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Hasta siempre!!!

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                             Jerry Lewis

                 El rey de la comedia

  El pasado 20 de agosto y a la edad de 91 años falleció el gran actor cómico Jerry Lewis. El rey de la comedia, el de la voz chillona, el cara de goma, comediante patoso de movimientos conyuntados, maestro de la bufonada improvisada, cantante, director, productor, escritor y sobre todo actor.

  Hijo de actores de bodevil, Jerry Lewis se subió a un esccenario a la edad de cinco años. Su salto a la fama le llegó en 1946, cuando formó pareja con Dean Martin. Comenzaron a trabajar juntos cuando la pareja de Lewis se despidió de repente. Recomemdó a Martin como sustituto y pronto la nueva pareja ideó un número cómico simplón donde improvisaban insultos y chistes.

  En menos de 18 semanas sus ingresos subieron de 250 a 5.000 dólares a la semana. El dúo aprovechó el éxito en los escenarios para lanzar su carrera en el cine con papeles secundarios y de comedias de colegas para la Paramount. Con papeles facilmente intercambiables, en películas como "Una herencia de miedo" ("Scared Stiff"-1953) o "Juntos ante el peligro" ("Pardners"-1956). Dean Martin aparecia como un personaje más controlado que toleraba los excesos maniacos de Jerry Lewis.

  Después de la ruptura del dúo, Lewis se quedó en la Paramount y rodó películas como "Delicado delincuente" ("The Delicente Delincuent"-1957) y "El ceniciento" ("Cinderfella"-1960). Trabajó como director, además de productor, coguionísta y actor principal en diferentes papeles. Lo mejor de este periodo es "El profesor chiflado" ("The Nutty Professor"-1963). En los años 70 no estuvo muy activo y su película "The Day the Clown"-1972) se quedó sin terminar. Sin embargo en los años 80 se produjo un resurgir de su carrera con las producciones taquilleras como "Hardly Working"-1980 y "El mundo loco de Jerry" ("Smogasbord"-1983).

  A partir de estos éxitos, realizó una interpretación inusual pero memorable en la película de Martin Scorsese "El rey de la comedia" (" The King of Comedy"-1983). Además también se le conoce por actuar como presentador desde 1966 en el telemaratón de la Asociación contra  la Distrofia Muscular. En 1977 fue nominado al Premio Nobel de la Paz por su trabajo en asociaciones benéficas.

  "¡Dean Martin y yo! teniamos el factor X, un poderoso feeling entre nosotros."

  Jerome Lewitch (Jerry Lewis) - Newark (Nueva Jersey) - 16 - marzo - 1926 - Las Vegas (Nevada) - 20 - agosto - 2017

                         ¡DESCANSE EN PAZ!

22/09/2017 19:26 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

West Side Story - 1961

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  "Algún dia, tendremos tiempo. Tiempo que nos sobrará. Tiempo para mirar. Tiempo para querer. Algún dia, en algún lugar, encontraremos una nueva vida, sabremos perdonar..."

  Magnífica y oscarizada película de nacionalidad estadounidense y posiblemente uno de los mejores musicales de la historia del cine. Basada en el libreto de Arthur Laurents. Un dramaturgo nacido en Nueva York. Después de escribir para programas de radio y de asistir a la universidad comenzó a entrenarse en películas para el ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial una vez acabada la contienda volvió a Broadway, para producir algunas obras y dirigir algunos de sus espectáculos, y en donde aquí desarrolla una antigua idea creada por Jerome Robbins en 1949 inspirada en el "Romeo y Julieta" de William Shakespeare. La obra teatral con música de Leonard Bernstein y letra de un jovencísimo Stephen Sondheim se estrenó en Broadway con un gran éxito.

  Del guión de la película se hizo cargo Ernest Lehman. Un guionísta nacido en Nueva York. Tras graduarse en el City College de Nueva York, inició su carrera como escritor independiente escribiendo radionovelas y articulos de cotilleo sobre famosos. Esta experiencia le quedó plasmada para dar lugar a la película "Chantage en Broadway" ("Sweet Smell of Suceess"-1957). Su trabajo despertó el interés de la Paramount que le ofreció un primer contrato como guionísta. Su primera película fue "La torre de los ambiciosos" ("Executive Suite"-1954). Fué candidato al Oscar en cuatro ocasiones, pero tuvo que esperar al año 2001 para recibirlo. Fué un Oscar honorífico por su comtribución a la historia del cine.

  "West Side Story" está dirigida digamos que por dos directores, el que se encargó de la coreografia que no fue otro que Jerome Robbins. Un coreógrafo nacido en Nueva York. Se unió al American Ballet Theatre en 1940, obteniendo su primer éxito coreográfico con "Fanny Free" de Leonard Bernstein, que después pasó a formar parte del musical "Un dia en Nueva York" en 1944. En 1948 se incorporó al Ballet de la ciudad de Nueva York, donde llegó a ser subdirector desde 1950 hasta 1959.

  El segundo y por supuesto el más importante puesto que es el que llevó la mayoria del rodaje de la película fue Robert Wise.Un cineasta nacido en Indiana. Sus comienzos fueron trabajando como editor cinematográfico en películas como "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) y "El cuarto mandamiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942), ambas de Orson Welles, posteriormente reeditó la segunda película, después de los problemas de RKO Pictures con su director. Relegado a películas de serie B de esta compañía, trabajó con el productor Val Lewton, que en aquel momento realizaba su gran ciclo de películas de terror psicológico. Asi, Wise fue contratado para dirigir "El regreso de la mujer pantera" ("The Curse of the Cat People"-1944), una secuela de la exitosa "La mujer pantera" ("Cat People"-1942), que en sus manos se convirtió en una fantasia amable, más que una película de terror, y la obra maestra "El ladrón de cadáveres" ("The Body Snatcher"1945), protagonizada por Boris Karloff.

  La carrera de Wise subió como la espuma y durante los sesenta años siguientes realizó numerosas películas de géneros muy dispares: cine negro "Nacido para matar" ("Boin to Kill"-1947), "Nadie puede vencerme" ("The Set Up"-1949); ciencia-ficción "Ultimátum a la Tierra" ("The Day the Earth Stood Still"-1951); bélicas "Torpedo" ("Run Silent, Run Deep"-1958); "El Yang-Tsé en llamas" ("The Sand Pebbles"-1966); westerns; "La ley de la horca" ("Tribute a Bad Man"-1956); melodramas "Trigo y esmeralda" ("So Big"-1953); "¡Quiero vivir!" ("¡Want to Live!"-1958). Es conocido sobre todo por dos de los musicales de mayor éxito de toda la historia del cine; "West Side Story"-1961 y "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965). Ambas películas recibieron varios Oscar, entre ellos el de mejor director y el de mejor película, "West Side Story", que Wise co-dirigió junto a Jerome Robbins, fue un gran éxito tanto de la critica como entre el público. La película con una coreografía excelente, rompió el molde del teatro musical, explorando los temas más oscuros de la tensión etníca y social.

  De su obra posterior destacan películas como "La amenaza de Andrómeda" (The Andromeda Strin"-1971) y "Star Trek: la película" ("Star Trek: The Motion Picture"-1979) que recuerdan sus primeros experimentos con los efectos especiales durante los años cuarenta. Algunos le han criticado por apegarse rigidamente a un género en lugar de desarrollar su propio estilo de dirección reconocible, algo por otra parte, comprensible teniendo en cuenta la diversidad de géneros que tocó. A pesar de todo, las películas de Wise llevan su marca.

  La acción tiene lugar en el West Side de Nueva York, entre las calles 68 y 110, en 1960-61. Los Jets, banda callejera de jóvenes de origen irlandés liderada por Riff, y los Shark, banda callejera de jovenes puertoriqueños liderada por Bernardo, se enfrentan desde hace tiempo por el dominio de las calles del barrio. Las cosas suben de tono, cuando Tony antiguo lider de los Jets se enamora de Maria, hermana de Bernardo, esta es generosa, temperamental y decidida. Tony se ha puesto a trabajar y quiere integrarse socialmente...

  Maravillosa película, si señor. Exaltando la fuerza y la autenticidad del amor verdadero (un amor sin barreras), capaz de afirmarse e imponerse a primera vista, sin avisos previos y más allá de prejuicios y dificultades. Nos habla también de la destrucción familiar y de sus consecuencias sobre los hijos. Habla de la emigración social, delincuencia juvenil, racísmo y pobreza. Muestra como la violencia solo engendra violencia, dolor, odio y muerte.

  La película podriamos decir que se divide en dos partes la de los números musicales dirigidos aqui por el genial Robbins y la historia de amor llevadas de la mano de Wise. Como consecuencia de ello, coexisten dos estilos diferentes. Por un lado los bailes, las canciones y la coreografía, y por otro la historia de amor entre Tony y Maria llevadas con gran realísmo, como es habitual en los melodramas de Wise.

  La banda sonora estuvo a cargo de Leonard Bernstein. Un compositor y director de orquesta nacido en Nueva York. Fue el primer director de orquesta norteamericano que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus "Conciertos par jóveners" en la televisión en la década de 1960, y por sus múltiples composiciones entre ellas "Un dia en Nueva York"-1944. Su última interpretación fue el 19 de agosto de 1990 con la Orquesta Sinfónica de Boston, con la  que interpretó "Four Sea Interludes" de Britten y la Séptima Sinfonía de Bethoven.

  Y en esta historia del West Side neoyorkino ofrecciéndonos una maravillosa partitura, que combina ritmos latinos, imaginativos temas de amor y una gran variedad de tipos y estilos de jazz. Las canciones con el paso del tiempo se han convertido en temas clásicos sobresaliendo en mi opinión "América", "I Feel  Pretty", "Tonight", "Somewhern", "Maria", etc. Como música añadida ofrece un simpatiquísimo fragmento de "La cucaracha".

  La fotografía en color y en sistema Tood-AO se la debemos a Daniel L. Fapp, "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963). Un director de fotografía nacido en Kansas City. Comenzó su carrera cinematográfica a los 19 años en el laboratorio de Paramount y en 1925 se convirtió en el segundo cameraman y en 1941 llegó a se director. Tuvo una larga trayectoria proporcionando en sus películas unas imágenes sorprendentes. Tal vez su descuido comparativo pudo ser parte al hecho de que casi nunca quiso colaborar con los directores de moda de por aquel entonces en Hollywood. Pero su obra ahí queda y eso dice mucho.

  Y en este Romeo y Julieta moderno haciendo uso de un cromatísmo limpio y saturado y tiende a situar la cámara en posiciónes elevadas o muy bajas. La visualidad se beneficia de una soberbia decoración a cargo de Victor A. Gangelin.

  Muy bien todos los actores, todos muy jóvenes y en los papeles de su vida respectivamente. Comenzando por Natalie Wood, "Eplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass"-1961), como Maria; Richard Beymer, "El diario de Ana Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959), como Tony; George Chakiris, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963), como Bernardo; Rita Moreno, La noche del dia siguiente" ("The Night of the Following Day"-1969), como Anita; Russ Tamblyn, "Siete novias para siete hermanos" ("Seven Brides for Seven Brothers"-1954), como Riff. Y sin olvidarnos de los "veteranos" Simon Oakland, "Bullit"-1968, como el teniente Schrank y Ned Glass, "Charada" ("Charade"-1963), como Doc.

  En definitiva: Una obra maestra del género musical. Una película romántica, hermosa y profundamente triste que sin duda alguna ha pasado por méritos propios a la iconografía y la mítica del cine.   Matrícula de Honor.

  "West Side Story" logró 10 Oscar en 1961: Película, Director, Actriz de reparto (Rita Moreno), Actor de reparto (George Chakiris), Banda sonora original (Saul Chaplin, Johnny  Green, Sid Ramin e Irwin Kostal), Fotografía, Dirección artística (Boris Loven y Victor A. Gangelin), Montaje (Thomas Stanford) y Sonido (Fred Hynes y Gordon  E. Sswyer)..

  Como curiosidad: Elvis Presley sonó para el papel perotagonísta de Tony pero,  disuadido por su agente acabó rechazándolo. Más tarde se arrepintió de ello. Y Natalie Wood no era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debia ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz estaba por aquel entonces embarazada de su esposo también el actor Mel Ferrer y se vió obligada a rechazar la oferta.

 

12/09/2017 18:44 Pablo #. sin tema Hay 10 comentarios.

Ascensor para el cadalso (Elevator to the Gallows-1958)

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                En recuerdo de: Jeanne Moreau

  "La música seguirá sonando, pero nosotros ya estaremos muertos."

  Muy buena película de nacionalidad francesa y de género policiaco, basada en una novela de Noël Calef. Un escritor nacido en Bulgaria pero nacionalizado francés. Se graduó en la escuela secundaria de Alejandría y de los estudios de posgrado en Viena. Se estableció en Francia cuando contaba 23 años de edad y comenzó en una compañía cinematográfica. Durante la Segunda Guerra Mundial fue internado en Draney y antes de ser deportado a Italia en los campos de Bardonechic. Al final de la guerra regresó a Francia. Ha publicado cerca de veinte novelas de detectives. También hizo muchos guiones para el cine. En 1952 hizo una aparición en "El hombre que destruyó a Joseph Losey".

  El guión fue escrito por Roger Nimier. Un escritor y periodísta nacido en Paris. Fue la principal figura del movimiento literario "hussard", que también incluia a Antoine Blondin, Jacques Lavrent... Su obra más conocida es "El Husar azul" ("Le hussard bleu"), una novela en la que describe la vida de un regimiento de húsares ocupando Alemania en 1945, desde el punto de vista de varios personajes. Esta novela dió su nombre al citado movimiento.

  El segundo guionísta y también director de la película fué el aqui debutante en solitario Louis Malle. Un director nacido en Thumeries (Francia). Un cineasta versátil de la "vogue francesa", a veces con contenidos sexuales polémicos. Entre los directores de éxito de la "nouvelle vague", Louis Malle y Eric Rohmer, destacan como casos especiales, Rohmer descubrió pronto lo que podía hacer y lo ha seguido haciendo. Malle en cambio, parecía decidido a no repetirse nunca y exploraba diferentes géneros, estilos y paises. Era una estrategia arriesgada de la que se derivaron algunos fracasos. "Una vida privada" ("Vie privée"-1962), que utilizó a Brigitte Bardot como sex-symbol, resulta sensibilera y poco original, pero al menos fue un éxito de taquilla, a diferencia de "El unicornio" ("Black Moon"-1975), una extravagante fantasía personal, "Crackers"-1984 es un intento desacertado de trasladar "Rufufú" ("I soliti ignoti"-1958), una clásica comedia de Mario Monicelli a San Francisco, mientras que "Herida" ("Damage"-1992), un estudio de la obsesión sexual, no encuentra el tono adecuado. Sin embargo, en otros trabajos, el eclecticismo y la audacia de Malle han dado buenos resultados, como enn el thriller "Ascensor para el cadalso" ("Elevator to the Gallows"-1958).

  Algunos de los mejores y más sentodos trabajos de Malle abordan la adolescencia: la semiatográfica "El soplo del corazón" ("Le souffle au coeur"-1971), "Lacombe Lucien"-1974, en la que un agricultor se une a los fascistas de la Francia ocupada, y la conmovedora "Adios, muchachos" ("Au revoir les enfants"-1987). En un registro totalmente distinto, "¡Viva Maria!"-1965 une a Brigitte Bardot y Jeanne Moreau en una western lleno de vida, "Atlantic City"-1980 que hace un uso elegiaco de Burt Lancaster, como un mafioso maduro venido a menos, y "Mi cena con André" ("My Dinner with André"-1981) demuestra que dos hombres hablando en un restaurante durante 95 minutos pueden absober la atención del espectador. Tal vez la película de mayor fama internacional es "La pequeña" ("Pretty Baby"-1978), que situó a Brooke Shields, en el camino hacia el estrellato al interpretar a una prostituta de doce años de Nueva Orleans.

  La acción pues, tiene lugar en Paris en 1956/57. Y nos narra la historia del asesinato por amor de un tal Simón Carala a manos de Julien Tavernier, con la complicidad de su amante Florence Carala, esposa de la victima...

  Muy buen debut del por aqui jovencísimo Louis Malle. Y muy buena película, si señor. Y en donde la narración superpone para mi tres líneas de acción: la de Julien, la de Florence y la de la pareja formada por Verónica y Louis.

  Julien, tras cometer el crimen, advierte que no ha retirado algunos indicios que le delaten. En su regreso precipitado al despacho, queda atrapado en el ascensor, cuando el vigilante corta el suministro eléctrico. A partir de entonces vive una situación de impotencia opresiva y angustiosa. Florence mientras espera a Julien ve pasar su coche ocupado por Verónica y Louis, que confunde con Julien. Para ella comienza entonces una larga noche de desorientación y amargura. La pareja que ha sustraido el coche circula por la autopista del Oeste a gran velocidad, compite con un Mercedes deportivo de gran cilindrada y realiza maniobras temerarias. Esta es la pareja atolondrada, distante, imprudente y poco unida, que contrasta con el amor profundo, intenso y desesperado de Florence y Julien.

  La primera cuenta con un vehículo que les da movilidad y libertad, la segunda se ve separada a causa de otro vehículo (el ascensor), que inmovoliza a Julien. Ambas parejas cargan con el peso del crimen, premeditado en un caso e imprevisto en otro. Malle nos muestra al mismo tiempo un Paris frio (edificio impersonal de oficinas), desolado (Campos Eliseos de noche) y salvado de coches (visión desde el despacho de Julien).

  Cuenta con muy buenas escenas sobresaliendo la de la interrogación de Julien por la policia en un cuadro en el que las figuras aparecen inmersas en la oscuridad y la escena final.

  La musica es de Miles Davis. Un trompetista y compositor de jazz nacido en Illinois. Se trata de una de las figuras mas relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz. Su carrera que abarcó cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos. El sonido de su trompeta se caracterizó por el uso de la sordina de acero que le proporcionaba un toque más personal e intimo.

  Y en este asesinato a las siete improvisando el solo de trompeta. Le acompaña un conjunto de saxo, piano, contrabajo y bateria. Jazz y blues combinan muy bien con el clima de suspense de esta historia.

  La fotografía en blanco y negro se la debemos a Henri Decae, "El silencio de un hombre" ("Le Samourai"-1967). Un director de fotografía nacido en Saint-Denis (Francia). Sus comienzos fueron como ingeniero de sonido y editor de sonido. Un hombre muy influyente en la "nueva ola" francesa. El gusto de Decae por la luz natural y su habilidad por trabajar a la velocidad le hizo siempre tener una excelente sensibilidad fotográfica que le hizo trabajar con los mejores directores franceses.

  Y en esta historia de trágicos amantes deleitándonos pero sin alardes, puesto que busca encuadres de vértigo, oblicuos y en picado en otros, que enriquecen la narración visual. Toda la película está rodada en Paris excepto los interiores que se rodaron en los estudios Poste Parisien.

  Excelente el reparto de actores elegidos en esta "ópera prima" de Louis Malle. Encabezados por la recientemente fallecida Jeanne Moreau, "El tren" ("The Train"-1964) como Florence, esa mujer que junto con su amante planea un crimen perfecto  (asesinar a su esposo). Y seguida de Maurice Ronet, "A pleno sol" ("Blazing Sun"-1960) como Julien, el amante de Florence. Y con estas dos estrellas del cine europeo, Georges Poujouly, "Y Dios creó a la mujer" ("Et Dieu créa la femme"-1956) como Louis, y Yori Bertin, "La religiosa" ("La religieuse"-1966), como Verónica. Y aunque sale muy poco pero su actuación es el eje principal de la trama, Jean Wall, "Las grandes familias" ("Les grandes familles"-1958), como Simón Carala el marido asesinado. Y atención a otro grande del cine francés Lino Ventura, "El clan de los sicilianos" ("Le clan des siciliens"-1969) como el comisario Cherrier.

  En definitiva: Un estupendo thriller narrado con sobriedad, discrección y fluidez, que para mi incluye un tácito homenaje al cine negro americano y al maestro Hitchcock. Una película equilibrada, coherente, emocionante y consciente. Todo un clásico del cine de su género.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: esta fue la primera película de Louis Malle en solitario. Cuando la rodó solo tenía 25 años. Antes solamente habia rodado un documental de temática submarina, titulado "El mundo del silencio" ("Le Monde du silence"-1956) junto a Jaques Costeau. También había co-dirigido "Un condenado a muerte se ha escapado" ("Un chamné á mori s’est é chappé"-1956), junto a Robert Bresson.

 

 

28/08/2017 19:27 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                Jeanne Moreau

            "Un mito del cine europeo"

  El pasado 31 de julio y a la edad de 89 años falleció en su casa de Paris la actriz francesa Jeanne Moreau.

  Cuando se consagró a comienzo de los años 60, como la diosa del amor de la Nouvelle Vague francesa, Jeanne Moreau ya tenía más de 30 años y una lista de películas a sus espaldas. Ofrecía una sensualidad franca y desnuda, resaltada por la inteligencia de su mirada. En reposo, su cara podría semejar algo prohibitivo. El gesto de puchero de su boca y sus tristes ojos negros sugerían un enfado reservado que hacían de su sonrisa la más encantadora de las sospresas.

  Se crió en Paris, hija de un restaurador francés y de una antigua bailarina del Follies Bergére nacida en el Reino Unido. Estudió interpretación en el Conservatorio de Paris. Con 20 años se convirtió en la más jóven componente de toda la historia de la Comedia Francesa. Cuando Louis Malle la lanzó en el cine, ya era una estrella de primer orden en el teatro. Malle la incluyó en "Ascensor para el cadalso" ("Ascenseur pour L’Echafaud"-1958) como amante de su marido asesino, y como una esposa descaradamente adúltera en "Los amantes" ("Les amants"-1958). Fue el vértice de un triángulo amoroso en la obra de François Truffaut "Jules et Jim"-1961; mujer desencantada en el estudio sobre la alineación de Michelangelo Antonioni "La noche" ("La notte"-1961); una mujer fatal en la película de Joseph Losey "Eva" ("Eve"-1962), y rubia y jugadora compulsiva para Jacque Demy en "La bahia de los ángeles" ("La baie des angés"-1963).

  Hizo tres películas con Orson Welles incluyendo su papel de prostituta en la obra de Shakespeare "Campanadas a medianoche" ("Chimes at Midnight"-1965). Welles afirmó que Jeanne era "la mejor actriz del mundo". Ultimamente sus trabajos han sido escasos, pero todavía es capaz de iluminar la pantalla, tal y como hizo en la película de Françoise Ozon "El tiempo que queda" ("Le temps qui reste"-2005). Ha dirigido dos producciones con buena acogida y un documental sobre Lillian Gish.

  Sus últimos trabajos para el cine fueron "Una dama de Paris" ("A Lady in Paris"-2012) de Ilmar Raag y "La Talent de wes amis"-2015, de Alex Lutz.

  Jeanne Moreau fue muy amiga de Jean Cocteau, Jean Genet, Henry Miller, Anais Nin y Marguerite Duras, estuvo ligada sentimentalmente a Louis Malle, Lee Marvin, Tony Richardson y Pierre Cardin. Se casó con Jean Louis Richard, con quien tuvo una hija Jerome, y después con Theodorus Roubanis y William Friedkin.

  Jeanne Moreau - Paris - 23 - enero - 1928 - Paris - 31 - julio - 2017

                            ¡DESCANSE EN PAZ!

22/08/2017 18:09 Pablo #. sin tema Hay 4 comentarios.

Waterloo - 1970

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  Napoleón: Después de morir y desaparecer, que dirá de mi el mundo?

  Le Bedoyere: Dirá que ampliasteis los límites de la gloria.

  Napoleón: Y eso es todo lo que dejaré a mi hijo? Los límites de la gloria?...

  Extraordinaria película de nacionalidad italo-soviética y de género histórico. Cuenta con un guión de H.A.L. Craig, "La batalla de Anzio" ("Lo sbanco di Anzio"-1968). Un guionísta y critico teatral nacido en Cork (Irlanda). Después  de cursar estudios en el Trinity College en Dublin, formó una asociación con el editor Sean O’Faolain, con el que trabajó como editor en la revista literaria La Bell en la década de 1940 y principios de 1950. Poco tiempo después se trasladó a Londres, donde inicialmente trabajó para la radio en varias producciones y finalmente para la BBC. En 1968 se trasladó a Roma, donde comenzó su carrera como guionísta.

  A Craig le ayudó Vittorio Bonicelli, "Barbarella"-1968. Un guionista y productor nacido en Abruzzo (Italia). Su infancia y juventud lo pasó en Cesena. Después al acabar la carrera de derecho marchó a Milán y durante unos años estuvo como critico de cine, teatro y de varios periódicos. A finales de 1960 ya estaba metido totalmente en la industria del cine. En 1967 estuvo como miembro del jurado en el Festival de Cine de Venecia.

  Y como tercer y último guionísta fue precisamente el director de la película es decir Sergei Bondarchuk, "El destino de un hombre" ("Fate of a Man"-1959). Un cineasta  soviético nacido en Belozeska. Pasó su infancia en las ciudades de Yeysk y Taganrog. A la edad de 32 años, se convirtió en el actor soviético más joven en recibir la máxima dignidad del Artista Popular de la URSS. En 1955, protagonizó "Otelo", junto a su esposa Irina Skobtseva. En 1950 hizo su debut como director, y en 1995 fue galardonado con un Diploma de Honor por su contribución al cine en el 19º Festival Internacional de Cine de Moscú.

  Bondarchuk pues,  nos lleva hasta el 18 de junio de 1815 y en donde Napoleón se lo jugaba todo en Waterloo. Acababa de regresar del exilio y las grandes potencias europeas le habían declarado enemigo número uno. Necesitaba a toda costa un Austerlitz, un éxito arrollador para afianzar su posición. Pero ese dia se enfrentaba al ejército británico, comandado por Lord Wellington, mientras que el maltrecho pero aún peligroso ejército prusiano se encontraba cerca del campo de batalla... la última batalla...

  Muy buena  e interesantísima película. Si señor. Una película sobre una de las batallas más famosas y decisivas de la historia de Europa. Toda una recreación exautiva la que el cineasta soviético nos hace sobre este célebre acontecimiento, sin escatimar en medios.

  La fotografía en color y formato Panavisión fue creada por Armando Nannuzzi, "La caida de los dioses" ("La cadeta degli Dei"-1969). Un camarógrafo nacido en Roma. Un profesional muy activo durante 1940 hasta 1990 y en donde llegó a trabajar en más de 100 películas. Trabajó brevemente en Estados Unidos a mediados de 1980 y durante este periodo colaboró con el novelísta Stephen King, durante el rodaje de "Maximum Overdrive" ("La rebelión de las máquinas"-1986), una cortadora de cesped controlada por radio utilizada en una escena salió del control y golpeó un bloque de madera utilizado como soporte de cámara, disparando astillas de madera que dieron a Nannuzzi y como resultado perdió el ojo derecho. Fue también un colaborador frecuente del director italiano Mauro Bolognini.

  Y en esta última batalla mostrándonos una monumental recreación usando unos colores y un brillo extraordinario, las escenas de la batalla son espectaculares. Y en donde no escatimó medio alguno a la hora de usar el formato Panavisión con más de 30.000 extras en pantalla y en algunas tomas parando la imágen de los soldados para inspecionar todos los detalles de sus uniformes. Sublimes también las tomas aéreas mostrando la formación en cuadro de la infanteria británica.

  Muy buena la banda sonora creada por el gran Nino Rota, "La Strada"-1954. Un compositor de música clásica y cinematográfica nacido en Milán. Altamente dotado, estudió en Roma con Alfredo Casella. Profesor del Liceo Nacional de Bari desde 1939, del que llegaría a ser director, desarrolló una doble carrera como compositor de bandas sonoras de cine y compositor de música clásica. Ganó una beca para el Curtis Instituto de Música de Filadelfia, y fué maestro del director Ricardo Muti.

  El estilo de Rota, es neoromántico, y queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodísta. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonias y varios conciertos de entre los que se destacan su famoso "Divertimento Concertante" para contrabajo y orquesta (dedicado al gran solísta Franco Petracchi) y su "Concierto para trombón". Destacó igualmente como compositor de escena, siendo el autor de varias óperas.

  La partitura de Nino Rota de "El padrino" ("The Godfather"-1972) fue candidata al Oscar, pero la Academia dió el premio a "La huella" ("Sleuth"-1972) de John Addison debido a que la música de Rota había sido utilizada en otra película: "Fortunella"-1958. Pero con "El padrino II" ("The Godfather: Part II"-1974), aqui si lo ganó.

  Y en esta batalla que decidió el destino de Europa, mostrándonos una poderosa partitura épica y sinfónica muy nacionalíta en bloques como: "Scottish March" y la presencia de fragmentos dramáticos de primer orden en "Return from Elba" y "The Gattle  of Waterloo". Y a destacar también "The field  of the dead" para describir el pasaje de la batalla y el famoso "Waterloo Waltz" construido con el tema principal.

  Soberbio Rod Steiger, "En el calor de la noche" ("In the Heat of the Night"-1967) como Napoleón Bonaparte (el mejor Napoleón de la historia del cine). Y con el gran Steiger otro grande del cine mundial el ya mítico Cristopher Plummer, "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music"-1965), como el Duque de Wellington.

  Pero en esta obra maestra del cine histórico nos encontramos a otros monstruos sagrados del séptimo arte tales como el inmenso Orson Welles, "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941), como Luis XVIII; Jack Hawkins, "Ben-Hur"-1959, como Sir Thomas Picton; Vurginia McKenna, "El capitán pirata" ("Swallowns and Amazons"-1974), como la duquesa de Richmond; Dan O’Herlihy, "Robocop"-1987, como Michael Ney...etc.etc.

  Resumiendo: Una película que no tuvo el éxito esperado pero que para mi es toda una obra maestra del género, porque su filmación es verdaderamente excepcional, los actores fantásticos, el guión muy bien desarrollado, los decorados grandiosos, la fotografía memorable y su banada sonora maravillosa.   Matrícula de Honor.

  "Waterloo" obtuvo dos premios BAFTA: Vestuario y Dirección artística y un Premio David di Donatello a la Mejor película.

  A modo histórico: La batalla de Waterloo tuvo lugar el 18 de junio de 1815 en las proximidades de Waterloo, una población de la actual Bélgica situada a unos 20 kilómetros al sur de Bruselas, entre el ejército francés, comandado por el emperador Napoleón Bonaparte, contra las tropas británicas, holandesas y alemanas, dirigidas por el duque de Wellington, y el ejército prusiano del mariscal  de campo Gebhard von Blücher.

 

15/08/2017 20:13 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

¿Dónde vas Alfonso XII? - 1959

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                En recuerdo de: Paquita Rico 

             Dónde vas Alfonso XII

             ¿dónde vas triste de ti?.

              Voy en busca de Mercedes

              que hace tiempo no la vi...

  Exitosa y taquillera película española de género romance-histórico, basada en una historia de Juan Ignacio Luca de Tena. Un comediógrafo y periodista nacido en Madrid. Se licenció en derecho en la Universidad Central y desde muy joven se consagró al periodísmo en la empresa familiar. Fue miembro del consejo de administración de El Diario Vasco, constituido a finales de 1934 y muy vinculado a Renovación Española. En 1971 recogió sus recuerdos de una serie de personajes que se cruzaron en su vida en el libro titulado "Mis amigos muertos", publicado por Editorial Planeta.

  Su interés por el teatro fue muy madrugador a los 17 años estrenó su primera comedia "Lo que a de ser". Su comedia más citada fue "Don José, Pepe y Pepito"-1952, con "Dos mujeres a las nueve" recibió el premio nacional Jacinto Benavente en 1949. El teatro de Luca de Tena pertenece a la llamada "alta comedia" según los moldes establecidos por Jacinto Benavente. Fue uno de los representativos de esta tendencia escepística en la posguerra civil española.

  A Luca de Tena le ayudó en esta historia Manuel Tamayo. Un dramaturgo también nacido en Madrid. Sus primeros años transcurrieron viajando con la compañía de teatro a la que pertenecian sus padres. Empezó haciendo adaptaciones como "Juana de Arco"-1847. Fue nombrado Secretario perpetuo de la Real Academia Española en 1874 y director de la Biblioteca Nacional en 1884 ademas de pertenecer al cuerpo de archiveros durante varios años. Compuso un total de más de cincuenta piezas dramáticas.

  Del guión se hicieron cargo Luis Marquina, "Crucero de verano"-1964. Un guionísta y director de cine nacido en Barcelona. Fue amigo de infancia de Salvador Dalí. Hijo del dramaturgo Eduardo Marquina, consagró su vida al cine, en el que debutó como director en 1935 con "Don Quintín el amargao", adaptación de la obra de Carlos Arniches. Seguiría en activo durante cerca de cuatro décadas en el cine español, tanto en labores de dirección como de producción y guionísta.

  Y con Marquina colaboró el también director aqui Luis César Amadori. Un cineasta nacido en Pescara (Italia). Fue una notable figura de la época dorada del cine, teatro y del tango argentino. Nacido como bien he dicho en Italia emigró con su familia a los 5 años a Argentina. Comenzó sus estudios en una escuela primaria de Villa Ballester e hizo el bachillerato en el Colegio De La Salle en Buenos Aires. Cursó sus estudios universitarios de medicina en Córdoba en 1918, si bien los abandonó en favor de su vocación de escritor y adaptador de comedias francesas.

  Fue elegido por Walt Disney para dirigir el doblaje al español de sus películas "Fantasia", "Pinocho", "Dumbo" y "Bambi"; el director de fotografía de su película "Madreselva"-1938 fue el húngaro John Alton, quien luego desarrolló su carrera en Hollywood. Como guionísta cinematográfico utilizó el seudónimo de Gabriel Peña, como autor de revistas musicales el de Leo Carter, sus íntimos lo llamaban Gino. En 1955 emigró a España debido al golpe de Estado contra Juán Perón que instauró la auto-denominada Revolución Libertadora y comenzó a perseguirlo por sus ideas políticas. Se convirtió así en una de las figuras de la dirección en el cine español de los 50 y los 60, sobre todo de corte histórico.

  Se inició con Ivo Pelay para estrenar en el Teatro Nuevo una adaptación francesa titulada "Un buen muchacho", luego pasó al Teatro de la Comedia y, finalmente, se desempeñó por largo tiempo como empresario del Teatro Maipo (en 1940 compró la sala) donde montó decenas de espectáculos de revista. Incursionó también en el teatro lirico. Fue director de Argentores y ejerció la critica musical en más de 150 piezas teatrales y varios libros cinematográficos.

  La historia pues, nos mete en la vida del futuro rey de España, Alfonso XII que viaja a Paris como estudiante, después de que su madre Isabel II haya abdicado en su favor. Isabel, que acompaña a Alfonso, desea visitar a su hermana casada con el duque de Montpensser. En ese encuentro Alfonso conoce a su prima, Maria de las Mercedes, y el amor entre ellos surge de inmediato. El romance se desarrolla en Paris hasta que Alfonso debe regresar a España donde se ha vuelto a reinstaurar la monarquía. A pesar de la oposición de Isabel II, Alfonso contrae matrimonio con Mercedes. Pero la felicidad del joven matrimonio es efímera y las funestas predicciones que una gitana hiciera a la joven reina parecen cumplirse...

  Una bonita y taquillera película,si señor. No es una obra maestra del cine español como lo fueron aquellas de Bardem y Berlanga, pero si es una película que tuvo un enorme éxito tanto de critica como de público en aquellos tiempos. La película es pues todo un clásico del cine histórico nacional, donde se recrea la trágica historia de amor entre Alfonso de Borbón y su esposa y prima Maria de las Mercedes de Orleans a finales del siglo XIX.

  Muy bonita la fotografía a todo color creada por José F. Aguayo. Un director de fotografía nacido en Madrid. Debutó como director de fotogragía con "Castañuela"-1945, de Ramón Torrado, y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, la última, intervino en casi 120 películas. Destacando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña al principio de la posguerra, en titulos míticos como "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor"-1948, "El último cuplé"-1957, algunos de los grandes éxitos del cine español. Asi como con el realizador Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregular carrera, en titulos como "...Y al tercer año resucitó"-1980, "De camisa vieja a chaqueta nueva-1982. Aunque las mejores películas en las que colabora Aguayo son "Maribel y la extraña familia"-1960, de José Maria Forqué, basada en la obra teatral homónima de Miguel Mihura; "Mi calle"-1960, la última película del gran director Edgar Neville, y la censurada "El extraño viaje"-1964 del polifacético Fernando Fernán Gómez.

  Sin embargo, su gran aportación al cine español es como colaborador de Luis Buñuel en dos de sus obras maestras, dos de las pocas películas que realizó en España. En primer lugar, "Viridiana"-1961, la única producción nacional ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, en la que Aguayo hace una excelente fotografía realísta en blanco y negro. Y luego "Tristana"-1970, donde consigue unas perfectas tonalidades en color para narrar las peculiares relaciones del posesivo don Lope y la indefensa Tristana.

  Y en esta triste historia de amor haciendo gala de su gran profesionalidad para mostrarnos en un lujoso color una espléndida fotografía rodada en su mayoria en el palacio de Aranjuez y en los jardines de la Granja de San Rafael (Segovia).

  De la música se hizo cargo Guillermo Cases, "Fedra"-1956. Un compositor y pianísta nacido en Valencia. Sus comienzos fueron como compositor de zarzuelas, pero con el tiempo se convirtió también en compositor de bandas sonoras cinematográficas. Fue considerado un niño prodigio ya que a los doce años de edad era un magnífico concertista de piano.

  Y en esta historia de nuestra historia mostrándonos unas bonitas partituras y en donde sobresale el tema principal que da titulo a la película, una copla popular que se empezó a oirse en Madrid a raiz de la muerte de Maria de las Mercedes.

  Muy bien la pareja protagonísta y los dos muy jóvenes en esa época, ella: Paquita Rico, "La Tirana" -1958, como Maria de las Mercedes, él: Vicente Parra, "La semana del asesino"-1972, como Alfonso XII. Como digo muy bien los dos y destilando mucha química.

  Y con la romántica parejita un buen puñado de secundarios, tales como: Mercedes Vecino, "Pepa Doncel"-1969, como Isabel II; Tomás Blanco, "Adulterio a la española"-1976, como el duque de Sesto; José Marco Davó, "Cabriola"-1965, como Cánovas del Castillo; Jesús Tordesillas; "Cristo negro"-1963, como Ceferino; Lucia Prado, "El chulo"-1974, como la Infanta Isabel...

  En definitiva: Un clásico entre los clásicos del cine español que junto con unos decorados muy logrados una gran dirección, y un excelente reparto de actores, hacen de ello situar al espectador en pleno siglo XIX y por supuesto en plena historia de la monarquia española.   Sobresaliente.

  En 1960 Alfonso Balcázar realizó una segunda parte con el titulo de "¿Dónde vas triste de ti?" con de nuevo Vicente Parra de Alfonso XII y Marga López como Maria Cristina de Habsburgo (su segunda esposa). A decir verdad y aunque la película está muy bien realizada e interpretada pero no llegó a tener  mismo éxito que su antecesora.


08/08/2017 09:28 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                      Paquita Rico

                   "La trianera de bronce"

  El pasado dia 9 de julio falleció en Sevilla, en el hospital Infanta Luisa del barrio sevillano de Triana, ciudad en la que nació en 1929, la bellísima estrella del cine y la canción Paquita Rico que reinó en las pantallas españolas durante las décadas de los cincuenta y sesenta del siglo pasado. Lo de reinar no es exageración, ya que su mayor éxito fue encarnar a la reina consorte Maria de las Mercedes de Orleans y Borbón en la película "¿Dónde vas Alfonso XII?" (1959), papel que interpretaba el galán Vicente Parra. La gracia y espontaniedad con la que Paquita dió cuerpo a esa joven reina, que falleció a los 18 años a causa del tifus, conmovió a los públicos más populares, que abarrotaron los cines a lo largo de todo un año.

  Para entonces, Paquita Rico ya se había convertido junto a Lola Flores y Carmen Sevilla, en componente de las "mi arma" a lo largo de una veintena de películas "Brindis a Manolete" (1948), "Debla la virgen gitana" (1952), por la que en Cannes obtuvo la "copa de la simpatía", aunque ella aseguraba que también había ganado el premio de mejor actriz, arrebatándoselo a Bette Davis por "Eva al desnudo " ("All About Eve"-1950), lo que obviamente era falso; "Malvaloca" (1954), "Suspiros de Triana" (1955), "Curra Veleta" (1956)... Poco después sería una de las tres "mi arma" en "El balcón de la luna" (1962) y comenzaría a intervenir en otro tipo de películas de contenido dramático "¡Viva lo imposible!" (1958), "La Tirana" (1958), "Historia de una noche" (1963) el western "Tierra brutal " (The savage Guns"-1962) con el actor norteamericano Richard Basehart.

  En 1962 protagonizó la obra "Bodas de sangre" bajo la dirección teatral de José Tamayo. En esa época, Paquita Rico estaba casada con el novillero Juan Ordoñez, matrimonio que sólo duró cinco años, ya que él se quitó la vida en 1965. Tres años más tarde contrajo matrimonio con el industrial canario Guillermo Aroche, que falleció en 2002. Ya retirada de su profesión, la actriz se refugió en Sevilla, en su barrio de Triana, rodeada de su familia, a la que económicamente no cesó de ayudar durante sus años de éxito.

  Los orígenes de los Rico no pudieron ser más modestos. El padre fue vendedor de pescado, incapaz de alimentar a los suyos, y en cuanto Paquita cumplió 10 años se puso a trabajar; de una peluquería fue expulsada al descubrirse que se tomaba ella los biberones del hijo de la dueña, tanta era el hambre que pasaba.

  Descubierta como cantante en un programa de radio, fue contratada como telonera por el cantaor Pepe Pinto, pareja de La Niña de los Peines, que la presentó al público como "la gitana de bronce". Acompañada siempre por su madre, ambas dormian en las butacas de los teatros para ahorrarse el importe de una pensión por modesta que fuera. No aprendió a leer hasta su primera película, a los 19 años.

  Hubo altibajos en su carrera, algunos de ellos sorprendentes. Por ejemplo, tras el éxito de "¿Dónde vas Alfonso XII?" estuvo dos años sin contrato cinematográfico alguno, debiendo dedicarse junto con Vicente Parra a actuaciones en ferias y plazas de toros. Y después de la mano del productor Cesáreo González, hizo una gira por Latinoamérica en la que actuaba en los cines después de la proyección de la pelicula "Luna de miel" ("Honeymon"-1959), donde tenía un pequeño papel el bailarin Antonio, y con la que ella no tenía nada que ver. Paquita recordaba que actuaba en ocho funciones diarias: "Estaba vestida de gitana desde la mañana hasta la noche y no me quitaba la flor de la cabeza ni para dormir". Cesáreo González nos hizo ganar dinero pero también nos explotaba a conciencia.

  Tras su última película, "El Cid cabreador" (1983), se mantuvo como tertuliana en el programa radiofónico "Directamente Encarna", de la cadena Cope, e intervino por última vez con un papel en la serie de TVE "Hostal Royal Manzanares" protaginizado por Lina Morgan, en 1997.

  Francisca Martinez Rico (Paquita Rico) - Sevilla - 13 - octubre - 1929 - Sevilla - 9 - julio - 2017

                                 ¡DESCANSE EN PAZ!

05/08/2017 14:13 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Wall Street - 1987

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  "La codicia es correcta. La codicia funciona. La avaricia clarifica, atraviesa, y capta la esencia del espíritu evolucionísta. La codicia, en todas sus formas- la codicia por la vida, por dinero, por amor y por el conocimiento - ha marcado el incremento al alza de la humanidad."

                           Gordon Gekko

  Interesante película de nacionalidad estadounidense y de género dramático-financiero, con un guión escrito por Stanley Waiser, "El fantasma del paraiso" ("Phantom of the Paradise"-1974). Un guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la NYU Film School. Además de escribir para el cine también ha trabajado en varios largometrajes para la televisión. Sus comienzos fueron como asistente de producción de Brian De Palma y como camarógrafo asistente en el documental de Martin Scorsese, "Street Scenes".

  A Waiser le ayudó el también aquí director de la película Oliver Stone. Un director nacido en Nueva York. Abandonó una de las universidades más prestigiosas de Estados Unidos para alistarse en la guerra de Vietnam, donde le hirieron y fue condecorado. Después estudió en la Universidad de Nueva York, comenzó a escribir guiones y dirigió la película de terror "Reina del mal" ("Seizure"-1974). Tras su guión de "El expreso de medianoche" ("Midnight Express"-1978), que le reportó un Oscar realizó otra película de terror "La mano" ("The Hand"-1981). Luego escribió y dirigió "Salvador"-1986 y "Platoon"-1986, que marcarían el tono de sus mejores trabajos, casi siempre centrados en Vietnam y asuntos sociopolíticos, "Salvador" descubre la sórdida verdad de las relaciones entre Estados Unidos y Sudamérica, mientras que "Platoon", su primer Oscar como director es una historia autobiográfica sobre Vietnam que provocó una catarsis nacional.

  "Nacido el cuatro de julio" ("Born on the Fourth of July"-1989), su segunda obra maestra y también ganadora de otro Oscar, traslada a la pantalla la historia del antibelicísta y veterano del Vietnam Ron Kovic. La siguieron "The Doors"-1991, película sobre el grupo de rock del mismo nombre, y luego "J.F.K. : caso abierto" ("J.F.K."-1991), que generó una plémica sobre el asesinato del presidente Kennedy. Después su obra no ha sido tan regular, "El cielo y la tierra" ("Heaven and Earth"1993) decepcionó, mientras que "Asesinos natos" ("Natural Born Killers"-1994) refleja la curiosidad que la violencia despierta en la sociedad. La biográfica "Nixon"-1995 resulta fascinante y "Giro al infierno" ("U-Turn"-1997) es solo correcta.

  En el siglo XXI Stone rodó varios cortometrajes sobre Fidel Castro, antes de dirigir "Alejandro Magno" ("Alexander"-2004), un sonoro fracaso. Luego dió un giro de 180º al dirigir "World Trade Center"-2006), reflexión acerca del fatídico 11 de septiembre para celebrar el heroísmo personal. Su último trabajo al dia de hoy para el cine ha sido "Snowden"-2016 basada en el libro de Luke Harding.

  La acción tiene lugar en Nueva York en 1987, a lo largo de unos meses, y nos narra la historia de varios personajes entre ellos la de Bud Fox, un brooker financiero de una compañía mediana, inteligente y ambicioso, que acepta gestionar la cuenta de un tiburón, Gordon Gekko, que bajo el lema "la codicia es buena" desarrolla una intensa actividad especulativa en activos reales y financieros. Busca plusvalias rápidas, sin miramientos. Bud consigue llamar la atención de Gordon, que le encarga labores ilegales de espionaje financiero y de propagación interesada. Bud obtiene a cambio dinero, ascenso profesional y la compañía amorosa de Darin Taylor...

  La historia pues, nos describe la vorágine en torno a la bolsa de Nueva York y de Wall Street, en un mundo dominado por el dinero, la rapidez de las transaciones, la obtención de información solvente, la difusión de información sesgada, la lucha por el poder en las empresas, las batallas para imponerse a los competidores y el imperio del dinero como valor central de la actividad humana. Es un mundo dominado por la especulación, que no conoce principios, y en el que, con frecuencia se bordea la ilegalidad. Marca el contrapunto Carl Fox padre de Bud, mecánico de mantenimiento y lider del comité de empresa de una compañía aérea. Su respeto por los valores (lealtad, veracidad, honradez), le enfrentan a Gordon y también a Bud. En el mundo de Gordon todo es excesivo (el despacho, los beneficios, los gestos). Refleja la megalomanía de una persona mecánica, poseida por un afán compulsivo e insaciable de amasar dinero. La película constituye un interesante documento sobre el mundo de las finanzas y de los negocios de Nueva York en los años 80.

  La banda sonora está dirigida por Stewart Copeland, "La ley de la calle" ("Rumble Fish"-1983). Un compositor nacido en Virginia y mejor conocido por ser uno de los miembros del trio de rock británico The Police. Es completamente considerado como uno de los mejores y más influyentes baterias del rock de todos los tiempos. Su manera de ejecución hacia el instrumento, influyó en afamados baterias como: Joey Jordison, Travis Barker, Alex González, entre otros.

  Y en esta interesante historia sobre el mundo de las finanzas neoyorkino mostrándonos una música instrumental, que está al servicio de la tensión del relato. Comienza con la canción "Fly Me To The Moon" a cargo de Frank Sinatra, a la que añade otras como "America Is Waiting" y "Mea Culpa", con voz de David Byrne.

  De la fotografía se ocupó Robert Richardson. Un director de fotografía nacido en Massachusetts. Se graduó en la Escuela de Diseño de Rhode Island en Cine, Animación y Video. En 1984 trabajó como operador de cámara y segundo fotógrafo. En 1981 ganó el primero de sus premios de la Academia por "J.F. K.". En 1992 trabajó como director de fotografía en "Algunos hombres buenos" ("A Tew Good Men"). Con "Casino"-1995, comenzó su relación con Martin Scorsese, con quien volvió a trabajar en la oscarizada "El aviador" ("The Aviator-2004) con la que obtuvo su segundo Oscar.

  Y en esta historia donde el dinero nunca duerme moviéndo la cámara con agilidad, adoptando en ocasiones un formato documentalísta (cámara al hombro), recreándose en las imágenes espectaculares de Nueva York y transmitiendo un dibujo realísta del bullicio de Wall Street.

  Muy bien Michael Douglas, "La sombra de la sospecha" ("The Sentinel"-2006) como Gordon Gekko (un papel a su medida). Un individuo sin escrúpulos que se ha hecho a si mismo amansando una gran fortuna. Y magnífico Charlie Sheen, "Asalta como puedas" ("Free Money"-1998), como Bud Fox. Un joven y ambicioso corredor de bolsa que consiguió terminar sus estudios universitarios gracias a su esfuerzo y al de su padre, que no es otro que el siempre interesante Martin Sheen (también padre en la vida real), "Infiltrados" ("The Departed"-2006) y aquí como Carl Fox, un mecánico y al mismo tiempo el lider del sindicato.

  Y con ellos un buen puñado de secundarios (por llamarles asi) tales como: Daryl Hannah, "Corazones de guerra" ("The Poet "-2007), como Darien Taylor; Terence Stamp, "Valkiria" ("Valkyrie"-2008), como Sir Larry Wildman; Hal Holbrook, "Un gran dia" ("Good Day for It"-2011), como Lou Mannheim; Tamara Tunie, "El vuelo" ("Flight"-2012), como Carolyn; etc.etc.

  Resumiendo: Una interesante película sobre aspectos revelantes del mundo despiadado de brokers y tiburones que pululan Wall Street.  Sobresaliente.

  Michael Douglas logró el Oscar al Mejor actor.

  Este fué el año de "El último emperador" ("The Last Emperor") de Bernardo Bertolucci, que logró un total de 9 Oscars.

 

31/07/2017 19:53 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Pacto de honor (The Indian Fighter - 1955)

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              En recuerdo de: Elsa Martinelli

  "Aquel que nos lleva a la destrucción, y en el que cada uno debe hacer lo que pueda para lo más importante: sobrevivir..."

  Magnífica película de nacionalidad estadounidense y de género de western, basada en una historia de Robert L. Richards, "Acto de violencia" ("Act of Violence"-1948). Un escritor norteamericano donde trabajó en un número de películas notables en los años 40 y 50. También en la radio escribió varias series sobre todo de suspense en la CBS desde 1942 hasta 1962. Fué incluido en la lista negra de Hollywood donde tuvo que escribir bajo varios seudónimos para conseguir ttrabajo hasta que finalmente se rindió y se convirtió en carpintero. Murió en México amargado por la carrera que había perdido.

  Del guión se hicieron cargo Frank Davis, "El tren" ("The Train"-1964). Un veterano novelísta nacido en Los Angeles. Sus comienzos fueron en el cine mudo con los westerns protagonizados por el legendario Tim McCoy. Y por Ben Hecht, "Recuerda" ("Spelibound"-1945). Un prolífico cineasta nacido en Nueva York y llamado el Shakespeare de Hollywood. Fué el primer guionísta que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima que muchos de los 90 guiones que escribió fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de los años 40. El boicot fue una respuesta al apoyo de Hecht al movimiento sionísta en Palestina, llegando a llamarse uno de los barcos de aprovisionamiento a Palestina en honor a él.

  "Pacto de honor" está dirigida por André De Toht. Un director nacido en Hungria pero nacionalizado estadounidense. De Toht fue un director de películas de todos los géneros pero será especialmente recordado por su película "Los crimenes del museo de cera" ("House of Wax"-1953), probablemente la más famosa de las películas 3D que se realizaron en aquella época. Había perdido un ojo a muy temprana edad lo que le une a la nómina de ilustres directores tuertos de la que forman parte John Ford, Raoul Walsh, Nicholas Ray y Fritz Lang.

  Estudió derecho en la Universidad Real de Hungria, y se licenció en 1930. Sin embargo atraido por el mundo teatral, se unió al autor húngaro Ferenc Molnár, comenzando a escribir para el teatro. Del teatro pasó al mundo del cine trabajando como escritor, asistente de dirección, actor y finalmente director.

  En 1939 llegó a dirigir cinco películas en Europa, pero su carrera se vió interrumpida por el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Para huir de la guerra se trasladó a Inglaterra. Allí trabajó como asistente de su compatriota Alexander Korda. Finalmente, en 1942 se trasladó a Estados Unidos.

  En América, a pesar de tener un contrato verbal con la Columbia, prefirió librarse de él para trabajar independientemente. Fue un director de películas de género, como el western, cine de terror, cine policiaco, etc.

  Se casó en siete ocasiones, su esposa más famosa fue la estrella de los años cuarenta Verónica Lake, con quien estuvo casado desde 1944 hasta 1952, y con quien tuvo un hijo y una hija.

  La acción se desarrolla en 1870 y en donde una caravana que intenta llegar hasta Oregón tiene que detenerse en un pequeño puesto fronterizo, pues no es prudente que atraviese el territorio sioux. Desde el fuerte Laramie envian a un hombre experimentado en el trato con los indios para que actúe como intermediario...

  Una pelicula llena de un gran dinamismo, si señor. Una película de gran emoción y de una fuerza dramática poco común en su género..

  Cuenta con una magnífica fotografía en color y en formato Cinemascope muy bien aprovechado por Wilfred M. Cline, "La ley del talión" ("The Last Wagon"-1956). Un director de fotografía nacido en Los Angeles. Debutó en 1928 y en 1934 se especializó en la fotografía en color, de acuerdo con el método del technicolor. Trabajó a lo largo de su carrera en más de ochenta películas. También trabajó para la televisión desde 1954 hasta 1971 su trabajo más famoso para la pequeña pantalla fueron los setenta y cinco episodios de la exitosa serie "Valle de pasiones" ("The Big Valley"-1965-69), protagonizados por Barbara Stanwyck.

  Y en este clásico del western ofreciéndonos unas secuencias vibrantes, de gran realísmo, de excelente concepción y de una realización impecable. Todos los exteriores fueron rodados en el estado de Oregón y los interiores en los estudios MGM.

  De la banda sonora se ocupó Franz Waxman. Un célebre compositor nacido en Alemania, pero como es de suponer nacionalizado estadounidense. Un hombre conocido principalmente por sus trabajos para el género de música cinematográfica. Waxman fue el compositor de la música de grandes obras maerstras tales como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) y "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954). También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959 y "La canción de Terezin"-1965, una obra para orquesta, coro y coro de niños basada en los poemas escritos por los niños del Campo de Concentración de Theresienstadt durante la Segunda Guerra Mundial. Waxman también fundó el Festival de Música de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos como de compositores de música para concierto.

  Y en este western donde la paz tiene que predilecer por encima de todo deleitándonos con unos temas sensacionales dando así mucha más emoción y tensión a este sobresaliente pacto de honor.

  Extraordinario Kirk Douglas, "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), metido en el cuerpo de Johnny Hawks, un hombre que tendrá que hacer todo lo posible para restablecer la paz en el lugar. Y con el gran Douglas y en uno de sus primeros papeles para la gran pantalla Walter Matthau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) como el codicioso Wes Tood.

  Y con estos dos grandes de Hollywood la debutante y bellísima Elsa Martinelli, "Hatari"-1962 en el papel de la joven india Onahti (se dice que Douglas su descubridor tuvo sexo con ella durante todo el rodaje). Pero también nos encontramos a un secundario de lujo Lon Chaney Jr., "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955) como Chivington el socio de Wes. Y sin olvidar a la esposa en la vida real de Douglas me refiero a Diana Douglas, "El rey de los cobras" ("Jaws of Satan"-1981) y aquí en el papel de Susan Rogers.

  En definitiva: Con toda seguridad el mejor western de André De Toht, y uno de los más recomendables de mediados de los cincuenta, ya que además nos ofrece un mensaje ideológico que al menos no es anti-indio y que reivindica un cierto mestizaje y una paz y diálogo entre las diferentes culturas, pueblos y razas de Estados Unidos.

  Lástima que sólo fuera una película, porque la realidad fue bien distinta.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: Esta película fue la primera película de Bryna, la productora creada por Kirk Douglas y bautizada en honor de su madre.

21/07/2017 19:14 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                     Elsa Martinelli

                        La diva elegante

  El pasado dia 8 falleció a la edad de 82 años la actriz italiana Elsa Martinelli.

  Su nombre real era Elsa Tia. En 1953 se trasladó con su familia desde su Toscana natal a Roma, donde fascinó al modisto Roberto Capucci y, gracias a él, comenzó su carrera como modelo de moda. En la década de 1950 empezó a participar en películas. Fué especialmente importante su participación en el western "Pacto de honor" ("The Indian Fighter"-1955), dirigida por André de Toth y protagonizada por Kirk Douglas y Walter Matthau. Fue el propio Douglas quien quiso que Elsa actuara tras haber visto una foto suya en una revista norteamericana. En 1956 ganó en el Festival de Cine de Berlín un Oso de Plata a la mejor actriz por su papel en "Donatella" de Mario Monicelli.

  Elsa Martinelli se casó por primera vez en 1957 con el conde Franco Mancinelli Scotti di San Vito, con el que tuvo una hija, Cristina Msncinelli en 1958 y que también inició una breve carrera como actriz que no llegó a prosperar. En 1968 Elsa Martinelli se casó en segundas nupcias con el fotógrafo y diseñador de muebles Willy Rizzo, de quien posteriormente se divorció.

  Su carrera cinenatográfica tuvo desde el principio una gran proyección internacional, y entre mediados de la década de 1950 y finales de la siguiente se dividió entre Estados Unidos y Europa (aquí especialmente entre Italia y Francia). Trabajó con directores como Orson Welles y Howard Hawks, y junto a actores como Marcello Mastroiani, John Wayne o Robert Mitchum. En 1970 viajó a Perú y Chile para el rodaje de "La Araucana"-1971, dirigida por el español Julio Coll e inspirada en el poema épico homónimo escrito por Alfonso de Ercilla y Zúñiga. En esta película, la actriz encarnó a Inés de Suárez, compañera del conquistador Pedro de Valdivia. A partir de entonces sólo estuvo esparódicamente en alguna película, series de televisión o telefimes italianos.

  En 1971 presentó el Festival de San Remo junto a Carlo Giuffré. Su último trabajo fue en 2005 en la serie televisiva "Orgoglio" ("Orgullo") donde interpretaba a la duquesa de Monteforte. En 1995 publicó su autobiografía titulada "Sono Come sono. Dalla dplce vita e ritorno".

  Elsa Tia Martinelli (Elsa Martinelli) - Grosseto (Italia) - 30 - enero - 1935 - Roma (Italia) - 8 - julio - 2017

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

15/07/2017 18:52 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.


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