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Pacto de honor (The Indian Fighter - 1955)

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              En recuerdo de: Elsa Martinelli

  "Aquel que nos lleva a la destrucción, y en el que cada uno debe hacer lo que pueda para lo más importante: sobrevivir..."

  Magnífica película de nacionalidad estadounidense y de género de western, basada en una historia de Robert L. Richards, "Acto de violencia" ("Act of Violence"-1948). Un escritor norteamericano donde trabajó en un número de películas notables en los años 40 y 50. También en la radio escribió varias series sobre todo de suspense en la CBS desde 1942 hasta 1962. Fué incluido en la lista negra de Hollywood donde tuvo que escribir bajo varios seudónimos para conseguir ttrabajo hasta que finalmente se rindió y se convirtió en carpintero. Murió en México amargado por la carrera que había perdido.

  Del guión se hicieron cargo Frank Davis, "El tren" ("The Train"-1964). Un veterano novelísta nacido en Los Angeles. Sus comienzos fueron en el cine mudo con los westerns protagonizados por el legendario Tim McCoy. Y por Ben Hecht, "Recuerda" ("Spelibound"-1945). Un prolífico cineasta nacido en Nueva York y llamado el Shakespeare de Hollywood. Fué el primer guionísta que recibió un Oscar al mejor guión original. Se estima que muchos de los 90 guiones que escribió fueron de forma anónima, debido al boicot británico contra su trabajo a finales de los años 40. El boicot fue una respuesta al apoyo de Hecht al movimiento sionísta en Palestina, llegando a llamarse uno de los barcos de aprovisionamiento a Palestina en honor a él.

  "Pacto de honor" está dirigida por André De Toht. Un director nacido en Hungria pero nacionalizado estadounidense. De Toht fue un director de películas de todos los géneros pero será especialmente recordado por su película "Los crimenes del museo de cera" ("House of Wax"-1953), probablemente la más famosa de las películas 3D que se realizaron en aquella época. Había perdido un ojo a muy temprana edad lo que le une a la nómina de ilustres directores tuertos de la que forman parte John Ford, Raoul Walsh, Nicholas Ray y Fritz Lang.

  Estudió derecho en la Universidad Real de Hungria, y se licenció en 1930. Sin embargo atraido por el mundo teatral, se unió al autor húngaro Ferenc Molnár, comenzando a escribir para el teatro. Del teatro pasó al mundo del cine trabajando como escritor, asistente de dirección, actor y finalmente director.

  En 1939 llegó a dirigir cinco películas en Europa, pero su carrera se vió interrumpida por el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Para huir de la guerra se trasladó a Inglaterra. Allí trabajó como asistente de su compatriota Alexander Korda. Finalmente, en 1942 se trasladó a Estados Unidos.

  En América, a pesar de tener un contrato verbal con la Columbia, prefirió librarse de él para trabajar independientemente. Fue un director de películas de género, como el western, cine de terror, cine policiaco, etc.

  Se casó en siete ocasiones, su esposa más famosa fue la estrella de los años cuarenta Verónica Lake, con quien estuvo casado desde 1944 hasta 1952, y con quien tuvo un hijo y una hija.

  La acción se desarrolla en 1870 y en donde una caravana que intenta llegar hasta Oregón tiene que detenerse en un pequeño puesto fronterizo, pues no es prudente que atraviese el territorio sioux. Desde el fuerte Laramie envian a un hombre experimentado en el trato con los indios para que actúe como intermediario...

  Una pelicula llena de un gran dinamismo, si señor. Una película de gran emoción y de una fuerza dramática poco común en su género..

  Cuenta con una magnífica fotografía en color y en formato Cinemascope muy bien aprovechado por Wilfred M. Cline, "La ley del talión" ("The Last Wagon"-1956). Un director de fotografía nacido en Los Angeles. Debutó en 1928 y en 1934 se especializó en la fotografía en color, de acuerdo con el método del technicolor. Trabajó a lo largo de su carrera en más de ochenta películas. También trabajó para la televisión desde 1954 hasta 1971 su trabajo más famoso para la pequeña pantalla fueron los setenta y cinco episodios de la exitosa serie "Valle de pasiones" ("The Big Valley"-1965-69), protagonizados por Barbara Stanwyck.

  Y en este clásico del western ofreciéndonos unas secuencias vibrantes, de gran realísmo, de excelente concepción y de una realización impecable. Todos los exteriores fueron rodados en el estado de Oregón y los interiores en los estudios MGM.

  De la banda sonora se ocupó Franz Waxman. Un célebre compositor nacido en Alemania, pero como es de suponer nacionalizado estadounidense. Un hombre conocido principalmente por sus trabajos para el género de música cinematográfica. Waxman fue el compositor de la música de grandes obras maerstras tales como: "La novia de Frankenstein" ("The Bride of Frankenstein"-1935), "Rebeca" ("Rebecca"-1940) y "La ventana indiscreta" ("Rear Window"-1954). También compuso obras de concierto, incluyendo el oratorio "Joshua"-1959 y "La canción de Terezin"-1965, una obra para orquesta, coro y coro de niños basada en los poemas escritos por los niños del Campo de Concentración de Theresienstadt durante la Segunda Guerra Mundial. Waxman también fundó el Festival de Música de Los Angeles en 1947 en el que dirigió un importante número en la Costa Oeste tanto de compositores de cine compañeros suyos como de compositores de música para concierto.

  Y en este western donde la paz tiene que predilecer por encima de todo deleitándonos con unos temas sensacionales dando así mucha más emoción y tensión a este sobresaliente pacto de honor.

  Extraordinario Kirk Douglas, "El loco de pelo rojo" ("Lust for Life"-1956), metido en el cuerpo de Johnny Hawks, un hombre que tendrá que hacer todo lo posible para restablecer la paz en el lugar. Y con el gran Douglas y en uno de sus primeros papeles para la gran pantalla Walter Matthau, "La extraña pareja" ("The Odd Couple"-1968) como el codicioso Wes Tood.

  Y con estos dos grandes de Hollywood la debutante y bellísima Elsa Martinelli, "Hatari"-1962 en el papel de la joven india Onahti (se dice que Douglas su descubridor tuvo sexo con ella durante todo el rodaje). Pero también nos encontramos a un secundario de lujo Lon Chaney Jr., "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955) como Chivington el socio de Wes. Y sin olvidar a la esposa en la vida real de Douglas me refiero a Diana Douglas, "El rey de los cobras" ("Jaws of Satan"-1981) y aquí en el papel de Susan Rogers.

  En definitiva: Con toda seguridad el mejor western de André De Toht, y uno de los más recomendables de mediados de los cincuenta, ya que además nos ofrece un mensaje ideológico que al menos no es anti-indio y que reivindica un cierto mestizaje y una paz y diálogo entre las diferentes culturas, pueblos y razas de Estados Unidos.

  Lástima que sólo fuera una película, porque la realidad fue bien distinta.   Sobresaliente.

  Como curiosidad: Esta película fue la primera película de Bryna, la productora creada por Kirk Douglas y bautizada en honor de su madre.

21/07/2017 19:14 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                     Elsa Martinelli

                        La diva elegante

  El pasado dia 8 falleció a la edad de 82 años la actriz italiana Elsa Martinelli.

  Su nombre real era Elsa Tia. En 1953 se trasladó con su familia desde su Toscana natal a Roma, donde fascinó al modisto Roberto Capucci y, gracias a él, comenzó su carrera como modelo de moda. En la década de 1950 empezó a participar en películas. Fué especialmente importante su participación en el western "Pacto de honor" ("The Indian Fighter"-1955), dirigida por André de Toth y protagonizada por Kirk Douglas y Walter Matthau. Fue el propio Douglas quien quiso que Elsa actuara tras haber visto una foto suya en una revista norteamericana. En 1956 ganó en el Festival de Cine de Berlín un Oso de Plata a la mejor actriz por su papel en "Donatella" de Mario Monicelli.

  Elsa Martinelli se casó por primera vez en 1957 con el conde Franco Mancinelli Scotti di San Vito, con el que tuvo una hija, Cristina Msncinelli en 1958 y que también inició una breve carrera como actriz que no llegó a prosperar. En 1968 Elsa Martinelli se casó en segundas nupcias con el fotógrafo y diseñador de muebles Willy Rizzo, de quien posteriormente se divorció.

  Su carrera cinenatográfica tuvo desde el principio una gran proyección internacional, y entre mediados de la década de 1950 y finales de la siguiente se dividió entre Estados Unidos y Europa (aquí especialmente entre Italia y Francia). Trabajó con directores como Orson Welles y Howard Hawks, y junto a actores como Marcello Mastroiani, John Wayne o Robert Mitchum. En 1970 viajó a Perú y Chile para el rodaje de "La Araucana"-1971, dirigida por el español Julio Coll e inspirada en el poema épico homónimo escrito por Alfonso de Ercilla y Zúñiga. En esta película, la actriz encarnó a Inés de Suárez, compañera del conquistador Pedro de Valdivia. A partir de entonces sólo estuvo esparódicamente en alguna película, series de televisión o telefimes italianos.

  En 1971 presentó el Festival de San Remo junto a Carlo Giuffré. Su último trabajo fue en 2005 en la serie televisiva "Orgoglio" ("Orgullo") donde interpretaba a la duquesa de Monteforte. En 1995 publicó su autobiografía titulada "Sono Come sono. Dalla dplce vita e ritorno".

  Elsa Tia Martinelli (Elsa Martinelli) - Grosseto (Italia) - 30 - enero - 1935 - Roma (Italia) - 8 - julio - 2017

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

15/07/2017 18:52 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Wyatt Earp - 1994

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  "Salta, y deja que te crezcan alas en el camino hacia abajo..."

    Entretenida película de nacionalidad norteamericana y de género de western-biográfico y basada en hechos reales. Del guión se hicieron cargo, Dan Gordon, "Huracán Carter" ("The Huricane"-1999). Un guionísta nacido en Jezreel (Israel). Se graduó en la Universidad del Sur de California (UCLA) como director de cine y televisión, como doble ciudadano israelí-estadounidense, sirvió en el ejército israelí cuando era joven. Su obra "Irena’s Vow", se estrenó en el Baruch Perfoming Arts Center de Nueva York en septiembre de 2008, es la verdadera historia de Irena Gut, que escondió a doce judios en un sótano durante la Segunda Guerra Mundial. En 2012 dejó el Instituto de Zaki Gordon después de fundar este centro para artes cinematográficas, para dedicarse a implantar clases en la Universidad de la Libertad. Fué miembro del Diretors Guild of America desde 1985 hasta el 2011.

  Gordon fue ayudado en el guión por el también director de la película Lawrence Kasdan. Un director y guionísta nacido en Miami (Florida). De familia judia, se crió en Morgantown (Oeste de Virginia). Tras ganar fama como guionísta de la primera secuela de "La guerra de las galaxias"-1980, Kasdan escribiría el guión de su primera película como director "Fuego en el cuerpo" ("Body Heat"-1981), película que fue un éxito de critica y de público. En ella trabajaban actores jóvenes que se convertirían en estrellas de la década como William Hurt, Kathelen Tuner y Mickey Rourke. En el mismo año, también participaría junto a Steven Spielberg y George Lucas en la creación del personaje de Indiana Jones, y participaría en su guión.

  Su siguiente película como director sería "Reencuentro" ("The Big Chill"-1983), una comedia coral en la que aparecían actores destacados como Tom Berenguer y Glenn Close entre otros. En esta película aparecía también Kevin Costner, al que convertiría en estrella en su siguiente película, un western titulado "Silverado"-1985 y en donde volvió a cosechar un éxito comercial si bien, no logró el objetivo de revitalizar el western que llevaba años de capa caida tras el fracaso de "La puerta del cielo" ("Haven’s Gate"-1980) de Michael Cimino. La critica consideró que la película con ser entretenida, poco aportaba al género y era más bien una recopilación de westerns anteriores.

  En 1988 adaptaría la novela de Anne Tyler ("The Accidental Tourist" ("El turista accidental), en esta película volvería a reunir a la pareja protagonísta de "Fuego en el cuerpo", William Hurt y Kathelen Turner, junto a ellos completaba el triángulo amoroso Genna Davis, que ganaría un Oscar como mejor actriz secundaria, por esta pelìcula. En 1990 repite con una comedia coral "Te amaré hasta que te mate" ("I Love You to Death") donde vuelve a trabajar con viejos conocidos como Kevin Kline o William Hurt y con nuevas estrellas como Keanu Reeves o el malogrado River Phoenix.

  En 1991, realizaría la que para algunos es su obra maestra, "Grand Canyon", una película coral, llena de grandes interpretaciones y de grandes momentos, la película narra la historia de varias familias de la ciudad de Los Angeles que se entrecruzan constantemente.

  En 1994 Kasdan, volvería a dirigir un western, "Wyatt Earp", una ambiciosa película protagonizada por Kevin Costner que daba vida al famoso sheriff, y que contaba con un gran número de estrellas, sin embargo, en esta ocasión la película no está a la altura de las expectativas, y su desmedido metraje, la convirtieron para muchos en una película aburrida, si bien siempre se puede destacar la gran interpretación de Dennis Quaid en el papel de Doc Holliday. Puede darse el dato curioso que Costner que había empezado a convertirse en estrella con el primer western de Kardan, comenzaría su declive justamente con esta película.

  Escarmentado del western y de las superproducciones, la siguiente película de Kasdan "French Kiss"-1995) sería una comedia menor, aunque entretenida, en ella volvía a contar con Kevin Kline y lo emparejaba con Meg Ryan, actriz siempre eficaz en la comedia romántica.

  Sus dos últimas peliculas, "Mumford"-1999 y "El cazador de sueños" ("Dreamcatcher"-2003) no han abierto las expectativas que siempre crean una película de Kasdan, si bien tiene una buena filmografía corta como director si es en la mayoría de los casos bastante más que interesante.

  En 2015 escribió y produjo los episodios VIII y IX de la saga "Star Wars" junto a Simon Kinberg.

  Kasdan pues,  nos mete en la vida de Wyatt Earp. Nacido en una granja de Iowa, allí huye de su hogar, en plena Guerra Civil (1861-1865), para alistarse en el ejército de la Unión, pero su padre le obliga a volver a casa porque todavía es demasiado joven. Entonces decide estudiar leyes y casarse pero su esposa muere de fiebres tifoideas antes de que pueda tener hijos. Completamente abatido, Earp se da a la bebida y se dedica a robar ganado, pero su padre lo encuentra y lo devuelve al camino recto. Un nuevo Wyatt Earp acaba de nacer...

  Cuenta con una buena fotografía en color a cargo de Owen Roizman. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Si bien es cierto que Roizman fue clasificado como especialista en iluminar películas cuya acción transcurre en barrios callejeros y demás núcleos urbanos descriminados, como es el caso de "The French Connection"-1971, por lo que recibió su primera nominación al Oscar, destacó también en el resto de ambientes y géneros que van desde la comedia como "El rompecorazones" ("The Heartbreak Kid"-1972), película sin demasiada trascencendencia, o "French Kis"-1995, donde se erigió como virtuoso maestro de la luz al crear la más romántica de las atmósferas del Paris moderno sin recurrir al arquetipo americano y su visión costumbrista de Europa.

  Y en este western poco valorado aunque el tiempo lo ha puesto en su sitio, ofreciéndonos unas estupendas imágenes con escenas llenas de acción y emoción. La pelicula se rodó en su mayoría en la ciudad de Alburqueque (Nuevo México), y en los estudios de la Warner Bros Pictures.

  De la banda sonora se ocupó James Newton Howard, "Pretty Woman"-1990. Un compositor nacido en Los Angeles. A través de su prolífica carrera como compositor, musico y escritor de canciones, Howard ha compuesto partituras de todas las escalas y géneros, ganando múltiples nominaciones por su trabajo. Inició sus estudios de música desde temprana edad al cursar sus estudios en la Music Academy of the West en Santa Bárbara (California), para luego estudiar sobre la interpretación de piano en la Universidad del Sur de California. Posteriormente dejó la universidad para colaborar con Elton John  como teclista durante los años 70 e inicios de los 80 antes de convertirse en compositor filmico a mediados de los 80. Su orquestación tiende a ser luminosa, más alejada de otros estilos y es muy frecuente la presencia que tienen en su obra los clarinetes, las flautas y todas las maderas en general. Ultimamente ha incluido en sus bandas sonoras solos de violín y violoncello muy apreciables.

  Y en esta notable biografía de un mito del viejo oeste, rindiendo un homenaje explícito a las clásicas partituras occidentales de los grandes de Hollywood como Dimitri Tiomkin y Alfred Newman. A su vez estimulante, tierna y agridulce, es música de proporciones míticas, evocando brillantemente la grandeza del viejo oeste. Howard subyuga temas de acción tradicionales a favor de un enfoque pastoral que canaliza el heroísmo cotidiano de la vida pionera: las caidas del martillo de la construcción del ferrocarril reciben tanta atención temática como el tiroteo climático en el OK Corral, y el romance y el tiroteo coexisten como iguales. Cada uno el yin al yang del otro.

  Muy bien Kervin Costner, "Bailando con lobos" ("Dances with Wolves"-1990) metido en el cuerpo de Wyatt Earp, y soberbio Dennis Quaid, "En el punto de mira" "Vantage Point-2008) en el papel de Doc Hollyday, sin olvidarnos del gran Gene Hackman, "Bajo sospecha" ("Under Suspicion"-2000), como Nicholas Earp el padre de Wyatt. Y todos arropados por unos secundarios (por llamarles asi) de auténtico lujazo como por ejemplo: Michael Madsen, "El toro de bronce" ("The Brazen Bull"-2010) como Virgil Earp; Joanna Going, "Unidos por el destino" ("Still Brathing"-1998) como Jossie Marcus; Linden Ashby, "Cazadores de sangre" ("Against the Dark"-2009) como Morgan Earp; Isabella Rossellini, "La fiesta del chivo" ("The Feast of the Goat"2006), como Kate. Y un largo etc. de como he dicho de grandes y estupendos secundarios.

  En definitiva: Un entretenido e infravalorado western cuyo mayor reproche debería ser su excesivo metraje. En una década en que el género agonizaba, y gracias al respiro que le dió Clint Eastwood con su magistral "Sin perdón" ("Unforgiven"-1992). Kasdan se atrevió a contar de nuevo la historia del duelo de OK Corral, apuesta sin duda arriesgada dados sus antecedentes, pero sus resultados fueron para mi más que meritorios. Un western de nervio, de brillante puesta en escena y magnificamente interpretado.   Sobresaliente.

  A modo histórico: Wyatt Berry Stapp Earp, nació en Monmouth (Illinois) el 19 de marzo de 1848 y falleció en Los Angeles (California) el 13 de enero de 1929.


02/07/2017 14:04 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Wasabi:El trato sucio de la mafia (Wasabi-2001)

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  "Algún dia me decidiré y pondré una frase ingeniosa, atrevida, impactante..."

  Interesante thriller de nacionalidad francesa de género de acción, escrito por Luc Besson. Un cineasta nacido en Paris. Besson que comenzó su carrera como director con la película de acción "Nikita, dura de matar" ("La femme Nikita"-1990), historia de una hermosa asesina, se ha convertido en uno de los realizadores más visibles y taquilleros de caras películas de acción.

  Originalmente quería ser biólogo marino y especializarse en delfines pero un accidente de buceo durante la adolescencia le impidió volver a sumergirse. La pérdida del mundo acuático se convirtió en una ganancia para el mundo del cine. Antes de la mencionada "Nikita", dirigió algunas películas como el thriller de culto "Subway: En busca de Freddy" ("Subway"-1985), y "El gran azul" ("The Big Blue"-1988), festival de impresionantes imágenes oceánicas.

  En 1994, "El profesional" ("León") constituyó su primera incursión en el cine rodado en inglés. Con ella introdujo en Estados Unidos al principal actor del cine francés, Jean Reno. también supuso el inicio de la carrera de Natalie Portman que realizó una interpretación enérgica de una huérfana recogida por un asesino a sueldo.

  "El quinto elemento" ("The Fifth Elememant"-1997) produciría más perplejidad. Era una comedia de ciencia-ficción, que cimentó la reputación de Besson como una especie de autor retorcido, afectado y desmesurado. Protagonizada por Bruce Willis y por Milla Jovovich, que luego sería la segunda esposa de Besson, se ha convertido desde entonces en una especie de éxito de culto, destacada por sus impresionantes imágenes. No se puede decir lo mismo de "Juana de Arco" ("Jeanne d’Arc"-1999), criticada por ser en gran medida inescrutable y por estar plagada de ego, insipidez e impresiciones históricas. Este fracaso situó a Besson entre bastidores como productor y guionísta de diversos proyectos. Regresó a la dirección con "Angel-A"-2005, a la que siguió la aventura familiar de animación "Arthur y los Minimoys" ("Arthur et les Minimoys"-2006).

  "Wasabi: El trato sucio de la mafia" está dirigida por Gérard Krawczyk. Un director, escritor y actor nacido en Paris. Después de graduarse en Economía y Administración Pública en la Universidad de Paris, realizó su formación en el IDHEC y allí comenzó a realizar comedias cortas para festivales emergentes. Su primer largometraje fue "Je hais les acteurs"-1986. La película fué nominada para el César a la mejor primera película. Continuó después con un drama íntimo, fuerte y sensual "El verano en pendiente" ("L’ été en pente douce"-1987). Una vez liberado del contrato que le unía con su productora rodó "Heroinas" ("Héroïnes"-1997). Al año siguiente fue llamado para reemplazar a Gérard Pirés para dirigir "Taxi", pero solamente estuvo un mes en el rodaje, a cambio rodó "Taxi 2"-2000 que superó a la primera en asistencia de público. En 2003 rodó "Fanfan la Tulipe" con Pénelope Cruz como protagonísta femenina que fué presentada en el Festival de Cannes. Su último trabajo hasta la fecha para la pantalla grande ha sido "El albergue rojo" ("L’auberge rouge"-2007).

  La acción nos mete en el cuerpo de un inspector de policia llamado Hubert, un tipo con unos métodos un poco ortodoxos, pero con un tierno corazón, al que obligatoriamente le darán unas vacaciones forzadas. Dos dias después recibe la llamada de un abogado desde Tokyo, informándole que la mujer de su vida, que había desaparecido hace 20 años, había muerto. Y lo que le había dejado, no era dinero, ni presentes, ni nada material; le había dejado a su propia hija, una extravagante adolescente, adicta a ir de compras, y con 200 millones de dólares en su cuenta, el policia decide viajar a Tokyo, nueve años después de su última visita, y descubre que lo de la muerte no ha sido casualidad, y que la mafia japonesa está detrás de la muerte de su antiguo amor. Junto a su viejo compañero este hace el viaje a la capital nipona y no serán las vacaciones que Hubert esperaba...

  Entretenida película de género de acción, no es precisamente una película que pase a la historia del cine francés, pero cuenta con una buena dósis de acción y hasta de humor. Con unas escenas muy interesantes aunque a veces algo exageradas e irreales, pero la historia te entretiene y no aburre en absoluto.

  La fotografía en color corrió a cargo de Gérard Sterin, "Los lazos del corazón" ("Les liens du coeur"-2016). Un director de fotografía nacido en Bruselas (Bélgica). Después de graduarse en el Instituto Belga de Cine (INSAS) en Bruselas, trabajó como asistente de Jean-Françoise Robin y Bernard Zitzerman en más de treinta largometrajes dirigidos por René Feret, Alain Cavalier y Alain Tanner entre otros mucchos. También trabajó como operador en sus películas. Y como director de fotografía ha colaborado con numerosos directores como Jacques Audiard, Luc Besson, Nicole Garcia y Gerard Krawczyk. Cuenta en su haber on numerosos premios en festivales internacionales destacando el Gran Premio de Cannes.

  La película está ambientada principalmente en Japón, el rodaje se efectuó principlmente en dicho pais, incluyendo numerosas escenas en lugares memorables de Tokyo.

  La música se le fué encargada a Eric Serra, "El quinto elemento" ("The Fifth Element"-1997). Un compositor nacido en Paris. Su padre que era un famoso escritor de canciones le metió en el mundo de la música a temprana edad. Al inicio de 1980 conoció a Luc Besson el cual le pidió que compusiera la música de su primera película, "L’Avant dernier"-1981. Desde entonces Serra ha musicalizado cada una de las películas de Besson incluyendo aquellas con guiones suyos. De 1980 a 1988, tocó la guitarra para el cantante francés Jacques Higelin. Y aqui, mostrándonos unos temas muy acordes con la historia, destacando el interludio "200 millones de $" y "Miko’s Astes, entre otras.

  Muy bien Jean Reno, "El código Da Vinci" ("The Da Vinci Code"-2006), metido en el cuerpo de Hubert Fiorentini un policia francés que recibe una notificación de Japón para la lectura del testamento de una antigua novia suya. Y con Reno su fiel "escudero" Michael Muller, "El tren de la vida" ("Train de vie"-1998), como Maurice "Momo" como digo su compañero y el que pone la nota de humor a esta historia de mafias japonesas.

   Y con el dúo  francés, Ryoko Hirouse, "Despedidas" ("Despartures"-2008), como Yumi Yoshimido, la hija de Hubert y al mismo tiempo la herencia que le ha dejado su antiguo amor; Carole Bouquet, "2 dias en el lago" ("Le Pique-nique de Lulu Krentz"-2000), como Sofia; Yoshi Oida, "El elegido" ("Le Concile de pierre"-2006), como Takanawa. Y un largo etc. de buenos secundarios tanto franceses como japoneses.

  En definitiva: Una entretenida película de acción con muchos toques de humor, con un convincente reparto y un buen acabado técnico gracias a su montaje. Una película para los amantes de este tipo de cine.  Notable.

  Como curiosidad: El wasabi se emplea como condimento japonés. Se extrae de la planta del mismo nombre, un rábano muy fuerte y muy picante.


23/06/2017 18:45 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Vampiresas 1933 (Gold Diggers of 1933 - 1933)

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  "Hoy puede ser un gran dia."

  Deliciosa película de nacionalidad estadounidense de género comedia-musical e inspirada en la pieza teatral de 1919 de Avery Hopwood y, adaptada por primera vez al cine mudo en 1923.

  El guión fue escrito por Erwin S. Gelsey, "Volando hacia Rio de Janeiro" ("Flying to Rio"-1933). Un prominente guionísta nacido en Nueva York. Fue una figura muy conocida en Hollywood y en varias ocasiones en su carrera, sirvió como redactor de la hostoria del musical para los principales estudios de Hollywood. La mayoría de sus películas estuvieron en todo su apogeo de los musicales de los años 30 y 40. A Gelsey le ayudó James Seymour, "Desfile de candilejas" ("Fotlight Parade"-1933). Un hombre con muy poco cine en su haber solamente se le acredita en cuatro películas, todas ellas como co-guionísta, pero su nombre siempre aparece en los títulos de crédito.

  "Vampiresas 1933" está dirigida por Mervyn LeRoy. Un prolífico director nacido en San Francisco. La infancia de Mervyn LeRoy fue bastante difícil. Dejó el colegio a los doce años, empezó a actuar en el vodevil y en 1919 decidió probar suerte en Hollywood. Animado por su primo, encontró empleo en el departamento de vestuario de Famous Players-Lasky.

  Después de aparecer ante la cámara en papeles cortos de películas ligeras, LeRoy dedicó su talento a escribir gags y trabajó en una serie de comedias y melodramas populares. En 1930 debutó como director en la Warner Brothers con el duro drama "Hampa dorada" ("Little Caesar"-1931), que lanzó al estrellato al actor Edward G. Robinson e inició el ciclo de películas de gánsteres de principio de los años treinta. En 1931, LeRoy era ya uno de los principales directores de la Warner, especializado en el brutal realísmo de la Gran Depresión, con películas como "Sed de escándalo" ("Five Star Final"-1931) y la que tal vez sea su mejor obra como director, "Soy un fugitivo" ("I Am Fugitive From  a Chain Gang".1932), que incluia una dura denuncia de las condiciones existentes en las prisiones del sur de Estados Unidos. Dirigió las partes dramáticas de "Vampiresas 1933" ("Gold Diggers of 1933"-1933) y demostró su gusto por la farsa en la estrepitosa comedia "Ana, la del remolcador" ("Tugboat Annie"-1933).

  LeRoy dejó la Warner en 1938 para pasar a MGM donde actuó más como productor, pero volvió con el drama criminal "Senda prohibida" ("Johnny Eager"-1942), la biografía "Madame Curie"-1943 y la patriotica "Treinta segundos sobre Tokio" ("Thirty Seconds over Tokyo"-1944). En los años cincuenta pasó a las grandes producciones con "Quo Vadis"-1951. nunca perdió de vista lo que el público quería encontrar en las películas. Si sus últimos titulos parecen algo flojos, lo compensó sobradamente con sus primeros dramas sociales, que siguen siendo fascinantes del primer cine sonoro de Hollywood.

  La acción pues, , tiene lugar en Nueva York en 1932/1933, a lo largo de varios meses. LeRoy nos cuenta la historia de cuatro corístas: Carol, Trixie, Polly y Fay, que dejan su trabajo para probar suerte en el mundo del espectáculo, pero al empresario que las ha contratado para el show "Melodía olvidada", sufre el embargo de los decorados, mobiliario y vestuario el dia anterior del estreno. La intervención judicial interrumpe el ensayo general, en el que Fay ha interpretado la canción "We’re in The Movie". Las otras tres chicas, que viven juntas y sobreviven hurtando leche a los vecinos, conocen a un desconocido compositor vecino llamado Brad, que les puede sacar del apuro...

  La película pues glosa el contraste entre la opulencia de los ricos y la miseria de los pobres, como las gentes del espectáculo, durante los años de la Gran Depresión. La historia se refiere al paro, la escasez y la desolación de la época, contra la que levanta un trabajo optimísta, alegre y divertido. El relato hace uso de los chistes breves y rápidos, lances visuales cómicos, personajes estrafalarios y equívocos hilarantes en una composición liviana y divertida.

  De la banda sonora se hizo cargo Al Dubin, "La calle 42" ("42 nd Street"-1933). Un compositor nacido en Zurich (Suiza). escribió las letras de varios espectáculos musicales representados en Broadway. Sin embargo, su mayor fama quizás le deparó en las películas musicales de la época. En 1970 entró a formar parte del salón de la Fama de los Compositores. A Dubin le ayudó Harry Warren, "La tragedia de la Bounty" ("Mutiny on the Bounty"-1935). Un compositor y letrista nacido en Nueva York. Fue el primer compositor de canciones centrado principalmente en el cine y nominado en once ocasiones al Oscar a la mejor canción, Warren compuso más de 800 canciones con la canción "Chattanooga Choo Choo" ganó su primer disco de oro y sus canciones se han escuchado en más de 300 películas.

  Y aquí incluyendo entre los dos unas bonitas melodias y brillantes números de música y baile, como por ejemplo: "Puttin ’ In The Park" (picante), "Shadow Waltz" (elegante) y "Remember My Forgotten Man" (trágica y crítica).

  La fotografía corrió a cargo de Sol Polito, "Robín de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938). Un director de fotografía nacido en Palermo (Italia), emigró a los Estados Unidos a la edad de 13 años y asistió a la escuela en Nueva York donde comenzó a trabajar en la industria del cine como fotógrafo. Después de la experiencia como asistente de laboratorio y asistente de cámara, fue promovido camarógrafo de iluminación en 1917. Se trasladó de Nueva York a Los Angeles dos años después para continuar su carrera en First National Pictures y Warner Bros. Trabajó en más de 170 películas, pero es mayormente conocido por su trabajo con los directores Michael Curtiz y Mervyn LeRoy.

  Y aquí haciendo plasmar la cámara sobre las escenas, sirviéndose de tomas fijas y de movimientos de gran fuerza visual. La película se rodó integramente en Warner Studios de Burbank  (California).

  Muy bien las cuatro "vampiresas" protagonístas cada una en su sitio, comenzando por Joan Blondell, "No estoy sola" ("The Blue Veil"-1951) como Carol; Aline MacMahon, "El hombre de Laramie" ("The Man from Laramie"-1955) como Trixie; Ruby Keeler, "Dos hermanas rebeldes" ("Mother Carey’s Chiekens"-1938) como Polly; y Ginger Rogers, "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Business"-1952) como Fay.

  Y con estas cuatro maravillosas mujeres, Warren William, "Arizona"-1940 en el papel de J. Lawrence un presumido millonario; Guy Kibbee, "Casi un ángel" ("It Started with Eve"-1941) como Franeul el abogado de Lawrence; Dick Powell, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1953) como Brad, un compositor y vecino de las chicas´.

  Resumiendo: Una película de una frescura inigualable, con números musicales visualmente espléndidos y en los que gravita la proximidad del cine mudo de la anterior década. Una película que no solo ha resistido el paso del tiempo porque no puede entrar en la historia e involucrarse en el enredo, un enredo tan simple como eficaz y eso por supuesto sin dejar de ser espectador.  Sobresaliente.

  "Vampiresas 1933" estuvo nominada al Oscar al Mejor sonido. La ganadora fue "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932).

  A modo de curiosidad: "Vampiresas 1933" contó con un presupuesto de 500.000 dólares y se estrenó el 27 de mayo de 1933.

 

 

 

14/06/2017 10:18 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vorágine (Whiripool - 1949)

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  "Cualquiera que despierto se comportase como lo hiciera en sueños sería tomado por loco".

                                  (Sigmund Freud)

  Excelente película de género de cine negro y basada en una novela de Guy Endore, "También somos seres humanos" ("Story of G.I. Joe"-1945). Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Durante toda su carrera produjo una gran variedad de novelas, guiones y panfletos, tanto publicadas como no publicadas. Apoyó programas no gubernamentales de rehabilitación de drogas y se convirtió en un defensor de la Fundación Synanon, una controvertida comunidad del sur de California dedicada a reformar y rehabilitar drogadictos y alcohólicos.

  El guión lo escribieron Ben Hecht, "Luna nueva" ("His Girl Friday"-1940). Un guionísta y director de cine nacido en Nueva York. Tras graduarse en una escuela secundaria, se mudó a Chicago donde empezó una carrera de periodísmo. A los 16 años encontró trabajo como periodísta, primero en el Chicago Journal y luego en el Chicago Daily News. Después de la Primera Guerra Mundial fue enviado a Berlín como corresponsal y allí en 1921 escribió su primera novela. El segundo guionísta fué Andrew Solt, . Un novelista nacido en Budapest. Sus comienzos fueron en 1942 y aunque su carrera no fue muy extensa con unas 20 películas en su haber, si fue muy fructífera con titulos tan emblemáticos como "Mujercitas" ("Little Woman"-1949) y "Juana de Arco" ("Joan of Arc"-1948), por ejemplo.

  "Vorágine" está dirigida por Otto Preminger. Un director nacido en Viena (Austria). Preminger emigró a Estados Unidos para cumplir sus sueños de convertirse en director de cine. Desde su primera película de cine negro "Laura"-1944, hasta su thriller "El rapto de Bunny Lake" ("Bunny Lake Missing"-1965), demostró una notable capacidad de ser independiente, inteligente y exitoso. Aunque probablemente sus últimas películas no merezcan ser recordadas, no se puede ignorar lo mucho que contribuyó al Hollywood clásico.

  Las películas de Preminger se asociaron con la "objetividad" y la "ambiguedad". Ambas son esenciales para su puesta en escena, pero no le impidieron tomar partido. En sus mejores obras, Preminger muestra inequivocamente su postura, mediante un agudo sentido del detalle y un riguroso uso de la cámara. Su consciencia de la complejidad de la psicología humana (esa famosa ambiguedad) explora el hecho de que raras veces sus personajes sean diáfanos. Sus películas exigen al espectador revisar constantemente su punto de vista.

  Un ejemplo de ello es la manera en que Preminger rodó el interrogatorio del detective a Waldo Lydecker en la primera secuencia de "Laura". La insistencia del primero sobre los detalles le importa muy poco al segundo, que está ocupado prestando atención a su ropa, esta era la única manera que tenía Preminger de señalar el carácter femenino de su personaje y, por tanto, su homosexualidad. En "Cara de ángel" ("Angel Face"-1952) la fascinación que siente Robert Mitchum por la joven heroína pronto se convierte en una morbosa combinación de voyeurísmo y masoquísmo, y se revela mediante un complejo juego de miradas y reverencias que involucra al espectador. En "Anatomía de un asesinato" ("Anatomy of a Murder"-1959) se muestra como la ley tiene necesidad de conceder el beneficio de la duda incluso cuando todo parece estar muy claro.

  Así pues, Preminger nos cuenta la historia de una joven casada con un eminente psiconalísta, que padece cleptomanía a causa de un trauma psicológico de su infancia. La debilidad psicológica de la joven es utilizada por un hombre sin escrúpulos, para dominarla bajo hipnotísmo y obligarla a sevirle como falsa autora del asesinato de una antigua amante, a la qur¡e debe dinero...

  La película contiene un clima de creciente intriga, bien dosificada y pulcramente descrita. Preminger hace que la cámara se mueva con delicadeza y parsimonia, mediante travellings muy medidos, zooms  lentos y desplazamientos laterales que permiten identificar el centro de la atención con facilidad.

  La fotografia en blanco y negro fue llevada a cargo de Arthur C. Miller, "El signo del zorro" ("The Mark of Zorro"-1940). Un director de fotografía nacido en Nueva York. Comenzó su carrera como actor a los 13 años y a los 19 se unió a Pathé Fréres donde se convirtió en director de fotografía. En 1918 él y su hermano fundaron la Union Industrial, tiempo después se trasladó a Hollywood con un contrato para la Paramount. Fué presidente de la Sociedad Americana de Cinematografías. Y aquí ofreciéndonos unas estupendas imágenes que se caracterizan por la corrección de los encuadres y un adecuado movimiento de los personajes, además de la composición equilibrada en la mayoría de las escenas y por supuesto a la atención que se presta a la visualización de un dibujo muy cuidado.

  La banda sonora de David Raksin, "Apache"-1954. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para películas y más de 300 para televisión fue conocido como "el abuelo de las bandas sonoras". Su primera composición fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) y su última "¿Qué le pasa a Helen?" ("Wat’s the Matter with Helen?"-1971). Y aquí basándose en una bonita partitura muy adecuada con la intriga de la historia.

  Muy bien y plena de belleza Gene Tierney, "La mano izquierda de Dios" ("The Left Hand of God"-1955) metida en el cuerpo de Ann Sutton, una cleptómana casada con un conocido psquiatra que no es otro que Richard Conte, "La cuadrilla de los once" ("Ocean’s Eleven"-1960) en el papel del Dr. Sutton, como he dicho el esposo de Ann. Y formando el trio protagonísta el aqui maquiavélico (pero extraordinario actor) José Ferrer, "El motin del Caine" ("The Caine Motiny"-1954) como David Korvo un malvado que hipnotiza  a Ann para convertirla en coartada para un crimen.

  Y con estos tres grandes del cine universal, unos secundarios de auténtico lujo tales como: el siempre excelente Charles Bickford, "Dias de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses"-1962) como el teniente Cotton; Barbara O’Neil, "Secreto tras la puerta" ("Secret Beyond the Door"-1947) como Theresa Randolph; Constance Collier, "La soga" ("Rope"-1948) como Tina Cosgrove.

  En definitiva: Una entretenida película, no es lo mejor de Preminger  eso hay que decirlo, pero si es una historia en donde tiene muchas bazas a su favor una de ellasb es ver  a una Gene Tierney en el cenit de su belleza y el trabajo excepcional de dos extraordinarios actores Conte y Ferrer.   Notable.

  Como curiosidad Gene Tierney fue la musa de Otto Preminger ambos rodaron juntos las siguientes películas.

  "Tempestad sobre Washington" ("Advise & Consent"-1962)

  ""Al borde del peligro" ("Where the Sidewalk"-1950)

  "Vorágine" ("Whirpool"-1949)

  "Laura"-1944

 

 



08/06/2017 18:16 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Vive y deja morir (Live and Let Die - 1973)

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               En recuerdo de: Roger Moore

  "La primera ocasión en la que Roger Moore interpretaba al agente con licencia para matar...

  Entretenida película de género de aventuras y octavo título de la serie de James Bond. Cuenta con un guión de Tom Mankiewicz, "Diamantes para la eternidad" ("Diamonds are Forever"-1971). Un guionísta, director y productor tanto de cine como de televisión, nacido en Los Angeles y más conocido por su trabajo en las películas de 007 y por sus contribuciones en "Supermán" ("Supermán: The Movie"-1978) y la serie de televisión "Hart to Hart"-1979 protagonizada por Robert Wagner y Stefanie Powers.

  "Vive y deja morir" está dirigida por Guy Hamilton. Un director nacido en Paris. Nació en la capital francesa porque allí residian sus padres que eran ingleses. Trabajó como asistente para Carol Redd en películas como por ejemplo: "El idolo caido" ("The Fallen idol"-1948) y "El tercer hombre" ("The Third Man"-1949). Su primera película como director absoluto fue"The Ringer"-1952 con Herbert Lom como protagonísta. Desde los años 50 hasta los 80 dirigió 22 películas, entre las cuales se incluyen cuatro películas de la serie James Bond.

  En un principio fue elegido para dirigir "Supermán"-1978, pero debido a problemas fiscales sólo se le permitió permanecer en Inglaterra durante treinta dias, todo esto mientras la producción se mudaba a los Pinewood Studios. Posteriormente el trabajo de director fue asignado a Richard Donner.

  La acción tiene lugar en Nueva York, Nueva Orleans y la isla caribeña de San Monique, en 1972/73, a lo largo de varias semanas. Hamilton nos narra un episodio de James Bond un agente británico, elegante, perspicaz y mujeriego, que sustituye los cigarrillos por puros, deja el sombrero y no consume martinis. Su misión le enfrenta a dos personajes siniestros, Mr. Big (gánster de Harlem) y el Dr. Kananga (lider político de la isla del Caribe), (ambos son el mismo personaje), que trafican con drogas y colaboran en manejos tenebrosos...

  La película pues, desarrolla un relato de acción, aventuras, crimen y suspense, con predominio de la acción. La investigación del asesinato casi simultáneo de tres agentes británicos en las tres ciudades citadas anteriormente, implica a Bond en una larga y azarosa persecución de lanchas rápidas en una zona pantanosa de la isla caribeña. En otra ocasión Bond ocupa un autobús urbano de dos pisos para huir de varios coches, Bond también ocupa una avioneta de instrucción para escapar de la persecución de sus enemigos, que impiden su despegue y la someten a una carrera de acoso sobre las pistas del aeropuerto. (Cómo bien se puede ver la acción está tanto en tierra como en el mar y en el aire). También el agente británico como al igual que otros personajes disponen de curiosos "gadgets", tales como un reloj imantado, reloj con esfera que corta cuerdas por rotación, spray manual lanzallamas, flauta-transmisor de radio, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de George Martin (antiguo productor de The Beatles). Un productor musical nacido en Londres y frecuentemente mencionado como "el quinto Beatle". Influenciado por una amplia gama de estrellas musicales que abarcan a Cole Porte y Johnny Dankworth, asistió a la Escuela Guidhall de Música y Drama desde 1947 hasta 1950 estudiando piano y oboe. En la década de los 50 produjo comedias y novedosas grabaciones con Peter Sellers y Spike Milligan entre otros. En reconocimiento de sus servicios a la industria musical y la cultura poular fue nombrado Caballero del Reino en 1996.

  Y aquí ofreciéndonos un acertado conjunto de ritmos pop y funk, que combina con variaciones del tema Bond. Añade también como canción titular una atractiva composición de Paul McCartney.

  La fotografía en color se la debemos a Ted Moore, "Operación Trueno" ("Thunderball"-1969). Un camarógrafo con casi 50 películas en su haber nacido en Sudáfrica. Se trasladó a Inglaterra cuando contaba 16 años de edad y allí sirvió en la Royal Air Force (RAF) durante la Segunda Guerra Mundial, uniéndose a la unidad de películas y allí comenzó a afiliar por este arte. En 1962, Broccoli y el director Terence Young lo eligieron como director de fotografía para una adaptación de Ian Fleming, "Agente 007 conta el Dr. No" ("Dr. No") después continuaría haciendo otras seis películas de la saga James Bond. Ganador de un BAFTA y un Oscar fue el primer sudáfricano en ganar un Premio de la Academia. Y aquí manteniéndo un estilo dinámico y espectacular de la saga.

  De notable se le puede calificar el debut de Roger Moore, "Panorama para matar" ("A View to a Kill"-1985), metido en elegante traje de James Bond y en donde en esta historia tiene que investigar la muerte de tres agentes británicos. Y con Moore la inolvidable Jane Seymour, "De boda en boda" ("Wedding Crashers"-2005) en el papel de una hermosa y misteriosa mujer llamada Solitaire, y sin olvidarnos del televisivo y aqui maligno Yaphet Kotto, "Perseguido" ("The Running Man"-1987), en el doble papel de Mr. Big y el Dr. Kananga; Clifton James, "El hombre de la pistola de oro" ("The Man With the Golden Gun"-1974), como el sheriff Pepper. Y dos fijos en esta saga, ella: Lois Maxwell, "James Bond contra Gldfinger" ("Goldfinger"-1964), como la famosa secretaria Moneypenny, el: Bernard Lee, "Desde Rusia con amor" ("From Russia With Love"-1963), como el no menos famoso "M".

  En definitiva: No es lo mejor de la saga de Roger Moore, pero si es una película entretenida muy del nivel de Bond, aunque eso si, sin llegar al nivel de las grandiosas aportaciones del gran Sean Connery.   Notable.

  "Vive y deja morir", estuvo nominada al Oscar a la mejor canción: "Live and Let Die" (Paul y Linda McCartney).

  Como curiosidad: Sean Connery rechazó la suma de 5 millones y medio de dólares para interpretar esta película. Connery le dió a Roger Moore su aprobación para que pudiera heredar su papel, llamándolo "un Bond ideal".

01/06/2017 18:43 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                    Roger Moore

                El Santo que fué Bond

  El pasado dia 23 falleció a la edad de 89 años el actor británico Roger Moore.

  Sir Roger George Moore nació en Londres el 14 de octubre de 1927, Moore se hizo muy famoso por su interpretación en la serie televisiva "El Santo" ("The Saint") desde 1962 hasta 1969 y por ser el sucesor de Sean Connery en el papel del espia británico James Bond desde 1973 hasta 1985. Moore se desempeñó como embajador de Unicef desde 1991 hasta su muerte.

  Nacido en Londres, sus padres fueron Lillian "Lily" Pope, un ama de casa, y George Moore, un policia. Inicialmente, quiso ser dibujante de historietas, y de hecho su primer empleo fue en este ámbito en una revista londinense. No conforme con su elección, trabajó como modelo masculino, y además quiso ser actor, para eso tomó clases de actuación en una modesta academia de Londres.

  Debido a su gran apostura y belleza masculina, no le fue difícil abrirse en el medio teatral y cinematográfico de por aquel entonces. Uno de sus primeros papeles, como actor fue ser uno de los centuriones de "César y Cleopatra" ("Caesar and Cleopatra"-1945) junto a Vivien Leigh. Ya definitivamente su meta en el cine, siguió cursos de Arte Dramático en la Royal School de Londres, trabajó poco a poco después en el teatro y en la radio.

  En 1953 se trasladó a Estados Unidos, donde hizo un pequeño papel al lado de Richard Widmark en la película "Manos peligrosas" ("Pickup on South Street"-1953), aunque solo alcanzó la fama cuando en 1957 regresó a Inglaterra para encarnar al "Invanhoe" en la serie televisiva del mismo titulo.

  Desde 1962 hasta 1969 trabajó en la serie "El Santo" interpretando al personaje Simón Templar, creado por Leslie Charteris, un ladrón que roba a personajes de cuestionable moral o abiertamente criminales, la serie televisiva sería muy famosa en la pantalla  chica y Moore es aún el actor más identificado del personaje. En 1971 interpretó a Lord Brett Sinclair en la serie "Los Persuasores" ("The Persuaders") junto a Tony Curtis (como Danny Wilde). El argumento involucraba a dos millonarios, aventureros resolviendo misterios y ayudando a personas especialmente bellas mujeres, con problemas. La serie duró una temporada de 24 episodios.

  En 1973, James Bond llamaría a su puerta, Sean Connery había dejado muy encarrillada su imágen con dicho personaje y Moore debió darle un clásico estilo inglés apuesto y elegante. Se mantuvo en siete películas de la misma saga, hasta que debido a su edad (58 años) ya no pudo representar más al personaje y fue sustituido por el actor Timothy Dalton.

  El 11 de octubre de 2007, Moore fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trabajo tanto en el cine como en la televisión. La estrella de Roger Moore fue la nº 2350 instalada, y está adecuadamente ubicada en el 7007 de Hollywood Boulevard.

  Roger Moore estaba retirado del cine y se dedicaba a actividades humanitarias. Moore apareció en la campaña publicitaria de Londres para organizar las Olimpiadas de 2012 y, aunque ya no actuaba en el cine, puso su voz en la película "Here Comes Peter Cottontail"-1971 y más recientemente en la película "Agent Crush"2008.

  Roger George Moore - Londres - 14 - octubre - 1927 - Crans-Montana (Suiza) - 23 - mayo - 2017.

                              ¡DESCANSE EN PAZ!

                           



 

25/05/2017 10:47 Pablo #. sin tema Hay 2 comentarios.

Vacaciones en Roma (Roman Holiday-1953)

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  "Soñé que estaba durmiendo en la calle y que, de pronto, se acercó un joven alto y fuerte y me trató bruscamente. Un sueño maravilloso".

  Bellísima película de género de comedia romántica y basada en una historia de Dalton Trumbo, "Johny cogió su fusil" ("Johny Got His Gun"-1971), (por ejemplo). Un novelísta y director nacido en Colorado. Se vió obligado a testificar ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses en 1974, y debido a esto, tuvo que usar seudónimos en sus trabajos. Fue miembro de los llamados "Los Diez de Hollywood", grupo que rechazó la investigación autoritaria y se negó a testificar en los famosos juicios del macarthismo (caza de brujas). Una de sus últimas películas, "Acción ejecutiva" ("Executive Action"-1973), se basó en diversas teorias conspiratorias sobre el asesinato del presidente Kennedy.

  El guión corrió a cargo del propio Trumbo acompañado de Ian McLellan Hunter, "Su testigo" ("Your Witness"-1950). Un guionísta nacido en Londres, y otro más propuesto en la lista negra. En la década de 1990, la Academia trató de rectificar algunos de los errores que habían cometido dutante la Guerra Fria entre ellos se encontraba Hunter al que le habían desposeido de su Oscar por "Vacaciones en Roma", la estatuilla se le fué entrgada a su hijo pero este lo rechazó. Y el tercer guionísta fue John Dighton, "El discípulo del diablo" ("The Devil’s Disciple"-1959). Uhn dramaturgo nacido también en Londres. En sus comienzos fue empleado en Ealing Studios, y allí colaboró en los guiones de célebres comedias. La mayoría de sus guiones fueron adaptados tanto al cine como al teatro, teniendo en su haber un Oscar y varias nominaciones.

  "Vacaciones en Roma" está dirigida por William Wilder. Un director de origen suizo-alemán nacido en Mulhouse (Francia). un pionero de la utilización de la profundidad del campo y  potenciador de la naturalidad y el drama, creador de grandiosas películas épicas.

  En su tiempo William Wyler fue considerado uno de los mejores directores por la utilizaión de la profundidad de campo (como bien he dicho) y las tomas largas e interrumpidas. Hoy su prestigio ha decaido: se trata de un cineasta destronado por la crítica actual, denigrado por las mismas cualidades que le valieron alabanzas en su dia. Su contención ha llegado a entenderse como falta de personalidad, su buen gusto como complaciencia, su seriedad como pomposidad, su habilidad técnica y su lucidez como algo anodino.

  Wyler aprendió su oficio realizando películas de cine mudo del oeste para Universal Studios. Su mejor época comenzó cuando se unió a Samuel Goldwyn en 1935. Los dos estaban comprometidos con el cine de calidad, y a menudo adaptaban obras clásicas de la literatura; la versión de "Cumbres borrascosas" ("Wutherin Heights"-1939) de Wyler sigue siendo estupenda, dos obras dev teatro de Lilian Hellman, "Esos tres" ("These Three"-1936) y "La loba" ("The Little Foxes"-1941), le permitieron desarrollar su técnica de expresar la relación psicológica entre personajes por medio de los encuadres, la composición y los ángulos de la cámara.

  Famoso por su incansable perfecciones, era amado y odiado a la vez por los actores, porque trabajar con él podía ser un infierno, aunque a menudo era recompensado con premios. El propio Wyler ganó el Oscar al mejor director por "La señora Miniver" ("Mrs. Miniver-1942), una película propagandística del Reino Unido en la guerra. Es posible que ahora parezca sentimental pero en su época tuvo un enorme éxito. Wyler hizo un tratamiento más realísta de la guerra en el documental "Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress"-1944, seguida de "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946).

  Sus películas de posguerra solían adolecer de grandiosidad, algo que no solo se achaca a la película épica "Ben-Hur"-1959, si no al western "Horizontes de grandeza" ("The Big Country"-1958), que cuenta una hstoria sencilla pero con un estilo grandioso. Brilló más en las obras intimístas como "La heredera" ("The Heiress"-1949), la comedia "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953), que llevó al estrellato a Audrey Hepburn, y "La gran prueba" ("Friendly Persuasion"-1956), basada en la novela de John Fowles, sobre una inquietante obsesión.

  La historia tiene lugar en Roma a lo largo de unas 24 horas y en donde una joven princesa de un pais europeo imaginario está de viaje oficial de buena voluntad por varias capitales europeas. Cansada del protocolo y con deseos de visitar la ciudad eterna a su aire, abandona sigilosamente la embajada de su pais. Por las calles de Roma conoce a un joven periodísta americano, que se hace pasar por un comerciante de abonos. La joven princesa es ingenua e inocente, en cambio el americano es oportunísta e interesado hasta donde puede...pero...

  La película suma los géneros de comedia y romance y la definición de caracteres es muy buena, la evolución resulta convincente, los diálogos son brillantes y ocurrentes. Wyler deja constancia de su poderoso vigor narrativo. Creando una atmósfera de elegancia, encanto y simpatía, que cautiva la atención del espectador y seduce su complicidad. Añade trozos de humor ligero, blanco y festivo que resuelve sumando palabra e imágen.

  La fotografía en blanco y negro fue obra de Franz Planer, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959). Un director de fotografía nacido en Karisbad, Austria-Hungria (ahora República Checa). Sus comienzos fueron como pintor, pero se dió cuenta que la fotografía se estaba convirtiendo en muy popular, y reemplazaría el requisito de los artistas con talento y esto le hizo cambiar de carrera. Primero comenzó en Alemania y en 1937 se trasladó a Estados Unidos para trabajar en Hollywood, donde llegó a rodar más de 130 películas a lo largo de su exitosa carrera.

  Y en esta historia romántica desplegando una narración que trasmite sentimientos de fascinación y encantamieto. Abudan los planos tomados desde abajo, los "travellings" y las imágenes cautivadoras. Abundan planos que han pasado a formar parte de la memoria del cine (paseo en Vespa, visita a la escalinata de la Plaza de España, sospresa en la Boca de la Verdad, etc.). La película se rodó integramente en Roma y en los estudios Cinecittá de Roma). 

  La banda sonora se la debemos a Georges Auric, "Orfeo" ("Orphe’e-1950). Un compositor nacido en Francia concretamente en Lodéne, Hérault. Fue un niño prodigio a los 15 años ya tenía su primera composición publicada y antes de los 20 años ya había orquesteado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro. Mientras estudió en el Conservatorio conoció a Jean Cocteau y cuando este comenzó a hacer películas Auric empezó a escribir para él a principios de los años 30. En 1962 dejó el cine y se hizo cargo de la Opera Nacional de Paris. Fue presidente de la Sociedad de Autores, compositores y editores de música (SACEM) desde 1954 hasta 1978. Y en estas bellísimas vacaciones en la ciudad eterna, ofreciéndonos una partitura descriptiva, romántica y ambiental, que subraya la magia del relato.

  Muy bien Gregory Peck, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961), en el papel de Joe, un periodísta americano que por casualidad conoce a una joven y que es ni más ni menos que una princesa. Y montando en Vespa por la ciudad de Roma, la aquí pricipiante y encantadora Audrey Hepburn, "Desayuno con diamantes" ("Breakfast at Tiffany’s"-1961) en el papel de Ana una joven princesa que un buen dia y tratando de eludir el protocolo se escapa del palacio para visitar la ciudad de incógnito. Y compartiendo protagonísmo el aquí extraordinario Eddie Albert, "Siete mujeres" ("7 Woman"-1966) en el papel de Irving el amigo y cómplice de Joe.

  Pero en este cuento romántico también andaban por la ciudad de los césares Hartley Power, "Herencia contra reloj" ("To Dorothy a Son"-1954), como Mr. Hennessy; Harcourt Williams, "Terror en el tren" ("Time Bomb"-1953), como el Embajador; Margaret Rawlings, "Sigueme" ("Follow Me!"-1972), como la condesa Vereberg.

  Resumiendo: Una obra maestra dentro de un género que se ha convertido en basura con el tiempo (salvo en honrosas excepciones). Una película que incluyó a una de las más hermosas y talentosas actrices de aquella época y de todos los tiempos, y demostró que al cine de entretenimiento le puede sobrar calidad, concepto que hoy en dia no parecen conjugarse del todo.  Una película Matrícula de Honor.

  "Vacaciones en Roma" logró tres Oscar, Audrey Hepburn como Mejor Actriz, Mejor Argumento original (Dalton Trumbo) y Mejor Vestuario (Edith Head).

  Como curiosidad: Gregory Peck llamó a su agente para pedirle que el nombre de Audrey apareciera junto al suyo en los créditos iniciales y carteles promocionales. En un principio iba a ser el suyo el único destacado por tratarse de la estrella protagonísta, pero él sabía que Audrey destacaría, es más, la consideraba una fuerte candidata a ganar el Oscar con esa película (y así ocurrió).

15/05/2017 10:38 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Viridiana - 1961

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  Viridiana: Yo no soy como usted, que tiene a su esposa.

  Don Jorge: No es mi esposa. Para vivir con una mujer, no hace falta que nadie me bendiga.

  Obra maestra de género dramático-religioso y considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos del cine español. Escrita por Julio Alejandro de Castro, "Simón del desierto"-1965. Un escritor nacido en Huesca y fundamentalmente conocido por su labor como guionísta de Luis Buñuel (que también colaboró en el guión), y considerado como uno de los mejores escritores cinematográficos de México. Su primer libro fue prologado por Antonio Machado.

  Vivió en México durante buena parte de su vida a causa del exilio franquísta. Ganó un Premio Ariel de plata en 1958 a la mejor adaptación por "Feliz año, amor mio". A princpios de los años 80 regresó a España, tras estar 39 años en México, en esta época se le dieron reconocimientos como en el Festival de Cine de Huesca en 1989 y la distinción que la Diputación General de Aragón le otorgó en 1993.

  "Viridiana" está dirigida por Luis Buñuel (como en la mayoría de sus películas también co-guionísta). Un director nacido en Calanda (Teruel) y considerado como el padre del surrealísmo cinematigráfico, audaz e inventivo, utilizó con frecuencia imágenes escandalosas y abordó temas penetrantes.

  En la obra de Luis Buñuel, nada es verdad y todo está permitido. Este director especial causó sensación en Paris con "Un perro andaluz" ("Un chien andalou"-1929) creado  en colaboración con Salvador Dalí. La películas incluye una de las escenas más escalofriantes de la historia del cine: al comenzar, una fina nube que cubre una luna llena da paso a un ojo cortado con una navaja de afeitar. Con esta ingeniosa metáfora trataba de destruir la confianza en la veracidad de lo que el ojo ve. La película, que asombró y escandalizó, sigue siendo la declaración surrealísta por excelencia. Le siguió "La edad de oro" ("L’age de oro"-1930), mucho más apostólica, sobre todo en su ataque a la Iglesia católica.

  Al volver a España, Buñuel rodó "Las Hurdes"-1933, un documental sobre la vida rural en una zona aislada del pais. La guerra civil le obligó a exiliarse a México, donde se conformó con subclurados melodramas en los que el surrealísmo es superado por la crueldad de la vida misma.

  Con "Viridiana"-1961, Buñuel atrajo la atención del público internacional. La película causó furor por sus contenidos, que recreian blasfemias. Su estilo se convirtió en el modelo para la carrera otoñal del director, que se centró en lo absurdo de las ceremonias cotidianas y los vanos esfuerzos de la burguesia por mantener la dignidad.

  A la oscura y aústera "Diario de una camarera" ("Le journal d’ une femme  de chambre"-1964), le siguió "Bella de dia" ("Belle de jour"-1967), su película más retorcida. En ella un análisis freudiano conecta el deseo sexual y el capitalísmo. "El discreto encanto de la burguesía" ("Le charme discret de la burgeoisie"-1972) satiriza la solidez de las rutinas, las pequeñas mentiras y los engaños habituales en las relaciones educadas. Aunque estalle la revolución, los invitados a la cena prefieren la conversación sofisticada a la inconveniente realidad.

  Las dos últimas películas de Buñuel, "El fantasma de la libertad" ("Le fantóme de la liberte-1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ("Cet obscur objet du désir"-1977), son tal vez las más perversas. La primera exponer la banalidad de la violencia, la segunda explica la fascinación de los surrealístas por el fetichísmo. A Buñuel se le ha acusado muchas veces de engañar, incluso en su autobiografía, pero siempre acaba imponiéndose su sentido del humor, sobre su falta de sinceridad.

  La acción pues, tiene lugar en un convento de monjas dedicado a la enseñanza, y en la finca de don Jaime tio de Viridiana, esta es una novicia que está a punto de profesar como monja y de hacer sus votos. Por indicación de la Superiora, visita a su tio Jaime, que se ha hecho cargo de los gastos de su formación y del importe de la dote. Ella es sobrina de la esposa de don Jaime, que falleció súbitamente la noche de bodas, hace más de 20 años. Viridiana que guarda un extraordinario parecido con su difunta tia, es ingenua, sencilla, mística, piadosa, frágil e idealísta. Don Jaime es solitario, rutinario y nostálgico. Siente aversión al esfuerzo y al trabajo y es aficcionado a la música de órgano. Jorge, hijo biológico de  don Jaime, es práctico, pragmático, simpático y mujeriego...

  La película, suma drama y análisis sociológico. Y en donde enfrenta a Viridiana con los fantasmas y obsesiones que su visita despierta en su tio a causa del gran parecido con la que fue su esposa. La austeridad y castidad de la novicia se dan asociadas, en su caso, a una potente sensualidad, que despierta los apetitos de su tio. El idealísmo y la ingenuidad de Viridiana entran en conflicto con el espíritu materialísta y utilitarísta de su primo Jorge. La personalidad, las creencias y las actividades de la joven se ven sometidas a cambios debidos a su maduración y al descubrimiento de nuevas perpectivas...

  De la mano de "Viridiana", Buñuel expone sus opiniones, obsesiones, fantasmas y convicciones y, como es habitual en él, mantiene con la religión una relación permanente de amor y odio. No puede dejar de referirse a ella, pero sus manifestaciones son criticas, de rechazo y, en ocasiones, de burla. Muestra numerosas imágenes religiosas: monjas, novicias, sacerdote, corona de espinas, clavos, cruces, etc.. Compone una parodia del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Añade elementos inquietantes como el cuchillo que se dobla en forma de cruz. Una hoguera de objetos en desuso evoca posiblenente, el fuego del infierno y los sermones sobre el mismo.

  Critica a la burguesia por su indolencia, aversión al esfuerzo, desidia, egoísmo y vanidad. Le atribuye perversiones como la necrofilia, abusos sexuales, intento de violación, etc.. Pasa revista a sus fetiches, como pies, zapatos, sandalias, manos, cuchillos, etc.. Son frecuentes las referencias, en imágen y de palabra, a animales de tiro (caballo, mulos...) e insectos (abejas, arañas...). Se oye en momentos puntuales el canto del gallo, símbolo de la irracionalidad. Añade la presencia de un grupo de tullidos, ciegos, cojos, tontos, enanos, prostitutas y marginados sin techo, que crean composiciones goyescas de gran vigor. No faltan metáforas, los símbolos y las alegorias. El toro negro anticipa una agresión sexual, la paloma blanca es una premonición de la pérdida de la inocencia, etc..

  La narración es rica en lances de humor negro y surrealísta. Contiene irreverencias, situaciones absurdas y referencias iconoclastas. Dedica especial atención a temas religiosos, como la virginidad, la inocencia, la oración, la caridad, la beneficencia, la vida consagrada, etc.. Le interesa explorar las profundidades del alma humana, explicar la complejidad y contradicciones de las personas, analizar su evolución y cambios, mostrar las limitaciones de la lucidez y la racionalidad..

  La banda sonora corrió a cargo de Gustavo Pittaluga, "El baile"-1959. Un compositor de orquesta nacido en Madrid, que como otros miembros de su generación musical se esforzó en modernizar la musica española y en superar la influencia del nacionalísmo, siguiendo los pasos de Manuel de Falla en sus obras más avanzadas, como "El concierto para clave", "El retablo de Maese Pedro" o "Noches en los jardines de España". De esta manera se convirtió en uno de los representantes más importantes del neoclasicísmo musical del siglo XX en España. Y aquí nos ofrece fragmentos del "Aleluya" de Hendel, de la "Misa de Réquiem" de Mozart, de la 9ª Sinfonía de Bethoven y de un moderno rock-and-roll ("Shake Your Care Away").

  La fotografía en blanco y negro se le fue asignada a José F. Aguayo. Un acreditado director de fotografía nacido también en Madrid. Debutó como director fotográfico con la película "Castañuela"-1945 de Fernando Torrado y hasta "Las alegres chicas de Colsada"-1983, de Rafael Gil, su última intervención en casi 120 películas. Restando su amplia colaboración con el director Juan de Orduña a principio de la posguerra, en títulos como: "La Lola se va a los puertos"-1947, "Locura de amor" -1948, "El último cuplé"-1957. Así midmo con el director Rafael Gil en la etapa final y menos interesante de su irregulaer carrera. Sin embargo, su gran aportación al cine español fue como colaborador de Luis Buñuel. Los exteriores de la película fueron rodados en escenarios naturales de una finca en las afueras de Toledo, y los interiores en los platós de los Estudios CEA de Madrid.

  Dos pesos pesados del cine español frente a frente: Fernando Rey, "El crimen de Cuenca"-1979, como don Jaime un viejo hidalgo español que vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, y Francisco Rabal, "Los santos inocentes"-1984, como Jorge, el hijo natural de don Jaime que con su llegada cambiará definitivamente el destino de todos los personajes. Y junto a estos dos extraordinarios actores de nuestro cine la mexicana Silvia Pinal, "El ángel exterminador"-1962 en el papel de Viridiana, una joven novicia que a punto de tomar los hábitos debe abandonar el convento para visitar a su tio que no es otro que don Jaime.

  Pero en esra obra maestra del genio de Calanda también podemos a ver a unos secundarios de auténtico lujo tales como la gran Lola Gaos, "Furtivos"-1975, como Enedina; Margarita Lozano, "La mitad del cielo"-1986, como Ramona; José Calvo, "Tristana"-1970, como don Amalio; Maria Isbert, "Cara de acelga"-1987, como Beggar, y haciendo su debut con 9 añitos, Teresa Rabal, "Las gatas tienen frio"-1970, como Rita.

  En definitiva: Otra obra maestra del gran Buñuel, con un reparto sensacional y un guión lleno de surrealísmo, naturalísmo, irreverencia, tragedia y hasta humor negro, para una historia inolvidable e imprescindible.   Matrícula de Honor.

  "Viridiana" logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

  A modo de anécota: como bien podemos imaginar debido al año de su producción, la película fue prohibida en España, debido a su alto porcentaje de crítica política y social del momento. Pero esto no quedó aquí, el Vaticano también la denunció después de verla. Pese a todas estas acusaciones Buñuel declaró en varias ocasiones que: "Las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas prtetensiones".

  "Viridiana" se estrenó en España en mayo de 1977.

 

 

  

 



06/05/2017 18:26 Pablo #. sin tema Hay 3 comentarios.


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