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Yanqui Dandy (Yankee Doodle Dandy - 1942)

  "Soy un yanqui engreido. Yanqui hasta morir."

  Muy buena película de género biográfico-musical y de nacionalidad estadounidense, llevada al cine con un guión de Robert Buckner y Edmund Joseph. El primero fue un guionista y escritor de cuentos nacido en Virginia. Estudió en la Universidad de Virginia y en la de Edimburgo y comenzó su carrera como profesional a los 20 años como corresponsal en Londres para el Nueva York  World. Se unió a la Warner Bros como escritor. Su primer trabajo fue con la película "En busca del oro" ("Golds Is Were You Find It"-1938). Tuvo un gran éxito con "Dodge City"-1939 protagonizada por Errol Flynn.

  En 1947 dejó la Warner y se mudó a la Universal Pictures alli escribió y produjo varias películas entre ellas "La legión de los condenados" ("Rouges Regiment"-1948), "Fren for All"-1949 y "Nuevo amanecer" ("Bright Victory"-1951). Su último trabajo para el cine fue para la 20th Century Fox con el western "Del infierno a Texas" ("From Hell to Texas"-1958) de Henry Hathaway.

  Y en cuanto a Edmund Joseph. Otro guionísta nacido en Texas, que a pesar de haber comenzado en 1928 con la película "Forget Me Not", trabajó muy poco para el cine. Su último trabajo fue con "El código del amor" ("Sing Your Way Home"-1945) de Anthony Mann. En 1951 trabajó en un episodio de la serie televisiva "Front Page Detective"-1951-1952 protagonizada por Edmund Lowe.

  "Yanqui Dandy" está dirigida por Michael Curtiz. Un director nacido en Budapest (Hungria). Los directores de confianza, profesionales y dispuestos a aceptar cualquier encargo que se les hiciera, constituian la sólida base del sistema de estudios del Hollywood clásico, y el más destacado de todos ellos era Michael Curtiz.

  Podia con todo, thrillers, dramones, películas de guerra, comedias de humor, cine negro... pero su punto fuerte eran las películas de acción, a las que infundia un contagioso brio, "Robin de los bosques" ("The Adventure of Robin Hood"-1938) sigue siendo una de las mejores películas de acción que jamás se han rodado.

  Prolifico desde sus inicios, dirigió casi 50 películas en su Hungria natal, antes de trasladarse a Austria en 1919, donde rodó espectáculos biblicos al estilo de Cecil B. DeMille, en 1926 llegó a Estados Unidos ya con el nombre de Michael Curtiz (su verdadero nombre era Mihaly Kertéaz Kaminer), no tardó en convertirse en el principal realizador de la Warner Bros encargado de dirigir las grandes producciones y a las grandes estrellas.

  Durante los 28 años siguientes, filmó más de 80 peliculas de la productora, entre ellas "20.00 años en Sing Sing" ("20.000 Years in Sing Sing"-1932), "El capitán Blood" ("Captain Blood"-1935), "La carga de la Brigada Ligera" ("The Charge of the Light Brigada"-1936), "Angeles con caras sucias" ("Angels With Dirty Faces"-1938), "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("Private Lives of Elixabeth and Essex"-1939), "El halcón del mar" ("The Sea Hawk"-1940), "Yanqui Dandy" ("Yankee Doodle Dandy"-1942), "Misión en Moscú" ("Mission to Moscow"-1943), "Alma en suplicio" ("Mildred Pierce"-1945) y la más famosa de todas "Casablanca"-1942, con la que ganó su único Oscar como director.

  Después de dejar la Warner en 1954, ofendido por la propuesta de rebajar su salario, Curtiz siguió produciendo un par de películas al año de manera independiente. Una de ellas, el almibarado musical "Navidades blancas" ("White Christmas"-1954), le proporcionó el mayor éxito comercial de su carrera. Infatigablemente productivo hasta el final, Michael Curtiz continuó dirigiendo hasta poco antes de su muerte a los 75 años. Su última película fue el western "Los comancheros" ("The Comancheros"-1961) protaginizado por John Wayne.

  La historia pues, que nos cuenta el maestro Curtiz tiene lugar en Washington, Nueva York y otras localidades de Estados Unidos entre 1878 y 1942. Alli George M. "Geo" Cohan hijo de Jerry y Nelie Cohan, actores de variedades, y hermano de Jessie. Los cuatro forman el grupo "The Four Cohan". George se asocia con el productor Sam Harris y se relaciona con Mary, aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de varieades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de "Yankee Doodlie Dandy". Su padre es de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Su madre es la espina dorsal de la familia, apoya a su marido y a sus hijos y garantiza la unidad del grupo artistico que forman los cuatro. Mary deja que "Geo" ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto...

  Muy buena película. Si señor. Y en donde el maestro curtiz desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, creando una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

  La película destila alegria, jovialidad y oprtunísmo. De ese modo crea el marco adecuado para transmitir sentimientos de cohesión social y exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se habia visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del pais en la 2ª Guerra Mundial. La película forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto bélico y del esfuerzo colectivo que este exigia. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador de Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó a la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del pais.

  La banda sonora fue obra de Heinz Roemheld. Un compositor nacido en Wisconsin. Fue un niño prodigio que comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad. Se graduó en el Wilwaukee College of Music a los 19 años y actuó en teatros para ganar dinero y pagarse sus estudios de piano en Europa. En 1920 se fue a Berlin, donde estudió con Hugo Kaun, Ferruccio Busoni y Egon Petri. Mientras estuvo alli, formó parte de la Filarmónica de Berlin.

  De regreso a Estados Unidos, se mudó a Los Angeles y se convirtió en un destacado compositor de cine. Anotó algunas escenas de "Lo que el viento se llevó" ("Gone With the Wind"-1939), aunque no fue acreditado en los titulos de crédito. Entre las más de 400 películas para las que compuso música se encuentran "El hombre invisible" ("The invisible Man"-1933), "Gentleman Jim"-1942 y "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947). Ganó un Oscar por "Yanqui Dandy" /("Yankee Doodle Dandy"-1942).

  Y en esta brillante historia reuniendo cortes de George Cohan, que acompaña con números de bailes espectaculares y de grata factura. Como musica añadida aporta canciones del momento y composiciones tradicionales como "Battle Hymm of the Republic" y "When Johnny Comes Marching Home". También se ofrecen en total fragmentos de unas 35 canciones diferentes, que se integran en el desarrollo de la historia y aportan elementos de progresión al relato.

  La fotografía en blanco y negro fue dirigidanpor James Wong  Howe. Un director de fotografía nacido en Taishan (China). Trabajó en más de 130 películas. Se especializó en el uso de sombras y en el enfoque profundo, lo cual permite que tanto el primer plano como el lejano permanezcan enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo.

  Entre 1930 y 1940, fue uno de los grandes directores de fotografía más renombrados de Hollywood. Fue nominado en 10 ocasiones al Oscar y lo ganó en dos de ellas con "La rosa tatuada" ("The Rose Tatto"-1955) y "Hud-1963. Nació en China pero su familia se trasladó en 1904 a Estados Unidos donde su padre habia conseguido un trabajo en el Ferrocarril Pacifico Norte.

  Y en esa sobresaliente biografía, construyendo una visualidad que prima la espectacularidad de los números de baile y la sinceridad de los pasajes referidos a la vida del protagonísta.

  Sensacional James Cagney, "Al rojo vivo" ("White Heat"-1949) dando vida a George M. Cohan, y en donde demostró sus grandes dotes para el baile.

  Y con el gran Cagney, Walter Huston, "El tesoro de Sierra Madre" ("The Treause of the Sierra Madre"-1948) y Roseamary De Camp, "A la luz de la luna" ("On Moonlight Bay"-1951) como Jerry  y Nellie Cohan, los padres de George; Joan Leslie, "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue"-1945) como Mary; Richard Whorf, "Luz en el alma" ("Christmas Holiday"-1944) como Sam Harris; Irene Manning, "Un gángster sin destino" ("The Big Shot"-1942) como Fay Templeton. Y sin olvidar  al pequeño Douglas Croft, "Abismos de pasión" ("Kings Row"-1942) como George M.Cohan a los 13 años.

  En definitiva: Una magnífica película que vale mucho la pena de ver y que goza de muy buena música, excelente coreografía, y la presencia "enorme" de un "gigante" de baja estatura que se llamó James Cagney. Sobresaliente.

  "Yanqui Dandy" logró tres Oscar en 1942: Actor (James Cagmey), Banda sonora nusical (Ray Heindorf y Heinz Roemheld) y Sonido (Nathan Levinson).

  Como anécdota: James Cagney se rompió una costilla durante una de las escenas de baile, pero siguió bailando hasta que terminaon de rodar la escena. (genio y figura).

20/09/2020 09:53 Pablo #. sin tema Hay 5 comentarios.

Ciudadano Kane (Citizen Kane -1941)

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  "Sólo hay una persona que puede decidir lo que voy a hacer, y soy yo mismo".  (Charles Foster Kane)

  Obra maestra de género dramático y de nacionalidad estadounidense, con un guión de Herman J. Mankiewicz. Un legendario guionísta nacido en Nueva York. Su trabajo más conocido es como co-guionista de "Ciudadano Kane", por lo que ganó un Oscar. Además pareicipó en otros guiones tales como: "Los caballeros las prefieren rubias" ("Gentlemen Prefer Blondes"-1953). También fue productor en muchas películas de los Hermanos Marx. Su carrera decinó a causa del alcoholísmo. Pasó por numerosas clinicas de desintoxicación, en algunas de las cuales escribió algunos de sus guiones.

  El segundo y a la vez director de la película fue Orson Welles. Un cineasta nacido en Wiscosin.

  El ego puede ser un arma y un escudo frente al mundo. En el caso de Orson Welles, el ego es la clave para interpretar una carrera con unos resultados tan desiguales que de no ser por la fuerza de su ego, jamás habría logrado dar frutos. Pero debido a ese mismo ego molestó a muchos, perdió grandes fortunas y se pasó la vida buscando trabajo.

  La otra clave para interpretar a Welles es la actuación, no solo de los actores delante de una cámara, sino la más existencial que se relaciona con la identidad, la adopción de una máscara, la relación interpersonal y la reacción frente a las circustancias. Este tema de la actuación es central en la obra de Welles, dado que la mayoria de sus películas habla de la locura y del control, el poder y la debilidad: actividades que se veian tanto en sus películas como en sus personajes.

  Orson Welles fue un niño brillante, interesado en la música, la prestidigitación y la pintura. Su madre murió cuando solo tenia nueve años, su padre cuando contaba quince, y pasó el resto de su infancia bajo la tutela de un médico. Intentó ser actor, primero en Irlanda, luego en el Reino Unido y por último en Nueva York.

  Tras hacerse un hueco rapídamente en la radio gracias a que tenia una de las voces más características del mundo, embarcó en una fructifera colaboración con el actor John Houseman, con quien fundó el Mercury Theater en 1947.

  Al año siguiente, la pareja emitió durante la noche de Hallowen "La guerra de los mundos", la novela escrita por H. G. Wells en 1898. También destacó por visionar de manera original obras clásicas, por ejemplo, la llamada versión "vudu" de "Macbeth, donde todos los actores eran negros.

  Tras haberse labrado una reputación de erudito y de una gran personalidad dado al vino, las mujeres, la comida y las canciones, insólitamente la RKO Pictures le concedió carta blanca para hacer la película que le apeteciese. El optó por versionar la vida del magnate de los periódicos William Randolph Hearts, y realizó "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941).

  A pesar de las innovaciones artisticas incorporadas a la narrativa, la técnica de fotografia, el diseño de los platós, la interpretación y el uso del simbolísmo, "Ciudadano Kane" fue un fracaso comercial, aunque proporcionó a Welles un Oscar por mejor guión original, RKO volvió a concederle una gran libertad en "El cuarto mandaiento" ("The Magnificent Ambersons"-1942), aunque la productora recortó la película y la estravió, fue un fracaso económico mayor que la anterior y suscitó la indiferencia de la critica.

  Ante esta experiencia solo le confiaron tres películas más en Hollywood: "El extraño" ("The Stranger"-1946), "La dama de Shanghai" ("The Lady From Shanghai"-1947) y "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958). A partir de los años cuarenta vivió en Europa, trabajando en películas de otros para poder financiar sus propios proyectos, empezando por "Macbeth"-1948.

  Aunque Orson Welles se habia convertido en un elemento extraño para la industria del cine, se solicitaban sus servicios como actor  y narrador. No obstante realizó obras memorables, como "Otelo"-1952, "Mr. Arkadin"-1955 y "El proceso" (The Trial"-1962), además de dos obras maestras "Campanadas a medianoche" ("Falstaff"-1965) y el documental "Verités et Mensonges"-1973, ambas sobresalientes.

  Orson Welles también aprovechó su considerable encanto para promorcionarse en espectáculos televisivos, donde los espectadores veian como su corpachón iba aumentando de volumen con el paso de los años. En estas ocasiones, junto a su imponente fisico, estaban también presentes su temperamento artistico y su capacidad para elegir los temas. A menudo exageraba su tamaño a base de maquillaje, vestuario, iluminación y ángulos de cámara. Pero esta manipulación de su cuerpo de forma tan grotesca en sus actuaciones para la pantalla era también consecuencia de su espíritu creativo.

  En 1975 el American Film Institute le concedió el Lifetime Archiverment Award (premio a toda su carrea). Su obra volvió a estudiarse y se le consideró un artista incomprendido. Hoy en dia nadie discute que el talento de Welles y "Ciudadano Kane" son una aportación fundamental para el cine.

  La historia comienza cuando un importante magnate estadounidense llamado Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos, y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo oriental. La última palabra que pronuncia antes de morir, "Roxebud", cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Asi,  un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio...

  La película combina los género de drama, misterio y periodísmo. Welles pues,  desarrolla una buena historia, interesante y sugestiva. Aporta una novedosa profundidad de campo, que permite enfocar al mismo tiempo el primer plano, los planos medios y el fondo. De este modo se amplia el campo visual, el punto de atención se desplaza del centro óptico al lugar donde se produce el movimiento, introduce efectos ópticos sorprendentes y hace posible que se vean los techos de los escenarios. Hace uso de flasbacks, a los que añade brillantes elipsis. Utiliza los elementos de estilo como medio para explicar la acción (luz que titubea en el teatro, simbolo de la inseguridad del personaje interpretado por Susan). La narración es compleja, densa y de gran brillantez.

  La investigacion sobre el significado de "Rosebud" sirve para poner de manifiesto que nada puede ser explicado, porque es imposible alcanzar la verdad. Son escenas memorables, entre otras, el desafiante aplauso a Kane en solitario, el plano general sobre los objetos embalados para ser subastados, la cámara que asciende desde Susan a dos tramoyistas con gesto de desaprobación, plano superior del mitin electoral de Kane. Welles deja costancia de su preocupación por la vejez y la muerte.

  De la banda sonora se hizo cargo Bernard Hermann. Un compositor nacido en Nueva York. A ls 13 años quedó deslumbrado por la música de Héctor Berlioz, lo que marcó su decisión de convertirse en compositor. A los 16 años se matriculó en el Instituto Dewitt Clinton, donde tuvo como profesor musical a Gustav Heine, quien le enseñó las técnicas básicas de composición. En 1933 se vinculó con la Columbia Broadcasting System, donde musicalizó documentales y programas radiofónicos. De esta forma conoció a Orson Welles.

  En 1955 se produjo el comienzo de su afortunada relación con Alfred Hitchcock, completándose ambos a la perfección. Su colaboración con el mago del suspense se inició con ""Pero...¿quién mató a Harry?" ("The Trouble With Harry?"-1955), que dió como resultado algunas de las más celebradas partituras cinematigráficas y en donde alcanzó su punto culminante fue con  "Vértigo"-1958.

  Durante ocho años viajó errante por Europa, colaborando en películas de Feançoise Truffaut como: "Fahrenheit 451"-1966 y "La novia vestida de negro" ("La Mariee était en Noir"-1968). En 1973 regresó a su pais reclamado por Brian De Palma para poner música a "Hermanas" ("Sisters"-1973) y "Fascinación" ("Obsession"-1976)., uno de sus últimos trabajos fue para quizá  la mejor película de Martin Scorsese "Taxi Driver"-1976. Estuvo nominado al Oscar en varias ocasiones pero solamente lo logró una vez con "El hombre que vendió su alma" ("All That Money Can Buy"-1941) de William Dieterle.

  Y en esta historia donde la felicidad completa no existe, ofreciendo 40 cortes descriptivos ("Prelude"), temor ("Rain"), lugubres y tétricos ("Letany"), alegres e intimos ("Theme and  Variatons"), etc. Añade las marchas fúnebres de Chopin y Mendelsohnn, un fragmento de "El barbero de Sevilla" (Rossini) y canciones populares como "A Hot Time in the Old Town" y otras.

  La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Gregg Toland. Un director de fotografía nacido en Illinois y muy conocido por su uso innovador de la iluminación y técnicas como la profundidad de foco, ejemplos de los cuales se pueden encontrar en sus películas como por ejemplo: ("Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles, "Hombres intrépidos" ("The Long Voyage Home"-1940) de John Ford y "Los mejores años de nuestra vida" ("The Best Years of Our Lives"-1946) de William Wyler.

  Demostró por primera vez su estilo claroscuro con luz lateral en el cortometraje "The Life and Deatch of 9413: a Hollywood Extra"-1928. En 1930, se convirtió en el camarógrafo más joven de Hollywood y pronto se convirtió en uno de los directores más buscados. Fue nominado en cinco ocasiones al Oscar ganándolo una vez por "Cumbres borrascosas" ("Wuthering Heights"-1939).

  Y en esta historia de un hombre que quiso ser todopoderoso, presentado unas imágenes muy concentradas, reflejos en espejos, movimietos de cámara espectaculares (desde el cartel de Susan la cámara asciende, sobrevuela el tejado, baja y funde), planos picados, contrapicados y de detalle (boca de Kane), encuadres generales grandiosos (hall de Xanadu) y sugerencias explicativas.

  Muy bien todos los actores comenzando por el genio es decir por Orson Welles, "Sed de mal" ("Touch of Evil"-1958) metido en el orondo cuerpo de Charles Foster Kane. Y seguido por Joseph Cotten, "Niágara"-1953 como Leland; Dorothy Comingore, "Pasión salvaje" ("The Hairy Ape"-1944) como Susan; Agnes Moorehead, "La mano izquierda de Dios" ("The Left Hand of God"-1955) como Mary; Ruth Warrick, "Arco de triunfo" ("Arch of Teiumph"-1948) como Emily; Ray Collins, "La heredera" ("The Heiress"-1949) como James; Paul Stewart, "Cautivos del mal" ("The Bad and the Beautiful"-1952) como Raymnond...

  En definitiva: Para mi una obra maestra, para otros según he leido un aburrimiento total. Pero si decir una cosa "Ciudadano Kane" es una película que no se adelantó a su tiempo, lo que hizo sencillamente fue señalar el futuro de otras muchas. Matricula de Honor.

  "Ciudadano Kane" logró el Oscar al Mejor guión original en un total de nueve nominaciones entre ellas Mejor película, Actor (Orson Welles) y Director.. Fue un año de grandes películas por ejemplo: "¡Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley") de John Ford (la gran triunfadora) y "El sargento York" ("Sergeant York") de Howard Hawks, con Gary Cooper (mejor actor).

  A modo de curiosidad: El personaje del protagonísa Kane fue inspirado en el magnate de prensa William Randolph Hearst, el cual prohibió mencionar la película en sus periódicos. 

 

 

 

10/09/2020 10:01 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

El gran dictador (The Great Dictator - 1940 )

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  "Hannah, ¿puedes oirme?. Donde quiera que estes mira a lo alto, Hannah. Las nubes se alejan, el sol está apareciendo, vamos saliendo de las tinieblas hacia la luz. Caminamos hacia un mundo nuevo, un mundo de bondad en el que los hombres se elevarán por encima del odio, de la ambición, de la brutalidad. Mira a lo alto, Hannah. Al alma del hombre le han sido dado alas. Y al fin está empezando a volar. Está volando hacia el arco iris, hacia la luz de la esperanza, hacia el futuro, que te pertenece a ti, a mi, a todos. Mira a lo alto, Hannah, ¡mira a lo alto!".

  Obra maestra de género de comedia y de nacionalidad estadounidense. Con un guión y también dirección de ese genio del cine que fue y sigue siéndolo llamado Charles Chaplin. Un cineasta nacido en Londres (Reino Unido).

  Además de ser el más célebre director de comedias mudas, Charles Chaplin fue tambié compositor, máxima estrella del cine y co-fundador en 1919 del estudio United Artists.

  Tras emprender el oficio de cómico en espectáculos itinerantes de vodevil, Chaplin se inició en el cine con comedias de los estudios Keystone. Pronto empezó a dirigir, y durante dos años realizó 26 películas de dos rollos en la compañia Essanay. "Charlot vagabundo" ("The Tramp"-1915), "Charlot musico ambulante" , "Charlot bohemio" ("The vagabond"-1916) y "Charlot emigrante" ("The Immigrant"-1917) mostraron sus rápidos progresos en el cine: su dominio de los recursos cómicos combinado con el patetísmo hicieron que sus películas fueran a la vez divertidas y conmovedoras, rebeldes y tiernas.

  Poco a poco, Chaplin fue introduciendo en sus obras problemiticas éticas delicadas. Aunque esto no fue bien acogido por los criticos conservadores, encantó al público y él se convirtió en el héroe, simbolo de una emergente nación de inmigrantes. Consolidó asi su popularidad con obras maestras como "Vida de perro" (A Dogs Life"-1918).

  Luego redujo su ritmo de trabajo a una película cada varios años. Sus gags cuidadosamente coreografiados, su tacto emotivo y su atención a los detalles, garantizaron un resultado brillante. Creó asi "Tiempos modernos" ("Modern Times"-1936) y "El gran dictador" ("The Great Dictator"-2940), dos clásicos de todos los tiempos. Su medida comicidad la originalidad de sus gags, la evolución de emociones mediante los movimientos más sútiles y su habilidad cinematográfica (sobretodo para jugar con los bordes de los encuadres) llevaron a la comedia hasta sus limites.

  Su interés por temas como la conciencia de clase y la tolerancia daba trascendencia a sus películas. De esta manera, cuando la popularidad de Chaplin dclinó en los años cuarenta, su prestigio siguió creciendo.

  Por desgracia, el mundo no escuchó las satíricas y enérgicas advertencias antifascistas de "El gran dictador". Una campaña de difamación obligó a Chaplin a dejar Estados Unidos, y las pocas películas que hizo después, como "Candilejas" ("Limetight"-1952) tenian un tono reflexivo y conformista. Afortunadamente, el legado de Charles Chaplin, se sigue celebrando en todas partes.

  La acción nos lleva hasta un humilde barbero judio que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial y vuelve a su casa después de haber finalizado el conflicto bélico. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda practicamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación politica del pais: Adenold Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judio, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el pais. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo...

  Una obra maestra. Si señor. Y uno de los primeros trabajos de Hollywood en el que se posiciona abiertamente contra la barbarie nazi, y la primera película sonora de Chaplin. Esta pues es una comedia dramática. Y en donde Chaplin mezcla sátira y burla, en el marco de un discurso dominado por el humor ácido y amargo.

  La expresión corporal y la visualidad tienen gran importancia. Abundan las torpezas, resbalones, tropiezos, caidas y golpes. No faltan planos de humor visual furtivo (batalla de pasteles y comida), desesperanzado (lanzamiento de tomates), de denuncia de la incompetencia nazi (eventos de Herring), patético (ideologia nazi).

  Sus posiciones antibelicistas la lleva a tratar con sarcasmo las cadenas del mando militar, las superaciones, la dudosa valentia de algunos militares nazis. Presenta la vulneración sistemática de los derechos humanoos con referencias escalofriantes (detenciones masivas, ejecuciones indiscriminadas). Denuncia con amargura el racismo nazi.

  Son escenas destacadas la de los delirios de poder del dictador, que juega con el globo terráqueo al compás de la música de Wagner, el afeitado a ritmo de la musica de Brahms, el juego de sillas en la tarima presidencial y el discurso final.

  La banda sonora corrió a cargo del propio Charles Chaplin y de Meredith Wilson. Un compositor y director de orquesta nacido en Iowa. Asistió al Instituto de Arte Musical Frank Damrosch en Nueva York, y alli se hizo miembro de la banda de John Philip Sousa y más tarde en la Nueva Orquesta Filarmónica de York. Su trabajo en el cine comenzó en 1928 con la película "The Cavalier" de Irvin Willat, pero donde se dió a conocer fue con "El gran dictador" ("The Great Dictator"-1940) donde fue nominado al Oscar. Otros de sus grandes éxitos fue con "La loba" ("The Little Foxes"-1941) de William Wyler y protagonizada por Bette Davis. En el campo de la televisión también cosechó bastantes éxitos en series como: "The Perry Como Show"-1959-60 y "Fama"-1983. 

  Y en esta sátira social camuflada de comedia, aportando una brillante partitura original, melódica, ritmica y variada. Añaden dos fragmentos ajenos: "Danza húngara nº5" ("Brahms) y "Obertura de Lohengrin" ("Wagner).

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Roland  Totheroh. Un director de fotografia nacido en San Francisco y muy conocido por ser el camarógrafo habitual en las películas de Chaplin desde 1915 hasta 1940 en más de 30 películas.

  Y ayudado por Karl Struss. Un director de fotografía nacido en Nueva York. Se convirtió en fotógrafo profesional después de estudiar fotografía con Clarence H. White y se convirtió en parte del grupo asociado con el gran fotógrafo Alfred Streglitz. Sus fotografías se caracterizaron como "pictóricas" en lugar de "moda" y fueron publicadas en revistas como: "Harper’s Bazaar", Vanity Fair" y Vogue". En 1919 se trasladó a Los Angeles para practicar su oficio como fotógrafo fijo. Posteriormente fue contratado por Cecil B. DeMille para servir en la segunda unidad como camarógrafo junto con Charles Rosher. Ganó su primer Oscar por "Amanecer" ("Sunrise"-1927) de F. W. Murnau. Además de este y DeMille, Struss trabajó con grandes personajes como: Charles Chaplin y D. W. Griffith. También fue pionero en la cinematografía tridemensional en la década de 1940 y 1950.

  Y en esta historia absolutamente memorable presentando unos movimientos de cámara espectaculares. Destacando la ampliosidad de la arquitectura nazi, la vanidad de su estética y la desmesura de sus liturgias (concentraciones con las masas).

  Sublime (como siempre) Charles Chaplin, "Luces de la ciudad" ("City Lights"-1931, (por citar otra de sus obras maestras). Y aqui metido en el cuerpo de dos personajes muy diferentes: Adenel Hynkel, un dictador fascista y racista, y el de un humilde barbero judio. Seguido por el  aquel entonce esposa y musa la bellísima Paulette Goddard, "Los inconquistables" ("Unconquerod"-1947) en el papel de Hannaah.

  Y con ellos, Jack Oakie, "El piel roja" ("Tomahawk"-1951) como Napaloni, el dictador de Bacteria; Reginald Gardiner, "La viuda negera" ("Black Widow"-1954) como Schltz; Henry Daniell, "Pasión inmortal" ("Song  of Love"-1947) como Garbitsch; Billy Gilbert, "Las mil y una noches" ("Arabian Nights"-1942) como Henrring...

  En definitiva: Una película portentosa, visionaria y de un poderio absolutamente impresionante.  Matricula de Honor.

  "El gran dictador" estuvo nominada al Oscar en cinco apartados  incluyendo película y actor (Charles Chaplin). La pelicula premiada fue "Rebeca" "Rebecca" de Alfred Hitchock y el actor James Stewart por Historias de Filadelfia" ("The Philadelphia Story").

  A modo de curiosidad: La película  como era de esperar fue censurada en España. Se estrenó un año antes de la muerte de Chaplin en 1976.

 

 

01/09/2020 08:09 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Los 400 golpes (Les 400 Coups-1959)

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  "Miento de vez en cuando, supongo. A veces digo la verdad y no me creen, asi que prefiero mentir".

  Muy buena película, aunque para mi sin llegar a obra maestra (como muchos lo han catalogado) de género dramático y de nacionalidad francesa, llevada al cine con un guión de Marcel Moussy. Un guionísta francés nacido en Argelia. la mayoría de sus trabajos fueron para la televisión de su pais, con series alli tan famosas como por ejemplo: "Christa"-1971 protagonizada por la veterana Christine Krüger.

  El segundo guionísta y a la vez director de la película fue François Truffaut. Un cineasta nacido en Paris. Cuando estuvo a punto de cumplir los veinte años empezó a idolatrar al critico del cine francés y teórico André Bazin, que se convirtió en una suerte de padre adoptivo, y en 1953 ya era uno de los primeros editores de Cahiers du Cinema. De este modo, Truffaut contribuyó a fundar la nouvelle francesa.

  Atacaba aún viruliencia el típico cine romántico literario de la época y ensalzaba las películas realizadas por Howard Hawks, Nicholas Ray, Samuel Fuller y Anthony Mann en Hollywood. En 1957, el deseo de hacer películas practicamente habia eclipsado su necesidad de escribir sobre cine, aunque siempre conservó una perspectiva critica aguda.

  Realizó una pequeña película sobre niños delincuentes, "Los golfillos" ("Les Mistons"-1957), cuya temática completaria en años posteriores con cuatro películas sobre la díscola y encantadora juventud francesa: la primera "Los 400 golpes" ("Los 400 Coups"-1959), "Besos robados" ("Baisers volés"-1968), "Domicilio conyugal" ("Domicile conjugal"-1970) y "El amor en fuga" ("Amour en fuite"-1979). En ellas exploraría la fragilidad y la contingencia del amor joven en la vida parisina contemporánea.

  "Jules y Jim"-1961, que se centra en un trio trágico, indaga en el lado oscuro de las relaciones humanas. "El pequeño salvaje" ("L’ Enfant sauvage"-1970) cuenta la historia de un niño salvaje de Aveyron acaecido en el siglo XIX criado desde la infancia por lobos, es descubierto más tarde por un lingüista, que trabaja practicamente para civilizarlo. "La habitación verde" ("La chambre verte"-1978) celebra la idea de conmemorar la propia muerte; en una escena clave, Truffaut conmemora la suya, "El último metro" ("The Last metro"-1980), ambientada en la ocupación nazi en Francia, mostraba a un Truffaut en su mejor forma, la película sería galardonada con diez premios César.

  Su último proyecto "Vivamente el domingo" ("Vivement dimanche"-1983), rodada en un impresionante blanco y negro, aborda un misterioso asesinato. En "Encuentros en la tercera fase" ("Close the Third Kind"-1977), dirigida por Steven Spielberg, Truffaut interpretó al lingüista Claude Lacombe que intenta comunicarse con los alienígenas. Este conmovedor cameo puede considerarse un homenaje de Spielberg: fue la última vez que Truffaut atuó en la gran pantalla.

  La acción pues, tiene lugar en Paris. Esta película es la primera entrega de cine sobre la vida de Antoine Doinel, de 14 años, hijo de una pareja disfuncional, con problemas conyugales de estabilidad y fidelidad. Antoine se encuentra en la dificil etapa de la adolescencia y necesita cariño y apoyo. Le gusta la libertad, la independencia, el cine, las marionetas y la lectura. No le gusta ir al colegio ni la gimnasia...

  La película extiende una mirada sensible y tierna sobre la adolescencia y sus problemas. Adopta las postuladas de la "nouvelle vague", como el realísmo, la sencillez y sobriedad narrativa, y el efectísmo, la objetividad del relato y un grato tono artesanal. Truffaut, Godard, Rohmer, Reisnais, Chabrol, Rivette y otros miembros del movimiento, aportan al cine francés un fuerte impulso, nuevos brios e ideas renovadoras. El personaje principal está definido con acierto. Sus relaciones con los padres, maestros, condiscípulos y amigos, complejas y diversas, son objeto de un cuidadoso análisis, más recio y profundo de lo que parece.

  Hay que prestar atención a las indicaciones que el realizador asocia a pequeños detalles, gestos en apariencia poco trascedentales y reacciones continuadas. Las imágenes de Truffaut son portadoras de una rica y densa información, que reclama la atención del espectador.

  Apasionado de la cultura, Truffaut rinde homenaje al cine: "Paris nos pertenece" ("Paris nous appartiment"-1961) de Jacques Rivette; "Cero en conducta" ("Zero de counduiti"-1933) de Jean Vigo; "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane"-1941) de Orson Welles y a la literatura (Balzac). Analiza instituciones sociales tan importantes como la familia, los servicios sociales para menores, etc.

  La banda sonora es obra del cantautor Jean Constantine. Como bien digo un cantautor nacido en Paris. Escribió varias canciones que se convirtieron en un éxito como por ejemplo: "Mon manége á moi" cantada por Edith Piaf o "Mon  fruc en plumes" cantada por Zizi Jeanmaire. Para el cine también escribió para varias películas: "El barón y su yate" ("Le baron de l’écluse"-1960) protagonizada por Jean Gabin entre otras.

  Y aqui,  pues, la musica se presenta en fragmentos breves. Basándose en un motivo central melancólico y en variaciones del mismo. Caben de destacar los temas "Prólogo", "École Guissoniére", "Trinté el Finale", "Balzac et gymnastique" y otras.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Henri Decaë. Un director de fotografía nacido en Sain-Denis (Francia). Estuvo muy fuertemente asociado con directores que influyeron o fueron parte de la "nouvelle francesa". Trabajó por primera vez como director de fotografía con Jean-Pierre Melville en "El silencio del mar" (Le silence de la mer"-1949). El gusto de Decaë por la luz natural, su habilidad para trabajar a gran velocidad y su excelente sensibilidad fotográfica le llevaron a trabajar con René Clement en varias películas dando su dó de pecho con "A pleno sol" ("Plein Soleil"-1960).

  Y en esta niñez de Antoine Doinel, rodando en los lugares de acción y ofreciéndo un eficaz y acertado trabajo de cámara, con planos picados, reflejos en cristales, giros, imágenes congeladas, travellings y filmaciones con cámara en mano.

  Muy bien Jean-Pierre Léaud, "Masculino, femenino" ("Masculin féminin"-1966), metido en el cuerpecito de Antoine Doinel, ese niño que con apenas 14 años se ve obligado no solo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor.

  Y con él Claire Maurier, "Un mal hijo" ("Un mauvais fils"-1980) y Albert Rémy, "El tren" ("The Train"-1964), como la madre y el padre de Antoine. Seguidos por Patrick Auffay, "El amor a los veinte años" ("L’ amour á vingt ans"-1962) como René, el mejor amigo de Antoine; Georges Flamant, "Una mujer en la noche" ("Une femme dans  la nuit"-1943) como el señor Bigey el profesor de Antoine.

  En definitiva:Una película de notable valor documental, puesto que trata temas todavía de actualidad y mantiene su capacidad de fascinación. Muy recomendable para cinéfilos. Sobresaliente.

  "Los 400 golpes" estuvo nominada al Oscar al Mejor guión original y Truffaut logró el Premio al Mejor director en el Festival de Cannes.

  A modo de curiosidad: Los padres de Truffaut montaron en cólera al ver la película.

 

24/08/2020 17:36 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Mesas separadas (Separate Tables - 1958)

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  Soledad, Pasión, Celos, Mentiras... Y un suceso que lo cambia todo...

  Extraordinaria película de género dramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una obra de teatro de Terence Tattegan. Un dramaturgo nacido en Londres. Estudió en Harrow School Trinity College de Oxford, sus obras suelen describir ambientes de clase media inglesa. En 1936 logró su primer éxito como comediógrafo en Londres con "El francés sin esfuerzo" y a partir de entonces estrenó habitualmente comedias y dramas durante veinte años seguidos.

  Sus piezas se caracterizan por poseer un culto y elegante diálogo y una impecable construcción. Destacan "El chico de los Winslow"-1947, premio de la asociación de criticos de Nueva York y "La versión de Browning"-1949, ambas llevadas al cine por Anthony Asquith; "Mesas separadas"-1956, también llevada al cine y "Ross"-1961. También trabajó como guionísta cinematográfico en "Mesas separadas", "Adios, Mr. Chips"-1969; "El Rolls Royce amarillo"-1964 y otras más.

  Del guión se hicieron cargo como bien he dicho el propio Rattigan y John Gay. Un guionísta nacido en California. Comenzó su carrera escribiendo episodios para series de televisión y en 1958 lo hizo para el cine su debut fue con la película "Torpedo" ("Run Silent Run Deep"-1958). Después trabajaria en numerosas películas como por ejemplo: "Los cuatro jinetes del Apocalpsis" ("The Four Horseman of the Apocalypse"-1962) y "Soldado azul" ("Soldier Blue"-1970) entre otras.

  "Mesas separadas" está dirigida por Delbert Mann. Un director nacido en Kansas. Se trasladó con su padre a Tennesse y alli se graduó en ciencias politicas en la Universidad de Vanderbilt y en 1941 se alistó en el ejército como piloto de un bombardeo B-24, voló en un total de 35 misiones de combate en Europa. Al finalizar la guerra (2ª Guerra Mundial) se interesó por la interpretación y el estudio en el Yale Drama School y, posteriormente obtuvo un trabajo en el Town Theatre de Columbia en Carolina del Sur.

  Un amigo de la Universidad el  actor y director Fred Coe, le ofreció la oportunidad de empezar a dirigir algunos capitulos del programa "Phico Televisión Playhouse" para la NBC. Mann aceptó el trabajo y se trasladó a Nueva York en 1949. Para la NBC dirigió con posteridad varios episodios de "Goodyear Televisión Playhouse" y "Producer’s Showcase" e incluso, una lograda adaptación televisiva de la obra de William Shakespeare "Otelo". Delbert Mann fue uno de los primeros directores conocidos de la llamada "Edad de oro de la Televisión " en Estados Unidos (junto a Sidney Lumet, Robert Mulligan, John Frankenheimer o Martin Ritt), que luego pasarian a conformar en el cine un grupo homogéneo pero de diferenciadas temáticas y estilos con respecto a la generación anterior como ( Vidor, Lang, Lubitsch, Cukor Ford o Minnelli).

  En 1953 Delbert Mann concibió lo que sería uno de sus mejores trabajos "Marty"-1955, concebido como capitulo de la serie "Godyear Television Playhouse", donde el magnífico guión de Paddy Chayevsky y la gran interpretación de Rod Steiger, hicieron que "Marty" se convirtiera en un icono de la televisión de la década de los 50. Además, en 1954 Mann ganó el premio Emmy, a la mejor dirección por el episodio "Our Town" de la serie "Producer’s Showcase", donde actuaban Paul Newman y Frank Sinatra.

  Delbert Mann tuvo la suerte de cara cuando Burt Lancaster y su socio Ben Hecht de la pequeña pero exitosa productora independiente Hecht-Lancaster se interesaron por el guión de "Marty" para llevarlo a la gran pantalla, designando al propio Mann que se encargarse de la dirección. El problema radicaba en que el presupuesto para realizarla era muy limitado 350.000 dólares. De hecho "Marty" es la primera película ganadora de un Oscar en la que sus costos de publicidad excedían de los del rodaje.

  Rod Steiger no era bien visto por la productora para realizar el papel principal (por ser un actor hasta entonces eminentemente secundario "relegado" a papeles de malvado) y Lancaster pensó en su compañero de "De aqui a la eternidad" ("From Here to Eternity"-1953), Ernest Bornine como posible sustituto, a pesar de que este todavia no habia gozado de ningún papel protagonísta. Por otro lado y para evitar posibles desastres, Lancaster no quiso que su nombre estuviese en la película, cosa que dejó el honor a Hecht para que recogiese el Oscar.

  Pero "Marty" fue antes un éxito de critica antes que de público. Mostrada en el Festival de Cannes, fue la primera película norteamericana que consiguió la Palma de Oro. Además, la película devolvió a la productora diez veces más de lo que costó, convirtiéndose de largo en la película mas rentable de Hecht-Lancaster. Y después llegaron los Oscar, donde consiguió los premios de mejor película, director, actor y guión adaptado. Delbert Mann se convirtió en el primer director en conseguir la estatuilla en su primer trabajo en el cine, un caso que repetiria Sam Mendes 45 años después.

  Delbert Mann alternó los trabajos para la televisión con los del cine, donde no logró obtener un éxito de taquilla como él lo deseaba. A "Marty" le siguieron sólidos dramas donde el director mostró su buen hacer. "La noche de los maridos" ("The Barchelor Party"-1957), drama con estructura teatral escrita por Chayefsky donde brillaban Don Murray y Carolyn Jones; "Mesas separadas" ("Separate Tables"-1958), adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan con Burt Lancaster, David Niven, Rita Hayworth y Deborah Kerr: "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958), sobre también el drama teatral de Eugene O’Neill con Sofia Loren y Anthony Perkins o la excelente "En mitad de la noche" ("Middie of the Night"-1959), un drama con toques de cine negro nuevamente escrito por Chayefsky que contiene una de las mejores interpretaciones de Kim Novak.

  En los 60 Delbert Mann fue recordado por dirigir varias películas. Primero el drama sentimental "En la escalera oscura" ("The Dark at the Top of the Stairs"-1960), que contaba con Robert Preston y Dorothy McGuirre, con el cual logró un éxito de critica considerable y varias nominaciones al Oscar. Le siguió "Pijama para dos" ("Lover Come Back"-1961), la mejor y más taquillera comedia de la pareja Rock Hudson y Doris Day. Luego hizo "Suave como el visón" ("That Touch of Mink"-1962), compleja comedia sobre la clase alta con Cary Grant y Doris Day de joven desclasada. Después rodó "Nido de águilas" (A Coathering of Eagles"-1963), película bélica de desiguales resultados con Rock Hudson y Rod Taylor.

  Con la comedia melodramática de pequeño presupuesto "Querido corazón" ("Dear Heart"-1964), logró Geraldine Page su mejor interpretación de la década, al lado de Glenn Ford y Angela Lansbury. En 1964, dirigió "Quick Before It Melts"-1964, que fue la primera película de la que también fue productor. Bajo su producción, también llegaría "La mujer sin rostro" ("Mister Buddwing"-1966), con James Garner y Jean Simons. Por otra parte, Mann tuvo tiempo para dirigir varios proyectos entre ellos un digno telefilm "Heidi"-1968, con Maximillian Schell y Jean Simons. Además, entre 1967 y 1971, sería presidente del Director’s Guild  of America.

  A partir dev los años 70 el director de Kansas se volcó principalmente en el medio televisivo, rodando entre otros muchos titulos, una versión de "Sin novedad en el frente" ("All Quiet on the Western Front"-1979) de Erich Maria Remarque que resultó muy inferior al original literario y a la película de 1929 pero eso si, nada despreciable. En el cine solamente estrenó tres películas:  el clásico de Charlotte Brontë "Jane Eyre"-1970, rodada inicialmente para la televisión y considerada casi la mejor versión, aprovechando el talento de George C. Scott y Susannah York; "David y Catriona"-1971, con Michael Caine y "The Birch Interval"-1977.

  Las siguientes décadas depararon titulos como "Fuga de noche" ("Night Crossing"-1981), con Jane Alexander y John Hurt y "Brantë"-1983, con Julie Harris, prosiguiendo hasta mediados de los años 90 rodando películas para la televisión.

  La acción pues, tiene lugar en el Hotel Beauregard en la localidad costera de Bornemouth en el Sur de Inglaterra. El establecimiento anuncia que ofrece un ambiente familiar, cocina casera y comedor con mesas separadas. Los hechos suceden en el  otoño de 1958. Son huéspedes fijos el comandante Agnus Pollock, militar jubilado con una gloriosa hoja de servicios; la Sra. Railton-Bell, de carácter estricto, intransigente y dominante; la joven Sybill Raiton-Bell, timida, sumisa y dominada por su madre, que sufre circustanciales ataques de histeria; John Malcom, escritor norteamericano, que ahoga en el alcohol los recuerdos de un antiguo amor frustrado; Charles estudiante de medicina; Jean pareja de Charles; un profesor de cultura griega; y otros. La dirección del hotel corre a cargo de la eficiente y atenta Pat Cooper. Acaba de llegar como huésped temporal Ann Shankland, antigua modelo y antigua esposa de John Malcom...

  La película suma digamos que drama y romance. Explora cuatro historias de amor diferentes: una se basa en afinidades derivadas de represiones similares; otra trata de dar una segunda oportunidad a un amor del pasado; la tercera busca consuelo que alivie profundas frustraciones personales y la última es un amor joven, de pareja de hecho, con connotaciones obsesivas. Los personajes son seres solitarios, desilusionados, que ocultan fracasos, frustraciones y desesperación. Necesitan afecto, comprensión, apoyo y amor.

  La comunicación entre los huéspedes resulta dificil, porque topa con prejuicios, conveniencias sociales, inseguridades e incertidumbre. Actitudes intolerantes, intransigentes, inflexibles y autoritarias entran en colisión con propuestas que preconizan comprensión, confianza y afecto. Algunos personajes han de aprender no solo a aceptar a los demás, sino también a aceptarse a ellos mismos. La pequeña sociedad variopinta que forman los huéspedes deviene un microcosmos que refleja y explica el mundo complejo de las relaciones interpersonales y de la convivencia en una sociedad que avanza.

  El guión construye buenos diálogos, diferencia con eficacia los caracteres principales y se sirve de los secundarios, entre otras cosas, como vehículo de humor. En el marco de unas interpretaciones sobresalientes. El ritmo general es pausado, tranquilo y sostenido a lo largo de todo el metraje. Forma parte del grupo de películas que en la década de los 50 adaptaron obras de teatro, como "Un tranvia llamado deseo" ("A Streetcar Named Desire"-1951) de Elia Kazan, "Calle Mayor"-1956 de Juan Antonio Bardem, "Testigo de cargo" ("Witness for the Prosecution"-1957) de Billy Wider, etc.

  La pelicula trata temas diversos: las represiones sexuales, la practica del ostracismo como forma de castigo, los estragos de la intolerancia y el autoritarísmo, las necesidades de afecto que tienen todos los seres humanos,  el alcoholísmo, como falso medio de superar problemas personales, la importancia de la tolerancia y la comprensión humana, la trascendenciia de las segundas oportunidades, la importancia de la comunicación basada en saber escuchar y saber explicarse sin reservas y sin barreras, la utilidad y eficacia de la convivencia basada en la aceptación de la diferencia, la virtualidad del perdón de los errores ajenos, etc.

  La película desgrana una útil e interesante lección de las virtudes civicas básicas para ordenar una convivencia pacifica, duradera y eficiciente. Son escenas memorables la confesión de los embustes de Agnus a Sybill, la elegante secuencia del perdón de los errores de Agnus, la conversación de John  y Anny y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de David Raksin. Un compositor nacido en Filadelfia. Con más de 100 composiciones para películas y más de 300 para la televisión. Una de sus primeras composiciones fue para Charles Chaplin en "Tiempos modernos" ("Moder Times"-1936). Y también es muy recordado por su tema en la película "Laura"-1944 la letra  de Johnny Mercer fue obra suya.

  Y en esta historia de mesas y soledades ofreciéndo una sonora partitura orquestal de acompañamiento descriptivo y ambiental, que invita a la reflexión critica. Añade la canción "Separate Tables", compuesta para la ocasión, con musica de Harry Warren y letra de Harold Ademson.

  La dirección de la fotografía en blanco y negro se le fue encargada a Charles Lang. Un director de fotografía nacido en Utah. Al principio de su carrera trabajó con Carl Akeley para tomas de acción al aire libre y después como camarógrafo en películas mudas tales como: "The Night Patrol"-1926 y "Ritzy"-1927. Después de hacer "Tom Sawyer"-1930 para Paramount Pictures continuó trabajando para este estudio durante más de veinte años.

  En 1951, comenzó la segunda fase de su carrera, esta vez como director de fotografía independiente en películas como "Sabrina"-1954; "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957); "Con faldas y a lo loco" ("Some Like It Hot"-1959; "Charada" ("Charade"-1963) entre otras muchas más. Estuvo nominado al Oscar en numerosas ocasiones ganándolo una vez por "Adios a las armas" ("A Farewell to Arms"-1932).

  Y aqui en donde "todos sueñan despiertos" hilvanando una narración visual sobria y austera, que cierra con un espectácular y emotivo travelling de alejamiento. La película se rodó en el Hotel Miramar de Bournemouth (Dorset, Inglaterra) con decorados de Edward Carrere.

  Extraordinario el cuarteto de actores todos ellos grandes de Hollywood: Burt Lancaster, "Trapecio" ("Trapeze-1956) como John Malcom; David Niven, "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"-1961) como Agnus Pollock; Deborah Kerr, "La noche de la iguana" ("The Night of the Iguana"-1964) como Sibyl Railton-Bell; Rita Hayworth, "Gilda"-1946 como Ann Shankland.

  Y muy bien secundados por: Wendy Heller, "Un hombre para la eternidad" ("A Man for All Seasons"-1966) como Pat Cooper; Gladys Cooper, "My Fair Lady"-1964 como la Sra. Railton-Bell; Rod Taylor, Los pájaros" (The Birds"-1963) como Charles; Audrey Dalton, "Mi prima Rachel" ("My Cousin Rachel"-1952) como Jean...

  En definitiva: Una película en donde el miedo y la soledad están retratados impecablemente. Y con unas interpretaciones extraordinarias. Una película muy recomendable. Sobresaliente.

  "Mesas separadas" logró dos Oscar en 1958. Mejor actor (David Niven) y Mejor actriz secundaria (Wendy Hiller). 

 

17/08/2020 08:29 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

La vida intima de Julia Norris (To Each His Own-1946)

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         En recuerdo de: Olivia de Havilland

  "Parecia que me estaba interpretando a mi misma y no a otra."  (Olivia de Havilland)

  Intensa película de género melodramático y de nacionalidad estadounidense, basada en una historia de charles Brackett. Un novelista y guionista nacido en Nueva York. Se graduó en 1915 en el Williams College, y se licenció en Derecho en la Universidad de Harvard. Su primera novela apareció por entregas en el diario Saturday Evening Post en 1920. La segunda, "Week End" (1925), llamó la atención de Harold Ross que le ofreció un trabajo como critico en su prestigiosa revista The New York.

  Durante esta época publicó otras dos novelas. En los años 30 se trasladó a Hollywood y empezó a trabajar como guionista cinematográfico su primer guión fue para la película "La última avanzada" ("The Last Outpost"-1935) protagonizada por Cary Grant. Entre 1938 y 1939 fue presidente del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y entre 1949 y 1955 presidió la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Logró tres Oscar a lo largo de su carrera por "Dias sin Huella" ("The Last Weekend"-1945), "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard"-1950) y "El hundimiento del Titanic" ("Titanic"-1953).

  Del guión se hicieron cargo Jacques Théry y Dodie Smith. El primero fue un guionista nacido en Paris. Su primera pelicula fue "Una noche de redada" ("Un soir de rafle"-1931) con Annabelle como proyagonísta femenina, y su último guión para el cine fue precisamente "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946). Aunque en 1954 trabajó para la televisión francesa en un episodio de la serie "Lux, Video, Ttheatre.

  El segundo (o mejor dicho la segunda). Una escritora nacida en Manchester (Inglaterra). En 1931 escribió su primera novela "Autumm Crocus" que obtuvo un gran éxito. Durante los años 40 ella y su esposo se mudaron a Estados Unidos. Su obra más conocida alli fue "101 dálmatas" ("The Hundred and one Dalmatians") que la escribió en 1956 y en 1961 Walt Disney la llevó al cine en dibujos animados.

  "La vida intima de Julia Norris" está dirigida por Mitchell Leisen. Un cineasta nacido en Michigan. Tras estudiar la carrera de Arquitectura, trabajó como diseñor de interiores, años antes de iniciar, en 1919, su trayectoria como diseñador de cine.

  Su primer trabajo en el cine fue como diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de 1920 trabajó también para Raoul Walsh, Allan Dwan y Ernst Lubitsch. Todo esto le proporcionó una gran experiencia, asi que hizo de trampolín para saltar a la dirección (el camino normal fue el suyo, y no de empezar como guionísta, como fue el caso de Preston Sturges o John Huston). Logró ser asistente de dirección de Cecil B. DeMille en "El signo de la cruz" ("The Sign of the Cross"-1932). Fue nominado al Oscar por su dirección artística gracias a su trabajo en la película "Dinamita" (Dynamite"-1929) de Cecil B. DeMille.

  Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta 1933 en la Paramoun Pictures con "Canción de cuna" ("Cradle Song"-1933), un drama protagonizado por Dorothea Wleck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con los grandes melodramas, las comedias románticas y solo a veces con las comedias llamadas de "humor delirante"

  Una de sus películas más recordadas fue la adaptación de la obra de Alberto Casella, "La muerte de vacaciones" ("Death Takes a Holiday"-1934), con Fredric March. Rodó la brillante "Campos de espera" ("Four Hours to Kill"-1937), protagonizada por Jean Arthur y con un guión de Preston Sturges que fué otro gran éxito del director.

  Pero asi mismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro. Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el cine. Ya en "Adelante, mi amor ("Arise, My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó "Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fué su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él)

  Pero asimismo logró mucha resonancia con la magnífica "Medianoche" ("Midnight"-1939), con Claudette Colbert, o con "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941) estas dos últimas con guión de Billy Wilder. Destacaba por la calidad de la imágen en todas ellas: esa década fue su edad de oro.

  Durante la década de 1940, Leisen pudo disfrutar de sus momentos de fama en el  cine. Ya en "Adelante, mi amor" ("Arise , My Love"-1940), con Claudette Colbert y Ray Milland. A continuación rodó"Recuerdo de una noche" ("Remenber the night"-1940), con el segundo y último guión de Preston Sturges, que fue su primer titulo como productor, Barbara Stanwyck y Fred MacMurray un músico que Leisen ayudó a saltar al cine (rodando sucesivamente con él) fueron la pareja protagonísta, con gran éxito. Un fiscal acusa a una chica por robo de joyas, y el juicio se pospone hasta que pase la Navidad. El fiscal lleva a la protagonista a Indiana, y la lleva a casa de su madre, que está de camino a su propia casa. Como la madre la rechaza, ella pasa la Navidad con la familia de él, lo que dará lugar a su encuentro.

  Asi mismo destacó con "Ella y su secretario" ("Take a Letter Darling-1942), con Rosallind Russell y Fred MacMurray, y con "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Own"-1946), escreita por Charles Brackett que le valió un oscar a Olivia de Havilland. Estas fueron las películas más destacadas en la carrera de Mitchell Leisen. En la década de 1950 Leisen abandonó el cine parcialmente para dedicarse a la televisión, pero aún haria alguna contribución con "Eligiendo novio" ("The Girl Most Likely"-1958) una comedia musical con Jane Powell y Clift Robertson que sería su última película como director.

  Tras largo tiempo trabajando en la televisión volvió a la pantalla grande pero esta vez con un documental titulado "Spree"-1967. Un documental sobre la vida de la malograda actriz Jane Mansfield.

  La acción pues, tiene lugar en Piersen Falls, Nueva York y Londres, a lo largo de unos 25 años entre 1918 y 1943 y en donde una joven llamada Josephine "Jody" Norris, hija única del propietario del drugstore de la pequeña localidad de Piersen Falls, es seducida por un apuesto militar de aviación llamado Bart Cosgrove,  que está de paso por el pueblo para la venta de bonos de guerra (1ª Guerra Mundial). Unos meses mas tarde muere en acto de servicio. Jody se convierte en madre soltera. Tras el nacimiento (febrero 1918) en Nueva York de su hijo Griggsy (diminutivo de Gregory), que es tomado en adopción por sus amigos Alex y Corinne Piers...

  El relato pues, explica una historia de los sufrimientos y sinsabores de una madre soltera, separada de su hijo a causa de los prejuicios sociales. La película la podriamos clasificar entre drama y romance. Y en donde el director nos presenta una narración rica en sugerencias, sutilezas, indicaciones disimuladas, elipsis y sobreentendidos, que completa y refuerza mediante encuadres, juegos de luz, gestos naturales, elementos del escenario y otros medios visuales. Para captar debidamente la intensa riqueza de detalles significativos que contiene la pelicula, el espectador es invitado a seguirlo con atención y picardia. Pocas cosas suceden y se ven en la historia que no aporten información relevante y sugestiva.

  Una de las propuestas que el director expone es la lucha entre las ideas viejas y nuevas, entre el presente caduco y los cambios que anuncian una época nueva, entre lo abocado a la desesperación y lo emergente para imponerse más allá de la voluntad de las personas. Tiene interés contemplar el contraste entre la luz débil del interior del drugstore y la brillante luminosidad del exterior, el contraste entre las formas modernas (en 1922) del flamante coche aparcado frente al drugstore y la fachada envejecida y deteriorada del mismo.

  Otra de las ideas que en mi pinión subraya el director es la contraposición de la pobreza y el estancamiento de la pequeña localidad y las oportunidades de prosperidad de la ciudad de Nueva York. Lo pone de manifiesto a través de diversos y variados recursos, entre lo que cabe estar a modo de ejemplo el vestido y el modo de comportarse de Mac, antiguo pretendiente de Jody, residente en Nueva York, en comparación con los de los jóvenes residentes en Prersen Falls.

  Sobre todo le interesa al director defender y exaltar la dignidad de la mujer, su capacidad para los negocios no inferior a la del hombre, la corrección y validez de la igualdad de conductos de la relación de la mujer y el hombre, etc.

  Si observamos bien y con detenimiento la aparente seducción de Jody por el piloto, se observan indicaciones que más bien hablan de la seducción de él por ella, aunque en todo caso la situación no es ni clara ni concluyente, como probablemente pretende el director. Se deleita mostrando el fracaso como personas y en los negocios de hombres y mujeres y el éxito de mujeres y hombres, desmitificando uno de los viejos prejuicios más arraigados en relacción a la igualdad de géneros.

  Presta especial atención a la evolución del personaje protagonísta a lo largo de 25 años, desde su espléndida juventud veinteañera pretendida por todos los chicos del pueblo, hasta su madurez de la media edad. Hace referencia al error común de las mujeres que concentran en la maternidad todas sus ilusiones y ambiciones. El director también nos explica con parsimonia que la femenidad puede realizarse a través de otros menesteres si la mujer sabe cambiar y enriquecer su filosofía de género. Nos lo demuestra observando la larga trayectoria desde concepciones convencionales e impuestas hasta la aceptación de su maternidad como algo legítimo, honorable y digno.

  El melodrama que constituye el hilo conductor de la historia es tratado con contención. moderación y equilibrio. Es elevado con la aportación de un conjunto de reflexiones sobre la dignidad de la mujer, que reflejan el estado de opinión sobre el papel de la misma que se manifiesta y generaliza en el pais  tras el comienzo de la 2ª Guerra Mundial. Habla de lo imprevisible de la vida, la necesidad de la adaptación al cambio, la solidaridad, etc. Como de costumbre, cede la oposición central a la mujer, a la que distingue con un trato exquisito y diferente. No falta el humor, que encomienda a la madre cargada de hijos en Persen Falls, la conversación en la oscuridad de la noche en Londres, la tarta de bodas, etc.

  La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. Un compositor nacido en Chicago, empezó como compositor clásico y concertista de violin, pero decidió pasarse a la música popular cuando entró en la orquesta de Isham Jones. Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio de Paris. Mediada la década de 1930 se trasladó a Hollywood donde se concertó en el mundo del cine, grabando música ligera y dando apoyo musical a cantantes de fama, entre ellos Bing Crosby.

  A finales de 1934 firmó contrato con la Decca Records y siguió trabajando en Nueva York hasta mediados de 1936, cuando se mudó a Los Angeles. Ganó dos Emmy, uno en 1950 y otro en 1954. En el cine compuso más de 300 bandas sonoras en peliculas tan emblemáticas como por ejemplo: "El hombre tranquilo" ("The Quiet Man"-1952) de John Ford y "Vacaciones en Roma" ("Roman Holiday"-1953) de William Wyler.

  Y en este drama inolvidable ofreciendo una partitura de tonos suaves y de apoyo, que incorpora una emotiva canción bailable ("Si me quieres tanto como yo a ti") y una canción irónica que es la versión melódica del tema principal, a cargo de Mac.

  La fotografia en blanco y negro corrió a cargo de Daniel L. Fapp. Un director de fotografía nacido en Kansas City. Y mundialmente conocido por su fotografía en la oscarizada e inolvidable "West Side Story"-1961, por la que ganó un merecido Oscar. También fue nominado al oscar por "Deseo bajo los olmos" ("Desire Under the Elms"-1958) de Delbert Mann.

  Y aqui aportando una visualidad ingeniosa y sugerente, colocando la cámara del rodaje de cada escena.

  Maravillosa Olivia de Havilland, "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939) metida en el cuerpo de Josephine "Jody" Norris. Y con ella Mary Anderson, "Travesia peligrosa" ("Dangerous Crossing"-1953) como Corinne Piersen; Roland Culver, "Espias en acción" ("A Man Could Get Killed"-1966) como Lord Desham; Virginia Welles, "Querida Ruth" ("Dear Ruth"-1947) como Liz Lorimer; Bill Goodwin, "Los lios de Susana" ("Brundle of Joy"-1956) como Mac Tilton; John Lend , "Alta sociedad" ("High Society"-1956) como Bart Cosgrone...

  En definitiva: Sin duda, una de los mejores y más infravalorados melodramas de la época dorada de Hollywood. Una película Sibresaliente.

  Olivia de Havilland logró el Oscar a la Mejor actriz.

  A modo de curiosidad: Llama la atención el error de traducción del creador o creadores del titulo español (usando Julia en lugar de Jody).

10/08/2020 08:07 Pablo #. sin tema Hay 8 comentarios.

Hasta siempre!!!

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                 Olivia de Havilland

          "La última estrella del Hollywood dorado"

  El pasado 25 de julio y a la edad de 104 años falleció de muerte natural la mitica actriz Olivia de Havilland.

  Como actriz, fue la última superviviente del cine clásico de Hollywood y, por tanto la última también del mítico reparto de  la película "Lo que el viento se llevó" ("Gone with the Wind"-1939), por lo que fue nominada al Oscar a la mejor actriz por su interpretación como Melanie Hamilton.

  Fue hermana de la también actriz Joan Fontaine (1917-2013), con quien no mantuvo relación desde 1975 hasta el fallecimiento de esta, 38 años  después. El 21 de junio de 2017, a los 100 años de edad, fue nombrada Dama del Imperio Británico, por la reina de Inglaterra Isabel II, siendo la persona más longeva que ha recibido esta  disticción.

  Era hija promogénita de padres británicos, él era abogado que ejercía en Japón, nacida en Tokio al igual que su hermana. Pero a causa de una salud debilitada, y tras la separación de sus padres, se trasladó con su madre y hermana a Estados Unidos concretamente a California, donde cursó sus estudios.

  En febrero de 1919, su madre persuadió a su esposo para que llevara a la familia de regreso  a Inglaterra por clima mas adecuado para sus hijas enfermas. Navegaron hasta San Francisco, donde la familia se detuvo para tratar de amigdalitis a Olivia. Después de que Joan desarrolló una neumonía. La madre decidió quedarse con sus hijas alli, donde finalmente se instalaron en Saratoga. Su padre abandonó a la familia y se casó con su ama de llaves japonesa.

  Olivia fue criada para apreciar las artes, comenzando con leciones de ballet a la edad de cuatro años y leciones de piano un año después. Aprendió a leer antes de los siete años, y su madre,que ocasionalmente enseñaba teatro, música y elocución, le recitaba pasajes de Shakespeare, para fortalecer su dicción. Durante este tiempo, su hermana Joan, comenzó a llamarle "Livvie", un apodo que duraria toda su vida. Olivia ingrsó en la Escuela Primaria de Saratoga en 1922 y le fue bien en sus estudios. Le gustaba leer, escribir poesias y dibujar, y una vez representó a su escuela primaria en un concurso de ortografía del condado, quedando en segundo lugar.

  En abril de 1925 su madre se volvó a casar esta vez con George Milas Fontaine, gerente de unos grandes almacenes en San José era un buen proveedor y un hombre de negocios respetable, pero su estricto estilo de crianza generó animosidad y más tarde rebelión en sus dos hijastras.

  Olivia continuó su educación en la escuela scundaria Los Gatos cerca de su casa en Saratoga. Alli destacó en la oratoria y el hockey sobre hierba y participó en obras de teatro escolares y en el club de teatro escolar, llegando a ser la secretaria del club. Con planes de convertirse en maestra de inglés y habla, también asistió al Convento de Notre Dame en Belmont.

  En 1933, una Olivia adolescente hizo su debut en el teatro de aficcionados con "Alicia en el pais de las maravillas", una producción de Saratoga Community Players basada en la novela de Lewis Carroll. También apareció en varias obras de teatro escolares, incluyendo "The Marchant of Venice" y "Hansel y Gretel". Su pasión por el drama eventualmente le llevó a una confrontación con su padrastro, quien le prohibió participar en otras actividades extracurriculares. Cuando se enteró de que habia ganado el papel principal de Elizabeth Bennet en la producción de la escuela de recaudación de fondos de Jane Austen "Orgullo y prejuicio", él le dijo que tenia que elegir entre quedarse en casa o aparecer en la obra teatral y que no se le ocurriese volver a casa. No queriendo decpcionar a su escuela y sus compañeros de clase, se fue de su casa y se instaló con un amigo de la familia.

  Después de graduarse en la escuela secundaria en 1934, le ofrecieron una beca para estudiar en el Mills College de Oakland para seguir su carrera elegida como profesora de inglés. También le ofrecieron el papel de Puck en la producción de Saratoga Community Theatre de "El sueño de una noche de verano" de Shakespeare. Ese mismo verano, el director austriaco Max Reinhardt vino a California para una nueva producción importante de la misma obra que se estrenaría en el Hollywood Bowl. Después de que uno de los asistentes de Reinhardt la viera actuar en Saratoga, le ofreció el segundo puesto de suplente para el papel de Hermia. Una semana antes del estreno, el suplente Jean Rouverol y la actriz principal Gloria Stuart abandonaron el proyecto, dejando a Olivia, de 18 años, para interpretar a Hermia.

  Con su mente todavia decidida a convertirse en maestra, Olivia inicialmente vaciló, pero finalmente Reinhardt y el productor ejecutivo Henry Blanke la persuadió de firmar un contrato de cinco años con Warner Bros, el 12 de noviembre de 1934, con un salario de 200 dólares por semana, lo que marcaba el comienzo de una carrera profesional de actuación que abarcaría más de 50 años.

  A partir de ese momento formó parte de un equipo consolidado en la Warner, con Errol Flynn (que luego confesó haber estado perdidamente enamorado de ella en aquel momento) como pareja y Michael Curtiz como director. Junto a Errol Flynn protagonizó siete películas, en las que, aunque siendo de temática muy distinta, ella siempre representaba el mismo personaje, de la amada del aventurero, fiel seguidora del héroe. Algunas de estas  peliculas fueron "El capitán Blood" (Captain Blood"-1935), "La carga de la brigada ligera" ("The Charge of the Light Brigade"-1936), "Robin de los bosques" ("The Adventures of Robin Hood"-1938) o "Dodge ciudad sin ley" ("Dodge City"-1939).

  Los años 1940 fueron los más importantes de su carrera, ya que protagonizó "La vida intima de Julia Norris" ("To Each His Owen"-1946) de Michael Leisen y "La heredera" ("The Heiress"-1949) de William Wyler junto a Montgomery Clift, que supondrian los dos Oscar de su carrera. Sin embargo, en el año 1939 ya había interpretado uno de los papeles que más importancia y reconocimento le depararia a nivel mundial, el de Melanie Hamilton en "Lo que el viento se llevó" ("Gone Whit the Wind"-1939), por lo que consiguió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria, aunque el premio se lo llevó su compañera de reparto, Hattie McDaniel, que interpretaba el papel de Mamy y fue la primera actriz afroamericana en conseguirlo.

  En el año 1941 fue de nuevo nominada al oscar a la mejor actriz por su papel en "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn"-1941), pero esta vez fue su hermana Joan Fontaine, nominada por "Sospecha" ("Suspicion"-1941), de Alfred Hitchcock la que se lo llevó. La mala relación que mantenian las dos hermanas pudo apreciarse en la entrega de los Oscar, cuando Joan rechazó las felicitaciones de Olivia al subir a recoger su galardón.

  A pesar de que los años 1940 fueron los mejores de su carrera, fue en esta época cuando tuvo un problema judicial con la Warner, se quejaba de los papeles que le proporcionaban no tenian ningún valor artístico y pensaba que los mejores se los cedian siempre a Bette Davis (un ejemplo evidente es la película "La vida privada de Elizabeth y Essex" ("The Private Lives of Elizabeth and Essex"-1939), entonces el estudio, en represalia no le concedió ningún papel en más de seis meses, Olivia les demandó cuando intentaron prorrogar su contrato de siete años alegando que le debian esos seis meses como castigo. Ganó la demanda pero estuvo casi tres años sin trabajar.

  A partir de los años 1950, sus papeles se fueron distanciando cada vez más. De esta última etapa de su carrera,sus papeles más importantes fueron "No serás un extraño" ("Not As a Stranger"-1955), de Stanley Kramer, "La noche es mi enemiga" ("Libel"-1959), de Anthony Asquith, y "Canción de cuna para un cadáver" ("Hush... Hush, Sweet Charlotte"-1964), de Robert Aldrich. En 1955 encarnó a una noble española, la polémica "La princesa de Ebolí" ("That Lady"-1955), de Terence Young.

  Dejó relegado el cine a partir de 1960 y se dedicó al teatro y la televisión, que emergía en aquellos tiempos, trabajando a lo largo de esta década en varias series exitosas como "Norte y Sur" ("North and South"-1985). Desde entonces, vivió practicamente retirada, y una de sus últimas apariciones fue como presentadora de uno de los premios de la 75ª edición de los Oscar en 2003.

  Olivia de Havilland narró el documental de 2009, "Recuerdo mejor cuando pinto". Se trataba sobre la importancia del arte en el tratamiento de Alzehimer. El 22 de marzo de 2011, se presentó el documental en una proyección especial en Paris.

  El 17 de noviembre de 2008, a la edad de 92 años, Olivia recibió la Medalla Nacional de las Artes. El 9 de septiembre de 2010 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, una distinción que otorga el Presidente de la República de Francia.

  En febrero de 2011 Olivia de Havilland apareció en la ceremonia de entrega de los premios César. Jodie Foster lo presentó y Olivia recibió una gran ovación con el público puesto en pie.

  Falleció por causas naturales el 25 de julio de 2020 a los 104 años de edad en su residencia de Paris mientras dormia, apagándose asi con ella la última estrella de la época dorada de los mejores años del cine de Hollywood de todos los tiempos.

  Olivia Mary de Havilland (Olivia de Havilland) - 1 - julio - 1916 - Tokio (Japón) - 25 - julio - 2020 - Paris (Francia)

                                ¡DESCANSE EN PAZ!

 

01/08/2020 09:04 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.

Los jueves milagro - 1957

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  "Luisito, no toques eso, transmite el tétanos, ya lo sabes..."

  "Luisito, alejate de ahí..."

  "Luisito,..."

  Espléndida e ingeniosa película de género de comedia y de nacionalidad española.

  El guión fue escrito por José Luis Colina. Un ptolífico guionísta y colaborador en varias películas de Luis Garcia Berlanga. Y de otros muchos éxitos del cine español de los años 50. Un hombre de gran talento y notable sentido del humor. Fue director de Televisión Española. Entre sus películas como guionísta tiene titulos muy emblemáticos tales como: "El piyayo"-1956 y "Plácido"-1961, entre otras muchas mas.

  El segundo y a vez director de la película fue Luis Garcia Berlanga. Un cineasta nacido en Valencia. Berlanga está unanimamente considerado como uno de los maestros del cine español. Nacido en 1921, atrajo la atención internacional con el estreno de su primer proyecto como director en solitario "Bienvenido, Mister Marshall"-1953. Esta película, una aproximación satírica a las costumbres de la España de Franco y también a los intentos del régimen por salir del aislamiento internacional, ganó el premio internacional y una mención especial en el Festival de Cannes, y fue nominada para el gran premio del mismo.

  Poco antes de rodar esta película, Berlanga había trabajado con otro director español importante, Juan Antonio Bardem, codirigiendo la comedia ligera "Esa pareja feliz"-1953. Aunque es posible que fuera de España se le siga conociendo sobre todo por "Bienvenido, Mister Marshall", Berlanga siempre hizo sus mejores películas a principio de los años sesenta, cuando forjó la sociedad creativa más importante de toda su carrera con el guionísta Rafael Azcona. Juntos colaboraron en "Plácido"-1961 y en "El verdugo"-1963, un par de películas de humor negro que atacaban la moral corrupta del Estado español.

  La segunda de ellos resultó demasiado problemática para las autoridades españolas, y durante los cuatro años siguientes a Berlanga le costó hacer despegar ninguno de sus proyectos. Una vez acabada la dictadura de Franco en 1975, el director pudo volver a trabajar con libertad. Realizó una serie de farsas satirizando a viejos personajes que se habían mantenido en el poder durante (e incluso después) la transsición a la democracia. Tras el estreno de "Paris Tombuctú"-1999, Berlanga anunció que se retiraba del mundo del cine, bajando asi el telón de una de las filmografías más únicas e infrovaloradas del cine europeo de posguerra.

  Asi pues, el gran Berlanga nos lleva hasta Fuentecilla, un pequeño pueblo aislado (el tren nunca para en la estación), con un antiguo balneario de aguas termales con propiedades curativas, reconocido en el pasado, pero caido actualmente en el olvido. Seis amigos, que componen las fuerzas vivas de la localidad, deciden representar un milagro para promocionar el turismo, la actividad económica en el lugar y sus propios intereses...

  Forman el grupo el alcalde (don Antonio), el maestro (don Salvador), el médico (don Manuel), el farmaceútico (don Evaristo), el propietario del balneario (don Ramón) y un propietario agrícola (don José).

  Muy buena película. Si señor. Y en donde suma comedia y cine fantástico. Berlanga nos presenta una jocosa sátira social de la España de mediados de los años 50. Se burla del papanatísmo y el borreguísmo que informan el fervor religioso de la gente sencilla, crédula y manipulada. Se burla de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y de su enorme capacidad de influencia.

  Se burla de la utilización de la religión como instrumento de poder. Se burla de la cultura tramposa, picara y oportunísta de las fuerzas vivas. Se burla del egoísmo y del drástico individualísmo de las mismas. Se burla de la estrechez de miras que las guia. no buscan la promoción de los intereses del pueblo, sino la satisfación de su codicia, su beneficio particular inmediato.

  Como parte de la sátira expone la pobreza intelectual de la lecciones que se imparten en la escuela, los contenidos absurdos de las mismas y la presencia reiterada del recurso a los castigos fisicos como incentivo docente. Pone de manifiesto la dificultad de comunicación entre personas y grupos sociales, de acuerdo con una de las costumbres del realizador. Su conocida misontropia explicaria la exclusión de la mujer en todo papel revelante y protagonísta.

  La primera etapa de la filmografía de Berlanga, a la que pertenece la película, se caracteriza por la influencia que causa de René Clair, Frank Capra y del nerrealísmo italiano. Es esta una de las comedias más logradas del director, pese a los problemas que tuvo con la censura y las interferencias que sufrió de organizaciones religiosas. La película está impregnada de ironía, ternura, critica aguda y humor negro. Aunque su estreno constituyó un fracaso de taquilla.

  La narración se desarrolla a un ritmo rápido y ágil. El relato, la historia de un fracaso, retiene la atención del espectador, le mantiene con la sonrisa en los labios y les lleva en varias ocasiones a la carcajada. Son escenas destacadas la representación de la primera aparición de San Dimas, la conversión de don José en un filántropo, las discusiones de los seis amigos por cuestiones de interés personal, el intento de conversión del agua en vino y otras.

  La banda sonora corrió a cargo de Franco Ferrara. Un compositor y director de orquesta nacido en Florencia. Después de obtener varios diplomas en piano, violín, órgano y composición musical en el Conservatorio de Bolonia, comenzó su carrera como violinísta en Bolonia, Roma y Florencia (1933-1940). Animado a asumir la dirección debutó en 1938 en Florencia comenzando una brillante carrera. En 1948, se retiró de la dirección en conciertos públicos debido a problemas de salud, pero siguió conduciendo para los registros y fue contratado como maestro en la Academia Nazionale de Santa Cecilia de Roma.

  También es muy conocido como director de música cinematográfica con películas como: "Hombre o demonio" ("Attila"-1954) protagonizada por Anthony Quinn y Sofia Loren, y "Anibal"-1959 con Victor Mature en el papel principal.

  Y aqui ofreciendo unas composiciones de aires populares, ecos de feria y tono sacártico y burlesco. El tema principal, de 10 notas, es pegadizo y sugestivo. Añade además fragmentos del "Gloria, del aria "Figaro" ("El barbero de Sevilla") de Rossini, y temas de pasacalles.

  La fotografía en blanco y negro es obra de Francisco Sempere. Un director de fotografía nacido en Madrid. Comenzó como ayudante de cámara de Fred Mandel en "Nuestra Natacha" -1936 de Benito Perojo y operador de cámara de José Aguayo durante buena parte de los años cuarenta. Su estreno como operador fue con "Hermano menor"-1952 de Domingo Vilademot y trabajaría habitualmente en esta década de los cincuenta con Nieve Conde (en todas sus películas, cinco, entre "Rebeldia"-1954 hasta "El inquilino"-1958. Con él volvió en "Más allá del deseo"-1976. Con Berlanga lo hizo en varias de sus películas (desde "Calabuch"-1956, hasta el episodio de "Las cuatro verdades"-1962). Con Marco Ferrari trabajó en dos de las tres películas que el italiano rodó en España, "El pisito"-1958 y "Los chicos"-1959. Francisco Regueiro, uno de los valores del Nuevo Cine Español requirió sus servicios para "Amador"-1965, y luego pondría su oficio en películas con José Maria Forqué, Pedro Lazaga y Rovira Beleta, con Luis Maria Delgado trabajó en su última película "Hierba salvaje"-1979.

  Y aqui, presentando notables planos secuencias, escenas corales que reúnen a muchos personajes y abundantes lances de humor visual. Los exteriores fueron rodados en el pueblo aragonés de Alhama de Aragón y los interiores en los platós de los Estudios Chamartin de Madrid.

  Extraordinario el elenco interpretativo a nivel internacional elegido aqui por el maestro Berlanga. Capitaneados por un inmenso (como siempre) José Isbert, "El verdugo"-1963, metido en el cuerpo de don José, seguido por un actor de fama universal me refiero a a Richard Basehart, "Los reyes del sol" ("Kings of the Sun"-1963) como Martino; el italiano Paolo Stoppa, "El gatopardo" ("Il gattopardo"-1963) como don Salvador; Juan Calvo, "Marcelino pan y vino"-1955 como don Antonio; Alberto Romea, "Historias de la radio"-1955 como don Ramón; Félix Fernández, "La verbena de la Paloma"-1963 como don Evaristo; Manuel de Juan, "La hija de Juan Simón"-1957 como don Manuel. Y en este "milagro del cine español" también andaban por allí a dos grandes de nuestro cine, aunque en breves papeles: Manuel Alexandre "Atraco a las tres"-1962 como Mauro y José Luis López Vázquez, "Mi querida señorita"-1972 como don Fidel. Y como anécdota en los titulos de crédito aparece un tal Luisito Varela, que no es ptro que Luis Varela de niño, y muy conocido haciendo de jefe en la exitosa serie de televisión "Camera café", y aqui como Luisito.

  En definitiva: Una pequeña joya del cine español. Una película muy recomendable de ver, con la que uno se divertirá y le hará de reflexionar.  Sobresaliente.

 

 

18/07/2020 08:02 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Atraco perfecto (The Killing - 1956 )

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  "Hay que asegurarse que la recompensa es digna de riesgo."

  Exreaordinaria película de género de acción y de nacionalidad estadounidense, basada en una novela de Lionel White. Un novelista y periodísta nacido en Nueva York. Fue reportero de crimenes y comenzó a escribir novelas de suspense en 1950. Escribió más de 35 libros la mayoria traducidos a varios idiomas. Entre sus muchas novelas llevadas al cine caben de destacar además de "Atraco perfecto", "La trampa del dinero" ("The Money Trap"-1965) protagonizada por Glenn Ford y "La noche del dia siguiente" ("The Night of the Following Day""-1969) con Marlon Brando en el papel principal.

  Del guión se hizo cargo el también director de la película Stanley Kubrick. un cineasta nacido en Nueva York. De niño aprendió a jugar al ajedrez, un juego de estrategia, y cuando cumplió trece años recibió una cámara de regalo. Más adelante, su visión del mundo se fué enriqueciendo con la capacidad de reconocer las relaciones dinámicas entre la gente y de representar esas luchas a través de un objetivo.

  Produjo el documental "Flying Padre"-1951 y dirigió otros dos documentales, "Day of the Fight"-1951 y "The Seafarers"-1953, una película que costó a Kubrick su primer matrimonio. Luego realizó "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1955) y "Atraco perfecto" ("The Killing"-1956), después de las cuales el actor Kirk Douglas le invitó a dirigir "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957), sobre la Pimera Guerra Mundial.

  La sociedad entre Douglas y Kubrick dió origen a "Espartaco" ("Spartacus"-1960), que se convirtió en un escaparate para el actor y el director, aunque el segundo no se mostró dispuesto a someterse a las presiones de las estrellas. En esta historia del mitico héroe romano, dirigió emocionantes escenas de lucha. Sin embargo las interferencias del estudio en la producción de la obra le enfurecieron tanto que abandonó Hollywood, tras su segundo matrimonio fallido. Después de trasladarse al Reino Unido, Kubrick pasó el resto de su vida en un relativo aislamiento y se volvió cada vez más misterioso y excéntrico.

  Su siguiente película "Lolita"-1962, era una adaptación de la novela de Vladimir Nabakob sobre la pedofilía, luego Kubrick respondió a las tensiones de la Guerra Fria con la comedia negra "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú" ("Dr. Strangelove, of How I Leonard to Stop Worrying and Love the Bomb"-1964), que marcaba a la perfección el espíritu de la época y se convirtió en una referencia para el movimiento pacifísta. Su éxito le reportó tres nominaciones al Oscar al mejor guión, dirección y producción y le consolidó como uno de los grandes directores de su generación, un estatus confirmado con el viaje al futuro de "2001. Una odisea en el espacio" ("2001: A Space Odyssey"-1968).

  "La naranja mecánica" ("A Clokwork Orange"-1971), una adaptación de Anthony Borgess, sobre un rufián incorregible que empeora con la terapia que sigue, que y continúa siendo una película muy controvertida. Esta película sufrió la censura tanto por lo que representa de forma explicita (violaciones, violencia de grupo y crueldad abyecta) como lo que sugiere sobre la condición humana.

  La reputación de Kubrick como director riguroso, exigente y perfeccionista se confirmó con su comportamiento durante el rodaje de "Barry Lyndon"-1975, pelicula encargada como una superproducción de época. Esta obra, donde mostró su tendencia a ejercer un control total de todo el proceso artistico, le proporcionó otras tres nominaciones al Oscar y alimentó el mito de su fuerza creativa. Decir que "El resplandor" ("The Shining"-1980) es una película de terror es correcto pero incompleto. Esta adaptación de una novela de Stephen King es en realidad una reflexión sobre el estrellato de Jack Nicholson. Es una descripción de los efectos de aislamiento en la psique de un hombre con problemas  resulta inevitable ver una alegoria del propio director durante los últimos años.

  Kubrick se adentró en la guerra de Vietnam en "La chaqueta metálica" ("Full Metal Jacket"-1987), una expresión de la locura del Primer Mundo ejercida en el Tercer Mundo, y de unos hombres convertidos en autómatas a través del pensamiento grupal y del castigo fisico. La pelìcula consiguió otra nominación de la Academia al mejor guión, gustó tanto a la critica como al público. El último trabajo de Kubrick "Eyes Wide Shut"-1999), realizado poco antes de su muerte, es un viaje de descubrimiento: desvela un mundo de tensión sexual y moral a través de la aventura de un médico. El público la recibió con frialdad y la critica con dureza por el erotismo explicito.

  En conjunto, la obra de Kubrick suele ser reflexiva y dificil para el público, pero resulta al mismo tiempo brillante, ya que plantea con fuerza una serie de preguntas sobre la naturaleza humana y su deseo de conseguir un estatus.

  La acción pues, nos mete en la vida de un tal Johnny Clay que, tras pasar cinco años en prisión ha planeado el atraco perfecto y decide ejecutar su plan. Se trata de robar la recaudación de un hipódromo. Para ello recluta a un grupo que le ayude a llevar acabo el asaalto: Randy Kennan, un policia corrupto; Mike O’Reilly, que necesita el dinero para proporcionar un tratamiento a su mujer enferma; George Petty, un pusilánime que quiere darle a su ambiciosa e infiel esposa una vida mejor y Nikki Areane, un tirador que debe disparar a un caballo durante una de las carreras. Johnny  lidera la banda en el atraco, cuando la muerte del animal, abatido por Areane, genera una gran confusión en gradas y oficinas del hipódromo, Nikki también es alcanzado por los disparos del vigilante del aparcamiento, donde se había apostado para disparar al caballo... 

  La película suma crimen, drama, thriller y cine negro, y concibe como un homenaje a "La jungla del asfalto" ("The Asphalt Jungle"-1950) de John Huston, película que impresionó fuertemente a Kubrick cuando la vió de joven. Hace pues, un estilo narrativo no lineal, que resulta innovador, consistente en explicar los hechos desde diversos puntos de vista de varios personajes. Para ello algunas escenas se repiten, como la salida de la carrera de caballos. El uso de este recurso hace que la trama parezca más compleja y dificil de lo que realmente es. Se incluye la voz de un narrador anónimo, que podría ser la conciencia de Johnny, y se recurre a flasbacks para explicar antecedentes.   

  El relato se podria decir que se divide en tres partes clássicas (planteamiento, nudo y desenlace). El guión está escrito con fluidez y contundencia, la historia es atractiva y la intriga resulta absorbente. Los diálogos se glosan en intervenciones breves, secas y cortantes. Incorpora los elementos propios del cine negro clásico: personajes cinicos, ambientes nocturnos, atmósfera opresiva, comportamientos perversos, mujer fatal, flashbacks, etc. El suspense se basa en un hábil manejo de la incertidumbre, conductas disruptivas, sorpresas, errores (confusión de caseta), manias (obsesión de Johnny por la puntualidad) y casualidades.

  La película propone una interesante reflexión sobre la importancia de la planificación y la fuerza superior del azar y la fatalidad en un mundo limitado, en el que la perfección y la ausencia de riesgos no existe.

  La banda sonora corrió a cargo de Gerald Fried. Un compositor nacido en Nueva York. Compuso musica para conocidas series de televisión de los años 60 y 70 como por ejemplo: "Mission imposible" y "Raices". Colaboró con Kubrick en varias de sus películas "El beso del asesino" ("Killer’s Kiss"-1953) y "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) entre otras. Fue nominado para cinco Premios Emmy, ganándolo en 1977 por el documental "Roots: One Year Later".

  Y en este atraco aportando una partitura original de música pegadiza e insistente, que crea sentimientos de temor, tensión y angustia.

  La fotografía en blanco y negro corresponde a Lucien Ballard. Un director de fotografía nacido en Oklahoma. Comenzó trabajando en películas para la Paramount en 1929 cargando camiones y se entrenaba para asistente de cámara, después comenzó a trabajar con Henry Hathaway en "Correo dipolmático" ("Dipolmatic Courier"-1952) y "El principe valiente" ("Prince Valiant"-1954). Su primera película como director de fotografia fue ese mismo año con "Fugitivos rebeldes" ("The Raid"-1954) protagonizada por Van Heflin y dirigida por Hugo Fregonese, su última película fue "Un tio muy especial" ("Rabbit Test"-1978) con Billy Crystal como protagonísta y Joan Rivers de director.

  Y en este interesante atraco "casi perfecto" ofreciéndo un atractivo recital de sombras, luces, contraluces y claroscuros, de inspiración expresionísta, propia del cine negro clásico. Ofrece encuadres inferiores, torcidos y oblicuos, que crean sensaciones de peligro y riesgo. Evita tanto como puede el juego de plano/contraplano, que substituye por travellings laterales y largos planos fijos, que aportan realismo. La narración, de ritmo intenso y enfebrecido, culmina en una escena final antológica, muy imitada en cine "Código del hampa" ("The Killers"-1964) de Don Siegel.

  Muy bien Sterling Hayden, "Johnny Guitar"-1954, metido en el personaje de Johnny Clay, un expresidiario que decide dar el último golpe de su vida y asi poder retirarse  junto con su amada Fay.

  Y seguido por Gleen  Gray, "Rio Rojo"-1948 como Fay; Ted de Corsia, "La dama de Shanghai" ("The Lady from Shanghi"-1948), como Randy Kennan; Joe Sawyer, "Gilda"-1946, como Mike O’Reilly; Elisha Cook Jr. "El halcón maltés" ("The Maltese Falcon"-1941), como George Peatty; Marie Windsor, "La soga de la horca" ("Cahill U. S. Marshall"-1973) como Sherry la esposa de George; Timothy Carey, "Senderos de gloria" ("Paths of Glory"-1957) como Nikki Areane; Vince Edwards, "La brigada del diablo" ("The Devil’s Brigade"-1968) como Val Cannon...

  En definitiva: Una muy buena película con un gran trabajo de un joven Kubrick (28 años), en fase de aprendizaje y progresión hacia una espléndida madurez.  Sobresaliente.

  "Atraco perfecto" estuvo nominada al BAFTA a la mejor película.

 

13/07/2020 16:16 Pablo #. sin tema Hay 6 comentarios.

Conspiración de silencio (Bad Day at Black Rock - 1955)

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  "Un mal dia lo tiene cualquiera"...

  Obra maestra de género de intriga - racismo y de nacionalidad estadounidense, baada en un  relato corto "Bad Day  at Hondo" de Howard Brestim. Un novelísta y guionísta nacido en Nueva York. Se graduó en la Regis Hign School en 1932 y comenzó a trabajar como escritor para programas de radio. En 1946 escribió esta novela que más tarde fué llevada al cine con todos los honores. Otra de sus novelas también llevada a la pantalla grande fue "Plactinum High School"-1960 protagonizada por Mickey Rooney.

  Del guión se hizo cargo Millard Kaufman. Un guionísta y también novelísta nacido en Baltilmore. Se graduó en la Batilmore City College y finalmente en la Universidad Johns Hopkins. Se alistó en la Infanteria de Marina en 1942 sirviendo en Guadalcanal. En 1949 escribió el guión para el cortometraje "Regtime Bear", que fue la primera aparición del famoso pesonaje Mr. Magoo. Fue nominado al Oscar en varias ocasiones lográndolo en 1955 con "Hombres de Infanteria" ("Take the High Ground!".

  "Conspiración de silencio" está dirigida por John Sturges. Un cineasta nacido en Illinois. Comenzó su carrera en el taller de la RKO Pictures, como editor y ayudante de producción. Estando de servicio en el Cuerpo del Ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial dirigió algunos documantales, y tras volver a Hollywood realizó una película, el thriller "Yo arriesgo mi vida" ("The Man Who Dared"-1946). Durante los diez años siguientes, Sturges dirigió una serie de películas modestas, a menudo de acción y dramas como se dió el caso de su obra maestra "Conspiración de silencio" ("Bad Day at Black Rock"-1955) donde demostró lo que podia hacer con un buen guión y una buena estrella Spencer Tracy.

  Siguieron y con enorme éxito "Duelo de titanes" ("Gunfight at the OK Corral"-1957) con Burt Lancaster y Kirk Douglas, donde reveló su talento para el western, controlado y falto de pretensiones, y le convirtió en uno de los especialistas en este género de Hollywood.

  Su carrera siguió con dos exclentes películas más, "Desafio en la ciudad muerta" ("The Law and Jake Wade"-1958) y "El últino tren de Gun Hill" ("Last Train from Gun Hill"-1959), antes de dirigir el wester épico "Los siete magníficos" ("The Magnificent Seven"-1960), un verdadero éxito internacional que dió pie a muchas versiones posteriores. Basándose en "Los siete samurais ("Seven Samurai"-1954), de Akira Kurosawa, Sturges trasladó la acción a México.

  Otro gran éxito fue "La gran evasión" ("The Great Escape"-1963) drama que transcurre en un campo de concentración alemán durante la Segunda Guerra Mundial y que convirtió en superestrella a Steve McQueen. Este clásico de las películas de fugas de la cárcel destacó sobre todo por la magnífica secuencia de las motocicletas.

  En estas películas, la dirección de Sturges es siempre muy eficiente, y las secuencias de acción están plasmadas de una forma impecable, "La hora de las pistolas" ("Hour of the Gun"-1967), una secuela de "Duelo de titanes", con James Garner en el papel de Watt Earp, es una película incluso mejor, pero los últimos westerns de Sturges, como "Joe Kidd"-1972, con Clint Eastwood fueron decepcionantes.

  La acción pues, tiene lugar en un dia de 1945, acabada la Segunda Guerra Mundial y nos narra la historia de un veterano militar llamado John J. Maccreedy, un ciudadano de Los Angeles que se desplaza al pueblo de Black Rock para hablar con un granjero japonés-estadounidense, llamado Kamoko, a quien quiere comunicar que su propio hijo falleció tratando de salvarle la vida en Italia durante la contienda. Pero lo que Maccredy desconoce, aunque tendrá la oportunidad de ir descubriendo todo sobre la marcha, es que dicho hombre fue asesinado a causa de los prejuicios que el bombardeo de Pearl Harbor despertó entre los lugareños, practicamente en uno de ellos: Reno Smith que además fue rechazado en la oficina de reclutamiento del ejército de Estados Unidos, cuando quiso alistarse para combatir contra los japoneses...

  Extraordinaria película. Si señor. Y en donde Sturges nos muestra como las actitudes racistas y xenófabas pueden desencadenar tragedias personales y colectivas, injustas y rigurosamente punibles. Los prejuicios y la intolerancia que los informan no tieen sentido, carecen de justificación, se alimentan de odio y engendran odio, inseguridad y angustia.

  Se muestra una comunidad en la que el imperio de la ley ha sido desplazado por grupos de granujas a las órdenes del tal Reno, un desalmado que mantiene a los convencinos sometidos a su capricho y aislados del exterior. Pero la presencia de ese forastero desestabiliza el precario equilibrio de dominación y sometimiento que rige al amparo del miedo. Su lucidez, astucia, valentia y su rechazo del miedo, ponen en evidencia la debilidad del impostor.

  La banda sonora fue dirigida por Andre Previn. Un  compositor nacido en Berlin (Alemania). En 1938 su familia emigró a Estados Unidos huyendo del régimen nazi y en 1943 consiguió la nacionalidad estadounidense. En 1948 comenzó su carrera estableciéndose en Los Angeles y durante bastante tiempo trabajó en el departamento musical de la MGM, dirigido por Arthur Freed. A finales de 1950 grabó discos como pianista de jazz colaborando con Shelly Mcnne y Benny Carter.

  En 1967 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la de Londres. Su carrera en Hollywood se concentró en la composición de numerosas películas musicales. Fue nominado al Oscar en numerosas ocasiones, lográndolo en cuatro de ellas por "Gigi"-1958, "Porgy & Bess"-1959, "Irma la dulce"-1963 y "My Fair Lady"-1964.

  Y en este maldito dia en un pueblo americano, mostrándo una música que suena con fuerza y solemnidad, interpretada por una orquesta de viento y percursión.

  La fotografia en color y formato Cinemascope fue dirigida por William C. Mellor. un director de fotografía nacido en Missouri. Después de ganarse la vida en una serie de películas B en la década de 1930, comenzó a incursionar seriamente como director de fotografía en 1940 cuando trabajó para Preston Sturges en "El gran McGinty" ("The Great McGinty"-1940). Pero donde hizo sus mejores trabajos fueron con George Stevens en dos de sus mejores películas "Un lugar en el sol" ("A Place in the Sun"-1951) y "El diario de Anna Frank" ("The Diary of Anne Frank"-1959), donde logró sendos Oscar y con William Wellman en  "Caravana de mujeres" ("Westward the Women"-1951). También contribuyó en varios westerns de Anthony Mann, como por ejemplo "Colorado Jim" ("The Naked Spur"-1953), y en varios musicales de la MGM.

  Y en esta historia llena de prejuicios e intolerancias, haciendo uso de encuadres excelentes, escenas nocturnas iluminadas con sabiduria, un discreto recurso a la "noche americana", planos medios bien centrados en la pantalla Cinemascope y los travellings excepcionales de la  presentación del tren.

  Sensacional Spencer Tracy, "Lanza rota" ("Broken Lance"-1954) en el papel de John Macreedy. Y seguido por otro sensacional Robert Ryan, "La colina de los diablos de acero" ("Men in War"-1957), como Reno Smith.

  Y acompañandoles un elenco de grandes y magníficos actores tales como: Lee Marvin, "Los profesionales" ("The Professionals"-1966), como Hector David; Ernest Borgnine, "Los vikingos" ("The Vikings"-1958), como Coley Trimble; Dean Jagger, "Historia de una monja" ("The Nun’s Story"-1959), como Tim Horn; Walter Brennan, "Rio Bravo"-1959, como Doc Velie; John Erickson, Fuego verde" ("Green Fire"-1954), como Peter Wirth. Y por supuesto que no podría faltar una mujer y en este caso se trata de la bellísima Anne Francis, "Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle"-1955), y aqui dando vida a Liz Wirtz, la hermana de Peter. 

  Resumiendo: Una obra maestra de su género. Ua película dotada de grandes virtudes que convence y emociona. Una película imprescindible. Matricula de Honor.

 "Conspiración de silencio" estuvo nominada al Oscar en tres apartados: Director, Actor (Spencer Tracy) y Guión.

  A modo de curiosidad: Ernest Borgnine que en  esta película tiene un papel secundario, ese mismo año logró el Oscar al mejor actor por su interpretación en "Marty".

06/07/2020 16:46 Pablo #. sin tema Hay 7 comentarios.


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