación de Ken Kesey "Alguién voló sobre el nido del cuco" ("One Flew Over the Cuckoo’s Nest"), que ganó cinco Oscar, incluyendo el de mejor director. En 1977, se convirtió en ciudadano estadounidense. Otro notable éxito fue la película "Amadeus"-1984, que ganó ocho Oscar incluyendo película y director. Su última película fue "Los fantasmas de Goya" ("Goya’s Ghosts"-2006) interpretada por Javier Bardem y Natalie Portman entre otros muchos más.

  En 1997 recibió el Globo de Oro por su contribución en el mundo del cine en el Festival de Karlovy Vary.

  Milos Forman estuvo casado en tres ocasiones: su primera esposa fué Jana Brechivá (1958-1962), la segunda, Vera Kresadlova-Formanová (1964-1999) y la tercera, Martina Zborilová-Forman (1999 - ). Y con ellas tuvo cuatro hijos Matej (1964), Petr (1964), Andrew (1999) y James (1999).

  Jan Tomás Forman (Milos Forman) - Cáslav (actual República Checa) - 18 - febrero - 1932 - Hartford (Estados Unidos) - 13 - abril - 2018.

                                  ¡DESCANSE EN PAZ!

15/04/2018 19:32 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

El diablo a las cuatro (The Devil at 4 O'Clock-1961)

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  "El diablo solo tienta, a aquel con quien ya cuenta."

  Excelente película de género de aventuras-catástrofes y de nacionalidad estadounidense y adaptada de una novela homónima (1960) de Max Colt.  Un novelísta nacido en Manchester (Inglaterra). Escribió novelas de aventuras y dramas durante más de cuarenta años y también escribió bajo el seudónimo de Simon Kent. Diez de sus obras fueron adaptadas para el cine , como por ejemplo la novela "The Killing Frost" que más tarde se convirtió en la película "Trapecio" ("Trapeze"-1956) de Carol Reed. El guión corrió a cargo por el propio Kent, aunque ayudado por el estadounidense Liam O’Brien, "Correo diplomático" ("Diplomatic Courier"-1952).

  "El diablo a las cuatro" está dirigida por Mervyn LeRoy. Un director nacido en San Francisco. La infancia de LeRoy fue bastante dificil. Dejó el colegio a los doce años, empezó a actuar en el vodevil y en 1939 decidió probar suerte enn Hollywood. Animado por su primo encontró empleo en el departamento de vestuario de Famous Players-Lasky.

  Después de aparecer ante la cámara en papeles cortos de películas ligeras, Le Roy dedicó su talento a escribir gags y trabajó en una serie de comedias y melodramas populares. En 1930 debutó como director en Warner Brothers con el melodrama "Hampa dorada" ("Little Caesar") que lanzó al estrellato al actor Edward G. Robinson e inició el ciclo de películas de gangsteres de principio de los años 30. En 1931, LeRoy era ya uno de los principales directores de la Warner, especializado en el brutalísmo de la Gran Depresión, con películas como "Sed de escándalo" ("Five Star Final"-1931) y la que tal vez sea su mejor obra como director "Soy un fugitivo" ("I Am a Fugitive From a Chain Gang"-1932), que incluía una dura denuncia a las condiciones existentes en las prisiones del sur de Estados Unidos. Dirigió las partes dramáticas de "Vampiresas 1933" ("Gold Diggers of 1933"-1933) y demostró su gusto por la farsa en la estrepitosa comedia "Ana, la del remolcador" ("Tugboat Annie"-1933).

  LeRoy dejó la Warner en 1938 para pasarse a MGM, donde actuó más como productor pero volvió con el drama criminal "Senda prohibida" ("Johnny Eager"-1942). La biografía "Madame Curie"-1943 y la patriótica "Treinta segundos sobre Tokio" ("Thirty Seconds over Tokyo"-1944). En los años 50 se pasó a las grandes producciones con "Quo Vadis"-1951. Nunca perdió de vista lo que el público quería encontrar en las películas. Si sus últimos titulos parecen algo flojos, lo compensó con sus primeros dramas sociales, que siguen siendo fascinantes ejemplos del primer cine sonoro de Hollywood.

  Asi pues, el director californiano nos lleva hasta Talúa, una isla volcánica en el Pacífico de soberanía francesa y habitada por 200 personas regidas por un gobernador. Y nos narra la historia del padre Doonan, un sacerdote católico, que lleva trabajando 16 años. Tiempo atrás montó una leprosería para niños con esa enfermedad, situada en un enclave montañoso alejado de la ciudad. La población de la isla rechazó la construcción del centro y, como protesta,  dejó de asistir a la misa de los domingos. En un hidroavión llegan a la isla tres presos, camino de Tahití, a unos 700 kilómetros de la isla ellos son un norteamericano, un francés y un isleño. Junto a ellos llega el padre Perreau, sustituto de Doonan, jubilado por la edad...

  El padre Doonan, siempre fue un luchador generoso, al que la comunidad dió la espalda hace unos diez años, cuando construyó en la isla una leprosería para niños enfermos. Desolado, perdió la fe y cayó en el alcoholísmo. Pese a todo mantuvo su lucha por el mantenimiento del centro. Ante la inminencia de una posible catástrofe natural, requiere la ayuda de los isleños, que le dejan de nuevo en la estacada. Con unos argumentos desesperados consigue la colaboración de los tres presidiarios, con los que intenta el rescate de los niños y su traslado a pie al puerto. Se crea entonces un clima de tensión creciente, alimentado por la fatiga de los niños, las dificultades que se interponen en el camino, la pérdida del francés y el plazo inexorable del tiempo que concluye con la marea alta de las 4 de la tarde...ese diablo a esa hora...

  Una buena película, si señor, llena de tensión y de suspense, de heroísmo y de soledad, de enfermedad y delincuencia.

  La banda sonora fue llevada por George Duning. Un compositor nacido en Indiana. Se educó en Cincinnati, en el Conservatorio de Música. A los 20 años, tocó la trompeta y el piano para la banda de Kay Kyser. Fue durante ese tiempo cuando le salió un contrato con la Columbia Pictures en 1946 donde llegó a componer música a películas tan famosas como: "Picnic"-1955 y "El mundo de Suzie Wong" ("The World of Suzie Wong"-1960). Durante su carrera trabajó en mas de 300 películas entre cine y televisión. En 1993 recibió el Premio como mejor compositor del año en Indiana.

  Y aquí deleitándonos con una partitura original con fragmentos de violin, percusión, saxo y coros imponentes de voces.

  La fotografía muy luminosa y colorísta se le fue encargada a Joseph F. Biroc. Un director de fotografía nacido en Nueva York. A los 15 años y con la ayuda de su tio comenzó su carrera en el cine como técnico de laboratorio y en 1943 comenzó su carrera como camarógrafo en el Army Signal Corps, y en 1952 comenzó su asociación con el director Robert Aldrich haciendo películas como por ejemplo: "Canción de cuna para un cadáver" ("Hus...Hus, Sweet Charlote"-1964) y "El vuelo del Fénix" ("The Flight of the Phoenix"-1965). En su historial cinematográfico tiene el haber sido el director de fotografía de filmar la primera película en 3D de la historia "Bwana Devil"-1952 protagonizada por Robert Stack.

  Y aquí aprovechando la belleza de un paisaje natural, hecho de tranquilas aguas transparentes y de acantilados vertiginosos. Los efectos visuales, abundantes, muestran la eficacia efectistas de los recursos más artesanales que los técnicos tenían disponibles en los primeros años 60. La película se rodó en Lahaina y Mavi (Haiti) y en Fallbrook (California).

  Excelentes y meritorias las interpretaciones de los dos protagonístas: Spencer Tracy, "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955) y Frank Sinatra, "Como un torrente" ("Some Came Running"-1958). Tracy como el padre Doonan y Sinatra como Harry el presidiario norteamericano.

  Y seguidos de unos estupendos secundarios tales como: Kervin Mathews, "Los viajes de Gulliver" ("The 3 Wordls Of Gulliver"-1960) como el joven sacerdote Perreau; Grégoire Aslan, "Bajo cualquier bandera" ("You Can’t Win ’ Em All"-1970) como Marcel el presidiario francés; Bernie Hamilton, "El inspector Tibbs contra la organización" ("The Organization"-1971) como Charlie el presidiario isleño; Jean-Pierre Aumont, "Lili"-1953 como Jacques, y entre tanto hombre una bella mujer Barbara Luna, "El barco de los locos" ("Ship of Fools"-1965) como Camille .

  Resumiendo: Una intensa película, bien narrada y mejor filmada, y una de las precursoras del más tarde, tan llevado cine de catástrofes. Sobresaliente.

  Como curiosidad. Algunos criticos especializados dijeron que esta película guarda similitudes con "Solo ante el peligro" ("High Noon"-1952) y en menor medida con "El albergue de la sexta felicidad" ("The Inn of the Sixth Happiness"-1958). La soledad, el heroísmo y el avance inexorable del reloj, conducen en este caso a un final múltiple.

 


 

 

10/04/2018 18:29 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Tres lanceros bengalies (The Lives of a Bengal Lancer - 1935)

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  "El deber en la guerra, no es solamente matar... también es el de salvar vidas..."         

  Extraordinaria película de género de aventuras y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Francis Yeats-Brown. Un escritor y oficial del ejército nacido casualmente en Génova (Italia). Estudió en Harrow y Sandhurst. Cuando tenía 20 años se fue a la India donde estuvo adscrito en el Cuerpo Real de Fusileros del Rey. Su tiempo allí generó en él una simpatía por el punto de vista musulmán, y en años posteriores apoyaría la creación de un Pakistán independiente. Durante la década de 1920 se involucró en la política de derechas. Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial recorrió los campos de la India y los campos de batalla de Birmania reuniendo material para un libro titulado "Marcial India".

  El guión fue escrito por tres guionístas: Waldemar Young, "El signo de la cruz" ("The Sing of the Cross"-1932). Un guionísta nacido en Utah. Después de graduarse en la escuela secundaria, ingresó en la Universidad de Stanford. Allí jugó en el equipo de fútbol y se especializó en inglés pero también estudió economía e historia. Una vez acabado los estudios comenzó a trabajar con el San Francisco Examiner. En la década de 1920 trabajó a menudo en películas con Lon Chaney y Tod Browning. Y en 1930 escribió varios guiones para Cecil B. DeMille.

  El segundo fue John L. Balderston. Un guionísta nacido en Filadefia y mundialmente conocido por sus guiones de terror y fantasía. Escribió las obras de "Berkley Square" y "Drácula". Comenzó su carrera como periodísta en 1912 cuando aún era estudiante en la Universidad de Columbia. Su obra de "Drácula" formó la base de la versión cinematográfica de 1931 protagonizada por Bela Lugosi. En Hollywood se especializó en temas británicos y fue uno del equipo de escritores que colaboró en la adaptación cinematográfica de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939).

 El tercero fue Achmed Abdullah. Un escritor nacido en Yalta (Crimea). Emigró a Estados Unidos en 1910. Aunque antes de graduarse en su ciudad natal se unió al ejército británico donde ascendió al rango de coronel. En Hollywood pronto se convirtió en guionísta en donde apareció en varias revistas como por ejemplo: Al-Story Magazine y Blue Book. Llegó a tener un doctorado del Colegio El-Azar de El Cairo en Estudios Coránicos.

  "Tres lanceros bengalies" está dirigida por Harry Hathaway. Un director nacido en Sacramento (California). Era descendiente de aristócratas belgas y su verdadero nombre era Marqus Henri Leonard de Fiennes. Hijo de los actores Jean y Rhody Hathaway, estaba acostumbrado desde pequeño a la vida de Hollywood y trabajó como actor infantil en westerns de Allan Dwan. La Primera Guerra Mundial le apartó de la pantalla y le llevó a los campos de batalla, pero al regresar se convirtió en ayudante de leyendas del cine como Frank Lloyd, Paul Bern, Josef von Sternberg y Fred Niblo con el que trabajó en "Ben-Hur"-1925.

  Debutó como director con el western "El legado de la estepa" ("Heritage of the Desert"-1932), una adaptación de una novela de Zane Grey protagonizada por la futura estrella Randolph Scott. Poco después logró el aplauso de la critica con "Tres lanceros bengalies" ("The Lives of Bengal Lancer"1935), que cuenta la historia del 41º Regimiento de lanceros bengalies, destinados en la frontera nordoeste de la India británica. La película fue nominada a siete premios de la Academia entre ellos el de mejor director.

  Tras darse a conocer Hathaway se pasó al cine negro con películas como "La casa de la calle 92" ("The House on 92nd street"-1945) que trata de las actividades de contraespionaje del FBI contra los nazis. Su thriller "Niágara"-1953 protagonizado por Marilyn Monroe, consagró su arquetípica imágen de rubia explosiva. Volvió a los westerns para dirigir a John Wayne en varias películas entre ellas "Valor de ley" ("True Grit"-1969) por la que este consiguió el Oscar al mejor actor. También dirigió a Steve McQueen en el western "Nevada Smith"-1966.

  La acción nos lleva hasta la frontera del noroestec de la India en tiempos de la dominación británica y nos mete en el cuerpo de tres jóvenes tenientes del 41º Regimiento de Caballería del Ejército Británico, son de caractéres, aficciones y extracciones diferentes, entre los que se establece una relación de profunda amistad y sincera camaredería...

  Una buena película. Si señor. Y en donde se combina con acierto y en las justas `proporciones tensión y humor. Haciendo recursos destinados a movilizar la emotividad del público y a crear situaciones e imágenes de vistosa espectacularidad. La acción se concentra hacia el final del metraje, estando bien filmada y adecuadamente montada. El relato también aporta un intenso dramatísmo y gran fuerza expresiva. El ritmo es elevado y en la última parte de la historia adquiere rapidez y contundencia. La narración, elaborada con el vigor propio de Hathaway, es atractiva, gratificante y brillante.

  Exalta los valores asociados sobre todo a la milicia, como la disciplina, el honor, la abnegación y el heroísmo. Dedica con elogio bien concebido y convincente a la amistad y al compañerísmo, que muestra no exentos de fricciones ocasionales de rivalidad. Es interesante la tensión que establece entre el afecto paternifilial y las obligaciones propias de la milicia. De acuerdo de viejas convenciones, la película está impergnada de un cierto maniqueísmo, pregona la superioridad de la etnia caucásica y define la lucha de los patriotas nativos como la expresión de las fuerzas del mal. La película inaugura en su momento el género de aventuras, que tiene un gran desarrollo posterior.

  La banda sonora está compuesta por Milan Roder, "Almas en el mar" ("Sout at Sea"-1937). Un director de fotografía nacido en Croacia. Emigró a Estados Unidos en 1914 y se convirtió en ciudadano esradounidense un año más tarde. Y aqui la música es muy breve y de escaso contenido. Aporta cortes de instrumentos hindues, como el de la flauta que encanta a las serpientes. Añade el himno de caballería en versión coral.

  La fotografía en un brillante blanco y negro corrió a cargo de Charles Lang. Un director de fotografía nacido en Utah. Al principio de su carrera, trabajó com la cámara Akeley, una cámara de 17m/m que estaba montada en un giroscopio diseñado por Carl Akeley, para tomas de acción al aire libre. Los primeros créditos de Lang fueron como co-director de fotografía de las películas mudas "La patrulla de noche" ("The Night Patrol"-1926) y "Los amores de Ricardo" ("The Loves of Ricardo"-1927).

  Después de completar "Tom Sawyer" para Paramount Pictures en 1930, continuó trabajando en el estudio durante más de veinte años. El estilo de iluminación que introdujo en "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932) se identificó con todas las películas de Paramount durante los años 30 y 40, aunque ocasionalmente trabajó para otros estudios en películas como por ejemplo: "El fantasma y la señora Muir" ("The Ghost and Mrs. Muir"-1947).

  En 1951 comenzó la segunda fase de su carrera, esra vez como director de fotografía independiente. Sus créditos incluyen "Los sobornados" ("The Big Heat"-1953) con Gleen Ford y Gloria Grahame, "Sabrina"-1954 con Humphrey Bogart y Audrey Hepburn, "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas y "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959) con Marilyn Monroe y Tony Curtis, entre otros muchos más.

  Y aquí, evitando los primeros planos y los planos de detalle. Se limita a planos generales, siempre de excelente diseño, y a tomas de tres o cuatro metros de distancia. No faltan escenas con toques de humor visual (carreras de cucarachas), referencias cultas (Kipling), paisajes de gran belleza y cautivador exotísmo, imágenes novedosas de vacas sagradas (bajo un puente metálico) y cobras y una impactante secuencia de caza del jabalí. Resulta chocante la referencia reiterada al número de habitantes de la India en 1935, cinco o seis veces menor que el actual en el mismo territorio (India, Pakistán y Bangla-Desh. La película se rodó en Iverson Ranch (Los Angeles), Paramount Ranch (Algoura) y en escenarios naturales de Alabama Hills, Buffalo Flats y Chatswarth (California).

  Sensacionales los "tres lanceros bengalies", encabezados por Gary Cooper, "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree"-1959) como Alan McGregor, escocés, el mayor de los tres, es impulsivo, generoso, valiente, buena persona y experto. Seguido de Franchot Tone, "El hombre de la torre Eiffel" ("The Man on the Eiffel Tower"-1949) como John Forsythe, es burlón, fumador de pipa, aficcionado a las apuestas y hábil. El tercero es Richard Cromwell, "Poppy"-1936, como Donald Stone, es el más jóven de los tres, acaba de graduarse en la Academia y es inexperto, ingenuo y algo insconciente. Y con ellos Guy Standing, "Lloyds de Londres" ("Lloyd’s of London"-1936) como el coronel Stone, es el padre del teniente Donald, un hombre severo, frio, ineflexible, duro y riguroso.

  En definitiva: Una película memorable rozando la obra maestra. Una película que ha resistido muy bien el paso del tiempo y no defraudará al cinéfilo que gusta del cine clásico.  Sobresaliente.

  "Tres lanceros bengalies" logró el Oscar al mejor ayudante de dirección (Clem Beaucham y Paul Wing). Y obtuvo un total de siete nominaciones, incluida película y director.

  A modo de curiosidad: Henry Hathaway aprovechó los decorados de la película "Las cruzadas" ("The Crusades"-1935) de Cecil B. DeMille para rodar la mayoría de los interiores.

 

 

 

 


 

 


01/04/2018 10:08 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Dos cabalgan juntos (Two Rode Together - 1961)

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  "Los indios me respetaron más que ustedes".

  Muy buena película de género de western y de nacionalidad estadounidense, sacada de una novela de Will Cook, "Las pistolas del norte de Texas" ("The Tramplers"-1965). Un escritor fallecido prematuramente pero con muchas novelas en su haber, la mayoría de ellas llevadas al cine, al igual que para varias series de televisión como por ejemplo "Zane Grey"-1958. También escribió bajo el seudónimo de James Keene junto con la escritora romántica Ida Cook.

  Del guión se hizo cargo Frank S. Nugent. un escritor nacido en Nueva York. Se graduó en Pegis High School en 1925 y estudió periodísmo en la Universidad de Columbia donde se graduó en 1929 donde trabajó en el periódico estudiantil Columbia Spectator. Comenzó su carrera periodística como reportero de The New York Times en 1929 y en 1934 pasó a revisar películas para su periódico. En 1947 estaba trabajando en un articulo sobre la película "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) y mientras se estaba rodando la película conoció a John Ford que lo contrató para trabajar en su próxima película "Fort Apache"-1948 a raiz de ahí se convirtió en el máximo colaborador de Ford llegando a escribir para él, cerca de una docena de películas. Estuvo nominado por la película "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952).

  "Dos cabalgan juntos"  está dirigida por John Ford. un director nacido en Maine. Ford fue un consumado profesional generalmente indiferente a la aclamación de la critica que empezó a recibir al final de su carrera. Los criticos han celebrado a Ford por su intenso carácter patriótico, plasmado en los bellos paisajes de sus películas (sobre todo el Monument Valley de Arizona), si no también en los propios humanos, presentados de manera estática e icónica. También se ha elogiado mucho su capacidad para comunicar mediante imágenes en lugar de basarse en el guión escrito, que trataba de reducir al mínimo.

  Trabajando dentro de un sistema que a veces no le permitia elegir sus proyectos, Ford solía ser capaz de sacar algo interesante de guiones malos y repartos mal seleccionados, incluso las películas relativamente flojas como "Maria Estuardo" ("Mary of Scontland"-1936) que no ponen  de manifiesto la personalidad del director, están realizadas de una gran competencia profesional.

  En sus mejores momentos, Ford hizo algunas de las obras mas memorables de Hollywood. "El joven Lincoln" ("Young Mr. Lincoln"-1939), demuestra su impresionante sentido de la belleza visual y su capacidad para transformar un guión algo pedestre, en una memorable hagiografía. "La diligencia" ("Stagecoach"-1939), resucitó el western que había quedado relegado a la serie B. La película que presenta una memorable galeria de estereotipos, transformó el personaje de John Wayne en un mito nacional, explotado por Ford en otros westerns como "Rio Grande"-1950, antes de deconstruirlo en "Centauros del desierto" ("The Searchers"-1956) y "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962), donde exponía la superficialidad y la posible patología del solitario que rechaza la vida civilizada.

  Ford ya exploró los vacios ideológicos y exclusiones del western antes que los revisionístas del género posteriores a la época del auge de los grandes estudios, "El sargento negro" (""Seargent Rutledge"-1960) aborda el racísmo, mientras que "El gran combate" ("Cheyenne Autumm"-1964) adopta el punto de vista de los indios americanos empujados a la desaparición por el peligro de la extinción. Pero los trabajos de Ford en el género tienden a carecer de la sutileza moral de los mejores westerns maduros de los años cincuenta.

  En general sus westerns basan su fuerza y vigor en la explotación de estereotipos Liberty Valance deconstruyen el mito de héroe/villano respaldando los dos aspectos y siguiendo su trágica lógica hasta su conclusión. Pero al no mostrar el dolor físico que causa la violencia y que otros tienen que soportar, Ford no pone en cuestión su legitimidad.

  Sus películas bélicas cuyo convincente realísmo debe algo a la experiencia de Ford como cineasta de guerra, se caracterizan también en el patriotísmo incondicional de unos hombres inasequibles al desaliento. "No eran imprescindibles" ("They Were Expendeble"-1945) sigue la suerte de las tripulaciones de las torpederas que deben frenar el avance japonés en Filipinas sin esperanza de recibir refuerzos de rescate. Es un himno inolvidable al valor con contenidas actuaciones que evocan indirectamente profundas emociones. "Misión de audaces" ("The Horse Soldiers"-1959) ambientada en la guerra de Secesión, enfrenta a un aguerrido coronel de caballería, totalmente real, con el médico del regimiento, que lamenta el sangriento coste de la guerra, pero el debate filosófico no llega nucho más allá de un duro choque de sensibilidades, para resolverse, al auténtico estilo fordiano, con una pelea a puñetazos.

  Ford también tuvo éxito como adaptador de obras literarias de prestigio, para las que creó la atmósfera adecuada a base de una imaginación cuidadosamente diseñada. En su versión de "Las uvas de la ira" ("The Grapes of Wrath"-1940) de John Steinback, se evoca la pobreza de la Gran Depresión con una hábil mezcla de rodajes en exteriores y una cuidadosa sonorización. Esta técnica no dió tan buen resultado con "El fugitivo" ("The Fugitive"-1947) basada en "El poder y la gloria" de Graham Greene. Pero las peliculas de Ford más celebrads son las de temas célticos y sobre todo "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) y "¡Qué verde era mi valle!" ("How Green Was My Valley"-1941) que evocan eficazmente la familia y la tradición, la vida rural y la desconfianza ante la modernidad.

  Asi pues, el maestro del western nos lleva hasta Texas allá a principios de 1880, una vez acabada la guerra contra los indios. Y nos mete en el cuerpo de dos hombres: uno el sheriff de Tascosa y el otro un teniente de caballeria. El primero recibe una orden de su comandante de adentrarse en la reserva comanche para negociar la liberación de los prisioneros blancos que tienen retenidos desde hace diez años, a cambio de una recompensa elevada por prisionero liberado. Pero el teniente no está en desacuerdo con la codicia del sheriff, este recibe la orden de desertar y acompañarle en la misión como civil...

  Una buena película de género de western, si señor. John Ford contaba 67 años y había rodado grandes westerns épicos. En esta ocasión la historia para mi, es descorazonada y amarga: el sheriff es un hombre cínico y corrupto, los colonos que esperan la liberación de sus familiares forman un colectivo resentido, racísta e intolerante y el teniente de caballería que organiza la misión es un autoritario y mentiroso. La película en si, está punteada de detalles de humor, que culminan en la figura característica del sargento. Tiene escenas memorables como las del protagonísta que tras encontrar a los prisioneros, se resiste a llevarlos al campamento por considerar que es imposible su adaptación a los hábitos de sus familiares; el baile de gala interrumpido por las palabras angustiadas de Elena, al verse estigmatizada por haber sido durante una parte de su cautiverio, esposa de un jefe indio; la de Marty, cuando cuenta la historia del secuestro de su hermano poco antes de su trágica identificación.

  Escenas muy bien plasmadas en color por la cámara de Charles Lawton Jr.. Un veterano director de fotografía nacido en Los Angeles y muy vinculado con los trabajos de John Ford, donde llegó a trabajar con el en bastantes películas, "El último hurra" ("The Last Hurrah"-1958), por citar una de ellas. Y aquí apoyándose de modo preferente en las largas escenas rodadas a cámara fija. Es notable el desfile de la caravana de los colonos ante la cámara móvil.

  La banda sonora corrió a cargo de George Dunning. Un compositor nacido en Richmond (Indiana). A los veinte años comenzó a tocar la trompeta y el piano para la banda Kay Kyser donde hizo arreglos a la mayoría de su música. En 1946 fue contratado por la Columbia Pictures donde trabajó exclusivamente durante toda su carrera, y con películas tan memorables como "El mundo de Suzie Wong" ("The World of Suzie Wong"-1960) y "El diablo a las cuatro" ("The Devil at 4 O’Clock"-1961). Y aquí ofreciéndonos fragmentos orquestales de viento y percusión, que acompañan escenas dev transición, silencio y baile. Hace uso de melodias "country" y otras.

  Magnífico el mano a mano entre dos colosos del cine universal: James Stewart, "Tierras lejanas" ("The Far Country"-1954) y Richard Widmark, "Pánico en las calles" ("Panic in the Streets2-1950). Stewart como el sheriff Guthrie McCabe, un cínico comisario al que convencen para rescatar unos prisioneros blancos secuestrados por los comanches. Y Widmark como el teniente de caballería Jim Gary que tendrá que acompañar en la misión a McCabe.

  Y con ellos dos estupendas actrices femeninas una rubia Shirley Jones, "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry"-1960) como Marty Purcell, una joven que va en busca de su hermano secuestrado, y la otra morena Linda Cristal, "Vacaciones sin novia" ("The Perfect Furlough"-1958), como Elena de Madariaga, una de las secuestradas que estuvo casada con un jefe indio.

  Pero como es de suponer no podian faltar los fordianos Andy Devine, "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance"-1962) como el sargento Posey y Harry Carey Jr. "Tres padrinos" ("3 Godfathers"-1948) como Ortho Clegg. Y sin olvidar al siempre interesante Jhon McIntire "Psicosis" ("Psycho"-1960) como el mayor Frazer.

  En definitiva: una película profunda en su sencillez, bien presentada y mejor contada, que solo puede aflorar de su admirable maestro al que, como buscadores de belleza, admiramos sinceramente. Este es: John Ford.   Sobresaliente.

  Como anécdota: Al principio Richard Widmark se resistió a hacer la película porque tenía quince años mas que el personaje que tenía que interpretar el del joven teniente Jim Gary.

27/03/2018 10:16 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (y 3)

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  Y como punto final poner la guinda en esta monumental tarta cinematográfica como es y lo seguirá siendo la fiesta de los Oscar y que menos que comentar algo más de esta ya mítica película como es "Gilda".

             "Nunca habrá una mujer como Gilda".

  Al igual que "Casablanca"-1942, "Gilda" fue una obra magistral que surgió de la improvisación. El estudio Columbia había comprado los derechos de una historia de E. A. Ellington que sirvió de base a la película. Pero cuando Charles Vidor comenzó a rodar, el guión no estaba ni siquiera terminado. Tanto el cineasta como el ya veterano director de fotografía Rudolph Maté tuvieron que improvisar muchas escenas, mientras que varios guionístas intentaban escribir al menos dos páginas de guión al dia. Rita Hayworth se hizo con el papel principal sin llegar a imaginarse que sería el personaje que marcaría el resto de su carrera. La acompañaron dos actores no excesivamente populares, Glenn Ford y George MacReady. Y aunque la acción de la historia se desarrollaba en Buenos Aires, ellos no salieron de los estudios de Columbia. El trabajo fue relativamente sencillo aunque existieron pequeños incidentes.

  Rita que ya estaba separada de Orson Welles comenzó un apasionado romance con Glenn Ford. El dueño del estudio Harry Cohn, comenzó a sospechar que ocurría entre ellos y ordenó instalar en sus camerinos micrófonos ocultos para averiguar si aprovechaban los descansos del rodaje para mantener relaciones sexuales.

  El coreógrafo Jack Cole, se encargó de preparar las sensuales escenas de Rita Hayworth, mientras que la cantante Anita Ellis le dobló la voz. En estas escenas, asi como a lo largo de toda la película, Charles Vidor creó unas imágenes cargadas de un erotísmo, tan elegante como turbador, que no tardaría en crear un auténtico escándalo en casi todo el mundo. "Nunca habrá una mujer como Gilda", fue la frase comercial que se empleó para lanzar la película. 

  El éxito fue espectacular. El mismo Cohn se quedó perplejo del buen resultado de la película. Con "Gilda" ocurrió algo poco común y es que se convirtió en un auténtico fenómeno social, hasta el punto que se montó una expedición a los Andes para enterrar en la cumbre una copia del largometraje con la intención de que sobreviviese en caso de una guerra atómica. Los temas musicales interpretados en "Gilda" el sugerente - "Put the Blame On Mame" y "Amado mio"-, pasaron a ser éxitos indispensables, en cualquier sala de fiestas que se preciase. No cabe duda de que el máximo gancho de la película fue Rita Hayworth, fotografiada más hermosa que nunca por Maté. La secuencia en la que se quita el guante y la posterior bofetada pasaron a convertirse en dos de los momentos clásicos de la historia del cine.

  En su época resultaron tremendamente provocativos y pusieron y pusieron los pelos de punta a los sectores más conservadores de la sociedad. En España el "fenómeno" Gilda dividió de nuevo al pais. Por un lado, ciertos espectadores disfrutaban incrédulos ante la hermosura de aquella mujer, poco acostumbrados a tener oportunidades  de ese tipo por la "cruzada moral" del régimen franquísta, por otro, los más conservadores se rasgaban las vestiduras ante la "indecencia", llegando en algunos casos a acusar de "pecadores" a los que asistian a la proyección e incluso a apedrear las salas que la exibían. El escándalo fue tal que hasta propició el nacimiento de la Oficina nacional clasificadora de espectáculos, encargada de velar por el cumplimiento de los dictados católicos y patrióticos. El impacto que la obra de Vidor tuvo sobre la sociedad española quedó reflejado en la película de Francisco Regueiro "Madregilda"-1993.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

20/03/2018 11:26 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Una estatuilla llamada Oscar (2)

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  Y como en años anteriores pues me toca subir una buena película, pero esta vez no será oscarizada, pero eso si, es una película mítica. Una película que en su dia se convirtió y aún lo sigue siendo en una obra imprescindible para todos los amantes del buen cine. Su título:

                           Gilda - 1946

  "¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo."

  Mitica y todo un icono de cine negro de nacionalidad estadounidense y de género dramático, basada en una historia de E. A. Ellington y con un guión de Marion Parsonnet, "Te volveré a ver" ("I’ll Be Seeing You"-1944). Una escritora nacida en Nueva Yersey. Asistió a la Academia de Newark y luegó estudió en la Universidad de Harvard. En 1937 MGM lo contrató como guionista. Y a partir de 1941 trabajó para varios estudios cinematográficos tales como Warner  Broos, Columbia Pictures y RKO Pictures, jugó un papel importante y decisivo en la carrera de Rita Haywort para convertirse en superestrella en la década de 1940. En la década de 1950 la carrera de Parsonnet en el mundo del espectáculo estuvo en suspenso durante mucho tiempo. Pero en 1959 escribió varios guiones para series de televisión como "Maverick" (1959) y "Bonanza" (1961).

  "Gilda" está dirigida por Charles Vidor. Un director nacido en Budapest (Hungria). Hijo de una familia judia, se alistó en el bando húngaro en la Primera Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto bélico, estudió ingenieria en la Universidad de Budapest primero y en la de Berlín después. Fue precisamente en la capital alemana donde tomó contacto con el mundo del cine, trabajando como montador y director asisente para la productora alemana Universum Film AG.

  No tardó mucho en dar el salto a Estados Unidos, en 1924. En esos primeros meses, trabajó en algunos musicales de Broadway y en la compañía de Opera de Wagner británica. Concluidos esos trabajos viajó a Hollywood, donde empezó como colaborador del director británico Alexander Korda.

  Después de estos primeros años de aprendizaje en la meca del cine, en 1931 le dieron la oportunidad de dirigir su primer cortometraje, "The Bridge", donde inició su contrato con MGM. Un año después co-dirigió, junto a Charles Brabin su primer largometraje "La máscara de Fu Manchú" ("The Mask of Fu Manchu"-1932), aunque en los titulos de crédito no figuraba como tal.

  En 1933 ya como asalariado con MGM, rodó su primera película en solitario: "Dama de cabaret" ("Sensation Hunters"). El trabajo de Vidor por esta época cuenta con nueve titulos entre los que destacan "Arbol geneológico" ("His family tree"-1935), "Desconocidos" ("Strangers All"-1935) y "The Great Gambini"-1937).

  En 1939, rompió su compromiso con MGM y llegó a un acuerdo con Columbia Pictures. Aquí fue donde llegó al cénit de su popularidad como cineasta, aunque nunca llegó a tener una buena sintonía con el pripietario de la productora, Harry Cohn. De todas maneras, la prolífica filmografía de Vidor es una de las más representativas de la década de los 40 haciendo de guiones insulsos y actores sin mucha chispa películas de buen gusto. Así destacan "La dama en cuestión" ("The Lady Question"-1940), "El misterio de Fiske Manor" ("Ladies in Retirement"-1941), "Se acabó la gasolina" ("The Tuttles of Tahiti"-1942) o "Las modelos" ("Cover Girl"-1944). Esta película es importante porque es la primera dirección de Vidor sobre la que sería su musa en sus próximos proyectos: Rita Hayworth. Y es que en 1946, llegaría "Gilda", uno de los clásicos de cine y donde elevaría a Hayworth como la auténtica sex-symbol de la primera época del cine, con su insinuante extracción de guante mientras cantaba "Put the Blame on Mame".

  Después de su siguiente proyecto "Los amores de Carmen" ("The Loves of Carmen"-1948) nuevamente con Hayworth, Vidor tuvo una extraordinaria disputa que hizo que el director rompiera su contrato de 75.000 dólares con la Columbia para volver a MGM en 1949. Durante los 50, Vidor siguió dirigiendo películas entre las que destacan "El fabuloso Andersen" ("Hans Christian Andersen"-1952), "Rapsodia" ("Rapsody"-1954), "Quiéreme o déjame" (Love Me or Leave Me"-1955) y otra de las grandes perlas de su filmografía "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1957).

  En 1956 creó su propia productora la Aurora Productions, aunque no llegó a disfrutar mucho de su éxito ya que el 4 de junio de 1959 en Viena fallecería de un ataque al corazón mientras filmaba su película póstuma "Magic Flame", que acabó George Cukor con el título de "Sueño de amor" ("Song Without End"-1960).

  La acción principal tiene lugar en Buenos Aires en 1945/46. Y nos narra la tormentosa relación de amor entre Johnny Farrel y Gilda. Después de haber sido amantes, Johnny abandona a Gilda para seguir su vida de jugador tramposo, en el subsuelo de la capital bonaerense. Un extraño, turbio, acaudalado y ambiguo personaje llamado Ballin Mundson, le salva la vida y le convierte en su brazo derecho. La relación entre los dos se ve alterada cuando Ballin, después de un breve viaje regresa casado precisamente con... Gilda...

  La película pues, narra las relaciones tempestuosas que se establecen entre Gilda y Johnny, a raiz, de su imprevisto reencuentro. Estas se enmarcan en un Casino ilegal de juegos, la llegada a Buenos Aires de criminales de guerra nazis, la participación de Ballin en negocios tenebrosos, muertes y desapariciones. Sobresale la belleza del personaje femenino que asocia hermosura y perfidia, elegancia y maldad, en un duelo de poder a poder con su antiguo amante.

  Gilda encarna la figura de la mujer que no se resigna: lucha con furor, rabia y fuerza, hasta la provocación y el escándalo, contra el hombre que la ha herido y quiere someterla. La batalla de géneros se erige en clave del relato y en base de su interés y grandeza. El strip-tease que inicia quitándose sensualmente los guantes y arrancándose después el collar, no es un acto de sometimiento, si no un soberbio grito de guerra.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago. Sus comienzos fueron trabajando en la Brunswick Records en 1931, grabando en sus propios estudios musica para baile, valses y melodias semi-clásicas hasta 1934. A finales de este año firmó contrato con Decca Records y siguió grabando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Hollywood. Young tuvo un total de 22 nominaciones al Oscar pero no lo ganó en ninguna ocasión. La única estatuilla que ganó fue a titulo póstumo por la banda sonora de "La vuelta al mundo en 80 dias" ("Around the World in 80 Days"-1956). Su última banda sonora para el cine fue"Omar Khayyam"-1957 protagonizada por Cornel Wilde.

  Y aquí aportando dos versiones de una canción original "Put Blame On Mame" y una canción de la época "Amado mio". Inserta también fragmentos orquestales de factura vanguardista.

  La fotografía en blanco y negro estuvo a cargo de Rudolph Maté. Un director de fotografía nacido en Polonia. Al finalizar sus estudios en la Universidad de Budapest, combatió en la Gran Guerra y en 1921 comenzó a trabajar como ayudante de cámara en la productora Hungarian Films en películas dirigidas por Alexander Korda.

  Durante la primera mitad de los años 30 trabajó regularmente en Francia y entre sus películas sobresalen "El último millonario" ("Le dernier millardaire"-1934) de René Clair y "Lilion"-1934 de Fritz Lang. En 1935 viajó a Estados Unidos y se instaló definitivamente donde fue reconocido como un importante director fotográfico participando en múltiples películas de gran éxito por aquella época como por ejemplo: "Stella Dallas"-1937 de King Vidor, "La jungla en armas" ("The Real Glory"-1939) de Henry Hathaway y por supuesto "Gilda"-1946 de Charles Vidor.

  La gran experiencia adquirida durante el trabajo de tantas películas le proporcionó la confianza para dirigir completamente y rodar películas con regularidad a sus ya cumplidos 50 años, Entre los muchos títulos que dirigió cabe de destacar "Amarga sombra" ("No Sad Songs for Me"-1950), "Marcado a fuego" ("Branded"-1950), "Cuando los mundos chocan" ("When Worlds Collide"-1954) y "Coraza negra" ("The Black Shield of Falworth"-1954) entre otros muchos mas. Y en esta "Gilda" exaltando con su cámara la belleza de la protagonísta con primerísimos planos e iluminación.

  Sensacional la pareja protagonísta, ella: Rita Hayworth, "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958) como Gilda y Gilda es Rita. Un guante, una canción y el bofetón que le propina él: Gleen Ford, "Los cuatro jinetes del apocalípsis" ("The Four Horsemem of the Apocalypse"1962) como Johnny Farrell, un aventurero que vive solo de hacer trampas.

  Y con ellos unos secundarios de auténtico lujo: George MacReady, "La carrera del siglo" ("The Great Race"-1965) como Ballin Mundson el esposo de Gilda; Joseph Calleia, "Sangre caliente" ("Hot Blood"-1956) como el detective Maurice Obregon; Steven Geray, "Recuerda" ("Spellbound"-1945) como Uncle Pio; Gerald Mohr, "El francotirador" ("The Sniper"-1952) como el capitán Delgado.

  En definitiva: "Gilda" es, más que una película, un icono, un dogma erótico para muchas generaciones cinéfilas.  Matrícula de Honor.

  Como curiosidad: Cuando en la película sale Rita Hayworth cantando "Amado mio" y "Put the Blame om Mame", no es su voz la que se oye, Rita está haciendo uso del playback. En su lugar, la voz que suena es la de Anita Ellis, una cantante canadiense que también puso su voz a canciones en películas de Vera Ellen y Jane Crain.

 

                                   

11/03/2018 10:18 Pablo #. sin tema Hay 9 comentarios.


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